Sull'arte della chitarra e sulla formazione dei chitarristi. Un breve riassunto della storia della chitarra L'arte della chitarra e la sua ricerca

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Ministero della Cultura dell'Ucraina

Accademia statale della cultura di Kharkiv

per l'ammissione agli studi per il titolo di "Maestro"

L'arte della chitarra come fenomeno storico della cultura musicale

Pikhulya Taras Olegovich

Charkiv 2015

Piano

introduzione

1. Prerequisiti per la formazione e lo sviluppo del suonare la chitarra classica

1.1 La storia dell'emergere, dello sviluppo e del miglioramento delle prestazioni della chitarra

1.2 La formazione dell'arte della chitarra nell'URSS e in Russia

2. La storia dell'emergere e dell'evoluzione del pop direzione jazzistica nell'art

2.1 Varietà di chitarre utilizzate nell'arte pop-jazz

2.2 Le principali direzioni della performance pop-jazz degli anni '60 e '70

Bibliografia

INconduzione

Arte musicale del XX secolo. sviluppato rapidamente e rapidamente. Le principali caratteristiche di questo sviluppo sono state l'assimilazione di vari stili e tendenze, la cristallizzazione di un nuovo linguaggio musicale, nuovi principi di composizione, modellatura e la formazione di varie piattaforme estetiche. Questo processo coinvolge non solo compositori, interpreti, storici dell'arte, ma anche milioni di ascoltatori per i quali vengono create opere musicali.

La rilevanza dell'argomento è dovuta alla considerazione della musica strumentale classica e pop-jazz dal punto di vista dello sviluppo evolutivo dell'arte della chitarra, ovvero della formazione di nuovi generi e tendenze.

Lo scopo dello studio è considerare la musica strumentale classica e pop-jazz, la loro influenza sulla formazione di nuovi stili, capacità di esecuzione e cultura della chitarra generalmente.

Gli obiettivi della ricerca:

1) Considera la storia dell'emergere, dello sviluppo e della formazione della cultura della chitarra in Europa, Russia, URSS.

2) Considera le origini, l'origine e la formazione di nuovi stili nell'arte pop-jazz.

L'oggetto della ricerca è la formazione della musica strumentale classica e pop-jazz.

La base metodologica del lavoro è il metodo dell'analisi intonazionale, incentrato sull'unità dei principi musicali e linguistici, come base delle tradizioni artistiche europee, africane e russe.

La novità scientifica dell'opera sta nel fatto che l'opera è uno studio della formazione e dell'evoluzione dell'arte della chitarra e della sua influenza sulla formazione della cultura della chitarra.

Il valore pratico dell'opera risiede nella possibilità di utilizzare i suoi materiali nel processo di studio delle discipline musicali storiche e teoriche.

1. PrerequisitiformazioneEsviluppoGiochiSUclassicochitarra

1.1 La storia dell'emergere, dello sviluppo e del miglioramento delle prestazioni della chitarra

La storia dell'origine, dello sviluppo e del miglioramento di questo strumento musicale è così sorprendente e misteriosa che sembra più un'emozionante storia poliziesca. Le prime informazioni sulla chitarra risalgono a tempi antichissimi. Sui monumenti egiziani di mille anni fa ci sono immagini di uno strumento musicale - "nabla", che sembra una chitarra. La chitarra era diffusa anche in Asia, come confermano le immagini sui monumenti architettonici di Assiria, Babilonia e Fenicia. Nel XIII secolo gli arabi lo portarono in Spagna, dove presto ricevette pieno riconoscimento. Alla fine del XV secolo, le ricche famiglie spagnole iniziarono a competere tra loro nel mecenatismo delle scienze e dell'arte. La chitarra, insieme al liuto e ad altri strumenti a pizzico, diventa uno strumento prediletto nelle corti. Nella vita culturale della Spagna, a partire dal XVI secolo, hanno svolto un ruolo importante numerose associazioni, accademie, circoli e incontri - "saloni", che si svolgevano regolarmente. Da quel momento in poi, la passione per gli strumenti a pizzico penetrò nelle grandi masse popolari e per loro fu creata una letteratura musicale speciale. I nomi dei compositori che l'hanno rappresentata compongono una lunga fila: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz e tanti altri.

Dopo aver percorso un lungo cammino di sviluppo, la chitarra ha assunto un aspetto moderno. Fino al XVIII secolo era più piccolo e il suo corpo era piuttosto stretto e allungato. Inizialmente, sullo strumento erano impostate cinque corde, accordate per quarte, come su un liuto. In seguito la chitarra divenne una sei corde, con un'accordatura più adatta a suonare a vuoto per sfruttare al meglio il suono delle corde a vuoto. Così, verso la metà del XIX secolo, la chitarra aveva acquisito la sua forma definitiva. Su di esso apparvero sei corde con un sistema: mi, si, salt, re, la, mi.

La chitarra ha guadagnato grande popolarità in Europa ed è stata portata nei paesi del Nord e del Sud America. Come spiegare un uso così diffuso della chitarra? Principalmente perché ha un grande potenziale: può essere suonato da solo, accompagnato da voce, violino, violoncello, flauto, può essere trovato in varie orchestre ed ensemble. Piccole dimensioni e possibilità di facile movimento nello spazio e, soprattutto, un suono insolitamente melodioso, profondo e allo stesso tempo trasparente giustificano l'amore per questo strumento musicale universale da parte di una vasta gamma di ammiratori, dai turisti romantici ai musicisti professionisti.

Alla fine del XVIII secolo apparvero in Spagna compositori e virtuosi

F. Sor e D. Aguado, con loro contemporaneamente in Italia - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi e altri. Creano un vasto repertorio concertistico per chitarra, che va da piccoli pezzi a sonate e concerti con orchestra, oltre a meravigliose "Scuole per suonare la chitarra a sei corde", un vasto repertorio educativo e costruttivo. Sebbene siano trascorsi quasi duecento anni dalle prime pubblicazioni di questa letteratura pedagogica, essa costituisce ancora un patrimonio prezioso sia per gli insegnanti che per gli studenti.

Il compositore Sor tiene concerti nelle città con grande successo Europa occidentale e Russia. I suoi balletti Cenerentola, Il Lubok come pittore, Ercole e Onfale, così come l'opera Telemaco sono stati messi in scena molte volte a San Pietroburgo, Mosca e nelle grandi città dell'Europa occidentale. Stile polifonico, ricca immaginazione e profondità di contenuto caratterizzano il lavoro di Sora. Questo è un musicista-compositore istruito, un chitarrista virtuoso che ha impressionato per la profondità della sua performance e la brillantezza della sua tecnica. Le sue composizioni sono entrate saldamente nel repertorio dei chitarristi. L'italiano Giuliani è uno dei fondatori della scuola italiana di chitarra. Era un brillante chitarrista e anche un perfetto violinista. Quando nel 1813 la settima sinfonia di Beethoven fu eseguita per la prima volta a Vienna sotto la direzione dell'autore, Giuliani prese parte alla sua esecuzione come violinista. Beethoven teneva in grande considerazione Giuliani come compositore e musicista. Le sue sonate, i concerti con orchestra sono eseguiti da chitarristi moderni e la letteratura pedagogica è un patrimonio prezioso sia per gli insegnanti che per gli studenti.

Vorrei in particolare soffermarmi sulla "Scuola di suonare la chitarra a sei corde" più famosa e più frequentemente pubblicata nel nostro Paese dal famoso insegnante-chitarrista italiano, compositore M. Carcassi. Nella prefazione alla "Scuola" l'autore dice: "...non avevo intenzione di scrivere un'opera scientifica. Volevo solo rendere più facile l'apprendimento della chitarra tracciando un piano che permettesse di prendere confidenza con tutte le caratteristiche di questo strumento. Secondo queste parole, è chiaro che M. Carcassi non si è posto il compito di creare un manuale universale per imparare a suonare la chitarra, ed è quasi impossibile. La "Scuola" fornisce una serie di preziose istruzioni sulla tecnica della mano sinistra e destra, vari metodi caratteristici per suonare la chitarra, suonare in diverse posizioni e chiavi. Esempi musicali e brani sono dati in sequenza, in ordine crescente di difficoltà, sono scritti con grande abilità di compositore e insegnante e sono ancora di grande valore come materiale didattico.

Sebbene, da un punto di vista moderno, questa "Scuola" presenti una serie di gravi carenze. Ad esempio, è stata prestata poca attenzione a una tecnica così importante per suonare la mano destra come apoyando (suonare con il supporto); il linguaggio musicale, basato sulla musica della tradizione dell'Europa occidentale del XVIII secolo, è alquanto monotono; le questioni dello sviluppo della diteggiatura, del pensiero melodico-armonico non vengono praticamente toccate, si tratta solo del corretto posizionamento delle dita della mano sinistra e destra, che ci consente di risolvere molte difficoltà tecniche nell'esecuzione, migliorare il suono, il fraseggio , eccetera.

Nella seconda metà del XIX secolo apparve nella storia della chitarra un nuovo brillante nome del compositore, virtuoso solista e insegnante spagnolo Francisco Tarrega. Crea il suo stile di scrittura. Nelle sue mani la chitarra si trasforma in una piccola orchestra.

Il lavoro di esecuzione di questo straordinario musicista ha influenzato il lavoro dei suoi amici - compositori: Albeniz, Granados, de Falla e altri. Nelle loro opere per pianoforte si può spesso sentire l'imitazione della chitarra. La cattiva salute non ha dato a Tarrega l'opportunità di tenere concerti, quindi si è dedicato all'insegnamento. Possiamo tranquillamente affermare che Tarrega ha creato la sua scuola di chitarra. Tra i suoi migliori allievi ci sono Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe e altri famosi concertisti. Ad oggi sono state pubblicate le "Scuole" di E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens e P. Rocha, basate sul metodo didattico Tarrega. Diamo un'occhiata più da vicino a questo metodo usando l'esempio della "Scuola di suonare la chitarra a sei corde" del famoso chitarrista, insegnante e musicologo spagnolo E. Pujol. Una caratteristica distintiva della "Scuola" è una presentazione generosa e dettagliata di tutti i principali "segreti" del suonare la chitarra classica. Le questioni più essenziali della tecnica chitarristica sono state attentamente sviluppate: la posizione delle mani, lo strumento, i metodi di produzione del suono, le tecniche di esecuzione, ecc. La sequenza dell'arrangiamento del materiale contribuisce alla sistematica preparazione tecnica e artistica del chitarrista. La "Scuola" è interamente costruita sul materiale musicale originale: quasi tutti gli studi e gli esercizi sono stati composti dall'autore (tenendo conto della metodologia di F. Tarrega) soprattutto per le sezioni corrispondenti.

È particolarmente prezioso che questa pubblicazione educativa non solo descriva in dettaglio le difficoltà di suonare la chitarra, ma descriva anche in dettaglio come superarle. In particolare, viene prestata molta attenzione al problema dell'uso della diteggiatura corretta quando si suona con la mano destra e sinistra, nonché alle tecniche di esecuzione in diverse posizioni, vari movimenti, spostamenti della mano sinistra, che sicuramente contribuiscono allo sviluppo del pensiero della diteggiatura. L'efficacia della "Scuola" di Pujol è confermata, in particolare, dalla pratica del suo utilizzo in numerose istituzioni educative nel nostro Paese, in Europa e in America.

Di grande importanza per lo sviluppo dell'arte chitarristica mondiale è stata l'attività creativa del più grande chitarrista spagnolo del XX secolo. Andrés Segovia. L'eccezionale importanza del suo ruolo nella storia dello sviluppo dello strumento non era solo il suo talento esecutivo e pedagogico, ma anche le sue capacità di organizzatore e propagandista. Il ricercatore M. Weisbord scrive: “…per stabilire la chitarra come strumento da concerto, mancava ciò che, ad esempio, il pianoforte o il violino possedevano: un repertorio altamente artistico. Il merito storico di Andres Segovia sta, prima di tutto, nella creazione di un tale repertorio…”. E ancora: “M. Ponce (Messico), M.K. Tedesco (Italia), J. Ibert, A. Roussel (Francia) K. Pedrel (Argentina), A. Tansman (Polonia), e D. Duart (Inghilterra), R. Smith (Svezia)…”. Da questo piccolo e tutt'altro che completo elenco di compositori, si può vedere che è stato grazie ad A. Segovia che la geografia delle composizioni professionali per chitarra classica si è espansa rapidamente e nel tempo questo strumento ha attirato l'attenzione di molti artisti eccezionali - E. Vila Lobos, B.Britten. D'altra parte, ci sono intere costellazioni di compositori di talento che sono anche artisti professionisti: A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin, ecc.

1. 2 FormazionechitarraartevURSSERussia

Oggi ha effettuato con successo molte tournée in molti paesi del mondo, comprese quattro visite in URSS (1926 e 1935, 1936).Ha eseguito brani di chitarristi classici: Sora, Giuliani, trascrizioni di opere di Tchaikovsky, Schubert, Haydn e originali opere di compositori spagnoli: Torino, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco e altri compositori. Segovia ha avuto molti incontri con chitarristi sovietici, alle cui domande ha risposto volentieri. Nelle conversazioni sulla tecnica del suonare la chitarra, Segovia ha sottolineato la particolare importanza non solo dell'impostazione delle mani, ma anche dell'uso corretto della diteggiatura. La chitarra ha lasciato un segno luminoso nell'arte musicale della Russia. L'accademico J. Shtelin, che visse a Mosca dal 1735 al 1785, scrisse che la chitarra in Russia si diffuse lentamente, ma con l'apparizione dei virtuosi chitarristi Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani e altri tra gli altri artisti ospiti questo strumento è guadagnando simpatia ed è ampiamente utilizzato.

Acquisita in Russia dalla seconda metà del XVIII secolo un'originale varietà a sette corde con triade di sol maggiore raddoppiata ad un'ottava e corda inferiore distanziata di un quarto, la chitarra si rivelò ottimamente adatta all'accompagnamento di accordi di basso di una canzone urbana e di una storia d'amore.

Il vero fiorire delle prestazioni professionali su questo strumento inizia grazie all'attività creativa dell'eccezionale insegnante-chitarrista Andrei Osipovich Sikhra (1773-1850). Essendo un arpista per educazione, ha dedicato tutta la sua vita alla promozione della chitarra a sette corde: in gioventù era impegnato nell'attività concertistica, e poi nella pedagogia e nell'illuminazione. Nel 1802, A. Sikhra's Journal for the Seven-String Guitar iniziò ad essere pubblicato a San Pietroburgo, con arrangiamenti di canzoni popolari russe e arrangiamenti di classici musicali. Nei decenni successivi, fino al 1838, il musicista pubblicò numerose riviste simili che contribuirono a un notevole aumento della popolarità dello strumento, A.O. Sychra ha allevato un numero enorme di studenti, stimolando il loro interesse per la composizione di musica per chitarra, in particolare variazioni su temi di melodie di canzoni popolari. I più famosi dei suoi studenti sono S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, FM Zimmerman e altri - hanno lasciato molte opere teatrali e arrangiamenti di canzoni russe. L'attività di Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837) è stata di grande importanza nello sviluppo della performance della chitarra russa professionale-accademica. La prima persona a fargli conoscere la chitarra fu S.N. Aksenov, divenne anche il suo mentore.

Dal 1813 circa, il nome di M.T. Vysotsky divenne molto popolare. Il suo modo di suonare si distingueva per uno stile di improvvisazione originale, un audace volo di immaginazione creativa in varie melodie di canzoni popolari. MT Vysotsky è un rappresentante dello stile di esecuzione uditivo improvvisato - in questo è vicino alla tradizionale musica popolare russa. Si può dire molto su altri rappresentanti della performance chitarristica russa, che hanno contribuito allo sviluppo della scuola nazionale di spettacolo, ma questa è una conversazione a parte. La vera scuola russa si distingueva per le seguenti caratteristiche: chiarezza di articolazione, bel tono musicale, attenzione alle capacità melodiche dello strumento e creazione di un repertorio specifico, per molti versi unico, un metodo progressivo di utilizzo di speciali "spazi" di diteggiatura , prove e cadenze, rivelando le capacità dello strumento.

Il sistema di riproduzione dello strumento includeva la riproduzione funzioni musicali, intonazioni e loro indirizzi, che venivano memorizzate separatamente in ogni chiave e avevano un movimento di voci imprevedibile. Spesso tali diteggiature individuali, "vuoti" melodico-armonici venivano custoditi con zelo e trasmessi solo ai migliori studenti. L'improvvisazione non era particolarmente studiata, era il risultato di una base tecnica comune, e un buon chitarrista era in grado di combinare le intonazioni familiari di una canzone con una sequenza armonica. Un insieme di varie cadenze circondava spesso una frase musicale e dava una colorazione particolare al tessuto musicale. Un metodo di insegnamento così inventivo sembra essere stato una scoperta puramente russa e non si trova da nessuna parte nelle opere straniere di quel tempo. Sfortunatamente, le tradizioni dell'esecuzione della chitarra russa dei secoli XVIII-XIX. sono stati ingiustamente dimenticati, e solo grazie agli sforzi degli appassionati la situazione in questa direzione sta cambiando in meglio.

Anche l'arte della chitarra si sviluppò in epoca sovietica, sebbene l'atteggiamento delle autorità nei confronti dello sviluppo di questo strumento musicale fosse, per usare un eufemismo, freddo. È difficile sopravvalutare il ruolo dell'eccezionale insegnante, interprete e compositore A.M. Ivanov-Kramsky. La sua scuola di suonare, così come la scuola di suonare il chitarrista e insegnante P.A. Agafoshina è un sussidio didattico indispensabile per i giovani chitarristi. Questa attività è brillantemente proseguita dai loro numerosi allievi e seguaci: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (chitarra classica in jazz), S. Rudnev (chitarra classica in russo stile) e molti altri.

chitarra classica pop jazz

2. StoriaoccorrenzaEEvoluzionepop-jazzindicazionivarte

2.1 Varietà di chitarre utilizzate nell'arte pop-jazz

Nella musica pop moderna vengono utilizzati principalmente quattro tipi di chitarre:

1. Flat Top (Flat Top) - la solita chitarra folk con corde in metallo.

2. Classica (classica) - chitarra classica con corde in nylon.

3. Arch Top (Arch Top) - una chitarra jazz, a forma di violino ingrandito con "efs" lungo i bordi della tavola armonica.

4. Chitarra elettrica - una chitarra con pickup elettromagnetici e un ponte di legno monolitico (barra).

Anche 120-130 anni fa, solo un tipo di chitarra era popolare in Europa e in America. Paesi diversi usavano sistemi di accordatura diversi e in alcuni punti cambiavano persino il numero di corde (in Russia, ad esempio, c'erano sette corde, non sei). Ma nella forma, tutte le chitarre erano molto simili: parti superiore e inferiore relativamente simmetriche del corpo, che converge con il manico al 12 ° tasto.

Misura piccola, palmo scanalato, collo largo, molle a ventaglio, ecc. - tutto ciò caratterizzava questo tipo di chitarra. Infatti, lo strumento di cui sopra ricorda nella forma e nel contenuto la chitarra classica di oggi. E la forma della chitarra classica di oggi appartiene al maestro spagnolo Torres, vissuto circa 120 anni fa.

Alla fine del secolo scorso, la chitarra iniziò a guadagnare popolarità in modo drammatico. Se prima le chitarre venivano suonate solo in case e salotti privati, alla fine del secolo scorso la chitarra iniziò ad apparire sui palchi. C'era bisogno di amplificare il suono. Fu allora che ci fu una divisione più netta tra i classici e quella che oggi viene più spesso chiamata chitarra folk o western. La tecnologia ha iniziato a produrre corde di metallo che suonavano più forti.

Inoltre, il cabinet stesso è aumentato di dimensioni, il che ha permesso al suono di essere più profondo e più forte. Lasciata sola problema serio- la forte tensione delle corde metalliche ha effettivamente ucciso il piano superiore e l'ispessimento delle pareti del guscio, alla fine, ha ucciso la vibrazione e con essa il suono. E poi è stato inventato il famoso supporto a molla a forma di X. Le molle sono state incollate trasversalmente, aumentando così la resistenza del piano superiore, ma permettendogli di vibrare.

Quindi, c'era una chiara divisione: la chitarra classica, che da allora non è cambiata molto (solo le corde iniziarono a essere fatte di sintetico, e non di tendine, come prima), e la chitarra folk-occidentale, che aveva diversi forme, ma quasi sempre andavano con molle a forma di X, stringhe di metallo, corpo allargato e così via.

Allo stesso tempo, si stava sviluppando un altro tipo di chitarra: la "parte superiore dell'arco" (parte superiore dell'arco). Che cos'è? Mentre aziende come Martin stavano affrontando il problema dell'amplificazione del suono attaccando molle, aziende come Gibson sono andate dall'altra parte, realizzando chitarre modellate e costruite come violini. Tali strumenti erano caratterizzati da una tavola armonica superiore curva, un capotasto, che era come un contrabbasso, e una cordiera. Di norma, questi strumenti avevano ritagli di violino lungo i bordi della tavola armonica invece del tradizionale foro rotondo al centro. Queste chitarre presentavano un suono che non era caldo e profondo, ma equilibrato e incisivo. Con una chitarra del genere, ogni nota era chiaramente udibile, e i jazzisti si resero presto conto di quale " un cavallo scuro apparso nel loro campo visivo. È al jazz che gli "arch top" devono la loro popolarità, per cui sono stati soprannominati chitarre jazz. Negli anni '30 e '40 la situazione iniziò a cambiare, principalmente a causa dell'emergere di microfoni e pickup di alta qualità. Inoltre, un nuovo stile musicale popolare, il blues, entrò nell'arena e conquistò immediatamente il mondo. Come sapete, il blues si è sviluppato principalmente grazie agli sforzi dei poveri musicisti neri. Lo suonavano in tutti i modi con le dita, i plettri e persino le bottiglie di birra (i colli di bottiglia di birra erano i diretti antenati delle moderne diapositive). Queste persone non avevano soldi per strumenti costosi, non sempre avevano l'opportunità di acquistare nuove corde per se stesse, che tipo di chitarre jazz ci sono? E suonavano quello che dovevano, soprattutto su strumenti più comuni: i western. In quegli anni, oltre alle costose "archtop", l'azienda Gibson produceva anche una vasta gamma di chitarre folk "consumer". La situazione sul mercato era tale che Gibson era quasi l'unica azienda a produrre chitarre folk economiche ma di alta qualità. È logico che la maggior parte dei bluesmen, per mancanza di soldi per qualcosa di più perfetto, abbia preso in mano le Gibson. Quindi fino ad ora non si sono separati da loro.

Che fine hanno fatto le chitarre jazz? Con l'avvento dei pickup, si è scoperto che il suono equilibrato e chiaro di questo tipo di strumento si adattava meglio al sistema di amplificazione dell'epoca. Sebbene la chitarra jazz non assomigli assolutamente alle moderne Fender o Ibanez, Leo Fender probabilmente non avrebbe mai creato le sue Telecaster e Stratocaster, se prima non avessi sperimentato con chitarre jazz e pickup. A proposito, in seguito è stato suonato anche il blues elettrico ed è suonato su strumenti jazz con pickup, solo lo spessore del corpo in essi è stato ridotto. Un vivido esempio di ciò è B.B. King e il suo famosa chitarra"Lussil" (Lussil), che molti oggi considerano la chitarra blues elettrica standard.

I primi esperimenti noti sull'amplificazione del suono di una chitarra con l'elettricità risalgono al 1923, quando l'ingegnere e inventore Lloyd Loar inventò un pickup elettrostatico che registrava le vibrazioni della cassa risonante degli strumenti a corda.

Nel 1931, Georges Beauchamp e Adolph Rickenbacker inventarono un pickup elettromagnetico in cui un impulso elettrico attraversava l'avvolgimento di un magnete, creando un campo elettromagnetico in cui veniva amplificato il segnale proveniente da una corda vibrante. Verso la fine degli anni '30, numerosi sperimentatori iniziarono a incorporare pickup in chitarre a corpo cavo spagnole dall'aspetto più tradizionale. Bene, l'opzione più radicale è stata proposta dal chitarrista e ingegnere Les Paul ( Les Paul) -- ha appena realizzato la tavola armonica per la chitarra monolitica.

Era fatto di legno e si chiamava semplicemente "Bar" (The Log). Con un pezzo solido o quasi solido, altri ingegneri iniziarono a sperimentare. Dagli anni '40 del XX secolo, sia i singoli appassionati che le grandi aziende lo fanno con successo.

Il mercato dei produttori di chitarre continua a svilupparsi attivamente, ampliando costantemente la gamma. E se i primi "trendsetter" erano esclusivamente americani, ora Yamaha, Ibanez e altre aziende giapponesi occupano saldamente posizioni di primo piano, realizzando sia i loro modelli che ottime copie di famose chitarre tra i leader della produzione.

Un posto speciale è occupato dalla chitarra - e principalmente elettrificata - nella musica rock. Tuttavia, quasi tutti i migliori chitarristi rock vanno oltre lo stile della musica rock, rendendo un grande tributo al jazz, e alcuni musicisti hanno completamente rotto con il rock. Non c'è nulla di sorprendente in questo, dal momento che le migliori tradizioni del suonare la chitarra sono concentrate nel jazz.

Un punto molto importante viene portato all'attenzione di Joe Pass, che, nella sua nota scuola di jazz, scrive: “I chitarristi classici hanno avuto diversi secoli per sviluppare un approccio organico e coerente all'esecuzione - il metodo “corretto”. La chitarra jazz, la chitarra a plettro, è apparsa solo nel nostro secolo e la chitarra elettrica è ancora un fenomeno così nuovo che stiamo appena iniziando a comprenderne le capacità come strumento musicale a tutti gli effetti. In tali circostanze, l'esperienza accumulata, le tradizioni jazzistiche della padronanza della chitarra, sono di particolare importanza.

Già dentro forma primitiva il blues, "arcaico" o "rurale", spesso chiamato anche il termine inglese "country blues" (country blues), costituiva gli elementi principali della tecnica chitarristica che ne determinarono l'ulteriore sviluppo. Le tecniche separate dei chitarristi blues divennero in seguito la base per la formazione degli stili successivi.

Le prime registrazioni di country blues risalgono alla metà degli anni '20, ma ci sono tutte le ragioni per credere che, in sostanza, non sia quasi diverso dallo stile originale che si è formato tra i neri degli stati del sud (Texas, Louisiana, Alabama, ecc.) ) negli anni 70-80 del XIX secolo.

Tra i cantanti-chitarristi eccezionali di questo stile c'è Blind Lemon Jefferson (1897-1930), che ha avuto una notevole influenza su molti musicisti oltre periodo tardivo, e non solo blues Blind Blake (1895-1931) è stato un brillante maestro del ragtime e del blues per chitarra, molte delle cui registrazioni stupiscono ancora con una tecnica eccellente e un'improvvisazione inventiva. Blake è giustamente considerato uno degli iniziatori dell'uso della chitarra come strumento solista. Huddie Leadbetter, comunemente noto come Leadbelly (1888-1949) un tempo era chiamato "il re della chitarra a dodici corde". A volte suonava in un duetto con Jefferson, sebbene fosse inferiore a lui come interprete. Leadbelly ha introdotto le caratteristiche figure di basso nell'accompagnamento: il "basso errante", che in seguito sarebbe stato ampiamente utilizzato nel jazz.

Tra i chitarristi country-blues spicca Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970), musicista virtuoso, molto vicino al jazz. Hanno registrato un eccellente blues senza voce e spesso ha suonato come mediatore, dimostrando non solo un'eccellente tecnica, ma anche eccezionali capacità di improvvisazione.

Una delle caratteristiche del periodo di Chicago nello sviluppo del jazz tradizionale, che divenne di transizione verso lo swing, fu la sostituzione degli strumenti: invece di cornetta, tuba e banjo, vennero alla ribalta tromba, contrabbasso e chitarra.

Tra le ragioni di ciò c'era l'emergere dei microfoni e il metodo di registrazione elettromeccanico: la chitarra finalmente suonava pienamente sui dischi. Una caratteristica importante del jazz di Chicago era il ruolo accresciuto dell'improvvisazione solista. Fu qui che ebbe luogo una svolta significativa nel destino della chitarra: diventa uno strumento solista a tutti gli effetti.

Ciò è dovuto al nome di Eddie Lang (Eddie Lang, vero nome - Salvador Massaro), che ha introdotto alla chitarra suonando molte tecniche jazz tipiche di altri strumenti - in particolare, il fraseggio caratteristico degli strumenti a fiato. Eddie Lang ha anche creato quello stile jazz di suonare come mediatore, che in seguito divenne predominante. Ha usato per la prima volta una chitarra a plettro, una chitarra speciale per suonare il jazz, che differiva dal solito spagnolo in assenza di una rosetta rotonda. Invece, sul mazzo sono apparsi degli ef, simili a quelli del violino, e un pannello-scudo rimovibile che protegge dai colpi di plettro. L'interpretazione di Eddie Lang nell'ensemble si è distinta per una forte produzione sonora. Usava spesso suoni di passaggio, sequenze cromatiche; a volte ha cambiato l'angolo del plettro rispetto alla tastiera, ottenendo così un suono specifico.

Caratteristici del modo di Lang sono accordi con archi smorzati, accenti aspri, non accordi paralleli, scale a tono intero, glissando idiosincratico, armoniche artificiali, progressioni di accordi aumentate e fraseggio di ottoni. Possiamo dire che fu sotto l'influenza di Eddie Lang che molti chitarristi iniziarono a prestare maggiore attenzione alle note di basso negli accordi e, se possibile, a ottenere una migliore guida vocale. L'invenzione della chitarra elettrica è stata l'impulso per l'emergere di nuove scuole e tendenze di chitarra. Sono stati fondati da due chitarristi jazz: Charlie Christian in America e Django Reinhardt

(Django Reinhardt) in Europa

Nel suo libro “From Reg to Rock”, il famoso critico tedesco I. Berendt scrive: “Per un musicista jazz moderno, la storia della chitarra inizia con Charlie Christian. Durante i due anni trascorsi scena jazzistica Ha rivoluzionato il modo di suonare la chitarra. Certo, ci sono stati dei chitarristi prima di lui, ma sembra però che la chitarra suonata prima di Christian e quella che suonava dopo di lui siano due strumenti diversi”.

Charlie suonava con un virtuosismo che ai suoi contemporanei sembrava semplicemente irraggiungibile. Con il suo arrivo, la chitarra è diventata un membro paritario degli ensemble jazz. Fu il primo a introdurre un assolo di chitarra come terza voce in un ensemble con tromba e sassofono tenore, liberando lo strumento da funzioni puramente ritmiche in orchestra. Prima di altri, C. Christian si è reso conto che la tecnica di suonare la chitarra elettrica è significativamente diversa dai metodi di suonare quella acustica. In armonia, ha sperimentato accordi aumentati e diminuiti, ha inventato nuovi schemi ritmici per le migliori melodie jazz (sempreverdi). Nei passaggi, usava spesso aggiunte agli accordi di settima, colpendo gli ascoltatori con ingegnosità melodica e ritmica. Fu il primo a sviluppare le sue improvvisazioni, affidandosi non all'armonia del tema, ma agli accordi di passaggio, che collocò tra i principali. Nella sfera melodica, è caratterizzato dall'uso del legato invece dello staccato duro.

La performance di C. Christian si è sempre contraddistinta per la sua straordinaria forza espressiva, unita ad un intenso swing. I teorici del jazz affermano che con il suo modo di suonare ha anticipato l'emergere di un nuovo stile jazz bebop (be-bop) e ne è stato uno dei creatori.

Contemporaneamente a Christian, un altrettanto eccezionale chitarrista jazz Django Reinhardt ha brillato a Parigi. Charlie Christian, mentre si esibiva ancora nei club dell'Oklahoma, ammirava Django e spesso ripeteva nota per nota i suoi assoli registrati sui dischi, sebbene questi musicisti differissero nettamente l'uno dall'altro nel modo di suonare. Molti noti musicologi e artisti jazz hanno parlato del contributo di Django allo sviluppo dello stile jazz di suonare la chitarra e della sua maestria. Secondo D. Ellington, “Django è un super artista. Ogni nota che prende è un tesoro, ogni accordo è la prova del suo gusto incrollabile.

Django differiva dagli altri chitarristi per il suo suono espressivo e ricco e il suo stile di esecuzione peculiare, con lunghe cadenze dopo diverse misure, passaggi rapidi e improvvisi, ritmo stabile e nettamente accentuato. Nei momenti di culmine, suonava spesso in ottave.

Questo tipo di tecnica è stato preso in prestito da lui da C. Christian, e dodici anni dopo - da W. Montgomery. Nei pezzi veloci, è stato in grado di creare un tale fuoco e pressione, che in precedenza era stato trovato solo nell'esecuzione su strumenti a fiato. In quelli lenti, era incline al preludio e alla rapsodia, vicino al blues negro. Django non era solo un eccellente virtuoso solista, ma anche un eccellente accompagnatore. Era davanti a molti dei suoi contemporanei nell'uso di accordi di settima minore, diminuiti, aumentati e altri accordi di passaggio. Django ha prestato grande attenzione all'armonia degli schemi armonici dei brani, sottolineando spesso che se tutto è corretto e logico nelle sequenze di accordi, allora la melodia scorrerà da sola.

Come accompagnatore usava spesso accordi che imitavano il suono della sezione degli ottoni. Il contributo di Charlie Christian e Django Reinhardt alla storia della chitarra jazz è inestimabile. Questi due eccezionali musicisti hanno mostrato le possibilità inesauribili del tuo strumento non solo nell'accompagnamento, ma anche nell'assolo improvvisato, predeterminando le principali direzioni di sviluppo della tecnica di suonare la chitarra elettrica per molti anni a venire.

L'accresciuto ruolo della chitarra come strumento solista ha portato al desiderio degli artisti di suonare in piccoli ensemble (combo). Qui il chitarrista si è sentito un membro a pieno titolo dell'ensemble, svolgendo le funzioni sia di accompagnatore che di solista. La popolarità della chitarra cresceva ogni giorno, apparivano sempre più talentuosi chitarristi jazz e il numero di big band rimaneva limitato. Inoltre, molti leader e arrangiatori di grandi orchestre non hanno sempre introdotto la chitarra nella sezione ritmica. Basti dire, ad esempio,

Duke Ellington, a cui non piaceva unire il suono della chitarra e del pianoforte nell'accompagnamento. Tuttavia, a volte il lavoro "meccanico", che serve a mantenere il ritmo in una big band, si trasforma in una vera e propria arte jazz. Riguarda su uno dei principali rappresentanti dello stile ritmico degli accordi nel suonare la chitarra, Freddie Green.

Una virtuosa tecnica degli accordi, un meraviglioso senso dello swing, un delicato gusto musicale contraddistinguono il suo modo di suonare. Non suonava quasi mai da solo, ma allo stesso tempo veniva spesso paragonato a un rimorchiatore, coinvolgendo l'intera orchestra.

È Freddie Green che, in larga misura, deve alla big band di Count Basie un'insolita compattezza della sezione ritmica, emancipazione e concisione del gioco. Questo maestro ha avuto una grande influenza sui chitarristi che preferiscono l'accompagnamento e l'improvvisazione degli accordi al gioco dei lunghi passaggi e delle improvvisazioni monofoniche. Il lavoro di Charlie Christian, Django e Freddie Green forma, per così dire, tre rami albero genealogico chitarra jazz. Tuttavia, va menzionata un'altra direzione, che si è distinta in qualche modo, ma ai nostri tempi sta guadagnando sempre più riconoscimento e distribuzione.

Fatto sta che non tutti i chitarristi trovavano accettabile lo stile di Ch. Christian, nelle cui mani la chitarra acquisiva il suono degli strumenti a fiato (non a caso molti, ascoltando le registrazioni di Charlie Christian, scambiarono la voce della sua chitarra per un sassofono). Prima di tutto, il suo stile era impossibile per chi suonava le dita sulle chitarre acustiche.

Molte delle tecniche sviluppate da C. Christian (lungo legato, lunghe linee di improvvisazione senza supporto armonico, note sostenute, bending, uso raro di corde aperte, ecc.) erano per loro inefficaci, specialmente quando suonavano strumenti con corde di nylon. Inoltre, sono apparsi chitarristi che combinavano musica classica, chitarra, flamenco ed elementi di musica latinoamericana con il jazz nel loro modo creativo. Questi includono principalmente due eccezionali musicisti jazz: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) e Charlie Byrd (Charlie Byrd), il cui lavoro ha influenzato molti chitarristi classici, dimostrando in pratica le illimitate possibilità della chitarra acustica. A ragione possono essere considerati i fondatori dello stile "chitarra classica nel jazz".

Il chitarrista negro Wes John Leslie Montgomery è uno dei musicisti più brillanti apparsi sulla scena jazz dai tempi di C. Christian. Nasce nel 1925 a Indianapolis; Si interessò alla chitarra solo all'età di 19 anni sotto l'influenza dei dischi di Charlie Christian e l'entusiasmo dei suoi fratelli Buddy e Monk, che suonavano il piano e il contrabbasso nell'orchestra del famoso vibrafonista Lionel Hampton. Riuscì a ottenere un suono insolitamente caldo e "vellutato" (usando il pollice della mano destra invece di un plettro) e sviluppò la tecnica dell'ottava a tal punto che eseguiva interi cori improvvisati in ottave con sorprendente facilità e purezza, spesso a una discreta tempi veloci. La sua abilità ha impressionato così tanto i partner che hanno scherzosamente soprannominato Wes "Mr. Octave". Il primo disco con la registrazione di W. Montgomery uscì nel 1959 e portò subito al chitarrista successo e ampio riconoscimento. Gli amanti del jazz sono rimasti scioccati dal virtuosismo del suo modo di suonare, dall'articolazione raffinata e sobria, dalla melodiosità delle improvvisazioni, da una costante sensazione di intonazioni blues e da un vivido senso del ritmo swing. È molto interessante per Wes Montgomery combinare una chitarra elettrica solista con il suono di grande orchestra, che include il gruppo di stringhe.

La maggior parte dei successivi chitarristi jazz - inclusi musicisti famosi come Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell - riconobbe la grande influenza di Wes Montgomery sul loro lavoro. Già negli anni '40 gli standard sviluppati dallo swing cessarono di soddisfare molti musicisti. I cliché consolidati nell'armonia della forma della canzone, il vocabolario, spesso ridotto alla citazione diretta di eccezionali maestri del jazz, la monotonia ritmica e l'uso dello swing nella musica commerciale sono diventati un freno all'ulteriore sviluppo del genere. Dopo il "periodo d'oro" dello swing, è il momento di cercare nuove forme più avanzate. Ci sono sempre più nuove direzioni che, di regola, sono unite da un nome comune: jazz moderno (Modern Jazz). Include bebop ("jazz-staccato"), hard bop, progressive, cool, terza corrente, bossa nova e jazz afro-cubano, jazz modale, jazz-rock, free jazz, fusion e alcuni altri: tale diversità, influenza reciproca e la penetrazione reciproca di correnti diverse complica l'analisi del lavoro dei singoli musicisti, soprattutto perché molti di loro hanno suonato contemporaneamente in modi diversi. Quindi, ad esempio, nelle registrazioni di Ch. Byrd si possono trovare boss nova, blues, temi oscillanti, arrangiamenti di classici e country rock e molto altro. Nel gioco di B. Kessel - swing, bebop, bossa nova, elementi di jazz modale, ecc. È caratteristico che gli stessi chitarristi jazz reagiscano spesso in modo piuttosto netto ai tentativi di classificarli come una o l'altra direzione jazz, considerando questo un approccio primitivo alla valutazione del loro lavoro. Tali affermazioni possono essere trovate in Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin e altri.

2 .2 Principaleindicazionipop-jazzprestazione60-70 - Xanni

Eppure, secondo uno dei critici jazz, I. Berendt, sull'orlo degli anni '60 -'70, quattro direzioni principali si sono sviluppate nella moderna performance di chitarra: 1) mainstream (main stream); 2) jazz-rock; 3) direzione blues; 4) roccia. I rappresentanti più importanti del mainstream possono essere considerati Jim Hall, Kenny Burrell e Joe Pass. Jim Hall, il "poeta del jazz" come viene spesso chiamato, è conosciuto e amato dal pubblico dalla fine degli anni '50 fino ai giorni nostri.

"Jazz Guitar Virtuoso" si chiama Joe Pass (Joe Pass, nome e cognome Joseph Anthony Jacoby Passalaqua). I critici lo hanno messo alla pari con musicisti come Oscar Peterson, Ella Fitzgerald e Barney Kessel. I suoi dischi in duetto con Ella Fitzgerald e Herb Ellis, il trio con Oscar Peterson e il bassista Nils Pederson, e soprattutto i suoi dischi da solista "Joe Pass the Virtuoso" riscuotono un grande successo. Joe Pass è stato uno dei chitarristi jazz più interessanti e versatili nella tradizione di Jacgo Reinhardt, Charlie Christian e Wes Montgomery. Il suo lavoro è poco influenzato dalle nuove tendenze del jazz moderno: preferiva il bebop. Insieme alle attività concertistiche, Joe Pass ha insegnato molto e ha pubblicato con successo lavori metodologici, tra i quali la sua scuola "Joe Pass Guitar Style" occupa un posto speciale "2E

Tuttavia, non tutti i chitarristi jazz sono così devoti al "mainstream". Tra musicisti eccezionali gravitando verso il nuovo nello sviluppo del jazz, va notato George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola. Il musicista messicano Carlos Santana (Carlos Santana, nato nel 1947) suona nello stile del "rock latino", basato sull'esecuzione di ritmi latinoamericani (samba, rumba, salsa, ecc.) In modo roccioso, combinato con elementi di flamenco .

George Benson è nato nel 1943 a Pittsburgh e da bambino cantava il blues e suonava la chitarra e il banjo. All'età di 15 anni, George ricevette in regalo una piccola chitarra elettrica ea 17 anni, dopo essersi diplomato, formò una piccola band rock and roll in cui cantava e suonava. Un anno dopo, l'organista jazz Jack McDuff arrivò a Pittsburgh. Oggi, alcuni esperti considerano le sue prime registrazioni con Jack McDuff le migliori dell'intera discografia di Benson. Benson è stato fortemente influenzato dal lavoro di Django Reinhardt e Wes Montgomery, in particolare dalla tecnica di quest'ultimo.

Tra la nuova generazione di chitarristi che suonano jazz-rock e sviluppano uno stile jazz relativamente nuovo - la fusione, spicca Ol di Meola (AI di Meola). La passione del giovane musicista per la chitarra jazz è iniziata con l'ascolto di una registrazione di un trio con Larry Coryell (che, guarda caso, Al di Meola ha sostituito nella stessa formazione qualche anno dopo). Già all'età di 17 anni partecipa alle registrazioni con Chick Corea. Ol di Meola suona magistralmente la chitarra, sia con le dita che con il plettro. Il libro di testo "Metodi caratteristici per suonare la chitarra da parte di un mediatore" da lui scritto è stato molto apprezzato dagli specialisti.

Gli innovatori del nostro tempo includono anche il talentuoso chitarrista Larry Coryell, che ha attraversato un periodo difficile modo creativo-- dalla passione per il rock and roll alle nuove tendenze della musica jazz moderna.

In effetti, dopo Django, solo un chitarrista europeo ha ottenuto un riconoscimento incondizionato in tutto il mondo e ha influenzato lo sviluppo del jazz in generale: l'inglese John McLaughlin. Il periodo di massimo splendore del suo talento cade nella prima metà degli anni '70 del XX secolo, un periodo in cui il jazz amplia rapidamente i suoi confini stilistici, fondendosi con la musica rock, esperimenti di musica elettronica e d'avanguardia e varie tradizioni musicali popolari. Non è un caso che non solo i fan del jazz considerino McLaughlin “loro”: troveremo il suo nome in qualsiasi enciclopedia della musica rock. All'inizio degli anni '70, McLaughlin organizzò l'orchestra Mahavishnu (Great Vishnu). Oltre a tastiere, chitarra, batteria e basso, ha introdotto il violino nella sua composizione. Con questa orchestra, il chitarrista ha registrato numerosi dischi, che sono stati accolti con entusiasmo dal pubblico. I revisori notano il virtuosismo di McLaughlin, l'innovazione nell'arrangiamento, la freschezza del suono, grazie all'uso di elementi della musica indiana. Ma la cosa principale è che la comparsa di questi dischi segna l'istituzione e lo sviluppo di una nuova tendenza jazz: il jazz-rock.

Al momento sono apparsi molti chitarristi eccezionali che continuano e aumentano le tradizioni dei maestri del passato. Di grande importanza per la cultura pop-jazz mondiale è il lavoro dello studente più famoso di Jimm Hall - Pat Mattini. Le sue idee innovative hanno notevolmente arricchito il linguaggio melodico-armonico della moderna musica pop. Vorrei anche sottolineare le brillanti attività di esecuzione e insegnamento di Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, lo studente di Joe Pass Lee Ritenour e molti altri.

Per quanto riguarda lo sviluppo dell'arte di suonare la chitarra pop-jazz (elettrica e acustica) nel nostro paese, non sarebbe stato possibile senza molti anni di lavoro educativo ed educativo di successo di V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov , A. Vinitsky, così come i loro seguaci S. Popov, I. Boyko e altri. Di grande importanza è l'attività concertistica di musicisti come: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk e molti altri. Essendo passata dal blues al jazz-rock, la chitarra non solo non ha esaurito le sue possibilità, ma, al contrario, ha conquistato la leadership in molte nuove direzioni del jazz. I risultati nel campo delle tecniche di esecuzione della chitarra acustica ed elettrificata, l'uso dell'elettronica, l'inclusione di elementi di flamenco, stile classico, ecc. danno motivo di considerare la chitarra uno degli strumenti principali di questo genere musicale. Ecco perché è così importante per la nuova generazione di musicisti studiare l'esperienza dei loro predecessori: i chitarristi jazz. Solo su questa base è possibile cercare uno stile di esecuzione individuale, modi di auto-miglioramento e ulteriore sviluppo della chitarra pop-jazz

conclusioni

Ai nostri giorni, il tema dello sviluppo delle capacità esecutive su una chitarra a 6 corde rimane rilevante, poiché al momento esistono molte scuole e sistemi di formazione. Includono direzioni diverse, dalla scuola classica di suonare, alle scuole jazz, latine, blues.

Nello sviluppo della stilistica jazz, un ruolo molto significativo è svolto da una specifica tecnica strumentale, caratteristica dell'uso jazzistico dello strumento e delle sue capacità espressive: melodica, intonazionale, ritmica, armonica, ecc. Il blues ha svolto un ruolo importante nella formazione del jazz. A sua volta, "uno dei fattori decisivi nella cristallizzazione del blues da tipi precedenti e meno formalizzati di folklore negro è stata la 'scoperta' della chitarra in questo mezzo".

La storia dello sviluppo dell'arte della chitarra conosce molti nomi di chitarristi-insegnanti, compositori e artisti che hanno creato numerosi sussidi didattici per imparare a suonare la chitarra, molti dei quali direttamente o indirettamente correlati al problema dello sviluppo del pensiero della diteggiatura.

In effetti, ai nostri tempi, il concetto di chitarrista include la padronanza sia delle principali tecniche classiche, sia di base, sia dell'abilità e comprensione dello stile che accompagna la funzione, la capacità di suonare e improvvisare in digitale, tutte le sottigliezze e caratteristiche del pensiero blues e jazz.

Sfortunatamente, negli ultimi tempi, i media hanno dato pochissima influenza non solo alla musica classica seria, ma anche a tipi non commerciali di musica pop-jazz.

Elencousatoletteratura

1. Bakhmin A.A. Manuale di autoistruzione per suonare la chitarra a sei corde / A.A. Bakhmin. M.: Centro ASS, 1999.-80 p.

2. Boyko I.A. Improvvisazione sulla chitarra elettrica. Parte 2 "Fondamenti della tecnica degli accordi" - M.; Centro dell'hobby, 2000-96 pag.;

3. Boyko I.A. Improvvisazione sulla chitarra elettrica. Parte 3 "Metodo progressivo di improvvisazione" - M.; Centro dell'hobby, 2001-86 p.

4. Boyko I.A. Improvvisazione sulla chitarra elettrica. Parte 4 "Pentatonica e sue possibilità espressive" - ​​M.; Centro dell'hobby, 2001 - 98 pag.; malato.

5. Brandt V.K. Fondamenti della tecnica di un chitarrista d'insieme pop / Guida didattica e metodologica per le scuole di musica - M. 1984 - 56 p.

6. Dmitrievsky Yu.V. / Chitarra dal blues al jazz-rock / Yu.V. Dmitrievsky - M .: Ucraina musicale, 1986. - 96 p.

7. Ivanov-Kramskoy A.M. Scuola di suonare la chitarra a sei corde / A.M. Ivanov-Kramsky. - M.: Sov. Compositore, 1975. - 120 p.

8. Manilov V.A. Impara ad accompagnare con la chitarra / V.A. Manilov - K.: Ucraina musicale, 1986. - 105 p.

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10. Popov, S. Base / Comp.; "Guitar College" - M.; "Guitar College", 2003 - 127 p.;

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12. Al Di Meola "Tecnica del gioco con un mediatore"; Per. / comp.; GIDinform

13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971 n. 10 - pag. 20-31

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Sintesi di culture e tradizioni africane ed europee. Lo sviluppo del jazz, lo sviluppo di nuovi modelli ritmici e armonici da parte di musicisti e compositori jazz. Jazz nel Nuovo Mondo. Generi di musica jazz e sue caratteristiche principali. Musicisti jazz della Russia.

L'esecuzione della chitarra in Russia ha una sua storia unica. Tuttavia, in questo lavoro considereremo solo quelle pagine che sono direttamente correlate alla pratica di suonare la chitarra a sette corde e influenzano le caratteristiche alla base della formazione dello stile della chitarra russa.
La scuola di chitarra russa è stata fondata in un momento in cui nell'Europa occidentale la chitarra classica si era già dichiarata uno strumento da concerto solista indipendente. Era particolarmente popolare in Italia. Spagna. Apparso intera linea esecutori e compositori. ha creato un nuovo repertorio classico. I più famosi sono D. Acquado. M.Giuliani. F. Carulli, M. Carcassi. Successivamente, musicisti straordinari come Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber e altri si sono rivolti a PR e hanno scritto per esso.

La principale differenza tra la chitarra russa e quella classica popolare in Europa era il numero di corde (sette, non sei) e il principio della loro accordatura. È la questione dell'accordatura che è sempre stata il cardine dell'annosa disputa sul vantaggio di una chitarra a sei o sette corde. Comprendendo la particolare importanza di questo problema, riteniamo necessario tornare al tema dell'origine della chitarra a sette corde e della sua comparsa in Russia.
Entro la fine del XVIII secolo. in Europa esistevano diversi tipi di chitarre di vario disegno, dimensione, con diverso numero di corde e molti modi di accordarle (basti pensare che il numero di corde variava da cinque a dodici) -. Un folto gruppo di chitarre è stato unito secondo il principio dell'accordatura delle corde per quarte con una terza maggiore al centro (per comodità chiameremo questa accordatura una quarta). Questi strumenti sono stati ampiamente utilizzati in Italia. Spagna. Francia.
Regno Unito, Germania, Portogallo e Europa centrale esisteva un gruppo di strumenti con il cosiddetto sistema delle terzine, in cui, nell'accordare le corde vocali, si preferivano le terze (ad esempio, due grandi terzine erano separate da un quarto).
Entrambi questi gruppi di strumenti erano uniti dal fatto che la musica scritta per una scala poteva essere suonata usando un piccolo arrangiamento su uno strumento di un'altra scala.
Ci interessa una chitarra con quattro corde doppie, che è arrivata dall'Inghilterra all'Europa e dall'Europa alla Russia (San Pietroburgo). La struttura di questa chitarra aveva due tipi: quarto e terzo. Quest'ultima differiva dalle dimensioni della chitarra russa a sette corde (era molto più piccola), ma praticamente anticipava i principi della sua accordatura secondo la triade maggiore estesa (sol, mi, do, sol, fa, do, sol). Questo fatto è molto importante per noi.

Mancanza di prove storiche per la trasformazione corpo della chitarra, il suo valore e la scala comune delle stringhe ci consentono solo di ipotizzare opzioni per il loro sviluppo. Molto probabilmente, le dimensioni del manico della chitarra erano determinate dalla comodità di suonare, e la tensione delle corde, la loro accordatura, corrispondeva alla tessitura della voce cantata. Forse i miglioramenti hanno portato ad un aumento del corpo, alla sostituzione delle croste metalliche con trefoli, e quindi ad una diminuzione della tessitura del suono, uno “scorrimento” dell'impianto complessivo verso il basso.
Non ci sono informazioni attendibili che confermino che sia stata questa chitarra a fungere da prototipo della "sette corde" russa, ma la loro relazione è ovvia. La storia dell'esecuzione della chitarra in Russia è associata all'apparizione durante il regno di Caterina la Grande (1780-90) di chitarristi stranieri che suonavano la terza e la terza chitarra. Tra loro ci sono Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez. Sono presenti pubblicazioni di raccolte di brani per chitarra a 5-6 corde, riviste di chitarra.
Ignaz von Geld (Ignatius von Geld) pubblica per la prima volta un manuale intitolato "Un metodo semplice per imparare a suonare la chitarra a sette corde senza un insegnante". Sfortunatamente, non è stata conservata una sola copia di questa prima scuola russa di suonare la chitarra, così come le informazioni sui metodi di insegnamento del suo autore, sul tipo di chitarra e sul modo in cui è accordata. Ci sono solo testimonianze contemporanee. Quel Geld era un grande chitarrista inglese.
Ma il vero fondatore della scuola di chitarra russa sono stato io che mi sono stabilito a Mosca, alla fine del XVIII secolo. un musicista istruito, un magnifico arpista Andrey Osipovich Sikhra. Fu lui a introdurre nella musica pratica la chitarra a sette corde con un sistema di re, re, sol, re, re, sol, re, che in seguito divenne noto come il russo.

Non possiamo sapere quanto fosse familiare A. Sichra con gli esperimenti europei nella creazione di chitarre con diversi numeri di corde e modi di accordarli, se ha usato i loro risultati nel suo lavoro sul "miglioramento" (ma con le sue stesse parole) del classico chitarra a sei corde. Questo non è così significativo.
Ciò che è importante è che A. Sihra. essendo un ardente ammiratore dell'esecuzione della chitarra, un brillante insegnante e un competente divulgatore delle sue idee, ha lasciato un segno luminoso nella storia dello sviluppo dell'esecuzione strumentale russa. Utilizzando i migliori risultati della scuola di chitarra classica spagnola, sviluppò una metodologia per insegnare la chitarra a sette corde, esponendola successivamente in un libro pubblicato nel 1832 e nel 1840. "Scuola". Utilizzo di forme e generi classici. Sychra ha creato un nuovo repertorio specifico per la chitarra russa e ha allevato una brillante costellazione di studenti.

Grazie alle attività di A. O. Sikhra e dei suoi collaboratori, la chitarra a sette corde ottenne una straordinaria popolarità tra i rappresentanti di diverse classi: l'intellighenzia russa e i rappresentanti delle classi medie ne erano affezionati, i musicisti professionisti e gli amanti della musica quotidiana si rivolgevano ad essa: i contemporanei iniziarono ad associarlo all'essenza stessa della musica popolare urbana russa. Una descrizione dell'incantevole suono della chitarra a sette corde può essere trovata nei versi sinceri di Pushkin. Lermontov, Turgenev. Cechov, Tolstoj e molti altri poeti e scrittori. La chitarra cominciò a essere percepita come una parte naturale della cultura musicale russa.
Ricordiamo che la chitarra di A. Sikhra è apparsa in Russia in condizioni in cui la chitarra a sette corde non si vedeva quasi mai da nessuna parte, era impossibile acquistarla né nei negozi né da artigiani. Ora ci si può solo chiedere quanto velocemente (in 2-3 decenni) questi maestri, tra i quali c'erano i più grandi violinisti, siano stati in grado di stabilire la produzione della chitarra russa. Questo è Ivan Batov, Ivan Arhuzen. Ivan Krasnoschekov. Le chitarre del maestro viennese I. Scherzer erano considerate tra le migliori. Secondo i contemporanei, le chitarre di F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky si distinguevano per la loro individualità unica. Ma ora non ci soffermiamo su questo, perché merita un discorso a parte.

Il sapore nazionale della chitarra a sette corde è stato dato anche dagli arrangiamenti scritti per essa sui temi delle canzoni popolari russe. “L'influenza della musica popolare sull'arte della musica, ovviamente, inizierà come parte delle tradizioni di molte nazioni. In Russia, tuttavia, la musica popolare è diventata oggetto del più frenetico entusiasmo del popolo per la propria musica, forse uno dei movimenti più notevoli dell'anima russa.
Per essere onesti, dovrebbe essere notato. che le opere di A. Sikhra su temi russi erano scritte nello stile delle variazioni classiche e non avevano un sapore così originale, puramente russo, che distingue gli arrangiamenti di altri chitarristi russi. In particolare, Mikhail Timofeevich Vysotsky, creatore di numerose composizioni sui temi delle canzoni popolari russe, ha dato un enorme contributo alla formazione della scuola di chitarra russa come fenomeno nazionale originale. M. Vysotsky è cresciuto nel villaggio di Ochakovo (12 km da Mosca) nella tenuta del poeta M. Kheraskov, rettore dell'Università di Mosca, in un'atmosfera di amore e rispetto per le tradizioni popolari russe. Il ragazzo poteva ascoltare meravigliosi cantanti folk, prendere parte a riti popolari. Essere figlio di un servo. Misha poteva ottenere un'istruzione solo partecipando alle riunioni dell'intellighenzia creativa e della casa dei Kheraskov, ascoltando poesie, dibattiti e spettacoli improvvisati di ospiti istruiti.

Tra loro c'era l'insegnante principale di M. Vysotsky - Semyon Nikolaevich Aksenov. Notò il talento del ragazzo e iniziò a dargli lezioni su come suonare la chitarra russa. E sebbene queste lezioni non fossero sistematiche, il ragazzo fece progressi significativi. Fu grazie agli sforzi di S. Aksenov che M. Vysotsky ricevette la libertà nel 1813 e si trasferì a Mosca per ulteriori studi. Successivamente, il noto musicista, compositore A. Dubuk ha fornito a Vysotsky un'assistenza significativa nella padronanza delle discipline musicali e teoriche.

M. Vysotsky è diventato un meraviglioso chitarrista - improvvisatore, compositore. Ben presto gli venne la fama di un chitarrista virtuoso insuperabile. Secondo i contemporanei, il modo di suonare di Vysotsky ha impressionato non solo per la sua straordinaria tecnica, ma anche per la sua ispirazione, la ricchezza della sua immaginazione musicale. Sembrava fondersi con la chitarra: era un'espressione vivente del suo stato d'animo spirituale, dei suoi pensieri.
Ecco come il suo allievo e collega chitarrista I. E. Lyakhov ha valutato il modo di suonare di Vysotsky: - Il suo modo di suonare era incomprensibile, indescrivibile e ha lasciato un'impressione tale che nessuna nota e nessuna parola può trasmettere. Qui lamentosamente, teneramente, malinconia suonava davanti a te il canto della filatrice; un piccolo fermato - e tutto sembrava parlarle in risposta: dicono, sospirando, bassi, a loro rispondono voci piangenti di acuti, e tutto questo coro è coperto di ricchi accordi riconcilianti; ma poi i suoni, come pensieri stanchi, si trasformano anche in triodie, il tema quasi scompare, come se il cantante stesse pensando ad altro; ma no, torna di nuovo al tema, al suo pensiero, e suona solenne e uniforme, trasformandosi in un adagio orante. Senti un cane russo, elevato al sacro (Sudet. Tutto è così bello e naturale, così profondamente sincero e musicale, come raramente vedi in altre composizioni per canzoni russe. Qui non ricorderai niente del genere: tutto qui è nuovo e originale Davanti a noi c'è un musicista russo ispirato, davanti a te c'è Vysotsky.

Una caratteristica distintiva del lavoro di Vysotsky era la dipendenza dai potenti strati della canzone popolare russa e dalla creatività in parte strumentale. Questo è ciò che ha determinato lo sviluppo della scuola di chitarra russa, la sua filiale di Mosca. M. Vysotsky, forse, era meno preoccupato di sistematizzare le raccomandazioni per imparare a suonare la chitarra a sette corde, sebbene tenesse un gran numero di lezioni. Ma nel suo lavoro, la chitarra russa a sette corde è diventata uno strumento veramente nazionale, con un proprio repertorio speciale, tecniche tecniche speciali e differenze stilistiche, stile di esecuzione, modelli di sviluppo all'interno delle forme musicali (intendiamo la connessione tra il contenuto poetico di un canzone e il processo di sviluppo delle varianti nella composizione musicale). A questo proposito, M. Vysotsky è per noi. probabilmente la figura più importante della chitarra russa. Il suo lavoro ha gettato le basi per uno stile di esecuzione originale, nonché il principio per ottenere un suono melodico e le tecniche che lo accompagnano. Ma di questo si parlerà più avanti.

Pertanto, l'emergere di una scuola di chitarra originale in Russia è associata ai nomi di A. Sikhra e M. Vysotsky, nonché ai loro migliori studenti.
In conclusione, vorrei dire che l'uso diffuso della chitarra in Russia in un breve periodo storico non può essere casuale. Piuttosto, è una buona prova della fattibilità dello strumento. Ci sono motivi sufficienti per essere orgogliosi dei risultati della scuola di chitarra russa. Tuttavia, si può affermare con amarezza che non conosciamo tutta la verità sul nostro strumento e sull'eredità creata per esso. È importante saperlo e capirlo oggi, quando quasi tutto ciò di cui la Russia era orgogliosa in passato è stato raso al suolo e non è stato creato nulla per sostituirlo. Forse è il momento di rivolgere la tua faccia all'eredità della chitarra russa?! Consiste di opere, metodi e repertorio delle persone più istruite del loro tempo. Ecco alcuni nomi: M. Stakhovich - nobile, storico, scrittore; A. Golikov - nobile, cancelliere collegiale; V. Sarenko - Dottore in scienze mediche; F. Zimmerman - nobile, proprietario terriero; I. Makarov - un proprietario terriero, un importante bibliografo; V. Morkov - un nobile, un vero consigliere di stato: V. Rusanov - un nobile, direttore d'orchestra, un eccezionale editore.

PROGRAMMA DI FORMAZIONE GENERALE PRE-PROFESSIONALE SUPPLEMENTARE NEL CAMPO DELL'ARTE MUSICALE "Strumenti popolari" CHITARRA. Area tematica B.00. PARTE VARIANTE V.03.SU.03.STORIA DELL'ESECUZIONE SULLA CHITARRA CASSIANA. Periodo di attuazione 1 anno. Il programma contiene tutte le sezioni necessarie: una nota esplicativa, il contenuto della materia, curriculum, requisiti per il livello di formazione degli studenti, forme e metodi di controllo, sistemi di valutazione, supporto metodologico processo educativo, elenco di riferimenti.

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istruzione aggiuntiva per i bambini

Scuola d'arte per bambini p.Novozavidovsky

PRE-PROFESSIONALE AGGIUNTIVO

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ARTI MUSICALI

"Strumenti popolari"

CHITARRA

Argomento

W.00. PARTE VARIANTE

V.03.SU.03. STORIA DELL'ESECUZIONE SU CHITARRA CASSIAN

Sullo sviluppo musicale nel sistema di istruzione aggiuntiva per i bambini delle scuole di musica per bambini e dei dipartimenti di musica

scuole d'arte per bambini

Compilato da: Bensman Vera Igorevna,

Docente MBOU DOD DSHI

P.Novozavidovsky

P.Novozavidovsky 2014

Programma approvato Approvato

Consiglio pedagogico ________________ Saperova I.G.

MBOU DOD DSHI Direttore di MBOU DOD DSHI

P. Novozavidovsky P. Novozavidovsky,

Verbale n. 2 del 30 ottobre 2014. Distretto di Konakovsky,

Regione di Tver.

Compilato da: Insegnante Bensman Vera Igorevna

Revisore: Docente della categoria più alta Bensman L.I.

1. Nota esplicativa.

Caratteristiche della materia, suo posto e ruolo nel processo educativo;

Il termine per l'attuazione del soggetto;

La quantità di tempo di studio previsto dal curriculum per l'attuazione di una materia;

Modalità di svolgimento della formazione in aula;

Scopo e obiettivi della materia;

La struttura del curriculum della materia;

Metodi di insegnamento;

Descrizione delle condizioni materiali e tecniche per l'attuazione dell'argomento;

Informazioni sul costo del tempo di studio;

Programma.

3. Requisiti per il livello di formazione degli studenti.

4. Forme e modalità di controllo, sistema di classificazione:

Certificazione: obiettivi, tipologie, forma, contenuto; esame finale;

Criteri di valutazione.

5.Supporto metodologico del processo educativo.

6. Elenco dei riferimenti.

NOTA ESPLICATIVA

La chitarra è uno degli strumenti musicali più popolari utilizzati nella pratica professionale e amatoriale. Un repertorio di chitarra diversificato include musica di diversi stili ed epoche, tra cui classica, popolare, jazz.

La chitarra non è solo uno strumento musicale di accompagnamento e solista, è un mondo intero: esecutori, compositori, arrangiatori, insegnanti, maestri di chitarra, storiografi, collezionisti, appassionati, ammiratori, chitarristi dilettanti... È una parte degna della cultura mondiale , il cui studio interesserà molti.

La chitarra era dedicata alla musica, ai dipinti, alle canzoni, alla ricerca, alla prosa, all'insegnamento e al talento artigianale, alle opere storiche e alla poesia. M. Yu le ha dedicato le battute ammirate. Lermontov:

Che suoni! sono ancora

Dolci suoni I.

dimentico il cielo, l'eternità, la terra,

Lui stesso...

Caratteristiche della materia, suo posto e ruolo nel processo educativo;

Nelle scuole d'arte per bambini, nel processo di insegnamento agli studenti dei dipartimenti strumentali, viene prestata un'attenzione insufficiente alla componente più importante dell'educazione musicale, come la storia dell'esecuzione strumentale.

Alle lezioni di letteratura musicale si studia il lavoro dei compositori e si menzionano solo gli esecutori. Pochissimo spazio viene dato al tema degli strumenti popolari e in particolare dello strumento chitarra. Le attività extrascolastiche condotte dagli insegnanti sono diverse e compensano in parte questa carenza. Ma questo non è abbastanza.

Gli studenti della Children's School of Art dovrebbero avere una conoscenza più voluminosa e sistematizzata nel campo della storia dello sviluppo dello strumento e dell'esecuzione musicale (delle scuole nazionali e straniere).

L'introduzione della materia nel curriculum dei programmi educativi generali di sviluppo della Children's School of Art è rilevante nella fase attuale, soprattutto per i programmi pre-professionali.

L'argomento prevede l'evidenziazione delle fasi principali nello sviluppo dello strumento per chitarra, la revisione del lavoro di esecutori e compositori eccezionali, la familiarizzazione con opere musicali creato per questo strumento, ascoltando e visualizzando registrazioni di chitarristi, vincitori e diplomati di concorsi (compresi bambini, giovani)

Si propone di inserire la materia "Storia del suonare la chitarra classica" nella sezione "Parte variabile" del programma di sviluppo generale pre-professionale aggiuntivo nel campo dell'arte musicale "Arte strumentale", "Strumenti popolari", "Chitarra" . Puoi anche inserire un elemento in piani educativi programmi di sviluppo generali attuati in una particolare scuola d'arte per bambini.

Il programma dell'autore della materia "Storia dell'esecuzione della chitarra classica" è stato sviluppato sulla base dei requisiti dello Stato federale per un programma educativo generale pre-professionale aggiuntivo nel campo dell'arte musicale. (2012) Il programma fa parte del curriculum di performance strumentale. Chitarra "Strumenti popolari".

Per la preparazione del programma sono stati utilizzati i seguenti materiali:

Complesso didattico-metodico "Esecuzione istriana su strumenti popolari" Specialità 071301 "Folk creatività artistica". Compilato da Zhdanova T.A., professore del Dipartimento di direzione d'orchestra e strumenti popolari dell'Accademia statale di cultura, arte e tecnologie sociali di Tyumen. Tyumen, 2011

Chupakhina T.I. "Un corso di lezioni sulla storia dell'esecuzione su strumenti popolari". Omsk, 2004

Scuola di chitarra Charles Duckart.

Scadenza per l'attuazione dell'oggetto:

Il periodo di attuazione per questo articolo è di 1 anno (35 settimane)

Con 5 (6) periodi di studio - in quinta elementare.

All'ottavo (nono) trimestre di studio - in terza media.

Il tempo di studio previsto dal curriculum:

L'intensità lavorativa totale del soggetto è di 70 ore.

Di queste: 35 ore - lezioni in aula, 35 ore - lavoro autonomo.

Il numero di ore per gli studi in aula è di 1 ora a settimana.

Numero di ore per lavoro indipendente(carico di lavoro extrascolastico) - 1 ora a settimana.

La forma di svolgimento della formazione in aula.

Finalità e obiettivi della materia.

La materia "Storia dell'esecuzione della chitarra classica" è parte integrante della preparazione di un diplomato della Scuola d'arte per bambini nella classe di chitarra. L'arte della chitarra fa parte della cultura artistica mondiale. Può essere rintracciato dall'antichità ai giorni nostri ed è organicamente connesso con la cultura strumentale esecutiva e di repertorio. Diventa chiaro come l'ampia gamma di problemi includa lo studio della storia della performance.

• Lo scopo di questo argomento è mostrare la condizionalità storica e la sequenza di sviluppo dell'arte dell'esecuzione, comprendere il processo di sviluppo e formazione dello strumento per chitarra; studiare i modelli storici di formazione e le caratteristiche principali del repertorio, le caratteristiche delle arti dello spettacolo sulla chitarra.
• Lo scopo della materia è anche quello di garantire lo sviluppo delle capacità creative e dell'individualità degli studenti, l'interesse sostenibile per le attività indipendenti nel campo dell'arte musicale.
• Instillare negli studenti la necessità di conoscere, studiare, ascoltare e analizzare.
• Raggiungere un livello di istruzione che consenta al laureato di navigare autonomamente nella cultura musicale mondiale;

Obiettivi del soggetto:

• Uno dei compiti principali dello studio di questa materia è incoraggiare gli studenti a comprendere le questioni della storia e della teoria dello sviluppo dello strumento che stanno imparando a suonare;
• l'acquisizione di conoscenze nel campo della storia della cultura musicale, l'espansione degli orizzonti artistici degli studenti, nonché lo sviluppo della loro capacità di navigare in vari aspetti dell'arte della chitarra, degli stili e delle direzioni musicali.
• Dotare di un sistema di conoscenze, abilità e metodi di attività musicale, che nella sua totalità fornisce una base per un'ulteriore comunicazione indipendente con la musica, l'autoeducazione musicale e l'autoeducazione.
• formazione di una motivazione consapevole tra i migliori laureati per continuare la loro formazione professionale e prepararli per gli esami di ammissione a un istituto di istruzione professionale.

Strutture del curriculum della materia.

I problemi trattati in questo programma sono considerati nel contesto dello sviluppo dell'arte della chitarra, tenendo conto del principio dello storicismo e della periodizzazione cronologica.

Il programma comprende le seguenti sezioni:

Informazioni sul costo del tempo di studio;

Programma;

Requisiti per il livello di formazione degli studenti;

Forme e modalità di controllo, sistema di classificazione, certificazione finale;

Supporto metodologico del processo educativo;

In accordo con queste indicazioni, è in fase di realizzazione la sezione principale del programma "Contenuto soggetto".

Metodi di insegnamento.

Per raggiungere l'obiettivo prefissato e attuare gli obiettivi della materia, vengono utilizzati i seguenti metodi di insegnamento:

Verbale: conferenza, storia, conversazione.

Visual: mostrare, illustrare, ascoltare il materiale.

Pratico: Lavorare con materiali audio e video. Stesura di report, abstract. Preparazione delle presentazioni.

Emotivo: impressioni artistiche.

Descrizione del materiale e delle condizioni tecniche per l'attuazione dell'argomento.

Garantire l'insegnamento di questa materia: la presenza di un pubblico che soddisfi gli standard sanitari e i requisiti di sicurezza antincendio. Computer o laptop, TV, centro musicale, proiettore multimediale + schermo dimostrativo - desiderabile. Foto, audio, materiali video con il coinvolgimento attivo delle risorse Internet.

Il fondo librario si completa con pubblicazioni a stampa, elettroniche, letteratura didattica e metodica

Ogni studente ha accesso ai fondi della biblioteca e ai fondi delle registrazioni audio e video. Durante il lavoro indipendente, gli studenti usano Internet per collezionare materiale aggiuntivo studiare gli argomenti proposti.

Informazioni sul costo del tempo di studio;

Tabella 1

1. Tavolo 2

"Chitarra" Il periodo di studio è di 5 (6) anni.
Parte variabile
Nome dell'elemento	1 classe	2 celle	3 celle	4 celle	5 celle	6 celle
Storia della chitarra classica
Certificazione intermedia

Tabella 3

1. Tabella 4

"Chitarra" La durata degli studi è di 8 (9) anni.
Parte variabile
Nome dell'elemento	1 classe	2 celle	3 celle	4 celle	5 celle	6 celle	7 celle	8 celle	9 celle
Storia dell'esecuzione musicale
Numero di settimane di studio in aula
Certificazione intermedia

PROGRAMMA

	NOME DEI TEMI	aula	Lavoro indipendente
	Dalla storia dell'arte della chitarra. Origine e sviluppo.
	L'origine della chitarra. Cinque periodi distinti della sua storia: formazione, stagnazione, rinascita, declino, fioritura.	1 ora	1 ora
	Strumenti precursori della chitarra. Chitarra e liuto. Chitarra in Spagna (XIII secolo) Il periodo della rinascita della chitarra è associato al compositore, esecutore, insegnante italiano Mauro Giuliani (nato nel 1781).
	Fernando Sor (1778-1839) è stato un famoso chitarrista e compositore spagnolo. È stato uno dei primi a scoprire le possibilità polifoniche nella chitarra. Opere di F. Sor per chitarra. Il suo trattato sulla chitarra. Aguado Dionisio (1784-1849) - un eccezionale interprete spagnolo - virtuoso, compositore. Nativo di Madrid. Fu un enorme successo a Parigi.
	Carulli Fernando (1770 - 1841) - famoso insegnante, autore della "Scuola di suonare la chitarra", compositore che compose circa quattrocento opere, virtuoso chitarrista italiano.Giuliani Mauro (1781-1829) - un eccezionale chitarrista italiano - esecutore, compositore, insegnante. Io Fortea??????? ??
	Matteo Carcassi (1781–1829) - il più importante chitarrista-esecutore italiano, autore della Scuola di Chitarra,compositore. Regondi Giulio (1822 - 1872) - famoso chitarrista italiano - virtuoso, compositore.
	Tarrega Francisco Eixea (1852 - 1909) - famoso chitarrista spagnolo, fondatore della scuola di chitarra moderna Brillante concertista, compositore, autore delle più famose opere per chitarra.
	Leggenda del XX secolo - Andres Segovia(1893-1987), allievo e successore di Tarrega. Il chitarrista più famoso del XX secolo.
	Certificazione intermedia (1 trimestre)
	Chitarra flamenco. Stile flamenco.Paco de Lucia è un chitarrista spagnolo di flamenco.
	Chitarra in Europa. interpreti famosi.
	Chitarristi latinoamericani. Compositore brasiliano E. Villa-Lobos (1887-1959). Le composizioni di Villa-Lobos sono parte integrante del repertorio dei chitarristi moderni. chitarristi cubani. Un brillante rappresentante è Acosta. Anido Maria Luisa (nato nel 1907) è un eccezionale chitarrista argentino. Concertista, compositore, insegnante. Chitarra hawaiana e sue caratteristiche.
	Classi seminariali.
	Certificazione intermedia (prima metà dell'anno)
	Chitarra in Russia La Russia nel XIX secolo e all'inizio del XX secolo.			3° quarto
	L'emergere dell'arte di suonare la chitarra a sette corde in Russia. Conoscenza della chitarra attraverso i chitarristi italiani Giuseppe Sarti, Carlo Conobbio, Pasquale Gagliani. Canzoni e romanzi di importanti compositori del XIX secolo (A.E. Varlamov, AL. Gurilev, A.A. Aliabiev, .I. Dubuc., P.P. Bulakhov.)
	Il periodo di massimo splendore dell'arte professionale domestica A.O. Sikhra (1773-1850) - il patriarca della chitarra russa a sette corde, un brillante compositore, un famoso insegnante che ha allevato una galassia di chitarristi di grande talento. Andrei Sikhra e la sua casa editrice musicale. Seguaci di A. Sikhra, suoi studenti: F. Zimmerman, V. Sarenko, V. Markov, S. Aksenov. Chitarra a sette corde e canzone russa, romanticismo crudele.
	Il primo chitarrista a suonare la chitarra a sei corde fu N.P. Markov (1810- ) tecniche per suonare la chitarra. Concorso a Bruxelles, organizzato da Markov per ravvivare lo sbiadito interesse per la chitarra. M.D. Sokolovsky (1818-1883) famoso concertista, unico rappresentante della scuola di chitarra domestica del suo tempo, che conquistò fama europea. Le sue attività nella divulgazione della chitarra.
	Isakov P. I. (1886-1958) - chitarrista - concertista, accompagnatore, insegnante, iniziatore della creazione della Società dei chitarristi di Leningrado. Yashnev V.I. (1879 - 1962) - insegnante-chitarrista, compositore, autore (insieme a B.L. Volman) della scuola di suonare la chitarra a sei corde. Agafoshin PS (1874-1950) - chitarrista di talento, famoso insegnante, autore della migliore "scuola" domestica per chitarra a sei corde. Studente VA Rusanov. . Incontri di Segovia e Agafoshin.
	Ivanov - Kramskoy Alexander Mikhailovich (1912-1973) - il famoso chitarrista - concertista, compositore, insegnante. Artista onorato della RSFSR. Allievo P.S. Agafoshina.N.A. Ivanova - Kramskaya
	Chitarristi famosi del nostro tempo.
	Scuola di chitarra russa. Creatività di Alexander Kuznetsov. Creatività V. Shirokogo, V. Derun. A. Frauchi, A. Zimakova. Chitarristi: V.Kozlov, Alexander Chekhov, Nikita Koshkin, Vadim Kuznetsov, N.A.Komolyatov, A.Gitman, E.Filkshtein, A.Borodina.Vladimir Terzo…………Dervoed A.V., Matokhin S.N., Vinitsky A.E. , Reznik A.L.
	Chitarristi stranieri della direzione classica.
	Seminari
	Lezione finale 3° trimestre
	Competizioni internazionali. Competizioni russe. Laureati, diplomatici. Festival.
	Chitarra in ensemble da camera. orchestre di chitarre.
	Chitarra classica nella regione di Tver e Tver. SONO. Skvortsov, E.A. Baev; Duetto strumentale "Miniature musicali" - E. Baev - chitarra, E. Muravyova - violino, "Art Duet" Natalya Gritsay, Elena Bondar.
	Chitarra jazz classica. Chitarra jazz. Altre direzioni nel campo dell'arte della chitarra. Tecnica contadina. Stile Fincher. Fusione. …….Interpreti di varie direzioni.
	Come è costruita la chitarra? Principali produttori di chitarre. Aggiornamento della chitarra. Quante corde ha una chitarra? Narciso Yepes e la sua chitarra a dieci corde. Nuovo nell'arte della performance di chitarra classica.
	Seminario-consulenza.
	esame finale
	TOTALE AL TASSO TOTALE

3. Requisiti per il livello di formazione degli studenti.

Il livello di formazione degli studenti è il risultato della padronanza del programma della materia "Storia dell'esecuzione della chitarra classica", che prevede la formazione delle seguenti conoscenze, abilità, quali:

* l'interesse dello studente per la storia dell'esecuzione musicale;

* capacità di navigare in vari aspetti dell'arte della chitarra, stili e direzioni musicali;

* un complesso ben formato di conoscenze, abilità e abilità che consentono di valutare, caratterizzare il lavoro ascoltato, lo stile e il modo dell'esecutore;

* conoscenza che ti consente di utilizzare in modo indipendente le risorse Internet.

*il laureato deve conoscere gli argomenti principali del corso

4. Forme e modalità del controllo, sistema di valutazione.

• Certificazione: obiettivi, tipologie, forma, contenuto;

Criteri di valutazione;

Il controllo delle conoscenze, delle abilità e delle capacità degli studenti fornisce la gestione operativa del processo educativo e svolge funzioni di formazione, verifica, istruzione e correzione. Varie forme di monitoraggio dei progressi degli studenti consentono di valutare oggettivamente il successo e la qualità del processo educativo. I principali tipi di controllo dei progressi in materia

"Storia della performance della chitarra classica" sono: controllo corrente, certificazione intermedia. Esame finale.

Attestazione attualeviene svolto al fine di controllare la qualità della padronanza della sezione del materiale didattico ed è finalizzato a identificare atteggiamenti nei confronti della materia, all'organizzazione responsabile dei compiti ed è stimolante. L'attuale certificazione viene effettuata sotto forma di sondaggio, conversazione su un argomento preparato dagli studenti e discussione delle esecuzioni ascoltate. Possibili attività di controllo corrente sotto forma di test e quiz musicali.

Le lezioni sulla "Storia dell'esecuzione strumentale" si svolgono sotto forma di lezione del docente, conversazioni con gli studenti su un argomento da loro preparato, sondaggio tra gli studenti;

Viene dato un posto importante nel lavoro illustrazioni musicali, ascoltare e visualizzare materiali pertinenti. Si consiglia di condurre seminari su argomenti scelti dal docente o dagli studenti. Possibili attività di controllo corrente sotto forma di test e quiz musicali. Sulla base dei risultati del controllo in corso, vengono ricavate stime trimestrali.

Certificazione intermedia(offerto alla fine del primo e del secondo semestre) determina il successo dello sviluppo degli studenti e il grado in cui padroneggiano i compiti di apprendimento in questa fase. Forme di certificazione intermedia: lezioni di controllo, test, relazioni, abstract, presentazioni.

esame finale

Al superamento della certificazione finale, il laureato deve dimostrare conoscenze, abilità e abilità in conformità con i requisiti del programma. Le forme ei contenuti della valutazione finale per la materia "Storia dell'Esecuzione Chitarristica Classica" sono stabiliti autonomamente dall'organizzazione (su proposta del docente). Moduli consigliati: una prova con una valutazione o un esame scritto o orale sotto forma di risposta a domande pre-preparate.

Per la certificazione degli studenti vengono creati fondi di strumenti di valutazione, che includono metodi di controllo che consentono di valutare le conoscenze, le abilità e le abilità acquisite.

Criteri di valutazione

5 ("eccellente");

4 ("buono");

3 ("soddisfacente").

La valutazione - "insoddisfacente" in questa materia è indesiderabile, perché indipendentemente dal livello di sviluppo degli studenti, l'insegnante ha l'opportunità di trovare un approccio individuale per ogni studente e massimizzare le sue capacità creative.

5. Supporto metodologico del processo educativo

Questa materia è insegnata da un insegnante di chitarra.

Certo, non possiamo ascoltare le registrazioni dei grandi interpreti del passato. Il XX secolo ci offre questa opportunità. Possiamo parlare delle tradizioni e della continuità dell'esecuzione della musica di epoche diverse attraverso studenti e seguaci. (Ad esempio: F. Tarrega, Segovia, A.M. Ivanov-Kramskoy, A. Frauchi……….).

Le forme di conduzione delle lezioni sono varie, ma con l'inclusione obbligatoria nel lavoro di tutto il gruppo. Ascolto e visione congiunti di registrazioni, incarichi creativi - relazioni, abstract, impressioni sull'ascolto di registrazioni in classe e in modo indipendente. La presentazione del materiale prevede: una lezione frontale del docente stesso con ascolto e visione di materiali audio e video; esecuzione di compiti specifici nell'ambito del materiale studiato da parte di tutti gli studenti con successive discussioni. Un posto importante nel lavoro è dato alle illustrazioni musicali, all'ascolto e alla visualizzazione di materiali pertinenti.È importante che l'insegnante selezioni accuratamente una varietà di materiale musicale per l'ascolto e l'impostazione di compiti specifici al fine di: insegnare la concentrazione, attivare l'udito, il pensiero, farti prestare attenzione ai dettagli, allo stile di esecuzione e all'incarnazione dell'intenzione del compositore da parte dell'esecutore. Questo svilupperà il gusto degli studenti e li farà avvicinare più consapevolmente all'esecuzione delle opere.

Si consiglia di svolgere i test sotto forma di seminari, relazioni, abstract, brevi riferimenti che gli studenti possono completare da soli utilizzando le risorse online. E come compiti a casa, gli studenti possono ascoltare il lavoro in diverse esibizioni e fare analisi comparativa sentito, cioè completare un compito creativo.

Inoltre, una forma creativa di lavoro in questa direzione sono i viaggi congiunti (se possibile) di studenti con insegnanti, genitori a concerti di musica strumentale, seguiti da discussioni in classe. (Nella nostra scuola, tali eventi vengono organizzati regolarmente a causa della comoda posizione del villaggio rispetto alle organizzazioni di concerti di Tver, Klin, Mosca. Inoltre, vengono da noi artisti di Tver)

Un ottimo posto è occupato dalla preparazione dell'insegnante e degli studenti per le lezioni. È un processo laborioso e creativo. Devi lavorare molto con materiali di testo, audio, video, risorse Internet. È necessario incoraggiare gli studenti a lavorare quotidianamente per almeno un'ora. Con regolare indipendenteclassi, ci sarà un crescente interesse non solo per questa materia, ma anche la necessità di indipendenza lavoro scrupoloso diplomandosi in chitarra.

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La sua culla sono stati i paesi del Vicino e Medio Oriente, dove è apparso diversi millenni fa.
Ma il suo aspetto nella sua forma tradizionale è stato preceduto da un lungo percorso di sviluppo. Secondo un certo numero di ricercatori, l'arco del cacciatore primitivo potrebbe essere usato non solo come arma, ma anche come strumento musicale. Quindi, se più corde vengono tirate su un arco, a causa delle loro diverse lunghezze, forze di tensione e spessori, l'intonazione del suono emesso cambia. Probabilmente, questo era l'aspetto dello strumento musicale, che divenne il prototipo della cetra assiro-babilonese ed egiziana. A loro volta, le antiche cetre divennero le "antenate" della chitarra.

Sulle antiche piramidi egiziane e sui monumenti architettonici assiri sono presenti geroglifici raffiguranti lo strumento nablu, che ricorda vagamente una chitarra in forma. È interessante notare che gli antichi egizi usavano lo stesso geroglifico per designare i concetti di "buono", "buono", "bello".
In Mesopotamia e in Egitto, alcune varietà di cetra (tra cui la nabla egiziana e l'arabo el-aud) ricevettero ulteriore sviluppo costruttivo e si diffusero in tutta la costa mediterranea già nel III-II millennio a.C. nuova era. Fino ad ora, nei paesi dell'Asia Minore esiste uno strumento musicale "kinira", legato alla chitarra.

Nell'antica Grecia, il più popolare strumenti musicali erano kitara (kitarra), lira, arpa, pandora.
Nei primi secoli della nuova era, la chitarra latina, imparentata con quella greca, era diffusa nei paesi mediterranei dell'Europa. Era noto anche il parente più stretto della chitarra, il liuto. Il nome stesso "liuto" deriva dalla parola araba "el-aud", che significa "di legno" o "eufonico".
Si presume che il liuto e la chitarra siano stati portati in Europa dagli arabi - attraverso la Spagna conquistata da loro e nell'VIII secolo. Molto probabilmente, tuttavia, questi strumenti si sono diffusi in Europa attraverso l'antica Grecia, grazie ai suoi legami culturali con i paesi del Vicino e Medio Oriente.

Fino al XVI secolo la chitarra era a tre e quattro corde. Lo suonavano con le dita e un plettro (un disco di osso e tartaruga).
Nel XVI secolo apparve in Spagna una chitarra a cinque corde e da quel momento divenne nota come chitarra spagnola. Le corde erano raddoppiate, a volte la prima corda ("cantante") era singola. Di tutti i paesi europei, la chitarra era più utilizzata in Spagna, dove divenne un vero strumento popolare.
Con l'avvento della quinta corda e l'aumento delle sue capacità artistiche ed esecutive, la chitarra inizia a competere con successo con il liuto e la vihuela, suo predecessore, e gradualmente li sostituisce dall'uso musicale.
Appaiono numerosi virtuosi e compositori di talento che hanno portato l'arte di suonare la chitarra a un livello molto alto. alto livello. Tra questi F. Corbetta (1620-1681), chitarrista di corte dei re di Spagna, Francia e Inghilterra, suo allievo R. de Vize (1650-1725), chitarrista di corte del re Luigi XIV di Francia, F. Campion (1686 -1748), G. Soli (1640-1710) e molti altri.
Cominciarono ad apparire le prime raccolte di tablature e sussidi didattici per chitarra: "Guitar Book" di R. de Vize (1682), "New Discoveries of the Guitar" di F. Campion (1705) e molti altri.

Hanno stampato vecchio danze spagnole- pascal, ciaccone, sarabande, fogli e altri pezzi.
Nella seconda metà del XVIII secolo compare una chitarra a sei corde (secondo gli storici, sempre in Spagna). Con l'avvento della sesta corda e la sostituzione delle corde doppie con corde singole, inizia la processione trionfale della chitarra attraverso paesi e continenti; esiste ancora in questa forma. Le possibilità musicali della chitarra a sei corde si sono rivelate così grandi che diventa uno degli strumenti più amati.
Inizia il "periodo d'oro" della chitarra. È associato ai nomi dei compositori e virtuosi della chitarra spagnoli F. Sora (1778-1839), D. Aguado (1784-1849) e italiano F. Carulli (1770-1871), M. Giuliani (1781-1829), M. Carcassi (1792-1853).

Artisti

Spagna

SOR José Fernando (Fernando Sor 1778 - 1839)

Chitarrista, compositore e insegnante spagnolo. Nella prima infanzia, ha mostrato abilità eccezionali e ha ricevuto un'educazione musicale in uno dei monasteri cattolici, migliorando da solo il suo modo di suonare la chitarra. Il modo di suonare la chitarra di Sora ha creato un vero scalpore a Londra, dove si è recato dopo un breve soggiorno a Parigi. Nell'autunno del 1823 Sor con sua moglie, una ballerina francese, si recò in Russia, dove le sue esibizioni ebbero un grande successo. A Mosca, al Teatro Bolshoi, è stato messo in scena il balletto di Sora "Sandrillon". Nel 1826 Sor tornò a Parigi e vi rimase fino alla fine dei suoi giorni. Soprannominato "Il Beethoven della chitarra", la sua musica profonda ed emotiva e la sonorità morbida e vellutata del suo modo di suonare lo hanno reso uno dei più grandi chitarristi del suo tempo.
Sor è nato a Barcellona. All'età di cinque anni componeva già canzoni, accompagnandosi con la vecchia chitarra del padre. Ha ricevuto la sua educazione musicale presso il monastero cattolico di Montserrat vicino a Barcellona e all'età di 13 anni stava già componendo musica complessa. Una volta al suo insegnante fu ordinato di comporre una messa solenne per solisti, coro e organo, ma a causa di una malattia non poté prepararla entro la scadenza. Sor ha aiutato il suo insegnante completando brillantemente l'ordine in una notte.
Dopo aver completato la sua formazione musicale e aver trovato mecenati, Sor si stabilì a Madrid e si dedicò interamente alla composizione musicale e al miglioramento delle sue abilità chitarristiche. Nel 1813 si recò a Parigi, dove presto si guadagnò la reputazione di uno dei migliori virtuosi, affascinando con il suo modo di suonare Berlioz, Cherubini e altri musicisti che vivevano nella capitale francese. Nel 1815, Soar andò a Londra, dove fece scalpore con il suo modo di suonare la chitarra. Nel 1823 Sor era già in Russia, dove ricevette anche un'accoglienza eccezionale. Durante uno dei suoi viaggi a San Pietroburgo, Sor fu invitato alla corte dell'imperatrice Elizaveta Alekseevna, moglie di Alessandro I, che mostrò grande favore al chitarrista. La vicinanza alla corte prometteva a Sor brillanti prospettive, e intendeva rimanere in Russia per sempre, ma fu costretto a lasciarla dopo la morte dell'imperatrice.
Dopo essere tornato in Europa occidentale, Sor ha continuato a riscuotere un successo senza precedenti. La sua autorità tra i chitarristi era estremamente alta. Tuttavia, negli anni '30, la chitarra non era più uno strumento alla moda e anche Sor, sia come chitarrista che come compositore, passò di moda. Nel giugno 1839 Sor morì, mezzo dimenticato anche dai suoi colleghi musicisti.
La musica di Sora è entrata a far parte della storia, molte delle sue composizioni per chitarra continuano a vivere sul palco dei concerti e la sua "School for the Guitar" (1830) è considerata da molti la composizione più eccezionale dedicata alla tecnica esecutiva della chitarra.

Italia

Giuliani Mauro (GIULIANI, Giuseppe Sergio Pantaleo 1781-1829)

Eccezionale chitarrista virtuoso italiano, compositore riconosciuto da autorità come J. Haydn e L. Beethoven. Nato vicino a Napoli. Da bambino impara a suonare il violino e il flauto, contemporaneamente da autodidatta alla chitarra: a vent'anni aveva già raggiunto risultati così brillanti da guadagnarsi la fama in Italia come miglior chitarrista. Dal 1800 iniziò la sua attività concertistica, inizialmente svoltasi in Italia e in Francia. Nel 1807 venne a Vienna con concerti, dove critici musicali lo ha riconosciuto all'unanimità come il più grande chitarrista del mondo.
Stabilitosi a Vienna, Giuliani ha intrapreso attività concertistica e didattica. Tra i suoi amici ci sono L. Beethoven e J. Haydn, i violinisti L. Spohr e J. Mayseder, i pianisti I. Hummel, I. Moscheles e A. Diabelli.
Nel 1816 Giuliani fece una tournée in Germania con grande successo. Nel 1819 si esibì a Roma in concerti con D. Rossini e N. Paganini.
Spettacoli brillanti Giuliani e la sua esecuzione dei suoi concerti per chitarra e orchestra hanno dimostrato gli stessi diritti della chitarra come strumento da concerto con violino, violoncello e pianoforte. "Little Orchestra" - così Beethoven ha caratterizzato il suono della chitarra di Giuliani.
Nel 1821 Giuliani tornò in Italia e si stabilì a Roma. Negli ultimi anni della sua vita ha girato Germania, Polonia, Russia e Inghilterra, suscitando ovunque gioia e stupore con la sua arte.
M. Giuliani morì nel 1829 a Napoli.

Carulli Ferdinando (Fernando 1770-1841)

Chitarrista, insegnante e compositore italiano. Inizialmente, ha studiato violoncello. Dopo aver imparato a suonare la chitarra da solo, è diventato un chitarrista professionista. Il bel timbro, la purezza e la fluidità nel suonare la chitarra gli assicurarono il successo a Napoli, e poi a Parigi, dove divenne uno dei preferiti dei salotti. Carulli si stabilì a Parigi nel 1818. Divenuto famoso come il miglior chitarrista del suo tempo, divise il campionato con Matteo Carcassi e lo mantenne fino al ritorno di Fernando Sor.
Insegnante di spicco e brillante esecutore, Carulli ha pubblicato circa trecento sue composizioni: brani per chitarra sola, concerti per chitarra e orchestra, opere da camera, che si distinguono per l'elevata abilità strumentale e tecnica. Due dei suoi lavori teorici hanno ricevuto ampi riconoscimenti; si tratta della "Scuola di suonare la lira o chitarra" (1810) e uno studio sull'accompagnamento "L'armonia applicata alla chitarra" (1825). La "Scuola" di Carulli ha guadagnato una popolarità particolare: ha attraversato cinque edizioni contemporaneamente ed è stata pubblicata molte volte dopo la morte dell'autore.

Matteo Carcassi (1792 -1853)

Uno dei più famosi chitarristi italiani del suo tempo, compositore e maestro, seguace di F. Carulli. Nella storia della chitarra, è conosciuto come l'autore di "The School of Playing the Guitar" (1836) e di opere pedagogiche. I suoi studi per la chitarra sono sopravvissuti fino ad oggi, costituendo il materiale di formazione per qualsiasi chitarrista moderno e sono considerati classici.
Matteo Carcassi ha studiato chitarra fin dalla tenera età nella sua nativa Italia. Non aveva ancora vent'anni quando già si era fatto una reputazione in Italia come virtuoso della chitarra. Nel 1815 iniziò a insegnare chitarra e pianoforte a Parigi. Durante un viaggio di concerti in Germania nel 1819, Carcassi conobbe il chitarrista francese Meissonier, che nel 1812 fondò la sua casa editrice a Parigi. I due chitarristi divennero amici intimi e Meissonier pubblicò la maggior parte del lavoro di Carcassi.
Nel 1822 a Londra, dopo solo pochi concerti, si cominciò a parlare di Carcassy come di un eccezionale chitarrista e maestro. Ben presto tornò a Parigi, ma ogni anno visitava Londra, dove il suo talento chitarristico era molto apprezzato e dove era sempre atteso e venerato.
Quando Carcassi apparve per la prima volta a Parigi, il suo talento fu per qualche tempo all'ombra di un altro virtuoso chitarrista italiano più anziano, Ferdinando Carulli, ma dopo alcuni anni Carcassi ottenne riconoscimenti e un enorme successo. Ha tenuto concerti ogni anno nella maggior parte delle principali città d'Europa. Nel 1836 Carcassi tornò brevemente in Italia, ma Parigi rimase la sua residenza permanente fino alla sua morte nel 1853.

Francia

Costa Napoleone (Napolón Coste / Claude Antoine Jean George Napolón Coste 1805 - 1883

Chitarrista e compositore francese. Nato in Franca Contea. Essendo piuttosto giovane, inizia già l'attività di performer e insegnante. Nel 1830 si trasferì a Parigi, dove strinse amicizia con F. Sor, D. Aguado, F. Carulli e M. Carcassi, che vi abitarono contemporaneamente con lui, che ebbero una grande influenza sulla sua opera. Nel 1856, al concorso internazionale per la migliore composizione e il miglior strumento, organizzato a Bruxelles dal chitarrista russo N. Makarov, ricevette il secondo premio per la sua composizione "La grande serenata".
Cost è uno dei migliori interpreti francesi del XIX secolo ed è spesso paragonato a Sor. A causa di un infortunio alla mano a seguito di un incidente, è stato costretto a interrompere le sue attività concertistiche. Il lavoro di Costa è relativamente piccolo, ma testimonia un eccezionale talento compositivo. Ha scritto circa 70 opere per chitarra: valzer, variazioni, "Concert Rondo", "Great Serenade", il ciclo "Autumn Leaves", "25 Etudes" (op. 38), brani per oboe e chitarra, ecc. i piccoli pezzi sentono sempre l'armonia armoniosa e la polifonia orchestrale.
Il nome di Costa è associato anche a una nuova edizione riveduta e ampliata della Scuola per chitarra di Sor, nella quale Cost includeva una trascrizione della suite di Robert de Wiese. Morto a Parigi.

Chitarra in Russia

La storia della chitarra in Russia è interessante e molto originale.
Nel suo sviluppo, ha attraversato all'incirca le stesse fasi dei paesi dell'Europa occidentale.
Lo storico russo N. Karamzin scrisse che nel VI secolo gli slavi amavano suonare la cetra e l'arpa, senza separarsi da loro nemmeno nelle dure campagne militari. Suonato in Russia e la chitarra a quattro corde.
Nel 1769, l'accademico Shtelin scrisse dell'apparizione durante il regno dell'imperatrice Elisabetta della chitarra italiana a cinque corde, per la quale furono pubblicate speciali riviste musicali.

Alla fine del XVIII secolo apparve in Russia una chitarra a sei corde. Presto diventa popolare in tutti i ceti sociali. Vengono stampate le prime Scuole di suonare questo strumento e varie edizioni musicali. La scuola più antica pubblicata in Russia è "Improved Guitar School for Six Strings, or Self-Taught Guitar Playing Guide" di Ignatius von Geld. È andata a inizio XIX secolo in russo e tedesco.
Nello stesso periodo, "Etudes" e "Four Sonatas" per pianoforte e chitarra a sei corde del famoso virtuoso, compositore e insegnante P. Galyani, "Nuova rivista per chitarra a sei corde" di A. Berezovsky, "Concerto per sei -chitarra a corde accompagnata da orchestra" furono pubblicate nel compositore di San Pietroburgo Ashanin (1815).
Nel 1821-1823 furono aperte "Accademie musicali" a Mosca e Nizhny Novgorod, in cui ragazzi e ragazze impararono a suonare la chitarra. Compaiono eccezionali virtuosi della chitarra russa: M. Sokolovsky, N. Makarov, V. Lebedev.

Vysotsky Mikhail Timofeevich (circa 1791-1837)

Chitarrista virtuoso russo e compositore di chitarra. Ha studiato chitarra con S. N. Aksenov. Amava i classici, soprattutto Bach, di cui cercava di trascrivere le fughe per chitarra. Ciò si rifletteva nello stile serio e nobile delle sue composizioni per chitarra: per lo più fantasie e variazioni sul russo temi popolari(cicli di 4-5 variazioni, incorniciati da "screensaver" e "finali"), sono presenti anche arrangiamenti per chitarra di brani di V.A. Mozart, L. van Beethoven, J. Field (con il quale il musicista era vicino) e altri, di questi ne furono stampati 83; fu pubblicata anche la sua "Scuola pratica e teorica per chitarra" (1836).

Makarov Nikolai Petrovich (1810-1890)

Chitarrista virtuoso russo, attivo propagandista dell'arte della chitarra.
Nato nella città di Chukhloma, nella provincia di Kostroma. Trascorse la sua infanzia nelle tenute del padre e della zia M.P. Volkonskaya. Ha prestato servizio come ufficiale nell'esercito.
Ha suonato il violino fin dall'infanzia. All'età di ventotto anni si interessò alla chitarra e, esercitandosi dalle dieci alle dodici ore al giorno, ottenne presto un notevole successo.
Il primo concerto di Makarov ebbe luogo nel 1841 a Tula, nella Sala dell'Assemblea della Nobiltà, dove suonò la prima parte del 3° Concerto di Giuliani.
Nel 1852 Makarov viaggiò all'estero, dove incontrò i più grandi chitarristi d'Europa: Tsani de Ferranti, Carcassi, Kost, Mertz, il maestro di chitarra Scherzer. Nel 1856, a Bruxelles, organizzò il 1° Concorso Internazionale per la migliore composizione per chitarra e il miglior strumento, sul quale si esibì come solista con grande successo. Il 1° premio per la migliore composizione è stato assegnato a J.K. Mertz, il 2° premio a N. Kost, il 1° premio per il miglior strumento al maestro austriaco I. Scherzer, il 2° premio al maestro russo I. Arhuzen. N. Makarov è morto nel villaggio di Funtikovo-Rozhdestvenskoye, nella regione di Tula.

Sokolovskij Mark Danilovich (1818-1883)

Nato in Ucraina vicino a Zhytomyr. Ho imparato a suonare la chitarra da autodidatta, seguendo le scuole Giuliani, Leniani e Mertz.
Nel 1841 tenne il suo primo concerto da solista a Zhitomir, dove eseguì il Concerto in mi minore di F. Carulli. Nel 1846 tenne un concerto da solista nella sala dell'Assemblea Nobile. Il concerto è stato un grande successo e ha visto la partecipazione di oltre mille persone.
Nel 1858 Sokolovsky andò all'estero. Con grande successo sono i suoi concerti a Vienna. Nel 1863-1868 fece un giro trionfale nelle maggiori città d'Europa: Parigi, Londra, Berlino, Bruxelles, Dresda, Milano, Cracovia, Varsavia. Lo chiamano "Great Artist" in Germania, "Paganini of the Guitar" - in Inghilterra, "Kosciuszko of Guitarists" - in Polonia.
Il 25 gennaio 1869 Sokolovsky tenne un concerto nell'affollata sala del Teatro Bolshoi. Il suo concerto d'addio (a causa di una malattia) ebbe luogo nel 1877 a San Pietroburgo, nella sala della Cappella del canto di corte.
Sokolovsky trascorse gli ultimi anni della sua vita a Vilna (Vilnius), impegnato in attività pedagogiche. Un duro colpo per lui è stato il rifiuto di N. Rubinstein di aprire un corso di chitarra al Conservatorio di Mosca.
Mark Sokolovsky morì nel 1883 a Vilna e fu sepolto nel cimitero di Rasu a Vilna; non lontano da esso fu successivamente sepolto il famoso artista e compositore lituano Mikaelius Konstintinis Čiurlionis.

Lebedev Vasily Petrovich (1867-1907)

Nato nella provincia di Samara. Uno studente del famoso chitarrista russo I. Dekker-Schenk.
Ha tenuto con successo concerti a San Pietroburgo e in altre città della Russia. Nel 1900 si esibì con l'orchestra di strumenti popolari russi VV Andreev a Parigi, all'Esposizione Mondiale. La stampa ha notato il grande successo dell'artista. Lebedev è stato il primo interprete della parte di chitarra nel Quartetto per chitarra, violino, viola e violoncello di N. Paganini. Ha insegnato a San Pietroburgo al Museo Pedagogico e in alcune parti del distretto militare. Morto a Pietroburgo.

declino

Nella seconda metà dell'Ottocento l'arte della chitarra decadde. La musica lirica, sinfonica e strumentale, che raggiunse la sua piena fioritura, relegò la chitarra in secondo piano e ne ritardò lo sviluppo per molti decenni. Ma in misura ancora maggiore hanno contribuito a questa moda e gusti piccolo-borghesi che si sono diffusi in tutti gli strati della società. Secondo l'espressione figurativa di Segovia, il più grande chitarrista del XX secolo, "la chitarra era appesa alle pareti dei parrucchieri", il suo scopo principale era un accompagnamento primitivo a canzoni e romanzi, i musicisti cessarono di considerare la chitarra uno strumento serio . Molte antiche tradizioni sono andate nel nulla, innumerevoli note e manoscritti rari sono periti; artisti e compositori di talento sono diventati sempre meno: il dilettantismo e l'ignoranza hanno spazzato via l'arte della chitarra.
Il declino si estese a tutti i paesi europei, ma meno di altri, toccò la Spagna, in cui iniziò un nuovo revival della chitarra.
Il musicista che ha restituito il buon nome alla chitarra e ha elevato la sua arte a una nuova altezza mai vista prima è stato Francisco Eschea Tarrega, un eccezionale chitarrista virtuoso spagnolo, compositore, fondatore della moderna scuola di chitarra.

rinascita

Tarrega-Eshea Francisco (1852 - 1909)

Eccezionale chitarrista e compositore virtuoso spagnolo, fondatore della scuola spagnola di chitarra. Nato il 21 novembre 1852, morto il 5 dicembre 1909. Suona la chitarra fin dalla prima infanzia. Le capacità musicali di Tarrega attirarono l'attenzione e, con il sostegno di una famiglia benestante, riuscì ad andare a Madrid e nell'ottobre 1874 entrò al conservatorio, dove si diplomò brillantemente in due specialità: pianoforte e composizione. Nonostante le sue buone capacità pianistiche, Tarrega preferì la chitarra, nel suonare la quale migliorò così tanto che decise di tenere il proprio concerto al teatro Alhambra di Madrid. L'enorme successo che ha accompagnato questa performance ha deciso completamente la questione: Tarrega è diventato un chitarrista. I viaggi di concerti in Francia, Italia, Austria, Olanda e altri paesi hanno confermato le eccezionali capacità del chitarrista. La stampa ha confrontato Tarrega con i più grandi artisti contemporanei: il violinista Pablo de Sarasate e il pianista Anton Rubinstein.

Barrios (Mangori) Agostino (Agustin Barrios Mangore 23/05/1885-07/08/1944)

Un brillante chitarrista virtuoso paraguaiano, la cui importanza è stata pienamente apprezzata quasi 50 anni dopo la sua morte. Nato in una famiglia di musicisti, in cui, oltre ad Agostino, c'erano altri sette figli. Ha iniziato a suonare la chitarra molto presto. Il primo maestro fu Gustavo Escalda, che introdusse il giovane chitarrista nel mondo della musica di Sor, Tarrega, Aguado e altri compositori le cui opere costituivano la base del repertorio chitarristico tradizionale. All'età di 13 anni, notando il notevole talento del bambino, che si era già manifestato in molti campi (era eccellente nel disegno, aveva incredibili capacità matematiche e talento letterario), fu mandato a studiare al National College di Asuncion.
Nel 1910 Barrios, che a quel tempo era già diventato noto come chitarrista virtuoso, lasciò il Paraguay e andò in Argentina. Per i successivi 34 anni ha girato il continente sudamericano, tenendo concerti nelle città di Argentina, Uruguay, Brasile, Venezuela, Costa Rica ed El Salvador. Ha anche viaggiato in Cile, Messico, Guatemala, Honduras, Panama, Colombia, Cuba e Hawaii. Tra il 1934 e il 1936 ha avuto luogo il suo viaggio in Europa - ha suonato in Spagna, Germania e Belgio.
Nel 1932, lo stesso Barrios iniziò a chiamarsi "Nitsuga Mangori - chitarre Paganini" (Nitsuga è la lettura inversa di Agostino, e Mangori è il nome del leggendario leader degli indiani Guarani). Intorno alla metà degli anni '30, Barrios iniziò a sviluppare problemi di salute: un cuore malato non gli permetteva più di fare lunghi e faticosi viaggi per concerti. Ha trascorso gli ultimi anni della sua vita a San Salvador, la capitale del piccolo stato centroamericano di El Salvador, insegnando e componendo musica, eseguendo solo occasionalmente concerti di chitarra solista.
Mangori non fu solo un esecutore eccezionale, ma anche un compositore, che possiede oltre 300 opere per chitarra, molte delle quali sono oggi considerate tra i migliori lavori mai scritto per chitarra sola.

Vila-Lobos Heitor (Heitor Villa-Lobos 1887 - 1959)

Eccezionale compositore brasiliano, conoscitore del folklore musicale, direttore d'orchestra, insegnante. Nato il 5 marzo 1887, morto il 17 novembre 1959. Ha preso lezioni da F. Braga. Nel 1905-1912 viaggiò per il paese, studiò la vita popolare, il folklore musicale (registrò oltre 1000 melodie popolari). Dal 1915 si esibì con concerti d'autore.
Nel 1923-30. viveva principalmente a Parigi, comunicava con compositori francesi. Negli anni '30 fece un ottimo lavoro nell'organizzare un sistema unificato di educazione musicale in Brasile, fondò numerose scuole di musica e cori. Vila-Lobos è autore di sussidi didattici speciali ("Guida pratica", "Canto corale", "Solfeggio", ecc.), L'opera teorica "Educazione musicale". Ha anche agito come direttore d'orchestra, ha promosso la musica brasiliana in patria e in altri paesi. Ha ricevuto la sua formazione musicale a Parigi, dove ha incontrato A. Segovia e al quale ha poi dedicato tutte le sue composizioni per chitarra. Le composizioni per chitarra di Vila-Lobos hanno un pronunciato carattere nazionale, i ritmi e le armonie moderne in essi sono strettamente intrecciati con le canzoni e le danze originali degli indiani brasiliani e dei neri. Direttore della Scuola Nazionale di Compositori. Iniziatore della creazione dell'Accademia brasiliana di musica (1945, suo presidente). Sviluppato un sistema di educazione musicale per i bambini. Ha scritto 9 opere, 15 balletti, 20 sinfonie, 18 poemi sinfonici, 9 concerti, 17 quartetti d'archi; 14 "Shoros" (1920-29), "Brazilian Bahian" (1944) per ensemble strumentali, un numero innumerevole di cori, canzoni, musica per bambini, arrangiamenti di campioni folcloristici, ecc. - in totale oltre un migliaio dei più diversi composizioni.

Segovia Andrés (1893-1987)

Eccezionale chitarrista e insegnante spagnolo. Nacque in Andalusia, nella città di Linares, il 21 febbraio 1893, e poche settimane dopo la famiglia si trasferì a Jaen. La meravigliosa arte dell'improvvisazione dei chitarristi folk andalusi e la cultura originaria di questa antica terra hanno fortemente influenzato il suo atteggiamento.
Nel 1910 si tenne nel "Centro Artistico" di Granada il primo concerto pubblico di Andres Segovia, organizzato dai suoi amici.
Nel 1915 Segovia incontrò il chitarrista Miguel Llobet, grazie al quale poté tenere un concerto a Barcellona nel gennaio 1916. Tuttavia, non hanno cercato di far entrare la chitarra nelle grandi sale. Non era uno strumento popolare e tutti sentivano che la potenza del suo suono non era sufficiente e semplicemente non sarebbe stata ascoltata in una grande stanza.
Il punto di svolta nel destino della chitarra è stato un concerto al Palau Chamber Music di Barcellona, ​​​​dove Segovia ha finalmente ricevuto il permesso di esibirsi. La bellezza del suono di una chitarra acustica ha letteralmente stregato gli ascoltatori.
L'atmosfera di Renacimiento, il movimento per la rinascita delle tradizioni popolari nella musica e nella cultura della Spagna, ha contribuito all'ulteriore successo di Segovia. Nei sei anni successivi, il chitarrista ha ottenuto riconoscimenti per il suo strumento non solo nelle sale da concerto di Madrid e Barcellona, ​​​​ma anche in altre città della Spagna. A ciò si aggiunga il successo di due tournée in Sudamerica nel 1919 e nel 1921.
Gli anni '20 del XX secolo sono diventati il ​​\u200b\u200bmomento della nascita di una nuova era nell'arte della chitarra e l'inizio del riconoscimento mondiale di Segovia. Ogni esibizione di Segovia è stata percepita come un miracolo, come la scoperta di qualcosa di nuovo. Ha cercato di superare gli stereotipi e stabilire la chitarra come strumento solista.
Tre volte, nel 1926, 1927, 1935-1936, venne in URSS e con costante successo tenne concerti a Mosca, Leningrado, Kiev e Odessa. Segovia si è esibita non solo con concerti, ma ha anche incontrato chitarristi locali, ascoltato il loro gioco, condotto conversazioni metodiche e lezioni aperte. Ciò ha influito anche sullo sviluppo dell'arte della chitarra in Unione Sovietica: dopo il tour, molti musicisti professionisti hanno iniziato a considerare la chitarra come uno strumento degno di uno studio serio. Il risultato fu l'apertura di corsi di chitarra nelle scuole di musica (allora istituti tecnici), oltre che nelle singole università di musica. P. S. Agafoshin era un ardente sostenitore di Segovia, che fu il primo in URSS a creare la "Scuola di suonare la chitarra a sei corde", basata sulle linee guida metodologiche dell'eccezionale chitarrista. Pertanto, Segovia non era solo un artista, ma anche un attivo promotore del suo strumento.

Chitarra in Russia 2

Agafošin Petr (1874-1950)

Un meraviglioso chitarrista russo, uno dei primi maestri della chitarra a sei corde. P.S. Agafoshin è nato nel villaggio di Pirogovo, nella provincia di Ryazan, da una famiglia di contadini. Passione per la chitarra ereditata dal padre (originariamente suonava la chitarra a sette corde). Trasferitosi a Mosca, Petr Agafoshin ha migliorato da solo il suo modo di suonare il suo strumento preferito, utilizzando solo occasionalmente il consiglio di insegnanti, tra cui V. Rusanov, direttore della rivista moscovita "Chitarrista. Un ruolo significativo in sviluppo artistico Agafoshin è stato interpretato dalla sua amicizia con gli artisti V. I. Surikov e D. E. Marten, appassionati fan della chitarra. Ha partecipato come esecutore a numerosi concerti. Cantanti eccezionali accompagnati F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo. Il riconoscimento dell'arte performativa di Agafoshin fu un invito a partecipare all'opera "Don Chisciotte" di Massenet al Teatro Bolshoi nel 1916, dove accompagnò F.I. Chaliapin.
L'incontro del 1926 con Segovia ispirò Agafoshin. Non ha perso un solo concerto dell'artista spagnolo, lo ha incontrato personalmente. "Dopo la partenza di Segovia", scrisse Agafoshin, "mi sono subito riorganizzato, ho apportato i necessari adeguamenti alla mia produzione, ai metodi del gioco. Al suo successivo arrivo nella primavera del 1927, la mia condizione era più equilibrata, poiché da questo tempo che io stesso ero già in qualche modo Pertanto, le mie ulteriori osservazioni sul suo modo di suonare sono state molto più produttive, ho potuto concentrarle su singoli momenti e dettagli della sua esecuzione, in particolare quei brani che erano nel processo del mio studio.
P.S. Agafoshin ha lavorato come interprete d'orchestra allo State Maly Theatre per più di 40 anni. Nel 1930-1950 ha tenuto un corso di chitarra al Musical College. Rivoluzione d'Ottobre e Conservatorio Statale di Mosca. Molti famosi chitarristi sovietici erano suoi studenti (A. Ivanov-Kramskoy, E. Rusanov, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov e altri).

Aleksandr Ivanov-Kramskoy (1912 - 1973)

Eccezionale chitarrista, compositore, direttore d'orchestra, insegnante sovietico russo, autore della "School of Playing the Six-String Guitar", uno dei pochi chitarristi sovietici a cui è stato conferito il titolo di Artista Onorato della RSFSR (1959). Nato il 26 luglio 1912 a Mosca. Ha studiato al Music College dal nome Rivoluzione d'ottobre con Petr Spiridonovich Agafoshin (chitarra a sei corde), poi al Conservatorio di Mosca (corsi di perfezionamento). Ha svolto un ruolo enorme nello sviluppo della chitarra a sei corde in Russia.
Si è esibito come solista e in un ensemble con cantanti (N. A. Obukhova, I. S. Kozlovsky). Dal 1932 ha lavorato alla All-Union Radio. Nel 1939 ricevette il 2° premio all'All-Union Competition for Performers on Folk Instruments. Nel 1939-45. direttore del Song and Dance Ensemble dell'NKVD dell'URSS. Nel 1947-52 fu direttore del Russian Folk Choir e dell'Orchestra of Folk Instruments della All-Union Radio.
Autore di commedie e scuola per chitarra a sei corde. Le sue composizioni per chitarra (inclusi due concerti per chitarra e orchestra) sono molto popolari tra i chitarristi.
L'attività pedagogica di A. M. Ivanov-Kramskoy è proseguita presso l'Academic Music School del Conservatorio di Mosca, dove dal 1960 al 1973 ha diretto la classe di chitarra, dopo aver formato molti musicisti di talento. Poi ha insegnato all'Istituto di Cultura.
Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy era un personaggio musicale e pubblico di spicco che dedicò tutte le sue energie alla promozione dell'arte della chitarra. Dopo per lunghi anni oblio, grazie a un esecutore e insegnante eccezionale, la chitarra riacquistò lo status di strumento da concerto professionale e iniziò ad essere insegnata nelle istituzioni musicali secondarie e superiori del paese. Morto AM Ivanov-Kramskoy a Minsk durante un tour. Fu sepolto a Mosca nel cimitero di Vvedensky.

Komoliatov Nikolai (nato nel 1945)

Uno dei migliori chitarristi russi contemporanei, insegnante. Nato nel 1945 nella città di Saransk, nel 1962-70. studiato a scuola e poi all'Istituto. Gnesins nella classe del famoso chitarrista russo A. M. Ivanov-Kramskoy. Diplomato al Conservatorio di Stato degli Urali. MP Musorgskij. Dall'apertura del corso di chitarra alla RAM. Gnesinykh lavora come insegnante, avendo preparato negli anni molti vincitori di vari concorsi. Attualmente è professore della classe di chitarra dell'Accademia Russa di Musica. Gnesins.
Nel 1996 è diventato vincitore di un concorso internazionale al Latin American Arts Festival. È il primo interprete di molte opere di compositori contemporanei. Firma "Melody" ha pubblicato due dischi da solista dell'esecutore. Il primo disco consisteva in studi e preludi di E. Vila-Lobos, e il secondo includeva opere di P. Panin (Due studi, Due preludi, Danza dello sciamano e Humoresque) e la suite di I. Rekhin "In Memory of E. Vila -Lobos".
Nelle recensioni dei concerti di N. Komoliatov, la stampa nota la ricchezza timbrica del suo strumento e la tecnica virtuosistica, l'eleganza e la sottigliezza del gusto artistico del musicista.
Per i risultati eccezionali nel campo dell'arte della chitarra, N. Komoliatov è stato insignito del titolo di artista onorato della Russia. Per più di 25 anni è stato solista della Filarmonica di Stato di Mosca.

YerzunovV Viktor (nato nel 1945)

chitarrista, compositore, insegnante di musica. Nato nel 1945 a Saransk. Mio padre è morto al fronte. Le abilità musicali si sono manifestate presto, ma non c'era alcuna possibilità di studiare.
Ha iniziato a imparare a suonare solo all'età di 17 anni, in cortile. Ci siamo accontentati di tre accordi principali... La svolta è stata la conoscenza di Nikolai Komoliatov, l'unica persona a Saransk che è andata a studiare con Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy. Ricordo ancora il primo preludio di Vila-Lobos, che suonò durante il nostro primo incontro.
E poi la formazione è proseguita con l'ausilio di un manuale di autoistruzione per suonare la chitarra e "per corrispondenza". Nikolai Komoliatov, che allora prestò servizio come marinaio e suonò nell'ensemble della flotta del Pacifico, registrò su un registratore nella sua stessa performance quelle opere, le cui note aveva Victor, e le inviò per posta da Vladivostok. Così, "a orecchio", ha capito le note, suonando sul modello del suo lontano maestro. Nel 1963, dopo essersi diplomato, andò a lavorare come montatore presso lo stabilimento Elektrovypryamitel. Riuscì a suonare la chitarra anche durante la pausa pranzo e dopo il lavoro fino al buio della notte. Ho preparato da solo il programma per entrare nella scuola di musica. Non sono entrato nella scuola del Conservatorio di Mosca, poiché quell'anno, secondo l'ordine del Ministero della Cultura, c'era un gruppo di studenti provenienti dal Kazakistan e dall'Uzbekistan. Ma nello stesso anno, una piccola classe di chitarra a sei corde è stata aperta presso la Gnessin School presso il Dipartimento di strumenti popolari. Due dei trenta candidati sono stati accettati. Uno di loro è Viktor Erzunov. Dopo 3,5 mesi di studio, Viktor fu arruolato nei ranghi dell'esercito sovietico, dove prestò servizio nell'unità di combattimento per tre anni. Al ritorno a scuola, ha studiato dieci ore al giorno per recuperare. Contemporaneamente inizia ad acquisire le sue prime esperienze di insegnamento. Lui stesso ha selezionato il repertorio per gli studenti per instillare in loro un buon gusto musicale.
L'insegnante di V. Yerzunov, Boris Khlopovsky, partì per suonare al Mosconcert e raccomandò il suo miglior studente per un posto di insegnante. Il posto vacante di insegnante di chitarra è stato tenuto per sei mesi per Viktor Alekseevich, mentre stava completando i suoi studi. Nel 1971 inizia a lavorare al Musical College. Gnesins. Allo stesso tempo, su invito di Marina Davydovna Khidekel, ha aperto un corso di chitarra presso la Chernogolovskaya School of Arts.
I primi brani appartenenti ad un maestro già maturo, selezionati dopo molti anni di sperimentazione da parte del tempo, sono stati pubblicati nel 1989 nella "Raccolta di repertorio pedagogico per chitarra" insieme alle opere dei classici. È stata inoltre pubblicata una raccolta completamente d'autore delle composizioni di Viktor Yerzunov "Guitarist's Album" per le scuole di musica per bambini.

Vinitsky Alexander
(nato nel 1950)

Chitarrista russo, compositore, insegnante di musica. Vincitore di concorsi internazionali. Laureato all'Accademia Russa di Musica. Gnesins. Insegna allo State Musical College. Chitarra classica di Gnessin, esegue concerti da solista, scrive musica per chitarra, tiene seminari e corsi di perfezionamento sul tema "Chitarra classica nel jazz". Partecipa a festival internazionali chitarra e musica jazz, si esibisce con successo all'estero e nelle grandi città della Russia. Nei programmi dei concerti di Alexander Vinitsky, le composizioni dell'autore suonano, combinandosi stili diversi, così come arrangiamenti di musica di Gershwin, Jobim, Bonff, Gilberto, Powell, Porter, Rodgers e altri compositori. Ha registrato 7 dischi. Pubblica i suoi lavori nelle maggiori case editrici musicali del mondo. È stato più volte presidente e membro di giuria di concorsi internazionali di chitarra classica in Francia, Polonia e Russia.

Frauchi Alexander (nata nel 1954)

Uno dei migliori chitarristi-esecutori classici russi. Nato a Rostov nel 1954. Ha iniziato a muovere i primi passi nella musica sotto la guida del padre, Camille Arturovich Frauchi, famoso violinista e, come si suol dire, meraviglioso chitarrista e insegnante. Ha studiato alla Central Music School del Conservatorio. Ciajkovskij a Mosca nella classe di N. A. Ivanova-Kramskaya e al Conservatorio. Mussorgsky a Sverdlovsk con G. Mineev. Nel 1979 ha vinto il primo premio al Concorso musicale nazionale di artisti a Leningrado e nel 1986 il primo premio al Concorso internazionale di chitarra a L'Avana (Cuba). Ha tenuto concerti da solista e diretto masterclass in Germania, Francia, Belgio, Gran Bretagna, Stati Uniti, Austria, Italia, Jugoslavia, Polonia, Cuba, Ungheria, Repubblica Ceca, Bulgaria, Turchia e Grecia. Alexander Frauchi è stato più volte invitato come membro della giuria al gare internazionali chitarristi. Un disco è stato pubblicato dalla società Melodiya, così come un CD-ROM (1994) con una registrazione delle opere di Nikita Koshkin.
Artista onorato della Russia, insegnante di musica, professore all'Accademia di musica russa (ex Istituto musicale e pedagogico Gnessin) a Mosca.