Principali pittori del primo Rinascimento. Artisti del primo Rinascimento

L'arte italiana non si è sviluppata costantemente lungo una linea ascendente, da un livello inferiore a uno superiore. La linea di sviluppo culturale durante il Rinascimento era più complessa e flessibile. Nel corso di tre secoli, con l'inesorabile movimento in avanti, si sono distinte diverse ascensioni. Il più radicale di questi avvenne in Italia nel XV secolo. È il periodo del primo Rinascimento, segnato da una straordinaria intensità di ricerche. Il fulcro dell'innovazione in tutte le forme d'arte in questo momento, come ai tempi di Giotto, era Firenze. Qui si svolse l'attività dei fondatori del primo Rinascimento: il pittore Masaccio, scultore Donatello, architetto Brunelleschi.

Una delle conquiste più importanti dell'arte del Quattrocento, che ebbe un significato storico, fu la dottrina della prospettiva.Prospettiva - questa è un'immagine di oggetti in accordo con l'apparente cambiamento delle loro dimensioni e forma, dovuto al grado di lontananza dallo spettatore. I primi tentativi di costruzione della prospettiva erano già in uso nell'antica Grecia, ma nella sua forma classica, scientificamente comprovata, la prospettiva fu sviluppata dai maestri del Quattrocento italiano. Filippo Brunelleschi fu il primo a scoprirne le leggi, stabilendo così un nuovo programma di sviluppo per tutta l'arte fiorentina.

Brunelleschi ha fatto una conclusione decisiva per le belle arti: se i raggi diretti provenienti da un punto scelto nello spazio all'oggetto raffigurato sono attraversati da un piano, si otterrà un'esatta proiezione di questo oggetto su questo piano. Molto probabilmente, lo studio delle leggi ottiche di Brunelleschi è stato suggerito dallo studio delle rovine romane, che ha accuratamente misurato e copiato.

Amico di Brunelleschi, lo scultore Donatello applicò la prospettiva lineare in rilievo scultoreo ("Battaglia di S. Giorgio con un drago" , 1416), ottenendo un'impressione di profondità spaziale. Il loro contemporaneo Ma-zaccio usò questa scoperta in pittura (affresco"Trinità" , 1427). Infine, l'architetto e teorico dell'arte Alberti diede un dettagliato sviluppo teorico delle leggi della prospettiva nel suo Trattato della pittura (1435).

Le nuove tendenze nelle arti visive si sono manifestate per la prima voltascultura . Prima concentrata soprattutto negli interni, ora si realizza sulle facciate di chiese ed edifici pubblici, sulle piazze cittadine, non obbedendo più all'architettura.

Il punto di partenza della storia della scultura del primo Rinascimento è tradizionalmente considerato il 1401, quando il giovane gioielliere Lorenzo Ghiberti vinse il concorso degli scultori che si contendevano il diritto di realizzare le porte in bronzo del battistero fiorentino. . Ghiberti fu tra i maggiori scultori del suo tempo. Possiede una delle opere più famose del primo Rinascimento: la seconda porta orientale del battistero, poi chiamata da Michelangelo "Porta del Paradiso". I loro rilievi sono dedicati ai soggetti dell'Antico Testamento.

Il più geniale scultore del Quattrocento fu Donato di Niccolò di Betto Bardi, entrato nella storia della cultura mondiale con il nome di Donatello (1386-1466). È uno dei più arditi riformatori dell'arte italiana. Uno dei principali successi di Donatello fu la rinascita della statua rotonda autoportante. Eseguito da luistatua di david il vincitore (Firenze) è stata la prima scultura del Rinascimento, non associata all'architettura, liberata dall'angustia della nicchia e accessibile da tutti i lati. Creando l'immagine del leggendario pastore che sconfisse il gigante Golia, che per molte città-repubbliche italiane divenne un simbolo di libertà, Donatello cercò di avvicinarsi ai grandi esempi delle antiche arti plastiche. Il suo David è presentato nudo, tipo antico eroe. Nessuno scultore rinascimentale si è preso la libertà di mostrare un personaggio biblico in questa forma.

Un'altra famosa creazione di Donatello è un monumento al coraggioso comandante Erasmo di Narni, soprannominato Gattamelata ("Gatto astuto"). Un uomo del popolo, Erasmo, con il potere della sua mente, il talento, divenne l'artefice del proprio destino, divenne uno statista eccezionale. E lo scultore, conservando una somiglianza di ritratto, ha mostrato un'immagine generalizzata di un uomo del nuovo tempo, come a confermare le parole di Petrarca: “Il sangue è sempre dello stesso colore. Un uomo nobile si fa grande con le sue azioni.

Ancora più ampio era il richiamo alle antiche tradizioni inarchitettura . Schizzi e misurazioni di antiche strutture romane, lo studio del trattato di Vitruvio, trovato all'inizioXVsecoli, contribuì alla rapida sostituzione delle forme gotiche con quelle antiche. L'antico ordine viene ripreso e ripensato in modo creativo, che ha portato la proporzione logica e l'armonia nell'architettura del nuovo tempo. Se la cattedrale gotica è già difficile da vedere a causa delle sue dimensioni gigantesche, allora gli edifici del Rinascimento sono, per così dire, coperti da un solo sguardo. Si distinguono per la sorprendente proporzionalità.

Il primo grande monumento dell'architettura rinascimentale - eretto da Brunelleschicupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze. Nelle sue dimensioni è solo leggermente inferiore alla cupola del Pantheon romano, ma, a differenza di essa, non poggia su una base rotonda, ma su una base ottagonale.

Contemporaneamente alla costruzione della cupola, Brunelleschi dirige la costruzione di un orfanotrofio,Casa educativa . Questo è il primo edificio in stile rinascimentale, molto vicino agli edifici antichi nella sua struttura, chiarezza dell'aspetto e semplicità delle forme. La cosa più notevole è la facciata, decorata con un portico a forma di loggia ad arco. Il portico si sviluppa su tutta la larghezza dell'edificio, creando l'impressione di spaziosità e pace, e rafforzando la preponderanza linee orizzontali. Il risultato è un edificio completamente opposto all'aspirazione gotica al cielo. Nuova è anche l'assenza delle ricche decorazioni scultoree caratteristiche delle cattedrali gotiche.

Il tipo di loggiato utilizzato nell'Orfanotrofio con archi semicircolari e colonne sottili distanziate fu poi affermato nell'architettura del Rinascimentopalazzo .

Il palazzo è un palazzo-dimora cittadino dove vivevano persone benestanti. Di solito si tratta di un edificio a tre piani che si affaccia sulla strada. Secondo la loro pianta, il palazzo si avvicinava a una piazza, al centro della quale c'era un cortile circondato da gallerie ad arco.

Pittura Il Quattrocento italiano inizia con Masaccio (1401-1428, vero nome Tommaso di Giovanni di Simone Cassai). Masaccio è stato uno dei geni più indipendenti e coerenti della storia. Arte europea. Come molti altri artisti di quest'epoca, ha lavorato nel campo della pittura monumentale, che è stata eseguita sulle pareti utilizzando la tecnica dell'affresco. Continuando la ricerca di Giotto, Masaccio è riuscito a dare alle immagini un'autenticità di vita senza precedenti.

Gli affreschi sono l'apice del suo lavoro.Cappelle Brancacci Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze. Presentano la storia dell'apostolo Pietro, così come storia biblica"Cacciata dal paradiso", interpretata con eccezionale drammaticità.

Tutto in questi affreschi è pieno di particolare imponenza, potere epico, eroismo. Tutto è enfatizzato monumentalmente: l'artista non sembra disegnare le forme, ma le scolpisce con l'ausilio del chiaroscuro, ottenendo un rilievo quasi scultoreo. un meraviglioso esempio maniera creativa Masaccio può servire"Il miracolo con lo statere" (una storia su una moneta trovata miracolosamente nella bocca di un pesce, che ha aperto l'accesso alla città di Cafarnao a Cristo e ai suoi discepoli).

Il destino ha interrotto l'ascesa di un genio all'età di 27 anni, ma già quello che è riuscito a fare gli ha portato la fama di fondatore di una nuova arte. Dopo la morte di Masaccio, la Cappella Brancacci divenne la scuola di tutti i pittori successivi, meta di pellegrinaggi.

Masaccio, Brunelleschi, Donatello erano tutt'altro che soli nella loro ricerca. Allo stesso tempo, molti maestri originali hanno lavorato in varie città d'Italia: Beato Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.

Entro la fine del Quattrocento, la natura delle aspirazioni della pittura italiana cambia in modo significativo: lo studio della prospettiva, delle proporzioni passa in secondo piano, mentre viene in primo piano lo studio della natura umana. Dopo la letteratura e la poesia, la pittura rivela l'intensa vita dell'anima, il movimento dei sentimenti. Ciò contribuisce allo sviluppo del genere del ritratto, e del suo nuovo tipo, in un giro di tre quarti, e non di profilo, come prima.

Un artista il cui lavoro è nuovo idee artistiche trovato l'espressione più armoniosa, eraSandro Botticelli (1445-1510, vero nome Alessandro Filipepi).

Botticelli è un rappresentante della scuola pittorica fiorentina. Fu vicino alla corte di Lorenzo Medici, un politico e diplomatico di talento, una persona brillantemente istruita, un poeta dotato, un amante della letteratura e dell'arte, che è riuscito ad attrarre molti importanti umanisti, poeti e artisti

Essendo associato a una cerchia di studiosi fiorentini, Botticelli si affidò volentieri nelle sue opere ai programmi poetici da loro compilati. Ispirati dall'antichità e dalla poesia rinascimentale, erano di natura allegorica. Un ruolo speciale in loro è stato svolto dall'immagine di Venere, l'incarnazione dell'amore come il più alto dei sentimenti umani.

Venere - immagine centrale famosi dipinti di Botticelli:"Primavera" E "La nascita di Venere". È in queste composizioni mitologiche, dove regna l'amore, che sboccia il fascino misterioso dell'ideale di bellezza di Botticell. In questa bellezza c'è una raffinatezza speciale, fragile indifferenza. E allo stesso tempo, in essa si nasconde un'enorme forza interiore, la forza della vita spirituale.

la stessa ricchezza mondo interiore una persona viene aperta allo spettatore dai ritratti dell'artista: "Ritratto di un gioielliere", "Giuliano Medici" e altri.

Le esperienze personali più profonde legate alla vita sociale di Firenze alla fineXV secolo , ha individuato l'alta tragedia delle opere successive di Botticelli: "Compianto su Cristo", "Abbandono".

Nell'ultimo terzo del XV secolo, insieme alla scuola fiorentina, scuole d'arte in Umbria (Pinturicchio), Venezia (Gentile e Giovanni Bellini, Carpaccio), Ferrara, Lombardia, e ancora il principale centro culturale L'Italia resta Firenze. Qui, negli anni 1470, iniziò l'attività creativa di Leonardo da Vinci, qui nacque e crebbe Michelangelo, che si guadagnò fama come primo artista realizzando la statua del David (era posta davanti al Palazzo della Signoria come simbolo di Firenze ). Anche Firenze ebbe un ruolo enorme nello sviluppo creativo di Raffaello, che qui scrisse un'ampia suite delle sue Madonne (quando arrivò a Firenze, vi lavorarono sia Leonardo che Michelangelo). L'opera di questi geniali maestri, insieme all'arte di Bramante, Giorgione, Tiziano, segnò il periodo dell'Alto Rinascimento.

I Medici sono una famiglia di ricchi banchieri cheXVsecolo, infatti, apparteneva al potere fiorentino.

insurrezione popolare contro i Medici, guidata dal frate domenicano Savonarola, il feroce attacco degli aderenti di Savonarola alla "sporcizia peccaminosa" cultura laica, infine, la scomunica del Savonarola dalla chiesa e la sua morte sul rogo.

Dopo aver sperimentato la forte influenza del Savonarola, Botticelli rimase scioccato dalla sua morte.

agenzia federale di istruzione

Università statale di architettura e ingegneria civile di San Pietroburgo

Dipartimento di Storia

Disciplina: Culturologia

Titani e capolavori della cultura rinascimentale

Studente del gruppo 1 ES 2

E. Yu Nalivko

Supervisore:

a. e. n., insegnante

I. Yu Lapina

San Pietroburgo

Introduzione…………………………………………………………3

L'arte del primo Rinascimento………………………..4

Periodo dell'Alto Rinascimento……………………………….5

Sandro Botticelli……………………………………….5

Leonardo Da Vinci…………………………………7

Michelangelo Buonarroti …….………………………10

Raffaello Santi…………....…………………………….13

Conclusione……………………………………………………..15

Elenco della letteratura utilizzata……………………....16

introduzione

Il Rinascimento è un periodo importante nella cultura mondiale. Inizialmente, un nuovo fenomeno nella vita culturale europea sembrava un ritorno alle conquiste dimenticate della cultura antica nel campo della scienza, della filosofia e della letteratura. Il fenomeno del Rinascimento sta nel fatto che l'antica eredità è diventata un'arma per il rovesciamento dei canoni e dei divieti ecclesiastici. In sostanza, dobbiamo parlare di una grandiosa rivoluzione culturale durata due secoli e mezzo e conclusasi con la creazione di un nuovo tipo di visione del mondo e di un nuovo tipo di cultura. Niente di simile è stato osservato al di fuori della regione europea in quel momento. Pertanto, questo argomento ha suscitato il mio grande interesse e il desiderio di analizzare questo periodo in modo più dettagliato.

Nel mio saggio, voglio concentrarmi su tale persone di spicco come Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi. Furono loro a diventare i rappresentanti più importanti dei palcoscenici principali Rinascimento italiano.

1. L'arte del primo Rinascimento

Nei primi decenni del Quattrocento si ebbe una svolta decisiva nell'arte italiana. L'emergere di un potente centro del Rinascimento a Firenze ha portato al rinnovamento dell'intera cultura artistica italiana.

L'opera di Donatello, Masaccio e dei loro collaboratori segna la vittoria del realismo rinascimentale, che differiva notevolmente dal "realismo dei dettagli" caratteristico dell'arte gotica del tardo Trecento. Le opere di questi maestri sono intrise degli ideali dell'umanesimo. Glorificano e glorificano una persona, la elevano al di sopra del livello della vita quotidiana.

Nella loro lotta con la tradizione gotica, gli artisti del primo Rinascimento cercarono sostegno nell'antichità e nell'arte del Proto-Rinascimento. Ciò che i maestri del Proto-Rinascimento cercavano solo intuitivamente, al tatto, ora si basa su una conoscenza accurata.

L'arte italiana del XV secolo si distingue per la grande diversità. La nuova arte, che vinse all'inizio del XV secolo nella Firenze avanzata, non ebbe subito riconoscimento e diffusione in altre zone del Paese. Mentre Bruneleschi, Masaccio, Donatello lavoravano a Firenze, le tradizioni dell'arte bizantina e gotica erano ancora vive nel nord Italia, solo gradualmente sostituite dal Rinascimento.

Firenze fu il centro principale del primo Rinascimento. La cultura fiorentina della prima metà e metà del XV secolo è varia e ricca. Dal 1439, dal concilio ecclesiastico ecumenico tenutosi a Firenze, al quale giunsero, accompagnati da un magnifico seguito, l'imperatore bizantino Giovanni Paleologo e il patriarca di Costantinopoli, e soprattutto dopo la caduta di Bisanzio nel 1453, quando molti scienziati fuggiti dal L'Oriente trova rifugio a Firenze, questa città diventa uno dei principali centri in Italia per lo studio della lingua greca, oltre che della letteratura e della filosofia Grecia antica. Eppure il ruolo di primo piano nella vita culturale fiorentina della prima metà e della metà del Quattrocento spettava indubbiamente all'arte. 1

2. Il periodo dell'Alto Rinascimento

Questo periodo di tempo rappresenta l'apogeo del Rinascimento. È stato un periodo breve, durato circa 30 anni, ma quantitativamente e qualitativamente questo periodo di tempo è come secoli. L'arte dell'Alto Rinascimento è una sintesi delle conquiste del XV secolo, ma allo stesso tempo è un nuovo salto qualitativo, sia nella teoria dell'arte che nella sua attuazione. L'insolita "densazione" di questo periodo può essere spiegata dal fatto che il numero di artisti brillanti che lavorano contemporaneamente (in un periodo storico) è una sorta di record anche per l'intera storia dell'arte. Basti citare nomi come Leonardo da Vinci, Raffaello e Michelangelo.

3. Sandro Botticelli

Il nome di Sandro Botticelli è conosciuto in tutto il mondo come il nome di uno degli artisti più straordinari del Rinascimento italiano.

Sandro Botticelli nacque nel 1444 (o 1445) nella famiglia di un conciatore, cittadino fiorentino Mariano Filippepi. Sandro era il più giovane, il quarto figlio di Philippepi. Sfortunatamente, non si sa quasi nulla su dove e quando Sandro si sia formato come artista e se, come affermano fonti antiche, abbia davvero prima studiato gioielli e poi iniziato a dipingere. Nel 1470 aveva già una propria bottega ed eseguiva autonomamente gli ordini ricevuti.

Il fascino dell'arte di Botticelli resta sempre un po' misterioso. Le sue opere evocano un sentimento che le opere di altri maestri non evocano.

Botticelli era inferiore a molti artisti del XV secolo, alcuni nell'energia coraggiosa, altri nella vera autenticità dei dettagli. Le sue immagini (salvo rarissime eccezioni) sono prive di monumentalità e drammaticità, le loro forme esageratamente fragili sono sempre un po' arbitrarie. Ma come nessun altro pittore del XV secolo, Botticelli era dotato dell'abilità per la migliore comprensione poetica della vita. Per la prima volta è stato in grado di trasmettere le sottili sfumature delle esperienze umane. L'eccitazione gioiosa è sostituita nei suoi dipinti da fantasticherie malinconiche, esplosioni di divertimento - dolorosa malinconia, calma contemplazione - passione incontrollabile.

Il nuovo indirizzo dell'arte di Botticelli trova la sua massima espressione nell'ultimo periodo della sua attività, nelle opere degli anni Novanta e del primo Cinquecento. Qui gli espedienti dell'esagerazione e della dissonanza diventano quasi insopportabili (ad esempio, il "Miracolo di San Zanobi"). L'artista si tuffa quindi nell'abisso del dolore senza speranza ("Pietà"), quindi si arrende all'esaltazione illuminata ("Comunione di San Girolamo"). Il suo modo pittorico è semplificato quasi alle convenzioni della pittura di icone, contraddistinto da una sorta di ingenuo legame di lingua. Il ritmo lineare piano obbedisce completamente sia al disegno, portato al limite nella sua semplicità, sia al colore con i suoi netti contrasti di colori locali. Le immagini, per così dire, perdono il loro vero guscio terreno, fungendo da simboli mistici. Eppure in questo, fino in fondo arte religiosa il principio umano si fa strada con grande forza. Mai prima d'ora un artista aveva investito così tanto sentimento personale nelle sue opere, mai prima d'ora le sue immagini avevano un significato morale così alto.

Con la morte di Botticelli finisce la storia della pittura fiorentina del primo Rinascimento, questa vera primavera della cultura artistica italiana. Contemporaneo di Leonardo, Michelangelo e del giovane Raffaello, Botticelli rimase estraneo ai loro ideali classici. Come artista, apparteneva interamente al XV secolo e non ebbe successori diretti nella pittura dell'Alto Rinascimento. Tuttavia, la sua arte non è morta con lui. Quello è stato il primo tentativo di rivelare il mondo spirituale di una persona, un timido tentativo che si è concluso tragicamente, ma attraverso generazioni e secoli ha ricevuto il suo riflesso infinitamente sfaccettato nell'opera di altri maestri.

L'arte di Botticelli è una confessione poetica di un grande artista che emoziona ed ecciterà sempre il cuore delle persone. 2

4.Leonardo Da Vinci

Nella storia dell'umanità non è facile trovare un'altra persona così brillante come il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento, Leonardo da Vinci (1452-1519). La natura globale delle attività di questo grande artista e scienziato divenne chiara solo quando furono esaminati i manoscritti sparsi della sua eredità. La letteratura colossale è dedicata a Leonardo, la sua vita è stata studiata in dettaglio. E, tuttavia, molto nel suo lavoro rimane misterioso e continua ad eccitare le menti delle persone.

Leonardo da Vinci è nato nel paese di Anchiano vicino a Vinci: non lontano da Firenze. È stato figlio illegittimo un ricco notaio e una semplice contadina. Il padre, notando la straordinaria abilità pittorica del ragazzo, lo affidò alla bottega di Andrea Verrocchio. Nella foto dell'insegnante "Il battesimo di Cristo", la figura di un angelo biondo spiritualizzato appartiene al pennello del giovane Leonardo.

Tra le sue prime opere c'è la Madonna col fiore (1472), dipinta a olio, allora rara in Italia.

Intorno al 1482 Leonardo entrò al servizio del duca di Milano, Lodovico Moro. Il maestro si raccomandò, prima di tutto, come ingegnere militare, architetto, specialista nel campo dell'ingegneria idraulica, e solo successivamente come pittore e scultore. Tuttavia, il primo periodo milanese della creatività di Leonardo (1482-1499) si rivelò il più fruttuoso. Il maestro divenne l'artista più famoso d'Italia, studiò architettura e scultura, si dedicò all'affresco e alla pittura d'altare.

I pittoreschi dipinti di Leonardo del periodo milanese sono sopravvissuti fino ai nostri giorni. La prima pala d'altare dell'Alto Rinascimento fu la Madonna nella Grotta (1483-1494). Il pittore si allontanava dalle tradizioni del Quattrocento: nei dipinti religiosi di cui prevaleva la solenne rigidità. Ci sono poche figure nella pala d'altare di Leonardo: la Maria femminile, il Cristo bambino che benedice il piccolo Giovanni Battista e un angelo inginocchiato, come se guardasse fuori dal quadro. Le immagini sono perfettamente belle, naturalmente connesse con il loro ambiente. Questa è una specie di grotta tra rocce basaltiche scure con una fessura nelle profondità: un paesaggio tipico di Leonardo nel suo insieme è incredibilmente misterioso. Figure e volti sono avvolti da una foschia ariosa, che conferisce loro una morbidezza speciale. Gli italiani chiamavano questa tecnica Deonardo sfumato.

A Milano, a quanto pare, il maestro ha realizzato la tela "Madonna col Bambino" ("Madonna Lita"). Qui, in contrasto con la Madonna con fiore, si adoperò per una maggiore generalizzazione dell'idealità dell'immagine. Non viene raffigurato un certo momento, ma un certo stato di pace di gioia a lungo termine in cui è immersa una giovane donna bellissima. Una luce fredda e chiara illumina il suo viso magro e morbido con uno sguardo mezzo abbassato e un sorriso lieve, appena percettibile. Il quadro è dipinto a tempera, dando sonorità ai toni del mantello azzurro e della veste rossa di Maria. I soffici capelli ricci dorati scuri del Bambino sono sorprendentemente dipinti, il suo sguardo attento rivolto allo spettatore non è infantilmente serio.

Quando Milano fu presa dalle truppe francesi nel 1499, Leonardo lasciò la città. Il tempo dei suoi vagabondaggi è iniziato. Per qualche tempo ha lavorato a Firenze. Lì l'opera di Leonardo sembrava essere illuminata da un lampo luminoso: dipinse un ritratto della Gioconda, moglie del ricco fiorentino Francesco di Giocondo (1503 circa). Il ritratto è noto come la "Gioconda", è diventato una delle opere più famose della pittura mondiale.

Un piccolo ritratto di una giovane donna, avvolta da un'ariosa foschia, seduta sullo sfondo di un paesaggio verde-bluastro, è pieno di un tremito così vivo e tenero che, secondo Vasari, si può vedere il battito del polso nell'approfondimento di Mona Il collo di Lisa. Sembrerebbe che l'immagine sia facile da capire. Nel frattempo, nella vasta letteratura dedicata alla Gioconda, si scontrano le interpretazioni più opposte dell'immagine creata da Leonardo.

Negli ultimi anni della sua vita, Leonardo da Vinci ha lavorato poco come artista. Dopo aver ricevuto un invito dal re francese Francesco 1, partì per la Francia nel 1517 e divenne pittore di corte. Presto Leonardo morì. Nell'autoritratto - disegno (1510-1515), il patriarca dalla barba grigia con uno sguardo profondo e triste sembrava molto più vecchio della sua età.

La portata e l'unicità del talento di Leonardo possono essere giudicate dai suoi disegni, che occupano uno dei posti d'onore nella storia dell'arte. Non solo i manoscritti dedicati alle scienze esatte, ma anche opere sulla teoria dell'arte sono indissolubilmente legate a disegni, schizzi, schizzi e diagrammi di Leonardo da Vinci. Ampio spazio viene dato ai problemi del chiaroscuro, del modellato volumetrico, della prospettiva lineare e aerea. Leonardo da Vinci possiede numerose scoperte, progetti e studi sperimentali in matematica, meccanica e altre scienze naturali.

L'arte di Leonardo da Vinci, la sua ricerca scientifica e teorica, l'unicità della sua personalità hanno attraversato l'intera storia della cultura e della scienza mondiale e hanno avuto un impatto enorme. 3

5 Michelangelo Buonarroti

Tra i semidei e i titani dell'Alto Rinascimento, Michelangelo occupa un posto speciale. In quanto creatore di nuova arte, merita il nome di Prometeo del XVI secolo

La bella statua marmorea, detta della Pietà, rimane ancora oggi un monumento al primo soggiorno romano e alla piena maturità del XXIV artista estivo. La Vergine Santa siede su una pietra, sulle sue ginocchia riposa il corpo senza vita di Gesù, deposto dalla croce. Lo sostiene con la mano. Sotto l'influenza di opere antiche, Michelangelo scartò tutte le tradizioni del Medioevo nella raffigurazione di soggetti religiosi. Ha dato armonia e bellezza al corpo di Cristo ea tutta l'opera. Non era la morte di Gesù che doveva suscitare orrore, ma solo un sentimento di riverente sorpresa nei confronti del grande sofferente. La bellezza del corpo nudo beneficia molto dell'effetto di luci e ombre prodotto dalle pieghe sapientemente disposte della veste di Maria. Nel volto di Gesù, raffigurato dall'artista, trovarono addirittura somiglianze con Savonarola. L'eterno patto di lotta e protesta, monumento eterno la sofferenza nascosta dell'artista stesso è rimasta Pietà.

Michelangelo tornò a Firenze nel 1501, in un momento difficile per la città, dove da un enorme blocco di marmo di Carrara, che era destinato a una colossale statua del David biblico per decorare la cupola del Duomo, decise di creare un pezzo integrale e lavoro perfetto, senza ridurne le dimensioni, ed era David. Nel 1503, il 18 maggio, la statua fu installata in Piazza Senoria, dove rimase per più di 350 anni.

Nella lunga e cupa vita di Michelangelo, c'è stato un solo periodo in cui la felicità gli ha sorriso: è stato quando ha lavorato per papa Giulio II. Michelangelo, a modo suo, amava questo rozzo papà guerriero, che non aveva affatto modi taglienti papali. La tomba di Papa Giulio non si rivelò magnifica come intendeva Michelangelo. Invece della Cattedrale di S. Pietro, fu collocata in una chiesetta di S. Pietro, dove non è nemmeno entrata nella sua interezza, e le sue singole parti disperse in luoghi diversi. Ma anche in questa forma è giustamente una delle creazioni più famose del Rinascimento. La sua figura centrale è il biblico Mosè, il liberatore del suo popolo dalla prigionia egiziana (l'artista sperava che Giulio liberasse l'Italia dai conquistatori). Passione divorante, forza disumana mettono a dura prova il corpo potente dell'eroe, il suo volto riflette volontà e determinazione, un'appassionata sete di azione, il suo sguardo è diretto verso la terra promessa. Nella maestà olimpica siede un semidio. Una delle sue mani poggia potentemente su una tavoletta di pietra sulle ginocchia, l'altra vi riposa con una noncuranza degna di un uomo a cui basta un movimento delle sopracciglia per far obbedire a tutti. Come disse il poeta, “Davanti a un tale idolo, il popolo ebraico aveva il diritto di prostrarsi in preghiera”. Secondo i contemporanei, il “Mosè” di Michelangelo vide effettivamente Dio.

Su richiesta di Papa Giulio, Michelangelo dipinse il soffitto della Cappella Sistina in Vaticano con affreschi raffiguranti la creazione del mondo. I suoi dipinti sono dominati da linee e corpi. 20 anni dopo, su una delle pareti della stessa cappella, Michelangelo dipinse l'affresco del Giudizio Universale - una visione sbalorditiva dell'apparizione di Cristo al Giudizio Universale, al gesto della cui mano i peccatori cadono nell'abisso dell'inferno. Il gigante muscoloso ed erculeo non assomiglia al Cristo biblico, che si è sacrificato per il bene dell'umanità, ma la personificazione della punizione dell'antica mitologia, l'affresco rivela il terribile abisso di un'anima disperata, l'anima di Michelangelo.

Nelle opere di Michelangelo si esprime il dolore causato dalla tragedia dell'Italia, fuso con il dolore per il proprio triste destino... La bellezza, che non si mescola alla sofferenza e alla sfortuna, Michelangelo ha trovato nell'architettura. Michelangelo subentrò alla costruzione di San Pietro dopo la morte del Bramante. Un degno successore di Bramante, ha creato una cupola e fino ad oggi è insuperata per dimensioni o imponenza,

Michelangelo non aveva allievi, nessuna cosiddetta scuola. Ma c'era un intero mondo creato da lui. 4

6. Raffaello

Il lavoro di Rafael Santi è uno di quei fenomeni della cultura europea che non solo sono coperti di fama mondiale, ma hanno anche acquisito un significato speciale: i più alti punti di riferimento nella vita spirituale dell'umanità. Per cinque secoli, la sua arte è stata percepita come uno degli esempi di perfezione estetica.

Il genio di Raffaello si è rivelato nella pittura, nella grafica, nell'architettura. Le opere di Raffaello sono l'espressione più completa e vivida della linea classica, l'inizio classico nell'arte dell'Alto Rinascimento (Appendice 3). Raffaello ha creato "l'immagine universale" di una persona meravigliosa, perfetta fisicamente e spiritualmente, incarnando l'idea della bellezza armoniosa dell'essere.

Raffaello (più precisamente Raffaello Santi) nacque il 6 aprile 1483 nella città di Urbino. Ha ricevuto le sue prime lezioni di pittura dal padre, Giovanni Santi. Quando Raffaello aveva 11 anni, Giovanni Santi morì e il ragazzo rimase orfano (perse il ragazzo 3 anni prima della morte del padre). A quanto pare, nei successivi 5-6 anni studiò pittura con Evangelista di Piandimeleto e Timoteo Viti, maestri provinciali minori.

Le prime opere di Raffaello a noi note furono eseguite intorno al 1500-1502, quando aveva 17-19 anni. Si tratta di composizioni in miniatura "Tre grazie", "Sogno di un cavaliere". Queste cose dal cuore semplice, ancora timide da studente, sono caratterizzate da sottile poesia e sincerità di sentimenti. Fin dai primi passi della creatività, il talento di Raffaello si rivela in tutta la sua originalità, si delinea il proprio tema artistico.

Tra le migliori opere del primo periodo c'è la Madonna conestabile. Le composizioni raffiguranti la Madonna col Bambino portarono a Raffaello ampia fama e popolarità. Le fragili, miti, sognanti Madonne del periodo umbro sono state sostituite da immagini più terrene, purosangue, il loro mondo interiore si è fatto più complesso, ricco di sfumature emotive. Raffaele ha creato nuovo tipo le immagini della Madonna col Bambino - monumentali, rigorose e liriche allo stesso tempo, hanno conferito a questo argomento un significato senza precedenti.

Ha glorificato l'esistenza terrena dell'uomo, l'armonia delle forze spirituali e fisiche nei dipinti delle stanze (stanze) del Vaticano (1509-1517), raggiungendo un impeccabile senso di proporzione, ritmo, proporzioni, armonia di colori, unità di figure e la maestosità degli sfondi architettonici. Molte sono le immagini della Madre di Dio ("Madonna Sistina", 1515-19), complessi artistici nelle pitture murali della Villa Farnesina (1514-18) e delle logge del Vaticano (1519, con studenti). Nei ritratti crea l'immagine ideale di un uomo rinascimentale (Baldassare Castiglione, 1515). Progetta la Cattedrale di S. Pietro, costruì la Cappella Chigi della Chiesa di Santa Maria del Popolo (1512-20) a Roma.

La pittura di Raffaello, il suo stile, i suoi principi estetici riflettevano la visione del mondo dell'epoca. Nel terzo decennio del XVI secolo la situazione culturale e spirituale in Italia era cambiata. La realtà storica ha distrutto le illusioni dell'umanesimo rinascimentale. La rinascita stava volgendo al termine. 5

Conclusione

Durante il Rinascimento sorse l'interesse per l'arte dell'antica Grecia e di Roma, che spinse l'Europa a cambiare, segnando la fine del Medioevo e l'inizio del nuovo tempo. Questo periodo non è stato solo un periodo di "risveglio" dell'antico passato, è stato un periodo di scoperte e ricerche, un periodo di nuove idee. Gli esempi classici hanno ispirato un nuovo pensiero, sottolineando la personalità umana, lo sviluppo e la manifestazione delle capacità, e non i loro limiti, che era caratteristico del Medioevo. L'insegnamento e la ricerca scientifica non erano più esclusivamente opera della chiesa. Sorsero nuove scuole e università, furono condotte scienze naturali e esperimenti medici. Artisti e scultori si sono battuti nel loro lavoro per la naturalezza, per una ricreazione realistica del mondo e dell'uomo. Sono state studiate le statue classiche e l'anatomia umana. Gli artisti iniziarono a usare la prospettiva, abbandonando l'immagine planare. Gli oggetti d'arte sono il corpo umano, soggetti classici e moderni, nonché temi religiosi. In Italia stavano emergendo relazioni capitaliste e la diplomazia iniziò ad essere utilizzata come strumento nelle relazioni tra città-stato. Le scoperte scientifiche e tecnologiche, come l'invenzione della stampa, hanno contribuito alla diffusione di nuove idee. A poco a poco, nuove idee presero possesso dell'intera Europa.

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Arte del primo Rinascimento (quattrocento)

All'inizio del XV secolo segnato da un'acuta crisi politica, i cui partecipanti furono la Repubblica di Firenze e Venezia, da un lato, il Ducato di Milano e Villa Medici, il Regno di Napoli, dall'altro. Terminò durando dal 1378 al 1417. uno scisma ecclesiastico, e Papa Martino V fu eletto al Concilio di Costanza, scegliendo Roma come sua residenza. L'allineamento delle forze politiche in Italia è cambiato: la vita dell'Italia è stata determinata da stati regionali come Venezia, Firenze, che hanno conquistato o acquistato parte dei territori delle città vicine e sono andati al mare, Napoli. La base sociale del Rinascimento italiano si espanse. Fioriscono scuole d'arte locali di lunga tradizione. L'inizio secolare diventa determinante nella cultura. Nel XV sec. gli umanisti occuparono due volte il soglio pontificio.

“Né il cielo gli sembra troppo alto, né il centro della terra troppo profondo. E poiché l'uomo ha conosciuto la struttura dei corpi celesti e come si muovono, allora chi negherà che il genio dell'uomo ... è quasi lo stesso. Marsilio Ficino Il primo Rinascimento è caratterizzato dal superamento delle tradizioni tardogotiche e dal ritorno all'eredità antica. Tuttavia, questa conversione non è causata dall'imitazione. Non è un caso che Filarete abbia inventato un proprio sistema di ordini.
"L'imitazione della natura" attraverso la comprensione delle sue leggi è l'idea principale dei trattati sull'arte di questo tempo.
Se nel XIV sec. l'umanesimo fu prevalentemente proprietà di scrittori, storici e poeti, quindi dai primi anni del XV secolo. le ricerche umanistiche penetrarono nella pittura.

Virtu (valore) - questo concetto mutuato dagli antichi stoici fu adottato dall'umanesimo fiorentino alla fine del 14°-1° piano. 15 ° secolo Il posto di primo piano nell'umanesimo nell'ultimo terzo del XV secolo. occupava il neoplatonismo, in cui il centro di gravità si spostava dalle questioni morali ed etiche a quelle filosofiche. Tutti gli umanisti di questo secolo sono uniti dall'idea dell'uomo come la creazione più perfetta della natura.

I mutamenti nella posizione dell'artista sono dovuti al fatto che all'inizio del secolo la signoria di Firenze conferma la regola da tempo dimenticata, secondo la quale architetti e scultori non potevano far parte dell'organizzazione corporativa della città in cui operavano lavorato. Consapevoli del valore dell'originalità artistica, gli autori delle opere iniziano a firmare le proprie creazioni, così sulle porte del battistero fiorentino è scritto: "Una meravigliosa opera d'arte di Lorenzo Cione de Ghiberti". Nella seconda metà del XV sec. il disegno dal modello e gli schizzi a grandezza naturale diventano obbligatori.

Il primo architetto italiano che si concentrò sull'antica eredità romana fu Leon Battista Alberti (1404-1472). Assoluta e primaria per Alberti era la bellezza. Su questa comprensione della bellezza, Alberti sostanziava la sua dottrina della concinnitas (consonanza, armonia) di tutte le cose. In connessione con il concetto di proporzionalità, c'è anche un interesse per le leggi delle relazioni numeriche armoniche, le proporzioni perfette. Alcuni, come il Filarete, li hanno cercati nel palazzo corpo umano, altri (Alberti, Brunelleschi) - in termini numerici di armonia musicale.
“La bellezza è un'armonia commisurata di tutte le parti, unite da ciò a cui appartengono, tale che nulla può essere aggiunto, sottratto o cambiato senza peggiorare le cose”, credeva Alberti.

Un'altra scoperta del Quattrocento è la prospettiva diretta. F. Brunelleschi fu il primo ad applicarlo in due tipi di Firenze. Nel 1416 fu utilizzato da un amico del Brunelleschi, lo scultore Donatello nei rilievi della Battaglia di S. Giorgio con un drago", e intorno al 1427-1428. Masaccio ha creato una costruzione prospettica nell'affresco "Trinità". Un dettagliato sviluppo teorico dei principi della prospettiva è stato dato dall'Alberti nel suo Trattato della pittura. Il metodo di proiezione non procedeva da singole immagini di oggetti, ma dalla connessione spaziale di oggetti, in cui ogni singolo oggetto perdeva il suo aspetto stabile. L'immagine prospettica è progettata per l'effetto della presenza, quindi, ha comportato il disegno dal vero da un punto di vista fisso. La prospettiva implica la trasmissione del chiaroscuro e dei rapporti tono-cromatici.

Architettura del Quattrocento

L'essenza e gli schemi dell'architettura sono determinati per i teorici del XV secolo. il suo servizio all'uomo. Diventa quindi popolare l'idea della somiglianza di un edificio a una persona, tratta da Vitruvio. La forma dell'edificio è stata paragonata alle proporzioni del corpo umano. I teorici dell'architettura hanno visto anche la connessione tra l'architettura e l'armonia dell'universo. Nel 1441 fu ritrovato un trattato di Vitruvio, il cui studio contribuì all'assimilazione dei principi del sistema d'ordine. Gli architetti hanno cercato di costruire un modello di un tempio ideale. Secondo l'Alberti dovrebbe essere simile in pianta a un cerchio oa un poliedro inscritto in esso.

Battistero (greco baptisterion - fonte battesimale) - una stanza battesimale, una stanza per il battesimo. Nell'era dell'alto medioevo, a causa della necessità di battesimi di massa, i battisteri furono costruiti separatamente dalla chiesa. Molto spesso, i battisteri venivano costruiti rotondi o sfaccettati e coperti da una cupola.
Un risultato naturale dello sviluppo della teoria della prospettiva fu lo sviluppo delle leggi delle proporzioni - le relazioni spaziali dei singoli elementi dell'edificio (l'altezza della colonna e la larghezza dell'arco, il diametro medio della colonna e il suo altezza).
Il fascino dell'antichità era caratteristico dei maestri del Quattrocento, ma ogni creatore creava ed era consapevole del proprio ideale di antichità.

Nel XV sec. iniziarono a tenersi concorsi per il diritto a qualsiasi progetto artistico. Così, al concorso del 1401 per la realizzazione delle porte settentrionali in bronzo del battistero, parteciparono sia famosi maestri che il ventenne Lorenzo Ghiberti e Filippo Brunelleschi. Il tema dell'immagine era "Il sacrificio di Abramo" sotto forma di rilievo. Ha vinto Ghiberti. Brunelleschi (1377-1446), architetto, matematico e ingegnere, vinse nel 1418 il concorso per la costruzione della cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore. La cupola avrebbe dovuto coronare la cattedrale, costruita all'inizio del XIII secolo. e ampliato nel XIV secolo. La difficoltà era che la cupola non poteva essere eretta utilizzando le tecniche allora note. Brunelleschi ha derivato il suo metodo dai metodi dell'antica muratura romana, ma ha cambiato la forma della struttura a cupola. L'enorme cupola leggermente appuntita (diametro - 42 m) consisteva in due gusci, il telaio principale - di 8 nervature principali e 16 nervature aggiuntive, interconnesse da anelli orizzontali che estinguevano la spinta.

La loggia creata da Brunelleschi sulla facciata dell'Orfanotrofio di Firenze divenne l'incarnazione architettonica dell'essenza del Rinascimento. Riprendendo le basi dell'antica architettura romana, basandosi sui principi del proto-rinascimento e sulla tradizione nazionale dell'architettura italiana, Brunelleschi si dimostrò un riformatore realizzando il portico dell'Orfanotrofio, istituzione caritativa. La forma della facciata era nuova. Il portico era più ampio dell'Orfanotrofio stesso, al quale a destra ea sinistra si univa un'altra campata. Ciò ha creato l'impressione di un'ampia estensione, che si esprimeva nell'ampiezza delle campate ad arco dei portici, enfatizzata dalla relativa bassa altezza del secondo piano. Non c'erano forme gotiche nell'edificio, invece di orientare l'edificio in altezza o in profondità, Brunelleschi prese in prestito dall'antichità l'armonioso equilibrio di masse e volumi.

Rilievo appiattito (it. relievo schiacciatto) - un tipo di bassorilievo in cui l'immagine si eleva al di sopra dello sfondo al minimo e i piani spaziali sono riuniti al limite.

A Brunelleschi viene attribuita la prima implementazione pratica della prospettiva diretta. Anche nell'antichità, i geometri basavano l'ottica sul presupposto che l'occhio fosse collegato all'oggetto osservato da raggi ottici. La scoperta di Brunelleschi fu di incrociare questa piramide ottica con il piano dell'immagine e ottenere una proiezione esatta dell'oggetto sul piano. Utilizzando le porte del Duomo di Firenze come cornice naturale, Brunelleschi pose davanti ad esse una proiezione del battistero (l'edificio del battistero situato di fronte al Duomo), e tale proiezione coincideva con la sagoma dell'edificio ad una certa distanza.

Non tutti i progetti di Brunelleschi furono realizzati come lui intendeva.
Lo studente di Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo creò il Palazzo Medici - a tre piani, a pianta quadrata, con un cortile quadrato al centro.

Leon Batista Alberti (1404-1472) è un versatile filosofo umanista che operò a Firenze, Ferrara, Rimini. Alberti è stato il primo architetto, concentrandosi principalmente sull'antica eredità romana, che ha compreso profondamente il significato dell'architettura romana. I contemporanei erano confusi dall'insolito degli edifici ecclesiastici dell'Alberti; A papa Pio I la chiesa di San Francesco a Rimini sembrava un tempio pagano, la chiesa di San Sebastiano a Mantova ricordava insieme una chiesa e una moschea. L'Alberti realizzò il Palazzo Ruccellai a Firenze con muri lisci e bugnati, eleganti inquadrature di portali e finestre e un'ordinata decorazione della facciata. Nel progetto della chiesa mantovana di Sant'Andrea, l'Alberti combinò la tradizionale forma basilicale del tempio con un tetto a cupola. L'edificio si caratterizza per la maestosità degli archi della facciata, l'imponenza dello spazio interno. La parete era attraversata orizzontalmente da un'ampia trabeazione. Di importanza decisiva era il portico, e in esso la volta, in cui le nervature erano sostituite da una cupola piatta.
La maggior parte degli altri architetti ha combinato con successo il ruolo di designer con le funzioni di caposquadra.

Dipinto del XV secolo
La pittura è prevalentemente pittura monumentale, cioè affrescare. Una caratteristica dell'affresco è la necessità di utilizzare una quantità limitata di coloranti che si combinano con la calce. Tra i tipi di pittura da cavalletto, l'altare inizia a svolgere un ruolo sempre più importante. Questo non è un altare gotico con molte ali, ma un'unica composizione: un'immagine d'altare, la cosiddetta. pala. Sotto il dipinto dell'altare ci sono diversi piccoli dipinti allungati orizzontalmente che formano una stretta fascia di predella. Nella prima metà del secolo apparve un ritratto secolare indipendente. Uno dei primi artisti dell'epoca fu Masaccio (vero nome - Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Opere principali: "Madonna col Bambino e angeli", "Crocifissione", "Adorazione dei Magi", "Trinità".

Nell'affresco della Cappella Brancacci nella chiesa Santa Maria Il Miracolo del Carmine con lo Statere di Masaccio collega tre episodi: Cristo, al quale il pubblicano chiede denaro; Cristo comanda a Pietro di prendere un pesce per toglierne una moneta; Peter dà soldi. Masaccio rende centrale il secondo episodio, poiché aveva bisogno di mostrare che gli eventi dipendono dalla volontà motivante di Cristo.
Beato Angelico (1395-1455). Nel 1418 fu tonsurato presso il monastero domenicano di Fiesole, d'ora in poi chiamato Fra (fratello) Giovanni. Nel 1438 si trasferì nel monastero di San Marco a Firenze, dove progettò la pala d'altare maggiore e le celle dei monaci. L'opera più famosa di Beato Angelico fu l'affresco "Annunciazione".

Filippo Lippi (c. 1406-1469) rimase presto senza genitori, nel 1421 fu tonsurato nel monastero di Santa Maria del Carmine. Filippo dipinse pale d'altare per le chiese fiorentine di S. Spirito, S. Lorenzo, S. Ambrogio, piccole pale d'altare a forma di tondo, che erano solite regalarsi in occasione di nozze o in occasione della nascita di un bambino. Fu protetto dai Medici, Piero della Francesca (1420-1492) nacque a San Sepolcro e per tutta la vita, nonostante le continue assenze, tornò a lavorare nella sua città natale. Nel 1452-1458. Piero della Francesca ha dipinto la cappella maggiore della chiesa di San Francesco ad Arezzo con affreschi sul tema della storia della croce vivificante.
Andrea della Verrocchio (1435-1489) fu uno dei favoriti dei Medici, per conto dei quali eseguì lavori nella chiesa di San Lorenzo.

Domenico Ghirlandaio (1449-1494) a Firenze lavorò per mercanti e banchieri vicini alla casata dei Medici. Nelle sue composizioni, ha spesso raffigurato i suoi concittadini come personaggi della storia sacra.
Perugino (1450-1523). Vero nome - Pietro Vannucci, è nato vicino a Perugia, da qui il suo soprannome Perugino. A Roma nel 1481, insieme ad altri, dipinse la Cappella di Firenze sui soggetti dell'Antico e del Nuovo Testamento, realizzata composizioni d'altare commissionato da chiese e monasteri del nord Italia.
Bernardino di Betto, soprannominato Pinturicchio per la sua piccola statura (1454-1513), realizzò affreschi, miniature su trame letterarie. L'opera più famosa del Pinturicchio furono le decorazioni in stucco e gli affreschi delle stanze papali in Vaticano.

Andrea Mantegna (1431-1506) fu pittore di corte del duca dei Gonzaga a Mantova, dipinse quadri, realizzò incisioni, scenografie per spettacoli. Nel 1465-1474. Mantegna progettò il palazzo cittadino di Lodovico Gonzaga e della sua famiglia.
L'ultimo dei grandi maestri del Quattrocento è Sandro Botticelli (1445-1510), vicino ai neoplatonici fiorentini nella sua aspirazione all'altro mondo, nel desiderio di andare oltre le forme naturali e la storia. Le prime opere di Botticelli sono caratterizzate da un morbido lirismo. Dipinge ritratti pieni di vita interiore. Questo è Giuliano Medici, il cui volto è segnato dalla tristezza. Nel “Ritratto di Simonetta Vespucci”, Botticelli raffigura di profilo una giovane donna in piedi, il cui volto esprime autostima. Negli anni '90. realizzò un ritratto di Lorenzo Lorenziano, uno scienziato che si suicidò nel 1504 in un impeto di follia. L'artista raffigura un'immagine quasi scultorea.

La "Primavera" segnò l'inizio della più alta fioritura dell'attività di Botticelli, la sua fama raggiunse Roma: al centro di un prato fiorito si erge Venere, la dea dell'amore, rappresentata come una fanciulla elegantemente vestita. Sopra Venere, Cupido si libra, bendato, e scocca una freccia infuocata nello spazio. A destra di Venere, tre grazie conducono un girotondo. Vicino alle grazie danzanti c'è il messaggero degli dei Mercurio, che solleva la verga: il caduceo. Sul lato destro dell'immagine, il dio del vento Zefiro vola dalle profondità della boscaglia, incarnando il principio elementare in natura. "La nascita di Venere" scrisse Botticelli nel 1482-1483. commissionato da Lorenzo de' Medici. Il mare si avvicina al bordo stesso del quadro, sulla sua superficie galleggia una conchiglia rosa dorata, sul cui ricciolo si erge Venere nuda. Le rose cadono ai suoi piedi, i venti dirigono la conchiglia verso la riva, dove la ninfa ha preparato un mantello intessuto di fiori.

È probabile che Botticelli abbia inserito nell'immagine un sottotesto tratto dal neoplatonismo. "La nascita di Venere" non è affatto un canto pagano della bellezza femminile. Contiene l'idea del cristianesimo sulla nascita dell'anima dall'acqua durante il battesimo. Il corpo nudo della dea significa purezza, la natura è rappresentata dai suoi elementi: l'aria è Eolo e Borea, l'acqua è un mare verdastro con riccioli ornamentali di onde. Ciò è coerente con il modo in cui il capo dell'Accademia fiorentina, Marsilio Ficino, ha interpretato il mito della nascita di Venere come personificazione dell'anima, che, grazie al principio divino, è in grado di creare bellezza. Per Botticelli non esisteva una linea invalicabile tra antichità e cristianesimo. L'artista introduce immagini antiche nei suoi dipinti religiosi. Uno di dipinti famosi contenuto religioso - "Magnificenza della Madonna", creato nel 1483-1485. La Madonna è raffigurata in trono circondata da angeli con il Cristo bambino sulle ginocchia. La Madonna tende la penna per scrivere le parole nel libro mentre inizia la preghiera in suo onore. Dopo il "Magnificat *" Botticelli crea una serie di opere in cui lo spiritualismo è sempre più intensificato, echi gotici compaiono nell'assenza di spazio, nell'esaltazione delle immagini.

La scultura rinascimentale incarnava l'antropocentrismo del Rinascimento. Gli scultori del Rinascimento italiano realizzarono l'individualizzazione dell'immagine non solo in termini di personificazione fisionomica, ma anche come autocoscienza spirituale dell'individuo. caratteristica principale Sculture del XV secolo - la sua separazione dal muro e dalla nicchia della cattedrale.
Donatello (vero nome Donato di Niccolò di Betto Bardi) (1386-1466) è proprietario dell'invenzione tipo speciale rilievo, la cui essenza risiede nelle più fini gradazioni di volumi, in cui le figure più avanzate sono modellate in altorilievo, quelle più lontane sporgono leggermente dallo sfondo. Allo stesso tempo, lo spazio è costruito prospetticamente e permette di accogliere molte figure. Questi sono i rilievi raffiguranti i miracoli di S. Antonio dell'Altare della Chiesa di Sant'Antonio a Padova. Il primo rilievo appiattito di Donatello fu il pannello di San Giorgio che uccide il drago, creato intorno al 1420. La massa principale dell'immagine è appiattita e appiattita, limitata da un contorno profondamente inciso, spesso realizzato con la tecnica del solco inclinato.

Nel 1432 a Roma, Donatello conobbe l'arte antica e giunse alla sua interpretazione dello spirito dell'antichità, in cui era attratto dal trasferimento dell'eccitazione emotiva, dal dramma dei sentimenti. Donatello ha ripreso il chiasmus utilizzato nella scultura antica: la posa di una figura in cui il peso del corpo viene trasferito su una gamba, e quindi la spalla abbassata corrisponde all'anca che si alza e viceversa.
Sul piazzale antistante la chiesa di Sant'Antonio a Padova nel 1447-1453. Donatello mette il primo nell'arte dei tempi moderni monumento in bronzo Gattamelato.

Primo Rinascimento

Primo Rinascimento. La creatività letteraria appartiene al periodo del primo Rinascimento Francesco Petrarca E Giovanni Boccaccio . Questi i più grandi poeti L'Italia è considerata la creatrice dell'italiano lingua letteraria. Petrarca (1304-1374) rimase nella storia del Rinascimento come il primo umanista che pose al centro della sua opera non Dio, ma l'uomo. fama mondiale avuto sonetti Petrarca sulla vita e morte di Madonna Laura. Boccaccio (1313-1375) fu allievo e seguace di Petrarca, autore di una nota raccolta di racconti realistici "Decamerone". L'inizio profondamente umanistico dell'opera di Boccaccio, saturo di osservazioni sottili, ottima conoscenza della psicologia, umorismo e ottimismo, rimane oggi molto istruttivo. È considerato un maestro eccezionale del primo Rinascimento Masaccio (1401-1428). Le pitture murali dell'artista (Cappella Brancaci a Firenze) si distinguono per il vigoroso modellato chiaroscurale, la fisicità plastica, la tridimensionalità delle figure e il loro legame compositivo con il paesaggio. L'eredità di un eccezionale maestro del pennello del primo Rinascimento Sandro Botticelli (1445-1510), che lavorò alla corte dei Medici a Firenze, si distingue per colori tenui e uno stato d'animo di tristezza. Il maestro non cerca di seguire la maniera realistica di Giotto e Masaccio, le sue immagini sono piatte e, per così dire, incorporee. Tra le opere realizzate da Botticelli, la più famosa è il dipinto "Nascita di Venere". Maggior parte famoso scultore la prima metà del XV secolo. Donatello (c. 1386-1466). Facendo rivivere antiche tradizioni, fu il primo a presentare un corpo nudo nella scultura, creò forme classiche e tipi di scultura rinascimentale: un nuovo tipo di statua rotonda e gruppo scultoreo, rilievo pittoresco. La sua arte si distingue per un modo realistico. Eccezionale architetto e scultore del primo Rinascimento Filippa Brunelleschi (1377-1446) - uno dei fondatori dell'architettura rinascimentale. Riuscì a far rivivere gli elementi principali dell'architettura antica, a cui diede proporzioni leggermente diverse. Ciò ha permesso al maestro di focalizzare gli edifici su una persona, e non di sopprimerla, per la quale, in particolare, sono state progettate le strutture dell'architettura medievale. Brunelleschi risolse abilmente i problemi tecnici più complessi (la costruzione della cupola del Duomo di Firenze), diede un grande contributo alla scienza fondamentale (la teoria della prospettiva lineare).

alto rinascimento

Alto Rinascimento. Il periodo dell'Alto Rinascimento fu relativamente breve. È associato principalmente ai nomi dei tre brillanti maestri dei titani del Rinascimento: Leonardo Da Vinci , Raffaele Santi E Michelangelo Buonarroti . Leonardo Da Vinci(1452-1519) difficilmente eguaglia per talento e versatilità tra i rappresentanti del Rinascimento. È difficile nominare un settore in cui non avrebbe raggiunto abilità insuperabili. Leonardo fu allo stesso tempo artista, teorico dell'arte, scultore, architetto, matematico, fisico, meccanico, astronomo, fisiologo, botanico, anatomista. Nel suo patrimonio artistico, capolavori sopravvissuti come « L'ultima Cena» - affresco nel refettorio del monastero di Santa Maria della Grazie a Milano, nonché il più famoso ritratto Rinascimento La Gioconda (Mona Lisa). Tra le numerose innovazioni di Leonardo, va menzionato uno stile di scrittura speciale, chiamato chiaroscuro fumoso, che trasmetteva la profondità dello spazio. Grande pittore d'Italia Raffaele Santi(1483-1520) è entrato nella storia della cultura mondiale come creatore di numerosi capolavori pittorici. Questo primi lavori maestri "Madonna Conestabile" intriso di grazia e morbido lirismo. lavoro maturo il pittore si distingue per la perfezione delle soluzioni compositive, del colore e dell'espressione. Questi sono i murales delle sale principali del Palazzo Vaticano e, naturalmente, la più grande creazione di Raffaello - "Madonna Sistina". L'ultimo titano dell'Alto Rinascimento fu Michelangelo Buonarroti (1475-1564) - grande scultore, pittore, architetto e poeta. Nonostante i suoi talenti versatili, è chiamato principalmente il primo disegnatore d'Italia per il lavoro più significativo di un artista già maturo - Affreschi della Cappella Sistina nel Palazzo Vaticano(1508-1512). La superficie totale dell'affresco è di 600 mq. metri. Come lo scultore Michelangelo divenne famoso per il suo primi lavori "Davide". Ma Michelangelo ottenne un vero riconoscimento come architetto e scultore come progettista e direttore dei lavori della parte principale dell'edificio della Cattedrale di San Pietro. Pietro a Roma, che rimane fino ad oggi la più grande chiesa cattolica del mondo

Arte di Venezia

4. Arte di Venezia. Il periodo dell'Alto e del Tardo Rinascimento fu il periodo di massimo splendore dell'arte a Venezia. Nella seconda metà del XVI sec. Venezia, che ha conservato la struttura repubblicana, diventa una sorta di oasi e centro del Rinascimento. Tra gli artisti scuola veneziana prematuramente deceduto Giorgione (1476-1510), "Judith", "Venere dormiente", "Concerto country". Nell'opera di Giorgione sono apparse le caratteristiche della scuola veneziana, in particolare l'artista è stato il primo a iniziare a dare al paesaggio un significato autonomo, come priorità per risolvere i problemi del colore e della luce. Il massimo rappresentante della scuola veneziana - Tiziano Vecellio (1477/1487-1576). Durante la sua vita, ha ricevuto riconoscimenti in Europa. Riga lavoro significativo fu realizzato da Tiziano per ordine dei monarchi europei e del papa. Le opere di Tiziano sono attratte dalla loro novità nel risolvere principalmente problemi coloristici e compositivi. Per la prima volta sulle sue tele appare l'immagine della folla come parte della composizione. Maggior parte opere notevoli Tiziano: "La Maddalena penitente", "Amore in terra e in cielo", "Venere", "Danae", "San Sebastiano" e altri L'opera del più grande poeta italiano appartiene al periodo dell'Alto Rinascimento Ludovico Ariosto (1474-1533), che continuarono le tradizioni letterarie di Dante, Petrarca e Boccaccio. La sua opera più famosa è l'eroico poema cavalleresco "Furioso Roland" intriso di sottile ironia e incarnando le idee dell'umanesimo.

Tardo Rinascimento

Tardo Rinascimento. Il periodo del tardo Rinascimento fu segnato dall'inizio della reazione cattolica. La Chiesa ha tentato senza successo di ripristinare il potere perduto sulle menti, incoraggiando le figure culturali, da un lato, e utilizzando misure repressive contro i recalcitranti, dall'altro. Così, molti pittori, poeti, scultori, architetti abbandonarono le idee dell'umanesimo, ereditando solo il modo, la tecnica (il cosiddetto manierismo) grandi maestri del Rinascimento. Tra i più importanti fondatori del Manierismo Jacopo Pontormo (1494-1557) e Angelo Bronzin (1503-1572), che ha lavorato principalmente nel genere del ritratto. Tuttavia, il manierismo, nonostante il potente mecenatismo della chiesa, non divenne la tendenza principale durante il tardo Rinascimento. Questa volta è stata segnata dal lavoro realistico e umanistico dei pittori appartenenti a scuola veneziana: Paolo Veronez e (1528-1588), Jacopo Tintoretto (1518-1594), Michelangiolo da Caravaggio (1573-1610) e altri Le sue tele si distinguono per la semplicità della composizione, la tensione emotiva, espressa attraverso contrasti di luci e ombre, e la democrazia. Caravaggio fu il primo ad opporsi alla direzione imitativa della pittura (manierismo) con soggetti realistici. vita popolare - caravaggismo. L'ultimo dei più grandi scultori e gioiellieri in Italia è stato Benvenuto Cellini (1500-1571), nella cui opera si manifestarono chiaramente i canoni realistici del Rinascimento (ad esempio, statua di bronzo"Perseo"). Cellini è rimasto nella storia della cultura non solo come gioielliere, che ha dato il suo nome a un intero periodo nello sviluppo dell'arte applicata, ma anche come eccezionale memoriale, pubblicato più di una volta in russo. Fine del Rinascimento. Negli anni '40 del XVI secolo. la chiesa in Italia iniziò a usare ampiamente la repressione contro i dissidenti. Nel 1542 L'Inquisizione fu riorganizzata e il suo tribunale fu istituito a Roma. Molti eminenti scienziati e pensatori che continuarono ad aderire alle tradizioni del Rinascimento furono repressi, morirono sul rogo dell'Inquisizione (tra cui il grande astronomo italiano Giordano Bruno , 1548-1600). Nel 1540 è stato approvato Ordine dei Gesuiti, che sostanzialmente si trasformò in un organo repressivo del Vaticano. Nel 1559 Papa Paolo IV pubblica per la prima volta "Elenco dei libri vietati" Le opere letterarie nominate nella "Lista" erano proibite ai credenti, pena la scomunica dalla chiesa. Tra i libri da distruggere c'erano molte opere della letteratura umanistica del Rinascimento (ad esempio, gli scritti di Boccaccio). Così, il Rinascimento all'inizio degli anni '40 del XVII secolo. finito in Italia.

cultura rinascimentale

Periodizzazione:

XIV secolo - Trecento, Protorinascimento.

XV secolo - Quattrocento, alto Rinascimento.

XVI secolo - Cinquecento, successivo Rinascimento.¦ La rinascita di antiche tradizioni in architettura, pittura, scultura dopo il declino medievale delle belle arti.

¦ Umanesimo: la personalità umana è sotto i riflettori, ammirazione per la bellezza spirituale e corporea di una persona; distruzione del culto dell'ascetismo.¦ Riforma - l'emergere del protestantesimo; la risposta fu il rafforzamento dell'Inquisizione, che portò al declino della cultura rinascimentale.¦ Una cultura di transizione che sintetizzava le tradizioni dell'antichità e del Medioevo.