rumah › Ulasan › Budaya musik dan pendidikan di zaman Renaisans. Budaya musik abstrak kebangkitan

Budaya musik dan pendidikan di zaman Renaisans. Budaya musik abstrak kebangkitan

Musik pada periode abad XV-XVII.

Pada Abad Pertengahan, musik adalah hak prerogatif gereja, jadi sebagian besar karya musik itu sakral, didasarkan pada himne gereja (nyanyian Gregorian), yang merupakan bagian dari agama sejak awal kekristenan. Pada awal abad ke-6, melodi kultus, dengan partisipasi langsung dari Paus Gregorius I, akhirnya dikanonisasi. Nyanyian Gregorian dibawakan oleh penyanyi profesional. Setelah musik gereja menguasai polifoni, nyanyian Gregorian tetap menjadi dasar tematik karya kultus polifonik (massa, motets, dll.).

Abad Pertengahan diikuti oleh Renaisans, yang bagi para musisi merupakan era penemuan, inovasi dan penelitian, Renaisans dari semua lapisan manifestasi budaya dan ilmiah kehidupan dari musik dan lukisan hingga astronomi dan matematika.

Meskipun pada dasarnya musik tetap religius, namun melemahnya kontrol gereja atas masyarakat membuka kebebasan yang lebih besar bagi komposer dan artis dalam mewujudkan bakatnya.

Dengan ditemukannya mesin cetak, menjadi mungkin untuk mencetak dan mendistribusikan partitur musik, dan sejak saat itu mulailah apa yang kita sebut musik klasik.

Selama periode ini, alat musik baru muncul. Yang paling populer adalah instrumen yang dapat dimainkan oleh pecinta musik dengan mudah dan sederhana, tanpa memerlukan keahlian khusus.

Pada saat itulah viola, pendahulu biola, muncul. Fret (strip kayu di fretboard) membuatnya mudah dimainkan, dan suaranya tenang, lembut, dan dimainkan dengan baik di tempat kecil.

Juga populer alat musik tiup- perekam, seruling dan klakson. Musik paling kompleks ditulis untuk harpsichord yang baru dibuat, perawan (harpsichord Inggris, ditandai dengan ukuran kecil) dan organ. Pada saat yang sama, para musisi tidak lupa untuk menggubah musik yang lebih sederhana yang tidak membutuhkan keterampilan pertunjukan yang tinggi. Pada saat yang sama, ada perubahan dalam penulisan musik: balok cetak kayu yang berat diganti dengan huruf logam bergerak yang ditemukan oleh Ottaviano Petrucci dari Italia. Karya musik yang diterbitkan dengan cepat terjual habis, semakin banyak orang mulai bergabung dengan musik.

Harus dilihat: Peristiwa Besar dalam Sejarah Musik Klasik di Italia.

kelahiran kembali(Perancis Renaisans) - sebuah era dalam kehidupan budaya dan sejarah Eropa Barat pada abad XV-XVI. (di Italia - abad XIV-XVI). Ini adalah periode kemunculan dan perkembangan hubungan kapitalis, pembentukan bangsa, bahasa, dan budaya nasional. Renaisans adalah masa penemuan geografis yang hebat, penemuan percetakan, perkembangan ilmu pengetahuan.

Era itu dinamai kebangkitan minat antik seni yang menjadi cita-cita bagi tokoh budaya masa itu. Komposer dan ahli teori musik - J. Tinktoris, J. Tsarlino, dan lainnya - mempelajari risalah musik Yunani kuno; dalam karya musik Josquin Despres, yang dibandingkan dengan Michelangelo, "kesempurnaan yang hilang dari orang Yunani kuno telah meningkat"; muncul pada akhir abad ke-16 - awal abad ke-17. opera berorientasi pada pola drama kuno.

Seni Renaisans didasarkan pada humanisme(dari bahasa Latin "humanus" - manusiawi, filantropis) - pandangan yang menyatakan seseorang sebagai nilai tertinggi, membela hak seseorang atas penilaiannya sendiri atas fenomena realitas, mengedepankan persyaratan pengetahuan ilmiah dan refleksi yang memadai dalam seni dari fenomena realitas. Para ideolog Renaisans menentang teologi Abad Pertengahan dengan cita-cita baru tentang seorang pria yang dijiwai dengan perasaan dan minat duniawi. Pada saat yang sama, ciri-ciri era sebelumnya dipertahankan dalam seni Renaisans (pada dasarnya sekuler, ia menggunakan gambar seni abad pertengahan).

Renaisans juga merupakan masa gerakan keagamaan anti-feodal dan anti-Katolik yang luas (Hussitisme di Republik Ceko, Lutheranisme di Jerman, Calvinisme di Prancis). Semua gerakan keagamaan ini disatukan oleh konsep umum " Protestantisme" (atau " reformasi»).

Selama Renaisans, seni (termasuk musik) menikmati prestise publik yang tinggi dan menjadi sangat tersebar luas. Seni rupa (L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Bruegel dan lainnya), arsitektur (F. Brunelleschi, A. Palladio), sastra (Dante, F. Petrarch, F. Rabelais, M. Cervantes , W. Shakespeare), musik.

Ciri khas budaya musik Renaisans:

perkembangan yang cepat sekuler musik (penyebaran luas genre sekuler: madrigal, frottols, villanelles, "chansons" Prancis, lagu polifonik Inggris dan Jerman), serangannya terhadap budaya musik gereja lama yang ada secara paralel dengan budaya sekuler;

realistis tren musik: plot baru, gambar yang sesuai dengan pandangan humanistik dan, sebagai hasilnya, sarana baru ekspresi musik;

rakyat merdu sebagai awal terkemuka dari sebuah karya musik. Lagu daerah digunakan sebagai cantus firmus (melodi tenor utama yang tidak berubah dalam karya polifonik) dan dalam musik polifonik (termasuk musik gereja). Melodi menjadi lebih halus, lebih luwes, merdu, karena adalah ekspresi langsung dari pengalaman manusia;

pembangunan yang kuat polifonik musik, termasuk Dan " gaya ketat" (jika tidak - " polifoni vokal klasik", Karena berfokus pada penampilan vokal dan paduan suara). Gaya ketat menyiratkan kepatuhan wajib pada aturan yang ditetapkan (norma gaya ketat dirumuskan oleh J. Carlino dari Italia). Ahli gaya ketat menguasai teknik tandingan, imitasi, dan kanon. Penulisan ketat didasarkan pada sistem mode gereja diatonis. Konsonan mendominasi dalam harmoni, penggunaan disonansi dibatasi secara ketat oleh aturan khusus. Mode mayor dan minor serta sistem jam ditambahkan. Dasar tematiknya adalah nyanyian Gregorian, tetapi melodi sekuler juga digunakan. Konsep gaya ketat tidak mencakup semua musik polifonik Renaisans. Ini berfokus terutama pada polifoni Palestrina dan O. Lasso;

pembentukan jenis musisi baru - profesional, yang menerima pendidikan musik khusus yang komprehensif. Konsep "komposer" muncul untuk pertama kalinya;

pembentukan sekolah musik nasional (Inggris, Belanda, Italia, Jerman, dll);

penampilan pemain pertama kecapi, biola, biola, harpsichord, organ; berkembangnya pembuatan musik amatir;

munculnya tipografi.

Genre musik utama Renaisans

Ahli teori musik utama dari Renaisans:

Johannes Tinctoris (1446 - 1511),

Glarean (1488 - 1563),

Josephfo Carlino (1517 - 1590).

Era Renaisans Tinggi.

(Dari sejarah musik Italia sejak 1500)

Renaisans adalah periode perubahan di semua bidang seni - lukisan, arsitektur, patung, musik. Periode ini menandai peralihan dari Abad Pertengahan hingga saat ini. Periode antara 1500 dan 1600, yang disebut High Renaissance, adalah periode paling revolusioner dalam sejarah musik Eropa, abad di mana harmoni dikembangkan dan lahirnya opera.

Pada abad ke-16, percetakan musik pertama kali menyebar, pada tahun 1501 pencetak Venesia Ottaviano Petrucci menerbitkan Harmonice Musices Odhecaton, kumpulan besar pertama dari musik sekuler. Itu adalah revolusi dalam penyebaran musik, dan juga berkontribusi pada fakta bahwa gaya Franco-Flemish menjadi bahasa musik yang dominan di Eropa pada abad berikutnya, karena, sebagai orang Italia, Petrucci terutama memasukkan musik komposer Franco-Flemish. dalam koleksinya. Selanjutnya, ia menerbitkan banyak karya dan komposer Italia, baik sekuler maupun spiritual.

Italia menjadi pusat penciptaan harpsichord dan biola. Banyak bengkel biola buka. Salah satu master pertama adalah Andrea Amati yang terkenal dari Cremona, yang meletakkan dasar bagi dinasti pembuat biola. Dia membuat perubahan signifikan pada desain biola yang ada, yang meningkatkan suara dan membawanya lebih dekat ke tampilan modern.
Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - pemain kecapi Italia yang luar biasa dan komposer Renaisans, menciptakan reputasi Italia sebagai negara musisi virtuoso. Dia masih dianggap sebagai pemain kecapi terbaik sepanjang masa. Setelah penurunan Abad Pertengahan akhir, musik menjadi elemen budaya yang penting.
Selama Renaisans, madrigal mencapai puncaknya dan menjadi genre musik paling populer pada zaman itu. Madrigalis berusaha untuk menciptakan seni tinggi, sering kali menggunakan puisi yang dikerjakan ulang oleh penyair besar Italia di akhir Abad Pertengahan: Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, dan lain-lain. Ciri paling khas dari madrigal adalah tidak adanya aturan struktural yang ketat, prinsip utamanya adalah ekspresi pikiran dan perasaan yang bebas.
Komposer seperti perwakilan sekolah Venesia, Cypriano de Rore, dan perwakilan sekolah Franco-Flemish, Roland de Lassu, bereksperimen dengan peningkatan kromatisme, harmoni, ritme, tekstur, dan sarana ekspresi musik lainnya. Pengalaman mereka akan berlanjut dan berujung pada era Mannerist Carlo Gesualdo.
Pada tahun 1558, Josephfo Zarlino (1517-1590), ahli teori musik terbesar dari zaman Aristoteles hingga era Barok, menciptakan Fundamentals of the Harmonica, dalam ciptaan terbesar ilmu musik abad ke-16 ini, ia menghidupkan kembali konsep kuno dari jumlah yang terdengar, memperkuat pembenaran teoretis dan estetika dari triad besar dan kecil. Ajarannya tentang musik memiliki dampak yang signifikan pada ilmu musik Eropa Barat dan membentuk dasar dari banyak karakteristik mayor dan minor di kemudian hari.

Kelahiran Opera (Florentine Camerata)

Akhir Renaisans ditandai dengan peristiwa terpenting di sejarah musik- kelahiran opera.
Sekelompok humanis, musisi, dan penyair berkumpul di Florence di bawah naungan pemimpin mereka, Count Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Grup itu disebut "kamerata", anggota utamanya adalah Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (ayah dari astronom Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri dan Ottavio Rinuccini di masa mudanya.
Pertemuan kelompok pertama yang didokumentasikan terjadi pada tahun 1573, dan tahun-tahun paling aktif dari "Florence Camerata" adalah tahun 1577 - 1582.
Mereka percaya bahwa musik itu "rusak" dan berusaha untuk kembali ke bentuk dan gaya Yunani kuno, percaya bahwa seni musik dapat ditingkatkan dan, karenanya, masyarakat juga akan meningkat. Camerata mengkritik musik yang ada karena penggunaan polifoni yang berlebihan dengan mengorbankan kejelasan teks dan hilangnya komponen puitis dari karya tersebut, dan mengusulkan penciptaan gaya musik baru di mana teks dalam gaya monodik disertai dengan musik instrumental. Eksperimen mereka mengarah pada penciptaan bentuk vokal dan musik baru - resitatif, pertama kali digunakan oleh Emilio de Cavalieri, yang kemudian terkait langsung dengan perkembangan opera.
Pada akhir abad ke-16, para komposer mulai mendorong batas-batas gaya Renaisans, era Barok menggantikannya dengan karakteristiknya sendiri dan penemuan-penemuan baru dalam musik. Salah satunya adalah Claudio Monteverdi.

Monteverdi. Presso di Fiume Tranquillo.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15/05/1567 - 29/11/1643) - komposer Italia, musisi, penyanyi. Komposer paling penting dari Barok, karya-karyanya sering dianggap revolusioner, menandai transisi musik dari Renaisans ke Barok. Dia hidup di era perubahan besar dalam musik dan dialah orang yang mengubahnya.

Monteverdi.Venit, Venit.

Monteverdi. Dari opera "Orpheus"

Opera pertama yang diakui secara resmi yang memenuhi standar modern adalah opera "Daphne" (Daphne), pertama kali disajikan pada tahun 1598. Penulis "Daphne" adalah Jacopo Peri dan Jacopo Corsi, libretto oleh Ottavio Rinuccini. Opera ini tidak bertahan. Opera pertama yang bertahan adalah "Eurydice" (1600) oleh penulis yang sama - Jacopo Peri dan Ottavio Rinuccini. Persatuan kreatif ini masih menciptakan banyak karya yang sebagian besar telah hilang.

Jacopo Peri. Tu asrama, dan saya dolce sonno.

Jacopo Peri. Hor che gli augelli.

Musik gereja abad ke-16.

Abad ke-16 ditandai dengan pengaruh yang sangat kuat dari Gereja Katolik dan Inkuisisinya terhadap perkembangan seni dan ilmu pengetahuan di Eropa. Pada tahun 1545, Dewan Trente bertemu, salah satu dewan terpenting dalam sejarah Gereja Katolik, yang tujuannya adalah untuk menanggapi gerakan Reformasi. Secara khusus, musik gereja dipertimbangkan di katedral ini.
Beberapa delegasi berusaha untuk kembali ke nyanyian Gregorian monofonik dan mengecualikan tandingan dari nyanyian, sudah ada larangan diam-diam atas penggunaan gaya polifonik dalam musik sakral, termasuk hampir semua urutan. Alasan posisi ini adalah keyakinan bahwa musik polifonik, karena pleksus kontrapuntal, mendorong teks ke latar belakang, sedangkan harmoni musik dari karya tersebut juga dilanggar.
Sebuah panitia khusus dibentuk untuk menyelesaikan perselisihan tersebut. Komisi ini menugaskan Giovanni Pierluigi da Palestrina (1514-1594), salah satu komposer musik gereja terbesar, untuk menggubah misa percobaan, dengan mempertimbangkan semua kebutuhan para pihak. Palestrina menciptakan tiga massa enam suara, termasuk "Misa Paus Marcellus" yang paling terkenal, yang didedikasikan untuk Paus Marcellus II, pelindungnya di masa mudanya. Karya-karya ini memiliki pengaruh yang kuat pada pendeta dan mengakhiri perselisihan, pidato menentang penggunaan tandingan dalam musik gereja dihentikan.
Karya Giovanni Pierluigi Palestrina adalah puncak perkembangan musik sakral kontrapuntal a capella, menggabungkan semua kemungkinan kombinasi polifoni dan kejelasan teks.

Palestina. Sicut Cervus.

Palestina. Gloria

Abstrak: Musik Renaisans

BADAN FEDERAL UNTUK PENDIDIKAN

SEI HPE "Universitas Negeri Mari"

Fakultas Sekolah Dasar

Khusus: 050708

"Pedagogi dan Metode Pendidikan Dasar"

Departemen: "Pedagogi pendidikan dasar"

Tes

"Musik Renaisans"

Yoshkar-Ola 2010

Era Renaisans (Renaisans) adalah masa kejayaan semua jenis seni dan daya tarik tokoh mereka pada tradisi dan bentuk kuno.

Renaisans memiliki batas sejarah dan kronologis yang tidak merata di berbagai negara di Eropa. Di Italia, ini dimulai pada abad ke-14, di Belanda dimulai pada abad ke-15, dan di Prancis, Jerman, dan Inggris, tanda-tandanya paling jelas terlihat pada abad ke-16. Pada saat yang sama, perkembangan ikatan antar sekolah kreatif yang berbeda, pertukaran pengalaman antara musisi yang berpindah dari satu negara ke negara lain, bekerja di kapel yang berbeda, menjadi tanda zaman dan memungkinkan kita untuk berbicara tentang tren yang umum di seluruh dunia. zaman.

Budaya artistik Renaisans adalah permulaan pribadi berdasarkan sains. Keahlian polifonis yang luar biasa kompleks pada abad ke-15 hingga ke-16, teknik virtuoso mereka hidup berdampingan dengan seni tarian sehari-hari yang cemerlang, kecanggihan genre sekuler. Dramatisme liris semakin banyak diekspresikan dalam karya-karyanya.

Jadi, seperti yang bisa kita lihat, masa Renaisans merupakan masa yang sulit dalam sejarah perkembangan seni musik, oleh karena itu nampaknya masuk akal untuk mempertimbangkannya lebih detail, dengan tetap memperhatikan kepribadian individu.

Musik adalah satu-satunya bahasa dunia, tidak perlu diterjemahkan, jiwa berbicara dengan jiwa di dalamnya.

Averbakh Berthold.

Musik Renaisans, atau musik Renaisans, mengacu pada periode perkembangan musik Eropa antara sekitar tahun 1400 dan 1600. Mulai di Italia era baru datang untuk seni musik di abad XIV. Sekolah Belanda terbentuk dan mencapai puncaknya yang pertama pada abad ke-15, setelah itu perkembangannya meluas, dan pengaruhnya entah bagaimana menguasai para guru sekolah nasional lainnya. Tanda-tanda Renaisans terlihat jelas di Prancis pada abad ke-16, meskipun pencapaian kreatifnya sangat bagus dan tak terbantahkan bahkan di abad-abad sebelumnya.

KE Abad XVI mengacu pada kebangkitan seni di Jerman, Inggris dan beberapa negara lain yang termasuk dalam orbit Renaisans. Namun, seiring berjalannya waktu, gerakan kreatif baru menjadi penentu bagi Eropa Barat secara keseluruhan dan merespons dengan caranya sendiri di negara-negara Eropa Timur.

Musik Renaisans ternyata sangat asing dengan suara yang kasar dan keras. Hukum harmoni merupakan esensi utamanya.

Posisi terdepan masih ditempati musik rohani, terdengar selama kebaktian gereja. Di zaman Renaisans, dia melestarikan tema utama musik abad pertengahan: pujian kepada Tuhan dan Pencipta dunia, kesucian dan kemurnian perasaan religius. Tujuan utama musik semacam itu, seperti yang dikatakan salah satu ahli teorinya, adalah "untuk menyenangkan Tuhan".

Misa, motif, himne, dan mazmur membentuk dasar budaya musik.

Massa - komposisi musik, yang merupakan kumpulan bagian dari liturgi Katolik ritus Latin, yang teks-teksnya diatur ke musik untuk nyanyian monofonik atau polifonik, diiringi oleh alat-alat musik atau tanpa, untuk iringan musik kebaktian yang khusyuk di Gereja Katolik Roma dan gereja-gereja Protestan dari arah yang tinggi, misalnya, di Gereja Swedia.

Misa nilai musik juga dilakukan di luar kebaktian di konser, terlebih lagi, banyak misa di kemudian hari yang secara khusus digubah baik untuk pertunjukan di gedung konser atau pada acara semacam perayaan.

Misa gereja, kembali ke melodi tradisional nyanyian Gregorian, paling jelas mengungkapkan esensi budaya musik. Seperti pada Abad Pertengahan, massa terdiri dari lima bagian, tetapi sekarang menjadi lebih megah dan berskala besar. Dunia tidak lagi tampak begitu kecil dan dapat diamati oleh manusia. Kehidupan biasa dengan kegembiraan duniawinya sudah tidak lagi dianggap berdosa.

Motet (fr. motet dari mot- kata) - karya polifonik vokal dari gudang polifonik, salah satu genre sentral dalam musik Abad Pertengahan Eropa Barat dan Renaisans.

Lagu Kebangsaan (Yunani kuno ὕμνος) adalah lagu khusyuk yang memuji dan memuliakan seseorang atau sesuatu (awalnya dewa).

Mazmur (Yunani ψαλμός " nyanyian pujian”), r.p. mazmur, pl. mazmur (Yunani ψαλμοί) adalah himne Yahudi (Ibrani תהילים‎) dan puisi dan doa religius Kristen (dari Perjanjian Lama).

Mereka membentuk Psalter, buku ke-19 dari Perjanjian Lama. Kepenulisan mazmur secara tradisional dikaitkan dengan Raja Daud (c. 1000 SM) dan beberapa penulis lainnya, termasuk Abraham, Musa, dan tokoh legendaris lainnya.

Secara total, Mazmur mencakup 150 mazmur, dibagi menjadi doa, pujian, nyanyian dan ajaran.

Mazmur memiliki pengaruh besar pada cerita rakyat dan menjadi sumber banyak peribahasa. Dalam Yudaisme, mazmur dinyanyikan dalam bentuk himne dengan iringan. Dengan setiap mazmur, sebagai aturan, metode pertunjukan dan "model" (disebut intonasi dalam nyanyian Gregorian), yaitu nada yang sesuai, ditunjukkan. Pemazmur telah mengambil tempat penting dalam agama Kristen. Mazmur dinyanyikan selama kebaktian, doa di rumah, sebelum pertempuran dan saat bergerak dalam formasi. Awalnya, mereka dinyanyikan oleh seluruh komunitas di gereja. Mazmur dinyanyikan secara cappella, hanya diperbolehkan menggunakan alat musik di rumah. Jenis pertunjukannya adalah resitatif-mazmur. Selain seluruh mazmur, ayat-ayat individual yang paling ekspresif darinya juga digunakan. Atas dasar ini, nyanyian independen muncul - antifon, bertahap, jalan, dan haleluya.

Lambat laun, tren sekuler mulai merambah ke dalam karya komposer gereja. Tema dengan berani dimasukkan ke dalam jalinan polifonik himne gereja lagu daerah tidak religius sama sekali. Tapi sekarang tidak bertentangan dengan semangat dan mood umum pada zaman itu. Sebaliknya, dalam musik secara ajaib menyatukan yang ilahi dan manusia.

Musik sakral mencapai puncaknya pada abad ke-15. di Belanda. Di sini musik lebih dihormati daripada bentuk seni lainnya. Komposer Belanda dan Flemish memelopori aturan baru polifonik(polifonik) kinerja - klasik " gaya ketat". Teknik komposisi paling penting dari master Belanda adalah imitasi- pengulangan melodi yang sama suara yang berbeda. Suara utamanya adalah tenor, yang dipercayakan dengan melodi utama yang berulang - cantus firmus ("melodi yang tidak berubah"). Bass terdengar di bawah tenor, dan alto terdengar di atas. Yang tertinggi, yaitu menjulang di atas segalanya, suara itu dipanggil sopran.

Dengan bantuan perhitungan matematis, komposer Belanda dan Flemish berhasil menghitung rumus kombinasi interval musik. Tujuan utama penulisan adalah terciptanya konstruksi suara yang harmonis, simetris dan megah, lengkap secara internal. Salah satu perwakilan paling cemerlang dari sekolah ini, Johannes Okeghem (c. 1425-1497), berdasarkan perhitungan matematis, menyusun motet untuk 36 suara!

Semua genre yang menjadi ciri aliran Belanda terwakili dalam karya Okeghem: massa, motet, dan chanson. Genre terpenting baginya adalah massa, dia membuktikan dirinya sebagai polifonis yang luar biasa. Musik Okeghem sangat dinamis, garis melodi bergerak dalam jangkauan yang luas, memiliki amplitudo yang luas. Pada saat yang sama, Okeghem dicirikan oleh intonasi yang halus, diatonis paling murni, dan pemikiran modal kuno. Oleh karena itu, musik Okeghem sering dicirikan sebagai "ditujukan pada ketidakterbatasan", "melayang" dalam lingkungan figuratif yang agak terpisah. Itu kurang terkait dengan teks, kaya nyanyian, improvisasi, ekspresif.

Sangat sedikit tulisan Okeghem yang bertahan:

sekitar 14 massa (11 sepenuhnya):

· Requiem Missa pro Defunctis (requiem polifonik pertama dalam sejarah sastra musik dunia);

9-13 (menurut berbagai sumber) motets:

lebih dari 20 chanson

Banyak karya yang kepemilikan Okegemnya dipertanyakan, di antaranya motet terkenal "Deo gratias" untuk 36 suara. Beberapa chanson anonim dikaitkan dengan Okegem berdasarkan kesamaan gaya.

Tiga belas massa Okeghem disimpan dalam manuskrip abad ke-15 yang dikenal sebagai kodeks Chigi.

Di antara massa, massa empat bagian mendominasi, ada dua massa lima bagian dan satu massa delapan bagian. Ockeghem menggunakan folk ("L'homme armé"), melodinya sendiri ("Ma mamaistresse") atau melodi dari penulis lain sebagai tema massa (misalnya, Benchois dalam "De plus en plus"). Ada massa tanpa tema pinjaman ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Motets dan chanson

Motets dan chanson Okeghem berbatasan langsung dengan massanya dan berbeda dari mereka terutama dalam skalanya. Di antara motets ada karya yang megah dan meriah, serta komposisi paduan suara spiritual yang lebih ketat.

Yang paling terkenal adalah motet ucapan syukur yang meriah "Deo gratias", yang ditulis untuk empat komposisi sembilan suara dan oleh karena itu dianggap 36 suara. Faktanya, ini terdiri dari empat kanon sembilan bagian (pada empat topik berbeda), yang mengikuti satu demi satu dengan sedikit tumpang tindih dari awal berikutnya pada kesimpulan yang sebelumnya. Ada 18 suara di overdub, tidak ada 36 suara asli di motet.

Yang tidak kalah menarik adalah karya komposer Belanda Orlando Lasso (c. 1532-1594), yang menciptakan lebih dari dua ribu karya yang bersifat kultus dan sekuler.

Lasso adalah komposer paling produktif pada masanya; karena banyaknya warisan, makna artistik dari karya-karyanya (banyak yang dipesan) belum sepenuhnya diapresiasi.

Dia bekerja secara eksklusif dalam genre vokal, termasuk lebih dari 60 massa, requiem, 4 siklus nafsu (menurut semua penginjil), officios Pekan Suci (responsorship of Matins of Maundy Thursday, Good Friday dan Sabtu yang luar biasa), lebih dari 100 magnificat, himne, faubourdon, sekitar 150 bahasa Prancis. chanson (chanson "Susanne un jour", sebuah parafrase dari cerita alkitabiah tentang Susanna, adalah salah satu drama paling populer di abad ke-16), Italia (villanelles, moresques, canzones) dan lagu Jerman (lebih dari 140 Lieder), sekitar 250 madrigal.

Lasso dibedakan dengan pengembangan teks yang paling detail bahasa berbeda, baik liturgi (termasuk teks Kitab Suci), dan disusun secara bebas. Keseriusan dan drama dari konsep tersebut, volume yang panjang membedakan komposisi "Tears of St. Peter" (siklus madrigal spiritual 7 suara menjadi puisi oleh Luigi Tranzillo, diterbitkan pada tahun 1595) dan "Penitential Psalms of David" (naskah dari 1571 dalam format folio dihiasi dengan ilustrasi oleh G. Milich, yang memberikan materi ikonografi yang berharga tentang kehidupan, termasuk. hiburan musik, Pengadilan Bavaria).

Namun, dalam musik sekuler, Lasso tidak asing dengan humor. Misalnya, dalam chanson “Minum dalam tiga orang dibagikan pada pesta” (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), anekdot lama dari kehidupan Vagantes diceritakan kembali; dalam lagu terkenal "Matona mia cara" seorang tentara Jerman menyanyikan serenade cinta, mengacak-acak kata-kata Italia; dalam lagu kebangsaan "Ut queant laxis" solfegging sial ditiru. Sejumlah drama pendek yang cerah oleh Lasso ditulis pada ayat-ayat yang sangat sembrono, misalnya, chanson "Wanita itu memandang kastil dengan penuh minat / Alam memandangi patung marmer" (En un chasteau ma dame ...), dan beberapa lagu (terutama adat istiadat) mengandung kosakata cabul.

musik sekuler Renaisans diwakili oleh berbagai genre: madrigal, lagu, canzones. Musik, setelah berhenti menjadi "pelayan gereja", sekarang mulai terdengar bukan dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa aslinya. Genre musik sekuler yang paling populer adalah madrigal (Italian Madrigal - sebuah lagu dalam bahasa aslinya) - komposisi paduan suara bersuara banyak yang ditulis di atas teks puisi lirik berisi konten cinta. Paling sering, puisi karya master terkenal digunakan untuk tujuan ini: Dante, Francesco Petrarch, dan Torquato Tasso. Madrigal dibawakan bukan oleh penyanyi profesional, tetapi oleh seluruh ansambel amatir, di mana setiap bagian dipimpin oleh satu penyanyi. Suasana utama madrigal adalah kesedihan, melankolis dan melankolis, tetapi ada juga komposisi yang ceria dan hidup.

Peneliti modern budaya musik D.K. Catatan Kirnarskaya:

Madrigal membalikkan keseluruhan sistem musik dari Renaisans: plastisitas melodi yang rata dan harmonis dari massa runtuh... firmus cantus yang tidak berubah, dasar dari keseluruhan musik, juga menghilang... metode biasa untuk mengembangkan "tulisan ketat"... digantikan oleh emosional dan kontras melodi episode, yang masing-masing berusaha menyampaikan pemikiran puitis yang terkandung dalam teks secara ekspresif mungkin. Madrigal akhirnya merusak kekuatan "gaya ketat" yang melemah.

Genre musik sekuler yang tak kalah populer adalah lagu yang diiringi alat musik. Berbeda dengan musik yang dimainkan di gereja, lagu-lagunya cukup sederhana untuk dibawakan. Teks berima mereka jelas dibagi menjadi 4-6 baris bait. Dalam lagu, seperti dalam madrigal, teks menjadi sangat penting. Saat dibawakan, baris puitis tidak boleh hilang dalam nyanyian polifonik. Lagu-lagu itu terkenal komposer Prancis Clement Janequin (c.1485-1558). Clement Janequin menulis sekitar 250 chanson, kebanyakan untuk 4 suara, untuk puisi karya Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Gele, penyair anonim. Sehubungan dengan 40 chanson lainnya, sains modern membantah kepenulisan Janequin (yang, bagaimanapun, tidak mengurangi kualitas musik yang diperebutkan itu sendiri). Ciri pembeda utama dari musik polifonik sekulernya adalah terprogram dan bergambar. Di depan mata pendengar ada gambar pertempuran ("Battle of Marignano", "Battle of Renty", "Battle of Metz"), adegan berburu ("Birdsong", "Nightingale Singing", "Lark"), setiap hari adegan ("Obrolan wanita"). Janequin dengan gamblang menyampaikan suasana kehidupan sehari-hari di Paris dalam chanson "Cries of Paris", di mana teriakan pedagang kaki lima terdengar ("Milk!" - "Pies!" - "Artichoke!" - "Fish!" - "Matches !" - "Merpati!" - "Sepatu tua!" - "Anggur!"). Dengan segala kecerdikan dalam tekstur dan ritme, musik Janequin di bidang harmoni dan tandingan tetap sangat tradisional.

Renaisans menandai awal kreativitas komponis profesional. Perwakilan mencolok dari tren baru ini tidak diragukan lagi adalah Palestrina (1525-1594). Warisannya mencakup banyak karya musik sakral dan sekuler: 93 massa, 326 himne dan motets. Dia adalah penulis dua jilid madrigal sekuler dengan kata-kata Petrarch. Untuk waktu yang lama dia bekerja sebagai direktur paduan suara di Basilika Santo Petrus di Roma. Musik gereja yang dia ciptakan dibedakan oleh kemurnian dan keagungan perasaan. Musik sekuler sang komposer dijiwai dengan spiritualitas dan harmoni yang luar biasa.

Kami berutang Renaisans pada formasi musik instrumental sebagai bentuk seni mandiri. Pada saat ini muncul sejumlah karya instrumental, variasi, pendahuluan, fantasi, rondo, toccata. Di antara alat musik, organ, harpsichord, viola, berbagai jenis seruling sangat populer, dan pada akhir abad ke-16. - biola.

Renaisans diakhiri dengan munculnya genre musik baru: lagu solo, oratorio, dan opera. Jika sebelumnya candi menjadi pusat budaya musik, maka sejak saat itu musik terdengar di gedung opera. Dan itu terjadi seperti ini.

Di kota Florence Italia pada akhir abad XVI. mulai berkumpul penyair berbakat, aktor, ilmuwan, dan musisi. Tak satu pun dari mereka kemudian memikirkan penemuan apa pun. Namun merekalah yang ditakdirkan untuk membuat revolusi nyata dalam seni teater dan musik. Melanjutkan produksi karya penulis drama Yunani kuno, mereka mulai menggubah musik mereka sendiri, menurut pendapat mereka, sesuai dengan sifat drama kuno.

Anggota kamera(sebutan masyarakat ini) dengan hati-hati memikirkan musik pengiring monolog dan dialog karakter mitologis. Aktor diminta untuk melakukan bagian yang diucapkan resitatif(pembacaan, pidato nyanyian). Dan meskipun kata tersebut terus memainkan peran utama dalam kaitannya dengan musik, langkah pertama diambil menuju konvergensi dan perpaduan harmonisnya. Pertunjukan seperti itu memungkinkan untuk menyampaikan kekayaan dunia batin seseorang, pengalaman dan perasaan pribadinya secara lebih luas. Atas dasar bagian vokal tersebut muncul arias- menyelesaikan episode dalam pertunjukan musik, termasuk opera.

Gedung opera dengan cepat mendapatkan cinta dan menjadi populer tidak hanya di Italia, tetapi juga di negara-negara Eropa lainnya.

Daftar literatur yang digunakan

1) Kamus Ensiklopedis Musisi Muda / Komp. V.V. Medushevsky, O.O. Ochakovskaya. - M .: Pedagogi, 1985.

2) Dunia budaya seni. Dari asal-usul hingga abad XVII: buku teks. untuk 10 sel. pendidikan umum lembaga kemanusiaan / G.I. Danilova. - edisi ke-2, stereotip. – M.: Bustard, 2005.

3) Bahan dari arsip musik Renaisans: http://manfredina.ru/

Bab 1 Ciri-ciri budaya musik dan seni Renaisans

1.1 Fitur filosofis dan estetika dari budaya Renaisans

Renaisans, atau Renaisans (fr. renaisans), - titik balik dalam sejarah bangsa Eropa, masa penemuan besar. Renaisans menandai awal dari tahap baru dalam sejarah budaya dunia. Tahap ini, sebagaimana dicatat oleh F. Engels, merupakan pergolakan progresif terbesar dari semua yang dialami umat manusia hingga saat itu. Dan memang, Renaisans membawa serta perubahan signifikan di berbagai bidang ekonomi, sains, budaya, membuka cara baru untuk memahami dunia dan menentukan tempat manusia di dalamnya.

Di Italia, tren baru sudah muncul pada pergantian abad XIII-XIV, di negara-negara Eropa lainnya - di Abad XV-XVI. Kali ini ditandai dengan: transisi dari feodalisme ke kapitalisme, penemuan geografis, perdagangan, perusahaan pribadi, pembebasan manusia dari batasan kelas. Dan juga di zaman Renaisans lahirlah ilmu pengetahuan modern, khususnya ilmu alam. Cukuplah mengingat dugaan ilmiah brilian Leonardo da Vinci, pendirian Francis Bacon, teori astronomi Copernicus, penemuan geografis Columbus dan Magellan.

Tidak diragukan lagi, semua ini tidak bisa tidak mempengaruhi sifat pandangan dunia. Renaisans adalah revolusi, pertama-tama, dalam sistem nilai, dalam menilai segala sesuatu yang ada dan hubungannya dengan itu. Ada keyakinan bahwa seseorang adalah nilai tertinggi, filosofi humanisme lahir. Humanisme mengedepankan interpretasi kategori estetika yang sama sekali baru, yang tumbuh atas dasar pemahaman baru tentang dunia.

Salah satu kategori utama adalah konsep "harmoni". Estetika Renaisans mengembangkan gagasan harmoni yang berbeda, berdasarkan pemahaman baru tentang alam, makhluk, dan manusia. Jika Abad Pertengahan melihat dalam harmoni sebuah jejak sederhana dari cita-cita, kreativitas, keindahan ilahi, maka dalam kesadaran estetika Renaisans, harmoni muncul, pertama-tama, sebagai perkembangan potensi kreatif alam itu sendiri, sebagai kesatuan dialektis antara jasmani dan rohani, ideal dan material.

Kaum humanis mencari cita-cita orang yang harmonis di zaman kuno, dan Yunani kuno dan seni Romawi berfungsi sebagai model untuk kreativitas artistik mereka. Namun, berbicara tentang estetika Renaisans, perlu dicatat fakta bahwa, terlepas dari dukungan kunonya, ia tetap berbeda darinya. Estetika Renaisans mengkhotbahkan peniruan alam tidak lebih buruk dari yang kuno, tetapi mengintip ke dalam teori peniruan revivalis ini, orang juga dapat melihat bahwa di latar depan ini bukanlah alam seperti seniman, kepribadiannya, perasaannya. Pertama, seniman, atas dasar selera estetikanya sendiri, memilih proses alam tertentu, dan baru kemudian mengarahkannya ke pemrosesan artistik. Para ahli teori Renaisans dapat menelusuri perbandingan berikut: seniman harus mencipta sebagaimana Tuhan menciptakan dunia, dan bahkan lebih sempurna dari itu.

Jadi, Renaisans, menggunakan pelajaran zaman kuno, memperkenalkan inovasi. Dia tidak menghidupkan kembali semua genre kuno, tetapi hanya yang selaras dengan aspirasi waktu dan budayanya. Renaisans menggabungkan bacaan baru tentang zaman kuno dengan bacaan baru tentang agama Kristen. Renaisans mendekatkan kedua prinsip fundamental ini. budaya Eropa.

Tuhan tidak menentukan tempat manusia dalam hierarki, kata Pico dalam Orasinya yang terkenal tentang Dignity of Man: you had by kehendak sendiri sesuai dengan keinginan dan keputusan Anda. Citra ciptaan lain ditentukan dalam batas-batas hukum yang telah kita tetapkan. Tetapi Anda, tidak dibatasi oleh batasan apa pun, akan menentukan citra Anda sesuai dengan keputusan Anda, dengan kekuatan yang saya serahkan kepada Anda. Di sini, pemikir Italia menempatkan seseorang di pusat dunia, ini adalah orang yang tidak memiliki sifat khususnya sendiri, ia harus membentuknya sendiri, seperti segala sesuatu yang mengelilinginya.

Jadi, hal utama dalam Renaisans adalah promosi dan persetujuan kepribadian manusia dalam budaya dan masyarakat, yang menghasilkan berbagai bentuk antroposentrisme revivalis. Antroposentrisme mengedepankan bukan hanya seseorang, tetapi seseorang sebagai prinsip yang aktif dan aktif. Sebagai hasil dari semua penegasan prinsip material aktif dan kreatif ini, secara bertahap mulai muncul penampilan baru man, tipe barunya - "homo faber" - "man-creator", "man-creator". Di dalamnya pembentukan dasar-dasar rasa kepribadian Eropa baru terjadi - kepribadian individualistis yang otonom, sadar akan nilainya sendiri, aktif dan membutuhkan kebebasan. Dari sekarang kepribadian manusia, dan bukan dunia, bukan keseluruhan, untuk pertama kalinya menjadi titik awal pembentukan sistem persepsi dunia.

Dengan kecemerlangan khusus, tanda-tanda pandangan dunia baru muncul dan kemudian menjadi mapan kreativitas artistik, dalam gerakan progresif berbagai seni, di mana "revolusi pikiran" yang dihasilkan Renaisans ternyata sangat penting.

Dalam Renaisans, seni memainkan peran luar biasa dalam budaya dan sebagian besar menentukan wajah zaman itu. Tidak diragukan lagi bahwa humanisme dalam pemahaman "revivalis" menuangkan energi segar yang luar biasa ke dalam seni pada masanya, menginspirasi seniman untuk mencari tema baru, dan sangat menentukan sifat gambar dan isi karya mereka. Budaya abad pertengahan digantikan oleh budaya humanistik baru, sekuler, bebas dari dogma gereja dan skolastik.

Seni Renaisans dicirikan oleh penegasan prinsip realisme dan humanisme dalam sastra, teater, dan seni rupa. Seni Renaisans, pertama-tama, adalah seni sekuler yang muncul atas dasar humanisme, yang menggantikan ide-ide religius dan membangkitkan minat pada kehidupan nyata, mengungkapkan identitas individu dari individu tersebut dan mengungkapkan kualitas khas dan karakteristik sosial dari suatu orang.

Semua bentuk seni utama - lukisan, grafik, patung, arsitektur, musik - berubah secara luar biasa. Analisis monumen budaya Renaisans membuktikan penyimpangan dari banyak prinsip terpenting pandangan dunia feodal. Dalam pencipta sebuah karya seni, yang secara bertahap membebaskan dirinya dari ideologi gereja, yang paling dihargai adalah pandangan artistik yang tajam tentang berbagai hal, kemandirian profesional, keterampilan khusus, dan ciptaannya memperoleh karakter yang mandiri, dan bukan karakter yang sakral.

Ciri khas seni Renaisans adalah berkembangnya lukisan realistik yang belum pernah terjadi sebelumnya. Potret realistis Renaisans dikaitkan dengan karya seniman terkenal seperti Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Raphael, Dürer, Titian. Potret-potret itu diresapi dengan kesedihan penegasan individu, kesadaran bahwa keragaman dan kecerahan individu adalah ciri yang diperlukan dari masyarakat yang berkembang normal. Di zaman Renaisans itulah lukisan untuk pertama kalinya mengungkapkan kemungkinan yang melekat di dalamnya untuk cakupan kehidupan yang luas, penggambaran aktivitas manusia dan lingkungan hidup di sekitarnya. Pertapaan abad pertengahan dan penghinaan terhadap segala sesuatu yang duniawi sekarang digantikan oleh minat yang kuat pada dunia nyata, pada manusia, pada kesadaran akan keindahan dan keagungan alam.

Perlu dicatat bahwa perkembangan ilmu pengetahuan sangat penting bagi seni lukis, serta seni pada umumnya. Dalam seni, jalur pemahaman ilmiah dan artistik tentang dunia dan manusia mulai terjalin. Citra sejati dunia dan manusia harus didasarkan pada pengetahuan mereka, oleh karena itu prinsip kognitif memainkan peran yang sangat penting dalam seni saat ini. Gairah pada sains berkontribusi pada penguasaan anatomi manusia, pengembangan perspektif realistis, transmisi lingkungan udara yang spektakuler, keterampilan membangun sudut, semua yang diperlukan pelukis untuk benar-benar menggambarkan seseorang dan realitas di sekitarnya. Diproduksi sistem baru visi artistik dunia, berdasarkan kepercayaan pada persepsi sensorik manusia, terutama yang visual. Menggambarkan seperti yang kita lihat, dalam kesatuan dengan lingkungan - inilah prinsip awal seniman Renaisans.

Pada periode Renaisans akhir, ini dilengkapi dengan pengembangan sistem teknik yang memberikan ekspresi emosional langsung pada sapuan kuas, penguasaan transmisi efek konsekrasi, pemahaman prinsip perspektif udara-cahaya. Pencipta teori perspektif adalah seniman terkenal seperti Masaccio, Alberti, Leonardo da Vinci. Penemuan perspektif tidak kalah pentingnya, membantu memperluas jangkauan fenomena yang digambarkan, untuk memasukkan ruang, lanskap, dan arsitektur dalam lukisan.

Kandungan humanistik progresif dari budaya Renaisans juga diekspresikan dengan jelas dalam seni teater, yang sangat dipengaruhi oleh drama kuno. Ia dicirikan oleh ketertarikan pada dunia batin seseorang yang diberkahi dengan ciri-ciri individualitas yang kuat. Fitur khas Seni teater Renaisans adalah pengembangan dari tradisi kesenian rakyat, kesedihan yang meneguhkan hidup, kombinasi yang berani dari unsur-unsur tragis dan komik, puitis dan bidang badut. Begitulah teater Italia, Spanyol, Inggris.

Dalam arsitektur, cita-cita humanisme yang meneguhkan kehidupan, keinginan akan keindahan bentuk yang jelas secara harmonis, dipengaruhi dengan kekuatan yang tidak kalah dengan bentuk seni lainnya dan menyebabkan perubahan yang menentukan dalam perkembangan arsitektur. Daya tarik tradisi klasik memainkan peran yang sangat penting. Itu memanifestasikan dirinya tidak hanya dalam penolakan terhadap bentuk-bentuk Gotik dan kebangkitan sistem tatanan kuno, tetapi juga dalam proporsi proporsionalitas klasik, dalam pengembangan tipe bangunan sentris dalam arsitektur candi dengan ruang interior yang mudah terlihat.

Bangunan sekuler dikembangkan secara luas, ini adalah berbagai bangunan kota - balai kota, rumah serikat pedagang, universitas, air mancur pasar. Pada saat yang sama, seiring dengan arsitektur yang melayani kebutuhan sosial kota, jenis arsitektur yang sama sekali baru muncul dibandingkan dengan Abad Pertengahan, tempat tinggal seorang pencuri kaya - palazzo, yang dengan sangat mudah mencerminkan semangat kota. suasana meriah yang menguasai istana para bangsawan saat itu. Dengan demikian, seni di zaman Renaisans memasuki tahap perkembangan baru di mana ia berusaha untuk dikenal dan ditampilkan dunia nyata, keindahannya, kekayaannya, keragamannya melalui metode dan teknik baru.

1.2 Tempat musik dalam sistem seni Renaisans

Hukum umum perkembangan seni, pemahaman filosofis dan estetika baru tentang esensi dan sifat harmoni, ciri khas Renaisans, juga dimanifestasikan dalam musik. Seperti bentuk seni lainnya pada masa itu, musik juga dicirikan oleh kebangkitan aktif kekuatan kreatif, kecenderungan humanistik.

Perlu dicatat bahwa musik selama periode ini menempati tempat khusus dalam sistem seni, hanya memberikan tempat dominan pada lukisan. Menurut Leonardo da Vinci, musik hanyalah "adik seni lukis" dan bahkan melayaninya. “Lukisan melampaui musik dan mendominasinya”, “Musik adalah pelayan lukisan”.

Seseorang tidak bisa tidak setuju dengan definisi seniman hebat, musik benar-benar menempati tempat pertama dalam sistem seni, tetapi, bagaimanapun, itu memainkan peran besar dalam budaya Renaisans, meninggalkan jejak pada perkembangan selanjutnya, baik dalam bidang budaya musik dan seni pada umumnya. Budaya musik Renaisans adalah semacam transisi dari Abad Pertengahan ke Zaman Baru, ke era di mana seni ini terdengar dan dipersepsikan dengan cara baru.

Musik memiliki, mungkin, kemungkinan pengaruh sosial yang sangat luas; lebih dari seni lain, itu meliputi segalanya: bagian yang tidak berubah dari kehidupan orang biasa, milik banyak kelompok, yang secara signifikan membedakannya dari musik Abad Pertengahan . Keberangkatan dari tradisi abad pertengahan paling nyata dalam risalah "Musik Praktis" Ramis da Pareja. Ramis berkata: “Janganlah ada yang takut akan keagungan filsafat, atau kerumitan aritmatika, atau kerumitan proporsi. musisi yang berpengetahuan luas. Kami menetapkan sendiri tugas mengajar tidak hanya filsuf atau ahli matematika; siapa pun yang akrab dengan dasar-dasar tata bahasa akan memahami karya kami ini. Di sini tikus dan gajah bisa berenang dengan cara yang sama; dan terbang di atas dan Daedalus dan Icarus." Dalam risalah ini, Ramis mengkritik tajam musik abad pertengahan, menyarankan bahwa ahli teori menulis komposisi mereka hanya untuk musisi - profesional dan ilmuwan, sedangkan musik, menurutnya, harus mencakup segmen populasi yang lebih luas. Tidak diragukan lagi, karya Ramis berdampak signifikan pada orang-orang sezamannya, tradisi Abad Pertengahan sangat dirusak, transisi dari Abad Pertengahan ke Zaman Baru, ke Renaisans, sedang berlangsung.

Renaisans, dengan pandangan dunia humanistiknya, berdampak besar pada budaya musik. Untuk seni musik, humanisme berarti, pertama-tama, memperdalam perasaan seseorang, mengenali nilai estetika baru di baliknya. Ini berkontribusi pada identifikasi dan penerapan sifat terkuat dari kekhususan musik. Ciri-ciri paling berbeda dari Renaisans awal ditemukan dalam seni Italia Ars nova abad XIV, perwakilan utamanya adalah Francesco Landino. Dalam karyanya, penekanan ditempatkan pada seni profesional sekuler, yang memutuskan lingkaran gambar dan estetika musik kultus dan, pertama-tama, mengandalkan penulisan lagu rakyat, yang ditulis tidak lagi dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa Latin. bahasa nasional.

Ke depan, gelombang transformasi di bidang seni musik melanda negara-negara Eropa lainnya. Lagu polifonik muncul dalam musik Prancis - chanson, perwakilan: K. Zhaneken, K. de Sermisi, G. Kotelet, dan lainnya; genre ini dijiwai dengan genre folk-everyday, condong ke arah penggambaran program yang realistis, yang menunjukkan penyimpangan tajam dari musik gereja. Dalam musik Spanyol, genre lagu yang berasal dari rakyat, seperti villancico dan romansa, ditandai dengan fitur Renaisans. Musik profesional Jerman dicirikan oleh lagu polifonik dengan melodi utama dalam tenor, yang mengarah ke gudang paduan suara yang harmonis.

Di zaman Renaisans, perkembangan intensif musik instrumental dimulai, dengan tetap mempertahankan hubungan dengan genre vokal. Pengaruh kesenian rakyat pada musik spiritual semakin berkembang, terutama di negara-negara yang dicakup oleh gerakan Reformasi anti-Katolik, yang menghidupkan himne Hussite di Republik Ceko, nyanyian Protestan di Jerman, mazmur Huguenot di Prancis. Namun, gereja terus memainkan peran sebagai pusat organisasi yang kuat, sebagai konduktor ideologi resmi, yang memunculkan sebagian besar komposer profesional.

Namun, meskipun demikian, genre vokal-instrumen vokal dan vokal sekuler tingkat lanjut semakin keras menyatakan hak mereka untuk lebih tempat yang signifikan dalam budaya musik, mereka berusaha untuk menggantikan massa, motif, dan genre musik gereja yang dekat dengan mereka. Hal ini disebabkan oleh fakta bahwa genre-genre ini, ditujukan baik untuk gereja (dalam penampilan ahli dari kapel paduan suara yang terorganisir dengan baik), atau (motet) untuk istana raja, pangeran, adipati tertentu (dalam transmisi artistik dengan cara kapel istana) tidak terlalu kondusif untuk mengungkapkan kepribadiannya sendiri. Hanya seiring berjalannya waktu, ketika suasana estetika yang berbeda berkembang di kalangan humanistik, lirik dan drama mendapatkan perwujudan yang lebih luas dan lebih bebas, pertama di madrigal Italia, dan kemudian di contoh awal genre baru - "drama on music", yaitu , opera Italia.

Genre madrigal dan lagu Italia, Jerman, dan Inggris dengan jelas mencerminkan perhatian pada dunia batin individu, ciri khas seni humanistik Renaisans. Manifestasi signifikan dari tren realistik tingkat lanjut dalam musik tidak hanya penciptaan plot baru, gambar musik dan puitis baru, tetapi juga perubahan luas dalam cara ekspresi musik. Melodi rakyat muncul dalam banyak genre musik komposer. Lagu-lagu daerah digunakan sebagai cantus firmus (dasar dari melodi yang berulang kali diulang pada suara kedua dari bagian bawah karya polifonik) dan dalam musik polifonik. Pengembangan lebih lanjut polifoni di Eropa Barat mengarah pada pengembangan dan konsolidasi pola yang disebut "gaya ketat" - salah satu puncak musik polifonik saat itu. Gaya ketat hingga hari ini merupakan tahapan penting dalam sejarah polifoni.

Pencapaian utama dan utama dari musik tingkat lanjut adalah karakter baru dari seluruh perkembangan intonasi-melodi, kehalusan, kelenturan, merdu; tingkat generalisasi yang lebih signifikan dari melodi "nafas besar" dibandingkan dengan masa lalu - ekspresi pengalaman manusia yang paling jelas.

Pencapaian besar budaya musik Renaisans adalah pengembangan musik instrumental berdasarkan varietas baru alat musik gesek melodi yang memungkinkan "bernyanyi" pada instrumen (viola, bowed lyre, gamba, biola), dan di sisi lain, signifikan perluasan kemungkinan ekspresif instrumen keyboard ( organ, clavichord, harpsichord) dalam kaitannya dengan progresi akor-harmonik. Kecapi juga berkembang pesat - salah satu instrumen paling umum untuk pembuatan musik sehari-hari dan konser.

Selain itu, pada masa Renaisans, terjadi perkembangan keterampilan profesional yang terkait dengan munculnya metris - sekolah asrama bernyanyi - semacam kapel paduan suara, tempat belajar menyanyi, memainkan organ, teori musik dan mata pelajaran pendidikan umum dihasilkan sejak masa kanak-kanak dan memastikan peningkatan sistematis kemampuan musikal siswa.

Beginilah jenis musisi baru dibentuk - bukan amatir dari bangsawan, bukan pemain sulap dan pejantan, tetapi seorang profesional yang telah menerima pendidikan musik khusus.

Konsolidasi profesionalisme musik menyebabkan terciptanya sekolah-sekolah keunggulan musik nasional, yang terbentuk di pusat-pusat budaya musik perkotaan terbesar, yang memiliki peluang pendidikan yang besar. Salah satu bentuk paling awal di Eropa Barat adalah polifoni Inggris, yang berkembang pesat dan berkembang pesat dalam karya-karya Dönstepl pada paruh pertama abad ke-15. Yang paling berpengaruh adalah sekolah Belanda atau Franco-Flemish, di mana itu komponis terkenal G. Dufay, J. Okegema, J. Obrecht, O. Lasso. Bekerja di berbagai negara, mereka menggabungkan ciri-ciri sejumlah budaya musik nasional: Belanda, Jerman, Prancis, Italia, Inggris, menciptakan gaya polifonik yang sangat berkembang, terutama paduan suara, di mana ciri-ciri Renaisans diekspresikan dengan jelas.

Pada pertengahan abad ke-16, penerus langsung polifonis Belanda dan Eropa terkemuka sekolah komposer menjadi sekolah Romawi, dikepalai oleh Palestrina, yang dalam karyanya ciri-ciri Renaisans dipadukan dengan ciri-ciri yang mencerminkan dampak Kontra-Reformasi, dan sekolah Venesia dipimpin oleh D. Gabrieli yang sudah memiliki ciri-ciri barok. Sekolah nasional dicirikan oleh penggunaan alat musik baru, yang membawa koherensi dan kesatuan ke dalam komposisi. Sarana musik utama yang memperkenalkan koherensi dan kesatuan ke dalam komposisi adalah peniruan, yaitu pengulangan melodi oleh suara yang masuk, sesaat sebelum dibawakan oleh suara lain. Di sekolah, ada jenis peniruan yang khas: kanonik, peniruan dalam sirkulasi, peningkatan, penurunan, yang kemudian mengarah ke bentuk kontrapuntal tertinggi - fuga.

Gaya sekolah nasional yang disajikan tercermin dalam karya polifonis terkemuka dari negara lain - K. Morales dan T. Victoria (Spanyol), W. Byrd dan T. Tallis (Inggris), M. Zalensky dari Polandia, dan banyak lainnya .

Dengan demikian, musik menempati tempat yang agak istimewa di antara seni Renaisans, baik karena kekhususannya maupun tergantung pada kondisi keberadaannya di masyarakat. Namun demikian, dia adalah seni pada masanya, mengungkapkannya, mengalami kesulitan dan kontradiksi yang menjadi ciri khasnya, mengembangkan gayanya sendiri sesuai dengan itu, memenangkan kemenangan yang tak terpikirkan sebelumnya dan memenangkan kesuksesan kreatif baru.

Bab 2 Budaya Tari di Zaman Renaisans

2.1 Musik dan tarian: aspek interaksi

Jadi, budaya musik menempati tempat khusus dalam seni dan budaya Renaisans. Mempertimbangkan musik, tidak mungkin untuk tidak mengacu pada berbagai bidangnya. Salah satu bidang tersebut adalah seni tari.

Menari - sejenis seni di mana citra artistik diciptakan melalui gerakan plastik dan perubahan yang jelas secara ritmis dan terus menerus dalam posisi ekspresif tubuh manusia. Perlu dicatat bahwa musik dan tarian telah berinteraksi secara aktif selama berabad-abad. Tari terkait erat dengan musik, konten emosional dan figuratif, yang diwujudkan dalam komposisi koreografi, gerakan , angka.

Sejak jaman dahulu, kita menemukan semacam sintesis musik, puisi, tarian, bagi orang Yunani itu bukanlah seni yang berbeda, tetapi satu kesatuan yang utuh. Untuk menunjuk seni terpadu ini, kata "korea" digunakan, yang berasal dari kata "paduan suara" yang masuk ke bahasa Rusia, yang hanya berarti tidak banyak nyanyian kolektif seperti tarian kolektif. Di masa depan, kata "chorea" berubah menjadi koreografi, yang mulai menunjukkan seni tari itu sendiri, atau lebih tepatnya, seni komposisi tarian.

Di era Abad Pertengahan, ciri-ciri hubungan antara musik dan tari juga terungkap, yang mencakup teknik dan bentuk yang lebih kompleks, musik dansa menjadi instrumen yang dominan. Pengaruh utama pada strukturnya dan ciri-ciri lainnya mulai diberikan oleh koreografi yang ditandai dengan keseragaman dan periodisitas gerakan para penari yang terus meningkat. Ritme tarian dengan mudah menembus genre musik instrumental yang ditujukan khusus untuk mendengarkan. Untuk tarian seperti itu, komplikasi yang signifikan dari bahasa musik adalah karakteristik: peran melalui perkembangan meningkat, ada pelanggaran struktur periodik tarian dengan urutan, teknik polifonik. Akibatnya, hubungan lebih lanjut antara budaya musik dan tari menjadi lebih kompleks dan spesifik.

Transformasi besar musik dan tarian terjadi selama Renaisans. Tarian, musik dansa adalah lapisan terpenting dari budaya Renaisans. Perkembangan seni musik pada masa Renaisans sangat erat hubungannya dengan perkembangan tari, karena hampir semua komposer besar memusatkan perhatian pada tari dalam komposisinya. Ritme tari merambah ke genre musik instrumental yang ditujukan khusus untuk didengarkan. Pavane, galliard, gigue, chimes, volta, dan jenis tarian rakyat lainnya menjadi bahan komposisi virtuoso: fleksibilitas melodi, kejelasan periode, dan hubungan motif yang berkelanjutan dikembangkan. Musisi meminjam melodi dan ritme dari lagu dan tarian daerah untuk genre musik instrumental, hal ini terlihat jelas terutama dalam karya budaya musik seperti suite.

Pada tahap awal dari perkembangannya, musik suite memiliki karakter terapan - mereka menari mengikutinya. Itu adalah semacam kombinasi dari kecapi, dan kemudian tarian clavier dan orkestra. Pada abad 15-16, prototipe suite adalah serangkaian tiga atau lebih tarian (untuk berbagai instrumen) yang mengiringi prosesi dan upacara pengadilan, serta kombinasi berpasangan dari tarian yang kontras (pavane - galliard, passamezzo - saltarello, dll. .). Dasar yang paling khas untuk rangkaian tari adalah rangkaian tarian yang berkembang di rangkaian I.Ya Froberger: allemande - courant - sarabande - gigue. Tetapi untuk pengembangan dramaturgi siklus suite, diperlukan penghapusan tertentu dari tarian sehari-hari. Titik balik ini terjadi pada Renaisans, dan baru kemudian tercermin paling jelas musik XVII abad. Sejak pertengahan abad ke-17, dance suite, setelah kehilangan tujuan terapannya, ada terutama dengan nama partita (Jerman), pelajaran(Bahasa inggris), baletto, sonata da kamera, perintah(Perancis), dan kadang-kadang sebagai "kumpulan potongan clavier." Sehingga melalui transformasi dan interaksi dengan musik menjadi bagian dari seni musik, mempengaruhi pembentukan bentuk sonata. Ketinggian artistik dalam genre ini dicapai oleh J. S. Bach (suite Prancis dan Inggris, partitas untuk clavier, untuk solo biola dan cello) dan G. F. Handel (17 suite clavier).

Mengenai aspek lain, pertama-tama, perlu diperhatikan pengaruh musik dance terhadap pembentukan gudang homofonik-harmonik. Bersamanya, seni profesional, di tengah polifoni gereja polifonik, muncul pemikiran homofonik-harmonik, terbagi dengan jelas, melodi tematis yang cerah, ritme periodik; ada formasi organisasi tonal (misalnya, mode utama, baru pada saat itu, adalah yang pertama memantapkan dirinya dalam tarian Renaisans.

Dalam musik dansa, asal mula banyak bentuk instrumental utama yang menjadi dasar semua seni klasik (periode, bentuk tiga bagian sederhana, variasional, siklik). Emansipasi musik instrumental sebagian besar terkait dengan sastra tari (genre baru muncul), pembentukan gaya clavier independen (kemudian - piano), kecapi, dan orkestra. Kekayaan gambar tarian yang ditangkap musik klasik, sangat besar. Dan ini tidak mengherankan: bagaimanapun juga, implementasi figuratif dari ritme dan intonasi tarian, bersama dengan lagu cerita rakyat, memainkan peran penting dalam memperkuat fondasi seni musik yang realistis. Komposer selalu mewujudkan ekspresi wajah, gerak tubuh, keliatan dalam gerakan tarian atau pawai dalam karyanya, beralih ke musik dansa saat membuat instrumen (ruang, simfoni) dan vokal, termasuk komposisi opera.

Dengan demikian, perlu diperhatikan peran penting tarian dalam budaya musik Eropa Barat, mulai dari zaman Renaisans. Ritme tarian menarik komposer besar, dan musik yang didasarkan pada ritme tersebut, pada gilirannya, memengaruhi praktik dan teori tari. Musik menuntut tarian untuk mengikuti penemuannya, menyerap sesuatu yang baru dan berinteraksi dengan bentuk seni lainnya. Bukti pergeseran tersebut diberikan kepada kita oleh tarian Renaisans, sebagai simbol pembentukan seni tari di jalur perkembangan baru.

2.2 Koreografi di pinggiran penentuan nasib sendiri

Di antara jenis seni Renaisans lainnya, tarian mulai menonjol. Tarian menjadi sangat populer dan mencapai kesuksesan yang belum pernah terjadi sebelumnya dalam perkembangannya. Jika pada era sebelumnya tari hanyalah bagian dari pemujaan atau hiburan umum, maka pada zaman Renaisans seni koreografi memiliki fungsi baru, sikap baru dalam menari. Keberdosaan, ketidaklayakan pekerjaan ini, karakteristik Abad Pertengahan, di zaman Renaisans, itu berubah menjadi aksesori wajib kehidupan sekuler dan menjadi salah satu keterampilan yang paling diperlukan untuk orang yang santun dan berpendidikan (bersama dengan keterampilan seperti terampil memiliki pedang, kemampuan menunggang kuda, menyenangkan dan berbicara sopan, berpidato dengan halus). Tari mengalir ke arah transformasi umum: di bawah pengaruh musik, ia berubah menjadi seni profesional.

Koreografi memulai jalan menuju penentuan nasib sendiri: seni disederhanakan, menetapkan aturan dan norma tertentu, mengasah teknik dan bentuk struktural, ada pemisahan jenis tarian: tarian rakyat (petani) dan istana (bangsawan-feodal), yang dimulai pada Abad Pertengahan, berlanjut. Proses ini berlangsung secara bertahap dan dikaitkan dengan stratifikasi masyarakat yang berkembang dan perbedaan yang dihasilkan antara cara hidup orang biasa dan kaum bangsawan. “Spontanitas telah berlalu,” tulis Kurt Sachs. – Pengadilan dan tarian rakyat dipisahkan untuk selamanya. Mereka akan terus-menerus mempengaruhi satu sama lain, tetapi tujuan mereka menjadi berbeda secara fundamental.

Jika tarian rakyat mempertahankan karakternya yang santai dan kasar, maka gaya tarian keraton menjadi semakin khusyuk, terukur, dan agak prima. Hal ini disebabkan oleh beberapa faktor. Pertama, gaya pakaian feodal yang subur dan berat mengesampingkan gerakan energik, berat, dan lompatan tiba-tiba. Kedua, pengaturan tata krama yang ketat, aturan perilaku dan semua etiket tarian mengarah pada pengecualian elemen pantomim dan improvisasi dari tarian.

Ada perubahan yang signifikan dalam teknik tarian: keseimbangan antara gerakan dan ritme tarian, periode osilasi dari istirahat ke gerakan dan dari istirahat ke ketegangan, pergantian ritme dalam satu tarian diatur. Selain itu, teknik pertunjukannya berubah: Tarian dengan tarian melingkar dan komposisi barisan linier digantikan oleh tarian berpasangan (duet), yang dibangun di atas gerakan dan figur kompleks yang bersifat permainan cinta yang kurang lebih jujur. Dasar dari pola koreografi adalah perubahan episode yang cepat, berbeda dalam sifat gerakan dan jumlah peserta.

Kebutuhan untuk mengatur etiket tari berkontribusi pada pembentukan kader master tari profesional. Guru tari menciptakan bentuk tarian kanonik, yang dipelajari dengan rajin dan tepat waktu oleh masyarakat yang memiliki hak istimewa. Ini sebagian besar difasilitasi oleh buku teks, di mana gerakan disistematisasikan, upaya dilakukan untuk memperbaiki komposisi tarian. Memperdebatkan pentingnya momen ini dalam sejarah tari, Kurt Sachs secara khusus mencatat Italia Utara, di mana, pertama-tama, pelatihan tari profesional muncul. Dan, memang, seni tari paling megah berkembang di Italia. Bola di Florence abad 15-16 adalah contoh kemegahan, kecemerlangan, kecerdikan. Guru tari Italia diundang ke berbagai negara. “Penari profesional dulunya adalah pantomim pengembara dan pemain sulap yang hina,” tulis Sacks, seorang guru tari Italia utara yang memegang posisi terhormat. Dia adalah pendamping para pangeran, terkadang orang kepercayaan; di pesta pernikahan Venesia, di mana pengantin wanita biasanya diperkenalkan dalam tarian sunyi, dia bisa tampil sebagai pengganti ayah. Para guru sangat tertarik untuk mendirikan sekolah untuk mengajar tari. Dan, sudah di abad ke-15, sekolah khusus muncul di Italia, profesi guru tari sudah mapan. Jadi kemungkinan besar pada abad ke-16 Italia adalah ratu tarian, seperti yang terlihat pada abad ke-15.

Domenico dari Piacenza dianggap sebagai ahli teori seni tari Italia pertama. Domenico da Piacenza pada pergantian abad XIV - XV menyusun sebuah risalah "On the Art of Dance and Dance". Buku ini terdiri dari dua bagian. Bagian pertama dikhususkan untuk tarian secara keseluruhan dan mendefinisikan lima elemennya: ukuran, sikap, pembagian platform, memori, dan ketinggian. Ukur adalah prinsip utama hubungan antara gerakan cepat dan lambat dalam musik; pembagian tapak sangat penting untuk komposisi tarian kelompok; ingatan dibutuhkan untuk benar-benar menciptakan tarian; cara memegang membebaskan tarian dari bentuk yang tidak bergerak dan ketinggalan zaman; elevasi dirancang untuk pengembangan teknik menari. Bagian lain dari risalah menetapkan kategori gerakan dasar. Di sini ia membagi gerakan menjadi dua jenis: buatan dan alami. Gerakan alami - langkah sederhana dan ganda, postur tubuh yang mulia, putaran dan setengah putaran, membungkuk dan melompat. Gerakan artifisial termasuk menendang, langkah cincang dan melompat dengan kaki variabel.

Selain itu, perlu dicatat ahli teori dan guru tari lainnya - Guglielmo Embreo, yang menyusun Risalah Seni Tari. Dalam risalahnya, ia juga menyarankan untuk mengoordinasikan gerakan dengan irama yang diatur oleh musik. Dia memperkenalkan istilah contro tempo - melawan kecepatan, yang harus dipatuhi agar berhasil dalam tarian yang dipelajari. Selain itu, ia mengedepankan konsep aria, yang menyiratkan kemampuan berpindah antar tempo dan berpindah dari satu tarian ke tarian lainnya. Tidak mungkin melebih-lebihkan karya Guglielmo, dia mengungkapkan pandangan dunia humanistik Renaisans ketika dia menyatakan tarian sebagai "ilmu berpikir bebas" sama luhur dan pentingnya dengan yang lain, dan lebih dari yang ditujukan pada sifat manusia.

Di antara karya Italia tentang koreografi abad ke-16, buku Fabrizio Caroso The Dancer yang diterbitkan pada tahun 1581 patut mendapat perhatian. Buku ini adalah sejenis panduan yang ditujukan untuk dansa ballroom, namun dapat dikatakan bahwa aturan tersebut juga digunakan dalam tarian panggung, meskipun langkah-langkah yang lebih representatif berlaku di dalamnya. Dalam buku tersebut, ia mencoba mensistematisasikan tidak hanya tariannya, tetapi juga gerakan yang menyusunnya. Misalnya, ia membagi sujud menjadi "penting" ("kuburan"), "kecil" ("minima"), "sedang" ("semiminima"). Curtsy "sedang" termasuk lompatan. Selaras dengan variasi tarian dengan variasi irama musik, Coroso sudah menggunakan posisi yang dekat dengan posisi pertama, ketiga, dan keempat tarian klasik, serta pirouette dan berbagai jenis lompatan, termasuk meluncur (entrecha). Teknik tariannya termasuk gerakan akrobatik, seperti saut de noeud (lompat simpul), namun teknik ini kemudian menghilang. Teknik baru ini memungkinkan Coroso membuat balet dalam lima, enam, dan bahkan sepuluh bagian, menurut musiknya. Caroso menuntut evolusi penari harus sesuai dengan ukuran syair kuno, dan dia menyebutkan dactyl, bait sapphic, spodei. Dia menulis tentang tarian - ansambel gratis, "dilakukan dengan presisi matematis, sesuai dengan syair Ovid."

Caroso tidak diragukan lagi meletakkan dasar untuk pengembangan balet, teknik dan penampilannya. Secara alami, pertunjukan balet pertama kali muncul di Italia. Jadi, misalnya, pada tahun 1489, Lombard Bergonzo di Bota, untuk menghormati pernikahan Adipati Milan, Galazo Visconti, mengadakan perayaan teater yang megah di mana tarian diselingi dengan nyanyian, musik, dan pengajian. Koreografi Italia memiliki pengaruh besar pada balet Prancis pertama. Menjelang akhir abad ke-16, pertunjukan balet muncul dengan plot yang lengkap, yang terungkap melalui tarian, nyanyian, resitatif puitis, dekorasi yang rumit dan megah. Pengalaman balet muda Italia, metode pedagogisnya, dan karya koreografinya diterima oleh banyak negara Eropa. Jadi, di zaman Renaisans, orang sudah bisa berbicara tentang permulaan balet.

Lain penulis terkenal tentang "seni tari" - Tuano Arbo - penulis Prancis, pendeta. Kontribusinya terhadap perkembangan tari tidak kalah pentingnya dengan para master tari Italia. "Orkezografi" oleh Tuano Arbaud adalah risalah paling populer yang berisi informasi tentang tarian bass Prancis abad ke-16. Arbo mencoba memulihkan tarian abad pertengahan, mendesain ulangnya dengan cara baru, dan dari sinilah ketenarannya sebagai spesialis pertama dalam rekonstruksi tarian lahir.

Kesimpulannya, kita dapat mengatakan bahwa seni tari setara dengan jenis seni lainnya dan tidak kalah dengan mereka. Tariannya ditata, dibawa ke dalam sistem. Kemungkinan besar tubuh manusia terbuka. Tarian bergerak dari menceritakan kenyataan menjadi mengungkapkan pemikiran abstrak. Selanjutnya - dari pertunjukan pengadilan hingga tarian teater.

Selama Renaisans, tarian menjadi cara hiburan dan komunikasi sosial. Pada akhir abad ke-16, semua orang percaya bahwa tarian diperlukan bagi masyarakat sebagai sarana main-main untuk menunjukkan keanggunan dan pesona wanita serta kekuatan dan kehebatan pria. Bola diatur pada kesempatan semua peristiwa penting, umum dan pribadi. Keindahan dan kecanggihan setiap peserta penting untuk menciptakan suasana ballroom yang meriah, menegaskan status sosial politik pemilik yang tinggi dan memfasilitasi pernikahan, yang pada saat itu sangat penting untuk menjaga struktur masyarakat. Kemampuan menari diasah oleh para bangsawan dan kelas menengah yang meniru mereka dengan latihan sehari-hari di bawah bimbingan banyak guru. Di istana ada koreografer - guru tari, tugas mereka termasuk mengajar tarian untuk kedua jenis kelamin, serta mengadakan tontonan pada umumnya.

Jadi tarian profesional mulai memasuki segala macam tontonan. Tarian, yang pada Abad Pertengahan dimaksudkan untuk "tindakan sakral", mundur pada abad ke-15 sebelum perayaan yang bersifat sekuler. Yang terpenting pada saat itu mereka menyukai topeng - topeng sangat penting di era ini. Tarian juga terlibat dalam prosesi jalanan, di mana seluruh pertunjukan karakter penari dimainkan. Lebih sering, prosesi jalanan seperti itu menafsirkan cerita-cerita pagan, isi mitos, yang merupakan ciri khas Renaisans, seperti era yang beralih ke zaman kuno.

Karnaval juga memberikan kontribusi besar untuk menari sebagai hiburan publik. Yang paling luar biasa di antaranya adalah kemenangan (trionfi), pertunjukan tentang subjek mitologis dengan pemandangan yang dieksekusi dengan terampil. Agak lebih sederhana adalah kari (carri, dari bahasa Italia carro - "wagon") - penyamaran para pengrajin dan pedagang di kota Italia: di sini kerumunan orang bertopeng berbaris di belakang simbol dekoratif profesi mereka. Tontonan, di mana musik, nyanyian, pengajian, pantomim, dan tarian dicampur, diiringi dengan jamuan makan yang khusyuk, berbagai pesta istana.

Tapi tetap saja, tarian Renaisans jauh lebih luas dari sekadar hiburan sederhana. Saat ini, gagasan kuno tentang pengaruh tarian yang paling dalam pada kondisi spiritual dan fisik seseorang sedang dihidupkan kembali. Di halaman-halaman banyak risalah tari, gagasan sering diungkapkan bahwa tarian sama sekali bukan plastisitas murni, tetapi cara mencerminkan gerakan spiritual. “Adapun kesempurnaan tarian tertinggi, itu terdiri dari peningkatan jiwa dan raga dan membawanya ke lokasi terbaik,” tulis ahli teori musik, filsuf, fisikawan, dan matematikawan Prancis M. Mersenne dalam salah satu karyanya. Seringkali tarian, seperti pada zaman dahulu, diberikan kosmologis

arti. Bukan kebetulan bahwa minat dan kesadaran dalam masalah seni tari diungkapkan oleh para pendeta - kepala biara de Pure, kanon Arbaud, pendeta Menetrier.

2.3 Palet genre seni tari

Sikap baru terhadap tarian selama Renaisans memunculkan banyak genre tarian. Dilihat dari judul karya yang ditempatkan di berbagai koleksi musik, panduan praktis, dan risalah, gambarannya sangat beraneka ragam: beberapa tarian dengan cepat ketinggalan zaman; yang lain, setelah muncul dalam satu abad, mempertahankan signifikansinya di abad lain (misalnya, saltarello, tarian bass, branle), beberapa di antaranya mengubah sifat dan gaya koreografi seiring waktu.

Setiap provinsi memiliki tariannya sendiri dan gaya pertunjukannya sendiri. Noverre menulis bahwa minuet datang kepada kami dari Angouleme, bahwa tempat kelahiran tarian burre adalah Auvergne. Di Lyon mereka akan menemukan dasar pertama gavotte, di Provence, rebana.

Jadi, Semua tarian sehari-hari saat ini dibagi menjadi dua kelompok utama: Bassa danza (French basses danses) - yaitu, tarian "rendah" di mana tidak ada lompatan, dan kaki hampir tidak naik ke atas lantai (pavane, allemande, chimes , sarabande, dll.); Alta danza (French haute danses) - yaitu, tarian "tinggi" dari tarian melingkar, di mana para penari berputar dan memantul (moreska, galliard, volta, saltarello, berbagai jenis dedak, dll.)

Di era awal Renaisans, pertentangan tarian dengan gerakan lambat dan lebih hidup (bassa danza dan alta danza) menjadi ciri khasnya. Itu ditemukan baik di bola maupun di musik profesional yang muncul di akhir Abad Pertengahan. Dalam sumber musik abad ke-14 - awal abad ke-15, pengelompokan tarian menjadi 2 adalah umum: tarian pertama dari setiap pasangan dipertahankan dalam tanda waktu genap dan tempo lambat, yang ke-2 - dalam tanda waktu 3 ketukan dan a tempo cepat. Lebih dari yang lain, pasangan pavan - galliard passamezzo - saltarello adalah hal biasa. Mereka berinteraksi satu sama lain, tetapi, bagaimanapun, mempertahankan sifat masing-masing.

Mengenai genre seni tari pada zaman itu jumlahnya cukup banyak, namun yang paling populer adalah: bass dance, pavane, chimes, branle, moresca, galliard, saltarello dan volta. Untuk memahami apa kekhususan dari masing-masing tarian tersebut, perlu mengacu pada deskripsi dan interpretasinya.

tarian bass(French basse danse - "tarian rendah") - nama kolektif tarian istana dengan kecepatan sedang atau agak lambat dan, sebagai aturan, dalam ukuran 4 ketukan, umum di Prancis, Italia, Belanda antara paruh kedua abad XIV dan pertengahan XVI. Asal usul nama tidak sepenuhnya jelas. Mungkin ini terkait dengan praktik menampilkan musik dari tarian ini pada instrumen nada rendah, dan mungkin dengan tidak adanya penari lompat tinggi dalam tarian bass. Karena kurangnya pas cepat dan gerakan melompat yang menjadi ciri khas "tarian tinggi" (Prancis - haute danse, Italia - alta danza), tarian bass sering disebut "promenade". Gambar komposisi dapat dibangun dalam bentuk tarian melingkar, prosesi. Tarian bass, seolah-olah, adalah komposisi koreografi kecil di mana para penari menunjukkan diri mereka kepada masyarakat yang berkumpul dan menunjukkan kekayaan, kemegahan pakaian, dan sopan santun mereka. Pada abad ke-15, menurut K. Sachs, tarian bass “… tidak mengikuti urutan langkah yang ditetapkan. Beraneka ragam, seperti warna dalam kaleidoskop, dia menggabungkan gerakan baru setiap saat. Musik dansa bass, sering kali bersifat paduan suara, biasanya diimprovisasi berdasarkan cantus firmus. Koreografi gratis juga sesuai dengan struktur musik terbuka (terbuka) dengan jumlah bagian yang berubah-ubah. Berbagai komposisi instrumental digunakan untuk menampilkan tarian bass: kecapi, harpa dan gendang; trombone, flute dengan snare drum, dll. Sebagai salah satu bagian, bass dance dimasukkan ke dalam suite instrumental awal. Varietas tarian bass: Bassadan- tarian bass versi Italia yang lebih halus, populer di abad ke-15. Berbeda dalam kecepatan yang lebih mobile; Bir - Tarian Italia abad ke-15, langkahnya bahkan lebih cepat dari pada Bassadans, hingga abad ke-16 nama "bir" dilindungi oleh tarian cepat 3 ketukan, yang sebelumnya sering dibawakan pavane dan saltarello.

pavana- tarian lambat yang khidmat. Asal usul tarian ini cukup ambigu: menurut satu versi, pavane adalah tarian asli Italia, namanya dikaitkan dengan tempat asalnya, kota Padua, menurut versi lain, pavane adalah tarian asal Spanyol . Ada alasan untuk percaya bahwa istilah "padovana" juga digunakan sebagai kata yang menunjukkan konsep umum - jenis tarian tertentu yang menggabungkan pavana dan ragamnya - passamezzo.

Sudah di awal abad ke-16, pavane menjadi salah satu tarian istana paling populer: ditarikan dengan jubah dan pedang selama upacara khidmat: ketika pengantin wanita pergi ke gereja, ketika pendeta melakukan prosesi keagamaan, ketika pangeran, anggota pemerintah kota pergi. Musik Pavane dicirikan oleh: struktur yang jelas, seringkali struktur metro-ritmis yang persegi, presentasi akord yang dominan, terkadang diwarnai dengan bagian-bagian.

Terbukti pertunjukan pavane diiringi rebana, seruling, obo dan trombon, didukung oleh gendang yang mempertegas irama tarian. Di setiap negara, sifat gerakan dan cara melakukan pavanes memiliki ciri khasnya masing-masing: di Prancis, langkahnya mulus, lambat, anggun, meluncur; di Italia, langkahnya lebih lincah, gelisah, bergantian dengan lompatan kecil. Pada paruh ke-2 abad ke-16, pavane praktis tidak digunakan lagi di Eropa, namun tetap ada hingga pertengahan 1620-an. salah satu tarian paling populer di Inggris. Pavane instrumental mencapai fajarnya dalam karya para perawan Inggris. Pavana terkait adalah: pavanila- tarian instrumental, yang populer di Italia pada paruh pertama abad ke-17, memiliki karakter dan kecepatan yang lebih hidup; paduan - itu menjadi tersebar luas pada akhir Renaisans, dan merupakan ciri khas abad ke-17 - setidaknya dua tarian berbeda disebut: pavane dua bagian dan tarian 3 bagian yang dilakukan setelah passamezzo; passamezzo- Tarian Italia, berbeda dari pavan dalam kecepatan yang lebih mobile. Diterjemahkan secara harfiah sebagai "menari dalam 1,5 langkah", yang menunjukkan sifat gerakannya yang lebih cepat daripada di pavan. Ada dua varietas yang paling umum "tua" (antico) dan "modern" (moderno), yang berasal dari karakteristik denah iringan yang harmonis.

Courant- tarian istana, asal Italia, dari kata Italia corrente, yang artinya aliran air, halus, seragam. Pola komposisi tarian biasanya berbentuk oval, tetapi bisa juga berbentuk bujur sangkar memanjang atau segi delapan, yang memungkinkan dibuatnya gerakan zigzag yang menjadi ciri khas tarian piva Italia yang ada pada abad ke-15. Lonceng itu sederhana dan kompleks. Yang pertama terdiri dari langkah-langkah sederhana dan meluncur, dilakukan terutama ke depan. Lonceng yang rumit memiliki karakter pantomim: tiga pria mengundang tiga wanita untuk berpartisipasi dalam tarian, mereka membawa wanita ke sudut seberang aula dan meminta mereka untuk menari, wanita menolak, pria ditolak, pergi, tetapi kemudian kembali lagi dan berlutut di depan para wanita. Baru setelah adegan pantomim barulah tarian dimulai. Dalam lonceng yang rumit, gerakan dilakukan ke depan, ke belakang, dan ke samping. Di pertengahan abad ke-16, bagian pantomim dari tarian tersebut menghilang. Courante telah mengubah tanda waktunya berkali-kali. Awalnya 2/4, kemudian menjadi tiga kali lipat.

dedak- awalnya tarian keliling rakyat, kemudian juga ballroom, tarian istana abad ke-15 - ke-17. Kata branle sendiri, artinya dalam bahasa Prancis - goyang, tarian melingkar, juga menjadi ciri salah satu gerakan utama - mengayunkan tubuh. Banyak varietasnya diketahui, berbeda satu sama lain dalam ukuran tempo, koreografi (balet sederhana, bola ganda, penari balet, balet sepatu, balet dengan obor, balet dengan ciuman, dll.) Dan varian lokal (B. dari Poitou, B. dari Champagne). Laju tariannya cukup cepat, lincah. Ukurannya biasanya 2 ketukan, terkadang 3 ketukan (dalam "jolly branle", yang termasuk lompatan dan ayunan) dan 4 ketukan (dalam Champagne). Dedak rakyat - energik, terburu nafsu, dikejar, ruang dansa - lebih halus dan tenang, dengan banyak sujud. Terkadang diiringi dengan nyanyian (bait dengan paduan suara) dan memainkannya instrumen rakyat(pipa, seruling, rebana, bagpipe). Pada abad ke-15, itu dilakukan sebagai akhir dari tarian bass, dari mana, mungkin, berasal. Dari segi koreografi masih terbilang primitif, apalagi iringan musiknya terdiri dari tabuhan rebana yang agak monoton, suara seruling dan nyanyian para penari yang monoton. Namun, pada saat yang sama, perlu dicatat bahwa dedak adalah sumber utama dari semua tarian salon yang muncul kemudian, memainkan peran besar dalam perkembangan koreografi ballroom.

Moreska -(moresca(Italia) - secara harfiah "Moor", morisdance - dari bahasa Inggris morris dance) - adegan musik - tarian. Adegan itu secara simbolis mereproduksi perjuangan antara orang Kristen dan Moor. Di Italia, tarian itu disebut "Morisca", nama yang sama diberikan kepada orang Moor yang dibaptis dan masuk Kristen. Berasal dari Spanyol, moresca awalnya merupakan tarian rakyat dan ditarikan oleh dua kelompok. Selama Renaisans, moresca adalah salah satu tarian paling populer, menjadi bagian dari berbagai tontonan teater perkotaan dan pertunjukan yang baru muncul. teater musikal. Di sana, dia kehilangan fitur aslinya dari permainan rakyat (namun tetap mempertahankan topeng orang Moor), dan secara bertahap berubah menjadi tarian figur dari karakter yang khusyuk, sering kali suka berperang. Belakangan, pada abad ke-17, istilah moresca menunjukkan tarian balet atau pantomim dalam sebuah opera: misalnya, Monteverdi memperkenalkan moresca ke bagian akhir opera "Orpheus" -1607.

galliard(gagliarda, ital. ceria, berani, ceria) - tarian kuno asal romantik akhir abad XV - XVII. Rupanya berasal dari Italia Utara, di berbagai daerah dan kota tercetak adat istiadat dan adat istiadat setempat. Ini adalah tarian yang ceria dan lincah, berasal dari koreografi rakyat, meskipun paling tersebar luas di antara kelas-kelas istimewa, mempertahankan ciri-ciri tarian petani - lompatan dan gerakan tiba-tiba, sering kali memiliki nama bercanda ("langkah derek", "tendangan sapi") . Seperti lonceng, ia memiliki karakter semacam dialog. Diiringi oleh ansambel orkestra kecil atau memainkan kecapi dan gitar. Galliard abad ke-16 dicirikan oleh ketinggian 3 meter, sedang langkah cepat, gudang akord, diatonis. Itu biasanya dilakukan setelah pavane 4 ketukan lambat, memvariasikan melodi dan

pola metrik. Urutan serupa dari pavane 4 ketukan lambat dan galliard 3 ketukan cepat adalah prototipe dari suite instrumental Baroque.

Saltarella- tarian Italia rakyat. Namanya berasal dari kata Italia saltare - melompat, melompat. Ia dikenal di Romagna, Lazo, San Marino, In Abruzzio. Setiap daerah melakukannya secara berbeda. Saltarella adalah tarian yang sangat sederhana, tidak memiliki angka tetap. Gerakan utamanya adalah keseimbangan. Tetapi para pemain harus memiliki ketangkasan dan kekuatan, karena kecepatan dalam tarian meningkat setiap saat, mencapai kecepatan yang sangat tinggi. Saltarella - tarian berpasangan, jumlah pasangan yang ikut menari bisa sangat banyak. Seperti banyak tarian rakyat lainnya, saltarella terkadang dimulai dengan adegan pantomim yang menyenangkan. Di beberapa daerah Italia, misalnya di Giogaria, saltarella ada sebagai tarian lompat rendah.

Ada juga jenis tarian bundarnya. Dalam tarian bundar saltarella, para penari berdiri berdempetan erat satu sama lain, tubuh mereka dimiringkan ke depan, kepala mereka hampir bertabrakan di tengah lingkaran; tangan diletakkan di bahu masing-masing. Kaki telanjang meluncur lembut di tanah. Para pemain bergoyang mengikuti irama gerakan kaki. Performa saltarella di Romagna memang aneh. Di sini diiringi dengan lagu yang dinyanyikan oleh salah satu peserta, dan seolah-olah merupakan demonstrasi ketangkasan. Wanita meletakkan gelas di atas kepala mereka, diisi sampai penuh dengan air atau anggur. Selama gerakan yang rumit dan cepat, tidak boleh ada satu tetes pun yang tumpah.

Volta- tarian pasangan asal Italia. Namanya berasal dari kata Italia voltare, yang berarti "berputar". Biasanya tarian ini dibawakan oleh satu pasangan (pria dan wanita), namun jumlah pasangan dapat ditambah. Seperti banyak tarian rakyat lainnya, volta, segera setelah kemunculannya, mulai dipertunjukkan pada pesta istana. Pada abad ke-16, dia dikenal di semua negara Eropa, tetapi dia paling sukses di istana Prancis. Namun, sudah di bawah Louis XIII, istana Volta Prancis tidak menari. Tarian ini berlangsung paling lama di Italia.

Livanova, T. "Sejarah musik Eropa Barat hingga 1789 (Renaisans). [Teks] / T. Livanova. - M., 1983 453 s.: C5.

Sejarah estetika. [Teks] / Monumen pemikiran estetika dunia dalam 5 jilid. T.1. - M., 1985. 876 hlm: C 506-514.

Losev, V. Estetika Renaisans. [Teks] / A.Losev. – M., 1982. 415 hal.: P 154.

"Sejarah Seni: Renaisans" [Teks] / - M., 1989. hal.356.: P.205.

Shestakov, V. Estetika Musik Renaisans. [Sumber daya elektronik]/ V. Shestakov.// Mode akses: #"#_ftnref6" name="_ftn6" title=""> Gruber, R. Sejarah budaya musik. [Teks] / R.Gruber. - M., 1975. 478 hal.: P 123.

Zakharov, R. Komposisi tarian. [Teks] / R. Zakharov. - M., 1983. 250-an.: С67.

Blokir, L.D. "Tarian klasik. Sejarah dan Modernitas". [Teks] / L.D. Memblokir. - M., 1987. 556 hal.: P 167.

Vasilyeva - Natal, M. Sejarah - tarian rumah tangga. [Teks] / M. Vasilyeva - Natal. - M., 1987. 328 hal.: С107.

Populer dalam kategori: