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Cosa fa un artista delle luci da palcoscenico? Nuovo affare

La professione di miniatore apparve nell'era di Shakespeare. Servitori speciali hanno assicurato che le candele non fossero fumate o spente durante lo spettacolo. I sistemi per l'illuminazione dei teatri iniziarono a svilupparsi in Italia durante il Rinascimento. Oggi, per diventare un lighting designer, non bisogna solo essere sul "tu" con l'ingegneria elettrica, ma anche avere buone capacità organizzative, avere un gusto artistico e un senso della luce ben bilanciato, e bisogna anche conoscere fisica, ottica, regia e scenografia. Come puoi vedere, ci sono molti requisiti e quindi un lighting designer nel nostro paese è uno specialista raro.
Le caratteristiche di questa professione sono condivise da Konstantin Gerasimov, un'illuminazione e Amministratore delegato società TDS, specializzata nel complesso supporto tecnico di eventi.

TDS Konstantin Gerasimov al lavoro.

“Il lighting designer è una straordinaria combinazione di uno dei più tecnici e allo stesso tempo professioni creative. Con l'aiuto della luce trasmettiamo idea generale mostrare, creare atmosfera. Per ogni progetto, sviluppiamo un design unico, selezioniamo attrezzature in grado di risolvere problemi specifici. E qui è importante non solo conoscere le leggi dell'illuminazione, i dispositivi e le tecnologie moderne, ma avere un'immaginazione instancabile per sorprendere lo spettatore ancora e ancora.

Nella nostra attività, così come nella pittura, non puoi semplicemente prendere in mano un pennello e iniziare subito a creare capolavori. Questa professione è un apprendimento permanente. Non è sufficiente solo padroneggiare le basi. L'industria dello spettacolo si sta sviluppando rapidamente, ogni giorno compaiono nuove tecnologie. Devi capire chiaramente quali di loro sono di tendenza ora e cercare ciò che il pubblico globale non ha ancora visto. E qui viene in soccorso la simbiosi delle tecnologie, perché ogni spettacolo è costituito da un insieme di elementi: scenografia, sequenza video, effetti speciali. Avendo lavorato per molti anni nel settore dello spettacolo, ho capito che il segreto di uno spettacolo di successo risiede proprio in un approccio integrato alla creazione di un progetto. La collaborazione del progettista illuminotecnico con altri specialisti tecnici consente di creare elementi molto esclusivi e porta lo spettacolo a un livello di qualità fondamentalmente nuovo.
Questa idea ha costituito la base della società TDS, che ha riunito professionisti nel campo del supporto tecnico per eventi. Il nostro team guida il progetto in tutte le fasi della sua vita: sviluppa scenografie e scenografie, crea installazioni luminose e video ed esegue una gamma completa di amministrazione tecnica e supporto al progetto.

Riteniamo che la qualità di qualsiasi progetto dipenda dalla completezza della sua preparazione, quindi utilizziamo metodi di visualizzazione 3D e pre-programmazione per progettare e mettere in scena lo spettacolo. Ciò consente di vedere il quadro completo del progetto e di elaborare in dettaglio la sua componente tecnica anche prima dell'inizio dell'installazione.

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Descrizione del lavoro del capo progettista dell'illuminazione[nome dell'azienda]

Questa descrizione del lavoro è stata sviluppata e approvata in conformità con le disposizioni del Direttorio unificato di qualificazione per le posizioni di dirigenti, specialisti e impiegati, sezione "Caratteristiche di qualificazione delle posizioni dei lavoratori nella cultura, nell'arte e nella cinematografia", approvato. con ordinanza del Ministero della salute e dello sviluppo sociale della Federazione Russa del 30 marzo 2011 N 251n e altri atti normativi che regolano i rapporti di lavoro.

1. Disposizioni generali

1.1. Il Chief Lighting Designer fa parte dello staff artistico e riferisce direttamente a [posizione di supervisore].

1.2. Il capo progettista dell'illuminazione viene nominato per la posizione e licenziato da essa per ordine di [nome della posizione].

1.3. Una persona che ha un'istruzione professionale superiore (teatrale e decorativa, artistica, tecnica) e almeno 5 anni di esperienza lavorativa come progettista dell'illuminazione è accettata per la posizione di capo progettista dell'illuminazione.

1.4. Il Lead Lighting Designer dovrebbe sapere:

Leggi e altri atti normativi Federazione Russa riguardante le attività delle organizzazioni arti dello spettacolo;

Parametri tecnici e possibilità del palco;

Parametri e caratteristiche tecniche degli apparecchi di illuminazione;

Le principali tecniche di illuminazione artistica in relazione alla soluzione scenografica;

Gli ultimi risultati della scienza e della tecnologia nel campo dell'illuminazione scenica;

Ingegnere elettrico;

elettronica;

Informatica;

Scienza del colore;

Meccanico;

Regole per il funzionamento, lo stoccaggio e il trasporto di apparecchi di illuminazione;

Esperienza di organizzazioni di arti dello spettacolo e organizzazioni specializzate nel campo dell'illuminazione scenica;

Storia della cultura materiale e delle arti teatrali e decorative;

Le specificità del lavoro creativo nelle organizzazioni delle arti dello spettacolo;

Fondamenti di economia e management nel campo dello spettacolo, diritto del lavoro;

Regolamento interno del lavoro;

Norme in materia di protezione del lavoro e sicurezza antincendio.

2. Responsabilità lavorative

Capo progettista illuminotecnico:

2.1. Realizza, secondo l'intenzione del regista, il lighting design per nuove e rinnovate produzioni.

2.2. Insieme allo scenografo, sviluppa i principi e lo stile delle soluzioni di illuminazione artistica per spettacoli, fornisce il livello necessario di progettazione dell'illuminazione artistica.

2.3. Sviluppa effetti di luce, mezzi tecnici necessari e regole per il loro funzionamento.

2.4. Partecipa all'accettazione del layout della scenografia dello spettacolo, fornisce proposte specifiche per l'installazione e l'uso dei mezzi tecnici necessari.

2.5. Conduce prove leggere di spettacoli con la fissazione dell'illuminazione artistica installata sulle partiture.

2.6. Controlla l'esatta esecuzione dell'illuminazione artistica delle esecuzioni del repertorio attuale.

2.7. Supervisiona il lavoro degli artisti della luce e fornisce loro l'assistenza necessaria.

2.8. Contribuisce alla crescita professionale degli artisti della luce.

2.9. Organizza lo studio e l'implementazione degli ultimi risultati nel campo delle attrezzature e della tecnologia di produzione teatrale.

2.10. Si sviluppa piani a lungo termine ammodernamento dell'illuminazione scenica.

2.11. [altre responsabilità lavorative]

3. Diritti

Il Chief Lighting Designer ha il diritto di:

3.1. Per tutte le garanzie sociali previste dalla legislazione della Federazione Russa.

3.2. Ricevere informazioni sulle attività dell'organizzazione necessarie per lo svolgimento dei compiti funzionali da tutti i reparti direttamente o tramite il supervisore diretto.

3.3. Presentare proposte alla direzione per migliorare il proprio lavoro e il lavoro dell'organizzazione.

3.4. Conoscere le bozze di ordini della direzione relative alle sue attività.

3.5. Firmare e convalidare i documenti di loro competenza.

3.6. Partecipa a riunioni che discutono questioni relative al suo lavoro.

3.7. Richiedere alla direzione di creare condizioni normali per lo svolgimento delle funzioni ufficiali.

3.8. Migliora le tue qualifiche professionali.

3.9. [altri diritti previsti diritto del lavoro Federazione Russa].

4. Responsabilità

Il Chief Lighting Designer è responsabile di:

4.1. Per inadempimento, adempimento improprio degli obblighi previsti dalla presente istruzione - entro i limiti determinati dalla legislazione del lavoro della Federazione Russa.

4.2. Per i reati commessi durante lo svolgimento delle proprie attività - nei limiti determinati dall'attuale legislazione amministrativa, penale e civile della Federazione Russa.

4.3. Per aver causato danni materiali al datore di lavoro - entro i limiti determinati dall'attuale legislazione del lavoro e civile della Federazione Russa.

La descrizione del lavoro è stata sviluppata in conformità con [nome, numero e data del documento].

Capo delle risorse umane

[iniziali, cognome]

[firma]

[giorno mese Anno]

Concordato:

[titolo di lavoro]

[iniziali, cognome]

[firma]

[giorno mese Anno]

Conoscenza delle istruzioni:

[iniziali, cognome]

[firma]

[giorno mese Anno]

Chi è illuminatore, lighting designer, regolatore, "mitragliere", "tablet", "ingegnere elettronico" e tecnico?

Quando sono nate queste professioni? A cosa servono? Qual è la differenza? È possibile padroneggiare queste specialità da soli? Come analizzare l'esperienza?

In generale, queste specialità sono creative? In che misura le persone "a caso" danneggiano la professione?

Proviamo insieme a capire tutte queste questioni, a sistemare le basi della nostra specialità.

Chi sono gli artisti della luce?

Analizziamo la situazione usando l'esempio di un "vicino per genere".

Pittore. D'accordo, non è sufficiente definire un pittore come "un disegnatore altamente qualificato che applica i pigmenti su un piano innescato in una sequenza da lui determinata", poiché questa definizione adatto a un pittore, designer e pittore di icone, e queste specialità sono completamente diverse nei loro compiti. Il pittore di icone lavora secondo determinati canoni, il suo lavoro è destinato principalmente a Dio. Il compito del designer è soddisfare i gusti della stragrande maggioranza dei consumatori. L'artista lavora principalmente per se stesso e per il suo pubblico, a meno che, ovviamente, non abbia qualcosa da dire.

Come sapete, in principio era il Verbo, e la nostra professione è stata catturata da questo Verbo. "Artista" definisce l'intera essenza dell'esistenza del nostro mestiere, dà un punto di partenza e un significato all'ulteriore esistenza. Altrimenti, è meglio essere definiti un maestro o un progettista dell'illuminazione. Almeno sarà onesto e degno di rispetto a modo suo.

Questo libro sarà un tentativo di studiare la professione di lighting designer proprio da un punto di vista artistico, poiché la letteratura corrispondente, a differenza della letteratura tecnica, è catastroficamente scarsa in Russia. A parte D. G. Ismagilava, E. P. Drivaleva e, ovviamente, N. P. Izvekov e V. V. Bazanov, non ricordo gli autori che si sono dedicati alla creazione di libri di testo sull'illuminazione e sulla tecnica teatrale. Non so come il formato di questo libro corrisponderà al concetto di libro di testo. In ogni caso, cercherò di camminare con voi lungo la via aurea, senza cadere negli estremi di "esaltazione altamente artistica" e non lasciando la parte artistica in balia della tecnocrazia.

Nelle arti visive, un numero enorme di dipinti senz'anima realizzati in filigrana tecnica pittorica e innumerevoli capolavori perduti per sempre a causa di violazioni della tecnologia pittorica. Pertanto, elimineremo i discorsi vuoti sul primato dell'uovo e della gallina e inizieremo a imparare insieme.

Lo scopo dell'artista della luce

Illuminazione artistica. La differenza tra l'illuminazione del palcoscenico e l'illuminazione domestica o interna è che viene installata in base a compiti specifici. Impostare la luce è un processo artistico che si traduce in impostazione della luce spettacolo, concerto, pop o numero del circo, installazione espositiva o performance di luce.

Definizione della professione "artista della luce"

Quanto segue è scritto nel mio libro di lavoro dell'era sovietica:

« Un illuminatore altamente qualificato che sviluppa schemi di illuminazione scenica per spettacoli complessi, concerti e altri eventi culturali, seleziona le apparecchiature di illuminazione scenica, determina l'ubicazione di queste strutture e le gestisce».

In linea di principio, questo disco può essere preso come base per definire la specialità "artista della luce".

In effetti, abbiamo una certa conoscenza, esperienza, sviluppi, un sistema di valori artistici - tutto ciò che si chiama qualifica.

Sulla base di tecniche e opportunità finanziarie creato performance, concerti o altre installazioni, sceglie il parco di attrezzature necessarie per un determinato evento, rifiutando hardware superfluo e insistendo per l'acquisto dell'attrezzatura necessaria, creando un pilota tecnico per ogni produzione.

Il lighting designer supervisiona i tecnici (montatori, progettisti, allestitori) durante l'installazione della luce e compone sessioni di progettazione illuminotecnica, rendering di scene luminose e altra documentazione tecnica e artistica.

Sì, gestisce il complesso delle apparecchiature di illuminazione o gestisce gli operatori (regolatori, ingegneri video, artiglieri).

Per una definizione clericale, è abbastanza.

Se consideriamo la professione di lighting designer dal punto di vista creativo, allora è, in primo luogo, il curatore dell'intera percezione visiva dell'opera: "Al buio capirai più chiaramente chi è più importante nel teatro" (un vecchio detto teatrale). In secondo luogo, è coautore di un'opera creata da un team creativo (teatro, gruppo musicale, società di installazione, ecc.).

La divisione delle funzioni e delle sfere di influenza all'interno del team è una cosa molto individuale e specifica. Qui ognuno sceglie da sé la quantità di funzioni e responsabilità che può svolgere. In ogni caso, l'artista è obbligato a contribuire prodotto comune il loro atteggiamento, le emozioni, i gusti, l'esperienza di vita. Un'altra domanda è quanto sia organico, appropriato e pieno di tatto tale "ripieno". Ad essere onesti, nella mia pratica questo non era sempre possibile. Gruppi e gruppi musicali troppo diversi mi hanno incontrato. I leader di questi gruppi hanno carisma diverso. Troppa differenza nelle specifiche teatrali e concertistiche della creazione di un'opera e molti altri fattori influenzano la co-paternità.

In terzo luogo, spesso il lighting designer è l'esclusivo autore dell'illuminazione artistica dell'opera. Negli ultimi tempi si è formata una tendenza costante di performance luminose e multimediali con la luce come protagonista.

Formazione scolastica

Da un punto di vista legale, la nostra professione, per così dire, non esiste. In sostanza, è una specialità lavorativa che non richiede una formazione specifica: appunto, per l'ufficio del personale Istituzione pubblicaè sinonimo di professione luce elettrica. Tuttavia, molti dei miei amici hanno varie posizioni nei loro libri di lavoro, dagli operatori delle console luci ai capi del dipartimento luci del teatro. Paradossalmente, in molti teatri statali, gli specialisti dell'illuminazione devono avere un certificato nella loro specialità. Il fatto che in Russia non esista un'istituzione educativa specializzata secondaria che formi specialisti dell'illuminazione teatrale è poco preoccupante per i funzionari.

Per uscire dalla situazione e condurre almeno in qualche modo un "programma educativo" per il personale, si stanno creando corsi di aggiornamento, dove un dipendente di un'impresa con un'istruzione specialistica secondaria può ricevere un ambito certificato. Tengo anche questi corsi. Il problema con tale formazione non è solo che tali corsi non sono economici, ma anche che hanno il formato di seminari settimanali o di due settimane per cadetti con diversi livelli di formazione, esperienza ed esigenze. La creazione di un'istituzione educativa in cui gli scolari di ieri potessero entrare e padroneggiare fin dall'inizio l'intera gamma di conoscenze e abilità per ottenere un bagaglio a tutti gli effetti per il futuro rimane oggi un compito irrisolvibile.

L'ossimoro è aggravato dal fatto che negli istituti teatrali la formazione avviene nella specialità di un artista-tecnologo, che comprende, oltre a lighting designer, truccatori, costumisti, scenografi, capi postazione, ecc.

Anche il personale docente dell'istruzione superiore solleva interrogativi. Il fatto è che la nostra professione è molto specifica e rara. Eminenti maestri con grande esperienza non sempre possono essere presentati come insegnanti per molte ragioni: la mancanza di istruzione formale, il ritardo tecnologico e il conservatorismo della sfera del "teatro" rispetto all'ambiente del "concerto", la mancanza di metodi consolidati e, di fatto, una scuola integrale luce del palcoscenico, come le scuole russe artistiche, scenografiche o di regia. Se la continuità della professione esiste nelle università nazionali, allora è presentata in modo molto unilaterale e monopolistico.

La cosa più deplorevole è che il divario tra l'illuminazione del teatro e quella dei concerti sta diventando catastrofico. Gli artisti di teatro, che hanno appena iniziato a padroneggiare le possibilità tecnologiche della luce moderna, spesso spacciano pratiche che sono state sviluppate nel corso degli anni nell'ambiente dei concerti come proprie rivelazioni. L'esperienza accumulata in decenni nell'ambiente concertistico e musicale non viene praticamente trasferita sul palcoscenico teatrale. I concertisti spesso non hanno bagaglio artistico e base metodologica teatrale. Di conseguenza, dove potrebbe sorgere la simbiosi, sorgono lo snobismo e il rifiuto reciproco.

Il compito del lighting designer

Creazione di illuminazione artistica e scenica per una produzione teatrale, concertistica, espositiva, architettonica o di altro tipo (installazione).

Gerarchia delle professioni

Il lighting designer è sia un subordinato che un leader. L'attuazione delle sue idee dipenderà da come costruisce le sue relazioni con superiori e subordinati.

Il proprietario di un'opera collettiva in un teatro o in un concerto di gruppo è un direttore di scena, nella pratica del concerto da solista - un capogruppo o un produttore (ad essere onesti, nella mia pratica rocker, i produttori sono un po 'meno comuni di Bigfoot).

Il regista è l'iniziatore, l'ideologo e il leader della creazione dell'intera opera nel suo insieme. Lui risponde gruppo creativoè responsabile di tutto e ha potere di veto.

Nella parte visiva dell'opera, il regista formula compiti artistici e utilitaristici per lo scenografo (scenografo). E lo scenografo costituisce direttamente la parte visiva dell'opera (scenografie, costumi, trucco, ecc.).

Il lighting designer riporta direttamente allo scenografo in tutte le questioni creative. È lo scenografo che determina la misura della libertà e del limite che il lighting designer riceve come unità creativa.

Nelle questioni organizzative e tecniche generali, il lighting designer collabora strettamente con il capo del reparto di produzione (capo posta). IN diverse organizzazioni le funzioni dei posti sono significativamente diverse.

Il progettista illuminotecnico è subordinato a:

Tecnici (lavoratori di tablet, galleristi, allestitori, ecc.) - coloro che installano l'attrezzatura e la configurano;
Operatori (regolatori, ingegneri video, artiglieri, ecc.) - controllano direttamente vari dispositivi;
Visualizzatori - specialisti di computer che creano modelli di computer dimostrativi della luce dell'opera e punteggi di luce del computer;
Ingegneri: garantire il buon funzionamento delle apparecchiature o creare queste apparecchiature su ordine speciale.

Si prega di notare che né gli attori né i musicisti sono organizzativamente inclusi nella struttura dell'illuminazione del palcoscenico, ad es. non sono né superiori né subordinati al lighting designer.

Il lighting designer è presente anche in organizzazioni impegnate nel noleggio di attrezzature per concerti o supporto tecnico per eventi di intrattenimento, ma le sue funzioni sono determinate dalle specificità dell'organizzazione e variano notevolmente nelle diverse organizzazioni.

Non so come sia nel resto del campo dei concerti, ma nel rock domestico, non senza i miei tanti anni di partecipazione, è apparsa una nuova posizione-lighting designer (video) del gruppo. Nella pratica concertistica, le funzioni di scenografo e lighting designer sono spesso combinate, come è successo a me nel mio lavoro con DDT e Piknik, nonostante sia Yu. l'artista del gruppo V. Dvornik, che, dopo il mio allontanatosi dal gruppo, inizia a lavorare nella scenografia e, non senza successo, nell'illuminazione scenica.

Le funzioni di regista, scenografo e lighting designer si sono fuse per me mentre lavoravo ad Aquarium e soprattutto ad Alice. Ad Aquarium sono stato il primo artista del gruppo, e ad Alisa una tradizione simile si è sviluppata sotto il mio predecessore A. Stolypin. Ora, per quanto ne so, la moglie di K. Kinchev è impegnata nella regia e nella scenografia, il giovane artista A. Lukashev si occupa dell'illuminazione. Una situazione simile si è sviluppata nel gruppo di Leningrado, dove il mio studente D. Raidugin è il lighting designer.

Periodo pre-elettrico dello sviluppo dell'illuminazione a fasi

La storia dell'illuminazione scenica. Riti pre-teatrali.

Infatti, l'illuminazione scenica esiste dagli albori dell'Homo sapiens ed è indissolubilmente legata ai riti religiosi. Non appena i primi attori apparvero sulla scena dell'umanità: stregoni, sacerdoti, sciamani, ecc., divenne necessario illuminarli e illuminare lo sfondo su cui recitavano la loro azione. Le ombre della luce solare, il crepuscolo di capanne o grotte, la luce artificiale di un fuoco e torce, hanno contribuito a creare un'atmosfera mistica dei riti. Fino ad ora, nell'architettura del tempio di qualsiasi denominazione, si possono trovare elementi simili nelle loro funzioni agli elementi del teatro. Basta confrontare i canoni della costruzione di un tempio con la classica scena della scatola.

teatro antico

I primi schizzi dell'aspetto del palcoscenico li stiamo già vedendo nell'antico teatro greco: originariamente una piattaforma rotonda per l'attore e il coro - orchestra era circondato su tre lati anfiteatro per gli spettatori. L'anfiteatro poteva essere costituito da più livelli, separati da un ampio passaggio - diazomia. Più tardi, dietro l'orchestra c'era un camerino per attori - skene, piattaforma per il coro - proscenio. Skene e l'anfiteatro dividevano il passaggio - parodia. Man mano che il teatro si sviluppava, questo era particolarmente evidente nell'antica Roma, l'orchestra perde il suo significato scenico e diventa una sorta di stallo per senatori o altre persone di alto rango dell'epoca. La skene cresce in dimensioni e altezza, diventando un vero e proprio fondale per gli attori situati sul proskenium allargato.

Teatro antico. Proscenio.

In realtà, da questo momento in poi, diventa possibile manipolare l'illuminazione. Ci sono prove che al portico dello skene fossero attaccate tende da sole in tessuto, che a volte permettevano di coprire quasi l'intero teatro dalle intemperie e dal sole, tende dipinte creavano un'illuminazione colorata diurna insolita per quei tempi.

È evidente che, non volendo limitare il tempo di azione alle ore diurne, si avverte la necessità di un'illuminazione artificiale utilitaristica del palcoscenico.

È caratteristico che sia dai tempi di Roma che ce n'è bisogno la scenografia è l'arte della scenografia.

I portici dello skene sono decorati con colonne e sculture; nelle aperture delle colonne sono installati scudi piatti dipinti - pinaki. In un secondo momento, i prismi triedrici iniziarono ad essere usati per cambiare rapidamente la scena dell'azione: telluria (telaria, periacts). Appare una tenda, che inizialmente veniva estratto da un'apposita fessura davanti al proschenio. È logico che l'esigenza della scenografia, e quindi dell'illuminazione spettacolare, sia nata con un mutamento dei canoni estetici di tutta l'arte nel suo insieme. Nell'antica arte greca, la descrizione del luogo dell'azione è spesso molto condizionale e non espressa. A Roma, è più specifico e, di conseguenza, l'aspetto della scenografia e degli effetti scenici.

Teatro del Medioevo

Il vero sviluppo della scenografia e della sua parte integrante - l'illuminazione scenica continuò diversi secoli dopo il crollo dell'Impero Romano. Circa dopo il X secolo, nella chiesa dell'Europa medievale inizia a svilupparsi nuova forma culto - liturgico dramma. Azione su storie gospel, giocata direttamente all'interno della chiesa. I luoghi per la recitazione degli attori erano dislocati in diversi punti della chiesa e venivano coperti fino ai momenti necessari con tende. Così, in effetti, non è apparsa una scena, ma diverse, in seguito chiamate simultaneo. La mancanza di luce diurna ha dato origine, da un lato, alla necessità di un'ulteriore illuminazione artificiale sotto forma di numerose candele, lampade a olio e torce, dall'altro ha permesso di inventare vari effetti di luce.

Si prega di prestare attenzione al fatto che nel Medioevo, come nei casi precedenti, le esigenze estetiche generali di una descrizione insolita e mistica della scena del purgatorio, del paradiso e dell'inferno, hanno fatto nascere la necessità di sviluppare la scenografia nel suo insieme . Sono stati creati scenari per singoli episodi, oggetti di scena, dispositivi di volo, mostri meccanici, ecc. C'era bisogno di un'illuminazione efficace e del suo controllo. Quindi con un cavo Fickford è stato possibile accendere un gran numero di lampade quasi contemporaneamente. E con cappucci speciali per spegnerli o ombreggiarli con tende speciali. Con l'aiuto di meccanismi di sollevamento e molte candele, crea l'illusione di un cielo stellato o di uno splendore celeste. I disegni con candele o lampade sono stati nascosti per il momento e sono apparsi quando necessario.

Alcune parti della scenografia realizzate in stoppa e cotone idrofilo sono state imbevute di alcol, che ha permesso di ottenere un effetto flash. Pezzi di resina davano bellissime scintille. I flash venivano prodotti accendendo una miscela di resina e polvere da sparo. Con l'aiuto dei dispositivi più semplici, sono state create illusioni di lampi e riflessi di fuochi.

Col tempo teatro della chiesa cominciò a spostarsi dalla chiesa alla piazza antistante la chiesa, e poi alla piazza tutta, cedendo teatro di strada.

teatro di strada

Con l'uscita del teatro per le strade, la liturgia della chiesa viene sostituita da un mistero, un'azione su argomenti religiosi, utilizzando, di regola, tre scene d'azione: inferno, terra e paradiso.

A differenza del teatro di chiesa, il teatro di strada non aveva edifici fissi e veniva costruito sulle piazze per qualche evento. La necessità di un cambio di scena

necessitavano di piattaforme di scena appositamente attrezzate. È logico che ci fosse bisogno di artigiani qualificati che potessero installare rapidamente l'attrezzatura necessaria.

I misteri non avevano una soluzione a un solo stadio, tranne che per una cosa: erano tutti simultanei. Una delle opzioni era un palcoscenico a due piani dotato di Presa, dove è stato preparato lo scenario e gli attori e portello di sollevamento, con l'aiuto del quale, sul palco sono apparsi rapidamente nuovi scenari. A volte il palcoscenico consisteva semplicemente in tre piani coperti da tende: il piano inferiore è l'inferno, il secondo è la terra o il purgatorio, quello superiore è il paradiso. Spesso le tre scene non erano montate verticalmente, ma orizzontalmente. Spesso venivano usati speciali vagoni a due piani per cambiare lo scenario - Pagents. Il numero di carri corrispondeva al numero di luoghi di azione. Per cambiare lo scenario, i carri si sono semplicemente spostati.

Naturalmente, il disegno dei misteri richiedeva magnifiche decorazioni e vari effetti. Animali meccanici, meccanismi di sollevamento, ovviamente - la pirotecnica ha esaltato le sensazioni mistiche del pubblico, creando un senso di magia.

A poco a poco, il teatro di strada perde il suo tema esclusivamente religioso, sostituito dal teatro comico di strada - palcoscenico.

L'apice di questo movimento fu la commedia italiana nata dal Rinascimento. dell'arte, le cui origini si possono far risalire all'antico teatro greco delle maschere e dei carnevali di strada.

Formazione del palcoscenico e principi fondamentali dell'illuminazione scenica

È dal Rinascimento che inizia la posa dei componenti principali della moderna arte teatrale e concertistica. Se seguiamo attentamente, vediamo come l'architettura dell'antico, in particolare il teatro romano, inizia a formare i canoni della costruzione del palcoscenico: l'anfiteatro diventa il luogo principale per lo spettatore, l'orchestra - un luogo per la nobiltà, il boccascena si trasforma in una fase.

Skene diventa posteriore e aggiuntivo (posteriore) dietro le quinte.

L'azione inizia a svolgersi su un palco. Allo stesso tempo, viene presa in considerazione anche l'esperienza del teatro del Medioevo: vengono conservati la stiva, i portelli di sollevamento, i meccanismi del palcoscenico, le scene e gli oggetti di scena. Appare un sipario classico, dietro il quale c'è un cambio di scenario, anche se un cambio di scenario su larga scala si svilupperà un po 'più tardi.

A partire dal XV-XVI secolo il teatro venne progressivamente coperto. All'inizio si trattava di edifici temporanei in legno, poi teatri fissi in pietra attaccati ai palazzi. Naturalmente, c'è bisogno di un'illuminazione artificiale utilitaristica per attori, scenografie ed effetti di luce.

Oltre all'esperienza delle generazioni precedenti, va notato che il teatro rinascimentale ha introdotto anche elementi nuovi. I meccanismi e i sistemi scenici per cambiare scenario si sono evoluti. I migliori e più famosi pittori vengono invitati a progettare spettacoli. Appare scenico sfondo prospettico,"distruggendo" la parete di fondo e creando una completa illusione della profondità della scena.

La creazione dello spazio illusorio è stata ampiamente sviluppata nella pittura rinascimentale.

La scoperta delle leggi della prospettiva, ampiamente utilizzate nella pittura di quei tempi, trova terreno fertile nelle condizioni specifiche del teatro.

L'invenzione dello scenario prospettico è attribuita ad un artista italiano Bramante e l'ulteriore sviluppo delle tecniche di pittura teatrale e decorativa - all'artista e all'architetto Sebastiano Serlio. Grazie a lui, un incline tavoletta(piano del palcoscenico). La linea dell'orizzonte del fondale pittoresco viene spostata dall'artista dal bordo con la tavoletta molto più in alto, direttamente al centro del fondale pittoresco, il che aumenta notevolmente l'illusione della profondità. Inoltre, l'artista ha precedentemente realizzato un modello della scena: disposizione dove ho controllato i miei calcoli.

Inoltre, Serlio fornisce una classificazione dell'illuminazione scenica, suddividendola in tre categorie: illuminazione generale, decorativa e spettacolare. Tutti questi risultati del grande artista teatrale sono spesso utilizzati dal teatro moderno.

Il teatro non privò l'attenzione del grande Leonardo da Vinci, che non solo dipinse teatri, ma migliorò anche la lampada a olio ponendo sulla fiamma un tubo di stagno, che aumentava il tiraggio e, di conseguenza, la luminosità della lampada.

L'aspetto della pittura a tutti gli effetti nel teatro richiede un'illuminazione di alta qualità. Apparire berezki - scudi opachi che coprono la fonte di luce dallo spettatore. Spesso vengono forniti berezhki riflettori che aumentano il flusso luminoso di candele e lampade ad olio. I lampadari sono realizzati sollevando e abbassando per comodità della loro manutenzione e accensione. Il primo faretti-dispositivi per l'illuminazione scenica dall'alto. È ovvio che rampa - la posizione degli apparecchi lungo il bordo anteriore del palco - proscenio, che esiste fin dall'antichità, è in fase di miglioramento, appare ovviamente rampa dell'orizzonte - la collocazione delle lampade lungo il bordo posteriore del palcoscenico, che serve direttamente ad illuminare il fondale.

Nel teatro rinascimentale si sviluppò anche l'illuminazione colorata: davanti alla lampada venivano poste fiasche-lenti riempite di liquidi colorati. Lampade simili illuminavano i dettagli dello scenario. Le finestre del teatro erano spesso ricoperte di carta colorata o vetro colorato.

Vale la pena notare che il teatro di corte rinascimentale, che esisteva esclusivamente per la nobiltà ea spese di questa nobiltà, era un tempo un modello di lusso e fantasia.

Teatro barocco

All'inizio del XVII secolo, un nuovo genere apparve nell'arte teatrale. Sideshow- i numeri inseriti che intrattengono il pubblico si trasformano in opere indipendenti, compaiono opera e balletto, che richiedono decorazioni ancora più incantevoli, lussureggianti e lussuose. Il teatro rinascimentale, con scenografie inattive e un piccolo tablet fresco, non soddisfa le esigenze nettamente aumentate, nasce la necessità del posizionamento dell'orchestra. C'è bisogno di cambiare lo scenario e nascondere i meccanismi del palcoscenico e lo scenario mutevole.

Apparire fossati anteriori e posteriori(fosse orchestrali e luoghi per meccanismi per cambiare scenario). arco portale- limitare il palco davanti, dietro le quinte(spesso pittoresco) e padugi - a copertura del soffitto è in fase di sviluppo un sistema di faretti e rampe.

Le macchine teatrali stanno raggiungendo la loro alba. Personaggi volanti, incantevoli nuvole nel cielo, intere strade in scena, navi galleggianti, animali fantastici, scenografie trasformanti, fontane: tutto questo era già a teatro barocco.

teatro barocco

Entro la metà del XVII secolo, la scena acquisisce caratteristiche abbastanza reali. classica scena di scatola, la scena che domina oggi, essendo la forma più comune di scena.

Tuttavia, il cambio di scenario avviene in modo scorrevole o antico telari, che ha ricevuto il loro nuovo sviluppo. La necessità sempre crescente di modificare rapidamente un gran numero di scenari porta alla creazione scena dietro le quinte.

È necessario nominare diversi nomi associati a una vera rivoluzione nella tecnologia teatrale. Questi sono: l'architetto tedesco Joseph Furtenbach, il tecnologo teatrale inglese Inigo Jones, il "mago e mago del palcoscenico" italiano Giacomo Torelli, che ha lavorato molto in Francia e ovviamente architetto, artista e meccanico Giovanni Servandoni.

Contemporaneamente allo sviluppo della scena, c'è una modifica auditorium, il teatro anfiteatro del Rinascimento, destinato a una ristretta cerchia di nobili, non poteva accogliere un gran numero di spettatori eterogenei, e l'idea di pubblicità e accessibilità del teatro richiedeva nuove configurazioni. È così che è nato il teatro a più livelli o di rango. Chissà, chi assisteva agli spettacoli, non si intersecava con il resto del pubblico e aveva i luoghi più vantaggiosi, centrali, bassi e isolati separati dal resto: le logge. Il pubblico con un reddito modesto si accontentava dei livelli superiori dei palchi laterali.

Il sistema a più livelli separava in modo significativo la qualità delle singole location in termini di visibilità sul palco.

La struttura dell'auditorium teatri moderni media in modo significativo la visibilità da diversi punti, ma la tendenza rimane. Pertanto, la costruzione prospettica della scenografia e della messa in scena della luce è ancora calcolata dal punto centrale dell'auditorium.

teatro classico

Il XVIII secolo è caratterizzato dall'aspetto dello spazio sopra il palcoscenico, dove si alza lo scenario del cosiddetto. "doppia medicazione" soffitto a traliccio riparato del palcoscenico - grattugiare, dotato di blocchi fusti delle colonne, con tubi orizzontali sospesi su di essi per il fissaggio di scenari - stecche. A XIX secolo i sipari cominciarono ad essere dotati di bilance - contrappesi che facilitano il sollevamento della scenografia. In effetti, l'era ha completato la formazione della classica scena box.

E solo l'illuminazione scenica prima dell'invenzione dell'elettricità non ha subito cambiamenti qualitativi dal teatro barocco.

Le modifiche riguardavano solo la parte quantitativa, spesso venivano utilizzate fino a 8000 candele in spettacoli particolarmente magnifici. I lampadari venivano sollevati e abbassati, l'abbassamento del lampadario significava l'inizio dell'intervallo, assistenti speciali - lustri, depositi di carbonio rimossi e stoppini corretti. I lampadari venivano accesi con una candela su un lungo bastone, spenti con una spugna bagnata o cappucci speciali. Nel XVIII secolo iniziarono ad essere innalzati lampadari per il servizio in apposite stanze sotto il soffitto. Nel XIX secolo le candele iniziarono ad essere sostituite da lampade a olio dotate di bruciatori e riflettori.

Ma l'illuminazione di candele e lampade non consentiva un controllo flessibile della luce. Vale anche la pena considerare il costo del petrolio e delle candele, nonché l'onnipresente fuliggine. Solo all'inizio del XIX secolo in Inghilterra, e poi in tutta Europa, iniziò a diffondersi l'illuminazione a gas.

Il controllo è stato effettuato dal primo prototipo della consolle luminosa: un tavolo a gas, da cui partivano i tubi del gas. Regolando il flusso di gas con valvole. Era possibile controllare l'illuminazione, ma spegnere completamente i bruciatori era poco pratico, poiché era impossibile riaccenderli durante lo spettacolo. Era necessario lasciare un minimo di luce.

Con l'avvento dei bruciatori a gas iniziò a svilupparsi un sistema di luce colorata, i filtri luminosi erano realizzati in seta colorata imbevuta di vernice o olio per aumentare la trasparenza. Nello stesso periodo apparve il primo prototipo RGB, le sorgenti di colore erano divise in gruppi di colori rosso, blu e verde e spesso veniva utilizzato il colore "puro". Il cambiamento di luce è avvenuto riducendo l'intensità dei gruppi di un colore e aumentando l'intensità di altri gruppi. Tuttavia, l'illuminazione a gas non è stata ampiamente utilizzata a causa del costo elevato, dell'ingombro e, naturalmente, del rischio di incendio.

Va notato che non solo la complessità della gestione della luce a candela, olio o gas ha ostacolato lo sviluppo dell'illuminazione scenica. La scarsa resa luminosa delle sorgenti non ha consentito un ampio utilizzo della luce direzionale, rendendo impossibile l'allontanamento della sorgente luminosa dall'oggetto illuminato.

teatro classico

Pertanto, una vera rivoluzione nell'illuminazione scenica non è avvenuta con l'inizio dell'uso dell'elettricità, ma poco dopo con l'avvento dei faretti direzionali e, ovviamente, dei dimmer.

Periodo di sviluppo dell'illuminazione elettrica del palcoscenico

La formazione finale del teatro classico a metà del XIX-inizio del XX secolo

Entro la metà del 19 ° secolo, le caratteristiche principali della classica scena del palco sul palco, rinascevano nel teatro italiano XVII secolo ha ricevuto la loro forma completata. Il palcoscenico classico divenne dominante nel mondo del teatro. Naturalmente, altri tipi di scene hanno continuato ad esistere parallelamente alle tendenze globali. La varietà di diversi tipi di scene è sopravvissuta fino ad oggi, ma le leggi della scenografia e dell'illuminazione del palcoscenico sono formate appositamente per il palco del palco e solo allora vengono adattate ad altri luoghi non standard. Passeremo a uno studio dettagliato dell'architettura della scena box nei prossimi capitoli del tutorial.

L'avvento dell'elettricità. Lampade ad arco.

Va notato che la scoperta dell'elettricità di per sé non ha fatto una rivoluzione istantanea nell'illuminazione del palcoscenico, inoltre, il primo arco voltaico al mondo, creato a San Pietroburgo dal fisico russo V.V. Petrov, nel lontano 1802, come spesso accade in Russia, fu dimenticato per diversi decenni. Solo 10 anni dopo, lo stesso esperimento fu condotto dallo scienziato inglese H. Davy.

Passarono diversi decenni, il teatro continuò a usare candele e lanterne a gas. Solo nel 1849, alla Grand Opera di Parigi, alla prima dell'opera di Meyerbeer Il profeta, apparve il primo riflettore ad arco elettrico. Era dotato di un riflettore parabolico e simulava il fuoco e l'alba. È interessante notare che, pochi anni dopo, nello stesso teatro è stato utilizzato il primo riflettore "guida".

Inizialmente, come fonte di alimentazione venivano utilizzate batterie ingombranti. Con l'avvento della dinamo, l'illuminazione ad arco iniziò a diffondersi nei teatri. Nonostante il fatto che le sorgenti ad arco tremolassero e scintillassero fortemente, gli effetti di fulmini, sole, arcobaleni creati usando l'elettricità erano significativamente diversi in luminosità e colore rispetto alle fonti di candele, petrolio e gas. Per quanto riguarda l'illuminazione direzionale degli attori, i dispositivi elettrici non avevano concorrenti in questo settore.

Una transizione completa dei teatri all'illuminazione elettrica è diventata possibile solo con l'avvento delle lampade a incandescenza.

lampada ad incandescenza

Come per ogni invenzione fondamentale, ci sono diversi autori e le controversie non si placano sul nome dello scopritore della lampada a incandescenza. Ovviamente, l'idea è venuta in mente indipendentemente da diversi autori. Faubard belga nel 1838. riscaldò nel vuoto una lastra di carbone, l'inglese de Moleyn del 1841. usò un filo di platino, il suo connazionale Goebel nel 1847. ha usato i peli delle canne carbonizzate. Il nostro connazionale Alexander Ladygin nel 1874 ricevette un brevetto per una lampada con un'asta di carbonio nel vuoto. Alla fine, nel 1879, Thomas Edison ricevette un brevetto per l'invenzione di lampade a incandescenza a filamento di carbonio e un anno dopo iniziò la produzione in serie di lampade relativamente economiche. Con la creazione della Edison and Swan United Electric Light Company (insieme a Joseph Swan), inizia l'era della distribuzione. illuminazione elettrica.

Prerequisiti estetici per la necessità di illuminazione elettrica nel teatro

È importante notare che qualsiasi innovazione tecnica, anche rivoluzionaria, attraversa diverse fasi nella vita teatrale e concertistica. Questo è quello che è successo con l'elettricità. Il teatro come incrocio paradossale di due estremi: innovazione e conservatorismo, per molto tempo o non ha notato l'elettricità o l'ha applicata come effetto. La pratica mondiale si diffuse prima nell'illuminazione di strade, parchi e vari luoghi di intrattenimento, e solo allora iniziò gradualmente la penetrazione dell'elettricità nel teatro, esclusivamente come attrazione.
In Russia, come sempre, sono andati per la loro strada. Fino agli anni '90 l'elettricità veniva utilizzata solo sporadicamente. Ciò è accaduto sullo sfondo della pratica assenza di elettricità nella vita di tutti i giorni e vita pubblica, l'uso delle lampade Yablochkov, Ladygin, Edison nel teatro era simile a un miracolo d'élite. E solo nell'ultimo decennio del secolo in uscita c'è una "moda" per l'uso dell'elettricità. Fino alla fine del XIX secolo, l'elettricità in teatro russo rimane un'attrazione alla moda e costosa.

Concetto tecnologico di illuminazione elettrica nel teatro

All'inizio del XX secolo, l'elettricità nella vita quotidiana e nella vita pubblica stava diventando sempre più comune. Il teatro si sta gradualmente "abituando" alle lampade a incandescenza, la loro versatilità, basso costo, facilità d'uso consente di creare una soluzione di illuminazione comune, sfruttando sia le spettacolari possibilità delle lampade che le loro proprietà utilitarie. L'apparizione degli interruttori, e poi dei reostati, inizia la fase di formazione dei principi moderni per l'illuminazione dello spazio teatrale.

Proprietà della luce elettrica (in relazione al teatro)

Luminosità e temperatura colore

Di piccole dimensioni, numerose sorgenti luminose illuminano gli attori e la scenografia con fasci luminosi, lo spettro di emissione è più vicino alla luce solare, rispetto alle candele.

Posizione remota della lampada rispetto all'oggetto di illuminazione

Anche una normale lampada può essere posizionata molto più lontano dall'oggetto dell'illuminazione.

luce direzionale. L'emergere di riflettori a tutti gli effetti

Utilizzando un riflettore, lenti e altri dispositivi, diventa possibile dirigere un raggio stretto e direzionale verso un attore o uno scenario senza illuminare le aree vicine.

luce colorata

L'aspetto del vetro colorato economico, e quindi della celluloide, ha permesso di utilizzare ampiamente i filtri luminosi. Le possibilità della luce sul palco sono cresciute di diversi ordini di grandezza.

luce regolabile

Ora puoi facilmente e rapidamente, da un punto remoto e soprattutto da un posto, accendere e spegnere la luce. L'aspetto dei reostati ha permesso di cambiare dolcemente l'incandescenza della lampada.

Opzioni avanzate di posizionamento della luce

Non è necessario avere accesso diretto agli infissi. Teoricamente, il proiettore potrebbe essere collocato in qualsiasi posizione ottimale. Comincia a prendere forma la classica "sospensione" degli apparecchi di illuminazione. Alle tradizionali rampe di proscenio e orizzonte sono stati aggiunti box luce, faretti, ballatoi e capriate laterali.

Si può dire che nella prima metà del 20 ° secolo, l'ubicazione del set di illuminazione scenica e i principi della costruzione della luce hanno ricevuto caratteristiche moderne completate, e fino ad oggi non ci sono stati cambiamenti significativi nell'estetica dell'illuminazione scenica.

Nei capitoli seguenti, imparerai a conoscere la scena della scatola, i principi di illuminazione, ecc. conosceremo effettivamente le fondamenta gettate nella prima metà del XX secolo.

Concetto artistico di illuminazione elettrica nel teatro

Vorrei sottolineare che lo sviluppo dell'illuminazione scenica in particolare e dell'arte teatrale in generale non avviene in modo isolato dalle pratiche artistiche globali.

Vari generi di arte teatrale, dall'inizio del teatro fino ai giorni nostri, hanno requisiti diversi per il palcoscenico in generale e per la luce in particolare.

IN epoche diverse i requisiti per la luce variavano ampiamente: dal massimo realismo alla massima fantasia. Anche vari generi di arti dello spettacolo hanno fatto le loro richieste.

L'avvento dell'elettricità ha permesso di considerare la luce come uno strumento universale, ma molto flessibile, adattandosi facilmente alle diverse esigenze.

All'inizio del XX secolo, il concetto stesso di arte era finalmente emerso come un'area separata dell'attività umana. A poco a poco, nel corso dei secoli, poeti, musicisti, pittori, registi e coreografi iniziarono a realizzarsi non come artigiani utilitaristi, ma come creatori. Fu la svolta del Novecento, quando l'arte prese piena coscienza di sé, che diede un impulso potente e prima sconosciuto allo sviluppo le ultime tendenze nell'art. Artisti, registi e compositori sono finalmente entrati in teatro, offuscando, o meglio ampliando i suoi confini artistici, creando criteri fondamentalmente nuovi per la percezione e la costruzione dello spazio visivo. In questo momento è nato un numero enorme di tecniche, idee e concetti moderni.

Prime esperienze con luce e suono Gli strumenti di Scriabin, i dipinti di luci e suoni del compositore Čiurlionis, la "musica di luce" di Wilfrid, gli esperimenti di luce teatrale e le tecniche di illuminazione per le scenografie di A. Zaltsman, A. Appia, A. E. Blumenthal-Tamarin, E. F. Bauer, il dispositivo di proiezione - elettrotacoscopio Ottomar Anschütz - questi sono solo alcuni esempi.

Degno di menzione speciale Teatro d'arte di Mosca, guidato dal direttore capo K. S. Stanislavsky e dal regista V. I. Nemirovich-Danchenko. La quantità e, soprattutto, la qualità delle nuove tecniche e approcci alla messa in scena di uno spettacolo hanno effettivamente formato la scuola di teatro classico del mondo moderno.

Gli sconvolgimenti rivoluzionari della prima metà del XX secolo nella vita pubblica si riflettevano nell'arte. Teatri diversi in stili diversi fissano obiettivi diversi. La luce elettrica ha permesso di risolvere vari compiti artistici per varie figure carismatiche teatrali come: vs. Meirhold, A. Tairov, M. Reinhard e, naturalmente, B. Brecht.

Da artisti di teatro All'inizio del XX secolo, darò solo nomi selettivi: G. Craig, K. Malevich, L. Bakst, A. Golovin, N. Sapunov, F.-T. Marinetti, E. Prampolini, I. Bilibin. Il tema dello sviluppo della scenografia va oltre lo scopo di questo libro di testo, essendo uno strato speciale della cultura teatrale.

È estremamente importante che il progresso tecnologico abbia prima creato nuovi dispositivi. Quindi questi dispositivi sono stati integrati nell'intrattenimento e nella sfera domestica generale. E solo dopo un lungo processo di comprensione artistica delle opportunità offerte, si è formato un intero strato di artisti che sono riusciti ad applicare organicamente la tecnica in campo artistico.

Metà del XX secolo. L'emergere della professione di lighting designer.

Nel ventesimo secolo è nato un approccio fondamentalmente nuovo alla risoluzione dello spazio del palcoscenico: la creazione della scenografia vera e propria in significato moderno questa parola. La varietà dei generi e le varie scuole teatrali hanno richiesto l'emergere di artisti che sapessero lavorare con lo spazio, utilizzando nelle loro opere non il piano della tela o il fondale (sebbene fossero loro a coltivare l'illusione della profondità dello spazio), ma uno spazio veramente tridimensionale pieno di scenari tridimensionali e luce elettrica. I nuovi scenografi richiedevano la conoscenza delle tecnologie ingegneristiche nei campi della meccanica, della chimica, dell'ottica e dell'elettricità. La quantità di conoscenza richiesta è aumentata in modo esponenziale ogni anno. Naturalmente un artista, anche strettamente teatrale, non poteva studiare a fondo tutte le tecnologie. Ingegneri e tecnici, a loro volta, non potevano comprendere appieno l'artista, poiché i criteri di comunicazione erano diversi.

Di conseguenza, sono apparsi specialisti, artisti-tecnologi, che sono all'interfaccia tra arte e tecnologia. Gli specialisti dell'illuminazione iniziarono a essere chiamati artisti dell'illuminazione. Il lighting designer di fatto è un "traduttore" tra il ferro e l'arte.

Per quanto ne so, una tendenza simile esiste ancora oggi in tutti i generi delle arti dello spettacolo, dove c'è un regista e uno scenografo. Fanno eccezione i casi in cui lo scenografo o il regista ha la professione di tecnologo o le funzioni di regista, oppure il lighting designer subentra allo scenografo.

L'emergere di una nuova professione ha richiesto la creazione di una scuola di illuminazione scenica. A metà del XX secolo, più precisamente negli anni '40, apparve il primo libro di testo sovietico sull'illuminazione di Nikolai Izvekov, Light on the Stage. Negli anni '60 fu pubblicata l '"enciclopedia" della tecnica teatrale "Stage Technique and Technology" di Vadim Bazanov. Questi libri, insieme alle pubblicazioni del mio insegnante B. Sinyachevsky, il fondatore dei servizi di luce artistica del Leningrad BDT e BKZ, non hanno perso la loro rilevanza e sono ancora i libri di riferimento di molti artisti. Sfortunatamente, ci sono catastroficamente pochi libri sul mondo. Solo 40 anni dopo, già ai nostri tempi, la Russia ha visto un nuovo libro di testo sull'illuminazione teatrale di D. G. Ismagilov, E. P. Drewaleva "Theatrical Lighting" e i miei appunti. Il libro di M. Keller "This Fantastic Light" è molto popolare.

La tentazione di leggerlo dall'inizio alla fine è molto forte, ma voglio mantenere diversi punti di vista sulla luce messa in scena, quindi per ora mi asterrò dal leggerlo. In ogni caso, consiglio vivamente ai lettori di leggere entrambi i libri di testo per trovare un mezzo felice per se stessi.

Non posso non citare la "scuola" di illuminazione scenica, sopravvissuta fino ad oggi nel Teatro della creatività giovanile di San Pietroburgo e i suoi insegnanti E. Chernova e V. Bulygin.

Cinema e teatro

Con l'avvento del primo lanterna magica”, è diventato possibile utilizzare la proiezione dinamica e statica.

Due eterni rivali e antagonisti del teatro e del cinema dall'avvento dei fratelli Lumiere si sono costantemente influenzati e completati a vicenda. Sono quasi certo che nel periodo pre-cinematografico la camera oscura fosse utilizzata non solo dai pittori, ma anche dagli spettatori di teatro. La comparsa dei dispositivi di proiezione, e poi dei proiettori cinematografici, trovò subito la sua applicazione in teatro. Titoli, dorsi di proiezione, primi piani, l'intero arsenale del cinema era utilizzato in teatro molto prima dell'avvento dei videoproiettori. Basti citare l'esempio di un epidiascopio, che permette di visualizzare "dal vivo" sullo schermo un primo piano del volto dell'attore. Il vero fiorire delle tecnologie di proiezione e la comprensione artistica di queste tecnologie è associato alla metà del XX secolo e al teatro di Praga "Laterna Magica", sotto la direzione di I. Svoboda. Quasi tutte le tecniche artistiche e tecniche utilizzate nella moderna videoproiezione sono state ripetutamente testate in questo teatro. Ovviamente, con I. Svoboda, inizia il conto alla rovescia per l'emergere dell'attuale teatro di luce come forma d'arte indipendente.

La luce nel XX secolo come forma d'arte indipendente

Il boom tecnico e l'eclettismo estetico del moderno e del postmoderno del XX secolo hanno dato origine a nuovi generi di belle arti:

Musica leggera. Musica a colori.

Le idee che occasionalmente si sono manifestate nell '"udito del colore" di alcuni compositori, in particolare Rimsky-Korsakov, sono state sviluppate da due brillanti compositori dell'inizio della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.

Il compositore e pittore M. Cherlionis ha creato opere musicali e dipinti con lo stesso nome.

A.Skryabin ha espresso la tesi sulla corrispondenza delle note e del tono del colore, grazie a lui è apparso il genere della musica a colori. Questo genere ha ricevuto un potente sviluppo negli anni '60 -'70 grazie a I. Vanechkin e B. Galeev e al loro Kazan Design Bureau "Prometheus". Ulteriori sviluppi le idee appartengono a B. Sinyachevskii (Leningrado), Yu Pravdyuk (Kharkov) e S. Zorin (Mosca).

Le tecniche artistiche e gli sviluppi ingegneristici creati da questi autori sono ancora utilizzati oggi.

I "precursori" della computer grafica sono stati molti operatori di riprese combinate, in particolare un altro mio insegnante, B. Travkin (Mosfilm).

Oltre alla musica leggera, appare un genere di installazioni luminose, videoarte e spettacoli di luci architettoniche.

luce da concerto

Dal momento in cui i musicisti "lasciano" la buca dell'orchestra sul palco, soprattutto dopo lo sviluppo del jazz e di vari generi pop, c'è bisogno della loro copertura. I musicisti perdono gradualmente il contatto con mondo del teatro. Le tecniche di illuminazione rimangono puramente teatrali o utilitaristiche. Con l'avvento del rock and roll, c'è bisogno di concerti. Le basi teatrali rimangono, ma si aggiunge la specificità musicale. Infatti, dalla comparsa di uno spettacolo rock, la professione di "artista delle luci" diventa relativamente indipendente e acquisisce caratteristiche proprie.

È importante notare che la base della professione rimane teatrale. L'ulteriore sviluppo delle tendenze musicali: rave, rap, alternative - non porta nuovi impulsi per lo sviluppo della professione, ma porta alla semplificazione di molte funzioni di un artista delle luci.

Tendenze nello sviluppo della tecnica teatrale e concertistica dall'inizio del Novecento ai giorni nostri

Le ricerche e le scoperte di artisti teatrali all'inizio del XX secolo hanno determinato lo sviluppo del teatro mondiale per molti anni a venire. Le moderne tecnologie sviluppano solo indicazioni stabilite decenni fa. Le idee degli scenografi che hanno lavorato all'inizio del XX secolo sono lungi dall'essere esaurite e forniscono un enorme spazio per la sperimentazione degli artisti di scena di oggi.

A mio parere, forse controverso, tutti i metodi moderni di illuminazione artistica si sono finalmente formati nella prima metà del XX secolo.

Le innovazioni fondamentali sono state la comparsa di proiettori con lenti e un sistema di controllo della luce meccanico multicanale.

Da quel momento è in corso un intenso sviluppo, esclusivamente nella direzione tecnica. La componente artistica si è sviluppata solo ampiamente. Nonostante la svolta apparentemente titanica nella tecnologia dell'illuminazione, per l'intera seconda metà del ventesimo secolo non sono apparse tecnologie di illuminazione fondamentalmente nuove che abbiano cambiato in modo significativo il processo artistico.

Posso citare solo un fattore indiscutibile che ha influenzato il cambiamento nell'estetica della luce. La comparsa di potenti fari aeronautici di piccole dimensioni negli anni '60 ha permesso di creare un intero sistema di retroilluminazione (retroilluminazione), che ha portato alla nascita del dispositivo PAR64. Questa tecnica è stata rafforzata dall'invenzione della glicerina, e poi "olio" "fumo leggero", che ha sostituito la colofonia caustica "fumo del padiglione" o "fumo pesante" che si insinua sul terreno.

Il resto della varietà della tecnologia serve compiti classici, o viene utilizzato come effetto, o è ancora in attesa dietro le quinte.

Come menzionato sopra, sviluppo generale la tecnologia dà impulso allo sviluppo della componente artistica. C'è anche un processo inverso. La crescente complessità dei compiti artistici stimola lo sviluppo di specifiche tecnologie teatrali e concertistiche.

Sviluppo della luce tecnologie teatrali, andò condizionatamente in quattro direzioni:

UN) Miglioramento della luminosità(emissione luminosa) delle sorgenti luminose. Economia in aumento sorgenti luminose. Ridimensionamento fonte di luce. Miglioramento dei sistemi ottici sorgenti luminose.

Fasi di sviluppo: arco voltaico, lampada ad incandescenza, lampada a bassa tensione, lampada alogena, lampada allo xeno, lampada a ioduri metallici, LED.

B) Espandere la diversità dispositivi di illuminazione. Altezza universalità gruppi multifunzionali di dispositivi e un aumento del numero altamente specializzato, apparecchi di illuminazione monofunzionali.

Fasi di sviluppo di dispositivi multifunzionali: faretto con paraluce, faretto senza lente con cutoff e controriflettore, faretto con lente PISI, cambia colori, testa mobile.

Fasi di sviluppo di dispositivi monofunzionali: separazione degli apparecchi in faretti e proiettori.

Fasi di sviluppo in evidenza: i proiettori sono stati suddivisi in proiettori tipo PAR64, profili, proiettori, luci di tracciamento.

Fasi di sviluppo dei dispositivi "allagamento": Il "riempimento" è stato suddiviso in lampade a più camere della rampa e dell'orizzonte, dispositivi di "taglio" e cambiacolori architettonici.

V) Miglioramento dei sistemi di controllo dell'illuminazione.

Il controllo flessibile è iniziato con la comparsa di un semplice interruttore, quindi sono comparsi i reostati che consentono di modificare la tensione e, di conseguenza, l'incandescenza della lampada. I reostati sono stati sostituiti da autotrasformatori con tensione di uscita variabile. L'emergere di autotrasformatori con un nucleo comune e più spazzole a guaina ha permesso di creare un sistema di controllo multicanale regolabile. Apparvero i regolatori di illuminazione meccanici, iniziò la divisione dei regolatori in parti di alimentazione e console condizionale. La comparsa dei tiratroni a tubo, e poi dei tiristori, ha permesso di separare finalmente la console e la sezione di potenza. La comparsa della "tensione di controllo" da parte del tiristore ha permesso di creare prima un telecomando con "programmazione manuale", poi un telecomando con memoria elettronica e infine console controllate da computer.

G) Creazione di effetti e dispositivi di illuminazione fondamentalmente nuovi.

L'avvento di potenti proiettori per film e diapositive ha permesso di creare scenari di proiezione. L'avvento di videoproiettori, videocamere e computer ha notevolmente semplificato la creazione di contenuti dinamici. La potenza e la mobilità dei videoproiettori hanno permesso di utilizzarli come faretti speciali, dirigendo il flusso luminoso non solo sullo schermo, ma anche su qualsiasi oggetto necessario. La creazione di pellicole pseudo olografiche permette di "sospendere" l'immagine nell'aria.

La comparsa a metà degli anni '30 del Novecento di pannelli e ghirlande di lampade "da corsa" ha preceduto 70 anni dopo la creazione degli schermi LED. Con l'avvento dei LED, la luminosità dell'immagine sullo schermo è aumentata in modo significativo, il LED potrebbe competere con l'illuminazione solare. Inoltre, i pannelli LED potevano essere disposti in qualsiasi modo, il che ha permesso di "allontanarsi" dal tradizionale schermo "grande TV" sul palco.

“Vediamo i tentativi dolorosi di utilizzare i LED come fonte di luce per faretti tradizionali nel nostro tempo. Dopo aver corretto la temperatura del colore e l'aspetto dei LED blu economici, la situazione può migliorare notevolmente. Forse sarà proprio il LED a dare slancio a un nuovo approccio alla costruzione della luce”.

Le righe sopra sono state scritte diversi anni fa. Ad oggi, il problema è stato completamente risolto. La buona temperatura della luce, l'elevata efficienza luminosa e il funzionamento conveniente collocano la tecnologia LED nella categoria delle tecnologie leader.

La metà del ventesimo secolo ha prodotto una fonte di luce rivoluzionaria: il laser. Sfortunatamente, nella pratica teatrale e concertistica, l'uso di un laser è stato ridotto a un'attrazione. Un destino simile perseguita le lampade flash. Lo stroboscopio che lo utilizza è diventato una maledizione "disco" del teatro e del luogo dei concerti.

Lampade ultraviolette e vernici luminescenti hanno fatto colpo nella scenografia degli anni '60 e '70. Al giorno d'oggi, nelle produzioni teatrali, sono usati in modo più sobrio e organico.

“L'emergere di dispositivi dinamici intelligenti di tipo “scanner”, e poi di dispositivi di tipo “a testa mobile”, contrariamente alle aspettative, non ha ancora portato risultati significativi e attesi in estetica complessiva luce artistica. Forse questa è proprio la specificità russa. Il fatto è che la "testa mobile", originariamente creata come dispositivo teatrale universale con telecomando, non è abbastanza utilizzata in teatro. I motivi sono almeno quattro:
Scarsa preparazione di registi, scenografi e personale teatrale.
2. Rovinata dall'ambiente concertistico, la reputazione del dispositivo a “teste mobili” (abitudine di un commerciante è quella di acquistare “teste mobili” e utilizzarle come scanner, rifiutando ingiustamente quest'ultime).
3. La presenza di un dimmer meccanico e di una lampada a incandescenza alogena, che raramente si trova nelle teste cinematografiche.
4. Costoso.

Tuttavia, la componente estetica della luce dinamica intelligente sta già iniziando a essere affinata nella pratica concertistica, la svolta dietro il teatro.

E queste righe sono state scritte 6 anni fa, nella precedente edizione del libro di testo. Durante questo periodo, nell'ambiente teatrale ebbe finalmente luogo un cambiamento qualitativo della coscienza e gli artisti teatrali conservatori iniziarono finalmente a utilizzare questa gamma di dispositivi nella loro pratica.

In conclusione, voglio riassumere più chiaramente quanto detto sopra:

La formazione finale del teatro classico.

Entro la metà del XIX secolo, le caratteristiche principali della scena classica avevano ricevuto le loro forme complete. Si è formata solo l'architettura del palcoscenico. L'illuminazione messa in scena era in attesa di cambiamenti rivoluzionari.

L'avvento dell'elettricità. Lampade ad arco. Lampada a incandescenza.

Con l'avvento delle lampade a incandescenza, degli interruttori e quindi dei reostati, inizia la fase di formazione dei principi moderni dell'illuminazione a fasi.

Proprietà della luce elettrica(applicato al teatro) .

Luminosità e temperatura colore.
La posizione remota della lampada rispetto all'oggetto di illuminazione.
luce direzionale. L'emergere di riflettori a tutti gli effetti.
Luce colorata.
Luce regolabile.
Opzioni ampliate per il posizionamento delle sorgenti luminose. L'inizio della formazione della classica "sospensione" degli apparecchi di illuminazione.

Entro la prima metà del 20° secolo, l'ubicazione del set di illuminazione scenica e i principi della costruzione della luce hanno ricevuto caratteristiche moderne completate.

L'avvento dell'elettricità ha permesso di considerare la luce come uno strumento universale, ma molto flessibile, facilmente adattabile alle diverse esigenze.

Il progresso tecnologico ha prima creato nuovi dispositivi.

Quindi questi dispositivi sono stati integrati nell'intrattenimento e nella sfera domestica generale. E solo dopo un lungo processo di comprensione artistica delle opportunità offerte, si è formato un intero strato di artisti che sono riusciti ad applicare organicamente la tecnica in campo artistico.

Metà del XX secolo. L'emergere della professione di lighting designer

L'utilità primaria della professione. Il lighting designer è un intermediario tra il regista, lo scenografo e le attrezzature.

La luce nel XX secolo come forma d'arte indipendente

Nascita di un lighting designer come unità creativa indipendente.

Integrazione reciproca di cinema e teatro

Luce da concerto.

L'inizio di una certa separazione tra concerti e luci teatrali Allo stato attuale, la situazione, purtroppo, sta solo peggiorando.

Illuminazione scenica dei nostri giorni. Breve valutazione della situazione attuale.

Entro la fine del 20° secolo, il concetto di illuminazione scenica. È necessario considerare l'illuminazione moderna messa in scena sia da posizioni tecnologiche che artistiche. Molte componenti esistono inseparabilmente l'una dall'altra e sono così intrecciate che a volte non sai dove finisce la tecnica e inizia l'arte.

Lo sviluppo generale della tecnologia dà impulso allo sviluppo della componente artistica. C'è anche un processo inverso. La crescente complessità dei compiti artistici stimola lo sviluppo di specifiche tecnologie teatrali e concertistiche.

La direzione dello sviluppo tecnologico nel ventesimo secolo va nelle seguenti aree:

Indicazioni tecnologiche

Rafforzare la luminosità (emissione luminosa) delle sorgenti luminose. Aumentare l'efficienza delle sorgenti luminose. Riduzione delle dimensioni della sorgente luminosa. Miglioramento dei sistemi ottici delle sorgenti luminose.
Espansione della varietà di dispositivi di illuminazione. Crescita della versatilità di gruppi multifunzionali di dispositivi e aumento del numero di dispositivi di illuminazione monofunzionali altamente specializzati.
Miglioramento dei sistemi di controllo dell'illuminazione.
Creazione di effetti e dispositivi di illuminazione fondamentalmente nuovi.

Direzioni artistiche

Comprensione estetica delle tecnologie moderne e in rapido sviluppo. Consapevolezza della presenza di tecniche e dispositivi appropriati e inappropriati, in opposizione alla presenza di dispositivi e tecniche buoni e cattivi.
Creazione di una teoria unificata della luce messa in scena. Metodologia. Filosofie e infine la creazione di un'unica scuola moderna di illuminazione scenica con numerose direzioni.
Colmare il divario tra teatro e concerto.
Creazione di uno schema fondamentalmente nuovo per un'unica illuminazione scenica, attraverso la videoproiezione.

Per descrivere le caratteristiche della moderna illuminazione scenica, è necessario navigare nella varietà dell'arsenale proposto, sia mezzi tecnici di illuminazione scenica, sia tecniche artistiche.

Le parti III-V di questo libro di testo approfondiranno la fase attuale nello sviluppo dell'illuminazione scenica.

Prospettive di sviluppo dell'illuminotecnica e della componente artistica

L'emergere di teste video e video scanner, l'aumento del flusso luminoso dei videoproiettori, la creazione di LED e, in futuro, videoproiettori laser collegati in un unico sistema visivo con un sistema di registrazione video e di elaborazione video in tempo reale, già ora ti consente di creare uno schema fondamentalmente nuovo per un'unica illuminazione in scena. Il principio del nuovo approccio risiede non solo nelle possibilità di videoproiezione ampliate a un limite ragionevole, ma anche in un sistema di controllo del raggio video fondamentalmente nuovo. La forma del colore del raggio diventa non solo una caratteristica particolare del raggio, ma porta anche un'immagine che può essere modificata a piacere. Il videomapping, ormai diventato un classico, ha ancora prospettive non realizzate: finora è solo frontale, ma cosa impedisce di applicare il principio dell'illuminazione a tre punti alla videoproiezione? Schermi LED con un piccolo pixel pitch, liberamente divisibili in cluster e, se necessario, trasparenti, consentono già adesso di creare non solo scenografie, ma scenografie multistrato e dinamiche. Il controllo dei flussi video e la sincronizzazione con la luce e la meccanica consente non solo di creare immagini pseudo-volumetriche, ma anche di improvvisare con le immagini in tempo reale.

Conclusione della prima parte

Illuminazione scenica dei nostri giorni ha quanto segue peculiarità:

Tecnologico: l'uso predominante di potenti fonti elettriche di luce direzionale con maggiore emissione luminosa e un sistema di controllo flessibile.

Ergonomico: le sorgenti luminose si trovano a una certa distanza dall'oggetto di illuminazione, le sorgenti luminose locali sono poco utilizzate.

Artistico: circa I fondamenti dell'illuminazione artistica sono rimasti invariati dalla metà del XX secolo. Fondamentalmente, i metodi tecnologici si stanno sviluppando. L'eccezione è l'uso dell'illuminazione dinamica sotto forma di raggi mobili e l'uso diffuso del video dei concerti.

Prossime tendenze di sviluppo: l'emergere di proiettori potenti e di piccole dimensioni consente di modificare radicalmente il principio di formazione della forma e del colore del raggio. Fino a poco tempo fa, la forma del raggio era formata da un sistema ottico classico e vari dispositivi meccanici, e il colore veniva modificato, principalmente da filtri luminosi. Poi, con l'avvento della videoproiezione, la forma e il colore del raggio si creano sulla matrice del proiettore e cambiano istantaneamente entro limiti assolutamente illimitati. Un graduale allontanamento dal "classico cerchio" del raggio provocherà un salto qualitativo nell'illuminazione scenica.

L'aspetto della proiezione video influisce in modo significativo sull'approccio fondamentale alla creazione di un'illuminazione scenica. In primo luogo, nella scenografia appare una dominante molto forte sotto forma di un'immagine video “autoluminosa”, che peraltro non è statica. Non appena scenografi e registi comprenderanno le possibilità della videoproiezione e supereranno l'inerzia del video di scena, sotto forma di una "grande TV" sul palco, sorgeranno soluzioni scenografiche complesse fondamentalmente nuove.

In secondo luogo, la convergenza di due professioni: un artista della luce e un artista dei media (video), consentirà al primo di applicare le possibilità del video alla luce diretta, al secondo di applicare le proprie conoscenze e il proprio gusto nella creazione di uno spazio di luce comune.

A titolo di esempio, citerò il cosiddetto "mapping" (mapping) - una tecnica di videoproiezione che ha permesso di proiettare su un oggetto la propria immagine, modificata e modificata dinamicamente per mezzo della computer grafica. In realtà, il processo di mappatura è il processo di "allungamento" di una trama su un oggetto tridimensionale "liscio".

Applicando la mappatura non solo dalla parte anteriore, ma anche dai punti laterali e di controllo, otteniamo una scenografia fondamentalmente nuova, veramente spaziale.

Le testine video diversificano anche in modo significativo le possibilità di un artista della luce.

Il fattore limitante di tale scenario è solo il pensiero conservativo, il costo relativamente elevato della componente di videoproiezione e il flusso luminoso relativamente basso con dimensioni relativamente grandi dell'apparecchiatura.

In effetti, siamo sull'orlo di un approccio fondamentalmente nuovo all'illuminazione e alla scenografia del palcoscenico.

prospettive lontane sono visti nello sviluppo della tecnologia dell'ologramma. La conseguenza, che sarà l'uso di auto-luminose, istantaneamente mutevoli, non soggette ad alcuna limitazione della decorazione volumetrica

L'artista dell'illuminazione Bill Holshevnikoff, autore dell'Arri Lighting Handbook, ha creato questa serie di CD educativi per chiarire la scienza della luce. Questa serie è composta da 4 parti: illuminazione del viso, illuminazione dell'intervista, correzione del colore e filtri e illuminazione interna. Ogni parte dura circa 50 minuti.

Parte 1. Illuminare il viso.
Questa parte darà uno sguardo completo all'arte di illuminare le persone. Imparerai come usare la luce morbida e dura e metodi semplici mettendo in evidenza le persone con diversi colori della pelle, le persone con gli occhiali o le persone con la testa calva. Scopri quale tipo di illuminazione ti farà apparire come desideri, come determinare la quantità di contrasto e altro ancora!

1.1 Elementi di illuminazione frontale. Controllo della luce.

1.2 Illuminazione facciale. La dimensione della sorgente luminosa.

1.3 Illuminazione facciale. Distanza dalla sorgente luminosa.

1.4 Illuminazione facciale. controllo del contrasto.

1.5 Illuminazione facciale. Separazione del mondo.

1.6 Illuminazione facciale. situazioni speciali.

A dicembre, al CNTI Progress in Di nuovo passato
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. Il relatore principale, secondo la tradizione, era Andrey Melnik - un "uomo leggendario", come lo chiamano i partecipanti al seminario, un noto lighting designer che ha lavorato in vari momenti con i gruppi "Alisa", "Aquarium", "DDT" , così come nei teatri di San Pietroburgo .

A dicembre, il CSTI “Progress” ha nuovamente ospitato
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Abbiamo parlato con Andrey del seminario, di cosa e perché i lighting designer devono imparare e di come l'illuminazione è diversa a teatro e ai concerti.
Andrey, come si diventa lighting designer oggi? Dopotutto, questo non viene praticamente insegnato da nessuna parte.

Mangiare istituti teatrali e la specialità "artista-tecnologo". Insegnano, secondo me, così così. Non c'è pratica, solo teoria. Pertanto, i progettisti dell'illuminazione nel teatro spesso diventano accidentali.

La musica rock è ancora più divertente. Questi sono musicisti o ingegneri del suono, tecnici, il che è sia positivo che negativo allo stesso tempo. Cattivo, perché molti professionisti provengono da campi tecnici. Ma la professione si chiama "artista della luce". Pertanto, la parte che è "in giro per il mondo" è fattibile, funzionano bene con attrezzature complesse. Ma manca la parte artistica. I musicisti, d'altra parte, "guardano con le loro orecchie". E l'artista deve “ascoltare con gli occhi”.

Va bene se una persona viene con educazione artistica. Ma, ad esempio, abbiamo solo due artisti con un'educazione artistica nel rock: siamo io e Andrey Stolypin, il primo artista di Alisa.

Anna Pingina e il gruppo Minus Trill. Progettista dell'illuminazione - Andrey Melnik

Quanto è diverso il lavoro di un lighting designer in teatro e ai concerti?

Non ci sono luci da teatro e luci da concerto separate. Le leggi dell'arte, della creatività: sono le stesse ovunque. Un'altra cosa, se prendi il "kondovy" nel senso offensivo dell'artista. Al concerto ha una "discoteca", lampeggiante costante, e in teatro la luce è solo sull'attore. Uno specialista competente ha molte opzioni: da qualche parte sbattiamo le palpebre, da qualche parte no, da qualche parte una luce dura, da qualche parte, al contrario, morbida, piena di sentimento.

Quali sono le nuove tendenze nella tua professione ora, le nuove tecnologie?

Si presentano sempre. Ma l'approccio, secondo me, rimane lo stesso. Il miglior libro di testo finora è l'edizione del 1946 - N.P. Izvekov, Luce sul palco. Le leggi rimangono le stesse.

Non posso fare a meno di chiedere del seminario. Cosa interessa ora agli ascoltatori, quali domande fanno, quali problemi si presentano?

Ci sono molte domande personali, ognuno ha le sue. Ma, per quanto posso vedere, non "ululano", non si preoccupano. Al seminario non parlo molto di tecnologia. La tecnica è, ovviamente, una spina dorsale. Ma poiché c'è molta letteratura, articoli su Internet sulla tecnologia e poche informazioni sul lato artistico, parlo principalmente della componente creativa. E a loro non sembra importare affatto.

Video di una lezione pratica al Teatro Mikhailovsky

Cosa pratichi in pratica? Ad esempio, domani tu e il tuo gruppo state studiando al Cosmonaut club: cosa succederà lì?

Light studies, light performance. Ogni volta in modo leggermente diverso, a seconda del sito, dell'umore e adattato al pubblico.

P.S. Il prossimo seminario “Lighting Designer” si terrà a San Pietroburgo dal 10 al 14 febbraio. Scopri di più e registrati su
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CNTI "Progress" invita gli specialisti dell'illuminazione a fare conoscenza tecnologie moderne nel controllo dell'illuminazione del palco al seminario

L'inestimabile esperienza nella messa in scena dell'illuminazione scenica sarà condivisa da:

Melnik Andrey Vladimirovich, lighting designer (esperienza con i gruppi "Alisa", "Aquarium", "DDT", "Picnic", "Surganova and Orchestra", "Butusov e Yu-Piter", ecc., nonché con i principali teatri Pietroburgo);
Kibitkin Alexander Andreevich, capo del servizio luci del Teatro Mikhailovsky;
Lukin Sergei Vladimirovich, Chief Lighting Designer del Teatro Mariinsky;
Pesotsky Dmitry Yuryevich, capo del dipartimento luci del Teatro Alexandrinsky;
Shamil Islamgazin, Ph.D., direttore tecnico dell'agenzia di eventi Guild of Masters.

Partecipanti al seminario:
conoscere tecniche e tecniche professionali per l'impostazione della luce;
prendere parte a lezioni pratiche nei teatri Mikhailovsky, Mariinsky e Alexandrinsky;
sotto la direzione di Andriy Melnyk copriranno il concerto dal vivo del gruppo Minustreli;
visitare lo showroom dell'azienda Doka, dove conosceranno le novità del mercato degli apparecchi di illuminazione;

Maggiori informazioni e iscrizione al seminario -
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Accedi per vedere. , per telefono 8-800-333-88-44 (numero verde in Russia) o per e-mail [e-mail protetta]
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Come far funzionare l'illuminazione per la tua visione creativa?

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Vi invitiamo al seminario
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Accedi per vedere. 8-12 ottobre 2012, San Pietroburgo

Le lezioni sono tenute da responsabili dei servizi di illuminazione e direttori tecnici di imprese del settore, teatri e agenzie di eventi a San Pietroburgo.

Tra gli insegnanti c'è il principale scenografo e artista grafico multimediale di San Pietroburgo Andrey Vladimirovich Melnik, che ha lavorato come lighting designer ai concerti dei gruppi Aquarium, DDT, Alisa, ecc.
In un programma:
Come scegliere l'attrezzatura di illuminazione giusta per un concerto, un balletto, un teatro di marionette, un teatro drammatico, ecc.?
Tecnologie e dispositivi moderni per l'illuminazione scenica. La lezione si svolge sulla base del Teatro Mikhailovsky sotto la guida del capo del servizio luci Alexander Andreevich Kibitkin.
Tipi e tecniche di illuminazione. Modellazione computerizzata della luce.
Lavoro congiunto di lighting designer e scenografo. La lezione si svolge sulla base del Teatro Alexandrinsky sotto la guida del capo del dipartimento luci Dmitry Yuryevich Pesotsky.
Come fare un pilota? Contatto con l'host. Noleggio di apparecchi di illuminazione. La lezione è condotta da Islamgazin Shamil, direttore tecnico dell'agenzia di eventi Guild of Masters.
Scenografia leggera e visiva del concerto (sull'esempio del concerto "Butusov. 50 anni"). La lezione è condotta da Andrey Vladimirovich Melnik.
Rassegna delle novità nel mercato degli apparecchi di illuminazione. La lezione è condotta da specialisti di Stage Equipment and Technology LLC.

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“Il seminario è utile. Un'ottima opportunità per vedere il lavoro dei laboratori dall'interno, conoscere i dispositivi e le tecnologie utilizzate nella pratica ”,- Alexander Dmitriev, capo del dipartimento di illuminazione del Sakhalin International Theatre Center. AP Cechov.

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Per chi non potrà venire in autunno:

Il seminario "Light Designer" si terrà anche dal 10 al 14 dicembre 2012
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Uno dei problemi del teatro russo progettista illuminotecnico E illuminatore, dice Vladimir Lukasevich, capo lighting designer del Teatro Mariinsky.

Che cosa progettista illuminotecnico- questa non è solo una persona che conosce a fondo tecnologia di illuminazione, Vladimir Lukasevich ha capito pochi anni dopo aver iniziato a lavorare in teatro. Pertanto, lui e il suo amico Mikhail Mikler, ora il principale progettista illuminotecnico Maly Opera Theatre, è arrivato nel dipartimento di produzione dell'Istituto statale di teatro, musica e cinematografia di Leningrado (LGITMiK) nel 1977 e ha chiesto di insegnare loro secondo il programma, che loro stessi hanno compilato per se stessi. Alle materie generali tradizionali per gli scenografi, hanno aggiunto la teoria del colore, l'elettronica, la fisiologia della visione, la psicologia della percezione, che prima non esistevano affatto in questa facoltà. Adesso questo e molto altro verrà insegnato nel nuovo corso del reparto produttivo in Accademia Teatrale. Sul corso Progettista illuminotecnico”, creato su iniziativa di Lukasevich e capo. Dipartimento della facoltà di produzione di V. M. Shepovalov.

Gli errori degli altri

Progettista illuminotecnico crea il suo ruolo Sveta” in uno spettacolo, che in teoria (come tutti gli altri componenti del “ruolo”) dovrebbe far piangere e ridere lo spettatore, che è ciò che serve il teatro nel suo insieme. Come puoi davvero far piangere uno spettatore se non sai come premere le sue ghiandole lacrimali, se non conosci la psicologia della percezione? C'è la fisiologia della visione, per esempio, la legge dell'adattamento al buio. Come apportare modifiche quando si "riduce" sul palco in modo che lo spettatore non se ne accorga? Forse basta pagare leggero, ma non sarà sufficiente, poiché non c'è completa oscurità nel teatro - dopotutto, c'è una fossa dell'orchestra, lampade uscita di emergenza, ecc. Forse, in questo caso, sarebbe più corretto adattare la visione del pubblico a una maggiore luminosità per prolungare la sensazione di "oscurità" dello spettatore fino a quando non si verifica l'adattamento al buio. Questi sono abbastanza strumenti reali... E se non vuoi l'oscurità completa, ma vuoi uno stato in cui lo spettatore vede ciò che è necessario per l'azione, ma non ciò che volevi nascondere? Certo, puoi esercitarti a lungo empiricamente, cercando fino a che punto, con quale luminosità e per quanto tempo devi adattare la visione dello spettatore, oppure puoi semplicemente sapere come funziona la curva di adattamento ... Bene, la psicologia della percezione del colore va lontano nella storia, le cui radici si trovano nella filosofia tibetana e nella cultura buddista. L'antico teatro indiano, per esempio. Quando in un teatro indiano veniva calato un fondale di un certo colore, diciamo verde, lo spettatore capiva subito che si trattava di malinconia. Era sia un simbolo che un segno per lo spettatore. Bene, e così via. Tali cose, ovviamente, devono essere conosciute e comprese inizialmente. Perché è necessaria un'educazione fondamentale - per non ricominciare da zero ogni volta, il nostro metodo preferito per i nostri tentativi ed errori.

Sfortunatamente, in Russia non esisteva una scuola in cui l'intera quantità di conoscenza necessaria per l'istruzione sarebbe stata raccolta in un unico luogo. progettista dell'illuminazione contemporanea. C'è sempre stato un trasferimento di mestiere da maestro ad apprendista. Ma maestri come Klimovsky, Kutikov, Diaghilev, Drapkin, Sinyachevsky, Barkov, Volkov, Simonov, che hanno lavorato negli anni Cinquanta e Settanta, dicevano sempre: "Guarda come faccio e impara". Naturalmente, quindi, lasciarono pochi discepoli. E oggi, probabilmente sarebbe giusto dire che per la maggior parte tutto il russo attuale artisti della luce- autodidatta. Basandosi solo sulla propria esperienza e intuizione, ricominciano ancora e ancora dallo stesso zero da cui è partita la generazione precedente. Questa è l'essenza del concetto di "scuola professionale": accumula esperienza.

Ai seminari annuali per il russo artisti della luce Lukasevich ha sentito parlare più di una volta della pratica di lavorare in alcuni teatri, il che è del tutto impensabile nel lavoro artista della luce: "E nel nostro teatro il regista dice:" Filtra questa lanterna con il rosso! Questa - con il verde! Puntala qui, ho detto! E questa - lì! Fai come ho detto ...".

Questo è ciò che definirei lavoro. illuminatore, - illumineremo dove dicono.

Il teatro moderno non può funzionare così. Questo tipo di pratica è diventato obsoleto cento anni fa, e questi sono, ovviamente, i rudimenti del teatro del XIX secolo. Ma sorprendentemente, esiste in modo sicuro in un numero abbastanza elevato di luoghi. Forse questo è dovuto al fatto che i nostri registi e artisti ricevono tradizionalmente un'istruzione insufficiente in materia di "scenografia" e Sveta e quanto le persone poco istruite siano convinte di "sapere tutto". Il problema è, ovviamente, a due facce. L'istruzione insufficiente da entrambe le parti genera situazioni di sfiducia reciproca, quando il regista non crede nella creatività artista della luce, progettista illuminotecnico - brilla, dove si dice, impoverendo così inizialmente l'opera che si sta creando.

Certo, nessuno discute: il regista è il creatore e il generatore dell'idea e del concetto dello spettacolo nel suo insieme. Ma non la domanda del regista: cosa torcia elettrica dove inviare. Il regista ha altri compiti: occuparsi degli attori, della messa in scena e così via. Il punto è che il lighting designer lavora con il regista fin dall'inizio, quando l'idea è ancora in fase di formazione, prima che lo spettacolo venga provato sul palco. Quando l'artista entra in scena, tutto dovrebbe essere pronto. Assolutamente tutto per le prove, dove il “ruolo Sveta”, nella stessa misura di qualsiasi ruolo di recitazione. È troppo tardi per pensare. Cioè, deve partorire una partitura Sveta, che ricade sul concetto della performance, realizzata insieme al regista. Costruire il proprio lavoro - creare una combinazione di colori che si armonizzi non solo con i costumi e le scenografie, ma anche con i personaggi, con la musica e tutto il resto. In una parola, deve realizzare il proprio lavoro accurato ed esteticamente verificato, elaborare la partitura delle luci. Altrimenti si ottengono spettacoli semifiniti - "opere". Secondo Lukasevich, uno dei problemi del teatro russo è che molto spesso non distinguiamo: cos'è progettista illuminotecnico e cos'è illuminatore, che su richiesta del direttore illuminare l'attore - "in modo che possa essere visto", e lo scenario - "in modo che sia bello".

Standard di istruzione

L'impulso per l'avvio dei lavori per l'apertura all'Accademia di Teatro del corso " Progettista illuminotecnico”è stato l'invito di Vladimir all'Università del Connecticut per tenere lezioni sulla storia dell'argomento in Russia. Gli americani, tra l'altro, impegnati nella formazione professionale artisti della luce dal 1936 l'esperienza russa sembrava interessante. E Vladimir, a sua volta, invidiava il modo in cui è organizzata la loro formazione. Dopotutto, la facoltà di recitazione dell'università ha quattro teatri propri e ben attrezzati, in cui vengono messi in scena 6-8 spettacoli a tutti gli effetti all'anno, da tutti gli studenti della facoltà. Così, artisti della luce, così come, però, come gli attori con i registi, c'è l'opportunità - e questo è anche necessario - di lavorare e illuminatori, e redattori e assistenti alla regia, cioè per padroneggiare il teatro da tutte le parti. Per il corso riescono a rilasciare da soli come lighting designer 5–7 ciascuno spettacoli. Di conseguenza, quando finiscono il corso, hanno già un portafoglio decente e possono essere qualcosa di interessante per i datori di lavoro.

Vladimir Lukasevich in passato ha avuto esperienza nell'insegnamento del teatro (12 anni). ingegneria illuminotecnica presso il reparto di produzione di LGITMiK, e sono stati rilasciati anche diversi corsi nella specialità "Artista-tecnologo" con specializzazione " Progettista illuminotecnico". Alla fine, è diventato chiaro che teoricamente, senza una base tecnica decente, questo forse non ha senso.

Vedi, si è rivelata una cosa così sbagliata. Tutti i tentativi di creare una classe normale alla facoltà e allo stesso tempo al Teatro Mariinsky non hanno avuto successo. E si è scoperto che le persone venivano da noi per studiare, abbiamo insegnato loro, si sono diplomate al liceo, si sono diplomate " progettista illuminotecnico” ed eravamo sicuri che quanto scritto nel diploma fosse vero. Ma non era così, o non esattamente così. Almeno perché non hanno avuto l'opportunità di imparare la professione in pratica. E si è scoperto che abbiamo detto alla persona che era rosso, ma in realtà era calvo. Ma barare non è ancora buono. Per questo motivo, preparazione artisti della luceè stato interrotto, ma è facile da leggere tecnologia di illuminazione non era più molto interessante.

E inoltre. Dopo aver insegnato in America, ero tormentato dall'invidia: perché è possibile imparare da loro, ma non da noi? Dopotutto, oggi la situazione è stata a lungo diversa e ci sono opportunità per ottenere una certa base tecnica, devi solo lavorarci sopra. E abbiamo concordato con la Theatre Academy di aprire un corso corrispondente presso il reparto di produzione.

È nella specialità Progettista illuminotecnico»?

Qui è sepolto un altro, grande e allo stesso tempo ridicolo problema. L'idea principale era che fin dal primo corso dovesse essere un corso artisti della luce. Senza specializzazioni lì, perché queste sono ancora cose diverse: specializzazione e professione. Ma poi ci siamo imbattuti in qualcosa di interessante. Si è scoperto che nell'elenco delle professioni disponibili nel nostro paese, progettista illuminotecnico Sì, ma non nell'elenco del Ministero dell'Istruzione. Cioè, si scopre che la professione è così, ma nessuno capisce chi e come dovrebbe formare specialisti. È una totale assurdità.

Affinché questa professione appaia nell'elenco precedente, deve esistere uno standard di istruzione approvato. Abbiamo scritto questo standard, ma probabilmente non c'è nessuno al ministero che se ne occupi, che lo approvi (a causa di 8-15 laureati all'anno).

Cos'è questo standard educativo?

Un elenco di tutte le materie e le conoscenze che uno studente deve padroneggiare per diventare un professionista. Ho invitato per questo lavoro il mio amico Jim Franklin, che una volta ha organizzato un corso simile presso l'Università del Connecticut (ora una delle principali scuole della nostra professione negli Stati Uniti). Parallelamente, ha tenuto conferenze all'Accademia di teatro per un intero semestre. Allo stesso tempo, questo argomento è stato discusso attivamente nelle riunioni e nelle tavole rotonde dell'Associazione artisti della luce Russia. Hanno rotto le lance. È iniziato con una sciocchezza: e come dovrebbe essere chiamato? progettista illuminotecnico o qualcos'altro? Ma cosa è progettista illuminotecnico? non capisco chi sia progettista illuminotecnico. Cos'è il design in generale nella nostra comprensione? Dopotutto, in inglese la parola "designer" non corrisponde direttamente alla parola "artista". È più un costruttore. Anche se anche questo non è del tutto vero. In definitiva, stiamo parlando di una professione che è creativa e crea una certa gamma visiva, il che significa un artista. Del resto, al di fuori delle nostre contestazioni, esiste nell'albo delle professioni. Progettista illuminotecnico- è giusto.

D'altra parte, come insegnare ad essere un artista? Probabilmente è impossibile, è più probabile da mamma e papà. Penso che nella nostra Accademia (come in qualsiasi altra università creativa) si tratti, prima di tutto, di dare a una persona un mestiere. Metodi artigianali di esistenza nella professione. E quello che fa con queste tecniche, come si realizza, dipende dal suo potenziale creativo. Ma la professione deve essere appresa. Storia del teatro russo e straniero, storia della cultura materiale, storia delle belle arti, filosofia, teoria della scenografia, storia della letteratura russa e straniera, prospettiva, disegno, calcolo delle strutture teatrali, pittura, disegno, psicologia e fisiologia della percezione, storia luce teatrale E costume teatrale, modellazione al computer e teoria della soluzione spaziale della performance ... Sì, abbiamo incluso molte altre cose nello Standard of Education. Lunga lista.

Per quello progettista illuminotecnico studiare tante discipline umanistiche?

Essere istruiti, moderni. Come proponi di lavorare su uno spettacolo, diciamo, o un'opera, senza conoscere la storia, la cultura materiale dell'epoca di cui tratta la tua performance? Conoscenza professionale ristretta, secondo me, Karl Marx chiamava "cretinismo professionale". Per amore di una vasta conoscenza, ovviamente! Più tardi, Jim (all'epoca ero in tournée) ha presentato il nostro programma a Monaco durante un seminario artisti della luce dove tradizionalmente si riuniscono i mostri della nostra professione dall'Europa e dall'America. E, secondo Jim, i colleghi sono rimasti un po' sorpresi: il programma sembra ancora più serio di quello che esiste oggi negli Stati Uniti. Il fatto è che per una serie di motivi, ad esempio negli Stati Uniti, non è possibile fornire una gamma così ampia di articoli. E l'Accademia teatrale di San Pietroburgo ha un'enorme risorsa in questo senso. E ci sono andato deliberatamente, perché nella scuola americana ero molto imbarazzato proprio dai limiti in termini di conoscenza della storia, esperienza del mondo, teatro europeo, prospettiva generale. Forse non sanno nulla del teatro russo, tranne il nome di Stanislavsky. Là, all'università, gli studenti sono venuti da me e mi hanno parlato di idee folli che loro stessi hanno avuto. E dovevo tenere una conferenza sul nostro connazionale che lavorava per Dalcroze a Hellerau nel 1912. “... Questo è già successo. Nel quattordicesimo anno, Nikolai Saltsman ha già fatto tutto questo ... ". COSÌ progettista illuminotecnico non è solo conoscenza torce elettriche. Questa è una conoscenza dettagliata dell'argomento da tutti i lati.

Quali sono i requisiti per gli esami di ammissione?

Dato che il corso è aperto specificamente presso l'Accademia di teatro, noi, come in tutte le università creative, abbiamo l'opportunità di organizzare una selezione di studenti in due turni e mezzo. Secondo il modo in cui vuoi.

Quindi per cosa?

Voglio che lo studente sia intelligente e di talento. Il primo turno di qualificazione è andato così. Ogni partecipante ha ricevuto una riproduzione di un dipinto, un dipinto classico. Sulla base di questa immagine, è stato necessario disegnare una pianta, una sezione laterale - per realizzare un presunto palcoscenico teatrale - e metterla leggero. Nelle mani di solo carta e matita. Non mi importava come possono disegnare i layout - gli verrà insegnato a disegnarli per quattro anni dopo - è importante capire, in primo luogo, quanto una persona vede lo spazio e, in secondo luogo, quanto vede leggero in questo spazio. Questo è il compito dei gesuiti che ho assegnato loro. E per il secondo round, dovevi scattare una foto da solo o trovare ritagli di riviste con immagini in cui leggero svolto un certo ruolo. E parlarne. E non le immagini spettacolari più semplici, dove, diciamo, il sole sorge dietro la foresta ed è visibile una potente luce di "retroilluminazione", ma qualcosa di più complesso, sfaccettato. C'erano un altro paio di problemi di fisica e disegno scolastici. Poi - un'intervista, quando tutti gli insegnanti del dipartimento hanno chiesto ai candidati di teatro, letteratura, musica. Per capire quanto sia teatrale la persona e dal nostro team. Pertanto, sono state selezionate otto persone (anche se inizialmente ho ipotizzato un corso di sei). Speriamo davvero che ne vengano fuori.

E i tuoi laureati metteranno leggero nei migliori teatri del mondo?

Mi piacerebbe, ovviamente. Penso che dipenda principalmente da loro. Ciò che dipende da noi della facoltà, penso che lo faremo. E poi - come porterà la vita. Forse non teatro, chissà. Riguarda il fatto che progettista illuminotecnico- Questo progettista illuminotecnico. E leggero può metterlo in scena ovunque: in un casinò, in un teatro... Illumina la cattedrale di Kazan o mostre museali. Questa è una professione. E lei può applicare a qualsiasi cosa. La domanda è che una persona capisca cosa sta facendo. Certo, c'è una specializzazione - illuminazione architettonica, luce teatrale, luce da concerto. Ma queste sono tutte materie diverse del corso. UN progettista illuminotecnico devo capire come il modo migliore illuminare questo o quello. Ad esempio, vorrei vedere illuminazione architettonica Pietroburgo non è quello che è oggi. Dopotutto, San Pietroburgo è un incredibile ambiente drammatico. Beh, forse la Pietroburgo di Dostoevskij essere illuminato proprio come la Pietroburgo di Pushkin: queste sono città diverse! E leggero e l'ambiente in queste diverse città dovrebbe essere gestito in modo diverso. Beh, almeno per ragioni estetiche. E abbiamo tutta l'illuminazione - torce elettriche: era buio, è diventato chiaro - questo è tutto il progresso. È lo stesso con il teatro: problemi con la stessa radice. Ma questo periodo alla fine passerà. Speriamo non senza il nostro aiuto.

Vladimir Lukasevich è nato a Odessa nel 1956. All'età di quindici anni, è entrato alla Leningrad Film Technology School con una laurea in Theatre Lighting Designer. All'età di diciassette anni ha fatto la sua prima esibizione come lighting designer al Ryazan Regional Drama Theatre. Diplomato all'Istituto di teatro, musica e cinematografia di Leningrado. Spettacoli in scena in molti teatri drammatici Russia. Ha lavorato in teatro. VF Komissarzhevskaya con artista del popolo URSS R. S. Agamirzyan. Ha insegnato alla LGITMiK la disciplina "Artist-Technologist" con specializzazione "Artist in Lighting". Dal 1985 lavora al Teatro Mariinsky come capo lighting designer. Insegna all'Università del Connecticut. Accende le luci negli spettacoli non solo a San Pietroburgo, ma anche sui palcoscenici dei teatri dell'opera e del balletto di tutto il mondo. Ha al suo attivo più di 300 spettacoli, produzioni classiche e d'avanguardia: Boris Godunov, Lo schiaccianoci, Lohengrin, Parsifal, La bella addormentata nel bosco, Sansone e Dalila, Corsaro, Uccello di fuoco, "Prezzemolo", "La Traviata", "Copelia" , "Carmen", "Tema con Variazioni", "Manon", "The Tale of Tsar Saltan", "Ariadne auf Naxos" e altri... Gli spettacoli da lui ideati sono andati e vengono in molti luoghi del mondo - Festival di Spoletto USA, La Scala, Opera Bordeaux, Royal Opera Covent Garden, Opera Marseille, New Israeli Opera, New National Opera di Tokyo. Otto anni fa, secondo il suo progetto, al Teatro Mariinsky è stata realizzata una ricostruzione unica dell'impianto di illuminazione dei riflettori e un tecnologia di illuminazione con controllo completamente automatizzato. Vladimir Lukasevich è uno dei membri del consiglio dell'Associazione degli artisti dell'illuminazione della Russia e sotto gli auspici di questa associazione e dell'Accademia teatrale di San Pietroburgo conduce seminari annuali per la formazione avanzata degli artisti dell'illuminazione. E quest'anno, su sua iniziativa, il dipartimento di scenografia dell'Accademia Teatrale ha tenuto per la prima volta un set per il corso "Light Designer".

Elenco delle materie del corso di studi quinquennale nella specialità "Lighting Designer"
Lingua straniera
Cultura fisica
Storia nazionale:
Mondo processo storico in Russia
La storia della patria
Filosofia:
Fondamenti di conoscenza filosofica
Filosofia dell'arte (estetica)
Culturologia
Psicologia e pedagogia
Lingua russa e cultura della parola
Sociologia
Storia della letteratura russa
Storia della letteratura straniera
Storia della drammaturgia straniera
Storia del teatro
Storia del teatro straniero
Storia del teatro russo
Storia dell'arte
Storia delle belle arti straniere
Storia dell'arte russa
Storia della cultura materiale e della vita
Disegnare e pitturare
Edifici e strutture teatrali
Organizzazione del business teatrale in Russia
Trucco teatrale e pastige
Sicurezza della vita
Storia della musica russa e del teatro musicale
Storia della musica e della musica straniera. Teatro
Storia di San Pietroburgo
Sicurezza del teatro
Attrezzatura scenica (leggera)
Analisi drammaturgica
Teoria della scenografia
Storia della luce teatrale
Composizione scenografica
Tecnologia artistica
Tecnologia di produzione teatrale
Dispositivo e attrezzatura scenica
Fondamenti di prospettiva e impaginazione
Calcolo delle strutture teatrali
Tecnologia dei costumi di scena
Tecnologia di illuminazione artistica
Storia dell'arte teatrale e decorativa
Storia del costume
Fondamenti di architettura
Disegno e geometria descrittiva
Attrezzatura per l'illuminazione del teatro
luce e colore
Punteggio leggero, grafica
Psicologia della percezione
Tecnologia di illuminazione teatrale
Elettronica
Estetica della luce
Simulazione al computer della luce
Software specializzato
Luce nel teatro musicale
Luce nel teatro drammatico
Progettazione illuminotecnica architettonica
Illuminazione per programmi di concerti

Libri

Libro di consultazione sull'ingegneria dell'illuminazione

Casa di Mosca Sveta e la casa editrice Znak stanno preparando l'uscita alla fine del 2005 della terza edizione del Reference Book on ingegneria illuminotecnica».
Le prime due edizioni sono state pubblicate nel 1983 e nel 1995. Durante questo periodo, il libro di riferimento sull'ingegneria dell'illuminazione, pubblicato in una tiratura di 65.000 copie, è diventato un libro di riferimento per la maggior parte degli specialisti e, allo stesso tempo, un libro di testo in molte aree dell'ingegneria dell'illuminazione.
La nuova edizione si distingue per una maggiore completezza dei materiali, la presentazione degli ultimi dati normativi, metodi e mezzi di calcolo, progettazione e progettazione illuminotecnica, progettazione a colori e stampa su carta di alta qualità. Nella nuova, terza edizione, le sezioni " Fonti di luce"," Reattori e sistemi di controllo dell'illuminazione", i metodi di calcolo e progettazione sono stati rivisti sulla base di un ampio utilizzo informatica. Nuovi capitoli del libro: Disegno leggero», « Leggero e salute”, “Risparmio energetico negli impianti di illuminazione”, “ illuminazione subacquea”, “Storia dell'illuminotecnica”.
"Manuale per ingegneria illuminotecnica" destinato un'ampia gamma specialisti dell'illuminazione, elettricisti, architetti, igienisti, medici, operatori della protezione del lavoro associati all'uso di naturali e illuminazione artificiale, sviluppo e produzione prodotti per l'illuminazione, progettazione, installazione e gestione di impianti di illuminazione.
"Manuale per ingegneria illuminotecnica uscirà anche su CD.
È possibile ordinare il libro di riferimento sull'ingegneria dell'illuminazione presso la House of Light. Il suo indirizzo:
Russia, 129626, Mosca, Prospettiva Mira, 106, di. 346
Tel./Fax: (095) 682–19–04, tel. (095) 682–26–54
E-mail: Light- [e-mail protetta]

Ballata di luce

“Ha più di 120 anni, ma non dimostra la sua età. Non importa quante nuove fonti di luce competano con essa, rimane la più bella di tutte. Una cosa che rimane immutata nella sua forma classica, un esempio di design perfetto, a cui non c'è niente da aggiungere e niente da togliere. In molti casi molto più belli di tutti i paralumi e lampade con cui ora lo adornano e lo ricoprono.
Inizia così un nuovo libro, appena pubblicato, dedicato al primo dispositivo elettrico di grande diffusione della storia. Il libro ha oltre 200 illustrazioni. Il testo è strutturato attorno a tre temi principali: gli aspetti tecnici dell'introduzione delle lampadine, la pubblicità e la grafica di molti documenti inediti e, infine, “parole su leggero» - il punto di vista di poeti e scrittori sull'oggetto di studio.
Questo libro è un inno di 144 pagine alla lampadina, con una copertina superbamente minimalista che riproduce un poster del 1912 commissionato da AEG da Peter Beechrens. Il libro non ha la pretesa di essere un trattato tecnico o un manuale di illuminotecnica, è un "atlante illustrato" che si legge con piacere. Anche il titolo ricorda Sveta portare gioia e felicità.
Il testo si apre con le poesie del poeta russo Vladimir Mayakovsky dedicate alla lampadina elettrica e al suo cuore ardente. Il libro si conclude con le righe del grande neurologo americano Oliver Sacks: un frammento di prosa autobiografica sui suoi metalli preferiti: osmio, tungsteno e tantalio, da cui sono realizzati i filamenti nelle lampade. Tra queste due aste luminose si estendono cinque parti del libro: "Mito e bellezza", "Edison ei suoi simili", "Guerra contro il gas", "Officine di luce", "Il nostro tempo". Workshops of Light contiene sei biografie delle aziende più importanti e descrizioni esaustive di innumerevoli marchi commerciali. L'autore non è nuovo a tali pubblicazioni. Nel 1995 Lupetti pubblica i suoi "Segni di luce", ormai praticamente esauriti. Accompagnato da illustrazioni, è facile e divertente navigare nella storia della pubblicità delle lampadine con un po' di dettagli tecnici e divagazioni culturali. Infatti un terzo del volume - la sua parte finale - ne eleva il fascino Sveta su un alto piedistallo creato dalle parole dei poeti.
Materiali forniti dal Portale Sveta
www.lightingacademy.org