Compositori dell'era romantica. Tardi romantici

Romanticismo in musica

articolo principale: Musica del periodo romantico

Nella musica si sviluppò la direzione del romanticismo 1820 anni, il suo sviluppo ha preso il tutto XIX secolo. I compositori romantici hanno provato con l'aiuto di mezzi musicali esprimere la profondità e la ricchezza del mondo interiore dell'uomo. La musica diventa più in rilievo, individuale. I generi di canzoni si stanno sviluppando, incluso ballata.

I rappresentanti del romanticismo nella musica sono: in Austria - FranzSchubert; v Germania - Ernest Theodor Hoffman, Carlo Maria Weber,Riccardo Wagner, Felice Mendelssohn, Roberto Schumann, Ludwig Spohr; v Italia - Niccolò Paganini, Vincenzo Bellini, Presto Giuseppe Verdi; In Francia - G.Berlioz, DF Ober, J. Meyerbeer; v Polonia - Federico Chopin; v Ungheria - Franz Listz.

In Russia, in linea con il romanticismo, hanno funzionato AA Alyabiev, MI Glinka, Dargomyzhsky, Balakirev, N. A. Rimskij-Korsakov, Musorgskij,Borodin, Cui, PI Ciajkovskij.

L'idea della sintesi artistica ha trovato espressione nell'ideologia e nella pratica del romanticismo. Il romanticismo in musica prese forma negli anni '20 del XIX secolo sotto l'influenza della letteratura del romanticismo e si sviluppò in stretta connessione con essa, con la letteratura in generale (rivolgendosi a generi sintetici, principalmente opera, canto, miniature strumentali e programmazione musicale). L'appello al mondo interiore di una persona, caratteristico del romanticismo, si esprimeva nel culto del soggettivo, nella brama dell'emotivamente intenso, che determinava il primato della musica e dei testi nel romanticismo.

Musica 1 metà del XIX v. si è evoluto rapidamente. È emerso un nuovo linguaggio musicale; nella musica strumentale e vocale da camera, la miniatura ha ricevuto un posto speciale; l'orchestra suonava con un diverso spettro di colori; le possibilità del pianoforte e del violino sono state rivelate in un modo nuovo; la musica dei romantici era molto virtuosa.

Il romanticismo musicale si è manifestato in molti rami diversi associati a diversi culture nazionali e con vari movimenti sociali. Quindi, ad esempio, lo stile intimo e lirico dei romantici tedeschi e il pathos civile "oratorio", caratteristico della creatività, differiscono in modo significativo. compositori francesi. A loro volta, rappresentanti di nuove scuole nazionali sorte sulla base di un ampio movimento di liberazione nazionale (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), nonché rappresentanti della scuola lirica italiana, strettamente legata al movimento risorgimentale (Verdi, Bellini), in molti modi differiscono dai contemporanei in Germania, Austria o Francia, in particolare, la tendenza a preservare le tradizioni classiche.

Tuttavia, tutti sono contrassegnati da alcuni principi artistici generali che ci consentono di parlare di un'unica struttura romantica del pensiero.

Grazie alla speciale capacità della musica di rivelare in modo profondo e penetrante il ricco mondo delle esperienze umane, è stata messa al primo posto tra le altre arti dall'estetica romantica. Molti romantici hanno sottolineato un inizio intuitivo della musica, attribuendogli la proprietà di esprimere l '"inconoscibile". Il lavoro di eccezionali compositori romantici aveva una forte base realistica. interesse per la vita persone normali, la pienezza della vita e la verità dei sentimenti, la dipendenza dalla musica della vita quotidiana ha determinato il realismo del lavoro dei migliori rappresentanti del romanticismo musicale. Le tendenze reazionarie (misticismo, fuga dalla realtà) sono inerenti solo a un numero relativamente piccolo di opere di romantici. Apparvero in parte nell'opera Euryanta di Weber (1823), in alcuni drammi musicali di Wagner, nell'oratorio Cristo di Liszt (1862), ecc.

All'inizio del XIX secolo apparvero studi fondamentali di folklore, storia, letteratura antica, leggende medievali, arte gotica e cultura del Rinascimento che era stata dimenticata. Fu in questo momento che nell'opera europea del compositore si svilupparono molte scuole nazionali di tipo speciale, destinate ad ampliare notevolmente i confini della comune cultura europea. Russo, che presto prese, se non il primo, uno dei primi posti nella creatività culturale mondiale (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), polacco (Chopin, Moniuszko), ceco (panna acida, Dvorak), ungherese ( List), poi norvegese (Grieg), spagnolo (Pedrel), finlandese (Sibelius), inglese (Elgar) - tutti loro, fondendosi nella corrente principale generale dell'opera del compositore in Europa, non si opposero in alcun modo alle antiche tradizioni consolidate . È emerso un nuovo cerchio di immagini, che esprime le caratteristiche nazionali uniche della cultura nazionale a cui apparteneva il compositore. La struttura dell'intonazione dell'opera consente di riconoscere immediatamente a orecchio l'appartenenza a una particolare scuola nazionale.

I compositori coinvolgono nel comune linguaggio musicale europeo le svolte intonazionali del vecchio folklore, principalmente contadino, dei loro paesi. Loro, per così dire, hanno ripulito la canzone popolare russa dall'opera laccata, hanno introdotto nel sistema di intonazione cosmopolita dei turni di canzoni del XVIII secolo dei generi folk-quotidiani. Il fenomeno più sorprendente nella musica del romanticismo, percepito in modo particolarmente vivido se confrontato con la sfera figurativa del classicismo, è il predominio del principio lirico-psicologico. Naturalmente, una caratteristica distintiva dell'arte musicale in generale è la rifrazione di qualsiasi fenomeno attraverso la sfera dei sentimenti. La musica di tutte le epoche è soggetta a questo schema. Ma i romantici hanno superato tutti i loro predecessori nel valore dell'inizio lirico nella loro musica, nella forza e nella perfezione nel trasmettere le profondità del mondo interiore di una persona, le sfumature più sottili dell'umore.

Il tema dell'amore occupa un posto dominante in esso, perché è questo stato d'animo che riflette in modo più completo e completo tutte le profondità e le sfumature della psiche umana. Ma in il grado più altoÈ caratteristico che questo tema non si limiti ai motivi dell'amore in letteralmente parole, ma si identifica con la più ampia gamma di fenomeni. Le esperienze puramente liriche dei personaggi si rivelano sullo sfondo di un ampio panorama storico. L'amore di una persona per la sua casa, per la sua patria, per la sua gente scorre come un filo attraverso il lavoro di tutti i compositori romantici.

Un posto enorme è dato nelle opere musicali di piccole e grandi forme all'immagine della natura, strettamente e indissolubilmente intrecciata con il tema della confessione lirica. Come le immagini dell'amore, l'immagine della natura personifica lo stato d'animo dell'eroe, così spesso colorato da un senso di disarmonia con la realtà.

Il tema della fantasia spesso compete con le immagini della natura, probabilmente generato dal desiderio di sfuggire alla prigionia della vita reale. Tipico dei romantici era la ricerca di un meraviglioso, scintillante della ricchezza dei colori del mondo, opposto alla grigia quotidianità. Fu in questi anni che la letteratura si arricchì di fiabe, ballate di scrittori russi. I compositori della scuola romantica hanno favolosi, immagini fantastiche assumere un'identità nazionale. Le ballate sono ispirate agli scrittori russi e, grazie a ciò, vengono create opere di un fantastico piano grottesco, che simboleggiano, per così dire, il lato sbagliato della fede, che si sforzano di ribaltare le idee di paura delle forze del male.

Molti compositori romantici hanno anche agito come scrittori e critici musicali (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, ecc.). Il lavoro teorico dei rappresentanti del romanticismo progressista ha dato un contributo molto significativo allo sviluppo delle questioni più importanti dell'arte musicale. Il romanticismo ha trovato espressione anche nelle arti dello spettacolo (il violinista Paganini, il cantante A. Nurri e altri).

Il significato progressivo del romanticismo in questo periodo risiede principalmente nell'attività Franz Listz. Il lavoro di Liszt, nonostante la visione del mondo contraddittoria, era fondamentalmente progressista, realistico. Uno dei fondatori e dei classici della musica ungherese, un eccezionale artista nazionale.

I temi nazionali ungheresi si riflettono ampiamente in molte delle opere di Liszt. Le composizioni romantiche e virtuosistiche di Liszt hanno ampliato le possibilità tecniche ed espressive del pianoforte (concerti, sonate). Significativi furono i legami di Liszt con i rappresentanti della musica russa, di cui promuoveva attivamente le opere.

Allo stesso tempo, Liszt ha svolto un ruolo importante nello sviluppo dell'arte musicale mondiale. Dopo Liszt, “tutto è diventato possibile per il pianoforte”. I tratti caratteristici della sua musica sono l'improvvisazione, l'esaltazione romantica dei sentimenti, la melodia espressiva. Liszt è apprezzato come compositore, interprete, figura musicale. Principali opere del compositore: opera “ Don Sancho o il castello dell'amore"(1825), 13 poemi sinfonici" Tasso”, ” Prometeo”, “Frazione” e altri, opere per orchestra, 2 concerti per pianoforte e orchestra, 75 romanze, cori e altre opere altrettanto note.

Una delle prime manifestazioni del romanticismo nella musica è stata la creatività FranzSchubert(1797-1828). Schubert è entrato nella storia della musica come il più grande dei fondatori del romanticismo musicale e il creatore di una serie di nuovi generi: sinfonia romantica, miniatura per pianoforte, canzone lirico-romantica (romanzo). La cosa più importante nel suo lavoro è canzone, in cui ha mostrato soprattutto molte tendenze innovative. Nelle canzoni di Schubert, il mondo interiore di una persona è rivelato più profondamente, il suo legame caratteristico con la musica popolare è più evidente, una delle caratteristiche più essenziali del suo talento è più evidente: la straordinaria varietà, bellezza, fascino delle melodie. A le migliori canzoni primo periodo appartengono a " Margherita al filatoio”(1814) , “re della foresta". Entrambe le canzoni sono scritte con le parole di Goethe. Nel primo, la ragazza abbandonata ricorda il suo amato. È sola e profondamente sofferente, la sua canzone è triste. Una melodia semplice e sincera è riecheggiata solo dal monotono ronzio della brezza. "The Forest King" è un'opera complessa. Questa non è una canzone, ma piuttosto una scena drammatica in cui ci appaiono davanti tre personaggi: un padre a cavallo attraverso la foresta, un bambino malato che porta con sé e un formidabile re della foresta che appare a un ragazzo in preda alla febbre delirio. Ognuno di loro ha il suo linguaggio melodico. Le canzoni di Schubert "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" non sono meno famose e amate. Scritte negli anni successivi, queste canzoni sono notevoli per la loro melodia sorprendentemente semplice ed espressiva e per i colori freschi.

Schubert ha anche scritto due cicli di canzoni - " bel mugnaio"(1823), e" percorso invernale"(1872) - alle parole poeta tedesco Wilhelm Müller. In ognuna di esse, le canzoni sono unite da una trama. Le canzoni del ciclo "The Beautiful Miller's Woman" raccontano di un ragazzo. Seguendo il corso del torrente, si mette in viaggio alla ricerca della sua felicità. La maggior parte delle canzoni di questo ciclo ha un carattere leggero. Il mood del ciclo “Winter Way” è completamente diverso. Un giovane povero viene rifiutato da una sposa ricca. Disperato, lascia la sua città natale e va a vagare per il mondo. I suoi compagni sono il vento, una bufera di neve, un corvo minacciosamente gracchiante.

I pochi esempi qui riportati ci permettono di parlare delle caratteristiche del songwriting di Schubert.

Schubert amava scrivere musica per pianoforte. Per questo strumento ha scritto un numero enorme di opere. Come le canzoni, le sue opere per pianoforte erano vicine alla musica di tutti i giorni e altrettanto semplici e comprensibili. I generi preferiti delle sue composizioni erano danze, marce e in l'anno scorso vita - improvvisato.

Valzer e altri balli di solito apparivano ai balli di Schubert, nelle passeggiate in campagna. Lì li ha improvvisati e li ha registrati a casa.

Se confrontiamo i brani per pianoforte di Schubert con le sue canzoni, possiamo trovare molte somiglianze. Prima di tutto, è una grande espressività melodica, grazia, giustapposizione colorata di maggiore e minore.

Uno dei più grandi francese compositori della seconda metà del XIX secolo Giorgio Bizet, il creatore di una creazione immortale per il teatro musicale - opere “Carmen"e musica meravigliosa per il dramma di Alphonse Daudet" Arlesiano”.

L'opera di Bizet è caratterizzata da accuratezza e chiarezza di pensiero, novità e freschezza di mezzi espressivi, completezza ed eleganza di forma. Bizet è caratterizzato dall'acutezza dell'analisi psicologica nella comprensione dei sentimenti e delle azioni umane, caratteristica del lavoro dei grandi compatrioti del compositore: gli scrittori Balzac, Flaubert, Maupassant. Il posto centrale nell'opera di Bizet, diversificata nei generi, appartiene all'opera. L'arte operistica del compositore è nata sul suolo nazionale ed è stata nutrita dalle tradizioni del teatro dell'opera francese. Bizet considerava il primo compito del suo lavoro il superamento dell'esistente Opera francese restrizioni di genere che ne ostacolano lo sviluppo. L'opera “grande” gli sembra un genere morto, l'opera lirica irrita con il suo pianto e la sua ottusità piccolo-borghese, il comico merita attenzione più di altri. Per la prima volta nell'opera di Bizet compaiono scene domestiche e di massa succose e vivaci, che anticipano la vita e scene vivide.

La musica di Bizet per il dramma di Alphonse Daudet “Arlesiano” è nota principalmente per due suite da concerto composte dai suoi migliori numeri. Bizet ha utilizzato alcune autentiche melodie provenzali : “Marcia dei Re Magi” E "Danza di cavalli vivaci".

Opera di Bizet Carmen”- un dramma musicale che dispiega davanti al pubblico con convincente veridicità e con accattivante potenza artistica la storia dell'amore e della morte dei suoi eroi: il soldato Jose e la zingara Carmen. L'opera Carmen è stata creata sulla base delle tradizioni del teatro musicale francese, ma allo stesso tempo ha introdotto anche molte novità. Basandosi sui migliori risultati dell'opera nazionale e riformando i suoi elementi più importanti, Bizet ha creato nuovo genere- dramma musicale realistico.

Nella storia del teatro dell'opera del XIX secolo, l'opera Carmen occupa uno dei primi posti. Dal 1876 inizia la sua processione trionfale attraverso le tappe. teatri d'opera Vienna, Bruxelles, Londra.

La manifestazione di un rapporto personale con l'ambiente è stata espressa da poeti e musicisti, prima di tutto, in immediatezza, "apertura" emotiva e passione espressiva, nel tentativo di convincere l'ascoltatore con l'aiuto dell'incessante intensità del tono di riconoscimento o confessione.

Queste nuove tendenze nell'arte hanno avuto un'influenza decisiva sull'emergere opera lirica. È nato come antitesi di "grande" e opera comica, ma non poteva ignorare le loro conquiste e conquiste nel campo della drammaturgia operistica e dei mezzi di espressione musicale.

Una caratteristica distintiva del nuovo genere operistico era l'interpretazione lirica di qualsiasi trama letteraria - storica, filosofica o tema moderno. Gli eroi dell'opera lirica sono dotati dei tratti della gente comune, privi di esclusività e qualche iperbolizzazione, caratteristica di un'opera romantica. L'artista più significativo nel campo dell'opera lirica era Carlo Gounod.

Tra il patrimonio operistico piuttosto numeroso di Gounod, l'opera “ Faust" occupa un posto speciale e, si potrebbe dire, eccezionale. Suo fama mondiale e la popolarità non hanno eguali nelle altre opere di Gounod. Il significato storico dell'opera Faust è particolarmente grande perché non è stata solo la migliore, ma in sostanza la prima tra le opere della nuova direzione, di cui Tchaikovsky ha scritto: “È impossibile negare che Faust sia stato scritto, se non con genio, quindi con straordinaria abilità e senza significativa identità. Nell'immagine di Faust, la netta incoerenza e la "biforcazione" della sua coscienza, l'eterna insoddisfazione causata dal desiderio di conoscere il mondo, vengono appianate. Gounod non poteva trasmettere tutta la versatilità e la complessità dell'immagine del Mefistofele di Goethe, che incarnava lo spirito della critica militante di quell'epoca.

Uno dei motivi principali della popolarità di "Faust" era che concentrava le caratteristiche migliori e fondamentalmente nuove del giovane genere dell'opera lirica: un trasferimento emotivamente diretto e vividamente individuale del mondo interiore dei personaggi dell'opera. Il profondo significato filosofico del Faust di Goethe, che cercava di rivelare i destini storici e sociali di tutta l'umanità sull'esempio del conflitto dei personaggi principali, è stato incarnato da Gounod sotto forma di un dramma lirico umano di Marguerite e Faust.

Compositore, direttore d'orchestra, critico musicale francese Ettore Berliozè entrato nella storia della musica come il più grande compositore romantico, ideatore del programma sinfonico, innovatore nel campo della forma musicale, dell'armonia e soprattutto della strumentazione. Nel suo lavoro, hanno trovato una vivida incarnazione delle caratteristiche del pathos rivoluzionario e dell'eroismo. Berlioz conosceva M. Glinka, di cui apprezzava molto la musica. Era in rapporti amichevoli con i leader del "Mighty Handful", che accettarono con entusiasmo i suoi scritti e principi creativi.

Ha creato 5 opere teatrali musicali, tra cui l'opera " Benvenuto Cillini”(1838), “ Troiani”,”Beatrice e Benedetto(basato sulla commedia di Shakespeare Molto rumore per nulla, 1862); 23 opere vocali e sinfoniche, 31 romanze, cori, scrisse i libri “Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration” (1844), “Serate nell'orchestra” (1853), “Through Songs” (1862), “Musical Curiosities” ( 1859), “Memoirs” (1870), articoli, recensioni.

Tedesco compositore, direttore d'orchestra, drammaturgo, pubblicista Riccardo Wagner entrato nella storia del mondo cultura musicale come uno dei più grandi creatori musicali e dei più grandi riformatori arte operistica. L'obiettivo delle sue riforme era quello di creare una monumentale opera vocale-sinfonica programmatica in forma drammatica, progettata per sostituire tutti i tipi di opera e musica sinfonica. Un'opera del genere era un dramma musicale, in cui la musica scorre in un flusso continuo, fondendo insieme tutti i collegamenti drammatici. Rifiutando il canto finito, Wagner li ha sostituiti con una sorta di recitativo ricco di emozioni. Un posto importante nelle opere di Wagner è occupato da episodi orchestrali indipendenti, che sono un prezioso contributo alla musica sinfonica mondiale.

La mano di Wagner appartiene a 13 opere:“ L'olandese volante”(1843),”Tannhäuser”(1845),“Tristano e Isotta”(1865), “L'oro del Reno”(1869) e così via.; cori, brani per pianoforte, romanze.

Un altro eccezionale compositore, direttore d'orchestra, pianista, insegnante e figura musicale tedesca era Felix Mendelssohn-Bartholdy. Dall'età di 9 anni ha iniziato a esibirsi come pianista, all'età di 17 anni ha creato uno dei capolavori: un'ouverture di una commedia " Sogno di una notte di mezza estate" Shakespeare. Nel 1843 fondò a Lipsia il primo conservatorio in Germania. Nell'opera di Mendelssohn, "un classico tra i romantici", i tratti romantici si uniscono al sistema di pensiero classico. La sua musica è caratterizzata da melodia brillante, democratismo espressivo, moderazione dei sentimenti, calma di pensiero, predominanza di emozioni luminose, stati d'animo lirici, non senza un leggero tocco di sentimentalismo, forme impeccabili, brillante maestria. R. Schumann lo chiamava "Mozart del XIX secolo", G. Heine - "un miracolo musicale".

Autore di sinfonie romantiche di paesaggio ("scozzese", "italiano"), aperture di concerti in programma, un popolare concerto per violino, cicli di brani per pianoforte "Song without Words"; le opere Le nozze di Camacho, scrisse le musiche per la commedia drammatica Antigone (1841), Edipo nel colon (1845) di Sofocle, Atalia di Racine (1845), Sogno di una notte di mezza estate di Shakespeare (1843) e altre; oratori "Paolo" (1836), "Elia" (1846); 2 concerti per pianoforte e 2 per violino.

INItaliano cultura musicale un posto speciale spetta a GiuseppeVerdi- un eccezionale compositore, direttore d'orchestra, organista. L'area principale del lavoro di Verdi è l'opera. Si fece soprattutto portavoce dei sentimenti eroico-patriottici e delle idee di liberazione nazionale del popolo italiano. Negli anni successivi, ha prestato attenzione ai drammatici conflitti generati dalla disuguaglianza sociale, dalla violenza, dall'oppressione e ha denunciato il male nelle sue opere. Tratti caratteristici dell'opera di Verdi: musica popolare, temperamento drammatico, luminosità melodica, comprensione delle leggi del palcoscenico.

Ha scritto 26 opere: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Otello”, “Aida" e così via . , 20 romanzi, ensemble vocali .

Giovane norvegese compositore Edward Grieg (1843-1907) aspirava allo sviluppo della musica nazionale. Ciò si è espresso non solo nel suo lavoro, ma anche nella promozione della musica norvegese.

Durante i suoi anni a Copenaghen, Grieg ha scritto molta musica: “ Quadri poetici” E "Umoristico", sonata per pianoforte e sonata per primo violino, canzoni. Con ogni nuovo lavoro, l'immagine di Grieg come compositore norvegese emerge più chiaramente. Nella sottile lirica "Immagini poetiche" (1863), i tratti nazionali irrompono ancora timidamente. La figura ritmica si trova spesso nella musica popolare norvegese; divenne caratteristico di molte delle melodie di Grieg.

Il lavoro di Grieg è vasto e sfaccettato. Grieg ha scritto opere di vari generi. Concerto per pianoforte e ballate, tre sonate per violino e pianoforte e una sonata per violoncello e pianoforte, il quartetto testimonia la costante smania di Grieg per forma grande. Allo stesso tempo, l'interesse del compositore per le miniature strumentali è rimasto invariato. Nella stessa misura del pianoforte, il compositore era attratto dalla miniatura vocale da camera: una storia d'amore, una canzone. Non essere il principale con Grieg, il campo della creatività sinfonica è segnato da capolavori come le suite " Per Gounod”, “Dai tempi di Holberg". Uno di specie caratteristiche Le opere di Grieg - arrangiamenti di canti e balli popolari: sotto forma di semplici brani per pianoforte, un ciclo di suite per pianoforte a quattro mani.

Il linguaggio musicale di Grieg è vivacemente originale. L'individualità dello stile del compositore è determinata soprattutto dal suo profondo legame con la musica popolare norvegese. Grieg utilizza ampiamente caratteristiche di genere, struttura dell'intonazione, formule ritmiche di canzoni popolari e melodie di danza.

La notevole padronanza di Grieg nello sviluppo variazionale e variante di una melodia è radicata nelle tradizioni popolari di ripetizione ripetuta di una melodia con i suoi cambiamenti. "Ho registrato la musica folk del mio paese." Dietro queste parole c'è l'atteggiamento riverente di Grieg nei confronti arte popolare e il riconoscimento del suo ruolo determinante per la propria creatività.

romanticismo, e infine un potente realismo ... seguito. II. Romanticismo nella pittura russa Romanticismo diverso in Russia...

Zweig aveva ragione: l'Europa non ha visto una generazione così meravigliosa come i romantici dal Rinascimento. Immagini meravigliose del mondo dei sogni, sentimenti nudi e desiderio di spiritualità sublime: questi sono i colori che dipingono la cultura musicale del romanticismo.

L'emergere del romanticismo e la sua estetica

Mentre in Europa si svolgeva la rivoluzione industriale, le speranze riposte nel Grande rivoluzione francese. Il culto della ragione, proclamato dall'Illuminismo, fu rovesciato. Il culto dei sentimenti e il principio naturale nell'uomo sono saliti sul piedistallo.

Così è nato il romanticismo. Nella cultura musicale durò poco più di un secolo (1800-1910), mentre in ambiti affini (pittura e letteratura) scadde mezzo secolo prima. Forse la musica è "da biasimare" per questo: era lei che era al vertice tra le arti dei romantici come la più spirituale e la più libera delle arti.

Tuttavia, i romantici, a differenza dei rappresentanti delle epoche dell'antichità e del classicismo, non costruirono una gerarchia delle arti con la sua chiara divisione in tipi e. Il sistema romantico era universale, le arti potevano muoversi liberamente l'una nell'altra. L'idea della sintesi delle arti era una delle idee chiave nella cultura musicale del romanticismo.

Questo rapporto valeva anche per le categorie dell'estetica: il bello era connesso al brutto, l'alto al basso, il tragico al comico. Tali transizioni erano collegate dall'ironia romantica, che rifletteva anche l'immagine universale del mondo.

Tutto ciò che aveva a che fare con la bellezza acquistava un nuovo significato tra i romantici. La natura divenne un oggetto di culto, l'artista fu idolatrato come il più alto dei mortali e i sentimenti furono esaltati sulla ragione.

La realtà senza spirito si contrapponeva a un sogno, bello, ma irraggiungibile. Un romantico, con l'aiuto dell'immaginazione, ha costruito il suo nuovo mondo, a differenza di altre realtà.

Quali temi sceglievano gli artisti romantici?

Gli interessi dei romantici si manifestavano chiaramente nella scelta dei temi che sceglievano nell'arte.

• Tema della solitudine. Un genio sottovalutato o una persona sola nella società: questi temi erano i principali per i compositori di quest'epoca ("L'amore del poeta" di Schumann, "Senza il sole" di Mussorgsky).
• Il tema della "confessione lirica". In molte opere di compositori romantici c'è un tocco di autobiografia (il carnevale di Schumann, la fantastica sinfonia di Berlioz).
• Tema d'amore. Fondamentalmente, questo è un argomento di indiviso o amore tragico, ma non necessariamente ("Amore e vita di una donna" di Schumann, "Romeo e Giulietta" di Ciajkovskij).
• Tema del percorso. Viene anche chiamata tema del viaggio. L'anima del romanticismo, dilaniata dalle contraddizioni, cercava la propria strada ("Harold in Italy" di Berlioz, "Years of Wanderings" di Liszt).
• Il tema della morte. Fondamentalmente era la morte spirituale (la sesta sinfonia di Tchaikovsky, il "viaggio invernale" di Schubert).
• Tema della natura. La natura agli occhi di una madre romantica e protettiva, e di un'amica empatica, e di un destino che punisce ("Le Ebridi" di Mendelssohn, "In Asia centrale» Bordina). Anche il culto della terra natale (polonaise e ballate di Chopin) è connesso a questo tema.
• Tema di fantasia. Il mondo immaginario per i romantici era molto più ricco di quello reale (" tiratore magico» Weber, «Sadko» Rimsky-Korsakov).

Generi musicali dell'epoca romantica

La cultura musicale del romanticismo ha dato impulso allo sviluppo dei generi dei testi vocali da camera: ballata(“Il re della foresta” di Schubert), poesia("La signora del lago" di Schubert) e canzoni, spesso combinato in cicli("Mirto" di Schumann).

opera romantica si distingueva non solo per la trama fantastica, ma anche per la forte connessione di parole, musica e azione scenica. L'opera è in fase di sinfonia. Basti ricordare l'Anello dei Nibelunghi di Wagner con una rete sviluppata di leitmotiv.

Tra i generi strumentali del romanticismo ci sono miniatura del pianoforte. Per trasmettere un'immagine o uno stato d'animo momentaneo, è sufficiente per loro un piccolo gioco. Nonostante le sue dimensioni, il gioco è pieno di espressione. Potrebbe esserlo "canzone senza parole" (come Mendelssohn) mazurka, valzer, notturno o gioca con titoli programmatici (Schumann's Impulse).

Come le canzoni, le commedie a volte sono combinate in cicli ("Farfalle" di Schumann). Allo stesso tempo, parti del ciclo, fortemente contrastanti, formavano sempre un'unica composizione per connessioni musicali.

I romantici amavano la musica a programma che la combinava con la letteratura, la pittura o altre arti. Pertanto, la trama nei loro scritti spesso governava. C'erano sonate in un movimento (la sonata in si minore di Liszt), concerti in un movimento (il primo concerto per pianoforte di Liszt) e poemi sinfonici (i preludi di Liszt), una sinfonia in cinque movimenti (la fantastica sinfonia di Berlioz).

Il linguaggio musicale dei compositori romantici

La sintesi delle arti, cantata dai romantici, influenzò i mezzi espressività musicale. La melodia è diventata più individuale, sensibile alla poetica della parola, e l'accompagnamento ha cessato di essere neutro e tipico nella trama.

L'armonia si è arricchita di colori inediti per raccontare le esperienze dell'eroe romantico, così le intonazioni romantiche del languore trasmettevano perfettamente armonie alterate che aumentano la tensione. I romantici amavano anche l'effetto del chiaroscuro quando cambiava il maggiore minore con lo stesso nome e accordi di passo laterale e bellissime mappature dei tasti. Sono stati trovati anche nuovi effetti, soprattutto quando era necessario trasmettere lo spirito popolare o immagini fantastiche nella musica.

In generale, la melodia dei romantici tendeva alla continuità dello sviluppo, rifiutava ogni ripetizione automatica, evitava la regolarità degli accenti e respirava espressività in ciascuno dei suoi motivi. E la trama è diventata un legame così importante che il suo ruolo è paragonabile a quello della melodia.

Ascolta che meravigliosa mazurka ha Chopin!

Invece di una conclusione

Cultura musicale del romanticismo fine del XIX e il XX secolo ha conosciuto i primi segni di crisi. "Gratuito" forma musicale cominciò a disintegrarsi, l'armonia prevalse sulla melodia, i sentimenti elevati dell'anima romantica lasciarono il posto a paure dolorose e passioni basse.

Queste tendenze distruttive posero fine al romanticismo e aprirono la strada al modernismo. Ma, cessata la tendenza, il romanticismo ha continuato a vivere sia nella musica del Novecento che nella musica del secolo attuale nelle sue varie componenti. Blok aveva ragione quando diceva che il romanticismo nasce "in tutte le epoche della vita umana".

Il romanticismo nella sua forma più pura è un fenomeno dell'arte dell'Europa occidentale. In russo musica del 19 v. da Glinka a Čajkovskij, le caratteristiche del classicismo erano combinate con le caratteristiche del romanticismo, l'elemento principale era un principio nazionale luminoso e originale.

Il tempo (1812, la rivolta dei Decabristi, la reazione che seguì) lasciò il segno nella musica. Qualunque genere prendiamo - romanticismo, opera, balletto, musica da camera - ovunque i compositori russi hanno pronunciato la loro nuova parola.

All'inizio del XIX secolo - questi sono gli anni della prima e brillante fioritura del genere romantico. I testi modesti e sinceri suonano ancora e deliziano gli ascoltatori. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Ha scritto romanzi sui versi di molti poeti, ma gli immortali lo sono "Usignolo" ai versi di Delvig, "Strada invernale", "Ti amo" sulle poesie di Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) ha scritto musica per spettacoli drammatici, ma lo conosciamo meglio da romanzi famosi "Prendisole rosso", "Non svegliarmi all'alba", "Una vela solitaria diventa bianca".

Aleksandr Lvovič Gurilev (1803-1858)- compositore, pianista, violinista e insegnante, possiede romanzi come "La campana suona monotona", "All'alba di una giovinezza nebbiosa" e così via.

Il posto più importante qui è occupato dai romanzi di Glinka. Nessun altro aveva ancora raggiunto una fusione così naturale della musica con la poesia di Pushkin, Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- un contemporaneo di Pushkin, un classico della letteratura russa, divenne il fondatore classici musicali. Il suo lavoro è uno degli apici della cultura musicale russa e mondiale. Combina armoniosamente la ricchezza musica folk e le più alte conquiste dell'abilità del compositore. Il lavoro realistico profondamente popolare di Glinka rifletteva il potente fiorire della cultura russa nella prima metà del XIX secolo, associato alla guerra patriottica del 1812 e al movimento decabrista. Luce, carattere che afferma la vita, armonia delle forme, bellezza delle melodie espressive e melodiose, varietà, brillantezza e sottigliezza delle armonie sono le qualità più preziose della musica di Glinka. IN famosa opera "Ivan Susanin"(1836) ricevette una brillante espressione dell'idea del patriottismo popolare; La grandezza morale del popolo russo è glorificata anche nell'opera delle fiabe " Ruslan e Ludmilla". Opere orchestrali di Glinka: “Fantasy Waltz”, “Notte a Madrid” e specialmente "Kamarinsky", costituiscono la base del sinfonismo classico russo. Notevole in termini di forza dell'espressione drammatica e luminosità delle caratteristiche della musica per la tragedia "Principe Kholmsky". I testi vocali di Glinka (romanzi "Mi ricordo momento meraviglioso", "Dubbio") è un'incarnazione insuperabile della poesia russa nella musica.

Nella prima metà del XIX sec. la nascita di una scuola nazionale di musica. Nei primi decenni del XIX sec. dominato da tendenze romantiche, manifestate nell'opera di A.N. Verstovsky, che ha utilizzato soggetti storici nel suo lavoro. Il fondatore della scuola musicale russa fu M.I. Glinka, il creatore dei principali generi musicali: opere ("Ivan Susanin", "Ruslan e Lyudmila"), sinfonie, romanticismo, che ha utilizzato attivamente motivi folcloristici nel suo lavoro. Un innovatore nel campo della musica è stato A.S. Dargomyzhsky, autore dell'opera-balletto "Il trionfo di Bacco" e creatore del recitativo nell'opera. La sua musica era strettamente connessa con il lavoro dei compositori di "Mighty Handful" - M.P. Musorgskij, M.A. Balakireva, N.A. Rimskij-Korsakov, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, che aspirava a incarnare nelle loro opere "la vita, non importa dove colpisca", rivolgendosi attivamente a trame storiche e motivi folcloristici. Il loro lavoro ha stabilito il genere del dramma musicale. "Boris Godunov" e "Khovanshchina" di Mussorgsky, "Prince Igor" di Borodin, "The Snow Maiden" e " sposa reale"Rimsky-Korsakov sono l'orgoglio dell'arte russa e mondiale.

Un posto speciale nella musica russa è occupato da P.I. Čajkovskij, che incarnava nelle sue opere il dramma interiore e l'attenzione a mondo interiore umano, caratteristico del russo letteratura XIX secolo, a cui il compositore si rivolgeva spesso (opere "Eugene Onegin", " regina di spade", "Mazepa").

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Tardi romantici

Tardi romantici

Molti dei compositori di questo periodo hanno continuato a scrivere musica fino al XX secolo. Tuttavia, ne parliamo qui, e non nel prossimo capitolo, perché era proprio lo spirito del romanticismo che era forte nella loro musica.

Va notato che alcuni di loro mantennero stretti legami e persino amicizia con i compositori menzionati nelle sottosezioni "Primi romantici" e "Nazionalisti".

Inoltre, va tenuto presente che durante questo periodo in diversi paesi europei ha creato così tanti grandi compositori che qualsiasi loro divisione secondo qualsiasi principio sarebbe del tutto arbitraria. Se in varie pubblicazioni dedicate al periodo classico e al periodo barocco viene menzionato approssimativamente lo stesso periodo di tempo, allora il periodo romantico è definito in modo diverso ovunque. Sembra che il confine tra la fine del periodo romantico e l'inizio del XX secolo in musica sia molto sfumato.

Il principale compositore dell'Ottocento italiano è stato senza dubbio Giuseppe Verdi. Questo ci guarda occhi lucidi un uomo con folti baffi e sopracciglia era di un'intera testa più alto di tutti gli altri compositori d'opera.

Tutte le composizioni di Verdi sono letteralmente traboccanti di melodie luminose e memorabili. In totale, ha scritto ventisei opere, la maggior parte delle quali sono regolarmente messe in scena fino ad oggi. Tra questi ci sono le opere d'arte operistica più famose ed eccezionali di tutti i tempi.

La musica di Verdi era molto apprezzata anche durante la vita del compositore. alla prima Ade Il pubblico ha fatto una standing ovation così lunga che gli artisti hanno dovuto inchinarsi ben trentadue volte.

Verdi era un uomo ricco, ma i soldi non potevano salvare entrambe le mogli ei due figli del compositore dalla morte prematura, quindi ci furono momenti tragici nella sua vita. Lasciò la sua fortuna in un ricovero per vecchi musicisti costruito sotto la sua direzione a Milano. Lo stesso Verdi considerava la creazione di un rifugio, e non la musica, il suo più grande successo.

Nonostante il nome di Verdi sia principalmente associato alle opere, parlando di lui, è impossibile non menzionarlo Requiem, considerato uno dei migliori esempi musica corale. È pieno di drammaticità e alcune caratteristiche dell'opera lo sfuggono.

Il nostro prossimo compositore non è affatto la persona più affascinante. In generale, questa è la figura più scandalosa e controversa di tutte quelle citate nel nostro libro. Se dovessimo fare un elenco basato solo sui tratti della personalità, allora Riccardo Wagner non lo colpirebbe mai. Tuttavia, siamo guidati esclusivamente da criteri musicali e la storia della musica classica è inconcepibile senza quest'uomo.

Il talento di Wagner è innegabile. Da - sotto la sua penna sono usciti alcuni dei più significativi e impressionanti composizioni musicali per l'intero periodo del romanticismo, specialmente per l'opera. Allo stesso tempo, si parla di lui come un antisemita, razzista, burocratico, l'ultimo ingannatore e persino un ladro che non esita a prendere tutto ciò di cui ha bisogno e persone maleducate senza rimorsi. Wagner aveva un'autostima esagerata e credeva che il suo genio lo elevasse al di sopra di tutte le altre persone.

Wagner è ricordato per le sue opere. Questo compositore portò l'opera tedesca a un livello completamente nuovo e, sebbene fosse nato contemporaneamente a Verdi, la sua musica era molto diversa dalle composizioni italiane di quel periodo.

Una delle innovazioni di Wagner era che a ogni personaggio principale veniva assegnato il proprio tema musicale, che veniva ripetuto ogni volta che iniziava a recitare un ruolo significativo sul palco.

Oggi sembra scontato, ma a quel tempo questa idea fece una vera rivoluzione.

Il più grande risultato di Wagner è stato il ciclo Anello del Nibelungo, composto da quattro opere: Oro del Reno, Valchiria, Siegfried E Morte degli dei. Di solito vengono messi in scena quattro sere di fila e in totale durano circa quindici ore. Queste opere da sole basterebbero a glorificare il loro compositore. Nonostante tutta l'ambiguità di Wagner come persona, va riconosciuto che era un compositore eccezionale.

Una caratteristica distintiva delle opere di Wagner è la loro durata. Il suo ultima opera parsifal dura più di quattro ore.

Il direttore d'orchestra David Randolph una volta disse di lei:

“Questa è un'opera della categoria di quelle che iniziano alle sei e quando dopo tre ore guardi orologio da polso, si scopre che mostrano 6:20.

Vita Anton Bruckner come compositore, questa è una lezione su come non arrendersi e insistere per conto proprio. Si esercitava dodici ore al giorno, dedicava tutto il suo tempo al lavoro (era organista) e imparava molto in musica da solo, finendo di padroneggiare le capacità di scrittura per corrispondenza in un'età abbastanza matura - a trentasette anni.

Oggi si ricordano più spesso le sinfonie di Bruckner, di cui ha scritto un totale di nove brani. A volte è stato colto da dubbi sulla sua fattibilità come musicista, ma ha comunque ottenuto riconoscimenti, anche se verso la fine della sua vita. Dopo averlo eseguito Sinfonie n. 1 i critici hanno finalmente elogiato il compositore, che a quel tempo aveva già compiuto quarantaquattro anni.

Giovanni Brahms non uno di quei compositori nati, per così dire, con una bacchetta d'argento in mano. Al momento della sua nascita, la famiglia aveva perso la sua precedente ricchezza e riusciva a malapena a sbarcare il lunario. Da adolescente si guadagnava da vivere suonando nei suoi bordelli città natale Amburgo. Quando Brahms divenne adulto, senza dubbio conobbe i lati tutt'altro che attraenti della vita.

La musica di Brahms è stata promossa dal suo amico, Robert Schumann. Dopo la morte di Schumann, Brahms si avvicinò a Clara Schumann e alla fine si innamorò persino di lei. Non si sa esattamente che tipo di relazione avessero, anche se il sentimento per lei probabilmente ha avuto un ruolo nei suoi rapporti con altre donne: non ha dato il suo cuore a nessuna di loro.

Come persona, Brahms era piuttosto sfrenato e irritabile, ma i suoi amici affermavano che c'era morbidezza in lui, anche se non sempre lo dimostrava a coloro che lo circondavano. Un giorno, tornando a casa da una festa, disse:

"Se non ho offeso nessuno, allora chiedo loro perdono."

Brahms non avrebbe vinto il concorso per il compositore più alla moda ed elegantemente vestito. Non gli piaceva comprare nuovi vestiti e spesso indossava gli stessi pantaloni larghi e rattoppati, quasi sempre troppo corti per lui. Durante un'esibizione, i suoi pantaloni sono quasi caduti. In un'altra occasione dovette togliersi la cravatta e usarla al posto della cintura.

Lo stile musicale di Brahms è stato fortemente influenzato da Haydn, Mozart e Beethoven, e alcuni storici della musica affermano addirittura che abbia scritto nello spirito del classicismo, a quel tempo già fuori moda. Allo stesso tempo, possiede anche diverse nuove idee. Ha avuto particolare successo nello sviluppare piccoli brani musicali e nel ripeterli per tutto il lavoro, quello che i compositori chiamano un "motivo ripetuto".

Opera Brahms non ha scritto, ma si è cimentato in quasi tutti gli altri generi di musica classica. Pertanto, può essere chiamato uno di i più grandi compositori menzionato nel nostro libro, un vero gigante della musica classica. Lui stesso ha detto questo del suo lavoro:

"Non è difficile da comporre, ma è sorprendentemente difficile gettare note extra sotto il tavolo."

Max Bruchè nato appena cinque anni dopo Brahms, e quest'ultimo lo avrebbe sicuramente messo in ombra, se non fosse stato per un'opera, Concerto per violino n. 1.

Lo stesso Bruch ha riconosciuto questo fatto, affermando con modestia insolita per molti compositori:

"Tra cinquant'anni, Brahms sarà definito uno dei più grandi compositori di tutti i tempi, e io sarò ricordato per aver scritto il Concerto per violino in sol minore".

E si è rivelato avere ragione. È vero, lo stesso Brujah ha qualcosa da ricordare! Ha composto molte altre opere - circa duecento in tutto - ha soprattutto molte opere per coro e opere, che oggi raramente vengono messe in scena. La sua musica è melodica, ma non ha contribuito con nulla di particolarmente nuovo al suo sviluppo. Contro il suo background, molti altri compositori dell'epoca sembrano essere dei veri innovatori.

Nel 1880, Bruch fu nominato direttore della Liverpool Royal Philharmonic Society, ma tornò a Berlino tre anni dopo. I musicisti dell'orchestra non erano contenti di lui.

Sulle pagine del nostro libro abbiamo già incontrato tanti prodigi musicali, e Camille Saint-Sans non occupa l'ultimo posto tra loro. All'età di due anni, Saint-Saens stava già raccogliendo melodie al pianoforte e ha imparato a leggere e scrivere musica allo stesso tempo. All'età di tre anni recitava in commedie propria composizione. All'età di dieci anni, ha eseguito perfettamente Mozart e Beethoven. Tuttavia, si interessò seriamente all'entomologia (farfalle e insetti) e successivamente ad altre scienze, tra cui la geologia, l'astronomia e la filosofia. Sembrava così bambino di talento semplicemente non può essere limitato a una cosa.

Dopo essersi diplomato al Conservatorio di Parigi, Saint-Saens ha lavorato per molti anni come organista. Con l'età, ha iniziato a influenzare vita musicale Francia, ed è stato grazie a lui che la musica di compositori come J.S. Bach, Mozart, Handel e Gluck ha iniziato ad essere eseguita più spesso.

Maggior parte famoso saggio Santo - Sansa - carnevale degli animali, che il compositore ha proibito di eseguire durante la sua vita. Era preoccupato di come critici musicali, avendo ascoltato questo lavoro, non lo considerava troppo frivolo. Dopotutto, è divertente quando l'orchestra sul palco ritrae un leone, galline con un gallo, tartarughe, un elefante, un canguro, un acquario con pesci, uccelli, un asino e un cigno.

Saint-Saens ha scritto alcune delle sue altre composizioni per combinazioni di strumenti non così frequenti, comprese le famose "Organo" Sinfonia n. 3, suonava nel film "Babe".

La musica di Saint-Saens ha influenzato il lavoro di altri compositori francesi, tra cui Gabriele Faure. Questo giovane ereditò la carica di organista nella chiesa parigina di Santa Maddalena, precedentemente detenuta da Saint-Saens.

E sebbene il talento di Faure non possa essere paragonato al talento del suo insegnante, era un grande pianista.

Fauré era un uomo povero e quindi lavorava sodo, suonando l'organo, dirigendo il coro e dando lezioni. Stava scrivendo tempo libero, che rimasero pochissimi, ma nonostante ciò riuscì a pubblicare più di duecentocinquanta delle sue opere. Alcuni di loro sono stati composti per molto tempo: ad esempio, lavorare su Requiem durato oltre vent'anni.

Nel 1905 Fauré divenne il direttore del Conservatorio di Parigi, cioè l'uomo da cui dipendeva in gran parte lo sviluppo della musica francese di quel tempo. Quindici anni dopo Faure andò in pensione. Alla fine della sua vita soffriva di perdita dell'udito.

Oggi Faure è rispettato fuori dalla Francia, anche se lì è molto apprezzato.

Per i fan musica inglese l'aspetto di una figura come Edoardo Elgar, deve essere sembrato un vero miracolo. Molti storici della musica si riferiscono a lui come il primo significativo compositore inglese dopo Henry Purcell, che ha lavorato durante il periodo barocco, anche se poco prima abbiamo citato anche Arthur Sullivan.

Elgar amava molto l'Inghilterra, in particolare il suo nativo Worcestershire, dove trascorse la maggior parte della sua vita, trovando ispirazione nei campi delle colline di Malvern.

Da bambino era circondato dalla musica ovunque: suo padre possedeva un negozio di musica locale e insegnava al piccolo Elgar a suonare varie cose strumenti musicali. All'età di dodici anni, il ragazzo stava già sostituendo l'organista alle funzioni religiose.

Dopo aver lavorato nello studio di un avvocato, Elgar ha deciso di dedicarsi a un'occupazione molto meno sicura dal punto di vista finanziario. Per qualche tempo ha lavorato part-time, dando lezioni di violino e pianoforte, suonando in orchestre locali e dirigendo anche un po'.

A poco a poco, la fama di Elgar come compositore crebbe, anche se dovette lottare per uscire dalla sua contea natale. La fama lo ha portato Variazioni su tema originale, che ora sono meglio conosciuti come Variazioni dell'enigma.

Ora la musica di Elgar è percepita come molto inglese e suona durante i più grandi eventi su scala nazionale. Al primo suono Concerto per violoncello appare subito la campagna inglese. Nimrod da Variazioni spesso suonato in cerimonie ufficiali, e Marcia solenne e cerimoniale n. 1, conosciuto come Terra di speranza e gloria eseguire su feste di laurea in tutto il Regno Unito.

Elgar era un padre di famiglia e amava una vita tranquilla e ordinata. Tuttavia, ha lasciato il segno nella storia. Questo compositore dai folti baffi lussureggianti si nota subito sulla banconota da venti sterline. Ovviamente, i progettisti di banconote hanno scoperto che tali peli sul viso sarebbero stati molto difficili da falsificare.

In Italia, il successore di Giuseppe Verdi nell'arte operistica fu Giacomo Puccini, considerato uno dei maestri mondiali riconosciuti di questa forma d'arte.

La famiglia Puccini è stata a lungo associata musica da chiesa ma quando Giacomo ascoltò per la prima volta l'opera Aide Verdi, ha capito che quella era la sua vocazione.

Dopo aver studiato a Milano, Puccini compone un'opera Manon Lesco, che gli portò il suo primo grande successo nel 1893. Successivamente, una produzione di successo si è susseguita a un'altra: Boemia nel 1896, Desiderio nel 1900 e Madama Farfalla nel 1904.

In totale, Puccini compose dodici opere, l'ultima delle quali fu Turandot. Morì senza completare questa composizione e un altro compositore completò il lavoro. Alla prima dell'opera, il direttore d'orchestra Arturo Toscanini fermò l'orchestra esattamente dove aveva interrotto Puccini. Si rivolse al pubblico e disse:

Con la morte di Puccini finì il periodo di massimo splendore dell'arte operistica italiana. Il nostro libro non parlerà più di italiano compositori d'opera. Ma chissà cosa ci riserva il futuro?

Nella vita Gustav Mahler Era più conosciuto come direttore d'orchestra che come compositore. Dirigeva in inverno e in estate, di regola, preferiva scrivere.

Da bambino, si dice che Mahler abbia trovato un pianoforte nella soffitta della casa di sua nonna. Quattro anni dopo, all'età di dieci anni, ha già dato la sua prima esibizione.

Mahler ha studiato al Conservatorio di Vienna, dove ha iniziato a comporre musica. Nel 1897 divenne direttore dell'Opera di Stato di Vienna e nei successivi dieci anni acquisì una notevole fama in questo campo.

Lui stesso iniziò a scrivere tre opere, ma non le finì mai. Nel nostro tempo, è meglio conosciuto come compositore di sinfonie. In questo genere, possiede uno dei veri "successi" - Sinfonia n. 8, nella performance di cui sono coinvolti più di mille musicisti e cantanti.

Dopo la morte di Mahler, la sua musica passò di moda per cinquant'anni, ma nella seconda metà del XX secolo riacquistò popolarità, soprattutto in Gran Bretagna e negli Stati Uniti.

Riccardo Strauss nato in Germania e alla dinastia Strauss viennese non apparteneva. Nonostante questo compositore abbia vissuto quasi tutta la prima metà del XX secolo, è ancora considerato un rappresentante del romanticismo musicale tedesco.

La popolarità mondiale di Richard Strauss risentì in qualche modo del fatto che decise di rimanere in Germania dopo il 1939, e dopo la seconda guerra mondiale fu completamente accusato di collaborare con i nazisti.

Strauss era un eccellente direttore d'orchestra, grazie al quale capiva perfettamente come doveva suonare questo o quello strumento nell'orchestra. Ha spesso applicato questa conoscenza nella pratica. Ha anche dato vari consigli ad altri compositori, come:

"Non guardare mai i tromboni, li incoraggi solo."

“Non sudare mentre ti esibisci; solo gli ascoltatori dovrebbero scaldarsi.

Oggi Strauss è ricordato principalmente in relazione alla sua composizione Così parlò Zarathustra, l'intro utilizzato da Stanley Kubrick nel suo film 2001: Odissea nello spazio. Ma ha anche scritto alcune delle migliori opere tedesche, tra cui - Cavaliere Rosenkalier, Salomè E Arianna a Naxos. Un anno prima della sua morte, ha anche composto molto bello quattro ultime canzoni per voce e orchestra. In realtà, queste non erano le ultime canzoni di Strauss, ma sono diventate una sorta di finale della sua attività creativa.

Fino ad ora, tra i compositori citati in questo libro, c'era un solo rappresentante della Scandinavia: Edvard Grieg. Ma ora siamo di nuovo trasportati in questa terra aspra e fredda, questa volta in Finlandia, dove Jean Sibelius, grande genio musicale.

La musica di Sibelius ha assorbito i miti e le leggende della sua terra natale. Il suo opera più grande, Finlandia,è considerato l'incarnazione dello spirito nazionale dei finlandesi, proprio come nel Regno Unito Tesoro nazionale Le opere di Elgar sono riconosciute. Inoltre, Sibelius, come Mahler, era un vero maestro delle sinfonie.

Quanto alle altre passioni del compositore, nella vita quotidiana amava eccessivamente bere e fumare, tanto che all'età di quarant'anni e passa si ammalò di cancro alla gola. Spesso gli mancavano anche i soldi e lo stato gli dava una pensione in modo che potesse continuare a scrivere musica senza preoccuparsi del suo benessere finanziario. Ma più di vent'anni prima della sua morte, Sibelius smise di comporre qualsiasi cosa. Ha vissuto il resto della sua vita in relativa solitudine. Era particolarmente duro con coloro che ricevevano denaro per le recensioni della sua musica:

“Non prestare attenzione a ciò che dicono i critici. Finora, a nessun critico è stata data una statua.

Anche l'ultimo della nostra lista di compositori del periodo romantico visse fino quasi alla metà del XX secolo, sebbene la maggior parte dei suoi più opere famose scrisse nel 1900. Eppure è classificato tra i romantici, e ci sembra che questo sia il compositore più romantico dell'intero gruppo.

Sergei Vasilievich Rahmaninov nacque in una famiglia nobile, che a quel tempo aveva speso molti soldi. Ha sviluppato un interesse per la musica già da allora prima infanzia, ei suoi genitori lo mandarono a studiare, prima a San Pietroburgo e poi a Mosca.

Rachmaninov era un pianista sorprendentemente talentuoso e si rivelò anche un meraviglioso compositore.

Mio Concerto per pianoforte n. 1 ha scritto a diciannove anni. Trovò anche il tempo per la sua prima opera, Aleko.

Ma questa vita grande musicista, di regola, non era particolarmente contento. In molte delle fotografie vediamo un uomo arrabbiato e accigliato. Un altro compositore russo, Igor Stravinsky, una volta osservò:

“L'essenza immortale di Rachmaninoff era il suo cipiglio. Aveva un metro e ottanta di cipiglio... era un uomo spaventoso".

Quando il giovane Rachmaninoff ha suonato per Čajkovskij, è stato così felice che ha messo un cinque con quattro più sul foglio della sua partitura, il punteggio più alto nella storia del Conservatorio di Mosca. Presto oh giovane talento tutta la città parlò.

Tuttavia, il destino è rimasto a lungo sfavorevole al musicista.

I critici sono stati molto duri con lui. Sinfonie n. 1, la cui prima si è conclusa con un fallimento. Questo ha dato a Rachmaninoff un momento difficile. sentimenti dell'anima, ha perso la fiducia nelle proprie forze e non ha potuto comporre nulla.

Alla fine, solo l'aiuto di uno psichiatra esperto Nikolai Dahl gli ha permesso di uscire dalla crisi. Nel 1901, Rachmaninoff aveva completato il concerto per pianoforte, che aveva lavorato duramente per molti anni e dedicato al Dr. Dahl. Questa volta, il pubblico ha accolto con gioia il lavoro del compositore. Da allora Concerto per pianoforte n. 2è diventato uno dei preferiti un classico eseguita da vari gruppi musicali In tutto il mondo.

Rachmaninoff iniziò a girare in Europa e negli Stati Uniti. Tornato in Russia, ha diretto e composto.

Dopo la rivoluzione del 1917, Rachmaninov e la sua famiglia andarono a concerti in Scandinavia. Non è mai tornato a casa. Si è invece trasferito in Svizzera, dove ha acquistato una casa sulle rive del Lago dei Quattro Cantoni. Ha sempre amato i corpi idrici e ora, quando è diventato un uomo abbastanza ricco, poteva permettersi di rilassarsi sulla riva e ammirare il paesaggio che si apriva.

Rachmaninoff era un eccellente direttore d'orchestra e dava sempre i seguenti consigli a chi voleva eccellere in questo campo:

“Un buon direttore d'orchestra deve essere un buon guidatore. Entrambi hanno bisogno delle stesse qualità: concentrazione, continua intensa attenzione e presenza mentale. Al direttore d'orchestra basta conoscere un po' la musica…”

Nel 1935 Rachmaninoff decise di stabilirsi negli Stati Uniti. Ha vissuto prima a New York e poi si è trasferito a Los Angeles. Lì iniziò a costruire per se stesso nuova casa, completamente identico a quello che ha lasciato a Mosca.

Turchin V S

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Nell'era del romanticismo, la musica occupava un posto fondamentale nel sistema delle arti. Ciò è dovuto alla sua specificità, che consente di riflettere in modo più completo le esperienze emotive con l'aiuto dell'intero arsenale di mezzi espressivi.

Il romanticismo in musica appare nell'Ottocento nelle opere di F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, Rossini G. Poco dopo, questo stile si è riflesso nelle opere di F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi e altri compositori.

Il romanticismo è nato in Europa all'inizio del XIX secolo. Divenne una sorta di opposizione al classicismo. Il romanticismo ha permesso all'ascoltatore di penetrare Mondo magico leggende, canzoni e racconti. Il principio guida di questa direzione è l'opposizione (sogni e vita quotidiana, mondo perfetto e la vita di tutti i giorni), creato immaginazione creativa compositore. Questo stile era popolare con persone creative fino agli anni Quaranta del XIX secolo.

Il romanticismo nella musica riflette i problemi uomo moderno, il suo conflitto con mondo esterno e la sua solitudine. Questi temi diventano centrali per il lavoro dei compositori. Essendo dotato a differenza degli altri, una persona si sente costantemente fraintesa dagli altri. Il suo talento e diventa la causa della solitudine. Ecco perché gli eroi preferiti dei compositori romantici sono poeti, musicisti e artisti (R. Schumann "L'amore di un poeta"; Berlioz è il sottotitolo "Un episodio della vita di un artista" alla "Fantastica sinfonia", ecc. ).

Trasmettendo il mondo delle esperienze interiori di una persona, il romanticismo nella musica porta spesso una sfumatura di autobiografia, sincerità e lirismo. I temi dell'amore e della passione sono ampiamente utilizzati. Per esempio, famoso compositore R. Schumann ha dedicato molti brani per pianoforte alla sua amata Clara Wieck.

Il tema della natura è anche abbastanza comune nel lavoro dei romantici. I compositori spesso si oppongono stato mentale uomo, macchiandosi di sfumature di disarmonia.

Il tema della fantasia è diventato una vera scoperta dei romantici. Stanno lavorando attivamente alla creazione di personaggi fantastici e al trasferimento delle loro immagini attraverso una varietà di elementi. linguaggio musicale(Mozart" flauto magico"- Regina della Notte).

Spesso si riferisce al romanticismo nella musica arte popolare. I compositori nelle loro opere usano una varietà di elementi folcloristici (ritmi, intonazioni, vecchi modi), tratti da canzoni e ballate. Ciò consente di arricchire in modo significativo il contenuto delle rappresentazioni musicali.

L'uso di nuove immagini e temi ha reso necessaria la ricerca di forme appropriate e così via opere romantiche compaiono intonazioni del discorso, armonie naturali, opposizioni di varie tonalità, parti soliste (voci).

Il romanticismo nella musica incarnava l'idea di una sintesi delle arti. Ne sono un esempio le opere programmatiche di Schumann, Berlioz, Liszt e altri compositori (la sinfonia "Harold in Italy", il poema "Preludes", il ciclo "Years of Wanderings", ecc.).

Il romanticismo russo si rifletteva vividamente nelle opere di M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky e altri.

Nelle sue opere, A. Dargomyzhsky trasmette immagini psicologiche sfaccettate ("Sirena", romanzi). Nell'opera Ivan Susanin, M. Glinka dipinge immagini della vita del popolo russo comune. Di diritto, le opere dei compositori del famoso "Mighty Handful" sono considerate l'apice. Loro hanno usato mezzi di espressione e intonazioni caratteristiche inerenti al russo canzone folk, musica domestica, discorso colloquiale.

Successivamente, questo stile è stato utilizzato anche da A. Scriabin (il preludio "Dreams", la poesia "To the Flame") e S. Rachmaninov (schizzi-immagini, l'opera "Aleko", la cantata "Primavera").