sviluppo del cubismo. Cubismo

Cubismo (fr. Cubisme) -
tendenza modernista in
belle arti, soprattutto
nella pittura, che ebbe origine all'inizio del XX secolo
e caratterizzato dall'uso
condizionale enfaticamente geometrizzato
forme, il desiderio di "scindere" il reale
oggetti in primitive stereometriche.
L'emergere del cubismo è tradizionale
datato 1906-1907 Il termine "cubismo"
apparve nel 1908 dopo
critico d 'arte Louis Vaucelle di nome
nuovi dipinti di Georges Braque "cubico
capricci".

Il cubismo è una tendenza nell'arte fondata nel primo quarto del XX secolo nella pittura, i cui rappresentanti raffigurano il mondo oggettivo nella forma

Il cubismo è un movimento artistico fondato nel primo
quarto del XX secolo nella pittura, i cui rappresentanti raffigurano
il mondo oggettivo sotto forma di combinazioni geometriche regolari
volumi: cubo, cubosfera, cubocilindro, cubocono, da completare
per esprimere idee di cose, gli artisti usano il tradizionale
prospettiva come Illusione Ottica e sforzati di darli
immagine completa attraverso la scomposizione della forma e
combinando molti dei suoi tipi all'interno della struttura di un'immagine.
Un crescente interesse per la forma porta a una distinzione in
usando i colori. colori caldi per elementi sporgenti
motivo della trama, colori freddi per lontano o
elementi distanti dell'immagine.
In architettura e scultura, è caratterizzato dall'uso
forme condizionali enfaticamente geometrizzate, il desiderio
dividere oggetti reali in primitive stereometriche,
il desiderio di identificare le forme geometriche più semplici,
oggetti sottostanti.

Nello sviluppo del cubismo si distinguono tre periodi: Cezanov, analitico, sintetico. 1. Corsia "Sezanovsky" o in un altro modo "Negro".

Ci sono tre periodi nello sviluppo del cubismo: Cezanov,
analitico, sintetico.
1. Il periodo "Cezanovsky" o, in altre parole, il periodo "Negro" è associato
scoperta e ripensamento dell'arte primitiva, iniziata da Paul
Cézanne. Questo periodo è caratterizzato da dipinti in cui
raffigura nette interruzioni nelle forme, grandi volumi, che, per così dire,
disposto su un piano creando una sensazione di sollievo
Immagine. La combinazione di colori ha enfatizzato e schiacciato il volume.
Le composizioni sono create principalmente sulla base di paesaggi, figure,
nature morte dipinte dalla natura.
2. Il periodo analitico è caratterizzato dal fatto che il raffigurato
l'oggetto è completamente scomposto nelle sue parti costitutive,
stratificato in piccole sfaccettature separate. colore
la tavolozza è stata ridotta al bianco e nero. Questo periodo di sviluppo
Il cubismo era più transitorio che indipendente.
3. La fase sintetica durò dal 1912 al 1914. Durante questo periodo
prevale la decorazione, i dipinti diventano più simili
pannello.

Rappresentanti

Pittura
Pablo Picasso,
Giorgio Braque,
Aristarkh Lentulov
Foto
Giuseppe Badalov
Scultura
Alessandro Archipenko,
Costantino Brancusi

I rappresentanti più importanti del cubismo e dei suoi fondatori sono considerati due grandi artisti: Pablo Picasso e Georges Braque.

Gli artisti nelle loro opere hanno confrontato geometrico
superfici con minima somiglianza con quelle raffigurate
oggetti, credevano che la forma dovesse essere tutt'altro
soggetto raffigurato. Il lavoro non è stato emotivo
saturazione. Linee e forme hanno sostituito i sentimenti. Sbocciare
alle opere dei cubisti veniva dato il valore minimo,
gli artisti si sforzavano di usarlo il meno possibile. Questo
erano per lo più grigi, neri, colori marroni. Immagini dentro
le opere dei cubisti non avevano prototipi in vita, perduti
realtà, diventata astratta, comprensibile solo a se stessi
auto RU. I pittori rappresentavano l'oggetto come da più punti
vista dall'alto, dal basso, dall'interno, di lato, queste immagini sono state poste sopra
una tela, sovrapposte l'una sull'altra. Desiderio di ritrarre
l'indescrivibile ha portato a una semplificazione dei generi della pittura.

I cubisti non suddividevano le opere per genere (ritratto, paesaggio, natura morta), ma davano loro un nome comune: pittura. La principale conquista dei cubisti, e

I cubisti non suddividevano le opere per genere (ritratto,
paesaggio, natura morta), ma ha dato loro un nome comune -
pittura. La principale conquista dei cubisti,
i critici d'arte considerano la libertà illimitata.
Per espandere le possibilità della tua direzione
i cubisti hanno combinato nella foto una varietà di tecniche e
materiali: carta colorata, sfondi, ecc. Uno di
nuovo mezzi di espressioneè diventato un collage - montaggio
immagini adesive.
Nel tempo, la nuova direzione si è fermata. IN
alla ricerca di nuovi mezzi di espressione artisti
giornali incollati, carta da imballaggio sulla foto
li ha ridipinti. Credevano che glielo permettesse
creare spazio.

Pablo Picasso

Pablo Picasso (1861-1973) - eccezionale
artista del XX secolo, pittore, disegnatore,
incisore, scultore, uno dei fondatori del cubismo.
Pablo Picasso ha ricevuto le basi dell'arte
arte dal padre, insegnante di disegno.
Poi dall'età di 14 anni ha studiato al Barcellona
Accademia delle Arti, all'età di 16 anni entrò
Accademia Reale di San Fernando a Madrid.
Nel 1904 l'artista si trasferì a Parigi.

Una delle prime opere nello stile del cubismo fu il dipinto "Avignon Girls" (1907). In questa tela la trama è visibile, ma il realismo sta già scomparendo. Figure

Una delle prime opere nello stile del cubismo fu il dipinto "Avignon
ragazze" (1907). IN questa tela la trama è visibile, ma il realismo lo è già
scompare. Le figure delle donne sono raffigurate in forme geometriche e
piani concavo-convessi del motivo. Parzialmente ancora sentito
la presenza di modellazione di luci e ombre utilizzando l'ombreggiatura, ma
l'ictus è già utilizzato attivamente.

"Ragazza sulla palla" (1905)

"Tre musicisti"

"Conoscenza e Misericordia"

"Tavola rotonda"

Gli eventi in Spagna hanno trovato risposta nell'opera di P. Picasso, ha dipinto il dipinto "Guernica" (1937). Qui puoi vedere alcuni elementi

Gli eventi in Spagna hanno trovato una risposta nell'opera di P. Picasso, ha scritto
dipinto "Guernica" (1937). Qui puoi vederne alcuni
elementi di realismo. L'immagine è diventata un avvertimento per l'umanità
la guerra imminente, sugli orrori del fascismo, provocò uno sfogo emotivo in
società. L'autore ha espresso la sua protesta e ansia con l'aiuto di linee fragili
sopprimendo i volti dei personaggi nella foto.

Giorgio Braque

Giorgio Braque (1882-1963) - pittore francese,
scultore, incisore, uno dei fondatori del cubismo.
J. Braque è nato ad Argenteuil. belle arti
ha studiato prima con il padre, poi nello studio dell'artista
decoratore. Nel 1902 entrò all'Accademia d'Ambra
Parigi.
All'inizio del suo lavoro, Braque era associato al fauvismo,
dipinse principalmente paesaggi, usando colori complessi
gamma. Primo periodo il suo lavoro coincide con
periodo del cubismo analitico. Ci sta lavorando
nature morte e paesaggi, usando praticamente
singola gamma di colori. Durante la prima guerra mondiale Il matrimonio
fu chiamato al fronte, fu ferito, subì un grave colpo
operazione. Dopo il recupero, torna a
creatività. A poco a poco il matrimonio si allontana dal cubismo,
passando alla creazione di dipinti planari di più
vario di colore. Dal 1930 l'artista ha iniziato
uso nelle composizioni figure umane v
interno, molto vicino nello stile all'astrattismo.
I dipinti successivi di J. Braque diventano laconici.
Scene di pianure desertiche e costa del mare
Le Normandie sono armoniosamente combinate con i motivi
barca abbandonata e aratro sul campo autunnale. Composizioni
armonioso e molto vicino al classicismo.

"Porto di Anversa" (1906)

Nel 1949-1956. Braque ha creato la serie "Workshops", una delle sue opere più significative, che comprende otto tele raffiguranti di grande formato

Nel 1949-1956. Braque ha creato la serie "Workshops", una delle sue più importanti
opere significative, che comprendeva otto tele di grande formato con
l'immagine di oggetti d'arte, dove c'è uno scintillio
l'immagine di un uccello bianco è un simbolo del volo creativo. Elementi
diventare più riconoscibile, colore più versatile
gamma. Successivamente, l'immagine di un uccello si sviluppa nel suo lavoro in un indipendente
tema ("Uccelli neri", 1956-1957)

"Violino e brocca"
"Donna con una chitarra"

Aristarkh Lentulov (1882-1943)

Nato nel 1882 nel villaggio di Vorona, provincia di Penza in
la famiglia del sacerdote. Madre di Aristarkh Lentulov presto
rimase vedova con quattro figli, il più giovane dei
che era il futuro artista.
Dopo la Scuola Teologica di Penza Lentulov
trasferito in seminario. Tuttavia, a Penza hanno aperto
scuola d'arte, e Aristarkh Lentulov finì
primo set. Ulteriore educazione artistica
Lentulov ha ricevuto alla Kiev Art School,
nello studio di San Pietroburgo di D. Kardovsky.
Dal 1909 visse a Mosca.

"Rappresentazione allegorica della guerra patriottica del 1812". (1912)

Al suo ritorno da Parigi, l'artista realizza una serie di pannelli raffiguranti i monumenti architettonici di Mosca. Queste opere combinano la natura in

Al suo ritorno da Parigi, l'artista realizzò una serie di pannelli raffiguranti
monumenti architettonici Mosca. Queste opere si connettono
impressione naturale di architettura medievale, tradizionale
luminosità folcloristica e trasformazione cubo-futuristica della forma. In
In molte opere degli anni '10 Lentulov usava l'appliqué.
"Nižnij Novgorod" (1915)

"Suoneria (Ivan il Grande Campanile)" (1915)

“Porta con una torre. Nuova Gerusalemme (1917)

Basilio il Beato (1913)

"Uno studio della somiglianza simbolica in un ritratto" (1912)

Aleksandr Archipenko (1887-1964)

scultore ucraino-americano,
è nato a Kiev. Nel 1906 lui
si trasferì a Mosca e nel 1908 a Parigi.
C'era nella biografia di Arkhipenko
gettato le basi per lo sviluppo di
tecnica cubica nella scultura., dove
presto si unì ai cubisti e nel 1923
trasferita negli Stati Uniti. Scultura
Archipenko è costruito su un tagliente
deformazioni e geometriche
stilizzazione della forma plastica,
mantenendo solo una connessione lontana con
la realtà. Il suo lavoro si distingue
deliberata distorsione delle proporzioni e
ritmo lineare tagliente.

Il suo "Torso nero" (1909) è considerato la prima scultura cubista) si sposta verso una sorta di espressionismo astratto, masse pesanti

Il suo "Torso nero" (1909)
considerato il primo cubista
scultura) si procede a
tipo astratto
espressionismo, masse pesanti
scultura classica
sostituiti da forme espressamente semplificate. Questa fase
conduce all'astrazione.
Rifiutando l'imitazione della natura,
disegni d'artista
linguaggio plastico autonomo. IN
1920-1923 Archipenko
insegna a Berlino, allora
emigra negli USA, dove rimane fino al
fine della vita.

"Donna addolorata"
(1914)
"Donna che si pettina
capelli" (1915)

Constantin Brancusi (nato nel 1876)

Transizione dalla realtà a
cubista
l'inutilità è
caratteristica della creatività
famoso maestro
scultura modernista,
Rumeno che ha lavorato
Francia. La sua scultura
costruito su elementare
forme stereometriche.
Ha lavorato principalmente con
metallo, pietra, legno.

L'opera di Brancusi "Muse" è considerata la migliore opera dell'autore, in cui è riuscito a presentare tutto il suo talento, esprimendo il suo periodo di età adulta.

La "Musa" di Brancusi
conta miglior lavoro autore,
in cui poteva immaginare
tutto il tuo talento, esprimendo il tuo
periodo di maturazione. Verità
musa della scultura
divenne baronessa. "Musa" è diventata
Opera prima di Brancusi,
esposto negli USA nel 1913,
dandogli popolarità e
riconoscimento nel Nuovo Mondo
fondatore dello stile astratto
scultura cubista. Durante
ultimi venticinque anni
il lavoro non è stato presentato
il pubblico in generale, né lo è lei
è stato messo sul mercato.

"Musa addormentata"

Bottega dello scultore-museo

Giuseppe Badalov

Il fotografo Iosif Badalov cattura i riflessi specchi rotti E
cerca di incarnare il cubismo nella fotografia. fotografia metafisica,
nel genere di cui lavora Iosif Badalov, è un'esperienza
visualizzazione di idee astratte. Un compito creativo così non banale
complicato dal fatto che Badalov non accetta redattori grafici e tutto
le composizioni sono girate dal vivo.
Le ballerine si librano nel suo studio, gli assistenti corrono con il fuoco vivo, insieme
le pareti sono rivestite con specchi in frantumi, riflettori, faretti e
rack con oggetti di scena inaspettati.

• Cubismo(fr. Cubismo) è una tendenza d'avanguardia nelle arti visive, principalmente nella pittura, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme condizionali enfaticamente geometrizzate, il desiderio di "scindere" oggetti reali in primitive stereometriche.

LA NASCITA DEL CUBISMO

• L'emergere del cubismo è tradizionalmente datato al 1906-1907 ed è associato al lavoro di Pablo Picasso e Georges Braque. Il termine "cubismo" fu coniato nel 1908 dopo che il critico d'arte Louis Vaucelle definì i nuovi dipinti di Braque "stranezze cubiche".
• A partire dal 1912 nacque un nuovo ramo del cubismo, che i critici d'arte chiamarono "cubismo sintetico" È piuttosto difficile dare una semplice formulazione dei principali obiettivi e principi del cubismo; in pittura si possono distinguere tre fasi di questa tendenza, che riflettono differenti concezioni estetiche, e ognuna può essere considerata separatamente: il cubismo di Cézanne (1907-1909), analitico (1909-1912) e sintetico (1913-1914).

• Le opere cubiste più famose dell'inizio del XX secolo furono i dipinti di Picasso " Avignone ragazze”, “Guitar”, opere di artisti come Juan Gris, Fernand Leger, Marcel Duchamp, sculture di Alexander Archipenko, ecc.

« RAGAZZE DI AVIGONE »

CUBISMO DI CEZANNE

• Questo è solitamente il nome della prima fase del cubismo, che è caratterizzata da una tendenza all'astrazione e alla semplificazione delle forme degli oggetti. Seguendo il trascendentalismo della fine del XIX secolo, lo sostenevano realtà reale possiede l'idea, non il suo riflesso nel mondo materiale.

• Un'influenza diretta sulla formazione del cubismo ha avuto esperimenti con la forma nella pittura di Paul Cezanne. Nel 1904 e nel 1907 si tengono a Parigi mostre del suo lavoro. Nel ritratto di Gertrude Stein, realizzato da Picasso nel 1906, si avverte già la passione per l'arte di Cézanne. Quindi Picasso dipinse il dipinto Le fanciulle di Avignone, che è considerato il primo passo verso il cubismo.

Ritratto di Gertrude Stein

• Durante il 1907 e l'inizio del 1908, Picasso continuò a utilizzare forme di scultura negra nelle sue opere (in seguito questo periodo iniziò a essere chiamato il periodo "negro" nelle sue opere).
• Nell'autunno del 1907 due eventi importanti: mostra retrospettiva di Cézanne e la conoscenza di Braque e Picasso. L'estate del 1907 Matrimonio trascorso a Estaca, dove si interessa alla pittura di Cézanne. Dalla fine del 1907, Braque e Picasso iniziarono a lavorare in stile cubista.

"DONNA CON UN VENTAGLIO". 1909 PABLO PICASSO

"BIDON E CIOTOLE". 1908 PABLO PICASSO

CUBISMO ANALITICO

• Il cubismo analitico, la seconda fase del cubismo, è caratterizzato dalla scomparsa delle immagini degli oggetti e dal graduale offuscamento della distinzione tra forma e spazio. La disposizione delle forme nello spazio e il loro rapporto con le grandi masse compositive è in continua evoluzione. Il risultato è un'interazione visiva di forma e spazio.

"RITRATTO DI DANIEL-HENRY CAWEILER". 1910 PABLO PICASSO

"RITRATTO DI AMBROISE VOLLARD". 1915 G. PABLO PICASSO

CUBISMO SINTETICO

• Il cubismo sintetico ha segnato un cambiamento radicale percezione artistica movimento. Ciò si manifestò per la prima volta nelle opere di Juan Gris, che divenne un attivo sostenitore del cubismo dal 1911. Questa fase dello stile è caratterizzata dalla negazione del significato della terza dimensione nella pittura e dall'enfasi sulla superficie pittorica. Se nel cubismo analitico ed ermetico tutto mezzi artistici dovevano servire a creare un'immagine della forma, quindi nel cubismo sintetico il colore, la trama della superficie, il motivo e la linea sono usati per costruire (sintetizzare) un nuovo oggetto

UOMO IN UN CAFFÈ, 1914 JUAN GRIS

"NATURA MORTA CON SEDIA DI VIMINI"(1911-1912) PABLO PICASSO

"VIOLINO E CHITARRA" (1913). PABLO PICASSO

"Disegnare un elefante" - Fase 2: Successivamente disegniamo la proboscide e le zampe dell'elefante. Quindi, iniziamo a imparare. disegno passo dopo passo. Fase 5: cancelliamo tutte le righe ausiliarie e non più necessarie. Prendi una matita. Non sai come disegnare un elefante? Fase 4: E, ultimo ma non meno importante, gli occhi, le zanne e la coda del nostro elefante. Fase 3: Successivamente, disegna le orecchie sulla testa dell'elefante.

"Colore rosso. Combinazione armoniosa di colori. Giallo. Ben fatto! paesaggio estivo con mulini. Modificato quando viene aggiunto il bianco. Autunno. La principessa del cigno. Principali caratteristiche cromatiche: la camera di Vincent ad Arles. MA Vrubel. Primavera. Gruppi di colori. Un colore più chiaro del precedente. Colore caldo. La risposta è corretta, ben fatto, fai clic sul pulsante Avanti.

"Graffiti" - GRAFFITI come protesta. Museo della Vittoria, Angarsk. Angarsk. Festival dei GRAFFITI. Parco del Palazzo della Creatività per Bambini e Giovani ad Angarsk. Comunità Graffa. GRAFFITI come Arte Alta. Fai arte - niente guerra!!! La tendenza è nata negli anni '70. a New York. Stella dei graffiti - BANKSY. apparso in Russia negli anni '90.

"Disegnare con la plastilina" - I vantaggi di lavorare con la plastilina. Sussidi dimostrativi, materiale illustrativo. Applicazione Applicazione di placche leviganti. Il compito principale è riempire la superficie con la plastilina, quasi senza mescolare i colori. Contenuto. Master class Disegnare immagini con plastilina (plastilina). Il formato del cartone è in aumento.

"Tendenze nella pittura" - La struttura cellulare del corpo, scoperte nel campo della genetica. Le principali tendenze della letteratura del primo Novecento. Lo scrittore è un ricercatore imparziale. Decadenza in pittura. Guy de Maupassant (1850-1893). Naturalismo. Prevalgono i motivi della disperazione e dell'incredulità nella forza umana. “Abbasso la logica e la chiarezza! realismo critico.

"Significato dei colori" - L'organo associato a: . Cuore. Depressione. Aiuta con condizioni mentali negative: . Membrane mucose Corrisponde alle relazioni intime. Male e maleducazione. rigidità nelle emozioni e nei sentimenti. Nevrosi. Reni e surrene. Raffredda. Bassa autostima. ghiandola pineale. Psicologia e colore: .

In totale ci sono 14 presentazioni nell'argomento

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Se i fauvisti sognavano di creare un'arte che piacesse alla vista e calmasse i sensi, allora i cubisti volevano "disturbare anime umane". La nuova direzione è stata in gran parte dettata dal desiderio di continuare le ricerche sperimentali nel campo della forma. “Molti credono che il cubismo”, ha scritto P. Picasso, “sia un tipo speciale di arte di transizione, un esperimento, ei suoi risultati si faranno sentire solo in futuro. Pensarlo significa fraintendere il cubismo. Il cubismo non è un “seme” o un “embrione”, ma un'arte per la quale la forma è la cosa più importante, e la forma, una volta creata, non può scomparire e vive una vita indipendente.

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Una caratterizzazione simile fu ripresa dal giornalista Louis Vexel in una recensione di una mostra di quadri di Georges Braque (1882-1963), che ebbe luogo a Parigi nel novembre 1908 e divenne un grande evento in vita artistica Europa. E sebbene gli stessi artisti considerassero il termine "cubismo" troppo ristretto rispetto alla loro arte, tuttavia mise radici e iniziò a designare una delle nuove tendenze della pittura. Inoltre, il cubismo ha avuto un impatto significativo su altre arti: scultura, architettura, arti e mestieri, balletto, scenografia e persino letteratura.

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Giorgio Braque. Violino e tavolozza. Museo del 1910 arte contemporanea, New York Colore e trama nel cubismo eseguiti ruolo secondario, i principali erano il disegno, la costruzione statica e la composizione. Pablo Picasso ha osservato: “Il cubismo non differisce dalle solite tendenze nell'arte. Gli stessi principi ed elementi si applicano qui come altrove. Il fatto che il cubismo per molto tempo rimasto incomprensibile, e che ancora adesso ci siano persone che non capiscono niente di lui non significa che sia insostenibile. Il fatto che non leggo il tedesco... non significa questo lingua tedesca non esiste".

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L'immagine è diventata un vero piantagrane Artista spagnolo Pablo Picasso (1881-1973) Ragazze di Avignone. Pablo Picasso. Ragazze di Avignone. 1907 Museo d'Arte Moderna, New York

6 scivolo

È stata lei a segnare l'inizio di una nuova direzione nell'arte del cubismo. Matisse vi vedeva una caricatura di tendenze moderne in pittura e lo considerava solo un brutto scherzo del suo amico. J. Braque, uno dei primi a vedere quest'opera, dichiarò indignato che Picasso vuole fargli "mangiare stoppa e bere cherosene". Famoso collezionista russo e grande fan il talento dell'artista S. I. Shchukin, vedendola in studio, esclamò con le lacrime agli occhi: “Che perdita per pittura francese!" Fortunatamente, i numerosi attacchi della critica si sono rivelati solo un incentivo per ulteriori ricerche creative di Picasso. L'enorme tela è stata il risultato di lunghe riflessioni dell'artista, che ha chiaramente trascurato i canoni dell'arte classica. bellezza femminile. Picasso ha spiegato: “Ho fatto metà della foto, ho sentito che non era così! L'ho fatto diversamente, mi sono chiesto se dovevo rifare tutto. Poi ha detto: no, capiranno quello che volevo dire.

7 scivolo

Cosa "voleva dire" l'artista e cosa ha confuso così tanto il pubblico in lei? cinque nudi figure femminili, catturato da diverse angolazioni, riempiva quasi l'intera superficie della tela. Figure congelate simili a idoli sono scolpite con noncuranza da legno massiccio o pietra. I volti delle strane maschere sono pesantemente distorti e deformati. Privi di ogni sentimento ed emozione, spaventano e affascinano allo stesso tempo... La ragazza a destra guarda con indifferenza attraverso la tenda aperta. La figura, seduta con la schiena, si voltò e fissò intensamente lo spettatore. In ogni aspetto - un muto rimprovero e rimprovero alla società, che ha rifiutato le donne e le ha condannate alla malattia e alla morte. Così, secondo l'autore, l'immagine avrebbe dovuto svegliare la coscienza addormentata dei contemporanei, e quindi era percepita come la voce appassionata dell'artista in difesa della bellezza oltraggiata, una donna umiliata e impotente.

8 scivolo

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La seconda fase nello sviluppo di una nuova direzione nella pittura è considerata il cubismo sintetico, usando vari oggetti vita reale. Pablo Picasso. Natura morta con sedia di paglia. 1912 Museo Picasso, Parigi

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Pablo Picasso. Natura morta con sedia di paglia. 1912 Museo Picasso, Parigi Manico di chitarra, bordo di tovaglia, gambo cilindrico di un bicchiere, collo di bottiglia, curvatura di pipa, mazzo giocando a carte- tutto potrebbe servire da pretesto per decifrare le immagini. Lettere e numeri, frammenti di parole, frammenti di righe telegrafiche o di giornali, iscrizioni sulle vetrine di negozi e caffè, numeri di auto, segni di identificazione sui lati degli aerei venivano spesso introdotti ... Inoltre, nei dipinti venivano usati materiali che erano estranei a pittura ad olio: sabbia, segatura, ferro, vetro, gesso, carbone, assi, carta da parati. Questo fu l'inizio dell'arte del collage (incollaggio di materiali diversi da esso per colore e consistenza su una base).

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Un giorno Picasso prese una tela cerata, che raffigurava la griglia di una sedia di vimini. Ritagliando un pezzo della forma di cui aveva bisogno, lo ha incollato alla tela. Nasce così la "Natura morta con sedia di paglia". Il piccolo dipinto di forma ovale era ricco di dettagli che andavano contro le norme pittoriche esistenti. Elementi disparati, collegati in un certo modo, creavano comunque un tutto unico. Pablo Picasso. Natura morta con sedia di paglia. 1912 Museo Picasso, Parigi "Picasso viola deliberatamente percezione armonica dipinti, combinando oggetti su una tela, la realtà di ciascuno dei quali è percepita vari gradi. Ma sono uniti in modo tale da creare un gioco di sentimenti contraddittori e allo stesso tempo complementari ”(R. Penrose).

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Oltre alla natura morta, i cubisti si sono spesso rivolti al genere del ritratto. La figura di un uomo rappresentato in forme geometriche, molto lontanamente riprodotto il modello reale. La testa sembrava una palla, le braccia un rettangolo, la schiena un triangolo. Il volto si scomponeva in tanti elementi separati, secondo i quali era difficile restituire l'aspetto della persona ritratta. Tuttavia, è noto un caso in cui un critico americano ha riconosciuto in un caffè parigino un uomo che gli era familiare solo da un ritratto cubista di Picasso. Pablo Picasso. Ritratto di Ambroise Vollard, 1909-1910 Museo Pushkin im. AS Pushkin, Mosca

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Una sorprendente "somiglianza" è stata raggiunta dall'artista nel famoso "Ritratto di Ambroise Vollard". Incastonato su uno sfondo di intricati cristalli, trasmette vagamente il naso un po' schiacciato di un noto collezionista. La fronte alta e dritta si distingue dalla gamma prevalente di colori grigi con l'aiuto di toni tenui. I tratti del viso appena distinguibili sono assorbiti dalle forme cubiche. Lo stesso Vollard ha affermato che, sebbene molti non potessero riconoscerlo sulla tela, il figlio di quattro anni di uno dei suoi amici, quando ha visto per la prima volta il ritratto, ha subito esclamato: "Questo è lo zio Ambroise!" Pablo Picasso, Ritratto di Ambroise Vollard, 1909-1910, Museo Statale di Belle Arti Puskin, Mosca

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Il suo nome era già circondato da leggende durante la sua vita. Lo ammiravano e discutevano su di lui. Fu rovesciato e di nuovo eretto sulle cime dell'Olimpo. Centinaia di studi sono stati scritti al riguardo. Secondo Pablo Picasso, l'arte del XX secolo, in cui ha fatto le sue brillanti scoperte, sarà misurata per molto tempo a venire. Le parole aforistiche del suo contemporaneo Andre Breton (1898-1966) conservano ancora il loro significato e significato: "Non c'è niente da fare dove è passato Picasso".

Georges Braque (1882-1963) - Pittore, scultore, incisore francese, uno dei fondatori del cubismo. J. Braque è nato ad Argenteuil. Ha studiato belle arti prima con il padre, poi nello studio di un artista-decoratore. Nel 1902 entrò all'Accademia d'Ambra di Parigi. All'inizio del suo lavoro, Braque era associato al fauvismo, dipingeva principalmente paesaggi, usando complessi combinazioni di colori. Il primo periodo del suo lavoro coincide con il periodo del cubismo analitico. Lavora su nature morte e paesaggi, utilizzando una gamma quasi monocromatica. Durante la prima guerra mondiale, Braque fu chiamato al fronte, fu ferito e subì una grave operazione. Dopo il recupero, torna di nuovo alla creatività. A poco a poco, Braque si allontana dal cubismo, passando alla creazione di dipinti planari di colori più diversi. Dal 1930 l'artista iniziò a utilizzare nelle sue composizioni figure umane all'interno, molto vicine nello stile all'astrattismo. I dipinti successivi di J. Braque diventano laconici. Le trame delle pianure desertiche e della costa marittima della Normandia si combinano armoniosamente con i motivi di una barca abbandonata e di un aratro su un campo autunnale. Le composizioni sono armoniose e molto vicine al classicismo.