Il romanticismo è la sua estetica generale e musicale. Romanticismo in musica (fine)

Movimento ideologico e artistico nella cultura europea e americana tra la fine del XVIII e la prima metà del XIX secolo. Nato come reazione al razionalismo e al meccanismo dell'estetica del classicismo e della filosofia dell'Illuminismo, che si stabilì nell'era del crollo rivoluzionario della società feudale, il primo, apparentemente incrollabile ordine mondiale, il romanticismo (e come tipo speciale prospettiva, e come direzione artistica) è diventato uno dei fenomeni più complessi e internamente contraddittori nella storia della cultura.

Delusione negli ideali dell'Illuminismo, nei risultati del Grande rivoluzione francese, la negazione dell'utilitarismo della realtà moderna, i principi della praticità borghese, la cui vittima era l'individualità umana, una visione pessimistica delle prospettive sviluppo della comunità, la mentalità del "dolore mondiale" si combinava nel romanticismo con il desiderio di armonia nell'ordine mondiale, l'integrità spirituale dell'individuo, con una gravitazione verso l '"infinito", con la ricerca di ideali nuovi, assoluti e incondizionati. La netta discordia tra ideali e realtà opprimente ha evocato nelle menti di molti romantici un sentimento di dualità dolorosamente fatalista o indignato, un'amara presa in giro della discrepanza tra sogno e realtà, elevata in letteratura e arte al principio di "ironia romantica".

Il più profondo interesse per personalità umana, inteso dai romantici come un'unità di specificità esterna individuale e contenuto interno unico. Penetrando nelle profondità della vita spirituale di una persona, la letteratura e l'arte del romanticismo hanno trasferito contemporaneamente questo acuto senso del caratteristico, originale e unico ai destini delle nazioni e dei popoli, alla stessa realtà storica. Gli enormi cambiamenti sociali che hanno avuto luogo davanti agli occhi dei romantici hanno reso visivamente visibile il corso progressivo della storia. Nel loro i migliori lavori il romanticismo sale alla creazione di immagini simboliche e allo stesso tempo vitali legate alla storia moderna. Ma le immagini del passato, tratte dalla mitologia, dalla storia antica e medievale, sono state incarnate da molti romantici come riflesso di conflitti reali.
Il romanticismo divenne la prima direzione artistica in cui si manifestò chiaramente la consapevolezza della persona creativa come soggetto dell'attività artistica. I romantici proclamavano apertamente il trionfo del gusto individuale, la completa libertà di creatività. Dando un'importanza decisiva all'atto creativo stesso, abbattendo gli ostacoli che ostacolavano la libertà dell'artista, hanno arditamente equiparato l'alto e il basso, il tragico e il comico, l'ordinario e l'insolito.

Il romanticismo ha catturato tutte le sfere della cultura spirituale: letteratura, musica, teatro, filosofia, estetica, filologia e altre discipline umanistiche, arti plastiche. Ma allo stesso tempo, non era più lo stile universale che era il classicismo. A differenza di quest'ultimo, il romanticismo non aveva quasi forme di espressione statali (quindi non influenzò in modo significativo l'architettura, influenzando principalmente l'architettura di giardini e parchi, l'architettura di piccole dimensioni e la direzione del cosiddetto pseudo-gotico). Essendo non tanto uno stile quanto un movimento artistico sociale, il romanticismo aprì la strada all'ulteriore sviluppo dell'arte nel XIX secolo, che avvenne non sotto forma di stili comprensivi, ma sotto forma di correnti e direzioni separate. Inoltre, per la prima volta nel romanticismo, il linguaggio delle forme artistiche non è stato completamente ripensato: in una certa misura, i fondamenti stilistici del classicismo sono stati preservati, significativamente modificati e ripensati nei singoli paesi (ad esempio, in Francia). Allo stesso tempo, nell'ambito di un'unica direzione stilistica, lo stile individuale dell'artista ha ricevuto maggiore libertà di sviluppo.

Il romanticismo non è mai stato un programma o uno stile chiaramente definito; si tratta di un'ampia gamma di tendenze ideologiche ed estetiche, in cui la situazione storica, il paese, gli interessi dell'artista hanno creato determinati accenti.

Romanticismo musicale, che si è manifestato in modo tangibile negli anni '20. XIX secolo, fu un fenomeno storicamente nuovo, ma trovò legami con i classici. La musica ha padroneggiato nuovi mezzi, che hanno permesso di esprimere sia la forza che la sottigliezza della vita emotiva di una persona, il lirismo. Queste aspirazioni hanno messo in relazione molti musicisti della seconda metà del XVIII secolo. movimento letterario "Storm and Drang".

Il romanticismo musicale è stato storicamente preparato dal romanticismo letterario che lo ha preceduto. In Germania - tra i romantici "Jena" e "Heidelberg", in Inghilterra - tra i poeti della scuola "lacustre". Inoltre, il romanticismo musicale è stato significativamente influenzato da scrittori come Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz.

Le aree più importanti della creatività del romanticismo musicale includono:

1. testi - è di fondamentale importanza. Nella gerarchia delle arti, la musica è stata assegnata di più posto d'onore, poiché nella musica regna il sentimento e quindi il lavoro di un artista romantico trova in essa il suo traguardo più alto. Pertanto, la musica è il testo, permette a una persona di fondersi con "l'anima del mondo", la musica è l'opposto della realtà prosaica, è la voce del cuore.

2. fantasia - agisce come libertà di immaginazione, libero gioco di pensieri e sentimenti, libertà di conoscenza, impegno nel mondo dello strano, meraviglioso, sconosciuto.

3. folk e nazional-originale - il desiderio di ricreare autenticità, primato, integrità nella realtà circostante; interesse per la storia, il folklore, il culto della natura (natura primordiale). La natura è un rifugio dai guai della civiltà, consola una persona irrequieta. Caratterizzato da un grande contributo alla raccolta del folklore, nonché da un desiderio generale per la trasmissione fedele del nazionale stile artistico("colore locale") è caratteristica comune romanticismo musicale paesi diversi e scuole.

4. caratteristico: strano, eccentrico, caricaturale. Designarlo significa sfondare il velo grigio livellante della percezione ordinaria e toccare la vita eterogenea e ribollente.

Il romanticismo vede in tutti i tipi di arte un unico significato e scopo: fondendosi con la misteriosa essenza della vita, l'idea della sintesi delle arti acquista un nuovo significato.

"L'estetica di un'arte è l'estetica di un'altra", ha detto R. Schumann. La combinazione di materiali diversi aumenta la forza impressionante dell'insieme artistico. In una fusione profonda e organica con la pittura, la poesia e il teatro, si aprono nuove possibilità per l'arte. Nel campo della musica strumentale ha acquisito grande importanza il principio della programmazione, ovvero l'inclusione di associazioni letterarie e di altro tipo nella concezione del compositore e nel processo di percezione della musica.

Il romanticismo è particolarmente ampiamente rappresentato nella musica di Germania e Austria (F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr), inoltre - la scuola di Lipsia (F. Mendelssohn-Bartholdy e R. Schumann). Nella seconda metà del XIX sec. - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, H. Wolf. In Francia - G. Berlioz; in Italia - G. Rossini, G. Verdi. F. Chopin, F. Liszt, J. Meyerbeer, N. Paganini sono di importanza paneuropea.

Il ruolo della miniatura e della grande forma monopezzo; nuova interpretazione dei cicli. Arricchimento di mezzi espressivi nel campo della melodia, dell'armonia, del ritmo, della trama, della strumentazione; rinnovamento e sviluppo di modelli classici di forma, sviluppo di nuovi principi compositivi.

All'inizio del ventesimo secolo, il tardo romanticismo rivela un'ipertrofia del principio soggettivo. Le tendenze romantiche si sono manifestate anche nel lavoro dei compositori del XX secolo. (D. Shostakovich, S. Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok e altri).

Zweig aveva ragione: l'Europa non ha visto una generazione così meravigliosa come i romantici dal Rinascimento. Immagini meravigliose del mondo dei sogni, sentimenti nudi e desiderio di spiritualità sublime: questi sono i colori che dipingono la cultura musicale del romanticismo.

L'emergere del romanticismo e la sua estetica

Mentre in Europa si svolgeva la rivoluzione industriale, le speranze riposte nella Grande Rivoluzione francese furono infrante nei cuori degli europei. Il culto della ragione, proclamato dall'Illuminismo, fu rovesciato. Il culto dei sentimenti e il principio naturale nell'uomo sono saliti sul piedistallo.

Così è nato il romanticismo. Nella cultura musicale durò poco più di un secolo (1800-1910), mentre in ambiti affini (pittura e letteratura) scadde mezzo secolo prima. Forse la musica è "da biasimare" per questo: era lei che era al vertice tra le arti dei romantici come la più spirituale e la più libera delle arti.

Tuttavia, i romantici, a differenza dei rappresentanti delle epoche dell'antichità e del classicismo, non costruirono una gerarchia delle arti con la sua chiara divisione in tipi e. Il sistema romantico era universale, le arti potevano muoversi liberamente l'una nell'altra. L'idea della sintesi delle arti era una delle idee chiave nella cultura musicale del romanticismo.

Questa relazione valeva anche per le categorie dell'estetica: il bello era connesso al brutto, l'alto - al basso, il tragico - al comico. Tali transizioni erano collegate dall'ironia romantica, che rifletteva anche l'immagine universale del mondo.

Tutto ciò che aveva a che fare con la bellezza, acquisito nuovo significato ai romantici. La natura divenne un oggetto di culto, l'artista fu idolatrato come il più alto dei mortali e i sentimenti furono esaltati sulla ragione.

La realtà senza spirito si contrapponeva a un sogno, bello, ma irraggiungibile. Un romantico, con l'aiuto dell'immaginazione, ha costruito il suo nuovo mondo, a differenza di altre realtà.

Quali temi sceglievano gli artisti romantici?

Gli interessi dei romantici si manifestavano chiaramente nella scelta dei temi che sceglievano nell'arte.

• Tema della solitudine. Un genio sottovalutato o una persona sola nella società: questi temi erano i principali per i compositori di quest'epoca ("L'amore del poeta" di Schumann, "Senza il sole" di Mussorgsky).
• Il tema della "confessione lirica". In molte opere di compositori romantici c'è un tocco di autobiografia (il carnevale di Schumann, la fantastica sinfonia di Berlioz).
• Tema d'amore. Questo è principalmente il tema dell'amore non corrisposto o tragico, ma non necessariamente ("Amore e vita di una donna" di Schumann, "Romeo e Giulietta" di Ciajkovskij).
• Tema del percorso. Viene anche chiamata tema del viaggio. L'anima del romanticismo, dilaniata dalle contraddizioni, cercava la propria strada ("Harold in Italy" di Berlioz, "Years of Wanderings" di Liszt).
• Il tema della morte. Fondamentalmente era la morte spirituale (la sesta sinfonia di Tchaikovsky, il "viaggio invernale" di Schubert).
• Tema della natura. La natura agli occhi di una madre romantica e protettiva, e di un'amica empatica, e di un destino che punisce ("Le Ebridi" di Mendelssohn, "In Asia centrale» Bordina). Collegato a questo tema è il culto terra natia(polacche e ballate di Chopin).
• Tema di fantasia. Il mondo immaginario per i romantici era molto più ricco di quello reale (" tiratore magico» Weber, «Sadko» Rimsky-Korsakov).

Generi musicali dell'epoca romantica

La cultura musicale del romanticismo ha dato impulso allo sviluppo dei generi dei testi vocali da camera: ballata(“Il re della foresta” di Schubert), poesia("La signora del lago" di Schubert) e canzoni, spesso combinato in cicli("Mirto" di Schumann).

opera romantica si distingueva non solo per la trama fantastica, ma anche per il forte legame tra parole, musica e azione scenica. L'opera è in fase di sinfonia. Basti ricordare l'Anello dei Nibelunghi di Wagner con una rete sviluppata di leitmotiv.

Tra i generi strumentali del romanticismo ci sono miniatura del pianoforte. Per trasmettere un'immagine o uno stato d'animo momentaneo, è sufficiente per loro un piccolo gioco. Nonostante le sue dimensioni, il gioco è pieno di espressione. Potrebbe esserlo "canzone senza parole" (come Mendelssohn) mazurka, valzer, notturno o gioca con titoli programmatici (Schumann's Impulse).

Come le canzoni, le commedie a volte sono combinate in cicli ("Farfalle" di Schumann). Allo stesso tempo, parti del ciclo, fortemente contrastanti, formavano sempre un'unica composizione per connessioni musicali.

I romantici adoravano la musica a programma che la combinava con la letteratura, la pittura o altre arti. Pertanto, la trama nei loro scritti spesso governava. C'erano sonate in un movimento (la sonata in si minore di Liszt), concerti in un movimento (il primo concerto per pianoforte di Liszt) e poemi sinfonici (i preludi di Liszt), una sinfonia in cinque movimenti (la fantastica sinfonia di Berlioz).

Il linguaggio musicale dei compositori romantici

La sintesi delle arti cantata dai romantici influenzò i mezzi espressività musicale. La melodia è diventata più individuale, sensibile alla poetica della parola, e l'accompagnamento ha cessato di essere neutro e tipico nella trama.

L'armonia si è arricchita di colori inediti per raccontare le esperienze dell'eroe romantico, così le intonazioni romantiche del languore trasmettevano perfettamente armonie alterate che aumentano la tensione. I romantici amavano anche l'effetto del chiaroscuro quando cambiava il maggiore minore con lo stesso nome e accordi di passo laterale e bellissime mappature dei tasti. Sono stati trovati anche nuovi effetti, soprattutto quando era necessario trasmettere lo spirito popolare o immagini fantastiche nella musica.

In generale, la melodia dei romantici tendeva alla continuità dello sviluppo, rifiutava ogni ripetizione automatica, evitava la regolarità degli accenti e respirava espressività in ciascuno dei suoi motivi. E la trama è diventata un legame così importante che il suo ruolo è paragonabile a quello della melodia.

Ascolta che meravigliosa mazurka ha Chopin!

Invece di una conclusione

La cultura musicale del romanticismo a cavallo tra XIX e XX secolo ha conosciuto i primi segni di crisi. "Gratuito" forma musicale cominciò a disintegrarsi, l'armonia prevalse sulla melodia, i sentimenti elevati dell'anima romantica lasciarono il posto a paure dolorose e passioni basse.

Queste tendenze distruttive posero fine al romanticismo e aprirono la strada al modernismo. Ma, cessata la tendenza, il romanticismo ha continuato a vivere sia nella musica del Novecento che nella musica del secolo attuale nelle sue varie componenti. Blok aveva ragione quando diceva che il romanticismo nasce "in tutte le epoche della vita umana".

Sebbene il romanticismo abbia toccato tutti i tipi di arte, ha favorito soprattutto la musica. I romantici tedeschi le hanno creato un vero culto; avevano terreno, erano contemporanei ed eredi dei grandi musica tedesca- È. Bach, K.V. Gluka, F.J. Haydn, VA Mozart, L. Beethoven.

Nella musica, il romanticismo come tendenza prende forma negli anni venti dell'Ottocento; copre il periodo finale del suo sviluppo, chiamato neoromanticismo ultimi decenni XIX secolo. Il romanticismo musicale è apparso per la prima volta in Austria (F. Schubert), Germania (K. M. Weber, R. Schumann, R. Wagner) e Italia (N. Paganini, V. Bellini, primo G. Verdi, ecc.), Un po 'più tardi - in Francia (G. Berlioz, D.F. Ober), Polonia (F. Chopin), Ungheria (F. Liszt). In ogni paese ha assunto una forma nazionale; a volte in un paese c'erano varie correnti romantiche (la scuola di Lipsia e la scuola di Weimar in Germania).

Se l'estetica del classicismo si concentrava sulle arti plastiche con la loro intrinseca stabilità e completezza dell'immagine artistica, allora per i romantici la musica diventava l'espressione dell'essenza dell'arte come incarnazione delle infinite dinamiche delle esperienze interiori.

Il romanticismo musicale ha adottato tendenze generali così importanti del romanticismo come l'antirazionalismo, il primato dello spirituale e il suo universalismo, l'attenzione al mondo interiore di una persona, l'infinità dei suoi sentimenti e stati d'animo. Da qui il ruolo speciale dell'elemento lirico, dell'immediatezza emotiva e della libertà di espressione. Come gli scrittori romantici, i compositori romantici hanno interesse per il passato, per lontani paesi esotici, amore per la natura, ammirazione per l'arte popolare. Numerose racconti popolari, leggende, credenze. Consideravano la canzone popolare come la base ancestrale dell'arte musicale professionale. Il folklore era un vero portatore di colore nazionale, al di fuori del quale non potevano immaginare l'arte.

La musica romantica differisce in modo significativo dalla musica precedente della scuola classica viennese; è meno generalizzato nei contenuti, riflette la realtà non in modo oggettivamente contemplativo, ma attraverso le esperienze individuali e personali di una persona (artista) in tutta la ricchezza delle sue sfumature; tende a gravitare verso la sfera del caratteristico e, allo stesso tempo, del ritratto-individuo, pur essendo caratteristicamente fissato in due varietà principali: psicologica e genere-quotidiano. L'ironia, l'umorismo, persino il grottesco sono molto più rappresentati; allo stesso tempo si intensificano i temi nazional-patriottici e di liberazione eroica (Chopin, ma anche Liszt, Berlioz e altri) La rappresentazione musicale e la scrittura sonora acquistano grande importanza.

Sostanzialmente aggiornato mezzi di espressione. La melodia diventa più individualizzata e in rilievo, internamente mutevole, "rispondente" ai più sottili cambiamenti negli stati mentali; armonia e strumentazione: più ricche, luminose, colorate; in contrasto con le strutture equilibrate e logicamente ordinate dei classici, aumenta il ruolo dei confronti, delle libere combinazioni di diversi episodi caratteristici.

Il centro dell'attenzione di molti compositori è diventato il genere più sintetico: l'opera, basata tra i romantici principalmente su avventure cavalleresche fiabesche, "magiche" e trame esotiche. Primo opera romantica era l'Ondine di Hoffmann.

Nella musica strumentale, le sinfonie, gli ensemble strumentali da camera, le sonate per pianoforte e altri strumenti rimangono generi determinanti, ma sono stati trasformati dall'interno. Nelle composizioni strumentali di varie forme, tendenze verso pittura musicale. Nuovo varietà di genere, ad esempio, un poema sinfonico che unisce le caratteristiche di una sonata allegra e di un ciclo sonata-sinfonico; il suo aspetto è dovuto al fatto che la programmazione musicale appare nel romanticismo come una delle forme di sintesi artistica, arricchimento nella musica strumentale attraverso l'unità con la letteratura. Anche la ballata strumentale era un nuovo genere. La tendenza dei romantici a percepire la vita come una serie eterogenea di singoli stati, dipinti, scene ha portato allo sviluppo di vari tipi di miniature e dei loro cicli (Tomashek, Schubert, Schumann, Chopin, Liszt, il giovane Brahms).

Nelle arti musicali e dello spettacolo, il romanticismo si è manifestato nella ricchezza emotiva della performance, nella ricchezza dei colori, nei contrasti luminosi e nel virtuosismo (Paganini, Chopin, Liszt). Nell'esecuzione musicale, così come nel lavoro di compositori meno significativi, le caratteristiche romantiche sono spesso combinate con l'efficienza esteriore e il salonismo. La musica romantica rimane un valore artistico duraturo e un'eredità viva ed efficace per le epoche successive.

Il romanticismo nella musica ha preso forma sotto l'influenza della letteratura del romanticismo e si è sviluppato in stretta connessione con essa, con la letteratura in generale. Ciò si esprimeva nell'appello ai generi sintetici, principalmente ai generi teatrali (in particolare l'opera), alle canzoni, alle miniature strumentali, nonché alla programmazione musicale. D'altra parte, l'affermazione della programmaticità, come uno dei tratti più luminosi del romanticismo musicale, avviene a seguito del desiderio dei romantici progressisti per la concretezza dell'espressione figurativa.

Un altro prerequisito importante è il fatto che molti compositori romantici hanno agito come scrittori e critici musicali (Hoffmann, Weber, Schumann, Wagner, Berlioz, Liszt, Verstovsky, ecc.). Nonostante l'incoerenza dell'estetica romantica in generale, il lavoro teorico dei rappresentanti del romanticismo progressista ha dato un contributo molto significativo allo sviluppo delle questioni più importanti dell'arte musicale (contenuto e forma nella musica, nazionalità, programmazione, connessione con altre arti, aggiornamento i mezzi di espressione musicale, ecc.), e questo influenzò anche la musica a programma.

La programmazione nella musica strumentale è una caratteristica dell'era del romanticismo, ma non è affatto una scoperta. L'incarnazione musicale di varie immagini e immagini del mondo circostante, l'adesione al programma letterario e la rappresentazione del suono in vari modi possono essere osservate anche nei compositori barocchi (ad esempio, Le quattro stagioni di Vivaldi), nei clavicinisti francesi (gli schizzi di Couperin) e virginalisti in Inghilterra, nell'opera dei classici viennesi (sinfonie "a programma", ouverture di Haydn e Beethoven). Eppure, la natura programmatica dei compositori romantici si trova su un livello un po' diverso. Basta confrontare il cosiddetto genere del "ritratto musicale" nelle opere di Couperin e Schumann per rendersi conto della differenza.

Molto spesso, la programmazione dei compositori dell'era del romanticismo è un dispiegamento coerente nelle immagini musicali di una trama presa in prestito dall'una o dall'altra fonte letteraria e poetica o creata dall'immaginazione del compositore stesso. Un tale tipo di programmazione trama-narrativa ha contribuito alla concretizzazione del contenuto figurativo della musica.

R. Schumann si è spesso affidato alle immagini del romanticismo letterario (Jean Paul e E.T.A. Hoffmann), molte delle sue opere sono caratterizzate da una programmazione letteraria e poetica. Schumann si rivolge spesso a un ciclo di miniature liriche, spesso contrastanti (per pianoforte o voce con pianoforte), che permettono di rivelare la complessa gamma di stati psicologici dell'eroe, costantemente in bilico tra realtà e finzione. Nella musica di Schumann, un impulso romantico si alterna alla contemplazione, uno scherzo stravagante con elementi di genere umoristico e persino satirico-grottesco. segno distintivo Le opere di Schumann sono improvvisate. Schumann ha concretizzato le sfere polari della sua visione artistica del mondo nelle immagini di Florestan (l'incarnazione di un impulso romantico, aspirazioni per il futuro) ed Euzebius (riflessione, contemplazione), costantemente "presenti" nelle opere musicali e letterarie di Schumann come ipostasi del personalità del compositore stesso. Al centro dell'attività musicale-critica e letteraria di Schumann - critico geniale - c'è la lotta contro la banalità nell'arte e nella vita, il desiderio di trasformare la vita attraverso l'arte. Schumann ha creato una fantastica unione "David's Union", che ha combinato, insieme a immagini di persone reali (N. Paganini, F. Chopin, F. Liszt, K. Schumann) personaggi di fantasia(Florestano, Euzebio; maestro Raro come personificazione della sapienza creatrice). La lotta tra i "Davidsbündlers" e i filistei-filistei ("Filistei") divenne uno dei trame ciclo di programma per pianoforte "Carnevale".

Ruolo storico Hector Berlioz creerà una sinfonia programmatica di un nuovo tipo. La descrittività pittorica caratteristica del pensiero sinfonico di Berlioz, la specificità della trama, insieme ad altri fattori (come le origini intonazionali della musica, i principi dell'orchestrazione, ecc.) fanno del compositore un fenomeno caratteristico del francese cultura nazionale. Tutte le sinfonie di Berlioz hanno nomi di programma: "Fantastico", "Funerale-trionfale", "Harold in Italia", "Romeo e Giulietta". Sulla base della sinfonia, Berlioz ha creato generi originali - come la leggenda drammatica "La condanna di Faust", il monodramma "Lelio".

Essendo un attivo e convinto propagandista del software nella musica, della connessione stretta e organica tra musica e altre arti (poesia, pittura), Franz Liszt ha implementato in modo particolarmente persistente e completo questo principio creativo guida in musica sinfonica. Tra l'intera opera sinfonica di Liszt, spiccano due sinfonie a programma: "Dopo aver letto Dante" e "Faust", che sono alti esempi di musica a programma. Liszt è anche il creatore di un nuovo genere, il poema sinfonico, che sintetizza musica e letteratura. Il genere del poema sinfonico divenne uno dei preferiti dai compositori di diversi paesi e ricevette un grande sviluppo e un'implementazione creativa originale nella sinfonia classica russa della seconda metà del XIX secolo. I prerequisiti per il genere erano esempi di forma libera di F. Schubert (fantasia per pianoforte "Wanderer"), R. Schumann, F. Mendelssohn ("Hybrids"), in seguito R. Strauss, Scriabin, Rachmaninov si rivolse al poema sinfonico. L'idea principale di un tale lavoro è trasmettere un'idea poetica attraverso la musica.

I dodici poemi sinfonici di Liszt costituiscono un eccellente monumento della musica a programma, in cui immagini musicali e il loro sviluppo è associato a un'idea poetica o morale-filosofica. Il poema sinfonico "Ciò che si sente sulla montagna" basato sul poema di V. Hugo incarna l'idea romantica di opporre la natura maestosa ai dolori e alle sofferenze umane. Il poema sinfonico "Tasso", scritto in occasione della celebrazione del centenario della nascita di Goethe, raffigura la sofferenza del poeta rinascimentale italiano Torquato Tasso durante la sua vita e il trionfo del suo genio dopo la morte. Come tema principale dell'opera, Liszt ha utilizzato il canto dei gondolieri veneziani, eseguito sulle parole della strofa di apertura dell'opera principale del Tasso, il poema "Gerusalemme liberata".

Il lavoro dei compositori romantici era spesso l'antitesi dell'atmosfera piccolo-borghese degli anni Venti e Quaranta dell'Ottocento. Ha chiamato il mondo dell'alta umanità, ha cantato la bellezza e il potere del sentimento. Calda passione, orgogliosa mascolinità, sottile lirismo, capricciosa variabilità di un flusso infinito di impressioni e pensieri - tratti caratteriali musica di compositori dell'era del romanticismo, chiaramente manifestata nella musica strumentale del programma.

Informazioni simili.

Contenuto

Introduzione………………………………………………………………………………3

XIXsecolo………………………………………………………………..6

1. caratteristiche generali estetica del romanticismo………………………………….6

   Caratteristiche del Romanticismo in Germania……………………………………...10

2.1. Caratteristiche generali della categoria tragica………………………….13

Capitolo 3. Critica del romanticismo…………………………………………………...33

3.1. La posizione critica di Georg Friedrich Hegel…………………………..

3.2. La posizione critica di Friedrich Nietzsche…………………………………..

Conclusione…………………………………………………………………………

Elenco bibliografico…………………………………………………………………………

introduzione

Rilevanza Questo studio consiste, in primo luogo, nella prospettiva di considerare il problema. Il lavoro combina l'analisi dei sistemi di visione del mondo e il lavoro di due importanti rappresentanti del romanticismo tedesco provenienti da diverse aree della cultura: Johann Wolfgang Goethe e Arthur Schopenhauer. Questo, secondo l'autore, è l'elemento di novità. Lo studio tenta di unire i fondamenti filosofici e le opere di due noti personaggi sulla base della predominanza dell'orientamento tragico del loro pensiero e della loro creatività.

In secondo luogo, risiede la pertinenza dell'argomento sceltogrado di conoscenza del problema. Ci sono molti importanti studi sul romanticismo tedesco, così come sul tragico in diverse aree essendo, ma il tema del tragico nel romanticismo tedesco è rappresentato principalmente da piccoli articoli e capitoli separati in monografie. Pertanto, quest'area non è stata studiata a fondo ed è interessante.

In terzo luogo, la rilevanza di questo lavoro sta nel fatto che il problema della ricerca è considerato da posizioni diverse: non sono caratterizzati solo i rappresentanti dell'era del romanticismo, che proclamano l'estetica romantica con le loro posizioni di visione del mondo e creatività, ma anche la critica del romanticismo da GF Hegel e F. Nietzsche.

Bersaglio ricerca - identificare le caratteristiche specifiche della filosofia dell'arte di Goethe e Schopenhauer, come rappresentanti del romanticismo tedesco, prendendo come base l'orientamento tragico della loro visione del mondo e della loro creatività.

Compiti ricerca:

Identificare le caratteristiche comuni dell'estetica romantica.

Identifica le caratteristiche specifiche del romanticismo tedesco.

Mostra il cambiamento nel contenuto immanente della categoria tragica e la sua comprensione in diverse epoche storiche.

Identificare i dettagli della manifestazione del tragico nella cultura del romanticismo tedesco sull'esempio di un confronto tra i sistemi di visione del mondo e la creatività dei due maggiori rappresentanti della cultura tedescaXIXsecolo.

Rivela i limiti dell'estetica romantica, considerando il problema attraverso il prisma delle opinioni di G.F. Hegel e F. Nietzsche.

Oggetto di studio è la cultura del romanticismo tedesco,soggetto - il meccanismo della costituzione dell'arte romantica.

Fonti di ricerca Sono:

Monografie e articoli sul romanticismo e le sue manifestazioni in GermaniaXIXsecolo: Asmus V., “Estetica musicale del romanticismo filosofico”, Berkovsky N.Ya., “Romanticismo in Germania”, Vanslov V.V., “Estetica del romanticismo”, Lucas F.L., “Il declino e il crollo dell'ideale romantico”, " Estetica musicale della GermaniaXIXsecolo”, in 2 volumi, comp. Mikhailov A.V., Shestakov V.P., Solleritinsky I.I., "Romanticismo, la sua estetica generale e musicale", Teteryan I.A., "Romanticismo come fenomeno integrale".

Atti delle personalità studiate: Hegel G.F. "Lezioni sull'estetica", "Sull'essenza della critica filosofica"; Goethe IV, "La sofferenza del giovane Werther", "Faust"; Nietzsche F., "La caduta degli idoli", "Al di là del bene e del male", "La nascita della tragedia del loro spirito musicale", "Schopenhauer come educatore"; Schopenhauer A., ​​"Il mondo come volontà e rappresentazione" in 2 volumi, "Pensieri".

Monografie e articoli dedicati alle personalità oggetto di studio: Antiks A.A., “Goethe's creative path”, Vilmont N.N., “Goethe. La storia della sua vita e del suo lavoro”, Gardiner P., “Arthur Schopenhauer. Filosofo dell'ellenismo tedesco", Pushkin V.G., "La filosofia di Hegel: l'assoluto nell'uomo", Sokolov V.V., "Concetto storico e filosofico di Hegel", Fischer K., "Arthur Schopenhauer", Eckerman I.P., " Conversazioni con Goethe nell'ultimo anni della sua vita.

Libri di testo sulla storia e la filosofia della scienza: Kanke V.A., "Principali tendenze filosofiche e concetti della scienza", Koir A.V., "Saggi sulla storia pensiero filosofico. Sull'influenza dei concetti filosofici sullo sviluppo delle teorie scientifiche", Kuptsov V.I., "Filosofia e metodologia della scienza", Lebedev S.A., "Fondamenti di filosofia della scienza", Stepin V.S., "Filosofia della scienza. Problemi comuni: un libro di testo per studenti laureati e candidati al grado di candidato in scienze.

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Capitolo 1. Caratteristiche generali dell'estetica del romanticismo e delle sue manifestazioni in Germania XIX secolo.

1. Caratteristiche generali dell'estetica del romanticismo

Il romanticismo è un movimento ideologico e artistico nella cultura europea che ha abbracciato tutti i tipi di arte e scienza, la cui fioritura cade alla fine delXVIII- InizioXIXsecolo. Il termine stesso "romanticismo" storia complessa. Nel Medioevo, la parolaromanza" significava le lingue nazionali formate dalla lingua latina. Termini "enromancier», « auto romana" E "romanz"significava scrivere libri nella lingua nazionale o tradurli nella lingua nazionale. INXVIIsecolo parola inglese "romanza” era inteso come qualcosa di fantastico, bizzarro, chimerico, troppo esagerato, e la sua semantica era negativa. In francese, era diversoromanico" (anche con colorazione negativa) e "romanticismo”, che significava “gentile”, “morbido”, “sentimentale”, “triste”. In Inghilterra, in questo senso, la parola era usata inXVIIIsecolo. In Germania, la parolaromanticismo" usato inXVIIsecolo in senso franceseromanico", e dal centroXVIIIsecolo nel significato di "morbido", "triste".

Anche il concetto di "romanticismo" è ambiguo. Secondo lo scienziato americano A.O. Lovejoy, il termine ha così tanti significati che non significa niente, è insieme insostituibile e inutile; e F.D. Lucas, nel suo libro The Decline and Fall of the Romantic Ideal, ha contato 11.396 definizioni di romanticismo.

Il primo ad usare il termineromanticismo» in letteratura F. Schlegel, e in relazione alla musica - E.T. R. Hoffmann.

Il romanticismo è stato generato da una combinazione di molte ragioni, sia socio-storiche che intra-artistiche. Il più importante tra questi è stato l'impatto della nuova esperienza storica che la Rivoluzione francese ha portato con sé. Questa esperienza ha richiesto una riflessione, anche artistica, e ha costretto a riconsiderare i principi creativi.

Il romanticismo è sorto nelle condizioni pre-tempestose delle tempeste sociali ed è stato il risultato di speranze e delusioni pubbliche nelle possibilità di una ragionevole trasformazione della società sulla base del principio di libertà, uguaglianza e fraternità.

Il sistema di idee divenne per i romantici un'invariante della concezione artistica del mondo e della personalità: il male e la morte non possono essere rimossi dalla vita, sono eterni e immanentemente contenuti nel meccanismo stesso della vita, ma anche la lotta contro di loro è eterna ; il dolore del mondo è uno stato del mondo che è diventato uno stato dello spirito; la resistenza al male non gli dà l'opportunità di diventare il dominatore assoluto del mondo, ma non può cambiare radicalmente questo mondo ed eliminare completamente il male.

Una componente pessimistica appare nella cultura romanza. La "morale della felicità" affermata dalla filosofiaXVIIIsecolo è sostituito da un'apologia per gli eroi privati ​​​​della vita, ma che traggono anche ispirazione dalla loro sventura. I romantici credevano che la storia e lo spirito dell'uomo avanzassero attraverso la tragedia e riconoscevano la variabilità universale come legge fondamentale dell'essere.

I romantici sono caratterizzati dalla dualità della coscienza: ci sono due mondi (il mondo dei sogni e il mondo della realtà), che sono opposti. Heine ha scritto: "Il mondo si è diviso e la crepa ha attraversato il cuore del poeta". Cioè, la coscienza di un romantico diviso in due parti: il mondo reale e il mondo illusorio. Questo mondo duale è proiettato su tutte le sfere della vita (ad esempio, la caratteristica opposizione romantica dell'individuo e della società, dell'artista e della folla). Da qui nasce il desiderio di un sogno irraggiungibile e, come una delle manifestazioni di questo, il desiderio di esotico (paesi esotici e loro culture, fenomeni naturali), insolito, fantasia, trascendenza, vari tipi di estremi (anche in termini emotivi stati) e motivo di vagabondaggio, vagabondaggio. Questo è perché vita reale, secondo i romantici, si trova in un mondo irreale, il mondo dei sogni. La realtà è irrazionale, misteriosa e si oppone alla libertà umana.

Un'altra caratteristica dell'estetica romantica è l'individualismo e la soggettività. La persona creativa diventa la figura centrale. L'estetica del romanticismo proponeva e per la prima volta sviluppava il concetto di autore e raccomandava di creare un'immagine romantica dello scrittore.

Fu nell'era del romanticismo che apparve un'attenzione speciale al sentimento e alla sensibilità. Si credeva che l'artista dovesse avere un cuore sensibile, simpatizzare con i suoi eroi. Chateaubriand ha sottolineato che si sforza di essere uno scrittore sensibile, rivolgendosi non alla mente, ma all'anima, ai sentimenti dei lettori.

In generale, l'arte dell'era del romanticismo è metaforica, associativa, simbolica e tende alla sintesi e all'interazione di generi, tipi, nonché a connettersi con la filosofia e la religione. Ogni arte, da un lato, tende all'immanenza, ma dall'altro cerca di andare oltre i propri confini (questo esprime un altro tratto caratteristico dell'estetica del romanticismo: il desiderio di trascendenza, trascendenza). Ad esempio, la musica interagisce con la letteratura e la poesia, a seguito della quale compaiono opere musicali a programma, generi come una ballata, una poesia, in seguito una fiaba, una leggenda sono presi in prestito dalla letteratura.

EsattamenteXIXsecolo, il genere del diario appare in letteratura (come riflesso dell'individualismo e della soggettività) e del romanzo (secondo i romantici, questo genere unisce poesia e filosofia, elimina i confini tra pratica artistica e teoria, diventa un riflesso in miniatura di l'intera epoca letteraria).

Piccole forme compaiono nella musica, come riflesso di un certo momento della vita (questo può essere illustrato dalle parole di Faust Goethe: "Fermati, momento, sei bello!"). In questo momento, i romantici vedono l'eternità e l'infinito: questo è uno dei segni del simbolismo dell'arte romantica.

Nell'era del romanticismo, sorge l'interesse per le specificità nazionali dell'arte: nel folklore del romanticismo vedevano una manifestazione della natura della vita, in una canzone popolare - una sorta di sostegno spirituale.

Nel romanticismo, le caratteristiche del classicismo si perdono: il male inizia a essere rappresentato nell'arte. Un passo rivoluzionario in questo è stato compiuto da Berlioz nella sua Fantastic Symphony. Fu nell'era del romanticismo che apparve una figura speciale nella musica: un virtuoso demoniaco, vividi esempi che sono Paganini e Liszt.

Riassumendo alcuni risultati della sezione di ricerca, va notato quanto segue: poiché l'estetica del romanticismo è nata a seguito della delusione della Rivoluzione francese e di simili concetti idealistici dell'Illuminismo, ha un orientamento tragico. I principali tratti caratteristici della cultura romantica sono la dualità della visione del mondo, la soggettività e l'individualismo, il culto del sentimento e della sensibilità, l'interesse per il Medioevo, il mondo orientale e, in generale, tutte le manifestazioni dell'esotico.

L'estetica del romanticismo si è manifestata più chiaramente in Germania. Successivamente, proveremo a identificare le caratteristiche specifiche dell'estetica del romanticismo tedesco.

1. Peculiarità del Romanticismo in Germania.

Nell'era del romanticismo, quando la delusione per le trasformazioni borghesi e le loro conseguenze divennero universali, le caratteristiche peculiari della cultura spirituale della Germania ricevettero un significato paneuropeo e ebbero un forte impatto sul pensiero sociale, l'estetica, la letteratura e l'arte in altri paesi.

Il romanticismo tedesco può essere suddiviso in due fasi:

Jena (circa 1797-1804)

Heidelberg (dopo il 1804)

Ci sono opinioni diverse sul periodo di sviluppo del romanticismo in Germania durante il suo periodo di massimo splendore. Ad esempio: N.Ya Berkovsky nel libro “Romanticismo in Germania” scrive: “Quasi tutto il primo romanticismo si riduce agli affari e ai giorni della scuola di Jena, che prese forma in Germania alla fine del XVIIIOsecoli. La storia del romanticismo tedesco è stata a lungo divisa in due periodi: l'ascesa e la caduta. Il periodo di massimo splendore cade nel tempo di Jena. AV Mikhailov nel libro "The Aesthetics of the German Romantics" sottolinea che il periodo di massimo splendore è stato il secondo stadio nello sviluppo del romanticismo: "L'estetica romantica nella sua parte centrale", Heidelberg "il tempo è un'estetica vivente dell'immagine".

Una delle caratteristiche del romanticismo tedesco è la sua universalità.

AV Mikhailov scrive: “Il romanticismo rivendicava una visione universale del mondo, una copertura e una generalizzazione complete di tutta la conoscenza umana, e in una certa misura era davvero una visione del mondo universale. Le sue idee si riferivano alla filosofia, alla politica, all'economia, alla medicina, alla poetica, ecc., e agivano sempre come idee di significato estremamente generale.

Questa universalità era rappresentata nella scuola di Jena, che univa persone di diverse professioni: i fratelli Schlegel, August Wilhelm e Friedrich, erano filologi, critici letterari, critici d'arte, pubblicisti; F. Schelling - filosofo e scrittore, Schleiermacher - filosofo e teologo, H. Steffens - geologo, I. Ritter - fisico, Gulsen - fisico, L. Tiek - poeta, Novallis - scrittore.

La filosofia romantica delle arti ha ricevuto una forma sistematica nelle lezioni di A. Schlegel e negli scritti di F. Schelling. Inoltre, i rappresentanti della scuola di Jena hanno creato i primi esempi dell'arte del romanticismo: la commedia di L. Tieck "Il gatto con gli stivali" (1797), il ciclo lirico "Inni alla notte" (1800) e il romanzo "Heinrich von Ofterdingen" ( 1802) di Novalis.

La seconda generazione di romantici tedeschi, la scuola "Heidelberg", si distingueva per l'interesse per la religione, l'antichità nazionale e il folklore. Il contributo più importante alla cultura tedesca fu la raccolta di canti popolari "The Magic Horn of a Boy" (1806-1808), compilata da L. Arnim e C. Berntano, così come "Children's and Family Tales" dei fratelli J. e V. Grimm (1812-1814). Anche la poesia lirica raggiunse allora un'elevata perfezione (possiamo citare come esempio le poesie di I. Eichendorff).

Sulla base delle idee mitologiche di Schelling e dei fratelli Schlegel, i romantici di Heidelberg hanno finalmente formalizzato i principi della prima profonda direzione scientifica nel folklore e nella critica letteraria: la scuola mitologica.

Il prossimo tratto caratteristico del romanticismo tedesco è l'abilità artistica della sua lingua.

AV Scrive Mikhailov: “Il romanticismo tedesco non si riduce affatto all'arte, alla letteratura, alla poesia, tuttavia, sia in filosofia che nelle scienze, non cessa di usare un linguaggio artistico e simbolico. Il contenuto estetico della visione del mondo romantica è ugualmente contenuto nelle creazioni poetiche e negli esperimenti scientifici.

Nel tardo romanticismo tedesco crescono i motivi della tragica disperazione, un atteggiamento critico nei confronti della società moderna e un senso di discordia tra sogno e realtà. Idee democratiche tardo romanticismo hanno trovato la loro espressione nell'opera di A. Chamisso, nei testi di G. Müller e nella poesia e nella prosa di Heinrich Heine.

Un altro tratto caratteristico legato al tardo periodo del romanticismo tedesco fu il ruolo crescente del grottesco come componente della satira romantica.

L'ironia romantica è diventata più crudele. Le idee dei rappresentanti della scuola di Heidelberg entrarono spesso in conflitto con le idee della prima fase del romanticismo tedesco. Se i romantici della scuola di Jena credevano nel correggere il mondo con la bellezza e l'arte, chiamavano Raffaello il loro maestro,

(auto ritratto)

la generazione che li ha sostituiti ha visto il trionfo del brutto nel mondo, rivolta al brutto, nel campo della pittura ha percepito il mondo della vecchiaia

(vecchia donna che legge)

e decadimento, e in questa fase chiamò Rembrandt il suo insegnante.

(auto ritratto)

L'umore della paura di una realtà incomprensibile si è intensificato.

Il romanticismo tedesco è un fenomeno speciale. In Germania, le tendenze caratteristiche dell'intero movimento hanno ricevuto uno sviluppo peculiare, che ha determinato la specificità nazionale del romanticismo in questo paese. Essendo esistito per un tempo relativamente breve (secondo A.V. Mikhailov, fin dalla fineXVIIIsecolo fino al 1813-1815), fu in Germania che l'estetica romantica acquisì le sue caratteristiche classiche. Il romanticismo tedesco ha avuto una forte influenza sullo sviluppo delle idee romantiche in altri paesi e ne è diventato la base fondamentale.

2.1. Caratteristiche generali della categoria tragica.

Il tragico è una categoria filosofica ed estetica che caratterizza gli aspetti distruttivi e insopportabili della vita, le contraddizioni insolubili della realtà, presentate sotto forma di un conflitto insolubile. Lo scontro tra l'uomo e il mondo, l'individuo e la società, l'eroe e il destino si esprime nella lotta forti passioni e grandi personaggi. A differenza del triste e del terribile, il tragico, come una sorta di distruzione minacciosa o compiente, non è causato da forze esterne casuali, ma deriva dalla natura interna del fenomeno morente stesso, dalla sua insolubile autodivisione nel processo della sua realizzazione. La dialettica della vita si rivolge all'uomo tragico con il suo lato patetico e distruttivo. Il tragico è affine al sublime in quanto è inseparabile dall'idea della dignità e della grandezza dell'uomo, manifestata nella sua stessa sofferenza.

La prima presa di coscienza del tragico furono i miti relativi agli "dei morenti" (Osiride, Serapide, Adone, Mitra, Dioniso). Sulla base del culto di Dioniso, nel corso della sua progressiva secolarizzazione, si sviluppò l'arte della tragedia. La comprensione filosofica del tragico si è formata parallelamente alla formazione di questa categoria nell'arte, nelle riflessioni sui lati dolorosi e cupi in intimità e nella storia.

Il tragico nei tempi antichi è caratterizzato da un certo sottosviluppo del principio personale, al di sopra del quale si erge il bene della politica (dalla sua parte ci sono gli dei, i patroni della politica), e la comprensione oggettivista-cosmologica del destino come indifferente forza che domina la natura e la società. Pertanto, il tragico nell'antichità veniva spesso descritto attraverso i concetti di fato e fato, in contrasto con la moderna tragedia europea, dove la fonte del tragico è il soggetto stesso, le profondità del suo mondo interiore e le azioni da esso condizionate. (come Shakespeare).

antico e filosofia medievale non sa teoria speciale tragico: la dottrina del tragico è qui un elemento indiviso della dottrina dell'essere.

Un esempio della comprensione del tragico nell'antica filosofia greca, dove agisce come un aspetto essenziale del cosmo e della dinamica dei principi opposti in esso, è la filosofia di Aristotele. Riassumendo la pratica delle tragedie attiche che si svolgevano durante le feste annuali dedicate a Dioniso, Aristotele evidenzia i seguenti momenti del tragico: il magazzino dell'azione, caratterizzato da un improvviso peggioramento (alti e bassi) e il riconoscimento, l'esperienza dell'estremo sventura e sofferenza (pathos), purificazione (catarsi).

Dal punto di vista della dottrina aristotelica del nous ("mente"), il tragico sorge quando questa "mente" eterna e autosufficiente è data in potere di un altro essere e diventa temporale da eterna, da autosufficiente a soggetta a necessità, da beato a sofferente e dolente. Quindi "l'azione e la vita" umana inizia con le sue gioie e i suoi dolori, con le sue transizioni dalla felicità all'infelicità, con la sua colpa, i crimini, la punizione, la punizione, la profanazione dell'integrità eternamente beata del "nous" e il ripristino del profanato. Questa uscita della mente nel potere della "necessità" e del "caso" costituisce un "crimine" inconscio. Ma prima o poi c'è un ricordo o un "riconoscimento" dell'ex stato di beatitudine, il crimine viene colto e valutato. Poi arriva il momento del tragico pathos, causato dallo shock dell'essere umano dal contrasto della beata innocenza e dall'oscurità della vanità e del crimine. Ma questo riconoscimento del delitto significa nello stesso tempo l'inizio della restaurazione di ciò che è stato calpestato, che avviene sotto forma di retribuzione, attuata attraverso il "timore" e la "compassione". Di conseguenza, arriva la "purificazione" delle passioni (catarsi) e il ripristino dell'equilibrio disturbato della "mente".

L'antica filosofia orientale (compreso il buddismo, con la sua accresciuta consapevolezza dell'essenza patetica della vita, ma la sua valutazione puramente pessimistica), non ha sviluppato il concetto di tragico.

La visione del mondo medievale, con la sua fede incondizionata nella provvidenza divina e nella salvezza finale, superando i grovigli del destino, rimuove essenzialmente il problema del tragico: la tragedia della caduta del mondo nel peccato, l'allontanamento dell'umanità creata dall'assoluto personale, è vinto nel sacrificio espiatorio di Cristo e la restaurazione della creatura nella sua purezza originaria.

La tragedia ha ricevuto un nuovo sviluppo nel Rinascimento, poi gradualmente trasformata in una tragedia classicista e romantica.

Nell'Età dell'Illuminismo, l'interesse per il tragico in filosofia è ripreso; in questo momento fu formulata l'idea di un tragico conflitto come scontro tra dovere e sentimento: Lessing chiamò la tragica "scuola di moralità". Così, il pathos del tragico è stato ridotto dal livello della comprensione trascendentale (nell'antichità, il destino, il destino inevitabile era la fonte del tragico) a un conflitto morale. Nell'estetica del classicismo e dell'Illuminismo compaiono analisi della tragedia come genere letterario - in N. Boileau, D. Diderot, G.E. Lessing, F. Schiller, che, sviluppando le idee della filosofia kantiana, ha visto la fonte del tragico nel conflitto tra la natura sensuale e quella morale dell'uomo (ad esempio, il saggio "Sul tragico nell'arte").

Isolamento della categoria del tragico e dei suoi riflessione filosofica realizzato nell'estetica classica tedesca, principalmente in Schelling e Hegel. Secondo Schelling, l'essenza del tragico risiede in "... la lotta per la libertà nel soggetto e la necessità dell'obiettivo ...", ed entrambe le parti "... appaiono contemporaneamente vittoriose e sconfitte, in completo indistinto». La necessità, il destino rende colpevole l'eroe senza alcuna intenzione da parte sua, ma in virtù di un insieme predeterminato di circostanze. L'eroe deve lottare con la necessità - altrimenti, se l'accettasse passivamente, non ci sarebbe libertà - ed esserne sconfitto. La tragica colpa sta nel "sopportare volontariamente la punizione per un crimine inevitabile, al fine di provare proprio questa libertà con la perdita stessa della propria libertà e perire, dichiarando il proprio libero arbitrio". Schelling considerava l'opera di Sofocle l'apice del tragico nell'arte. Ha posto Calderon al di sopra di Shakespeare, poiché il concetto chiave del destino era mistico in lui.

Hegel vede il tema del tragico nell'autodivisione della sostanza morale come un'area di volontà e realizzazione. Le forze morali che lo compongono ei personaggi che agiscono sono diversi nel loro contenuto e manifestazione individuale, e lo sviluppo di queste differenze porta necessariamente al conflitto. Ognuna delle varie forze morali si sforza di realizzare un certo obiettivo, è sopraffatta da un certo pathos, realizzato nell'azione, e in questa certezza unilaterale del suo contenuto viola inevitabilmente il lato opposto e si scontra con esso. La morte di queste forze in collisione ripristina l'equilibrio disturbato su un livello diverso e più alto e quindi fa avanzare la sostanza universale, contribuendo al processo storico di auto-sviluppo dello spirito. L'arte, secondo Hegel, riflette tragicamente un momento speciale della storia, un conflitto che ha assorbito tutta l'acutezza delle contraddizioni di un particolare “stato del mondo”. Chiamò eroico questo stato del mondo, quando la moralità non aveva ancora preso la forma di leggi statali stabilite. L'individuo portatore di pathos tragico è l'eroe, che si identifica completamente con l'idea morale. Nella tragedia le forze morali isolate si presentano in vari modi, ma si possono ridurre a due definizioni e alla loro contraddizione: "vita morale nella sua universalità spirituale" e "morale naturale", cioè tra Stato e famiglia .

Hegel ei romantici (A. Schlegel, Schelling) forniscono un'analisi tipologica della nuova concezione europea del tragico. Quest'ultimo deriva dal fatto che l'uomo stesso è colpevole degli orrori e delle sofferenze che lo hanno colpito, mentre nell'antichità ha agito piuttosto come un oggetto passivo del destino che ha subito. Schiller intendeva il tragico come una contraddizione tra l'ideale e la realtà.

Nella filosofia del romanticismo, il tragico si sposta nell'area delle esperienze soggettive, il mondo interiore di una persona, principalmente un artista, che si oppone alla falsità e all'inautenticità del mondo sociale esterno ed empirico. Il tragico è stato in parte soppiantato dall'ironia (F. Schlegel, Novalis, L. Tieck, E.T.A. Hoffmann, G. Heine).

Per Solger il tragico è la base della vita umana, sorge tra essenza ed esistenza, tra il divino e il fenomeno, il tragico è la morte dell'idea nel fenomeno, l'eterno nel temporale. La riconciliazione è possibile non in un'esistenza umana finita, ma solo con la distruzione dell'esistenza esistente.

La comprensione del tragico di S. Kierkegaard è vicina al romantico, che lo collega all'esperienza soggettiva della "disperazione" di una persona che era nella fase del suo sviluppo etico (che è preceduta da una fase estetica e che conduce a una fase religiosa ). Kierkugaard nota una diversa comprensione della tragedia della colpa nell'antichità e nei tempi moderni: nell'antichità la tragedia è più profonda, il dolore è minore, nel moderno è il contrario, poiché il dolore è associato alla consapevolezza della propria colpa e alla riflessione su Esso.

Se la filosofia classica tedesca, e soprattutto la filosofia di Hegel, nella sua comprensione del tragico procedeva dalla ragionevolezza della volontà e dalla significatività del conflitto tragico, dove la vittoria dell'idea fu raggiunta a costo della morte di suo portatore, quindi nella filosofia irrazionalista di A. Schopenhauer e F. Nietzsche c'è una rottura con questa tradizione, perché viene messa in discussione l'esistenza stessa di qualsiasi significato nel mondo. Considerando la volontà immorale e irragionevole, Schopenhauer vede l'essenza del tragico nell'auto-confronto della volontà cieca. Negli insegnamenti di Schopenhauer, il tragico risiede non solo in una visione pessimistica della vita, poiché le disgrazie e la sofferenza ne costituiscono l'essenza, ma nella negazione del suo significato superiore, così come del mondo stesso: “il principio dell'esistenza del mondo non ha assolutamente alcun fondamento, vale a dire rappresenta la cieca volontà di vivere." Lo spirito tragico porta quindi alla rinuncia alla volontà di vivere.

Nietzsche ha caratterizzato il tragico come l'essenza originaria dell'essere: caotico, irrazionale e senza forma. Ha chiamato il tragico "pessimismo del potere". Secondo Nietzsche, il tragico nasce dal principio dionisiaco, opposto all'"istinto apollineo della bellezza". Ma il "sotterraneo dionisiaco del mondo" deve essere superato dal potere apollineo illuminato e trasformatore, la loro stretta correlazione è la base della perfetta arte del tragico: caos e ordine, frenesia e serena contemplazione, orrore, beata gioia e saggia pace nelle immagini è tragedia.

INXXsecolo, l'interpretazione irrazionalistica del tragico è proseguita nell'esistenzialismo; il tragico cominciò a essere inteso come una caratteristica esistenziale dell'esistenza umana. Secondo K. Jaspers, il vero tragico è la consapevolezza che "... il collasso universale è la caratteristica principale dell'esistenza umana". L. Shestov, A Camus, J.-P. Sartre associava il tragico all'infondatezza e all'assurdità dell'esistenza. La contraddizione tra la sete di vita di una persona “in carne e ossa” e l'evidenza della mente sulla finitezza della sua esistenza è il fulcro degli insegnamenti di M. de Unamuno su “ sentimento tragico vita delle persone e delle nazioni" (1913). La cultura, l'arte e la filosofia stessa sono da lui considerate come una visione del "Nulla abbagliante", la cui essenza è totale casualità, mancanza di legalità e assurdità, "la logica del peggio". T. Hadrono considera il tragico dal punto di vista della critica della società borghese e della sua cultura dal punto di vista della "dialettica negativa".

Nello spirito della filosofia della vita, G. Simmel ha scritto sulla tragica contraddizione tra le dinamiche processo creativo e quelle forme stabili in cui si cristallizza, F. Stepun - sulla tragedia della creatività come oggettivazione dell'inesprimibile mondo interiore dell'individuo.

Il tragico e la sua interpretazione filosofica sono diventati un mezzo per criticare la società e esistenza umana... Nella cultura russa, il tragico era inteso come l'inutilità delle aspirazioni religiose e spirituali, estinte nella volgarità della vita (N.V. Gogol, F.M. Dostoevskij).

Johann Wolfgang Goethe (1794-1832) - Poeta, scrittore, pensatore tedesco. Il suo lavoro abbraccia gli ultimi tre decenniXVIIIsecolo - il periodo del preromanticismo - e il primo trentennioXIXsecolo. Il primo periodo più significativo dell'opera del poeta, iniziato nel 1770, è associato all'estetica di Sturm und Drang.

"Sturm und Drang" è un movimento letterario in Germania negli anni '70XVIIIsecolo, dal nome del dramma omonimo di F. M. Klinger. Il lavoro degli scrittori di questa tendenza - Goethe, Klinger, Leisewitz, Lenz, Burger, Schubert, Voss - rifletteva la crescita dei sentimenti antifeudali, era intriso dello spirito di ribellione ribelle. Questo movimento, che doveva molto al rousseauismo, dichiarò guerra alla cultura aristocratica. In contrasto con il classicismo con le sue norme dogmatiche, così come i manierismi del rococò, i "geni tempestosi" avanzavano l'idea di "arte caratteristica", originale in tutte le sue manifestazioni; chiedevano alla letteratura la rappresentazione di passioni luminose e forti, personaggi che non fossero spezzati da un regime dispotico. La principale area di creatività degli scrittori di "tempesta e assalto" era la drammaturgia. Hanno cercato di stabilire un teatro di terza classe che influenzasse attivamente la vita pubblica, nonché un nuovo stile drammatico, le cui caratteristiche principali erano la ricchezza emotiva e il lirismo. Avendo fatto del mondo interiore di una persona oggetto di rappresentazione artistica, hanno sviluppato nuovi metodi di individualizzazione dei personaggi e creato un linguaggio liricamente colorato, patetico e figurativo.

I testi di Goethe del periodo di "tempesta e assalto" sono una delle pagine più brillanti della storia della poesia tedesca. L'eroe lirico di Goethe appare come l'incarnazione della natura o in una fusione organica con essa ("Il viandante", "Il canto di Maometto"). Si riferisce a immagini mitologiche, comprendendole in uno spirito ribelle ("Song of the Wanderer in the Storm", il monologo di Prometeo dal dramma incompiuto).

La creazione più perfetta del periodo Sturm und Drang è il romanzo in lettere I dolori del giovane Werther, scritto nel 1774, che ha portato l'autore alla fama mondiale. Questo è il lavoro che è apparso alla fineXVIIIsecolo, può essere considerato un presagio e un simbolo dell'intera imminente era del romanticismo. L'estetica romantica è il centro semantico del romanzo, manifestandosi in molti aspetti. In primo luogo, il tema stesso della sofferenza dell'individuo e della derivazione delle esperienze soggettive dell'eroe non è in primo piano, la speciale confessione insita nel romanzo è una tendenza puramente romantica. In secondo luogo, il romanzo contiene un doppio mondo caratteristico del romanticismo: un mondo dei sogni oggettivato nella forma della bellissima Lotta e della fede nell'amore reciproco e il mondo della crudele realtà, in cui non c'è speranza di felicità e dove il senso del dovere e l'opinione del mondo è al di sopra dei sentimenti più sinceri e profondi. In terzo luogo, c'è una componente pessimistica insita nel romanticismo, che cresce fino a raggiungere proporzioni gigantesche di tragedia.

Werther è un eroe romantico che, con il colpo finale, sfida il mondo crudele e ingiusto: il mondo della realtà. Rifiuta le leggi della vita, in cui non c'è posto per la felicità e la realizzazione dei suoi sogni, e preferisce morire piuttosto che rinunciare alla passione nata dal suo cuore ardente. Questo eroe è agli antipodi di Prometeo, eppure Werther-Prometheus è l'ultimo anello di una catena delle immagini di Goethe del periodo Sturm und Drang. La loro esistenza si svolge ugualmente sotto il segno del destino. Werther si devasta nel tentativo di difendere la realtà del mondo che immagina, Prometeo cerca di perpetuarsi nella creazione di creature "libere" indipendenti dal potere dell'Olimpo, crea schiavi di Zeus, persone subordinate a forze trascendenti sopra di loro.

Il tragico conflitto associato alla linea di Lotta, in contrasto con quella di Werther, è in gran parte connesso al tipo di conflitto classicista: il conflitto tra sentimento e dovere, in cui quest'ultimo vince. In effetti, secondo il romanzo, Lotta è molto legata a Werther, ma il dovere verso il marito e i fratelli e le sorelle minori lasciati dalla madre morente alle sue cure ha la precedenza sul sentimento, e l'eroina deve scegliere, anche se non lo fa sa fino all'ultimo che dovrà scegliere tra la vita e la morte di una persona a lei cara. Lotta, come Werther, è un'eroina tragica, perché, forse, solo nella morte conoscerà la vera portata del suo amore e dell'amore di Werther per lei, e l'inseparabilità dell'amore e della morte è un'altra caratteristica insita nell'estetica romantica. Il tema dell'unità dell'amore e della morte sarà sempre rilevanteXIXsecolo, tutti i maggiori artisti dell'era romantica si rivolgeranno ad esso, ma fu Goethe che fu uno dei primi a rivelarne il potenziale nel suo primo romanzo tragico I dolori del giovane Werther.

Nonostante il fatto che durante la sua vita Goethe sia stato, soprattutto, il celebre autore di Le sofferenze del giovane Werther, la sua creazione più grandiosa è la tragedia Faust, che ha scritto nel corso di quasi sessant'anni. Cominciò nel periodo di Sturm und Drang, ma terminò in un'epoca in cui la scuola romantica dominava la letteratura tedesca. Pertanto, "Faust" riflette tutte le fasi seguite dall'opera del poeta.

La prima parte della tragedia è in stretta connessione con il periodo di "Sturm und Drang" nell'opera di Goethe. Il tema di una ragazza amata abbandonata, in un impeto di disperazione che diventa un'assassina di bambini, era molto comune nella letteratura della regia "SturmEdrang" ("The Child Killer" di Wagner, "The Daughter of the Priest from Taubenheim" di Burger). Appello all'era del focoso gotico, dei knittelfers, del monodramma: tutto questo parla di una connessione con l'estetica di "Sturm und Drang".

La seconda parte, raggiungendo una speciale espressività artistica nell'immagine di Elena la Bella, è più legata alla letteratura del periodo classico. I contorni gotici lasciano il posto a quelli greci antichi, Hellas diventa la scena dell'azione, i knittelfers sono sostituiti da versi dell'antico magazzino, le immagini acquistano una speciale compattazione scultorea (questo esprime la passione di Goethe nella maturità per l'interpretazione decorativa di motivi mitologici e puramente effetti spettacolari: mascherata - 3 scene 1 atto, classica Notte di Valpurga e simili). Nella scena finale della tragedia, Goethe rende già omaggio al romanticismo, introducendo un coro mistico e aprendo a Faust le porte del paradiso.

"Faust" occupa un posto speciale nell'opera del poeta tedesco: contiene il risultato ideologico di tutta la sua attività creativa. La novità e l'insolita di questa tragedia è che il suo soggetto non era un conflitto di vita, ma una catena coerente e inevitabile di conflitti profondi su un unico percorso di vita, o, nelle parole di Goethe, "una serie di attività sempre più alte e pure di l'eroe."

Nella tragedia "Faust", come nel romanzo "La sofferenza del giovane Werther", ci sono molti segni caratteristici dell'estetica romantica. La stessa dualità in cui visse Werther è caratteristica anche di Faust, ma a differenza di Werther, il dottore prova un fugace piacere nella realizzazione dei suoi sogni, che però porta a un dolore ancora maggiore a causa della natura illusoria dei sogni e del fatto che crollano, portando dolore non solo a se stesso. Come nel romanzo su Werther, in Faust vengono messe al centro le esperienze soggettive e le sofferenze dell'individuo, ma a differenza di Le sofferenze del giovane Werther, dove il tema della creatività non è il protagonista, in Faust gioca un ruolo molto importante ruolo. In Faust, alla fine della tragedia, la creatività assume una portata enorme: questa è la sua idea di costruzione colossale sulla terra strappata al mare per la felicità e il benessere del mondo intero.

È interessante che il personaggio principale, sebbene sia alleato con Satana, non perda la sua moralità: cerca l'amore sincero, la bellezza e quindi la felicità universale. Faust non usa le forze del male per il male, ma come se volesse trasformarle in bene, quindi il suo perdono e la sua salvezza sono naturali e attesi - il momento catartico della sua ascensione al paradiso non è inaspettato.

Un altro tratto caratteristico dell'estetica del romanticismo è il tema dell'inseparabilità dell'amore e della morte, che in Faust attraversa tre fasi: l'amore e la morte di Gretchen e della loro figlia con Faust (come oggettivazione di questo amore), la partenza finale A regno dei morti Helena la Bella e la morte del figlio e di Faust (come nel caso della figlia di Gretchen, l'oggettivazione di questo amore), l'amore di Faust per la vita e per tutta l'umanità e la morte dello stesso Faust.

"Faust" non è solo una tragedia sul passato, ma sul futuro della storia umana, come sembrava a Goethe. Dopotutto, Faust, secondo il poeta, è la personificazione di tutta l'umanità e il suo percorso è il percorso di tutta la civiltà. La storia umana è una storia di ricerca, prove ed errori, e l'immagine di Faust incarna la fede nelle possibilità illimitate dell'uomo.

Passiamo ora all'analisi dell'opera di Goethe dal punto di vista della categoria tragica. A favore del fatto che il poeta tedesco fosse un artista di orientamento tragico, ad esempio, parla la predominanza di generi tragico-drammatici nella sua opera: "Getz von Berlichingen", il romanzo tragicamente finale "Le sofferenze del giovane Werther", il dramma “Egmont”, il dramma “Torquato Tasso”, la tragedia “Ifigenia in Tauris”, il dramma “Citizen General”, la tragedia “Faust”.

Il dramma storico Goetz von Berlichingen, scritto nel 1773, rifletteva gli eventi alla vigilia della guerra contadinaXVIsecolo, suonando un duro richiamo all'arbitrarietà principesca e alla tragedia di un paese frammentato. Nel dramma "Egmont", scritto nel 1788 e collegato alle idee di "Tempesta e assalto", il conflitto tra oppressori stranieri e il popolo, la cui resistenza è soppressa, ma non spezzata, è al centro degli eventi, e il finale del dramma suona come un appello a lottare per la libertà. La tragedia "Ifigenia in Tauris" è scritta sulla trama di un antico mito greco e la sua idea principale è la vittoria dell'umanità sulla barbarie.

La grande rivoluzione francese si riflette direttamente negli "Epigrammi veneziani" di Goethe, nel dramma "Cittadino generale" e nel racconto "Conversazioni di emigranti tedeschi". Il poeta non accetta la violenza rivoluzionaria, ma allo stesso tempo riconosce l'inevitabilità della riorganizzazione sociale - su questo argomento ha scritto il poema satirico "Reinecke the Fox", denunciando l'arbitrarietà feudale.

Una delle opere più famose e significative di Goethe, insieme al romanzo "La sofferenza del giovane Werther" e alla tragedia "Faust", è il romanzo "Gli anni dell'insegnamento di Wilhelm Meister". In esso si possono nuovamente rintracciare le tendenze e i temi romantici insiti in essoXIXsecolo. In questo romanzo compare il tema della morte di un sogno: gli hobby teatrali del protagonista appaiono successivamente come un'illusione giovanile, e nel finale del romanzo vede il suo compito nell'attività economica pratica. Meister è agli antipodi di Werther e Faust, eroi creativi ardenti di amore e sogni. Il dramma della sua vita sta nel fatto che ha abbandonato i suoi sogni, scegliendo l'ordinario, la noia e l'effettiva insensatezza dell'esistenza, perché la sua creatività, che dà il vero significato dell'essere, si è spenta quando ha rinunciato al suo sogno di diventare un attore e suonare sul palco. Molto più tardi in letteraturaXXsecolo, questo tema si trasforma nel tema della tragedia di un piccolo uomo.

L'orientamento tragico dell'opera di Goethe è evidente. Nonostante il poeta non abbia creato un sistema filosofico completo, le sue opere espongono un profondo concetto filosofico associato sia all'immagine classicista del mondo che all'estetica romantica. La filosofia di Goethe, rivelata nelle sue opere, è per molti aspetti contraddittoria e ambigua, come la sua opera principale della vita, Faust, ma mostra chiaramente, da un lato, quasi la visione di Schopenhauer mondo reale come portare la sofferenza più forte a una persona, risvegliare sogni e desideri, ma non realizzarli, predicare l'ingiustizia, la routine, la routine e la morte dell'amore, dei sogni e della creatività, ma d'altra parte, la fede nelle possibilità illimitate di una persona e il trasformando le forze della creatività, dell'amore e dell'arte. Nella sua polemica contro le tendenze nazionaliste che si svilupparono in Germania durante e dopo le guerre napoleoniche, Goethe avanzò l'idea di "letteratura mondiale" senza condividere lo scetticismo hegeliano sul futuro dell'arte. Goethe vedeva anche nella letteratura e nell'arte in generale un potente potenziale per influenzare una persona e persino l'ordine sociale esistente.

Quindi, forse il concetto filosofico di Goethe può essere espresso come segue: la lotta delle forze creative creative dell'uomo, espresse nell'amore, nell'arte e in altri aspetti dell'essere, con l'ingiustizia e la crudeltà del mondo reale e la vittoria del primo. Nonostante il fatto che la maggior parte degli eroi in difficoltà e sofferenti di Goethe alla fine muoia. La catarsi delle sue tragedie e la vittoria di un brillante inizio sono evidenti e su larga scala. A questo proposito, la fine del Faust è indicativa, quando sia il personaggio principale che la sua amata Gretchen ricevono il perdono e vanno in paradiso. Una tale fine può essere proiettata sulla maggior parte degli eroi in cerca e sofferenti di Goethe.

Arthur Schopenhauer (1786-1861) - un rappresentante della tendenza irrazionale nel pensiero filosofico della Germania nella prima metàXIXsecolo. Il ruolo principale nella formazione del sistema di visione del mondo di Schopenhauer è stato svolto dalle influenze di tre tradizioni filosofiche: kantiana, platonica e antica filosofia braminista e buddista indiana.

Le opinioni del filosofo tedesco sono pessimiste e il suo concetto riflette la tragedia dell'esistenza umana. Il centro del sistema filosofico di Schopenhauer è la dottrina della negazione della volontà di vivere. Considera la morte come un ideale morale, come l'obiettivo più alto dell'esistenza umana: “La morte, senza dubbio, è il vero obiettivo della vita, e nel momento in cui arriva la morte, accade tutto ciò che abbiamo solo preparato e iniziato per tutta la vita. La morte è la conclusione finale, il riassunto della vita, il suo risultato, che unisce immediatamente tutte le lezioni parziali e disparate della vita in un tutto e ci dice che tutte le nostre aspirazioni, l'incarnazione di cui era la vita, che tutte queste aspirazioni erano vane, vane e contraddittorie, e che nella rinuncia ad esse sta la salvezza.

La morte è l'obiettivo principale della vita, secondo Schopenhauer, perché questo mondo, per sua definizione, è il peggiore possibile: il mondo è migliore dei mondi possibili, ci si può opporre seriamente e coscienziosamente alla prova che questo mondo è il peggiore dei mondi possibili. .

L'esistenza umana è collocata da Schopenhauer nel mondo dell '"essere non autentico" delle rappresentazioni, determinato dal mondo della Volontà - veramente esistente e identico a se stesso. La vita nel flusso temporale sembra essere una cupa catena di sofferenze, una serie continua di disgrazie maggiori e minori; una persona non riesce a trovare pace in alcun modo: "... nelle sofferenze della vita ci consoliamo con la morte e nella morte ci consoliamo con le sofferenze della vita".

Nelle opere di Schopenhauer si può spesso trovare l'idea che sia questo mondo che le persone non dovrebbero esistere affatto: "... l'esistenza del mondo non dovrebbe piacerci, ma piuttosto rattristarci; ... la sua inesistenza sarebbe essere preferibile alla sua esistenza; qualcosa che in realtà non dovrebbe essere."

L'esistenza dell'uomo è solo un episodio che turba la pace dell'essere assoluto, che dovrebbe finire con il desiderio di sopprimere la volontà di vivere. Inoltre, secondo il filosofo, la morte non distrugge il vero essere (il mondo della Volontà), poiché rappresenta la fine di un fenomeno temporaneo (il mondo delle idee), e non l'essenza più intima del mondo. Nel capitolo "La morte e il suo rapporto con l'indistruttibilità del nostro essere" della sua opera su larga scala "Il mondo come volontà e rappresentazione" Schopenhauer scrive: che quest'ultima è loro inaccessibile, cioè imperitura, e che quindi tutto ciò che vuole davvero la vita e continua a vivere senza fine ... Grazie a lui, nonostante millenni di morte e decadimento, nulla è ancora morto, non un solo atomo di materia, e ancor meno non una singola frazione di quell'essenza interiore che ci appare come natura.

L'essere senza tempo del mondo della Volontà non conosce né guadagni né perdite, è sempre identico a se stesso, eterno e vero. Pertanto, lo stato in cui ci porta la morte è lo "stato naturale della Volontà". La morte distrugge solo l'organismo biologico e la coscienza, e comprendere l'insignificanza della vita e sconfiggere la paura della morte, secondo Schopenhauer, consente la conoscenza. Esprime l'idea che con la cognizione, da un lato, aumenta la capacità di una persona di provare dolore, la vera natura di questo mondo che porta sofferenza e morte: "L'uomo, insieme alla ragione, inevitabilmente sorse nella morte una terrificante certezza" . Ma, d'altra parte, la capacità di cognizione porta, a suo avviso, alla realizzazione da parte di una persona dell'indistruttibilità del suo vero essere, che si manifesta non nella sua individualità e coscienza, ma nel mondo: “Gli orrori della morte si basano principalmente sull'illusione che con essaIO scompare, ma il mondo rimane. Anzi, è vero piuttosto il contrario: il mondo scompare, e il nucleo più intimoIO , portatore e creatore di quel soggetto, nella cui concezione solo il mondo ha la sua esistenza.

La consapevolezza dell'immortalità della vera essenza dell'uomo, secondo il punto di vista di Schopenhauer, si basa sul fatto che non ci si può identificare solo con la propria coscienza e il proprio corpo e fare distinzioni tra esterno e mondo interiore. Egli scrive che "la morte è un momento di liberazione dall'unilateralità della forma individuale, che non costituisce il nucleo più intimo del nostro essere, ma piuttosto ne è una sorta di perversione".

La vita umana, secondo il concetto di Schopenhauer, è sempre accompagnata dalla sofferenza. Ma li percepisce come una fonte di purificazione, poiché portano alla negazione della volontà di vivere e non consentono a una persona di intraprendere la falsa strada della sua affermazione. Scrive il filosofo: “Tutta l'esistenza umana dice chiaramente che la sofferenza è il vero destino dell'uomo. La vita è profondamente presa dalla sofferenza e non può liberarsene; il nostro ingresso in esso è accompagnato da parole al riguardo, nella sua essenza procede sempre tragicamente, e la sua fine è particolarmente tragica ... La sofferenza, questo è veramente il processo di purificazione che da solo nella maggior parte dei casi santifica una persona, cioè la devia dal falso sentiero della volontà di vita”.

Un posto importante nel sistema filosofico di A. Schopenhauer è occupato dal suo concetto di arte. Crede che l'obiettivo più alto dell'arte sia liberare l'anima dalla sofferenza e trovare la pace spirituale. Tuttavia, è attratto solo da quei tipi e tipi di arte che sono vicini alla sua visione del mondo: musica tragica, genere drammatico e tragico. arti dello spettacolo e simili, poiché sono loro che sono in grado di esprimere l'essenza tragica dell'esistenza umana. Scrive sull'arte della tragedia: “L'effetto peculiare della tragedia, in sostanza, si basa sul fatto che scuote l'errore innato indicato (che una persona vive per essere felice - ca.), incarnando chiaramente la vanità in un grande e sorprendente esempio delle aspirazioni umane e dell'insignificanza di tutta la vita, e quindi rivelatore significato più profondo essendo; ecco perché la tragedia è considerata il tipo più elevato di poesia.

Il filosofo tedesco considerava la musica l'arte più perfetta. Secondo lui, nelle sue più alte conquiste, è capace di un contatto mistico con la Volontà del Mondo trascendente. Inoltre, nella musica rigorosa, misteriosa, misticamente colorata e tragica, la Volontà Mondiale trova la sua incarnazione più possibile, e questa è l'incarnazione proprio di quella caratteristica della Volontà, che contiene la sua insoddisfazione per se stessa, e quindi l'attrazione futura per la sua redenzione e abnegazione. Nel capitolo “Sulla metafisica della musica”, Schopenhauer scrive: “... la musica, considerata come espressione del mondo, è in il grado più alto un linguaggio universale che si riferisce anche all'universalità dei concetti quasi come si riferiscono alle singole cose ... la musica differisce da tutte le altre arti in quanto non riflette i fenomeni, o, più correttamente, un'adeguata oggettività della volontà, ma riflette direttamente il volontà stessa e, quindi, quindi, per tutto ciò che è fisico nel mondo mostra il metafisico, per tutti i fenomeni mostra la cosa in sé. Pertanto, il mondo può essere chiamato sia musica incarnata che volontà incarnata.

La categoria del tragico è una delle più importanti nel sistema filosofico di A. Schopenhauer, poiché la stessa vita umana è percepita da lui come un tragico errore. Il filosofo crede che dal momento in cui una persona nasce, inizi una sofferenza senza fine, che dura tutta la vita, e tutte le gioie sono di breve durata e illusorie. L'essere contiene una tragica contraddizione, che sta nel fatto che una persona è dotata di una cieca volontà di vivere e di un infinito desiderio di vivere, ma la sua esistenza in questo mondo è finita e piena di sofferenza. Quindi, c'è una tragica collisione tra la vita e la morte.

Ma la filosofia di Schopenhauer contiene l'idea che con l'avvento della morte biologica e la scomparsa della coscienza, la vera essenza umana non muore, ma continua a vivere per sempre, incarnata in qualcos'altro. Questa idea dell'immortalità della vera essenza dell'uomo è simile alla catarsi che arriva alla fine di una tragedia; pertanto, possiamo concludere non solo che la categoria del tragico è una delle categorie fondamentali del sistema di visione del mondo di Schopenhauer, ma anche che il suo sistema filosofico nel suo insieme rivela somiglianze con la tragedia.

Come accennato in precedenza, Schopenhauer assegna un posto importante all'arte, in particolare alla musica, che percepisce come la volontà incarnata, l'essenza immortale dell'essere. In questo mondo di sofferenza, secondo il filosofo, una persona può seguire la retta via solo negando la volontà di vivere, incarnando l'ascetismo, accettando la sofferenza e purificandosi sia con il loro aiuto sia grazie all'effetto catartico dell'arte. L'arte e la musica, in particolare, contribuiscono alla conoscenza di una persona della sua vera essenza e al desiderio di tornare al regno del vero essere. Pertanto, una delle vie della purificazione, secondo il concetto di A. Schopenhauer, passa attraverso l'arte.

Capitolo 3. Critica del romanticismo

3.1. Posizione critica di Georg Friedrich Hegel

Nonostante il romanticismo sia diventato per un certo periodo un'ideologia che si è diffusa in tutto il mondo, l'estetica romantica è stata criticata sia durante la sua esistenza che nei secoli successivi. In questa parte del lavoro considereremo la critica del romanticismo svolta da Georg Friedrich Hegel e Friedrich Nietzsche.

Ci sono differenze significative nel concetto filosofico di Hegel e nella teoria estetica del romanticismo, che ha causato critiche ai romantici da parte del filosofo tedesco. In primo luogo, il romanticismo fin dall'inizio ha opposto ideologicamente la sua estetica all'Illuminismo: è apparso come protesta contro le visioni illuministiche e in risposta al fallimento della Rivoluzione francese, sulla quale l'Illuminismo riponeva grandi speranze. Al culto classicista della mente romantica si opponeva il culto del sentimento e il desiderio di negare i postulati fondamentali dell'estetica del classicismo.

Al contrario, G. F. Hegel (come J. W. Goethe) si considerava l'erede dell'Illuminismo. La critica dell'Illuminismo di Hegel e Goethe non si è mai trasformata in una negazione dell'eredità di questo periodo, come nel caso dei romantici. Ad esempio, per la questione della cooperazione tra Goethe e Hegel, è estremamente caratteristico che Goethe nei primi anniXIXsecoli scopre e, tradotto, pubblica subito il "Ramo's Nephew" di Diderot con i suoi commenti, e Hegel si serve subito di quest'opera per rivelare con straordinaria plasticità una forma specifica della dialettica illuministica. Le immagini create da Diderot occupano un posto decisivo nel capitolo più importante della Fenomenologia dello Spirito. Pertanto, la posizione di opposizione tra i romantici della loro estetica e l'estetica del classicismo è stata criticata da Hegel.

In secondo luogo, i due mondi caratteristici dei romantici e la convinzione che tutto ciò che è bello esiste solo nel mondo dei sogni, e il mondo reale è un mondo di tristezza e sofferenza, in cui non c'è posto per l'ideale e la felicità, si oppone al Il concetto hegeliano che l'incarnazione dell'ideale sia questo non è un allontanamento dalla realtà, ma, al contrario, la sua immagine profonda, generalizzata, significativa, poiché l'ideale stesso è presentato come radicato nella realtà. La vitalità dell'ideale si basa sul fatto che il principale significato spirituale, che dovrebbe essere rivelato nell'immagine, penetra completamente in tutti gli aspetti particolari del fenomeno esterno. Di conseguenza, l'immagine dell'essenziale, caratteristica, l'incarnazione del significato spirituale, la trasmissione delle tendenze più importanti della realtà, è, secondo Hegel, la rivelazione dell'ideale, che in questa interpretazione coincide con il concetto di verità nell'arte , verità artistica.

Il terzo aspetto della critica hegeliana al romanticismo è la soggettività, che è una delle caratteristiche più importanti dell'estetica romantica; Hegel è particolarmente critico nei confronti dell'idealismo soggettivo.

Nell'idealismo soggettivo, il pensatore tedesco vede non solo una certa falsa direzione della filosofia, ma una direzione il cui emergere era inevitabile, e nella stessa misura inevitabilmente falsa. La prova di Hegel della falsità dell'idealismo soggettivo è allo stesso tempo una conclusione sulla sua inevitabilità e necessità, e sui limiti ad essa associati. Hegel arriva a questa conclusione in due modi, che per lui sono strettamente e inestricabilmente legati: storicamente e sistematicamente. Dal punto di vista storico, Hegel dimostra che l'idealismo soggettivo è nato dai problemi più profondi della modernità e il suo significato storico, la conservazione della sua grandezza per lungo tempo, si spiega proprio con questo. Allo stesso tempo, però, mostra che l'idealismo soggettivo, necessariamente, non può che intuire i problemi posti dai tempi e tradurli nel linguaggio della filosofia speculativa. L'idealismo soggettivo non ha risposte a queste domande, ed è qui che fallisce.

Hegel crede che la filosofia degli idealisti soggettivi consista in un diluvio di emozioni e dichiarazioni vuote; critica i romantici per il predominio del sensuale sul razionale, nonché per la mancanza di sistematizzazione e l'incompletezza della loro dialettica (questo è il quarto aspetto della critica hegeliana al romanticismo)

Un posto importante nel sistema filosofico di Hegel è occupato dal suo concetto di arte. L'arte romantica, secondo Hegel, inizia con il Medioevo, ma vi include Shakespeare, Cervantes e artisti.XVII- XVIIIsecoli e romantici tedeschi. La forma d'arte romantica, secondo la sua concezione, è la disintegrazione dell'arte romantica in generale. Il filosofo spera che dal crollo dell'arte romantica nasca una nuova forma di arte libera, di cui vede il germe nell'opera di Goethe.

L'arte romantica, secondo Hegel, include pittura, musica e poesia - quei tipi di arte che il modo migliore può, a suo avviso, esprimere il lato sensuale della vita.

Il mezzo per dipingere è una superficie colorata, un vivace gioco di luci. È liberato dalla sensuale pienezza spaziale del corpo materiale, poiché è limitato a un piano, e quindi è in grado di esprimere l'intera scala di sentimenti, stati mentali, rappresentare azioni piene di movimento drammatico.

L'eliminazione della spazialità si ottiene nella forma successiva di arte romantica: la musica. La sua materia è il suono, la vibrazione di un corpo che suona. La materia appare qui non più come un'idealità spaziale, ma come un'idealità temporale. La musica va oltre i limiti della contemplazione sensuale e abbraccia esclusivamente l'area delle esperienze interiori.

Nell'ultima arte romantica, la poesia, il suono entra come segno privo di significato in sé. L'elemento principale dell'immagine poetica è la rappresentazione poetica. Secondo Hegel, la poesia può rappresentare assolutamente tutto. La sua materia non è solo il suono, ma il suono come significato, come segno di rappresentazione. Ma il materiale qui non è formato liberamente e arbitrariamente, ma secondo la legge musicale ritmica. Nella poesia, tutti i tipi di arte sembrano ripetersi di nuovo: corrisponde alle arti visive come un'epopea, come una calma narrazione con immagini ricche e immagini pittoresche della storia dei popoli; è musica come testo perché rappresenta stato interno anime; è l'unità di queste due arti, come la poesia drammatica, come la rappresentazione della lotta tra interessi attivi e contrastanti radicati nei caratteri degli individui.

Abbiamo brevemente passato in rassegna i principali aspetti della posizione critica di G. F. Hegel in relazione all'estetica romantica. Passiamo ora alla critica del romanticismo condotta da F. Nietzsche.

3.2. Posizione critica di Friedrich Nietzsche

Il sistema di visione del mondo di Friedrich Nietzsche può essere definito nichilismo filosofico, poiché la critica occupava il posto più importante nel suo lavoro. I tratti caratteristici della filosofia di Nietzsche sono: la critica dei dogmi della chiesa, la rivalutazione di tutti i concetti umani stabiliti, il riconoscimento dei limiti e della relatività di ogni moralità, l'idea dell'eterno divenire, il pensiero di un filosofo e storico come un profeta che rovescia il passato per il futuro, i problemi del posto e della libertà dell'individuo nella società e nella storia, la negazione dell'unificazione e del livellamento delle persone, il sogno appassionato di una nuova era storica, quando la razza umana matura e realizza i suoi compiti.

Nello sviluppo delle visioni filosofiche di Friedrich Nietzsche si possono distinguere due fasi: lo sviluppo attivo della cultura del volgare - letteratura, storia, filosofia, musica, accompagnato da un culto romantico dell'antichità; critica dei fondamenti della cultura dell'Europa occidentale ("The Wanderer and His Shadow", "Morning Dawn", "Merry Science") e il rovesciamento degli idoliXIXsecolo ei secoli passati ("La caduta degli idoli", "Zarathustra", la dottrina del "superuomo").

In una fase iniziale del suo lavoro, la posizione critica di Nietzsche non aveva ancora preso forma. A quel tempo, amava le idee di Arthur Schopenhauer, definendolo il suo insegnante. Tuttavia, dopo il 1878, la sua posizione si capovolse e iniziò ad emergere una spinta critica della sua filosofia: nel maggio 1878 Nietzsche pubblicò Humanity Too Human, sottotitolato A Book for Free Minds, in cui ruppe pubblicamente con il passato e i suoi valori: Ellenismo. , Cristianesimo, Schopenhauer.

Nietzsche considerava suo merito principale quello di aver intrapreso e compiuto una rivalutazione di tutti i valori: tutto ciò che solitamente viene riconosciuto come prezioso, infatti, non ha nulla a che fare con il vero valore. Secondo lui, è necessario mettere tutto al suo posto - mettere i valori veri al posto dei valori immaginari. In questa rivalutazione dei valori, che costituisce essenzialmente la filosofia stessa di Nietzsche, ha cercato di stare "al di là del bene e del male". La moralità ordinaria, per quanto sviluppata e complessa, è sempre racchiusa in una cornice, i cui lati opposti costituiscono l'idea del bene e del male. I loro limiti esauriscono tutte le forme di relazioni morali esistenti, mentre Nietzsche voleva andare oltre questi limiti.

F. Nietzsche ha definito la cultura contemporanea come nella fase del declino e del decadimento della moralità. La morale corrompe la cultura dall'interno, perché è uno strumento per controllare la folla, i suoi istinti. Secondo il filosofo, la morale e la religione cristiana affermano l'obbediente "morale degli schiavi". Pertanto, è necessario operare una "rivalutazione dei valori" e individuare i fondamenti della moralità di un "uomo forte". Pertanto, Friedrich Nietzsche distingue tra due tipi di moralità: padrone e schiavo. La moralità dei "maestri" afferma il valore della vita, che si manifesta maggiormente sullo sfondo della naturale disuguaglianza delle persone, dovuta alla differenza di volontà e vitalità.

Tutti gli aspetti della cultura romantica furono aspramente criticati da Nietzsche. Rovescia la dualità romantica quando scrive: “Non ha senso comporre favole sull'” altro ”mondo, a meno che non abbiamo un forte impulso a calunniare la vita, sminuirla, guardarla con sospetto: in quest'ultimo caso, vendichiamo life with phantasmagoria” un'altra vita “migliore”.

Un altro esempio della sua opinione su questa edizioneè l'affermazione: "La divisione del mondo in" vero "e" apparente "", nel senso di Kant, indica un declino - questo è un sintomo dell'impostazione della vita ..."

Ecco alcuni estratti delle sue citazioni su alcuni rappresentanti dell'era del romanticismo: "" Insopportabile: ... - Schiller, o il trombettista della moralità di Säckingen ... - V. Hugo, o faro su un mare di follia. - Liszt, o la scuola di audaci assalti all'inseguimento delle donne. - George Sand, o abbondanza di latte, che in tedesco significa: una vacca da mungere con un "bello stile". - La musica di Offenbach - Zola, o "l'amore per la puzza".

Di un rappresentante di spicco del pessimismo romantico in filosofia, Arthur Schopenhauer, che Nietzsche dapprima considerava il suo maestro e lo ammirava, si scriverà in seguito: “Schopenhauer è l'ultimo dei tedeschi che non può essere passato sotto silenzio. Questo tedesco, come Goethe, Hegel e Heinrich Heine, non era solo un fenomeno “nazionale”, locale, ma anche paneuropeo. È di grande interesse per lo psicologo come un appello brillante e malizioso a combattere il nome della svalutazione nichilista della vita, il contrario della visione del mondo - la grande autoaffermazione della "volontà di vivere", una forma di abbondanza ed eccesso della vita. Arte, eroismo, genio, bellezza, grande compassione, conoscenza, volontà di verità, tragedia - tutto questo, uno dopo l'altro, Schopenhauer ha spiegato come fenomeni che accompagnano la "negazione" o l'impoverimento della "volontà", e questo fa della sua filosofia il più grande falsità psicologica nella storia. la storia dell'umanità."

Ha dato una valutazione negativa alla maggior parte rappresentanti di spicco cultura dei secoli passati e contemporanea ad essa. La sua delusione per loro sta nella frase: "Ho cercato persone fantastiche e ho sempre trovato solo scimmie del mio ideale" .

Johann Wolfgang Goethe è stata una delle poche personalità creative che ha suscitato l'approvazione e l'ammirazione di Nietzsche per tutta la vita; si è rivelato un idolo imbattuto. Scriveva di lui Nietzsche: “Goethe non è un fenomeno tedesco ma europeo, maestoso tentativo di superare il Settecento tornando alla natura, ascendendo alla naturalezza del Rinascimento, esempio di superamento di sé dalla storia del nostro secolo . Tutti i suoi istinti più forti erano riuniti in lui: sensibilità, amore appassionato per la natura, istinti antistorici, idealistici, irreali e rivoluzionari (quest'ultimo è solo una delle forme dell'irreale)... non si è allontanato dalla vita, ma è andato in profondità, non si è perso d'animo e quanto poteva prendere su di sé, dentro se stesso e oltre se stesso ... Ha raggiunto la completezza; ha lottato contro la disgregazione della ragione, della sensibilità, del sentimento e della volontà (predicata da Kant, agli antipodi di Goethe, in disgustosa scolastica), si è educato alla totalità, si è creato... Goethe era un realista convinto in mezzo a una mentalità irrealistica età.

Nella citazione di cui sopra, c'è un altro aspetto della critica di Nietzsche al romanticismo: la sua critica all'isolamento dalla realtà dell'estetica romantica.

Riguardo all'età del romanticismo, Nietzsche scrive: “Non c'èXIXsecolo, soprattutto all'inizio, solo intensificato, ingrossatoXVIIIsecolo, in altre parole: un secolo decadente? E Goethe, non solo per la Germania, ma per tutta l'Europa, non è solo un fenomeno accidentale, alto e vano? .

L'interpretazione di Nietzsche del tragico è interessante, collegata, tra l'altro, alla sua valutazione dell'estetica romantica. Il filosofo scrive al riguardo: "L'artista tragico non è un pessimista, è più disposto a prendere esattamente tutto ciò che è misterioso e terribile, è un seguace di Dioniso" . L'essenza della non comprensione del tragico Nietzsche si riflette nella sua affermazione: “Cosa ci mostra l'artista tragico? Non mostra uno stato di impavidità davanti al terribile e misterioso. Solo questo stato è il sommo bene, e chi lo ha sperimentato lo pone infinitamente in alto. L'artista ci trasmette questo stato, deve trasmettercelo proprio perché è un artista-genio della trasmissione. Coraggio e libertà di sentire di fronte a un potente nemico, di fronte a un grande dolore, di fronte a un compito che ispira orrore: questo stato vittorioso è scelto e glorificato dall'artista tragico! .

Traendo conclusioni sulla critica del romanticismo, possiamo dire quanto segue: molti argomenti relativi all'estetica del romanticismo sono negativi (tra cui G.F. Hegel e F. Nietzsche) hanno luogo. Come ogni manifestazione di cultura, questo tipo ha lati sia positivi che negativi. Tuttavia, nonostante la censura di molti contemporanei e rappresentantiXXsecoli, la cultura romantica, che comprende arte, letteratura, filosofia e altre manifestazioni romantiche, è ancora rilevante e suscita interesse, trasformandosi e rianimandosi in nuovi sistemi di visione del mondo e direzioni dell'arte e della letteratura.

Conclusione

Dopo aver studiato la letteratura filosofica, estetica e musicologica, oltre a conoscerla opere d'arte in relazione all'area del problema in esame, siamo giunti alle seguenti conclusioni.

Il romanticismo è nato in Germania sotto forma di "estetica della delusione" nelle idee della Rivoluzione francese. Il risultato di ciò fu un sistema romantico di idee: il male, la morte e l'ingiustizia sono eterni e irremovibili dal mondo; il dolore mondiale è uno stato del mondo che è diventato uno stato d'animo di un eroe lirico.

Nella lotta contro l'ingiustizia del mondo, la morte e il male, l'anima di un eroe romantico cerca una via d'uscita e la trova nel mondo dei sogni: questo manifesta la dualità della coscienza caratteristica dei romantici.

Un'altra caratteristica importante del romanticismo è che l'estetica romantica gravita verso l'individualismo e la soggettività. Il risultato di ciò fu la maggiore attenzione dei romantici ai sentimenti e alla sensibilità.

Le idee dei romantici tedeschi erano universali e divennero il fondamento dell'estetica del romanticismo, influenzandone lo sviluppo in altri paesi. Il romanticismo tedesco è caratterizzato da un orientamento tragico e da un linguaggio artistico, che si è manifestato in tutte le sfere della vita.

La comprensione del contenuto immanente della categoria tragica è cambiata in modo significativo da un'epoca all'altra, riflettendo il cambiamento quadro complessivo pace. Nel mondo antico, il tragico era associato a un certo obiettivo inizio - destino, roccia; nel Medioevo la tragedia era considerata principalmente come la tragedia della caduta, che Cristo espiò con la sua impresa; nell'Illuminismo si formò il concetto di una tragica collisione tra sentimento e dovere; nell'era del romanticismo, il tragico è apparso in una forma estremamente soggettiva, proponendo un eroe tragico sofferente che si trova di fronte al male, alla crudeltà e all'ingiustizia delle persone e dell'intero ordine mondiale e cerca di combatterlo.

Le figure culturali di spicco del romanticismo tedesco - Goethe e Schopenhauer - sono unite dall'orientamento tragico dei loro sistemi di visione del mondo e creatività, e considerano l'arte un elemento catartico della tragedia, una sorta di espiazione per la sofferenza della vita terrena, assegnando un posto speciale per la musica.

Gli aspetti principali della critica al romanticismo si riducono a quanto segue. I romantici sono criticati per il loro desiderio di opporre la loro estetica all'estetica un'epoca passata, classicismo e il loro rifiuto dell'eredità dell'Illuminismo; la dualità, vista dai critici come separata dalla realtà; mancanza di obiettività; esagerazione della sfera emotiva e sottovalutazione del razionale; mancanza di sistematizzazione e incompletezza del concetto estetico romantico.

Nonostante la validità delle critiche al romanticismo, le manifestazioni culturali di quest'epoca sono rilevanti e suscitano interesse anche inXXIsecolo. Echi trasformati della visione romantica del mondo possono essere trovati in molte aree della cultura. Ad esempio, crediamo che la base dei sistemi filosofici di Albert Camus e José Ortega y Gasset fosse l'estetica romantica tedesca con la sua tragica dominante, ma ripensata da loro già nelle condizioni della culturaXXsecolo.

Il nostro studio aiuta non solo a identificare i tratti caratteristici comuni dell'estetica romantica e le caratteristiche specifiche del romanticismo tedesco, a mostrare il cambiamento nel contenuto immanente della categoria tragica e la sua comprensione in diverse epoche storiche, e anche a identificare le specificità del manifestazione del tragico nella cultura del romanticismo tedesco e dei limiti dell'estetica romantica, ma contribuisce anche a comprendere l'arte dell'era del romanticismo, trovando le sue immagini e temi universali, oltre a costruire un'interpretazione significativa dell'opera dei romantici .

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Per restringere i risultati della ricerca, puoi affinare la query specificando i campi su cui eseguire la ricerca. L'elenco dei campi è presentato sopra. Per esempio:

Puoi cercare in più campi contemporaneamente:

operatori logici

L'operatore predefinito è E.
Operatore E significa che il documento deve corrispondere a tutti gli elementi del gruppo:

Ricerca e Sviluppo

Operatore O significa che il documento deve corrispondere a uno dei valori nel gruppo:

studio O sviluppo

Operatore NON esclude i documenti contenenti questo elemento:

studio NON sviluppo

Tipo di ricerca

Quando si scrive una query, è possibile specificare il modo in cui verrà cercata la frase. Sono supportati quattro metodi: ricerca basata sulla morfologia, senza morfologia, ricerca di un prefisso, ricerca di una frase.
Per impostazione predefinita, la ricerca si basa sulla morfologia.
Per cercare senza morfologia, è sufficiente anteporre il simbolo del "dollaro" alle parole della frase:

$ studio $ sviluppo

Per cercare un prefisso, è necessario inserire un asterisco dopo la query:

studio *

Per cercare una frase, è necessario racchiudere la query tra virgolette:

" ricerca e sviluppo "

Cerca per sinonimi

Per includere i sinonimi di una parola nei risultati di ricerca, metti un cancelletto " # " prima di una parola o prima di un'espressione tra parentesi.
Se applicato a una parola, verranno trovati fino a tre sinonimi.
Se applicato a un'espressione tra parentesi, verrà aggiunto un sinonimo a ciascuna parola se ne è stata trovata una.
Non compatibile con ricerche senza morfologia, prefisso o frase.

# studio

raggruppamento

Le parentesi vengono utilizzate per raggruppare le frasi di ricerca. Ciò consente di controllare la logica booleana della richiesta.
Ad esempio, è necessario fare una richiesta: trovare documenti il ​​cui autore è Ivanov o Petrov e il titolo contiene le parole ricerca o sviluppo:

Ricerca di parole approssimative

Per ricerca approssimativa devi mettere una tilde " ~ " alla fine di una parola in una frase. Ad esempio:

bromo ~

La ricerca troverà parole come "bromine", "rum", "prom", ecc.
È possibile specificare facoltativamente il numero massimo di modifiche possibili: 0, 1 o 2. Ad esempio:

bromo ~1

Il valore predefinito è 2 modifiche.

Criterio di prossimità

Per cercare per vicinanza, devi mettere una tilde " ~ " alla fine di una frase. Ad esempio, per trovare documenti con le parole ricerca e sviluppo all'interno di 2 parole, utilizzare la seguente query:

" Ricerca e Sviluppo "~2

Rilevanza dell'espressione

Per modificare la rilevanza delle singole espressioni nella ricerca, utilizzare il segno " ^ " alla fine di un'espressione, e poi indicare il livello di rilevanza di questa espressione rispetto alle altre.
Più alto è il livello, più rilevante è l'espressione data.
Ad esempio, in questa espressione, la parola "ricerca" è quattro volte più rilevante della parola "sviluppo":

studio ^4 sviluppo

Per impostazione predefinita, il livello è 1. I valori validi sono un numero reale positivo.

Cerca all'interno di un intervallo

Per specificare l'intervallo in cui dovrebbe trovarsi il valore di un campo, è necessario specificare i valori limite tra parentesi, separati dall'operatore A.
Verrà eseguito un ordinamento lessicografico.

Tale query restituirà risultati con l'autore che inizia da Ivanov e termina con Petrov, ma Ivanov e Petrov non saranno inclusi nel risultato.
Per includere un valore in un intervallo, utilizzare le parentesi quadre. Usa le parentesi graffe per sfuggire a un valore.