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바로크 시대의 악기. 17세기 기악 17세기에 유행했던 악기

오르간

공기 송풍기, 목재 및 금속 파이프 세트로 구성된 복합 악기 다른 크기그리고 레지스터 노브, 여러 키보드 및 페달이 있는 연주 콘솔(강단)에서.

하프시코드

버지널

스피넷

스피넷은 정사각형, 직사각형 또는 오각형 모양의 작은 하프시코드입니다.

쇄골

쇄골(claviciterium)은 몸체가 수직인 하프시코드입니다.

클라비코드

문자열 문자열

바로크 바이올린

주요 기사: 바로크 바이올린

콘트라베이스

오케스트라에서 가장 크고 깊은 소리를 내는 현악기. 서 있거나 높은 의자에 앉아 연주합니다.

현 뽑은

바로크 류트

16세기에는 6현 류트가 가장 흔했고(15세기에는 5현 악기가 알려짐) 17세기(바로크 후기)로 넘어가는 동안 현의 수가 24개에 이르렀습니다. 대부분의 경우 11~13개의 현(9~11쌍 및 2개의 싱글)이 있었습니다. D 마이너(때때로 메이저)로 빌드 코드.

테오르보

Theorbo는 류트의 베이스 버전입니다. 현의 수는 14에서 19까지입니다 (대부분 단일이지만 쌍으로 된 악기도 있음).

키타로네

Kitarrone - 소위 다양한 저음. 이탈리안 기타(스페인 g와 달리 타원형 몸체를 가진 악기). 스트링의 수는 싱글 14개입니다. Quitarrone은 theorbo와 실질적으로 다르지 않지만 그것과는 다른 기원을 가지고 있습니다.

아치루트

테오르보보다 작습니다. 대부분의 경우 14개의 현이 있었는데, 르네상스의 전형적인 조율에서 처음 6개(처음 6개의 현이 D 마이너 코드를 제공하는 바로크 류트와 달리)는 3번째와 4번째를 제외하고 깨끗한 쿼트로 제작되었습니다. 빅 써드에 지어졌습니다.

안젤리카

만도라

갈리촌

치터

아키시트라

만돌린

바로크 기타

주요 기사: 바로크 기타

바로크 기타에는 보통 5쌍(합창단)의 거트 현이 있습니다. 최초의 바로크 또는 5합창 기타는 16세기 말부터 알려져 있습니다. 그런 다음 다섯 번째 합창단이 기타에 추가되었습니다 (그 전에는 4 쌍의 현이 제공되었습니다). rasgeado 스타일로 인해 이 악기는 매우 인기가 있습니다.

문자열 기타

허디 거디

허디 거디는 6~8개의 현으로 이루어져 있으며 대부분 동시에 소리가 나며 오른손으로 돌리는 바퀴에 마찰을 일으켜 진동합니다. 왼손으로 막대를 사용하여 소리 부분이 짧아 지거나 길어지는 하나 또는 두 개의 개별 현이 멜로디를 재생하고 나머지 현은 단조로운 윙윙 거리는 소리를냅니다.

놋쇠

프렌치 호른

바로크 호른은 역학이 없었고 자연스러운 음계의 음색만을 추출할 수 있도록 했습니다. 각 키를 연주하기 위해 별도의 악기가 사용되었습니다.

뿔

밸브가 없고 원추형 배럴이 있는 관악기 마우스피스 악기.

트롬본

트롬본은 크고 타원형의 금속 파이프처럼 보입니다. 마우스피스는 윗부분에 위치합니다. 트롬본의 아래쪽 구부러진 부분은 움직일 수 있으며 날개라고 합니다. 벨을 당기면 소리가 낮아지고 벨을 누르면 소리가 높아집니다.

목관악기

가로 플루트

블록 플루트

찰루못

오보에

바순

쿼트바순

Quartbassoon - 확대된 바순. 서면에서 쿼터바순 부분은 바순과 같은 방식으로 쓰지만 기보음 아래에서 완전4도로 들립니다.

콘트라바순

콘트라바순은 바순의 베이스 버전입니다.

드럼

팀파니

팀파니는 특정 피치를 가진 타악기입니다. 피치는 나사 또는 특수 메커니즘을 사용하여 조정되며 대부분 풋 페달 형태입니다.

2장. 유럽을 정복한 기타

17세기에 기타는 계속해서 유럽을 정복했습니다.
당시 기타 중 하나는 런던 왕립 음악 대학 박물관에 속해 있습니다. 특정 Melchior Dias에 의해 1581년 리스본에서 만들어졌습니다.
이 기타의 구조는 2세기 이상 동안 악기의 거장들이 작업에서 반복할 특징을 가지고 있습니다.

밀라노 스포르차 성 소장품의 17세기 이탈리아 바텐테 기타.

그 당시의 모든 기타는 화려하게 장식되어 있었습니다. 이러한 절묘한 제품을 제조하기 위해 장인은 희귀 목재 (특히 흑단-흑단), 상아, 대모갑과 같은 귀중한 재료를 사용합니다. 하부 데크와 측면은 인레이로 장식되어 있습니다. 반대로 상단 데크는 단순하며 침엽수 (대부분 가문비 나무)로 만들어집니다. 진동을 억제하지 않기 위해 공진기 구멍과 전체 둘레를 따라 케이스의 가장자리만 나무 모자이크로 장식되어 있습니다.
주요 장식 요소는 양각 가죽으로 만든 장미입니다. 이 로제트는 전체 캐비닛의 아름다움에 필적할 뿐만 아니라 생성되는 소리를 부드럽게 합니다. 분명히이 고급스러운 악기의 소유자는 소리의 정교함만큼 힘과 힘에 관심이 없었습니다.
우리에게 내려온 17 세기 기타의 첫 번째 예 중 하나는 파리 음악원의 악기 박물관 컬렉션에 있습니다. 장인의 이름인 Venetian Cristofo Coco와 1602년이라는 날짜가 새겨져 있습니다. 납작한 본체는 전체가 상아색 판으로 이루어져 있으며 좁은 갈색 나무 조각으로 고정되어 있습니다.

Augustine Quesnel 기타리스트 1610

17세기에 스페인에서 가져온 라즈게아도 양식이 인기를 끌면서 유럽 전역으로 퍼졌습니다. 기타는 진지한 음악가에게 가졌던 중요성을 즉시 잃습니다. 지금부터는 Louis de Briseno가 그의 "Method"(Paris, 1626) 서문에서 쓴 것처럼 "노래하고, 연주하고, 춤추고, 점프하고 ... 발을 구르기"위해 반주에만 사용됩니다.
보르도 출신의 이론가인 Pierre Trichet도 유감을 표명했습니다(1640년경). 국가." 그녀는 춤추는 춤의 음악 반주 역할을 합니다. "온통 경련하고, 우스꽝스럽고 우스꽝스럽게 몸짓을 해서 악기 연주가 불분명하고 혼란스러워집니다." 그리고 그가 관찰해야 하는 것에 분개한 Pierre Trichet는 계속해서 이렇게 말합니다. “프랑스에서는 스페인 패션에 익숙한 숙녀와 창녀들이 그것을 모방하려고 합니다. 이런 점에서 그들은 자기 집에서 잘 먹지 않고 이웃집에 가서 베이컨, 양파, 흑빵을 먹는 사람들과 닮아 있다.

David Teniers 주니어 기타리스트

마티아 프레티 콘서트 1630년대

그럼에도 불구하고 기타는 프랑스에서 여전히 인기가 있습니다. 기타는 발레에서 쉽게 사용됩니다. 생제르맹 숲의 요정(1625)과 부자 과부(1626)에서는 스페인 의상을 입은 음악가들이 신뢰도를 높이기 위해 기타를 연주합니다. 첫 번째 발레에서 샤콘 연주자들은 "기타 소리를 발의 민첩한 움직임에 맞게 조정"합니다. 루브르 그레이트 홀에서 폐하가 연출한 두 번째 곡에서는 척탄병의 앙트레도 기타 반주에 맞춰 펼쳐진다. Mercure de France에 따르면 루이 13세는 이 공연에서 두 명의 사라방드 무용수와 함께 기타를 연주했습니다.

Gerrit van Honthorst 기타 연주 1624

Jan Vermeer 기타리스트 1672

17세기 중반, 기타의 새로운 전성기가 시작됩니다. 이번에는 프랑스에서 업데이트가 왔습니다. 젊은 프랑스 왕에게 기타를 가르치기 위해 유명한 교사이자 음악가인 프란체스코 코르베타(1656)가 법정에 출두합니다. 루이 14세가 18개월 만에 그의 선생을 능가했다고 감히 주장하지는 못하지만(일부 신하들과는 달리) 악기에 대한 왕의 진정한 열정을 의심할 수는 없습니다. 그의 통치 기간 동안 기타는 다시 귀족과 작곡가의 사랑이되었습니다. 그리고 다시 기타의 유행은 유럽 전체를 정복합니다.

Pieces for Guitar 구판 표지의 판화. 1676년

프란시스코 고야 강변의 춤 1777

프란시스코 고야 눈먼 기타리스트 1788

Ramon Baie 기타를 가진 젊은 남자. 1789년 프라도 미술관. 마드리드

Louis XIV (d. 1715)의 통치가 끝날 무렵 기타 역사의 전환점이 왔습니다. 왕실은 그것에 무관심합니다.
그러나 여전히 사람들에게 인기가 있습니다. 그녀가 의뢰한 초상화의 Mademoiselle de Charolais는 손에 기타를 들고 현을 가볍게 뽑습니다. Watteau와 Lancret는 사랑 장면의 묘사에 기타를 도입했습니다. 그리고 동시에 익살스러운 배우와 순회 코미디언을 위한 도구입니다!
Watteau와 Lancre의 작품과 기타는 별도의 페이지입니다. 프랑스 회화, 그래서 나는 이 자료에서 이 예술가들에게 별도의 갤러리를 헌정하기로 결정했습니다.

장 앙투안 와토
장 앙투안 와토

Rosalba Carriere Jean-Antoine Watteau의 초상화 1721

프랑스 화가이자 기안가, 로코코 양식의 창시자이자 거장. 1698-1701년에 Watteau는 지역 예술가 Gerin과 함께 공부했으며 그의 주장에 따라 그는 Rubens, Van Dyck 및 기타 Flemish 화가의 작품을 복사했습니다. 1702년 와토는 파리로 떠났고 곧 현대 극장의 삶의 장면을 그린 연극 예술가이자 장식가인 클로드 질로라는 사람에게서 교사이자 후원자를 찾았습니다. Watteau는 기술과 약에서 그의 선생님을 빠르게 능가했습니다. 1708은 데코레이터 Claude Audran의 스튜디오에 들어갔다. 1709 년 Watteau는 예술 아카데미 그랑프리 우승에 실패했지만 그의 작품은 여러 영향력있는 사람들의 관심을 끌었습니다. 그 중에는 박애주 의자이자 회화 감정가 인 Jean de Julienne, 미술 상인 Edmond Francois Gersin, 은행가 1712년에 Watteau는 학자라는 칭호를 받았고 1717년에는 Royal Academy of Painting and Sculpture의 회원이 되었습니다. Watteau는 1721년 7월 18일 Nogent-sur-Marne에서 사망했습니다.

Jean-Antoine Watteau 이탈리아 코미디 1714

Jean Antoine Watteau Pierre Crozat 1714-16의 공원에서 나무 사이로 보기

가족과 함께 있는 장 앙투안 와토 질 1716

장 앙투안 와토 피에로의 이야기

장 앙투안 와토 사랑의 노래 1717

장 앙투안 와토 메제탱 1717-19

니콜라 랑크레
니콜라스 랑크렛

니콜라 랑크르 자화상 1720

파리에서 태어난 프랑스 예술가. 그는 먼저 Pierre Dulin과 함께 공부했고, 1712년경부터 Claude Gillot의 지도 아래 몇 년 동안 일했으며, 그를 통해 그의 작업에 큰 영향을 미친 Jean Antoine Watteau를 만났습니다. Lancre는 Watteau와 같은 주제로 전환했습니다. 그는 이탈리아 commedia dell'arte의 캐릭터와 "용감한 축제"의 장면을 썼습니다. 또한 그는 La Fontaine의 우화를 삽화로 그렸습니다. 풍속화. 랑크레는 1743년 파리에서 사망했다.

Nicola Lancret 콘서트 인 더 파크 1720

정원에서 니콜라 랑크르 휴일

Nicola Lancre 콘서트 인 더 파크

Nicola Lancre 용감한 대화

Michel Brenet에 따르면 기타의 새로운 부상은 미용실에서 공연하는 두 명의 재능 있는 가수의 출현과 관련이 있습니다. 그들은 함께 듀엣을 연주합니다. 이들은 유명한 Pierre Geliot와 Pierre de la Garde입니다.
Michel Bartolomeo Olivier의 유명한 그림인 Tea in English and a Concert at the House of the Princess de Conti는 이러한 세속적 모임의 분위기를 전달합니다.

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키보드

오르간

공기 주입 메커니즘, 다양한 크기의 나무 및 금속 파이프 세트, 레지스터 노브, 여러 건반 및 페달이 있는 연주 콘솔(교탁)로 구성된 복잡한 악기입니다.

하프시코드

버지널

스피넷

스피넷은 정사각형, 직사각형 또는 오각형 모양의 작은 하프시코드입니다.

쇄골

쇄골(claviciterium)은 몸체가 수직인 하프시코드입니다.

클라비코드

문자열 문자열

바로크 바이올린

바리톤

베이스 비올라 「풋」(감바) 타입. 바리톤의 사운드는 6개의 거트 현의 활로 추출되었으며 그 아래에 교감 현이 있습니다. 공명(추가) 현에서 왼손 엄지로 꼬집어 소리를 추출했다.

비올론

베이스 비올라 「풋」(감바) 타입.

라이론

베이스 비올라 「풋」(감바) 타입. 코드 연주에 특별히 적합합니다.

첼로

첼로는 베이스-테너 레지스터의 현악기입니다. 4개의 현은 5분의 1로 조율됩니다(큰 옥타브의 솔트, D 작은, 라 퍼스트). 첼로는 15세기 말과 16세기 초에 등장했습니다. 클래식 첼로는 17세기와 18세기 이탈리아 거장들에 의해 만들어졌습니다. 안토니오 아마티와 지롤라모 아마티, 주세페 과르네리, 안토니오 스트라디바리.

콘트라베이스

오케스트라에서 가장 크고 깊은 소리를 내는 현악기. 서 있거나 높은 의자에 앉아 연주합니다.

현 뽑은

바로크 류트

테오르보

Theorbo는 류트의 베이스 버전입니다. 현의 수는 14에서 19까지입니다 (대부분 단일이지만 쌍으로 된 악기도 있음).

키타로네

아치루트

안젤리카

만도라

갈리촌

치터

아키시트라

만돌린

바로크 기타

문자열 기타

허디 거디

놋쇠

프렌치 호른

바로크 호른은 역학이 없었고 자연스러운 음계의 음색만을 추출할 수 있도록 했습니다. 각 키를 연주하기 위해 별도의 악기가 사용되었습니다.

뿔

밸브가 없고 원추형 배럴이 있는 관악기 마우스피스 악기.

트롬본

목관악기

가로 플루트

블록 플루트

찰루못

오보에

바순

쿼트바순

Quartbassoon - 확대된 바순. 서면에서 쿼터바순 부분은 바순과 같은 방식으로 쓰지만 기보음 아래에서 완전4도로 들립니다.

콘트라바순

콘트라바순은 바순의 베이스 버전입니다.

드럼

팀파니

팀파니는 특정 피치를 가진 타악기입니다. 피치는 나사 또는 특수 메커니즘을 사용하여 조정되며 대부분 풋 페달 형태입니다.

"바로크 시대의 악기" 기사에 리뷰 쓰기

노트

바로크 시대의 악기 특징 발췌

"대귀족의 명령이 있습니까?" -그는 Denisov에게 손을 바이저에 대고 그가 준비한 부관과 장군의 게임으로 다시 돌아가라고 말했습니다.
"명령?" 데니소프가 신중하게 말했다. - 내일까지 있을 수 있나요?
-오, 제발 ... 같이 있어도 될까요? Petya는 비명을 질렀다.
-네, "ala-now to get out"에서 정확히 어떻게 명령을 받았습니까? 데니소프가 물었다. Petya는 얼굴을 붉혔다.
예, 그는 아무 말도 하지 않았습니다. 가능하다고 생각합니까? 그는 의아해하며 말했다.
"글쎄요." 데니소프가 말했다. 그리고 부하들에게 그는 파티가 숲의 경비실 근처에 지정된 휴게소로 가고 키르기즈 말의 장교 (이 장교는 부관 역할을 함)가 Dolokhov를 찾으러 갔다고 명령했습니다. 그리고 그가 저녁에 올지 여부. Denisov 자신은 Esaul 및 Petya와 함께 Shamshev가 내려다 보이는 숲 가장자리까지 운전하여 내일 공격을 지시 할 프랑스 군의 위치를 확인하려고했습니다.
"글쎄요, 신의 찬가입니다. "그는 농민 지휘자에게 "저를 Shamshev로 데려가주세요.
Denisov, Petya 및 esaul은 여러 Cossacks와 죄수를 안고 있던 hussar와 함께 계곡을 통해 왼쪽으로 숲 가장자리까지 운전했습니다.

비가 그쳤고 나무 가지에서 안개와 물방울 만 떨어졌습니다. Denisov, esaul 및 Petya는 모자를 쓴 농부를 조용히 따라 갔고, 그는 뿌리와 젖은 잎 위에 인피 신발을 신고 발을 가볍고 소리없이 밟아 숲 가장자리로 이끌었습니다.
izvolok으로 나오는 농부는 잠시 멈추고 주변을 둘러보고 얇아지는 나무 벽으로 향했습니다. 아직 잎사귀를 흘리지 않은 큰 떡갈 나무에서 그는 멈추고 신비롭게 손으로 그에게 손짓했습니다.
Denisov와 Petya는 그에게 다가갔습니다. 농민이 멈춘 곳에서 프랑스 인이 보였다. 이제 스프링 필드는 반 언덕처럼 숲 뒤에 내려갔습니다. 오른쪽으로는 가파른 계곡을 건너 작은 마을과 지붕이 무너진 영주의 저택이 보였다. 이 마을, 저택, 언덕 전체, 정원, 우물과 연못 옆, 다리에서 마을까지 오르막길 전체를 따라 200 sazhens가 넘지 않는 거리에 많은 사람들이 있습니다. 흔들리는 안개 속에서 볼 수 있었다. 그들의 비 러시아 외침은 산을 찢고 서로를 부르는 수레의 말에서 분명히 들렸습니다.
"죄수를 여기로 보내십시오. "Denisop은 프랑스에서 눈을 떼지 않고 조용히 말했습니다.
Cossack은 말에서 내리고 소년을 제거하고 그와 함께 Denisov에 접근했습니다. 프랑스 군을 가리키는 Denisov는 그들이 어떤 종류의 군대인지 물었습니다. 차가운 손을 주머니에 넣고 눈썹을 올린 소년은 Denisov를 겁에 질려 보았고 그가 아는 모든 것을 말하고 싶은 명백한 욕구에도 불구하고 그의 대답이 혼란스러워 Denisov가 요구하는 것만 확인했습니다. 인상을 찌푸린 Denisov는 그를 외면하고 esaul에게 그의 생각을 말했습니다.
빠른 움직임으로 고개를 돌리는 Petya는 먼저 드러머, Denisov, esaul, 마을의 프랑스 인, 길에서 중요한 것을 놓치지 않으려 고 노력했습니다.
-Pg "pg가 아니라오고있다"는 Dolokhov입니다. "at! .. Huh? "라고 bg해야합니다.
에사울이 말했다.
Denisov는 계속해서 말했습니다. “보병을 아래에서 보낼 것입니다. 거기에서 Cossacks와 함께 "Denisov가 마을 밖의 숲을 가리켰습니다. "라고 부르면 저는 여기에서 gusags와 함께 왔습니다.
esaul은 "속이 빈 곳에서는 불가능할 것입니다. 그것은 수렁입니다. "라고 말했습니다. - 당신은 말을 수렁에 빠뜨릴 것입니다, 당신은 왼쪽으로 돌아 가야합니다 ...
이런 식으로 낮은 소리로 이야기하는 동안 아래 연못의 움푹 패인 곳에서 한 발이 찰칵 소리를 내며 연기가 하얗게 변하기 시작했고 다른 한 발은 유쾌한 듯 친근한 외침으로 수백 명의 프랑스 인의 목소리가 들렸습니다. 반 산에서 들렸다. 처음 1분 동안 Denisov와 Esaul은 모두 등을 기댔습니다. 그들은 너무 가까워서 그들이 이러한 총격과 비명의 원인이라고 생각했습니다. 그러나 총성과 비명은 그들의 것이 아니었다. 아래에서 늪을 통해 빨간색 옷을 입은 남자가 달리고있었습니다. 분명히 프랑스인들은 그에게 총을 쏘고 고함을 질렀다.
-결국 이것은 우리 Tikhon입니다. -esaul이 말했습니다.
- 그! 그들은!
"Eka 도적"이라고 Denisov가 말했습니다.
- 떠나다! - 그의 눈을 망쳐, esaul이 말했다.
그들이 Tikhon이라고 불렀던 남자는 강으로 뛰어 올라 물보라가 날아가고 잠시 동안 물에서 온통 검은 색으로 숨어 네 발로 나가서 달렸습니다. 그를 뒤쫓던 프랑스군이 걸음을 멈췄다.
-글쎄요, 영리 해요-이사 울이 말했습니다.
- 무슨 짐승이야! Denisov는 같은 성가심의 표현으로 말했습니다. 그리고 그는 지금까지 무엇을 했습니까?
- 누구세요? Petya가 물었다.
- 이것은 우리의 플라스틱입니다. 나는 그를 언어를 선택하도록 보냈습니다.
Denisov의 첫 단어에서 Petya는 "아, 예"라고 말하면서 모든 것을 이해하는 것처럼 고개를 끄덕였습니다.
Tikhon Shcherbaty는 파티에서 가장 필요한 사람들 중 하나였습니다. 그는 Gzhatya 근처 Pokrovsky의 농부였습니다. 그의 행동이 시작될 때 Denisov가 Pokrovskoye에 와서 항상 그렇듯이 수장에게 전화를 걸어 프랑스에 대해 알고있는 것을 물었을 때 모든 수장이 대답했듯이 수장은 자신을 방어하는 것처럼 대답했습니다. 무엇이든, 그들이 모른다는 것을 알아라. 그러나 Denisov가 그들에게 자신의 목표는 프랑스군을 이기는 것이라고 설명하고 프랑스군이 그들 안으로 방황했는지 물었을 때 우두머리는 확실히 약탈자들이 있었지만 그들의 마을에서는 Tishka Shcherbaty만이 이들에 종사하고 있다고 말했습니다. 문제. Denisov는 Tikhon을 그에게 부르라고 명령하고 그의 활동에 대해 그를 칭찬하면서 차르와 조국에 대한 충성심과 조국의 아들들이 지켜야 할 프랑스에 대한 증오에 대해 수장 앞에서 몇 마디 말했습니다.
Denisov의 이러한 말에 분명히 소심한 Tikhon은 "우리는 프랑스 인에게 해를 끼치 지 않습니다. "라고 말했습니다. -우리는 단지 사냥에 남자들과 손을 댔다는 것을 의미합니다. 그렇지 않으면 우리는 나쁜 일을하지 않았습니다 ... -다음 날 Denisov가이 농민을 완전히 잊고 Pokrovsky를 떠났을 때 그는 Tikhon이 파티에 붙어 있고 요청했다는 소식을 들었습니다. 그것으로 떠났다. Denisov는 그를 떠나라고 명령했습니다.
처음에 불을 피우고, 물을 나르고, 말 가죽을 벗기는 등의 천한 일을 바로잡았던 티콘은 곧 큰 의지와 능력을 보여주었습니다. 게릴라전. 그는 밤에 약탈하러 나갔고 매번 드레스와 프랑스 무기를 가져 왔고 명령을 받으면 포로를 데려 왔습니다. Denisov는 Tikhon을 직장에서 멀어지게하고 그를 여행에 데려가 Cossacks에 등록했습니다.
Tikhon은 타는 것을 좋아하지 않았고 항상 걸으며 기병대 뒤에 떨어지지 않았습니다. 그의 무기는 웃음을 위해 더 많이 착용하는 나팔 총, 늑대가 이빨을 소유 한 것처럼 그가 소유 한 창과 도끼였으며 똑같이 쉽게 양털에서 벼룩을 뽑고 두꺼운 뼈를 물었습니다. Tikhon은 온 힘을 다해 똑같이 충실하게 도끼로 통나무를 쪼개고 엉덩이로 도끼를 잡고 얇은 못을 자르고 숟가락을 자릅니다. Denisov 파티에서 Tikhon은 자신의 특별하고 뛰어난 장소를 차지했습니다. 특히 어렵고 추악한 일을해야 할 때-어깨로 진흙에서 마차를 돌리고 꼬리로 늪에서 말을 끌어 당기고 가죽을 벗기고 프랑스의 한가운데로 올라가 50 마일을 걷습니다. 하루-모두가 Tikhon을 가리키며 웃었습니다.
"도대체 그가 뭐하는거야, 무거운 메레니나"라고 그들은 그에 대해 말했다.
Tikhon이 데려가는 한 프랑스 인이 권총으로 그를 쏘고 등 살을 때렸습니다. Tikhon이 내부적으로나 외부 적으로 보드카로만 치료받은이 상처는 Tikhon이 기꺼이 굴복 한 전체 분리와 농담에서 가장 쾌활한 농담의 주제였습니다.
"뭐야, 오빠, 안 그래?" 알리가 움찔? Cossacks는 그를 비웃었고 Tikhon은 의도적으로 웅크 리고 얼굴을 만들고 화난 척하며 가장 우스꽝스러운 저주로 프랑스 인을 꾸짖 었습니다. 이 사건은 부상 후 거의 포로를 데려 오지 않은 Tikhon에게만 영향을 미쳤습니다.

우크라이나 교육과학부

SevNTU

학과: 우크라이나 연구. 문화학. 교육학.

문화 연구에 대한 에세이

주제: “바로크 시대(XVII-XVIII 세기 전반기)의 기악. 장르의 기원 - 교향곡, 협주곡. 안토니오 비발디의 작품.

학생이 한다

그룹 IM-12d

Stupko M.G.

확인:

Kostennikov A.M.

세바스토폴 2007

계획:

소개.

주요 부분:

1) 바로크 음악의 차이점:

르네상스에서.

고전주의에서.

2) 바로크 시대 기악 장르의 일반적인 특징.

3) 서유럽 기악의 역사.

마지막 부분.

1) 후기 음악에 대한 바로크 기악의 영향.

고전주의 시대(1740-1780)로의 전환.

바로크 기법과 1760년 이후 기법의 영향.

재즈.

2) 결론.

IV. 출처 목록.

소개:

바로크 시대(XVII 세기)는 세계 문화사에서 가장 흥미로운 시대 중 하나입니다. 드라마, 강렬함, 역동성, 대비, 그리고 동시에 조화, 완전성, 통일성이 흥미롭습니다.

이 시대의 특별한 역할은 음악 예술, 오래된 "엄격한 스타일"에 대한 타협하지 않는 투쟁으로 결정적인 전환점으로 시작됩니다.

음악 예술의 표현 가능성이 확장되는 동시에 바로크 미학과 주로 관련된 기악 장르의 집중적 인 개발에 이르기까지 음악을 단어에서 분리하는 경향이 있습니다. 대규모 순환 형식(콘체르토 그로소, 앙상블 및 독주 소나타)이 나타나며 일부 모음곡에서는 연극 서곡, 푸가, 오르간 형식의 즉흥 연주가 환상적으로 번갈아 나타납니다. 음악 작문의 다성 및 동음성 원칙의 비교 및 상호 짜임새가 일반적입니다.바로크 시대의 작문과 연주 기법은 클래식 음악 정경의 필수적이고 중요한 부분이 되었습니다. 당시의 작품은 널리 공연되고 연구됩니다.

바로크 음악의 차이점

르네상스에서

바로크 음악은 르네상스 시대부터 폴리포니와 대위법을 사용하는 관행을 이어받았습니다. 그러나 이러한 기술은 다르게 적용되었습니다. 르네상스 시대에 음악적 조화는 다성음의 부드럽고 차분한 움직임에서 마치 우연처럼 이차적으로 나타났다는 사실을 바탕으로 만들어졌습니다. 그러나 바로크 음악에서는 자음이 나타나는 순서가 중요해졌습니다. 즉, 기능적 조성의 계층 구조(또는 기능적 장단조 모달 시스템)에 따라 구축된 화음의 도움으로 나타납니다. 1600년경에 음조가 무엇인지에 대한 정의는 대체로 부정확하고 주관적이었습니다. 예를 들어, 일부는 마드리갈의 종지에서 약간의 음조 발달을 보았지만 사실 초기 모노디에서는 음조가 여전히 매우 불확실했습니다. 균일 기질 이론의 약한 발전이 영향을 미쳤습니다. Sherman에 따르면 1533년에 처음으로 이탈리아의 Giovanni Maria Lanfranco가 오르간-클라비어 연주 관행에 동음 평균율 시스템을 제안하고 도입했습니다. 그리고 시스템은 훨씬 나중에 널리 퍼졌습니다. 그리고 1722년에야 J.S. 바흐의 평균율 곡집이 등장합니다. 바로크와 르네상스의 음악적 조화 사이의 또 다른 차이점은 초기에는 3도에서 으뜸음 이동이 더 자주 발생했지만 바로크 시대에는 4도 또는 5도의 전조가 지배적이었다는 것입니다. ). 또한 바로크 음악은 더 긴 선율과 더 엄격한 리듬을 사용했습니다. 주제는 그 자체로 확장되거나 저음 연속 반주의 도움을 받아 확장되었습니다. 그런 다음 그녀는 다른 목소리로 나타났습니다. 나중에, 주요 주제메인 보이스의 도움으로 뿐만 아니라 저음 콘티누오를 통해 표현되기 시작했습니다. 멜로디와 반주의 위계가 흐려졌다.

문체의 차이는 르네상스의 라이서카, 환상, 칸초네에서 바로크 음악의 주요 형식 중 하나인 푸가로의 전환을 결정했습니다. Monteverdi는 이 새롭고 자유로운 스타일을두 번째 실천 (두 번째 형태) 반대로프리마 프라티카 (첫 번째 형식), Giovanni Pierluigi da Palestrina와 같은 르네상스 거장들의 모테트 및 기타 교회 합창 형식을 특징으로 합니다. Monteverdi 자신은 두 가지 스타일을 모두 사용했습니다. 그의 미사 "In illo tempore"는 이전 스타일로, 그의 "Vespers of the Blessed Virgin"은 새로운 스타일로 작성되었습니다.

바로크 양식과 르네상스 양식에는 다른 더 깊은 차이가 있었습니다. 바로크 음악은 르네상스 음악보다 더 높은 수준의 정서적 성취를 위해 노력했습니다. 바로크 양식의 글은 종종 하나의 특정한 감정(환희, 슬픔, 경건 등; cf.이론에 영향을 미치다). 바로크 음악은 종종 거장 가수와 음악가를 위해 작곡되었으며, 기악 부분의 상세한 녹음이 바로크 시대의 가장 중요한 혁신 중 하나였음에도 불구하고 일반적으로 르네상스 음악보다 연주하기가 훨씬 더 어려웠습니다. 거의 의무적으로 사용하게 되었습니다.뮤지컬 장식, 종종 음악가가 다음 형식으로 연주합니다.즉흥 연주. 다음과 같은 표현노트 이글스보편화되었습니다. 대부분의 음악가가 연주하며 종종 적용의 자유가 큽니다.

또 다른 중요한 변화는 기악에 대한 열정이 성악에 대한 열정을 넘어섰다는 것이다. 등의 보컬 작품마드리갈그리고 아리아, 사실 그들은 더 자주 노래하지 않고 악기로 연주했습니다. 이것은 동시대 사람들의 증언과 세속을 대표하는 작품 수를 초과하는 기악 작품의 원고 수에 의해 입증됩니다. 성악 . 16세기 성악 다성음악과 구별되는 순수한 기악 양식의 점진적 출현은 르네상스에서 바로크로의 전환에서 가장 중요한 단계 중 하나였습니다. 16세기 말까지 기악은 성악과 거의 다르지 않았으며 주로 댄스 선율, 잘 알려진 대중가요의 편곡, 마드리갈(주로 건반과류트) 뿐만 아니라모테트, 칸초네, 마드리갈시 없이.

다양한 변형 시술을 하지만,토카타, 환상그리고 전주곡류트와 건반 악기는 오랫동안 알려졌기 때문에 앙상블 음악은 아직 독립적인 존재가 되지 못했습니다. 그러나 이탈리아와 다른 유럽 국가에서 세속 성악 작곡의 급속한 발전은 악기를 위한 실내악 창작에 새로운 자극제가 되었습니다.

예를 들어, 영국널리 퍼진 연주 예술비올라- 다양한 범위와 크기의 현악기. Viol 플레이어는 종종 보컬 그룹에 합류하여 누락 된 목소리를 채웠습니다. 이 관행은 보편화되었고 많은 에디션에 "Fit for Voices or Violas"라는 라벨이 붙었습니다.

수많은 성악 아리아와 마드리갈이 기악곡으로 연주되었습니다. 예를 들어, 마드리갈"실버 스완"올랜도 기븐스수십 개의 컬렉션에서 기악 작품으로 분류되고 발표되었습니다.

고전주의에서

바로크를 이은 고전주의 시대에는 대위법의 역할이 줄어들고(비록 대위법 예술의 발전은 멈추지 않았지만) 음악 작품의 동음이의 구조가 대두되었다. 음악에는 장식이 적습니다. 작품, 특히 소나타 형식으로 작성된 작품은 더 명확한 구조로 기울기 시작했습니다. 변조(키 변경)는 구조 요소가 되었습니다. 작품은 일련의 키, 강장제에 대한 일련의 출발 및 도착을 통해 드라마로 가득 찬 여정으로 듣기 시작했습니다. 변조는 바로크 음악에도 존재했지만 구조화 기능을 수행하지는 않았습니다.

고전주의 시대의 작품은 작품의 한 부분 안에 많은 감정이 드러나는 경우가 많았다면, 바로크 음악에서는 한 부분이 하나의 감정을 분명하게 그렸다. 그리고 마지막으로 고전 작품에서는 일반적으로 감정적 절정에 이르렀으며 작업이 끝나면 해결됩니다. 바로크 작품에서는이 정점에 도달 한 후 마지막 음까지 주요 감정에 대한 약간의 감각이 남아 있습니다. 다양한 바로크 형식은 소나타 형식 개발의 출발점 역할을 하여 기본 종지의 많은 변형을 개발했습니다.

바로크 시대 기악 장르의 일반적인 특징.

장르의 기원 - 교향곡, 협주곡. 17세기 소나타

교향곡의 원형은 17세기 말 스카를라티 아래서 구체화된 이탈리아 서곡이라고 할 수 있습니다. 이 형식은 이미 교향곡이라고 불렸고 알레그로, 안단테 및 알레그로로 구성되어 하나로 합쳐졌습니다. 반면에 교향곡의 전신은 관현악 소나타로, 여러 부분이 가장 단순한 형태로 대부분 같은 조성으로 구성되었습니다. 클래식 교향곡에서는 첫 번째 부분과 마지막 부분만 같은 조를 가지며, 가운데 부분은 전체 교향곡의 조를 결정하는 본음과 관련된 조로 쓰여집니다. 나중에 Haydn은 고전적인 형태의 교향곡과 오케스트라 색상의 창시자로 간주됩니다. Mozart와 Beethoven은 개발에 상당한 기여를했습니다.

음악 작품의 이름인 콘서트라는 단어는 16세기 말 이탈리아에서 등장했습니다. 세 부분으로 된 협주곡은 17세기 말에 등장했습니다. 이탈리아 코렐리(참조)는 이 협주곡 형식의 창시자로 간주됩니다.

콘서트는 보통 3개의 파트로 구성됩니다(익스트림 파트는 빠르게 움직입니다). 18세기에 많은 악기들이 장소에서 단독으로 연주하는 교향곡을 협주곡 그로소(concerto Grosso)라고 불렀습니다. 나중에 한 악기가 다른 악기에 비해 더 독립적인 의미를 갖는 교향곡은 교향곡 콘체르탄테, 콘체르티렌데 신포니로 알려지게 되었습니다. 유전적으로 콘체르토 그로소는 비주제적 구성인 막간과 번갈아 가며 음성을 통한 주제의 순차적 전달을 기반으로 하는 푸가의 형태와 관련이 있습니다. 콘체르토 그로소는 협주곡의 초기 구성이 다성적이라는 차이점을 제외하고는 이 원칙을 계승합니다. 협주곡 그로소에는 세 가지 유형의 질감이 있습니다.

폴리포닉;

동음이의;

합창 (합창).

(순수한 형태로는 거의 발견되지 않습니다. 합성 질감이 우세합니다-동음 성-다 성음 창고).

소나타(소나타 형식과 혼동하지 말 것). 17세기 말까지 악기를 위해 편곡된 성악 모테트뿐만 아니라 기악곡 모음집을 소나타라고 불렀습니다. 소나타는 실내 소나타(ital.소나타 다 카메라 ), 다른 키로 쓰여진 전주곡, 아리오소, 춤 등으로 구성된 교회 소나타(ital.소나타 다 키에사 ), 대위법 스타일이 우세했습니다. 많은 오케스트라 악기를 위해 쓰여진 많은 기악곡들은 소나타가 아니라 그랜드 콘체르토(ital.협주곡 그로소 ). 소나타는 교향곡뿐만 아니라 오케스트라와 함께 독주 악기를 위한 협주곡에서도 사용됩니다.

바로크 시대의 주요 기악 장르.

협주곡 그로소(협주곡 그로소)

둔주곡

모음곡

알망드

용기

사라방드

지그

가보트

미뉴에트

소나타

실내 소나타 소나타 다 카메라

교회 소나타소나타 다 키에사

트리오 소나타

클래식 소나타

서장

프랑스 서곡(fr.서장)

이탈리아 서곡(이탈리아어)신포니아)

파르티타

칸초나

교향곡

공상

리치카

토카타

전주곡

샤콘느

파사칼리아

합창 전주곡

바로크 시대의 기본 악기.

성악과 세속 실내악의 오르간은 바로크 시대의 주요 악기가 되었습니다. 비올, 바로크 기타, 바로크 바이올린, 첼로, 더블베이스, 다양한 플루트, 클라리넷, 오보에, 바순과 같은 목관 악기뿐만 아니라 하프시 코드, 뽑고 활을 쏜 현도 널리 사용되었습니다. 바로크 시대에는 류트와 같이 널리 퍼진 현악기의 기능이 저음 연속 반주로 크게 축소되었고 점차 이러한 형태로 대체되었습니다. 키보드 악기. 이전 르네상스 시대에 인기를 잃고 빈민과 방랑자의 도구가 된 허디 거디는 두 번째로 태어났습니다. 18세기 말까지. hurdy-gurdy는 시골 생활을 좋아하는 프랑스 귀족의 유행 장난감으로 남아있었습니다.

서유럽 기악의 역사.

이탈리아의 기악.

17 세기 이탈리아는 일종의 거대한 실험 스튜디오 역할을했으며, 그곳에서 끊임없는 검색과 새로운 진보적 장르 및 기악 형식의 점진적인 형성이 이루어졌습니다. 이러한 혁신적인 탐구를 통해 훌륭한 예술품을 탄생시켰습니다.

이러한 개방적이고 민주적인 형태의 음악 제작은 교회 콘서트로 나타나며 영적 음악뿐만 아니라 세속적 음악도 연주되었습니다. 이 음악회는 미사가 거행된 일요일에 교회와 성당 구내에서 교구민들을 위해 마련되었습니다. 다양한 포크 멜로디의 다양한 방법이 전문 음악에 널리 침투했습니다.

17세기 기악의 역사. 이탈리아에서는 바이올린의 주역으로 기악 앙상블을 만든 역사입니다. 이제야 마침내 실내 절묘한 6 현 비올을 류트를 옆으로 밀고 4 분의 3 시스템으로 대체했기 때문입니다. 다섯 번째 시스템은 바이올린을 특히 점점 더 기악에 침투하는 하모니의 표현 가능성과 일치하는 악기로 만듭니다.

베니스는 이탈리아에 최초의 바이올린 학교를 설립했으며, 처음으로 전문 현악 트리오(바이올린 2개와 베이스)의 구성이 형성되었고 이 앙상블의 전형적인 장르인 다부 트리오 소나타가 정의되었습니다.

세기 중반에 새로운 유형의 순환으로 소나타가 형성됩니다.

이로 인해 다음이 발생했습니다.

1) 새로운 주제, 비 유적 확실성, 구체성에 대한 탐색;

2) 구성 범위 확대, 부품 자체 결정;

3) 거시적 규모와 미시적 규모의 역학과 가사의 대조.

점차적으로 소나타는 콘트라스트 컴포지트 형식에서 순환으로 바뀝니다.

스위트 장르도 발전하고 있다. 일종의 콘서트가 점차 만들어지고 있습니다. 그로소, 이 장르

이탈리아 기악 대표:

지롤라모 프레스코발디(1583-1643).

XVII 세기 이탈리아 오르간 학교의 창시자. 그는 canzones, toccatas, richercats, 오르간을 위한 코랄의 각색, 하프시코드 푸가, canzones 및 partitas를 작곡했습니다. 그는 지난 세기의 엄격한 글쓰기에서 벗어나 새로운 자유로운 문체의 토대를 마련했습니다. 멜로디 테마는 다양한 장르의 특징을 획득하여 일상 생활에 더 가까워졌습니다. Frescobaldi는 감정적으로 생생하고 개별화된 테마를 만들었습니다. 이 모든 것은 그 당시의 선율과 화성적 사고에서 기악 다성음악의 새롭고 신선한 단어였습니다.

아르칸젤로 코렐리(1653-1713)

17세기 최고의 바이올리니스트. 창조적인 유산은 6개의 작품에 포함되어 있습니다. - 12개의 트리오 소나타(오르간 반주 포함) - 1685.

12개의 트리오 소나타(하프시코드 반주 포함) - 1685.

12개의 트리오 소나타(오르간 반주 포함) - 1689.

12개의 트리오 소나타(하프시코드 반주 포함) - 1694.

바이올린을 위한 11개의 소나타와 변주곡(하프시코드 반주 포함) - 1700.

12개의 협주곡 그로소 - 1712

특징: 부품 내에서 주제별 대조가 없습니다. 음악 구조를 활성화하기 위해 솔로와 tutti(연기)의 병치; 명확하고 열린 상상의 세계.

Corelli는 소나타에 고전적인 형태의 완성도를 부여했습니다. 장르의 창시자가 됨협주곡 그로소.

안토니오 비발디(1678-1741). 창조.

이탈리아의 작곡가, 바이올리니스트, 지휘자, 교사. 그는 베니스에 있는 산 마르코 대성당의 바이올리니스트인 그의 아버지 제반 바티스타 비발디와 함께 공부했으며, 아마도 G. 레그렌치와도 함께 공부했습니다. 1703-25 년에 교사, 당시 오케스트라 지휘자 및 콘서트 디렉터, Pieta Women 's Conservatory의 디렉터 (1713 년부터) (1735 년에 그는 다시 짧은 시간 동안 밴드 마스터였습니다). 그는 음악원의 수많은 세속 및 영적 콘서트를 위해 음악을 작곡했습니다. 동시에 그는 베니스 극장을 위해 오페라를 썼습니다 (제작에 참여). 거장 바이올리니스트로서 그는 이탈리아와 다른 나라에서 콘서트를 열었습니다. 지난 몇 년비엔나에서 보냈다.

비발디의 작품에서 콘체르토 그로소는 최고조에 이르렀다. A. Corelli의 업적을 기반으로 Vivaldi는 협주곡 그로소에 대한 3 부분 순환 형식을 확립하고 독주자의 거장 부분을 골라 냈습니다. 솔로라는 장르를 만들었다. 기악 콘서트, 거장 바이올린 기술의 발전에 기여했습니다. Vivaldi의 음악 스타일은 멜로디, 관대함, 역 동성 및 소리의 표현력, 글의 범고래의 투명성, 정서적 풍부함과 결합 된 고전적인 조화로 구별됩니다. 비발디의 협주곡은 J. S. 바흐(그는 하프시코드와 오르간을 위한 약 20곡의 비발디 바이올린 협주곡을 편곡함)를 비롯한 많은 작곡가들에게 콘서트 장르의 모델이 되었습니다. 주기 "계절"은 프로그램 오케스트라 음악의 가장 초기 예 중 하나입니다.

악기 개발에 대한 Vivaldi의 기여는 중요합니다 (그는 가보, 호른, 바순 및 기타 악기를 복제하지 않고 독립적으로 사용한 최초의 사람이었습니다). 비발디의 기악 협주곡은 고전 교향곡의 형성으로 가는 길의 무대였다. 시에나에서는 Vivaldi의 이름을 딴 이탈리아 연구소가 설립되었습니다(F. Malipiero가 이끄는).

작곡:

오페라 (27)-
Roland 포함-상상의 광인 (Orlando fiato pozzo, 1714, 극장 "Sant'Angelo", 베니스), Caesar가 된 Nero (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid), Darius의 대관식 (L "incoronazione di Daria, 1716 , ibid.), Deception 승리의 사랑 (L "inganno trionfante in amore, 1725, ibid.), Farnache (1727, ibid., 나중에는 Pontus의 통치자 인 Farnache라고도 함), Cunegonda (1727, ibid.), Olympias ( 1734, ibid.), Griselda(1735, 극장 "San Samuele", 베니스), Aristides(1735, ibid.), Oracle in Messenia(1738, 극장 "Sant'Angelo", 베니스), Ferasp(1739, ibid. ) ;

오라토리오-
파라오의 신 모세 (Moyses Deus Pharaonis, 1714), Triumphant Judith (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), 동방 박사의 숭배 (L "Adorazione delli tre Re Magi, 1722);

세속 칸타타(56)-
통주 저음이 있는 성부를 위한 37개, 현악기, 오케스트라, 그랜드 칸타타 Gloria와 Hymen이 있는 성부를 위한 14개(1725);

컬트 음악(약 55곡) -
Stabat Mater, motets, 시편 등을 포함합니다.

수단이되는. 공장-
바이올린 30개, 바이올린 2개용 19개, 첼로용 10개, 바이올린과 첼로용 1개, 류트와 바이올린용 2개, 오보에용 2개를 포함한 76개의 소나타(통주저음 포함); 협주곡 49곡, 통주저음이 있는 악기 331곡(바이올린 228곡, 첼로 27곡, viol d"amour 6곡, 가로 플루트 13곡, 세로 플루트 3곡, 오보에 12곡, 바순 38곡, 만돌린) 통주저음이 있는 악기 2개를 위한 38개(바이올린 25개, 첼로 2개, 바이올린과 첼로 3개, 호른 2개, 만돌린 1개), 통주저음이 있는 3개 이상의 악기를 위한 32개.

도메니코 스카를라티(1685–1757).

이탈리아 클라비에 음악의 가장 위대한 거장 작곡가. 대부분의 화려한 클라비에 소나타 Essercizi(운동 ), Domenico가 평생 교사에게 헌신했던 재능있는 학생 Maria Barbara를 위해 작성했습니다. Domenico의 또 다른 유명한 학생은 스페인 작곡가 Padre Antonio Soler라고 믿어집니다.

Scarlatti의 클라비어 스타일의 독창성은 1738년 30개의 소나타에서 드러났습니다. Scarlatti의 소나타는 스페인 음악 스타일을 가장 확실하고 세련되게 반영한 것으로 기타 문화. 이러한 소나타는 종종 엄격한 이진 형식(AABB)을 갖지만 그 내부 내용은 매우 다양합니다.

작곡가 스타일의 가장 눈에 띄는 특징 중 하나는 불협화음의 화음과 대담한 전조입니다. Scarlatti의 클라비어 작문의 독창성은 질감의 풍부함과 관련이 있습니다. 이것은 왼손과 오른손의 교차, 리허설, 트릴 및 기타 유형의 장식을 나타냅니다. 오늘날 Domenico의 소나타는 건반을 위해 쓰여진 가장 독창적인 작품으로 간주됩니다.

독일의 기악.

17세기 기악에서. 오르간이 자리를 차지했습니다. 독일 오르간 작곡가의 1세대에서 Scheidt(1587-1654)와 Johann Froberger(1616-1667)의 인물이 가장 흥미로웠습니다. 그들의 중요성은 푸가로 가는 길에 있는 다성 형식의 역사와 합창을 위한 편곡에서 매우 중요합니다. Froberger는 오르간과 하프시코드 음악(즉흥 연주, 파토스, 기교, 기동성, 세부 사항의 정교함)을 결합했습니다. Bach의 직계 전임자 중에는 Johann Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtelhude가 있습니다. 크고 독창적 인 예술가들은 바흐 이전 오르간 예술의 다른 측면을 나타냅니다. Pachelbel- "클래식"라인, Buxtelhude- "바로크"라인. Buxtelhude의 작품은 구성의 확산, 상상력의 자유, 파토스, 드라마 및 웅변 억양에 대한 성향이 특징입니다.

요한 제바스티안 바흐.

대부분의 기악은 순전히 세속적입니다(예외는 오르간 음악입니다). 기악에는 다양한 영역, 장르, 표현 유형의 상호 작용 및 상호 풍부화 과정이 있습니다. 클라비에와 오르간을 위한 음악이 무대의 중심을 차지합니다.

clavier는 창의적인 실험실입니다. 바흐는 레퍼토리의 경계를 넓혀 악기에 대한 요구를 극도로 높였습니다. clavier 스타일은 활기차고 장엄하며 절제되고 균형 잡힌 감정 구조, 풍부함과 다양한 질감, 풍부한 억양으로 구별됩니다. Bach는 새로운 연주 기법을 도입했습니다. 작품: 초심자를 위한 작품(소형 전주곡, 푸게타), 전주곡 및 푸가(HTK), 모음곡, 협주곡(이탈리아어), 토카타, 환상(자유 즉흥 연주, 애처롭게 고양된 음색, 거장의 질감), “푸가의 예술”(창작된 고전 푸가) .

바흐의 작품에서 큰 역할은 오르간에 속합니다. 오르간 스타일은 작곡가의 모든 기악적 사고에 흔적을 남겼습니다. 기악과 영적 칸타타 및 열정을 연결하는 장르 인 코랄 편곡 (150 개 이상)에 속하는 오르간입니다. 오르간 작품은 바흐가 전주곡과 푸가라는 질적으로 새로운 해석을 제공한 기존 형식, 전통 장르에 끌렸습니다(그는 두 개의 구성 영역을 구별하고 개선하여 새로운 종합으로 재결합했습니다).

바흐는 또한 첼로 모음곡, 실내악 앙상블, 오케스트라를 위한 모음곡, 협주곡 등 다른 악기를 위해 작곡했으며, 이는 향후 음악적 발전에 큰 역할을 했습니다.

바흐의 방대한 유산은 도덕적 영향을 미칩니다. 그는 한 스타일, 한 시대를 훨씬 뛰어넘었습니다.

영국의 기악.

영국 기악 분야에서 clavier 학교가 형성되었습니다 (verzhdinelists-악기 이름으로). 대표자 : Bird, Bull, Morny, Gibbons... 그들의 작품 중 가장 흥미로운 것은 춤과 노래를 주제로 한 변형입니다.

게오르크 프리드리히 헨델.

기악-작곡가의 스타일을 나타내는 성악 작품과 관련이 있으며 주제에 영향을 미치는 단어가있는 이미지, 음악의 그림 속성, 연극의 일반적인 모습, 개별 부분입니다. 일반적으로 광채, 파토스, 소리의 밀도, 축제의 엄숙함, 완전한 음향, 명암 대비, 기질, 즉흥 유출이 특징적입니다.

그로소 협주곡과 일반적으로 협주곡(오르간용, 오케스트라용...)의 장르는 창의적인 이미지의 가장 특징적입니다. Handel은 콘서트주기의 자유로운 구성을 허용했으며 "빠른 속도"의 원칙을 준수하지 않았습니다. 그의 협주곡(오르간 협주곡 포함)은 순전히 세속적인 작품으로 무용 부분이 포함되어 있습니다. 일반적인 톤은 축제, 에너지, 대비, 즉흥 연주가 지배합니다.

Handel은 또한 소나타 (트리오 소나타), 환상, 카프리치오, 변형과 같은 다른 장르의 기악에서 일했으며 재미있는 음악을 썼습니다 (이중 협주곡, "Music on the Water").

그럼에도 불구하고 창의성의 주요 분야는 오페라, 오라토리오와 같은 합성 장르가 차지합니다.

프랑스의 기악.

17세기는 기악 음악 역사의 절정기입니다. 세계 음악 문화의 보고에는 프랑스의 클라브생 거장 Jacques Chambonnière, Louis Coupren 및 Francois Coupren의 작품이 포함됩니다. 가장 좋아하는 장르는 서로 이어지는 작은 댄스 곡 모음이었습니다. F. Kupren은 기악의 새로운 장르를 창조한 사람입니다.론도 (하프시코드 연주 기술). 하프시 코드 음악의 스타일은 멜로디의 풍부함, 장식의 풍부함, 유연하고 우아한 리듬으로 구별됩니다.

마지막 부분.

후기 음악에 대한 바로크 기악의 영향.

고전주의 시대로의 전환(1740-1780)

후기 바로크와 초기 고전주의 사이의 상충되는 생각과 서로 다른 세계관을 통합하려는 시도로 가득 찬 과도기에는 여러 이름이 있습니다. 그것은 "Gallant style", "Rococo", "Preclassical period" 또는 "Early classic period"라고 불립니다. 이 수십 년 동안 바로크 양식으로 계속 작업한 작곡가들은 여전히 성공했지만, 그들은 이미 현재가 아닌 과거에 속해 있었습니다. 음악은 갈림길에 섰습니다. 옛 스타일의 거장들은 뛰어난 기술을 가지고 있었고 대중은 이미 새로운 것을 원했습니다. 이러한 욕구를 이용하여 Carl Philipp Emmanuel Bach는 명성을 얻었습니다. 그는 이전 스타일의 뛰어난 마스터 였지만 업데이트하기 위해 열심히 노력했습니다. 그의 클라비어 소나타는 구조의 자유로움과 작품의 구조에 대한 대담한 작업으로 주목할 만하다.

이 과도기적 순간에 종교 음악과 세속 음악의 구분이 커졌습니다. 영적인 작곡은 주로 바로크의 틀 안에 남아 있었고 세속 음악은 새로운 스타일에 끌렸습니다.

특히 중부 유럽의 가톨릭 국가에서 바로크 양식은 그 시대뿐만 아니라 18세기 말까지 영적 음악에 존재했습니다.골동품 스타일 르네상스는 17세기 전반까지 지속되었다. 오케스트레이션과 장식이 고전적인 하이든과 모차르트의 미사곡과 오라토리오에는 대위법과 화성 구조에 바로크 기법이 많이 포함되어 있습니다. 바로크 양식의 쇠퇴는 오래된 기술과 새로운 기술의 오랜 공존을 동반했습니다. 많은 독일 도시에서 바로크 공연 관행은 예를 들어 J.S. 바흐가 말년에 일했던 라이프치히와 같이 1790년대까지 지속되었습니다.

영국에서 Handel의 지속적인 인기는 이제 희미해지는 바로크 양식으로 작곡한 잘 알려지지 않은 작곡가 Charles Avison(Eng.찰스 에비슨 ), 윌리엄 보이즈(eng.윌리엄 보이스 ) 및 Thomas Augustine Arn(eng.토마스 어거스틴 아르네 ). 유럽 대륙에서 이 스타일은 이미 구식으로 간주되었습니다. 그것을 소유하는 것은 신성한 음악을 작곡하고 당시 많은 음악원에 등장한 것을 졸업하는 데만 필요했습니다.

바로크 기법과 1760년 이후 기법의 영향

바로크 음악의 많은 부분이 음악 교육의 기초가 되었기 때문에 바로크 양식의 영향은 바로크가 떠난 후에도 공연과 작곡가 스타일. 예를 들어 일반적인 베이스 연습은 사용하지 않게 되었지만 악보의 일부로 남아 있었습니다. 19세기에 바로크 거장들의 악보가 정식판으로 인쇄되어 "엄격한 작문"의 대위법에 대한 새로운 관심을 불러일으켰습니다(예를 들어, 러시아 작곡가 S. I. Taneyev는 이미 19세기 말에 이론적 작업 "엄격한 쓰기의 모바일 대위법").

20세기는 바로크 시대에 이름을 붙였습니다. 그 시대의 음악에 대한 체계적인 연구가 시작되었습니다. 바로크 양식과 스타일은 Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky 및 Bela Bartok과 같은 다양한 작곡가에게 영향을 미쳤습니다. 20세기 초 Henry Purcell과 Antonio Vivaldi와 같은 성숙한 바로크 작곡가에 대한 관심이 부활했습니다.

현대 작곡가들의 많은 작품이 바로크 거장들의 "잃어버렸지만 재발견된" 작품으로 출판되었습니다. 예를 들어, Henri Casadesus가 작곡한 비올라 협주곡(fr.앙리-구스타프 카사데수스 ), 그러나 그에 의해 Handel에 기인합니다. 또는 Fritz Kreisler(독일어.프리츠 크라이슬러 ), 거의 알려지지 않은 바로크 작곡가 Gaetano Pugnani (ital.가에타노 푸그나니 ) 및 파드레 마티니(ital.파드레 마티니 ). 그리고 21세기 초에는 조르지오 파치오니(이탈리아어: Giorgio Paccioni, Ital.조르지오 파키오니).

20세기에는 많은 작품들이 다성음악의 모방에 초점을 맞춘 "네오 바로크" 양식으로 작곡되었습니다. 이들은 Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston 및 Bohuslav Martinu와 같은 작곡가의 작품입니다. 음악학자들은 바로크 시대 작곡가들의 미완성 작품을 완성하려고 시도하고 있습니다(이 작품 중 가장 유명한 작품은 J. S. 바흐의 The Art of Fugue입니다). 뮤지컬 바로크가 전체 시대의 특징이었기 때문에 "바로크 아래"로 쓰여진 현대 작품은 텔레비전과 영화용으로 자주 등장합니다. 예를 들어, 작곡가 Peter Schickele은 P. D. K. Bach라는 가명으로 클래식과 바로크 스타일을 패러디합니다.

20세기 말에는 역사적으로 알려진 퍼포먼스(또는 "진정한 퍼포먼스" 또는 "진정성")가 등장했습니다. 바로크 시대 음악가들의 연주 방식을 세밀하게 재현하려는 시도였다. Quantz와 Leopold Mozart의 작품은 바로크 음악 공연의 측면 연구를 위한 기초를 형성했습니다. 진정한 연주는 금속이 아닌 힘줄로 만든 현의 사용, 하프시코드의 재건, 오래된 소리 생성 방식의 사용 및 잊혀진 연주 기술과 관련이 있습니다. 여러 인기 앙상블이 이러한 혁신을 사용했습니다. 이들은 Anonymous 4, 고음악 아카데미, 하이든과 헨델 보스턴 소사이어티, Fields의 St.

20세기와 21세기로 접어들면서 바로크 음악, 무엇보다도 바로크 오페라에 대한 관심이 높아졌습니다. Cecilia Bartoli와 같은 저명한 오페라 가수는 레퍼토리에 바로크 작품을 포함했습니다. 공연은 콘서트와 클래식 버전으로 진행됩니다.

재즈

바로크 음악과 재즈는 공통점이 있습니다. 재즈와 같은 바로크 음악은 주로 재즈 사중주를 연상시키는 소규모 앙상블(당시에는 수백 명의 뮤지션으로 구성된 오케스트라를 구성할 실제 가능성이 없었음)을 위해 작성되었습니다. 또한 바로크 작품은 즉흥연주를 위한 넓은 영역을 남긴다. 예를 들어, 많은 바로크 성악 작품에는 두 개의 성악 부분이 포함되어 있습니다. 첫 번째 부분은 작곡가가 지시한 대로 노래/연주한 다음 반복하지만 성악가는 즉흥적으로 메인 멜로디를 트릴, 우아함 및 기타 장식으로 장식합니다. 그러나 재즈와 달리 리듬과 기본 선율에는 변화가 없다. 바로크 즉흥 연주는 보완할 뿐 아무것도 바꾸지 않습니다.

XX세기 50년대 쿨 재즈 스타일의 일부로서 재즈 작곡바로크 음악과 함께 음악적으로나 미학적으로 먼 시기에 공통된 화성 및 선율 원리를 발견한 음악가들은 J.S. 바흐의 기악에 관심을 보였습니다. 많은 음악가와 앙상블이 이러한 아이디어를 개발하는 길을 걸었습니다. 그중에는 Dave Brubeck, Bill Evans, Gerry Mulligan이 있지만 이것은 주로 피아니스트 John Lewis가 이끄는 "Modern Jazz Quartet"을 나타냅니다.

결론.

바로크 시대는 엄청난 수의 세계 문화 걸작을 남겼으며 그 중 적지 않은 부분이 기악 작품입니다.따라서 바로크는 음악적 일상 생활, 가벼운 음악의 억양과 리듬, 악명 높은 "비발디 음악", 학교 규범에 살고 있습니다. 음악적 언어. 바로크 시대에 탄생한 장르는 푸가, 오페라, 칸타타, 전주곡, 소나타, 협주곡, 아리아, 변주곡 등 나름대로 살아 있고 발전하고 있습니다.그 역사를 추적하고 분석한 후, 당신은 거의 모든 현대 음악이 기악과는 별개로 바로크 시대의 음악과 어떤 식으로든 연결되어 있다는 것을 확신합니다. 오늘날까지 초기 음악의 앙상블이 만들어지고 있으며 이것은 많은 것을 말해줍니다…

소스 목록:

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보호 시트.

바로크 시대(XVII 세기)는 세계 문화사에서 가장 흥미로운 시대 중 하나입니다. 이 시대의 특별한 역할은 오래된 "엄격한 스타일"에 대한 타협하지 않는 투쟁과 함께 결정적인 전환점에서 시작되는 음악 예술이 차지합니다.우세는 마침내 결정된다 세속 음악(독일과 일부 다른 국가에서도 교회는 여전히 매우 중요합니다).

바로크 음악은 르네상스 음악에 비해 복잡해지고 고전주의 음악은 장식이 적고 많은 감정을 드러내는 구조가 된 반면, 바로크 음악은 한 부분이 하나를 지니며 분명히 추적된 느낌을 줍니다.

뛰어난 연주자들 덕분에 교향곡, 협주곡 등 새로운 장르의 음악이 등장하고, 소나타가 발전하고, 푸가가 유례없는 인기를 얻게 된다.강한 대비를 기반으로 합니다. 악기는 전체 오케스트라의 사운드에 참여하는 악기와 소규모 솔로 그룹으로 나뉩니다. 음악은 시끄러운 부분에서 조용한 부분으로의 급격한 전환을 기반으로 하며 빠른 악절은 느린 악절과 대조됩니다.

의심할 여지없이 바로크 기악의 요람이자 중심은 세계에 뛰어난 거장 작곡가를 가장 많이 배출한 이탈리아입니다(Girolamo Frescobaldi(1583-1643),도메니코 스카를라티(1685–1757),안토니오 비발디(1678-1741), 아르칸젤로 코렐리(1653-1713). 이 위대한 작곡가들의 음악은 청취자들을 끊임없이 즐겁게 합니다.

이탈리아 및 기타 서유럽 국가인 독일, 프랑스, 영국을 따라잡기 위해 노력하고 있습니다.

독일에서 가장 중요한 인물은 J.S. 오르간을 그의 작품에서 주도적인 역할을 한 바흐. 바흐의 방대한 유산은 도덕적 영향을 미칩니다. 그는 한 스타일, 한 시대를 훨씬 뛰어넘었습니다.

세계 음악 문화의 보고에는 프랑스의 클라브생 거장 Jacques Chambonnière, Louis Coupren 및 Francois Coupren의 작품이 포함됩니다.

영국 기악 분야에서 clavier 학교가 형성되었습니다. 가장 저명한 작곡가는 Georg Friedrich Handel이었습니다. 그로소 협주곡과 일반적으로 협주곡(오르간용, 오케스트라용...)의 장르는 창의적인 이미지의 가장 특징적입니다. Handel은 콘서트주기의 자유로운 구성을 허용했으며 "빠른 속도"의 원칙을 준수하지 않았습니다. 그의 협주곡(오르간 협주곡 포함)은 순전히 세속적인 작품으로 무용 부분이 포함되어 있습니다.

그 후 바로크 기악은 이후의 모든 음악에 큰 영향을 미쳤으며 재즈에서도 공통된 특징이 발견됩니다.

지금도 초기 음악의 앙상블이 만들어지고 있습니다.

플루트는 가장 오래된 악기 중 하나입니다. 그들은 가로 및 세로입니다. 세로 방향은 똑바로 고정되어 플루트 상단의 구멍으로 공기를 불어 넣습니다. 가로 방향은 수평 방향으로 유지되어 플루트의 측면 구멍으로 공기를 불어 넣습니다.

종방향 플루트에 대한 최초의 언급은 그리스 신화그리고 이집트의 역사(기원전 3천년).

중국에서 5개 또는 6개의 손가락 구멍이 있는 가로 플루트에 대한 첫 번째 언급은 일본과 인도에서와 마찬가지로 기원전 1000년으로 거슬러 올라갑니다. 플루트 디자인의 혁명적인 변화는 Theobald Boehm의 도움으로 19세기 중반에 일어났습니다.

현대 플룻은 목관 악기이지만 일반적으로 금, 은, 심지어 백금을 사용한 금속 합금으로 만들어집니다. 이것은 지난 세기 동안 금속 플루트보다 앞선 나무 플루트보다 더 밝은 소리와 연주하기 쉬운 것을 제공합니다.

플룻은 심포니 오케스트라에서 가장 뛰어난 악기 중 하나입니다. 그녀의 파리아는 아르페지오와 패시지로 가득 차 있다.

금관 악기

금관 악기 - 그룹 관악기 , 불어오는 기류의 세기나 입술의 위치를 변화시켜 조화로운 협화음을 얻는 것이 연주의 원리이다.

"구리"라는 이름은 역사적으로 이러한 도구가 만들어진 재료로 거슬러 올라갑니다. 우리 시대에는 구리 외에도 종종 제조에 사용됩니다.황동, 덜 자주은 , 사운드 생성 방식이 유사한 중세 및 바로크 악기(예:뱀 ) 나무로 만들었습니다.

금관 악기에는 현대가 포함됩니다.호른, 트럼펫, 코넷, 플루겔호른, 트롬본, 튜바 . 별도의 그룹은색소폰 . 고대 금관 악기 -자루 (현대 트롬본의 전신),뱀 예를 들어 중앙 아시아와 같은 일부 민속 악기도 구리입니다.카르나이.

금관 악기의 역사

구멍을 뚫는 기술뿔 동물이나 껍질은 고대에 이미 알려졌습니다. 그 후 사람들은 뿔과 유사하고 군사, 사냥 및 종교적 목적을 위해 금속으로 특수 도구를 만드는 법을 배웠습니다.

현대 금관악기의 조상은 사냥용 호른, 군용 호른, 포스트 호른이었습니다. 메커니즘이 없었던 이러한 도구밸브 몇 가지 소리를 주었다자연 규모 , 연기자의 입술을 통해서만 검색됩니다. 여기에서 음악 연습에서 확고하게 자리 잡은 자연 음계의 소리를 기반으로 한 군사 및 사냥 팡파르와 신호가 나타났습니다.

금속 가공 기술의 향상과 금속 제품의 생산으로 일정한 치수와 원하는 마감 정도의 관악기용 파이프를 제조할 수 있게 되었습니다. 동관의 개량과 자연음계에서 상당한 양의 소리를 추출하는 기술의 발달로 그 개념이 등장했다.자연 악기 즉, 메카니즘이 없고 자연스러운 스케일만 생성할 수 있는 악기입니다.

19세기 초에 밸브 메커니즘이 발명되어 연주 기술이 획기적으로 바뀌고 금관 악기의 기능이 향상되었습니다.

구리 악기의 분류

금관악기는 여러 종류로 나뉩니다.

밸브 도구 연주자의 손가락으로 제어되는 여러 개의 게이트(보통 3개 또는 4개)가 있습니다. 밸브의 원리는 메인 튜브에 추가 크라운을 즉시 포함하여 기기의 길이를 늘리고 전체 시스템을 낮추는 것입니다. 길이가 다른 튜브를 연결하는 여러 밸브를 사용하면 반음계를 얻을 수 있습니다. 대부분의 현대 금관 악기는 호른, 트럼펫, 튜바, 색스혼 등 밸브가 있습니다. 밸브에는 "로터리"와 "스탠딩"(피스톤)의 두 가지 디자인이 있습니다.
멍에 도구 특수 U 자형 개폐식 튜브를 사용하십시오. 움직임이 채널의 공기 길이를 변경하여 추출 된 사운드를 낮추거나 높이는 단계입니다. 음악에 사용되는 주요 록 악기는 트롬본입니다.
자연 악기 별도의 튜브가 없으며 자연음계의 소리만을 추출할 수 있습니다. 18세기에는 특별한천연 호른 오케스트라 . 19세기 초까지 자연 악기는 음악에 널리 사용되었으나 밸브 메커니즘이 발명되면서 사용되지 않게 되었습니다. 19-20세기 작곡가(Wagner, R. Strauss, Ligeti)의 악보에서도 특수 음향 효과를 위한 자연 악기가 가끔 발견됩니다. 천연 악기에는 앤티크 트럼펫과 프렌치 호른이 포함됩니다.고산 뿔 , 팡파르, 나팔, 신호 뿔 (사냥, 우편) 등.
밸브 계기 몸에 구멍이 있고 연주자의 손가락으로 열고 닫을 수 있습니다.목관 악기 . 이러한 악기는 18세기까지 널리 보급되었지만 연주의 불편함 때문에 사용되지 않게 되었습니다. 기본 밸브 금관 악기 -코넷(아연), 뱀 , 오피클레이드, 밸브 파이프 . 그들은 또한 포함합니다우편 경적.

요즘에는 초기 음악에 대한 관심이 되살아나면서 자연 및 밸브 악기로 연주하는 것이 다시 관행이 되고 있습니다.

금관 악기는 음향 특성에 따라 분류할 수도 있습니다.

가득한― 하모닉 스케일의 기본 톤을 추출할 수 있는 악기.
반― 주음을 추출할 수 없고 음계가 제2조화음으로 시작하는 악기.

음악에서 금관 악기 사용

금관악기는 다양한 음악 장르와 작곡에 널리 사용됩니다. 의 일환으로심포니 오케스트라 그들은 주요 그룹 중 하나를 형성합니다. 심포니 오케스트라의 표준 구성은 다음과 같습니다.

뿔(2에서 8까지의 짝수, 대부분 4)
파이프(2~5개, 대부분 2~3개)
트롬본(보통 3개: 테너 2개와 베이스 1개)
튜브(보통 1개)

19세기의 악보에는 심포니 오케스트라도 종종 포함되었습니다.코넷 그러나 연주기술의 발달로 그 부품들이 파이프로 연주되기 시작하였다. 다른 금관 악기는 오케스트라에서 산발적으로만 나타납니다.

구리 악기는 기초입니다브라스 밴드 , 위의 도구 외에도 다음이 포함됩니다.색소폰 다른 크기.

황동에 대한 솔로 문학은 상당히 많습니다. 천연 파이프와 뿔을 연주하는 거장 연주자는 초기 바로크 시대에 이미 존재했으며 작곡가는 기꺼이 작곡을 만들었습니다. 낭만주의 시대에 관악기에 대한 관심이 다소 쇠퇴한 후, 20세기에는 금관악기에 대한 새로운 연주 가능성이 발견되었고 그들의 레퍼토리가 크게 확장되었습니다.

실내악 앙상블에서 금관 악기는 상대적으로 드물게 사용되지만 그 자체로 앙상블로 결합될 수 있습니다.금관 오중주 (트럼펫 2개, 호른, 트롬본, 튜바).

트럼펫과 트롬본은 중요한 역할을 합니다.재즈 그리고 다른 여러 장르의 현대 음악.

목금



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관련 기기
Wikimedia Commons의 실로폰

목금(그리스어에서. ξύλον - 나무 + φωνή - 소리) -타악기 특정 피치로. 특정 음표에 맞춰진 다양한 크기의 일련의 나무 블록입니다. 바는 작은 숟가락처럼 보이는 구형 팁 또는 특수 망치로 막대기를칩니다 (음악가의 전문 용어로 이러한 망치를 "염소 다리"라고 함).

음색 실로폰은 포르테에서 날카롭고 찰칵 소리가 나며 피아노에서 부드럽습니다.

악기의 역사

실로폰은 고대 기원-이러한 유형의 가장 간단한 도구는 여러 민족 사이에서 발견되었으며 여전히 발견됩니다.아프리카, 동남아시아 , 라틴 아메리카 .

유럽에서 실로폰에 대한 첫 번째 언급은 16세기 초로 거슬러 올라갑니다. Arnolt Schlick은 악기에 관한 논문에서 hueltze glechter라는 유사한 악기를 언급합니다. 19세기까지 유럽의 실로폰은 약 24개의 나무 막대가 사슬에 묶여 있고 연주를 위해 평평한 표면에 놓여 있는 다소 원시적인 악기였습니다. 그러한 악기를 휴대할 수 있다는 편리함이 순회 음악가들의 관심을 끌었습니다.

Guzikov가 개선한 실로폰

실로폰의 발전은 1830년대로 거슬러 올라갑니다. 벨로루시 음악가미콜 구지코프 범위를 2.5 옥타브로 확장하고 디자인도 변경하여 막대를 4줄로 특별한 방식으로 배열했습니다. 이 모델의 실로폰은 100년 이상 사용되었습니다.

현대 실로폰에서 막대는 피아노 건반처럼 두 줄로 배열되어 있으며 주석 튜브 형태의 공진기가 장착되어 있으며 이동이 쉽도록 특수 테이블 스탠드에 배치됩니다.

음악에서 실로폰의 역할

오케스트라에서 실로폰을 처음으로 사용하는 것으로 알려진 것은 Seven Variations입니다.페르디난드 카우어 1810년에 쓰여진 년도. 그의 작품에 포함된 파티 프랑스 작곡가카스트너. 실로폰이 관련된 가장 유명한 작곡 중 하나는 교향시입니다.카미유 생상스 "죽음의 춤" ( 1872 ).

현재 실로폰은심포니 오케스트라 , 무대에서 극히 드물게-독주 악기로 (실로폰과 오케스트라를위한 "일본 판화 주제에 대한 환상", Op. 211, ( 1964) 알라나 호바네스).

돔라

Domra는 늙은 러시아의 현악기입니다. 그의 운명은 놀랍고 독특합니다.

그것이 어디에서 왔는지, 언제 어떻게 domra가 Rus에 나타 났는지는 여전히 연구자들에게 미스터리로 남아 있습니다. 안에 역사적 출처 domra에 대한 정보는 거의 남아 있지 않으며 고대 러시아 domra의 이미지가 훨씬 적습니다. 그리고 Domras가 우리에게 내려온 문서에 묘사되어 있는지 아니면 그 당시에 흔히 볼 수 있었던 다른 뽑은 악기인지도 알 수 없습니다. domra에 대한 첫 번째 언급은 16세기 자료에서 발견되었습니다. 그들은 그 당시 Rus에서 이미 꽤 흔했던 도구로 domra에 대해 이야기합니다.

현재 domra의 기원에는 가장 가능성이 높은 두 가지 버전이 있습니다. 첫 번째이자 가장 일반적인 것은 러시아 돔라의 동부 뿌리에 관한 버전입니다. 실제로 디자인과 사운드 추출 방법이 유사한 악기가 존재했으며 여전히 동양 국가의 음악 문화에 존재합니다. Kazakh dombra, Turkish baglama 또는 Tajik rubab을 보거나 들어 본 적이 있다면 모두 원형 또는 타원형 모양, 평평한 공명판을 가지고 있으며 소리는 다른 주파수와 강도의 플렉 트럼을 쳐서 추출됩니다. 이 모든 악기에는 동부 탄부르라는 하나의 조상이 있다는 것이 일반적으로 인정됩니다. 타원형 모양과 평평한 공명판을 가진 것은 탠버였으며 즉석 재료 인 플렉 트럼으로 조각 된 특수 칩으로 연주했습니다. 아마도 나중에 domra로 변형 된 도구는 타타르-몽골 멍에 시대 또는 동방 국가와의 무역 관계 과정에서 가져 왔습니다. 그리고 "domra"라는 이름에는 의심 할 여지없이 Turkic 뿌리가 있습니다.

또 다른 버전은 domra가 유럽 류트에서 혈통을 이끈다는 가정에서 진행됩니다. 원칙적으로 중세 시대에는 모든 현을 류트라고 불렀습니다. 뽑은 악기, 몸체, 목 및 현이 있습니다. 류트 역시 동양 악기인 아랍어 al-ud에서 유래했습니다. 아마도 domra의 모양과 디자인은 폴란드-우크라이나어 kobza와 그 개선 된 버전 인 bandura와 같은 서부, 유럽, 슬라브 악기의 영향을 받았을 것입니다. 그냥 반두라가 류트에서 직접 많이 빌렸습니다. 중세의 슬라브인들이 끊임없이 복잡한 역사적, 문화적 관계에 있었다는 점을 감안할 때 물론 domra는 당시 유럽의 모든 현악기와 유사한 것으로 간주될 수도 있습니다.

따라서 지금까지 축적된 지식과 연구를 바탕으로 우리는 돔라가 우리 주의 문화와 역사에서와 마찬가지로 유럽과 아시아의 특징을 결합한 전형적인 러시아 악기라는 결론을 내릴 수 있습니다.

그럼에도 불구하고 domra의 진정한 기원이 무엇이든 간에 이 이름을 가진 악기가 Rus'에 존재했으며 16~17세기 러시아 문화의 필수적인 부분이었다는 것은 잘 알려져 있습니다. 연구원들에게 잘 알려진 속담 "버푼이 그들의 돔라에 대해 기쁘다"는 말에서 알 수 있듯이 버푼 뮤지션이 연주했습니다. 더욱이 왕실에는 일종의 뮤지컬 및 엔터테인먼트 그룹 인 전체 "Amusement Chamber"가 있었는데 그 기반은 돔라, 하프, 호른 및 기타 고대 러시아 악기가있는 광대였습니다. 또한 일부 연구자들에 따르면 당시 domra는 이미 앙상블 품종 제품군을 형성했습니다. 가장 작고 삐걱 거리는 소리는 "domrishka"라고 불렸고 가장 크고 가장 낮은 소리는 "bass domra"였습니다.

domra와 domra 공연자 인 buffoons와 "domrachi"가 사람들 사이에서 상당한 인기를 얻은 것으로도 알려져 있습니다. 모든 종류의 축하 행사, 축제 및 민속 축제는 항상 모든 민족 사이에서 노래와 악기 연주를 동반했습니다. 중세의 Rus'에서는 많은 "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov"및 기타 음악가들이 사람들을 즐겁게했습니다. domra에서 하프처럼 그들은 동행했습니다. 민속 서사시, 서사시, 전설 및 민요에서 domra는 멜로디 라인을 지원했습니다. domras 및 domra 현의 수공예 생산이 확립되었으며 법원과 시베리아로의 배달 기록이 역사적 문서에 보존되어 있음이 확실하게 알려져 있습니다 ...

아마도 domra를 만드는 기술은 다음과 같습니다. 나무 한 조각에서 몸을 비우고 막대기 독수리를 부착하고 끈이나 동물 정맥을 뽑았습니다. 그들은 은색, 깃털, 생선 뼈를 가지고 놀았습니다. 상대적으로 간단한 기술 덕분에 Rus'에서 이 악기를 널리 사용할 수 있었던 것 같습니다.

그러나 여기 domra의 역사에서 가장 극적인 순간이 왔습니다. 세속 문화의 발전에 대해 걱정한 교회 목사들은 음악가들에 대항하여 무기를 들고 버푼의 공연을 "악마 게임"이라고 선언했습니다. 그 결과 1648 년 Tsar Alexei Mikhailovich는 "악마 게임"의 도구 인 무고한 도구의 대량 근절에 관한 법령을 발표했습니다. 유명한 법령은 다음과 같습니다. 17세기 독일 여행가 Adam Olearius에 따르면, 러시아인들은 일반적으로 기악 연주가 금지되었으며, 한번은 사람들에게서 가져온 악기를 실은 여러 대의 수레가 모스크바 강을 건너 그곳에서 불태워졌습니다. 일반적으로 음악가와 버푸 너리 모두 박해를 받았습니다.

아마도 이토록 참으로 비극적인 운명의 반전은 세상의 어떤 악기에도 일어나지 않았을 것입니다. 따라서 야만적 인 근절 및 금지의 결과이든 다른 이유이든 상관없이 17 세기 이후 연구자들은 오래된 돔라에 대한 중요한 언급을 찾지 못했습니다. 고대 러시아 악기의 역사는 여기서 끝나고 끝낼 수는 있지만 ... Domra는 말 그대로 재에서 다시 태어날 운명이었습니다!

이것은 뛰어난 연구원이자 음악가, 비정상적으로 재능 있고 비범 한 사람인 Vasily Vasilyevich Andreev의 활동 덕분에 일어났습니다. 1896년 Vyatka 지방에서 그는 반구형 몸체를 가진 알려지지 않은 도구를 발견했습니다. 그의 외모에서 이것이 domra라고 가정하고 그는 유명한 마스터 Semyon Ivanovich Nalimov에게 갔다. 그들은 함께 발견된 악기의 모양과 디자인을 기반으로 새로운 악기의 디자인을 개발했습니다. 역사가들은 Andreev가 발견한 악기가 정말 오래된 돔라인지에 대해 여전히 논쟁을 벌이고 있습니다. 그럼에도 불구하고 1896년에 재구성된 악기는 "domra"라고 불렸다. 둥근 몸체, 중간 길이의 목, 세 개의 현, 네 번째 시스템 - 이것이 재건된 돔라의 모습입니다.

그때까지 Andreev는 이미 발랄라이카 오케스트라를 가지고있었습니다. 그러나 그의 훌륭한 아이디어를 실현하기 위해 Great Russian Orchestra는 선도적 인 멜로디 악기 그룹이 필요했고 새로운 기능을 갖춘 복원 된 domra가이 역할에 이상적이었습니다. 그레이트 러시아 오케스트라 창설의 역사와 관련하여 뛰어난 사람을 한 명 더 언급 할 가치가 있습니다. 그 사람 없이는 아이디어가 구체화되지 않았을 것입니다. 이것은 Andreev의 가장 가까운 동료 인 피아니스트이자 전문 작곡가 Nikolai Petrovich Fomin입니다. Fomin의 전문적인 접근 방식 덕분에 처음에는 아마추어였던 Andreev의 서클이 악보를 공부하고 전문적으로 서서 공연으로 러시아와 해외의 청취자를 정복했습니다. 그리고 Andreev가 주로 아이디어 생성자라면 Fomin은 실제로 domras와 balalaikas가 본격적인 학술 도구로 개발 경로를 시작한 덕분에 사람이되었습니다.

그러나 domra로 돌아갑니다. 1896-1890 기간. V. Andreev와 S. Nalimov는 domra의 앙상블 품종을 설계했습니다. 그리고 새로 탄생한 후 처음 수십 년 동안 domra는 오케스트라와 앙상블 연주에 맞춰 발전했습니다.

그러나 거의 즉시 Andreev domra의 기능에 대한 몇 가지 제한 사항이 공개되어 건설적으로 개선하려는 시도가 이루어졌습니다. 주요 작업은 악기의 범위를 확장하는 것이 었습니다. 1908년 지휘자 G. Lyubimov의 제안에 따라 마스터 S. Burov는 다섯 번째 시스템을 갖춘 4현 돔라를 만들었습니다. "4 현"은 바이올린 범위를 받았지만 불행히도 음색과 색상면에서 "3 현"보다 열등했습니다. 그 후 다양한 앙상블과 4현 돔라 오케스트라도 등장했습니다.

domra에 대한 관심은 매년 증가하고 음악 및 기술 지평이 확장되며 거장 음악가가 나타났습니다. 마침내 1945년에 러시아 민속 악기 오케스트라와 함께 돔라를 위한 최초의 기악 협주곡이 만들어졌습니다. 유명한 콘서트 g-moll Nikolai Budashkin은 오케스트라 콘서트 마스터의 요청에 따라 작성되었습니다. 오시포프 알렉세이 시모넨코프 이 행사는 돔라의 역사에 새로운 시대를 열었습니다. 최초의 기악 연주회가 열리면서 domra는 솔로의 거장 악기가 되었습니다.

1948 년 러시아 최초의 민속 악기 부서가 모스크바에서 I.I. 그네신. 최초의 domra 교사는 뛰어난 작곡가 Yu.Shishakov였으며 그 다음에는 이름을 딴 오케스트라의 젊은 솔리스트였습니다. Osipova V. Miromanov 및 A. Alexandrov - 3 현 domra 연주의 첫 번째 학교 창시자. 더 높은 덕분에 전문적인 교육짧은 시간에 원래 민속 악기 domra는 심포니 오케스트라의 악기가 수세기에 걸쳐 학술 무대에서 길을 통과했습니다 (결국 바이올린은 한때 민속 악기였습니다!).

Domra 성능은 엄청난 속도로 발전하고 있습니다. 1974 년에 민속 악기에 대한 I All-Russian 연주자 대회가 열렸고 대회 우승자는 뛰어난 거장 돔리스트 인 Alexander Tsygankov와 Tamara Volskaya였습니다 (섹션 참조) 창의적인 활동앞으로 수십 년 동안 공연 자체와 돔라 레퍼토리 모두에서 돔라 예술의 발전 방향을 결정했습니다.

오늘날 domra는 진정으로 러시아의 뿌리를 가지고 있음에도 불구하고 학문적 장르의 정점으로 올라간 거대하고 주로 음악적이고 표현적인 잠재력을 가진 젊은 유망한 악기입니다. 앞으로 그의 운명은 어떻게 될까요? 말씀은 당신의 것입니다, 친애하는 domrists!

발랄라이카

설명
몸은 별도의 (6-7) 세그먼트로 접착되어 있으며 긴 목의 머리는 약간 뒤로 구부러져 있습니다. 금속 현(18세기에는 그 중 2개가 결이 있었으며 현대 발랄라이카에는 나일론 또는 탄소 현이 사용됨). 현대 발랄라이카의 지판에는 16-31 개의 금속 프렛이 있습니다 (19 세기 말까지-5-7 강제 프렛).

소리는 크지만 부드럽습니다. 사운드 추출을 위한 가장 일반적인 기술: 래틀링, 피치카토, 더블 피치카토, 싱글 피치카토, 비브라토, 트레몰로, 분수, 기타 트릭.

짓다

발랄라이카는 19세기 말 바실리 안드레예프(Vasily Andreev)에 의해 콘서트 악기로 변형되기 전까지 영구적이고 유비쿼터스 시스템이 없었습니다. 각 연주자는 자신의 연주 스타일, 연주되는 곡의 일반적인 분위기, 지역 전통에 따라 악기를 조율했습니다.

Andreev가 도입 한 시스템 (일제히 두 개의 문자열-음표 "mi", 하나-쿼트 더 높음-음표 "la"(및 첫 번째 옥타브의 "mi"및 "la"))는 콘서트 발랄라이카 연주자들 사이에서 널리 퍼졌고 시작되었습니다. 첫 번째 줄은 "salt", 두 번째 줄은 "mi", 세 번째 줄은 "do"입니다. 개방 현 연주의 어려움입니다. 위 외에도 악기를 조율하는 지역 전통도 있습니다. 희귀 한 지역 설정은 24 개에 이릅니다 ..

품종

러시아 민속 악기의 현대 오케스트라에서는 프리마, 세컨드, 비올라, 베이스 및 더블 베이스의 다섯 가지 종류의 발랄라이카가 사용됩니다. 이 중 프리마만이 독주, 거장 악기이고 나머지는 순전히 오케스트라 기능을 담당합니다. 두 번째와 비올라는 코드 반주를 구현하고 베이스와 더블 베이스는 베이스 기능을 수행합니다.

널리 퍼짐

Balalaika는 러시아, 벨로루시, 우크라이나 및 카자흐스탄의 학술 음악 교육 기관에서 공부하는 상당히 일반적인 악기입니다.

어린이 음악 학교에서 발랄라이카 훈련 기간은 5-7년(학생의 나이에 따라 다름)이며 평균적으로 교육 기관- 4년, 고등교육기관에서는 4-5년. 레퍼토리: 민요 편곡, 고전 작품 편곡, 작가의 음악.

이야기
발랄라이카 출현 시점에 대한 단일 관점은 없습니다. 발랄라이카는 17세기 말부터 널리 퍼진 것으로 여겨진다. 마스터 Paserbsky 및 Nalimov와 함께 V. Andreev 덕분에 개선되었습니다. 피콜로, 프리마, 세컨드, 비올라, 베이스, 더블 베이스와 같은 현대화된 발랄라이카 제품군이 만들어졌습니다. 발랄라이카는 솔로 콘서트, 앙상블 및 오케스트라 악기로 사용됩니다.

어원
악기의 이름 자체가 이미 궁금합니다. 일반적으로 음절 소리와 함께 연주하는 특성을 전달하는 민속입니다. "balalaika"라는 단어의 뿌리 또는 "balabayka"라고도 불리는이 단어는 balakat, balabonit, balabolit, joker와 같은 러시아 단어와의 친족 관계로 오랫동안 연구자들의 관심을 끌었습니다. 호출합니다(동일한 의미의 일반적인 슬라브어 *bolbol로 돌아갑니다). 서로를 보완하는 이러한 모든 개념은 발랄라이카의 본질을 전달합니다. 가볍고 재미 있고 "스트러밍"하지만 그다지 심각하지는 않습니다.

처음으로 "balalaika"라는 단어는 Peter I의 통치로 거슬러 올라가는 서면 기념물에서 발견됩니다.

발랄라이카에 대한 최초의 서면 언급은 1688년 6월 13일자 문서에 포함되어 있습니다. “<...>마을 사람 Savka Fedorov<...>예<...>농민 Ivashko Dmitriev와 그들과 함께 발랄라이카를 가져와 수레에 전차를 타고 Yausky 문으로 가서 노래를 부르고 toi에서 발랄라이카를 연주했으며 경비원으로 Yausky 문에 서 있던 경비 궁수들은 꾸짖었습니다.<...>».

발랄라이카가 언급 된 다음 서면 출처는 1715 년을 언급하는 Peter I이 서명 한 "Register"입니다. 상트 페테르부르크에서 "Prince-Papa"N. M. Zotov의 광대 결혼식을 축하하는 동안 다른 악기와 함께 mummers가 운반하는 4 개의 발랄라이카가 명명되었습니다.

처음으로 이 단어는 18세기 초(1717-1732년 문서에서) 우크라이나어에서 "balabaika"(분명히 이것은 더 오래된 형태이며 Kursk 및 Karachev 방언에서도 보존됨)의 형태로 증명되었습니다. ). V. I. Maikov의시 "Elisey", 1771, 노래 1에서 처음으로 러시아어로 : "당신은 나에게 휘파람이나 발랄라이카를 조율합니다."

첼로(이탈리아어 첼로, 약어. 첼로, 독일어 첼로, 프랑스어 첼로, 영어 첼로)

처음부터 알려진 베이스와 테너 레지스터의 현악기 XVI의 절반세기, 바이올린이나 비올라와 같은 구조이지만 훨씬 더 큽니다. 첼로는 폭넓은 표현 가능성과 신중하게 개발된 연주 기법을 가지고 있으며 솔로, 앙상블 및 오케스트라 악기로 사용됩니다.

악기의 출현과 발전의 역사

첼로의 등장은 16세기 초로 거슬러 올라간다. 처음에는 노래를 부르거나 더 높은 음역의 악기를 연주할 때 베이스 악기로 사용되었습니다. 크기, 현의 수, 조율이 서로 다른 수많은 종류의 첼로가 있었습니다(가장 일반적인 조율은 현대의 것보다 낮은 음조였습니다).
17~18세기에 이탈리아 유파의 뛰어난 음악 거장들(Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana 등)의 노력으로 바디 사이즈가 확고하게 자리잡은 클래식 첼로 모델이 탄생했습니다. 17세기 말에 조반니 가브리엘리(Giovanni Gabrieli)의 소나타와 라이서카(Ricercars)라는 첫 번째 첼로 솔로 작품이 등장했습니다. 18세기 중반에 첼로는 더 밝고 풍부한 소리와 개선된 연주 기술로 인해 콘서트 악기로 사용되기 시작했고 마침내 비올라 다 감바를 음악 연습에서 대체했습니다. 첼로는 심포니 오케스트라와 실내악 앙상블의 일부이기도 합니다. 첼로가 음악의 주요 악기 중 하나로 최종 승인된 것은 뛰어난 음악가 파블로 카잘스의 노력을 통해 20세기에 이루어졌습니다. 이 악기에 대한 연주 학교의 발전은 정기적으로 단독 콘서트를 연주하는 수많은 거장 첼리스트의 출현으로 이어졌습니다.
첼로 레퍼토리는 매우 광범위하며 수많은 협주곡, 소나타, 무반주 작곡을 포함합니다.

]첼로 연주 기법

스트라디바리의 뒤포르 첼로를 연주하는 므스티슬라프 로스트로포비치.
첼로를 연주할 때 연주와 스트로크의 원리는 바이올린과 같지만 악기의 크기가 크고 연주자의 위치가 다르기 때문에 첼로를 연주하는 기술은 다소 제한적입니다. Flageolets, pizzicato, 엄지 내기 및 기타 게임 기술이 사용됩니다. 첼로의 소리는 육즙이 많고 선율이 풍부하며 긴장되며 고음역에서 약간 압축됩니다.
첼로 현 구조: C, G, d, a(도, 큰 옥타브의 소금, 작은 옥타브의 레, 라), 즉 비올라보다 한 옥타브 아래에 있습니다. 첼로의 음역은 a 현에서 연주하는 개발된 기술 덕분에 C(큰 옥타브까지)에서 a4(4 옥타브의 A) 이상까지 매우 넓습니다. 음표는 실제 소리에 따라 저음, 테너 및 고음 음자리표로 작성됩니다.

다리의 종아리로 악기를 잡았습니다.
연주할 때 연주자는 19세기 말에야 널리 퍼진 캡스턴으로 첼로를 바닥에 눕힙니다(그 이전에는 악기가 종아리로 잡혔습니다). 현대 첼로에서는 프랑스 첼리스트 P. Tortelier가 발명한 곡선형 캡스턴이 널리 사용되어 악기의 위치가 더 평평해지고 연주 기술이 어느 정도 용이해집니다.
첼로는 독주 악기로 널리 쓰이고, 첼로군은 현악과 교향악단에서 쓰이며, 첼로는 현악 4중주에서 가장 낮고 현악 4중주의 필수 멤버다. 그것) 소리 측면에서 악기의 다른 챔버 앙상블에서도 자주 사용됩니다. 오케스트라 악보에서 첼로 파트는 비올라 파트와 더블베이스 파트 사이에 쓰여집니다.

바이올린 창조의 역사

음악의 역사는 가장 완벽한 형태의 바이올린이 16세기에 등장했다고 생각합니다. 그때까지 중세에 걸쳐 활동했던 모든 구부러진 악기는 이미 알려져 있었습니다. 그것들은 특정한 순서로 배열되었고 당시의 과학자들은 크든 작든 그들의 전체 혈통을 알고 있었습니다. 그들의 숫자는 엄청났고 이제 이 문제의 깊이를 파헤칠 필요가 없습니다.

최신 연구자들은 바이올린이 결코 축소된 "비올라 다 감바"가 아니라는 결론에 도달했습니다. 또한 장치에 있는 이러한 두 가지 유형의 도구가 서로 크게 다른 기능을 가지고 있다는 것이 충분한 정확도로 확립되었습니다. "viole da gamba"와 관련된 모든 악기는 평평한 뒷면, 평평한 가장자리, 프렛으로 나뉘는 목, 덜 자주 삼엽충 형태의 머리, 더 자주 동물이나 인간의 머리 이미지, 컷 아웃이 있습니다. 라틴 문자 "C"의 윤곽선에 있는 악기의 윗면, 마지막으로 4도 및 3도의 현 튜닝. 반대로 현대 바이올린의 바로 전신 인 "viola da brachio"는 현의 다섯 번째 조율, 볼록한 뒷면, 가장자리가 다소 올라간 것, 프렛이없는 지판, 형태의 헤드를 가졌습니다. 두루마리와 노치 또는 "efs", 서로 마주 보는 소문자의 윤곽선 라틴어 f 이탤릭체.
이러한 상황은 적절한 비올 계열이 감바의 연속적인 감소로 구성되었다는 사실로 이어졌습니다. 따라서 다양한 크기의 비올라로만 구성된 오래된 "4 중주"또는 "5 중주"의 완전한 구성이 생겼습니다. 그러나 완전한 비올 계열의 출현과 함께 독특하고 가장 뛰어난 특징을 모두 갖춘 악기가 개발되고 개선되었습니다. 캐릭터 특성현대 바이올린. 그리고 사실이 악기는 문자 그대로의 "손 비올라"가 아니라 슬라브 땅의 민속 악기로서 현대의 기초를 형성 한 소위 "손 거문고"입니다. 바이올린의 가족. 그레이트 라파엘(1483-1520)은 1503년에 그린 그의 그림 중 하나에서 이 악기를 훌륭하게 묘사하고 있습니다. 그것을 생각하면 "손 거문고"가 우리 시대의 완벽한 바이올린으로 완전히 변모하는 데 남은 것이 거의 없다는 데 조금도 의심의 여지가 없습니다. Raphael의 이미지와 현대 바이올린을 구별하는 유일한 차이점은 현의 수에 있습니다. 두 개의베이스가있을 때 현이 5 개가 있습니다. 오래된 비올.
그 이후로 증거는 놀라운 속도로 증가했습니다. 고대 "lyre da brachio"의 이미지에 약간의 수정을 가하면 현대 바이올린과 가장 완벽하게 유사합니다. 오래된 바이올린 형태의 이 증언은 1516년과 1530년으로 거슬러 올라갑니다. 오래된 바이올린당신의 상표로. 동시에 프랑스어 스타일의 바이올린으로 "바이올린"이라는 단어가 16세기 초 프랑스 사전에 처음 등장했습니다. Henri Pruner(1886-1942)는 빠르면 1529년에 이 단어가 당시의 일부 비즈니스 문서에 포함되어 있다고 주장합니다. 그러나 "바이올론"의 개념이 1490년경에 등장했다는 징후는 의심스러운 것으로 간주되어야 합니다. 이탈리아에서는 비올 연주자를 의미하는 violonista라는 단어가 1462년부터 나타나기 시작했고, "바이올린"이라는 의미의 violino라는 단어 자체는 널리 퍼진 100년 후에야 사용되기 시작했습니다. 영국인은 1555년에야 프랑스어 철자를 채택했지만 3년 후 완전한 영어 "바이올린"으로 대체되었습니다.
가장 오래된 기념물의 증언에 따르면 Rus '에서는 활 악기가 아주 오랫동안 알려져 있었지만 나중에 심포니 오케스트라의 악기가 될만큼 발전한 악기는 없었습니다. 가장 오래된 고대 러시아 활 악기는 경고음입니다. 가장 순수한 형태는 타원형의 약간 배 모양의 나무 몸체에 세 개의 줄이 늘어져 있습니다. 그들은 아치형 활로 휘파람을 불었습니다. 현대 활과는 아무런 관련이 없습니다. 휘파람이 시작된 시간은 정확히 알려지지 않았지만 "동부"악기 (domra, surna 및 smyk)의 침투와 함께 Rus에 "경고음"이 나타났다는 가정이 있습니다. 이 시간은 일반적으로 XIV 후반과 XV 세기 초에 결정됩니다. 문자 그대로의 의미에서 "바이올린"이 언제 등장했는지 말하기는 어렵습니다. 16 ~ 17 세기 알파벳 책에서 바이올리니스트에 대한 첫 번째 언급은 "해석자들이 그것에 대해 전혀 몰랐다는 것을 똑같이 보여 준다"는 것만 확실하게 알려져 있습니다. 어쨌든 P. F. Findeisen (1868-1928)에 따르면이 악기는 모스크바 Rus의 국내 및 공공 생활에서 아직 알려지지 않았으며 완전히 완성 된 형태의 첫 번째 바이올린은 분명히 처음에만 모스크바에 나타났습니다. XVIII 세기. 그러나 한때 진짜 바이올린을 본 적이 없었던 알파벳 책의 편집자들은 이 악기가 현악기여야 한다는 것을 이해했을 뿐이고 따라서 "gusli"와 "Little Russian lira"에 잘못 비유했습니다. 물론 사실이 아니었다.
서양의 새로운 바이올린에 대한 다소 자세한 설명은 16세기 중반부터 나타나기 시작합니다. 따라서 Philibert Jambes de Fair(1526-1572)는 현대 바이올린의 특징과 독특한 특징을 설명하면서 "바이올린 계열"이 바이올린의 모델과 유사성을 기반으로 만들어졌다는 결론을 내릴 수 있는 여러 이름을 인용합니다. 비올라. 이때부터 즉 1556년부터 바이올린이 17세기 말까지 프랑스 이름 데수스(dessus), 퀸트(quinte), 오뜨 꽁뜨르(haute-contre), 테일레(tailee), 바스(bass)로 알려진 여러 종류로 존재했습니다. 이 형식에서 바이올린 가족의 구성은 Peer Maryann (1588-1648)이 그에 대해 쓰기 시작했을 때 확립되었습니다. 한때 Les vingt-quatre라고 불렸던 "Gang of 24"는 동일한 악기로 구성되었지만 이름은 이미 옮겨졌습니다. dessus 다음에는 haute-contre가 이어졌고 quinte는 tailee와 basse 사이에 있었지만 그 볼륨은 방금 언급 한 이전 데이터와 정확히 일치했습니다. 나중에이 바이올린 구성에 또 다른 변화가 있었는데, 그로 인해 haute-contre가 완전히 사라지고 dessus에게 양보하고 tailee는 quinte와 결합하여 후자의 순서를 채택했습니다. 따라서 dessus가 첫 번째 및 두 번째 바이올린, tailee 또는 quinte-violas 및 basse-cellos에 해당하는 새로운 유형의 4 부분 활 조합이 확립되었습니다.
이제 "바이올린"이라는 이름으로 알려진 그 악기의 최종 완성이 언제 이루어졌는지 정확하게 확인하기가 어렵습니다. 대부분이 개선은 연속 시리즈로 진행되었으며 각 마스터는 자신의 것을 가져 왔습니다. 그럼에도 불구하고 17세기는 바이올린의 구조적 관계가 최종적으로 완성되고 그 완성도에 도달하여 그 어떤 '개량'도 시도하지 않았던 바이올린의 '황금기'였다고 분명히 말할 수 있다. 이미 넘어갈 수 있습니다. 역사는 위대한 바이올린 트랜스듀서의 이름을 기억 속에 간직했으며 이 악기의 개발을 바이올린 제작자의 세 가족 이름과 연결했습니다. 우선 이것은 Andrea Guarneri(1626?-1698)와 Antonio Stradivari(1644-1736)의 스승이 된 Cremonese 마스터의 Amati 가족입니다. 그러나 바이올린의 최종 완성은 무엇보다도 Giuseppe-Antonio Guarneri(1687-1745), 특히 현대 바이올린의 가장 위대한 창시자로 추앙받는 Antonio Stradivari에게 빚지고 있습니다.
그러나 그 당시 위대한 Cremonese가 이미 확립 한 바이올린의 모든 것을 모든 사람이 좋아하는 것은 아닙니다. 많은 사람들이 Stradivari가 채택한 비율을 변경하려고 시도했지만 물론 아무도 성공하지 못했습니다. 그러나 무엇보다 가장 궁금한 것은 바이올린을 최근의 과거로 되돌리고 비올라의 낡은 특징을 바이올린에 부여하려는 가장 후진적인 거장들의 바람이었습니다. 아시다시피 바이올린에는 프렛이 없었습니다. 이를 통해 음량을 확장하고 바이올린 연주 기술을 완성할 수 있었습니다. 그러나 영국에서는 바이올린의 이러한 특성이 "의심스러운" 것처럼 보였고 악기의 "억양"이 충분히 정확하지 않았습니다. 따라서 소리 추출의 "부정확성"을 제거하기 위해 바이올린 지판에 프렛을 도입했고, John Playford(1623-1686?)가 이끄는 출판사는 1654년부터 1730년까지 매뉴얼을 재인쇄했습니다. "모달 tablature"에 따라 컴파일됩니다. 그러나 정의는 이것이 일반적으로 바이올린 연주의 역사에서 알려진 유일한 경우라고 말하도록 요구합니다. 이 악기의 연주를 개선하고 용이하게 하려는 다른 시도는 현악기 튜닝 또는 소위 "scordatura"로 축소되었습니다. 이것은 이치에 맞았고 Tartini(1692-1770), Lolli(1730-1802), Paganini(1784-1840) 및 몇몇 다른 사람들과 같은 많은 저명한 바이올리니스트들은 각자 자신의 방식으로 악기를 조율했습니다. 때때로 이 현 조율 방법은 특별하고 예술적인 목표를 추구하기 위해 지금도 사용되고 있습니다.
스트라디바리우스 바이올린. gruhn.com의 사진 그래서 바이올린은 17세기 말에 가장 완벽한 화신이 되었습니다. 안토니오 스트라디바리가 마지막으로 현재의 모습을 갖추게 했으며, 18세기의 거장 프랑수아 투르트는 현대 활의 창시자로 추앙받고 있습니다. 그러나 바이올린의 개발과 실생활에서의 구현에서는 덜 성공적이었습니다. 바이올린 기술의 이러한 발전과 개선의 길고 다양한 전체 역사를 몇 마디로 전달하는 것은 매우 어렵습니다. 바이올린의 출현으로 많은 상대가 발생했다고 말하면 충분합니다. 많은 사람들은 비올라의 잃어버린 아름다움을 단순히 후회했지만 다른 사람들은 초대받지 않은 낯선 사람에 대한 전체 "치료"를 내놓았습니다. 결정적으로 바이올린 연주 기술을 발전시킨 위대한 바이올리니스트 덕분에 바이올린은 정당한 자리를 차지했습니다. 17세기에 이 거장 바이올리니스트들은 Giuseppe Torelli와 Arcangelo Corelli였습니다. 앞으로 Antonio Vivaldi (1675-1743)는 바이올린을 위해 많은 노력을 기울였으며 마침내 Niccolò Paganini가 이끄는 멋진 바이올리니스트 은하계 전체를 만들었습니다. 현대 바이올린 5분의 1로 조정된 4개의 현이 있습니다. 상단 현은 때때로 다섯 번째 현이라고 하고 하단 현은 베이스라고 합니다. 바이올린의 모든 현은 결이 있거나 내장이 있으며 "베이스"만 얇은 은색 실 또는 "김프"와 얽혀 소리의 충만 함과 아름다움을 더합니다. 현재 모든 바이올리니스트들은 "5도"에 금속 현을 사용하고 정확히 동일하지만 부드러움을 위해 얇은 알루미늄 실인 A 현으로 만 감쌌습니다. 일부 뮤지션은 "김프"가 없는 순수한 알루미늄 A 현을 사용하기도 합니다. 이와 관련하여 mi의 금속 현과 la의 알루미늄 현은 re 현의 울림을 강화해야 했습니다. "바스크어", 후자, 그런데 그녀에게 도움이되었습니다. 그럼에도 불구하고 이러한 모든 사건은 진정한 감정가를 크게 화나게합니다. 다른 경우 금속 현 소리의 울림과 선명도는 매우 눈에 띄고 불쾌하지만 할 일이 없으며 상황을 참아야하기 때문입니다.
악기의 요구 사항에 따라 조율된 바이올린의 현은 개방 또는 비어 있으며 두 번째 옥타브의 mi에서 작은 소금까지 순 5도 내림차순으로 소리가 납니다. 현의 순서는 항상 위에서 아래로 고려되며, 이 관습은 모든 절과 관련하여 고대부터 보존되어 왔습니다. 현악기"손잡이" 또는 "바". 바이올린의 음표는 "고음 음자리표" 또는 G 키로만 작성됩니다.
"개방형" 또는 오케스트라 사용의 개념(빈 현)은 스탠드에서 너트까지의 전체 길이, 즉 튜닝 중 실제 높이를 결정하는 두 지점 사이의 현 소리를 의미합니다. 현의 길이는 일반적으로 동일한 지점에 의해 결정됩니다. 오케스트라에서는 서브 넥과 페그 사이에 둘러싸인 "절대 값"이 아니라 고려되는 현의 소리 부분이기 때문입니다. 악보에서 열린 현은 음표 위나 아래에 작은 원이나 0으로 표시됩니다.
경우에 따라 작품의 음악적 구조에 필요한 경우 "바스크"에 대해 작은 옥타브의 F 샤프 또는 "5도"에 대한 두 번째 D 샤프를 얻기 위해 현을 반음 낮출 수 있습니다.
출처 music-instrument.ru

의 역사 일렉트릭 기타 만들기 (일렉트릭 기타)

20세기 기술의 발달은 인간 존재의 문화적 측면을 무시하지 않았다. 재생 및 가장 중요한 사운드 처리를 위한 전자 장치의 출현은 결국 악기 자체에 영향을 미칠 수 밖에 없습니다. 근본적으로 새로운 악기를 만들려는 시도 외에도 잘 알려진 오래된 악기를 "현대화"하려는 시도도 있었습니다. 그래서 Lloyd Loher는 1924년에 금속 줄의 진동을 전기 신호로 변환하는 장치인 최초의 자기 픽업을 설계했습니다. 이 재능있는 엔지니어는 그 당시에 일했습니다. 어디에서 생각하십니까? - 깁슨에서! 그러나 아시다시피 Les Paul의 제작은 아직 멀었습니다. 28년이라는 긴 시간이 걸렸기 때문에 최초의 대량 생산 일렉트릭 기타는 결코 Gibson에서 생산되지 않았습니다. 그리고 이것은 Electro String Company라는 회사에 의해 이루어졌습니다. 창립자 중 한 명은 Adolf Rickenbacker였습니다. 그는 이미 짐작할 수 있듯이 John Lennon의 시그니처 기타 인 325JL을 출시 한 매우 유명한 Rickenbacker 회사를 설립했습니다. 이 첫 번째 기타의 본체는 알루미늄으로 만들어졌기 때문에 "프라이팬"이라는 이름을 진지하게 받았습니다. 이 사건은 1931년에 일어났다. 기타에 픽업을 부착하려는 다른 시도가 있었는지는 모르겠지만 아마도 그랬을 것입니다. 그러나 그들은 1951년에야 매우 고전적이고 인식 가능한 형태를 얻었습니다. 그리고 레오 펜더(Leo Fender)는 그의 유명한 텔레캐스터(Telecaster)를 출시함으로써 이것을 해냈고 그것은 이미 돌파구였습니다. 물론 사람이 탑승한 채 우주선을 궤도에 진입시키는 것과 같았습니다. 바디는 나무로 만들었지만 클래식 기타와 디자인적으로는 공통점이 없었다. 어떤 이유로 많은 사람들은 일렉트릭 기타가 무엇을 아는 사람으로 만들어 졌다고 생각합니다: 금속, 플라스틱 및 기타 초현대적 재료, 아니요. 기타는 사람처럼 주로 나무로 만들어졌으며 오늘날까지 만들어졌습니다. 70% 물.
그 순간부터 일렉트릭 기타는 악기이자 하나의 문화 현상으로 자리잡았다고 할 수 있습니다. 물론 Gibson은 뒤처지지 않고 1952년 전설적인 Les Paul을 출시했습니다. 테스트 샷은 Fender가 Stratocaster를 궤도에 진입시킨 1954년에 나왔습니다. 블루스, 록 및 컨트리 음악가들은 이러한 모델 및 제조업체의 기타를 연주하기 시작했습니다. 물론 그 이후로 아름답고 인기가없고 인기가없는 기타가 많이 있었지만 오늘날까지 사운드 처리를 고려하지 않으면 누군가가 더 중요한 것을 내놓았을 것 같지 않습니다. 물론 7번째 현과 심지어 8번째 현을 추가하는 등 다양한 혁신이 있지만(일반적으로 이들은 극단적인 스타일과 트렌드의 밴드와 뮤지션을 위한 기타입니다) "발견" 위에 나열된 것들에 대한 의미에서 "가까이 가십시오".
그러나 가장 흥미로운 점은 기타가 여전히 기타로 남아 있다는 것입니다. 왠지 음악과 거리가 먼 많은 사람들은 일렉트릭 기타가 클래식 기타와 아무런 관련이 없는 악기라고 생각합니다. 물론 그 차이는 크다. 모습기술을 연주하지만 여전히 동일한(일부 예외는 있음) 튜닝 및 코드 운지법을 가진 하나의 동일한 악기입니다. .

기타의 간략한 역사와 현재 상태

아시다시피 기타는 스페인의 국가 악기입니다. 지금까지 기타의 기원은 정확히 밝혀지지 않았습니다. 그 원형이 아시리아-바빌로니아 케파라 또는 이집트 시타라라고 가정해야 합니다. 로마인(라틴 기타)이나 아랍인(무어인 기타)이 이베리아 반도로 가져왔을 수 있습니다. 첫 번째에서 그들은 "punteado"기법, 즉 꼬집음으로 연주했고 두 번째에서 더 날카로운 울림을 가진 "rasgueado"기법으로 연주했습니다. 오른손의 손가락.

현대식 기타 또는 어쨌든 이와 유사한 기타는 아마도 16세기 이전에 고대 키타라의 이 두 변종의 융합에서 유래했을 것입니다. 우리는 현재와 다른 방식으로 기타를 연주하는 이 이중 기원에 대한 간접적인 표시를 가지고 있습니다: 민속 - "rasgueado", - 무어인 기타 연주에서 유래, 전문 - "punteado", - 라틴 기타에서 유래 .

다른 유럽 국가 (XVI-XVII 세기)에 침투했을 때 기타에는 관련 류트와 같이 1/4 비율로 조정 된 5 개의 현이 있습니다. 여섯 번째 문자열이 독일에서 추가되었는지 이탈리아에서 추가되었는지는 확실하지 않습니다. 이 최종 형태에서 기타는 진지한 악기의 권리를 획득했습니다. 이러한 음악적 가능성의 증가를 바탕으로 6현 기타는 첫 번째 전성기를 맞았습니다(18세기 말부터 19세기 중반까지). 이 기간 동안 기타는 스페인의 Aguado와 Sor, 이탈리아의 Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Zani de Ferranti, Regondi, Moretti 등과 같은 수많은 뛰어난 거장과 작곡가를 배출했습니다. 유럽 \u200b\u200b국가에서이 기타리스트의 콘서트 활동은 기타를 높은 전문 수준으로 끌어 올렸고 가장 큰 음악가, 시인 및 작가 중에서 많은 지지자를 얻었습니다. 그들 중 일부 - 작곡가 Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - 오페라에서 기타를 사용했습니다. 기타-작곡가 Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod-기타를 직접 연주했습니다. 기타-Glinka, Tchaikovsky-기타 듣기를 좋아했습니다. 특히 유명한 바이올리니스트 Paganini는 동시에 훌륭한 기타리스트였으며 기타를 위해 여러 작품을 썼습니다. 시인 및 작가: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire 및 기타 많은 사람들이 기타를 사랑했으며 작품에서 한 페이지 이상을 할애했습니다.

거의 19세기 말까지 지속되었던 기타의 전성기는 주로 피아노포르테의 등장으로 인해 그 쇠퇴로 대체되었습니다. 그러나 20세기 초부터 우리는 기타의 새로운 전성기를 목격하고 있습니다. 이는 고대의 가장 표현력이 풍부한 민속 악기 중 하나로서 기타에 대한 일반 대중의 태도 변화로 인한 것 같습니다. . 그 결과 타레가(Tarrega), 로베트(Llobet), 세고비아(Segovia), 푸졸(Pujol) 등 기타 연주 기술을 완성하고 기타를 다른 전통적인 솔로 악기와 동등한 수준으로 끌어올린 다른 사람들과 같이 대부분 스페인 사람들인 뛰어난 재능을 가진 기타 거장들이 많이 등장했습니다. 그리고 다시 첫 번째 전성기 시대와 마찬가지로 기타는 Turin, de Falla, Pons, Roussel 등과 같은 가장 저명한 작곡가들 사이에서 많은 친구들을 끌어들입니다.

우리나라에서는 6 현 기타와 함께 주로 3 현 시스템을 사용하는 7 현 기타와 같은 다양성이 널리 퍼졌습니다.

아코디언, 버튼 아코디언

리드 악기의 역사와 종류(아코디언, 버튼 아코디언 등)

아코디언은 벨로우즈에 의해 펌핑되는 공기 흐름의 작용으로 진동하는 얇은 판인 금속 갈대를 자유롭게 미끄러지면서 소리가 나는 악기입니다. 연주자는 왼손으로 벨로우즈를 제어하고 베이스와 코드 버튼을 눌러 오른손으로 연주하는 멜로디를 반주합니다.

러시아의 모스크바에는 세계에서 가장 훌륭하고 가장 광범위한 고조파 박물관이 있습니다(세계에는 4개의 박물관이 있습니다. 독일의 국립 고조파 박물관은 Klingenthal에, 이탈리아의 고조파 박물관은 Castelfidardo에 있습니다. 및 .Super Ior-Delucy의 미국 아코디언 박물관).

리드 악기 개발의 일반적인 역사

소리 추출의 리드 원리를 가진 최초의 알려진 악기는 고대 동부 Sheng(버마, 티베트, 라오스 및 중국에서 기원)입니다. 이 악기가 만들어진 정확한 날짜는 알 수 없지만 2,000년 이상 된 것으로 여겨집니다. 그것은 신성한 음악 연주에 적합한 "순수한" 악기로 간주되었습니다. 서기 700년경 셩이 개선되었습니다 대중적인 악기, 12개의 키로 연주할 수 있었고 이러한 악기에 대한 하모니 교과서가 만들어졌습니다.

러시아의 하모니카, 버튼 아코디언 및 아코디언의 출현

러시아에서 고조파의 출현은 XIX 세기의 40년대 초로 거슬러 올라갑니다. 에 표시된대로 인구의 특권층 문학적 출처, 해외에서 손으로 하모니카를 구입하고 농노를 통해 하모니카가 등장하여 마을에서 인기를 얻었습니다. Tula 무기 공장에 주문한 외국 장인이 하모니카를 수입 할 수 있다는 가정이 있습니다.
Tula 장인들 사이에서 gunsmith Sizov와 Shkunaev가 하모니카를 발명했다는 의견이있었습니다. 일부 보고서에 따르면 XIX 세기의 30 대에 생산되었습니다. 그러나 Tula 지방에서는 어떤 고조파가 있는지 알려지지 않았습니다. 문제의-순음 또는 수동에 대해.

고조파 장치에 대한 일반 정보

하모니카는 공기 흐름의 작용에 따라 진동하면서 자유롭게 미끄러지는 금속 혀 (목소리)로 재생되는 모든 악기라고 할 수 있습니다. 하모니카의 공기는 손 또는 발 벨로우즈(손 하모니카, 하모니움), 팬(오르가놀라, 오가넷)의 도움으로 공급되거나 연주자의 폐(입 하모니카)에 의해 내쉬고 흡입됩니다. 모든 현대 하모니카에서 리드는 프레임(섀시)이라고 하는 금속 베이스의 한쪽 끝을 리벳으로 고정합니다. 리벳이 달린 텅과 함께 프레임을 바라고 합니다.

Sheng (고노후이, 켄, 루셩)

Sheng은 버마, 티베트, 라오스 및 중국에서 시작된 하모니카 계열의 가장 오래된 악기 중 하나입니다. 고대 중국 원고(기원전 2-3천년)에 따르면 과학자들은 악기의 초기 이름인 Yu를 정했습니다. 그런 다음 제조에 사용되는 모양과 재료에 따라 chao, ho, sheng이라고 불리기 시작했습니다. chonofui 또는 gonofui (일본), ken (라오스), lusheng 및 hulusheng (중국 남서부)과 같은 다른 종류의 sheng도 알려져 있습니다. 러시아와 다른 유럽 국가에서 셩은 때때로 중국 구강 기관이라고 불렸습니다.

비벨하모니카, 오케스트라, 엘로디콘

소리 생성의 새로운 원리(미끄러지는 금속 혀)에 따라 제작된 최초의 악기가 유럽에 등장했을 때 오르간 제작자는 휴대용 오르간, 레갈리아, 포지티브(휴대용) 오르간 등과 같은 오래된 형태의 악기를 사용했습니다. 그러한 종류의 첫 번째 도구의 예에서.

신디사이저

하나 이상의 음파 발생기를 사용하여 소리를 합성하는 전자 악기. 전기 신호의 속성을 변경하거나(아날로그 신디사이저에서) 중앙 프로세서의 매개변수를 조정하여(디지털 신디사이저에서) 원하는 사운드를 얻을 수 있습니다.

건반과 함께 케이스 형태로 만들어진 신디사이저를 건반 신디사이저라고 합니다.
키보드가 없는 케이스 형태로 만들어진 신디사이저를 신디사이저 모듈이라고 하며 MIDI 키보드에서 제어합니다.
키보드 신디사이저에 시퀀서가 내장되어 있으면 워크스테이션이라고 합니다.
신디사이저의 종류:

사용된 기술에 따라 신디사이저는 여러 유형으로 나뉩니다.

아날로그 합성기는 가산 및 감산 유형의 합성을 구현합니다. 아날로그 신디사이저의 주요 특징은 사운드가 실제 전기 회로를 사용하여 생성되고 처리된다는 것입니다. 종종 다양한 합성 모듈의 연결은 특수 케이블(패치 와이어)을 사용하여 이루어지므로 "패치"는 음악가들 사이에서 신디사이저의 특정 음색에 대한 일반적인 이름입니다.

아날로그 신디사이저의 가장 큰 장점은 필터 차단 주파수의 움직임과 같이 시간이 지남에 따라 사운드 특성의 모든 변화가 매우 매끄럽게(지속적으로) 발생한다는 것입니다. 단점은 높은 수준의 노이즈를 포함하고 있으며 튜닝 불안정성 문제가 이제 극복되었습니다. 오늘날 사용되는 가장 유명한 아날로그 신디사이저는 Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6입니다.

버추얼 아날로그 신디사이저는 아날로그 신디사이저와 디지털 신디사이저의 하이브리드로 본체에 소프트웨어 구성 요소가 들어 있습니다. 그중 가장 유명한 것은 Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver입니다.

디지털 신디사이저에는 디지털 신디사이저 자체와 가상 신디사이저 플러그인/독립형 및 대화형 신디사이저와 같은 변형이 포함됩니다. 다양한 유형의 합성을 구현합니다. 원본 파형 생성 및 재생, 필터, 엔벨로프 등으로 사운드 수정 하나의 중앙 프로세서와 여러 개의 보조 프로세서를 기반으로 하는 디지털 장치가 사용됩니다.

사실 디지털 신디사이저는 고도로 전문화된 컴퓨터입니다. 개인용 컴퓨터와 같은 최신 디지털 신디사이저(Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros)의 최신 모델을 사용하여 업데이트할 수 있습니다. 운영 체제, 페이지 메뉴, 기본 제공 도움말 파일, 화면 보호기 등을 포함합니다.

버추얼 신디사이저는 디지털 신디사이저의 하위 집합이지만 특별한 종류의 소프트웨어입니다. 소리를 내기 위해서는 개인용 컴퓨터의 중앙처리장치와 RAM을 사용하고, 소리를 재생장치로 출력하기 위해서는 PC사운드카드를 사용한다.

버추얼 신디사이저는 호스트 프로그램 내부에서 실행되도록 설계된 특정 형식(VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA 등)의 독립 실행형 소프트웨어 제품 및 플러그인일 수 있으며, 일반적으로 다중 채널 레코더(Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour 등). 높은 가용성으로 인해 실제 악기 모델(예: Native Pro53 - Prophet 신디사이저 에뮬레이터, Novation V-Station - Novation K-Station 신디사이저 에뮬레이터, Korg Legacy - Korg M1 신디사이저 에뮬레이터, Wavestation)을 포함한 가상 신디사이저의 인기가 높아지고 있습니다. , 폴리식스, MS20 등).

>인터랙티브 또는 홈 신디사이저는 홈 및 살롱 아마추어 음악 제작 및 인터랙티브 음악 교육을 위해 특별히 설계된 다양한 디지털 신디사이저이기도 합니다. 일반적으로 이러한 신디사이저에는 실시간 컨트롤을 포함한 고급 사운드 편집 수단이 없습니다. 다양한 오케스트라 악기의 사실적인 모방과 자동 반주 기능 사용에 중점을 둡니다. 이 경우 연주자는 음악을 연주하기 위해 음성을 프로그래밍하거나 시퀀서에 파트를 녹음할 필요가 없습니다. 멜로디에 대한 기성 음성과 자동 반주에 대한 스타일을 선택하기만 하면 됩니다.

물론 이러한 신디사이저의 제어는 전문 공연 모델보다 훨씬 간단하며 종종 어린이도 접근할 수 있습니다. 이러한 유형의 많은 신디사이저에는 "음표 추측" 또는 "화음 추측"과 같은 교육용 게임, 듣기 및 학습을 위한 기성 음악 컬렉션, 화면에 가사를 표시하는 가라오케 기능 등이 포함됩니다. 이 신디사이저 범주에는 Yamaha PSR, Casio CTK/WK, Roland E/VA/EXR 제품군 등이 포함됩니다.

사운드 합성 유형:

음파를 생성하는 방법과 그 변형에 따라 소리 합성은 다음과 같이 분류할 수 있습니다.

주파수와 진폭이 다른 단순(일반적으로 정현파) 모양의 여러 파동의 중첩(중첩) 원리를 사용하는 합산(가산) 합성. 전기 기관과 유사하게 이러한 파동을 레지스터라고 하며 16'(채취한 것보다 한 옥타브 낮은 음), 8'(초기 음), 4'(채취한 것보다 한 옥타브 높은 음) 등으로 표시됩니다. (그림은 해당 오르간 레지스터의 파이프 길이(피트)입니다.) 순수한 형태로 전자 오르간(Hammond, Farfisa)과 디지털 에뮬레이터(Korg CX-3, Roland VK-8 등)에서 찾아볼 수 있습니다. 악기의 소리가 풍부할수록 구성에 더 많은 레지스터가 사용됩니다.

원본 임의 파형이 다양한 필터, 엔벨로프 생성기, 효과 프로세서 등을 통과할 때 음색이 변경되는 빼기(빼기) 합성. 하위 집합으로서 이러한 유형의 합성은 거의 모든 최신 신디사이저 모델에서 널리 사용됩니다.

간단한 형태의 여러 파동의 상호 작용(주파수 변조 및 합산)이 발생하는 연산자(FM, 영어 주파수 변조) 합성. 각 파동은 특성과 함께 연산자라고 하며, 연산자의 특정 구성이 알고리즘을 구성합니다. 신디사이저 설계에 사용되는 오퍼레이터가 많을수록 악기의 사운드가 더욱 풍부해집니다. 예를 들어 오늘날까지도 여전히 인기 있는 Yamaha DX-7 신디사이저(1984)에는 36개의 서로 다른 알고리즘으로 구성된 6개의 오퍼레이터가 있습니다.

강력한 프로세서의 사용으로 인해 실제 물리적 프로세스가 한 유형 또는 다른 악기에서 시뮬레이션되는 물리적 합성. 예를 들어, 플루트와 같은 바람 휘파람 악기의 경우 매개변수는 파이프의 길이, 프로필 및 직경, 공기 유량, 본체 재질입니다. 현악기의 경우 - 본체 크기, 재질, 현 길이 및 장력 등 물리적 합성은 Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion 등과 같은 악기에서 사용됩니다.

Wavetable(PCM) 합성, 이전에 악기의 메모리에 녹음된 실제 악기(샘플 및 멀티샘플)의 사운드 조각을 재생하여 사운드를 생성합니다. 이 그룹에서 가장 유명한 신디사이저는 세계에서 가장 비싼 신디사이저로도 알려진 Waldorf Wave입니다.

예를 들어 "합산 + 빼기", "파동 + 빼기", "연산자 + 빼기" 등과 같이 서로 다른 사운드 합성 방법의 하나 또는 다른 조합을 사용하는 하이브리드 합성 대부분의 최신 악기는 가장 넓은 범위에서 음색을 변화시키는 매우 강력한 도구를 가지고 있기 때문에 하이브리드 합성을 기반으로 만들어집니다.

최신 신디사이저 제어:

현대의 전문 신디사이저 제어는 사운드의 특정 측면을 담당하는 수백 또는 수천 개의 다양한 매개변수 제어와 관련된 복잡한 프로세스입니다. 일부 매개변수는 회전 노브, 휠, 페달, 버튼을 사용하여 실시간으로 제어할 수 있습니다. 다른 매개변수는 특정 특성의 시간에 대해 사전 프로그래밍된 변경에 사용됩니다. 이와 관련하여 디지털 신디사이저의 음색(패치)은 종종 프로그램이라고도 합니다.

키보드 및 동적 추적은 키 입력의 위치와 속도를 추적하는 데 사용됩니다. 예를 들어 낮은 건반에서 높은 건반으로 이동할 때 음색이 첼로에서 플루트로 부드럽게 바뀔 수 있으며, 건반을 더 세게 누르면 팀파니가 전체 사운드에 추가됩니다.

엔벨로프는 사운드의 특정 매개변수를 비주기적으로 변경하는 데 사용됩니다. 일반적으로 엔벨로프 그래프는 어택(Attack), 디케이(Decay), 서포트(Sustain) 및 디케이(Release)로 구성된 파선이지만(ADSR 엔벨로프 참조) 다양한 신디사이저 모델에서 더 간단하게 발견됩니다( ADR )뿐만 아니라 더 복잡한 다단계 봉투. 총 Envelope은 신디사이저의 중요한 특성입니다.

필터는 전체 신호 스펙트럼에서 특정 주파수 대역을 잘라내는 데 사용됩니다. 종종 필터에는 공진도 장착되어 차단 경계에서 주파수 대역을 급격히 증가시킬 수 있습니다. 실시간 제어, 키보드 트래킹 및/또는 엔벨로프를 사용하여 필터 특성을 변경하면 매우 다양한 사운드 옵션을 얻을 수 있습니다. 총 필터 수는 신디사이저의 중요한 특성입니다.

링 변조기를 사용하면 원래 신호를 특정(고정 또는 부동) 주파수를 가진 다른 신호로 변조할 수 있으므로 고조파가 크게 강화됩니다. "Ring"(eng. "call")이라는 이름은 이 노드가 종종 악기의 "종과 같은" 소리를 얻는 데 사용된다는 사실 때문입니다.

Low Frequency Oscillator는 피치, 볼륨, 필터 차단 주파수 등과 같은 사운드의 특정 매개변수를 주기적으로 변경하는 데 사용됩니다. 볼륨이 주기적으로 변경되는 경우 트레몰로 효과가 생성되고, 피치가 변경되면 비브라토 효과가 생성되며, 필터 차단 주파수가 주기적으로 변경되는 것을 "와와" 효과라고 합니다.

효과 처리는 사운드를 마무리하는 데 사용됩니다. 최신 신디사이저에는 일반적으로 상당히 많은 수의 효과 프로세서가 장착되어 있습니다(예: Korg Karma - 8 프로세서, Roland Fantom - 6 프로세서 등). 프로세서는 서로 독립적으로 작동하지만 원하는 경우 직렬 회로로 결합할 수 있습니다. 최신 효과 프로세서는 많은 수의 공간(리버브, 지연, 에코), 변조(플랜지, 코러스, 페이저) 및 기타(오버앰프, 주파수 편이, 고조파 농축) 효과 알고리즘을 구현합니다.

가장 진보된 모델에는 실시간 컨트롤, 엔벌로프, LFO 등에서 효과 매개변수를 제어하는 수단이 있습니다.

현대 피아노의 역학은 17세기 말 이탈리아 거장 크리스토포리에 의해 발명되었습니다. 공식 날짜- 좋아요. 1709), 그의 디자인에서 망치는 현 아래에 있었습니다. 이 악기는 그라비쳄발로 콜 피아노 에 포르테(gravicembalo col piano e forte, - 피아노포르테)라고 불렸고 나중에 피아노의 이름이 고정되었습니다.

Cristofori의 발명은 영국 시스템의 역학 개발의 시작을 알렸습니다. 다른 유형의 역학은 프랑스의 Marius(1716)와 독일의 Schroeter(1717-21)에 의해 개발되었습니다. 세바스찬 에라르(Sebastian Erard)는 이중 리허설 메커니즘을 발명했는데, 이는 키를 반쯤에서 다시 빠르게 눌러 사운드를 추출할 수 있도록 했습니다. 영어 시스템의 역학에서 이러한 반복은 키를 완전히 올린 경우에만 가능했습니다.

러시아에서 피아노 사업은 주로 상트페테르부르크와 관련이 있었습니다. 18세기에만 50명이 넘는 피아노 대가들이 그곳에서 일했습니다. 19세기 전반에 피아노 공장 생산의 발전은 러시아 최초의 피아노 제조업체, 황실 공급업체, 영국 마스터 G. Faverier, 독일 마스터 I.-A. Tischner, K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I.-F. Schroeder 및 1840년부터 벨기에 G.-G. Lichtental. 현재까지 1917년 혁명 이전에 러시아에서 일했던 600명 이상의 피아노 마스터의 이름이 알려져 있으며, 문헌학 후보자인 상트페테르부르크 음악원의 피아노 마스터인 Sergeev M. V.가 이 연구에 참여하고 있습니다.
19세기 중반에 J. Blutner, K. Bechstein의 공장이 독일, 미국에 문을 열었습니다. 오랜 세월견줄 나위 없는.
20세기에는 근본적으로 새로운 악기인 전자 피아노와 신디사이저, 그리고 특별한 형태의 음향 제작인 준비된 피아노가 등장했습니다.

피아노를 위해 특별히 작곡된 첫 번째 음악은 1732년에 등장했습니다(Lodovico Giustini의 소나타). 그러나 작곡가들은 하이든과 모차르트 시대인 40~50년 후 집단적으로 하프시코드보다는 피아노에 집중하기 시작했습니다.

피아노는 그랜드 피아노(가로 현이 있는 악기)와 업라이트 피아노로 나뉩니다. 알려진 최초의 수직 피아노는 K.-E. Friederici(독일 게라)가 1745년에 만든 것으로 알려져 있습니다. 1748년에 그러한 G. Silbermann도 같은 악기를 만들었습니다. 수직 피아노의 종류 - 피라미드형, 피아노 거문고, 피아노 국, 피아노 하프 등 19세기 중반부터 피아노와 그랜드 피아노만 생산되었습니다.

피아노의 소리는 망치로 현을 두드려 소리를 냅니다. 현은 공진 데크에 접착된 고음 및 저음 페그를 통과하는 핀(페그)의 도움으로 주철 프레임에 늘어납니다(피아노에서 데크는 그랜드 피아노에서 수직 위치에 있습니다. 수직적 지위). 각 소리에는 현의 합창단이 있습니다. 중간 및 고음에는 3개, 저음에는 2개 또는 1개가 있습니다. 대부분의 피아노의 범위는 A 서브컨트록타브에서 5번째 옥타브까지 88반음입니다(오래된 악기는 위에서 4번째 옥타브의 A 음표로 제한될 수 있습니다. 더 넓은 범위의 악기를 찾을 수 있습니다). 중립 위치에서 마지막 1.5옥타브에서 2옥타브를 제외한 현은 댐퍼(머플러)와 접촉합니다. 건반을 누르면 피아노 역학이라고 하는 레버, 스트랩 및 해머 장치가 활성화됩니다. 누른 후 댐퍼는 현이 자유롭게 소리를 낼 수 있도록 해당 현 합창단을 떠나고 펠트 (펠트)로 덮힌 해머가 현을칩니다.
피아노 페달
현대 피아노에는 페달이 2개 또는 3개(최신 모델에는 4개 있음)가 있습니다. 이전 악기에서는 접을 수 있는 레버가 피아니스트가 무릎으로 눌러야 하는 같은 목적으로 사용되었습니다.
오른쪽 페달(가장 자주 사용되기 때문에 간단히 "페달"이라고도 함)은 모든 댐퍼를 한 번에 올리므로 건반에서 손을 떼면 해당 현이 계속 소리를 냅니다. 또한 악기의 다른 모든 현도 진동하기 시작하여 2차 음원이 됩니다. 오른쪽 페달은 기술적인 어려움으로 인해 손가락으로 연주할 수 없는 추출된 사운드의 시퀀스를 분리할 수 없게 만드는 것(레가토 연주)과 새로운 배음으로 사운드를 풍부하게 하는 두 가지 목적으로 사용됩니다. 페달을 사용하는 방법에는 두 가지가 있습니다. 다이렉트 페달 - 키를 누르기 전에 페달을 밟아 홀드 상태를 유지하고, 지연 페달은 키를 누른 직후와 발을 떼기 직전에 페달을 밟는 것입니다. 악보에서 이 페달은 문자 P(또는 약어 Ped.)로 표시되며 제거는 별표로 표시됩니다. 낭만주의와 인상주의 시대의 작곡가들의 음악에서 이러한 지정은 일반적으로 사운드에 특별한 풍미를 부여하기 위해 종종 발견됩니다.
왼쪽 페달은 사운드를 감쇠시키는 데 사용됩니다. 그랜드 피아노에서는 해머를 오른쪽으로 이동하여 합창단의 현 3개 대신 현 2개만 칩니다(예전에는 때로는 하나만 쳤습니다). 피아노에서는 해머가 현에 더 가깝게 움직입니다. 이 페달은 훨씬 덜 자주 사용됩니다. 악보에서는 una corda로 표시되고 제거되면 tre corde 또는 tutte le corde로 표시됩니다. 소리를 감쇠시키는 것 외에도 피아노를 연주할 때 왼쪽 페달을 사용하면 소리를 부드럽게 하고 풀린 합창 현의 진동으로 인해 더 따뜻하고 아름답게 만들 수 있습니다.
중간(또는 역사적으로 마지막에 추가된 세 번째) 페달 또는 소스테누토 페달은 댐퍼를 선택적으로 올리는 역할을 합니다. 중간 페달을 밟으면 건반을 눌렀을 때 올라간 댐퍼가 페달을 뺄 때까지 올라간 상태를 유지합니다. 오른쪽 페달과 마찬가지로 레가토 연주에 사용할 수 있지만 다른 현의 진동으로 소리를 풍부하게 만들지는 못합니다. 이 페달은 오늘날 대부분의 피아노에는 없고 대부분의 그랜드 피아노에 있습니다. 중간 페달이 왼쪽으로 "미끄러져" 고정되는 피아노가 있으며, 해머와 현 사이에 특수 천이 배치되어 소리가 매우 조용해져 음악가가 연주할 수 있습니다. 밤에.
피아노는 솔로 악기로 사용하거나 오케스트라와 함께 사용할 수 있습니다(예: 오케스트라와 함께하는 피아노 협주곡). 피아노 연주는 좋은 기술, 관심 및 헌신이 필요한 활동입니다. 에서 교육을 시작하는 것이 좋습니다. 어린 시절. 어린이 음악 학교(DMSh) 러시아에서 교육은 프로그램에 따라 5년 또는 7년이 걸리며 일부 학생들은 음악 학교에 입학하기 전에 졸업 후 추가로 1년 또는 2년 동안 머무릅니다. 음악 학교 또는 이와 동등한 교육을 마친 후 음악 학교 또는 대학에서 공부를 계속한 다음 음악원, 대학에서 계속 공부할 수 있습니다. 전문 피아니스트. 음악 학교에서 일반 피아노는 거의 모든 전공의 필수 과목이기도 합니다. 뛰어난 피아니스트 XX 세기 - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould 등.
피아노는 시간이 지남에 따라 악기 현의 장력이 약해지기 때문에 올바른 유지 관리와 정기적인 조율이 필요합니다. 튜닝 빈도는 기기의 등급, 제조 품질, 연식, 유지 보수 및 작동 조건에 따라 다릅니다. 일반적으로 튜닝은 연주자가 직접 수행하는 것이 아니라 피아노 마스터 튜너 전문가가 수행하지만 이론적으로는 전자 튜너가 있고 각 현의 정확한 주파수 특성을 알고 있으면 누구나 할 수 있습니다. 그가 음악적 귀가 없더라도 튜닝.
Delphic Games의 후보 중 하나입니다.