음악적 낭만주의는 공통적인 특징이다. 낭만주의 시대의 음악 예술-모스크바 예술 극장에서 발표

음악은 낭만주의 미학에서 특별한 위치를 차지했습니다. 그것은 그 특이성으로 인해 영혼의 움직임을 가장 완벽하게 표현할 수 있기 때문에 예술의 모든 영역에 대한 모델이자 표준으로 선언되었습니다."말이 끝나면 음악이 시작됩니다"(G. Heine).

초기에 발전된 방향으로서의 음악적 낭만주의XIX문학, 회화 및 연극의 다양한 경향과 밀접하게 관련되어 발전했습니다. 첫 단계음악적 낭만주의는 F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini의 작품으로 대표됩니다. 다음 단계 (1830-50s) - F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi의 작품. 낭만주의의 후기는 끝을 향한다XIX세기. 따라서 문학과 회화에서 낭만적인 방향은 기본적으로 중도에 이르면 완성된다.XIX수세기 동안 유럽에서 음악적 낭만주의의 삶은 훨씬 더 깁니다.

안에 뮤지컬 낭만주의, 다른 형태의 예술과 문학에서와 마찬가지로 속물주의와 속물주의의 정신이 스며 든 아름답고 달성 할 수없는 이상의 세계와 일상 생활의 반대는 한편으로는 비극적 동기의 지배인 극적인 갈등을 일으켰습니다. 외로움, 절망, 방황 등 먼 과거, 민속 생활, 자연의 이상화와 시화. 사람의 마음의 상태와 마찬가지로 낭만주의 작품의 자연은 대체로 부조화감으로 물들어 있다.

다른 낭만주의자들과 마찬가지로 음악가들은 감정이 마음보다 영혼의 더 깊은 층이라고 확신했습니다."마음은 틀렸어, 감정은 - 절대" (R. 슈만).

낭만주의 음악에 내재된 인간의 개성에 대한 특별한 관심은개인적인 어조 . 개인 드라마의 공개는 종종 낭만주의 사이에서 의미를 얻었습니다.자서전, 음악에 특별한 진정성을 불어넣은 사람. 그래서 예를 들어 많은 피아노 작품 Schumann은 Clara Wieck에 대한 그의 사랑 이야기와 관련이 있습니다. Berlioz는 자서전 "Fantastic"교향곡을 썼습니다. 바그너는 그의 오페라의 자전적 성격을 강하게 강조했다.

매우 자주 "서정적 고백"이라는 주제와 얽혀 있습니다.자연 테마 .

낭만주의 작곡가의 진정한 발견은판타지 테마. 순전히 음악적 수단으로 멋진 환상적인 이미지를 구현하는 법을 처음으로 배웠습니다. 오페라에서XVII - XVIII수세기에 걸친 "기괴한" 캐릭터(모차르트의 "밤의 여왕"과 같은) 마술피리”) 실제 사람들의 배경에서 거의 눈에 띄지 않는 "일반적으로 허용되는"음악 언어로 말했습니다. 낭만주의 작곡가들은 환상의 세계를 완전히 구체적인 것으로 전달하는 법을 배웠습니다(특이한 오케스트라와 조화로운 색상의 도움을 받아). 눈에 띄는 예는 Weber의 Magic Shooter의 "Wolf Gulch Scene"입니다.

만약에 XVIII세기는 노래, 작곡, 다양한 악기 연주에 똑같이 능숙한 보편적 유형의 거장 즉흥 연주자의 시대였습니다.XIX세기는 거장 피아니스트 (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms)의 예술에 대한 전례없는 열정의 시간이었습니다.

낭만주의 시대는 "세계의 음악 지리학"을 완전히 바꿔 놓았습니다. 유럽인들의 민족적 자의식의 적극적인 각성의 영향으로 러시아·폴란드·헝가리·체코·노르웨이의 젊은 작곡가학교들이 국제음악무대에 진출하였다. 국가 문학, 역사, 자연, 토착 민속의 억양과 리듬에 의존했습니다.

음악적 낭만주의의 큰 특징은 음악에 대한 관심이다.민속 예술 . 민속을 희생시키면서 풍부하고 업데이트 된 낭만적 인 시인처럼 문학적 언어, 음악가들은 민요, 발라드, 서사시 (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg 등)와 같은 국가 민속으로 널리 전환되었습니다. 국가 문학, 역사, 자연의 이미지를 구현하여 국가 민속의 억양과 리듬에 의존하여 오래된 온음계를 되살립니다.민속의 영향으로 유럽 음악의 내용은 극적으로 변했습니다.

새로운 테마와 이미지에는 낭만주의 개발이 필요했습니다.음악 언어의 새로운 수단 그리고 형성의 원리, 멜로디의 개별화 및 음성 억양의 도입, 음색의 확장 및 음악의 조화로운 팔레트(천연 프렛, 장조와 단조의 다채로운 병치 등).

낭만주의의 초점은 더 이상 인류 전체가 아니라 각각 고유한 감정을 가진 특정한 사람이기 때문에그리고 표현 수단에서 일반은 점점 더 개별적으로 고유한 개인에게 자리를 내어주고 있습니다. 멜로디에서 일반화된 인토네이션의 비율, 화성에서 일반적으로 사용되는 코드 진행, 질감의 전형적인 패턴이 감소하고 있습니다. 이 모든 수단이 개별화되고 있습니다. 오케스트레이션에서 앙상블 그룹의 원칙은 거의 모든 오케스트라 보이스의 솔로잉에 영향을 미쳤습니다.

가장 중요한 포인트미학 음악적 낭만주의는예술 합성의 아이디어 , Wagner의 오페라 작품과프로그램 음악 베를리오즈, 슈만, 리스트.

낭만주의 작곡가 작품의 음악장르

로맨틱 음악에는 세 가지 장르 그룹이 분명히 등장합니다.

• 고전주의 예술에서 하위 위치를 차지한 장르(주로 노래와 피아노 미니어처);
• 이전 시대의 낭만주의가 인식한 장르(오페라, 오라토리오, 소나타-심포니 사이클, 서곡);
• 자유롭고 시적인 장르(발라드, 판타지, 랩소디, 교향시). 그들에 대한 관심은 자유로운 자기 표현, 이미지의 점진적인 변형에 대한 낭만적 인 작곡가의 욕구로 설명됩니다.

전경 음악 문화낭만주의 옹호자노래 아티스트의 내면 깊은 생각을 표현하기에 가장 적합한 장르로(반면 작곡가의 전문적인 작업에서는XVIII세기, 서정적 인 노래는 겸손한 역할을 맡았습니다. 주로 여가를 채우는 데 사용되었습니다). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg 등은 노래 분야에서 일했습니다.

전형적인 낭만주의 작곡가는 마음의 요청에 따라 매우 직접적이고 자발적으로 창작합니다. 세계에 대한 낭만적인 이해는 현실에 대한 일관된 철학적 파악이 아니라 예술가의 영혼을 건드린 모든 것에 대한 즉각적인 고착입니다. 이와 관련하여 낭만주의 시대에 장르가 번성했습니다.미니어처 (독립적이거나 한 주기의 다른 미니어처와 결합). 이것은 노래와 로맨스뿐만 아니라 악기 구성도-음악적 순간, 즉흥곡, 전주곡, 연습곡, 야상곡, 왈츠, 마주르카(민속 예술에 대한 의존과 관련하여).

많은 낭만적인 장르는 시, 즉 시적 형식에 기원을 두고 있습니다. 소네트, 단어없는 노래, 단편 소설, 발라드가 있습니다.

낭만주의 미학의 주요 아이디어 중 하나 인 예술의 종합 아이디어는 자연스럽게 오페라 문제를 관심의 중심에 두었습니다. 거의 모든 낭만주의 작곡가들은 드문 예외(브람스)를 제외하고는 오페라 장르로 전환했습니다.

낭만주의에 내재된 개인적이고 비밀스러운 표현 톤은 교향곡, 소나타, 4중주 등 고전 장르를 완전히 변형시킵니다. 그들은 받는다심리적이고 서정적이며 극적인 해석. 많은 낭만적인 작품의 내용은프로그램 작성 (피아노 사이클슈만, 리스트의 방황의 해, 베를리오즈의 교향곡, 멘델스존의 서곡).

프랑스 국민 낭만주의

18세기 말과 19세기 초에 등장한 예술 운동. 처음에는 문학(독일, 영국, 기타 유럽 및 미국 국가)에서, 그 다음에는 음악 및 기타 예술에서. "낭만주의"의 개념은 "낭만적"이라는 별명에서 나옵니다. 18세기 이전 그는 로맨스 언어(즉, 고대 고대 언어가 아닌)로 쓰여진 문학 작품의 몇 가지 특징을 지적했습니다. 이들은 로맨스 (스페인 로맨스)와 기사에 관한시와 소설이었습니다. 콘에서. 18 세기 "로맨틱"은 보다 광범위하게 이해됩니다. F. Blume은“낭만주의는 최근과 먼 과거부터 좋아했던 모든 것을 낭만적으로 표현했습니다. 그들은 단테와 W. 셰익스피어, P. 칼데론과 M. 세르반테스, J. S. 바흐와 J. W. 괴테의 작품을 고대에 "그들 자신의 것"으로 인식합니다. 그들은 또한 박사의 시에 매료되었습니다. 동부 및 중세 minnesingers. 위에서 언급 한 기능을 바탕으로 F. Schiller는 그의 "Maid of Orleans"를 "낭만적 인 비극"이라고 불렀고 Mignon과 Harper의 이미지에서 그는 괴테의 "Wilhelm Meister의 가르침의 해"의 낭만주의를 봅니다.

낭만주의 문학 용어 Novalis에서 다음과 같이 처음 나타납니다. 음악 용어- E. T. A. 호프만. 그러나 내용상 해당 소명과 크게 다르지 않습니다. 낭만주의는 명확하게 정의된 프로그램이나 스타일이 아닙니다. 이것 넓은 원역사적 상황, 국가, 예술가의 이익이 특정 악센트를 만들고 다양한 목표와 수단을 결정하는 이데올로기 및 미적 경향. 그러나 형식이 다른 낭만주의 미술도 사상적 입장과 양식에 있어서 중요한 공통적 특징을 가지고 있다.

계몽주의로부터 많은 진보적 특징을 물려받은 낭만주의는 동시에 계몽 자체와 전체 새로운 문명의 성공에 대한 깊은 실망과 관련이 있습니다. 대왕의 결과를 아직 알지 못한 초기 낭만주의자들을 위해 프랑스 혁명, 실망스러운 것은 삶을 합리화하는 일반적인 과정, 평균적인 냉정한 "이성"과 영혼없는 실용성에 대한 종속이었습니다. 미래에, 특히 제국과 유신 시대에 낭만주의 지위의 사회적 의미, 즉 그들의 반 부르주아가 점점 더 명확하게 설명되었습니다. F. Engels에 따르면, "이성의 승리에 의해 설립된 공공 및 정치 제도는 계몽주의자들의 찬란한 약속을 사악하고 몹시 실망스럽게 풍자화한 것으로 판명되었습니다"(Marx K. and Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, 387쪽).

낭만주의 작품에서 성격의 갱신, 영적 힘과 아름다움의 확인은 속물 영역의 노출과 결합됩니다. 본격적인 인간, 창의적은 평범하고 사소하며 허영심, 허영심, 사소한 계산에 빠져 있습니다. Hoffmann과 J. Byron, V. Hugo와 George Sand, H. Heine, R. Schumann 시대에는 부르주아 세계에 대한 사회적 비판이 낭만주의의 주요 요소 중 하나가 되었습니다. 영적 갱신의 원천을 찾기 위해 낭만 주의자들은 종종 과거를 이상화하고 영감을 주려고 노력했습니다. 새로운 삶종교 신화 속으로. 따라서 낭만주의의 일반적인 진보적 지향과 자체 채널에서 발생한 보수적 경향 사이에 모순이 생겼습니다. 낭만적인 음악가의 작업에서 이러한 추세는 눈에 띄는 역할을 하지 않았습니다. 그들은 주로 일부 작품의 문학적 및 시적 모티프에서 나타 났지만 그러한 모티프의 음악적 해석에서는 일반적으로 살아있는 실제 인간 원칙이 더 중요했습니다.

19세기 후반에 가시적으로 나타난 음악적 낭만주의는 역사적으로 새로운 현상이면서 동시에 고전음악과의 깊은 연속적 관계를 드러냈다. 이전 시대의 뛰어난 작곡가들의 작품(빈의 고전뿐만 아니라 16, 17세기의 음악도 포함)은 높은 예술적 지위를 기르는 데 버팀목이 되었다. 낭만주의의 모델이 된 것은 바로 이런 종류의 예술이었습니다. 슈만에 따르면 "오직 이 순수한 원천만이 새로운 예술의 힘을 키울 수 있습니다"("On Music and Musicians", vol. 1, M., 1975, p. 140). 그리고 이것은 이해할 수 있습니다. 세속 살롱의 음악적 유휴 대화, 무대의 화려한 기교 및 오페라 무대, 장인 음악가의 무관심한 전통주의.

포스트 바흐 시대의 뮤지컬 클래식은 그 내용과 관련하여 음악적 낭만주의의 기반이 되었다. 감정의 요소가 점점 더 자유롭게 표현되는 C.F.E. 이러한 열망은 18세기 후반의 많은 음악가들을 관련시켰다. Sturm und Drang 문학 운동과 함께. K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, 특히 낭만적 인 창고의 예술가로서 L. Beethoven에 대한 Hoffmann의 태도는 매우 자연 스럽습니다. 이러한 평가는 낭만적 인식에 대한 편애뿐만 아니라 18세기 후반과 19세기 초의 주요 작곡가들에게 실제로 내재된 "전낭만주의"의 특징에 대한 관심을 반영했습니다.

음악적 낭만주의는 역사적으로 "예니안"과 "하이델베르크" 낭만주의자들(W. G. Wackenroder, Novalis, 형제 F. 및 A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. . Arnim, C. Brentano 및 기타), 그들과 가까운 작가 Jean Paul, 나중에 영국의 Hoffmann, 소위 시인들로부터. "호수 학파"(W. Wordsworth, S. T. Coleridge 등)는 이미 낭만주의의 일반 원칙을 완전히 발전시켰고, 그 후에는 자신만의 방식으로 음악으로 해석되고 발전되었습니다. 미래에 뮤지컬 낭만주의는 Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz 등과 같은 작가들의 영향을 크게 받았습니다.

낭만주의 음악가의 창작의 가장 중요한 영역은 가사, 환상, 민속 및 민족 고유, 자연, 특성입니다.

로맨틱에서 가사의 가장 중요한 중요성. 특히 음악의 예술은 그에 의해 근본적으로 입증되었습니다. R. 이론가 그들에게 "낭만적"은 주로 "음악적"입니다 (음악의 예술 계층 구조에서 가장 영예로운 장소가 주어짐). 그것에. 그러므로 음악은 가사다. 추상적인 철학적 측면에서 문학의 이론에 따르면. R., 사람이 "우주"와 함께 "세계의 영혼"과 합쳐질 수 있습니다. 구체적인 삶의 측면에서 음악은 본질적으로 산문의 대척점입니다. 현실, 그것은 사람, 그의 영적 부, 그의 삶과 열망에 대해 가장 완전하게 말할 수있는 마음의 목소리입니다. 그래서 뮤즈의 가사 분야에서. R.은 가장 밝은 단어에 속합니다. 낭만주의 음악가들이 이룩한 서정성, 즉각성과 표현성, 서정성의 개별화는 새로웠다. 진술, 심리적 전달. 모든 단계에서 새롭고 귀중한 디테일로 가득 찬 느낌의 개발.

산문과 대조되는 소설. 현실은 가사와 비슷하며 종종 특히 음악에서 후자와 얽혀 있습니다. 그 자체로 환상은 R에 똑같이 필수적인 다양한 측면을 드러냅니다. 환상은 상상의 자유, 생각과 감정의 자유로운 유희, 그리고 동시에 역할을 합니다. 지식의 자유로서 "이상한", 훌륭하고 알려지지 않은 세계로 대담하게 돌진합니다. 마치 속물 실용성에 도전하는 것처럼 비참한 "상식"입니다. 환상도 낭만적인 아름다움의 일종이다. 동시에 SF는 간접적인 형태로(따라서 최대의 예술적 일반화를 통해) 아름다움과 추함, 선과 악을 충돌시키는 것을 가능하게 합니다. 예술에서. R.은 이 분쟁의 발전에 큰 공헌을 했습니다.

"외부"의 삶에 대한 낭만주의의 관심은 민속 및 국가 정체성, 자연, 특성과 같은 개념의 일반적인 개념과 불가분의 관계가 있습니다. 주변 현실에서 잃어버린 진정성, 우위성, 무결성을 재창조하려는 욕망이었습니다. 따라서 역사, 민속, 자연 숭배에 대한 관심은 "세계의 영혼"의 가장 완전하고 왜곡되지 않은 구체화로 원초적인 것으로 해석됩니다. 낭만적 인 사람에게 자연은 문명의 문제에서 피난처이며 불안한 사람을 위로하고 치유합니다. 낭만주의는 지식과 예술에 큰 공헌을 했습니다. 사람들의 부흥 과거 시대의시와 음악, "먼"국가. T. Mann에 따르면, R.은 “과거에 대한 동경이자 동시에 고유한 지역적 색채와 분위기로 실제로 존재했던 모든 것에 대한 독창성에 대한 권리에 대한 현실적인 인식”(Coll. soch., v . 10, M., 1961, p. 322), 18세기 영국에서 시작되었다. 전국 컬렉션 민속학은 19세기에도 계속되었습니다. W. 스콧; 독일에서는 이층 침대의 보물을 처음으로 수집하고 공개한 것은 낭만주의자였습니다. 그들의 나라의 창의성 (L. Arnim 및 K. Brentano "The Magic Horn of a Boy", "Children 's and Family Tales", Grimm 형제의 컬렉션) 큰 중요성그리고 음악을 위해. 국민의 충실한 전승을 바라는 마음. 기예. 스타일 ( "로컬 컬러") - 다른 나라와 학교에서 온 낭만적 인 음악가의 공통된 특징. 음악에 대해서도 마찬가지입니다. 풍경. 작곡가 18 - 초기에 의해이 영역에서 생성되었습니다. 19세기 낭만주의를 훨씬 능가합니다. 음악에서 자연의 구체화 인 R.은 이전에 알려지지 않은 비 유적 구체성에 도달했습니다. 이것은 새로 발견된 표현에 의해 제공되었습니다. 주로 화음 및 오케스트라 음악 수단 (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

"특성"은 어떤 경우에는 독창적이고 통합적이며 독창적이고 다른 경우에는 이상하고 편심하며 희화화 된 것으로 낭만주의를 끌었습니다. 특성을 알아차린다는 것은 평범한 인식의 회색 베일을 뚫고 현실적이고 기이하게 다채롭고 들끓는 삶을 접하는 것을 의미합니다. 이 목표를 위해 노력하면서 낭만주의 예술의 전형이 밝혀졌습니다. 그리고 음악. 초상화. 이러한 주장은 종종 작가의 비평과 결부되어 패러디적이고 그로테스크한 ​​초상화의 창작으로 이어졌다. Jean Paul과 Hoffmann에서 특징적인 초상화 스케치 경향은 Schumann과 Wagner로 전달됩니다. 러시아에서는 낭만적인 영향 없이는 아닙니다. 음악 전통. 초상화는 작곡가 nat 사이에서 개발되었습니다. 현실적인. 학교 - A. S. Dargomyzhsky에서 M. P. Mussorgsky 및 N. A. Rimsky-Korsakov까지.

R.은 세계의 해석과 전시에서 변증법의 요소를 발전시켰고, 이 점에서 그와 동시대인에 가깝습니다. 고전 철학. 소송에서 개인과 일반의 관계에 대한 이해가 높아집니다. F. Schlegel에 따르면 낭만적입니다. 시는 "보편적"이며 "예술의 가장 위대한 체계에서 다시 전체 체계를 포함하는 한숨과 키스에 이르기까지 시적인 모든 것을 포함합니다. Jugendschriften”, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). 숨겨진 내선으로 무제한 다양성. 단결 - 예를 들어 낭만주의가 중요하게 여기는 것입니다. 세르반테스의 돈키호테에서; F. Schlegel은 이 소설의 잡다한 구조를 "생명의 음악"이라고 부릅니다(ibid., p. 316). 이것은 "열린 지평"이있는 소설입니다. A. Schlegel이 메모합니다. 그의 관찰에 따르면 세르반테스는 "마치 그가 정교한 음악가인 것처럼" "끝없는 변주"에 의지합니다(A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). 그런 예술. 위치는 otd에 대해 특별한 주의를 기울입니다. 공통 개념 생성에 대한 인상 및 연결. 음악에서 직접. 쏟아지는 감정은 철학적이되고 풍경, 춤, 장르 장면, 초상화는 서정으로 가득 차 일반화로 이어집니다. R.은 N. Ya. Berkovsky가 "삶의 직접적인 흐름"( "Romanticism in Germany", Leningrad, 1973, p. 31)이라고 부르는 삶의 과정에 특별한 관심을 보입니다. 이것은 음악에도 적용됩니다. 낭만주의 음악가들은 원래 생각의 끝없는 변형, "끝없는" 발전을 위해 노력하는 것이 일반적입니다.

R.은 모든 주장에서 단일 의미와 단일 장을 보았기 때문입니다. 목표는 삶의 신비한 본질과 합쳐지는 것이며 예술의 합성이라는 아이디어는 새로운 의미를 얻었습니다. “한 예술의 미학은 다른 예술의 미학입니다. 재료만 다를 뿐입니다. 그러나 "다른 재료"의 조합은 예술적 전체의 인상적인 힘을 증가시킵니다. 음악과 시, 연극, 회화의 깊고 유기적인 융합 속에서 예술의 새로운 가능성이 열렸습니다. 악기 분야에서. 음악, 프로그래밍 가능성의 원리는 중요한 역할을 얻습니다. 즉, 작곡가의 아이디어와 음악을 인식하는 과정 모두에 포함됩니다. 및 기타 협회.

R.은 특히 독일과 오스트리아의 음악에서 널리 나타납니다. 초기 단계 - F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner의 작업; 주로 F. Mendelssohn-Bartholdy 및 R. Schumann에 의해 주로 Leipzig 학교에 의해; 2층에서. 19 세기 - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. 프랑스에서 R.은 이미 A. Boildieu와 F. Aubert의 오페라에 출연했으며 Berlioz의 훨씬 더 발전되고 독창적인 형태로 등장했습니다. 이탈리아의 낭만 경향은 G. Rossini와 G. Verdi에서 눈에 띄게 반영되었습니다. 일반적인 유럽 가치는 폴란드 컴퓨터의 작업을 받았습니다. F. 쇼팽, 훙. - F. Liszt, 이탈리아어. - N. Paganini (리스트와 파가니니의 작품은 또한 낭만적인 공연의 정점이었습니다), 독일어. - J. 마이어베어.

국가의 조건에서 R. 학교는 공통점이 많고 동시에 아이디어, 플롯, 좋아하는 장르 및 스타일에서 눈에 띄는 독창성을 보여주었습니다.

30대에. 존재가 발견되었습니다. 그 사이의 불일치. 그리고 프랑스어 학교. 문체의 허용 가능한 측정에 대한 다른 아이디어가 있습니다. 혁신; 미학의 허용 가능성에 대한 질문도 논란이되었습니다. "군중"의 취향을 만족시키기 위한 예술가의 타협. Berlioz의 혁신에 반대하는 사람은 온건 한 "클래식-로맨틱"스타일의 규범을 확고하게 옹호 한 Mendelssohn이었습니다. 그럼에도 불구하고 Berlioz와 Liszt를 열렬히 옹호했던 Schumann은 그에게 프랑스의 극단으로 보이는 것을 받아들이지 않았습니다. 학교; 그는 Fantastic Symphony의 저자보다 훨씬 더 균형 잡힌 Chopin, Mendelssohn 및 A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett 및이 작곡가와 가까운 다른 사람들을 선호했습니다. 그의 화려한 연극, 선동과 성공 추구. 반대로 Heine과 Berlioz는 작가의 "Huguenots"역학을 높이 평가합니다. 음악 극 법. Wagner는 중요한 개발 그러나 슈만의 동기는 그의 작품에서 온건한 낭만주의자의 규범과는 거리가 멀다. 스타일; (Meyerbeer와 달리) 엄격한 미적 기준을 준수합니다. 선택, 그는 대담한 개혁의 길을 따릅니다. 모든 R. 19 세기 이른바 라이프치히 학파에 대한 반대로서. 새로운 독일어 또는 바이마르 학교; 리스트는 그의 바이마르 시대(1849-61)에 그 중심이 되었고, R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff 및 기타 지지자들이 있었고 Weimarians는 프로그램 음악, 음악의 지지자였습니다. Wagnerian 유형의 드라마 및 기타 근본적으로 개혁된 유형의 새로운 음악. 소송. 1859년부터 새로운 독일 학파의 사상은 슈만이 1834년에 만든 저널인 "General German Ferein"으로 대표되었습니다. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym은 1844년부터 K. F. Brendel이 감독했습니다. 반대편 진영에는 비평가 E. Hanslik, 바이올리니스트이자 작곡가 J. Joachim 등과 함께 J. Brahms가 있었습니다. 후자는 논쟁을 위해 노력하지 않았고 창의성에서만 그의 원칙을 옹호했습니다 (1860 년에 Brahms는 베를린 잡지 "Echo"에 게재 된 "Weimarites"의 특정 아이디어에 대한 집단 연설 인 논쟁적인 기사 아래에 단독으로 서명했습니다. ). 비평가들이 브람스의 작품에서 보수주의를 고려하는 경향이 있었던 것은 실제로 낭만주의가 살아있는 독창적인 예술이었습니다. 전통이 업데이트되어 고전의 새로운 강력한 영향을 경험했습니다. 과거의 음악. 이 경로의 전망은 유럽의 발전으로 나타났습니다. 다음 음악. 수십 년 (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev 및 기타). 같은 방식으로 "Weimarites"의 통찰력은 유망한 것으로 판명되었습니다. 앞으로 두 학파 사이의 분쟁은 역사적으로 쓸모없게 될 것입니다.

R.의 주류에서 nat에 대한 성공적인 검색이 있었기 때문에. 진정성, 사회적, 심리적. 진실성, 이 운동의 이상은 리얼리즘의 이데올로기와 밀접하게 얽혀있었습니다. 예를 들어, 그러한 연결은 Verdi와 Bizet의 오페라에서 분명합니다. 동일한 복합물이 많은 nat에 일반적입니다. 음악 19세기의 학교 러시아어로 낭만적인 음악. 요소는 하반기에 이미 M. I. Glinka 및 A. S. Dargomyzhsky에 의해 명확하게 표현됩니다. 19 세기 -The Mighty Handful의 작곡가와 P. I. Tchaikovsky, 나중에 S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner에서. R. young muses의 강한 영향으로 개발되었습니다. 폴란드, 체코, 헝가리, 노르웨이, 덴마크, 핀란드의 문화(S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius 등), 스페인어. 음악 2층. 19 - 구걸. 20 세기 (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

뮤즈. R.은 실내 성악 가사와 오페라 발전에 적극적으로 기여했습니다. 냄비 개혁에서 R.의 이상에 따라. 음악 채널 역할은 art-in 합성의 심화에 의해 수행됩니다. 웍. 멜로디는 시적 표현력에 민감하게 반응합니다. 단어가 더 자세하고 개별화됩니다. 도구 파티는 중립적 인 "반주"의 성격을 잃고 비유적인 내용으로 점점 더 포화됩니다. 슈베르트, 슈만, 프란츠, 볼프의 작업에서 플롯 전개된 노래에서 "음악"으로 가는 경로를 추적할 수 있습니다. 시." 웍 중. 장르, 발라드의 역할, 독백, 장면, 시가 증가합니다. pl의 노래. 케이스는 주기로 결합됩니다. 로맨틱에서 12월에 발전한 오페라. 방향, 음악, 단어, 연극 간의 연결이 꾸준히 증가하고 있습니다. 행위. 이 목적은 뮤즈 시스템에 의해 제공됩니다. 특성 및 leitmotifs, 음성 억양의 개발, 음악 논리의 병합. 그리고 무대 개발, 교향곡 풍부한 기회의 사용. 오케스트라 (Wagner의 점수는 오페라 교향곡의 최고 업적에 속함).

Instr. 음악, 로맨틱 작곡가는 특히 FP에 취약합니다. 세밀화. 짧은 연극은 낭만적 인 예술가에게 바람직한 순간의 고정이됩니다. 분위기, 풍경, 특징적인 이미지의 대략적인 스케치입니다. 그것은 감사하고 관련이 있습니다. 단순함, 음악의 중요한 소스에 대한 근접성 - 노래, 춤, 신선하고 독창적인 풍미를 포착하는 능력. 인기있는 로맨틱 품종. 짧은 곡: "말 없는 노래", 야상곡, 전주곡, 왈츠, 마주르카, 프로그램 이름이 있는 곡. Instr. 미니어처는 높은 콘텐츠, 구호 이미지를 달성합니다. 컴팩트한 형태로 밝은 표정이 특징입니다. 냄비처럼. 가사, 여기에 otd를 통합하려는 경향이 있습니다. 주기로 재생 (Chopin - Preludes, Schumann - "Children 's Scenes", Liszt - "Years of Wanderings"등); 경우에 따라 이들은 "통과" 구조의 주기이며 개별 주기 간에는 상대적으로 독립적입니다. 연극은 차이가 발생합니다. 억양의 일종. 통신 (Schumann - "나비", "카니발", "Kreisleriana"). 이러한 "통해"주기는 이미 낭만주의의 주요 경향에 대한 아이디어를 제공합니다. 큰 instr의 해석. 양식. 한편으로는 대조, 개인의 다양성을 강조한다. 반면에 에피소드는 전체의 통일성이 강화됩니다. 이러한 경향의 징후 아래 새로운 창의성이 부여됩니다. 고전의 해석 소나타와 소나타 사이클; 동일한 열망이 소나타 알레그로, 소나타 주기 및 변주곡의 특징을 일반적으로 결합하는 한 부분의 "자유로운" 형식의 논리를 결정합니다. "무료" 형식은 특히 프로그램 음악에 편리했습니다. 개발 과정에서 한 부분으로 구성된 "교향곡"장르의 안정화에서. 시" 리스트의 공로가 크다. 리스트의 시에 깔려 있는 구성적 원칙, 즉 하나의 주제의 자유로운 변형(단일주제)은 하나의 표현을 만들어냅니다. 대조와 동시에 전체 구성(Preludes, Tasso 등)의 최대 통일성을 보장합니다.

음악 스타일에서 R. 가장 중요한 역할은 모달 및 고조파 수단에 의해 수행됩니다. 새로운 표현력에 대한 검색은 두 가지 병렬적이고 종종 상호 관련된 프로세스와 관련이 있습니다. 즉, 기능 및 역동성 강화입니다. 하모니의 측면과 고조파의 증폭. 화려함. 이러한 프로세스 중 첫 번째는 변경 및 불협화음으로 코드의 채도가 증가하여 불안정성이 악화되고 미래 고조파에서 해상도가 필요한 긴장이 증가했습니다. 움직임. 이러한 하모니의 속성은 "무한히"발전하는 감정의 흐름 인 R.의 전형적인 "나른함"을 가장 잘 표현했으며, 이는 Wagner의 "Tristan"에서 특히 완전하게 구현되었습니다. Major-Minor Modal System (Schubert)의 가능성을 사용하여 이미 다채로운 효과가 나타났습니다. 새롭고 매우 다양한 색상. 소위에서 음영이 추출되었습니다. 자연 모드, Nar가 강조된 도움으로. 또는 구식. 음악의 본질; 특히 SF에서 중요한 역할은 온음과 "반음" 음계가 있는 프렛에 할당되었습니다. 다채로운 속성은 색채적으로 복잡하고 불협화음 화음에서도 발견되었으며, 이 시점에서 위에서 언급한 프로세스가 명확하게 영향을 미쳤습니다. 신선한 음향 효과통해서도 달성했다. 온음계 내의 코드 또는 모드 비교. 규모.

로맨틱에서 멜로디는 다음 ch를 연기했습니다. 경향: 구조에서 - 개발의 폭과 연속성에 대한 욕구, 부분적으로는 형태의 "개방성"에 대한 욕구; 리듬으로-전통을 극복합니다. 규칙성 메트릭. 악센트 및 모든 자동 되풀이; 억양으로. 구성 - 디테일링, 초기 동기뿐만 아니라 전체 멜로디도 표현력으로 채 웁니다. 그림. Wagner의 "끝없는 선율"에 대한 이상은 이러한 경향을 모두 포함합니다. 19세기 최고의 선율가들의 예술도 그들과 연결되어 있다. 쇼팽과 차이콥스키. 뮤즈. R. 표현 수단 (질감)을 크게 풍부하고 개별화하여 뮤즈의 가장 중요한 요소 중 하나로 만듭니다. 형상. instr의 사용에도 동일하게 적용됩니다. 작곡, 특히 교향곡. 오케스트라. R. 개발 색상. 오케스트라의 수단과 오크의 극작술. 이전 시대의 음악이 알지 못했던 높이까지의 발전.

늦은 음악. R. (19 세기 후반 ~ 20 세기 초반)은 여전히 ​​"풍부한 묘목"을 제공했으며 가장 큰 후계자 중 하나는 낭만적이었습니다. 전통은 여전히 ​​진보적이고 인본주의적인 아이디어를 표현했습니다. 주장 (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

새로운 창의성은 R. 경향의 강화 및 질적 변화와 관련이 있습니다. 음악에서의 업적. 외부 인상(인상주의적 다채로움) 영역과 정교하고 미묘한 감정 전달(Debussy, Ravel, Scriabin) 영역 모두에서 새롭게 세부적인 이미지가 개발되고 있습니다. 음악의 가능성이 확장되고 있습니다. 구상 성 (R. Strauss). 한편으로는 세련미와 표현력 증가는 음악의 정서적 표현력을 더 넓게 만듭니다 (Scriabin, Mahler). 동시에 19 세기와 20 세기 초의 새로운 경향과 밀접하게 얽힌 R. 후기에. (인상주의, 표현주의) 위기의 증상이 커지고 있었다. 처음에는. 20 세기 R.의 진화는 주관적 원리의 비대, 무정형 및 부동성으로의 정제의 점진적 퇴보를 드러냅니다. 이러한 위기 기능에 대한 논쟁적으로 날카로운 반응은 뮤즈였습니다. 10-20년대의 반낭만주의 (I. F. Stravinsky, 젊은 S. S. Prokofiev, 프랑스 "Six"의 작곡가 등); 후기 R.은 형식의 명확성을 위해 내용의 객관성에 대한 욕구에 반대했습니다. 일어났다 새 물결 운동"고전주의", 옛 주인의 숭배, ch. 도착 베토벤 이전 시대. 20세기 중반 그러나 R.의 가장 귀중한 전통의 생존 가능성을 보여주었습니다. 서양 음악에서 강화되는 파괴적인 경향에도 불구하고 R.은 영적 기반을 유지하고 새로운 문체로 풍부해졌습니다. 요소는 많은 사람들에 의해 개발되었습니다. 20세기 최고의 작곡가. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok 등).

문학: Asmus V., 철학적 낭만주의의 음악적 미학, "SM", 1934, No 1; Nef K., 서유럽 음악사, 프랑스어 번역. B. V. Asafiev 편집, 모스크바, 1938. Sollertinsky I., 그의 저서: Historical etudes, L., 1956, vol. 1, 1963에서 낭만주의, 그 일반 및 음악적 미학; Zhitomirsky D., 뮤지컬 낭만주의에 대한 노트(쇼팽과 슈만), "SM", 1960, No 2; 자신의 저서인 슈만과 낭만주의: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., 19세기 낭만주의 노래, M., 1966; Konen, V., 외국 음악의 역사, vol. 3, M., 1972; Mazel L., 고전적 조화의 문제, M., 1972 (ch. 9 - 19세기와 20세기 초 고전적 조화의 역사적 발전에 관하여); 스크렙코프 S., 예술적 원리뮤지컬 스타일, M., 1973; 19세기 프랑스의 음악 미학. 비교 텍스트, 소개. 기사 및 소개. E. F. Bronfin, M.의 에세이, 1974년(음악 및 미적 사고의 기념비); 19세기 오스트리아와 독일의 음악, 책. 1, M., 1975; Druskin M., 외국 음악의 역사, vol. 4, M., 1976.

D. V. 지토미르스키

이념적 예술적 방향, 유럽과 북부의 모든 국가에서 개발되었습니다. 사기에 미국. 18 - 1층. 19세기 R.은 부르주아 사회의 불만을 표현했습니다. 고전주의와 계몽주의에 반대하는 변화. F. Engels는 "... "이성의 승리"에 의해 설립 된 사회 및 정치 제도는 계몽 자들의 화려한 약속에 대한 사악하고 몹시 실망스러운 캐리커처로 판명되었습니다." 감상주의자들의 계몽주의 주류에 나타난 새로운 삶의 방식에 대한 비판은 낭만주의자들 사이에서 더욱 두드러졌다. 세상은 신비하고 이해하기 어렵고 적대적인 사람들로 가득 찬 의도적으로 불합리한 것처럼 보였습니다. 성격. 낭만주의의 경우 높은 열망은 외부 세계와 양립 할 수 없었고 현실과의 불화가 거의 주요한 것으로 판명되었습니다. 특징 R. 저지대와 현실 세계의 천박함 R. 종교, 자연, 역사, 환상에 반대합니다. 이국적인. 분야, adv. 창의성, 그러나 무엇보다도 - 인간의 내면의 삶. 그녀의 R.에 대한 표현은 매우 풍부합니다. 고대가 고전주의의 이상이라면 R.은 A. Dante, W. Shakespeare, J. W. Goethe를 그의 전임자로 간주하여 중세와 현대의 예술에 의해 인도되었습니다. R.은 모델이 제공하는 것이 아니라 예술가의 자유 의지에 의해 창조되어 그의 내면 세계를 구현하는 예술을 주장했습니다. 주변 현실을 받아들이지 않고 R.은 실제로 고전주의보다 더 깊고 완전하게 알고있었습니다. 최고의 예술 R.은 삶의 자유로운 요소의 구체화로서 음악이었습니다. 그녀는 그 동안 큰 성공을 거두었습니다. R.은 또한 발레의 비정상적으로 빠르고 중요한 발전의 기간이었습니다. 로맨틱의 첫걸음 발레는 영국, 이탈리아, 러시아에서 만들어졌습니다 (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky 및 기타). 그러나 R.은 프랑스어로 가장 완전하고 일관되게 형성되었습니다. 그 영향력이 다른 나라에 반영된 발레 극장. 이를 위한 전제 조건 중 하나는 당시 프랑스의 고전 기술의 높은 발전이었습니다. 댄스, 특히 여성. 가장 분명히 낭만적입니다. F. Taglioni ( "La Sylphide", 1832 등)의 발레에서 경향이 나타 났는데, 여기서 액션은 일반적으로 실제 세계와 환상적인 세계에서 동시에 전개되었습니다. 판타지는 사적인 일상적 정당화의 필요성에서 춤을 해방시켰고, 춤에 묘사된 캐릭터의 본질적 속성을 드러내기 위해 축적된 기술과 그 발전의 사용 범위를 열었습니다. R. 의 발레에서 전면에 등장한 여성 댄스에서는 점프가 점점 더 널리 소개되고 포인트 슈즈 댄스 등이 등장하여 외모와 완벽하게 일치 소름 끼치는 생물- 윌리스, 실프. 발레에서 R.은 춤을 지배했습니다. 고전의 새로운 구성 형식 댄스, unison corps de ballet 여성 댄스의 역할이 급격히 상승했습니다. 앙상블, 듀엣 그리고 솔로 댄스. M. Taglioni를 시작으로 주역 발레리나의 역할이 커졌습니다. 댄서의 영구 의상으로 튜닉이 등장했습니다. 국가대표보다 음악의 역할이 커진 경우가 많다. 춤의 교향곡이 시작되었습니다. 행위. 로맨스의 정점. 발레 - "Giselle"(1841), J. Coralli와 J. Perrot이 상연. Perrault의 작업은 발레 R의 새로운 단계를 표시했습니다. 이제 성능은 조명에 크게 의존합니다. 원본 소스 (Hugo에 따르면 "Esmeralda", Byron에 따르면 "Corsair"등)에 따라 춤이 더 각색되고 효과적인 구성의 역할 (pas d "action"증가), 댄스 민속이 더 많이 사용되었습니다. Bournonville Dancers F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya가 등장했습니다.

로맨틱 타입. Taglioni, Perrot, Bournonville의 발레에서 확립 된 공연은 끝까지 계속 존재했습니다. 19 세기 그러나 주로 발레 작업에서 이러한 공연의 내부 구조. M. I. Petipa, 변형.

낭만적인 부흥에 대한 열망. 원래 모습의 발레는 20 세기 일부 발레 마스터의 작품에서 나타났습니다. M. M. Fokin은 발레에서 R.에게 인상주의의 새로운 특징을 부여했습니다.

발레. 백과사전, SE, 1981

I Music(그리스어 musike에서 유래, 말 그대로 뮤즈의 예술)은 현실을 반영하고 의미 있고 특별히 조직화된 사운드 시퀀스를 통해 사람에게 영향을 미치는 예술 유형으로, 주로 톤으로 구성됩니다. 위대한 소비에트 백과사전

- (그리스어 moysikn, from mousa muse) 의미 있고 특별히 높이와 시간으로 구성된 사운드 시퀀스를 통해 현실을 반영하고 사람에게 영향을 미치는 수트 유형으로 주로 톤으로 구성됩니다. 음악 백과사전

내용 1 역사적 측면 2 문학 2.1 기원 2.2 사실주의 ... Wikipedia

이 용어는 그리스어를 기반으로 합니다. ή μουσική(τέχνη 예술을 암시함), 즉 Muses(주로 노래와 춤의 여신)의 예술. 나중에 그것은 일반적으로 정신의 조화로운 발전이라는 의미에서 그리고 다시 우리와 함께 그리스인들로부터 더 넓은 의미를 받았습니다 ... ... 백과 사전 F.A. 브록하우스와 I.A. 에프론

영적인 음악- 음악. 그리스도의 작품. 예배 중에 수행하도록 의도된 내용이 아닙니다. D.m.은 종종 세속 음악에 반대하며, 이런 의미에서 전례 음악에서 매우 광범위한 현상이 때때로 이 영역에 언급됩니다. 정교회 백과사전

N.m의 뿌리는 고대로 거슬러 올라갑니다. 고고학 데이터. 연구는 다른 세균의 존재를 나타냅니다. 다양한 영혼의 부족. 도구 (lurs), krykh 제조는 청동기 시대로 거슬러 올라갑니다. 문학. 그리고 역사적 ... ... 음악 백과사전

뮤즈 형성의 특징. 콘에서 시작된 미국 문화. 17 세기는 주로 식민지 개발 유형에 의해 결정되었습니다. Amer로 옮겼습니다. 음악의 땅 유럽, 아프리카, 이후 아시아의 전통이 동화되고 상호 작용했습니다 ... ... 음악 백과사전

R.m.의 기원은 동양의 작업으로 거슬러 올라갑니다. 영광. 박사의 영토에 거주하는 부족들. Rus'는 9세기에 출현하기 전이다. 최초의 러시아인 바. 에 대한 고대 종동쪽 영광. 음악은 가상적으로 otd로 판단할 수 있습니다. 역사적인 증거... ... 음악 백과사전

F.m.의 기원은 고대에 현재의 프랑스 영토에 살았던 켈트족, 갈리아족, 프랑크족의 민속으로 거슬러 올라갑니다. 나르. Gallo-Roman 문화뿐만 아니라 노래 예술은 F.m. 그리고… … 음악 백과사전

XVIII 말에 - 초기 XIX세기, 낭만주의와 같은 예술적 방향이 나타났습니다. 이 시대 사람들은 이상세계를 꿈꾸며 환상 속에서 '도망'했다. 이 스타일은 음악에서 가장 생생하고 비유적인 구현을 찾았습니다. 낭만주의의 대표자 중에는 칼 베버(Carl Weber)와 같은 19세기 작곡가들이 있다.

로베르트 슈만, 프란츠 슈베르트, 프란츠 리스트, 리하르트 바그너.

프란츠 리스트

미래는 첼리스트의 가족에서 태어났습니다. 그의 아버지는 어릴 때부터 그에게 음악을 가르쳤다. 어렸을 때 그는 합창단에서 노래를 불렀고 오르간 연주를 배웠습니다. 프란츠가 12살이었을 때 그의 가족은 소년이 음악을 공부할 수 있도록 파리로 이사했습니다. 그는 음악원에 입학하지 못했지만 14세부터 스케치를 작곡해 왔습니다. 그러한 19세기 베를리오즈, 파가니니는 그에게 큰 영향을 미쳤다.

Paganini는 Liszt의 진정한 우상이 되었고 그는 자신의 피아노 기술을 연마하기로 결정했습니다. 1839-1847년의 콘서트 활동은 눈부신 승리를 동반했습니다. 이 기간 동안 Ferenc는 유명한 연극 "Years of Wanderings"컬렉션을 만들었습니다. 피아노 연주의 거장이자 대중이 가장 좋아하는 사람은 시대의 진정한 화신이 되었습니다.

Franz Liszt는 음악을 작곡하고 여러 권의 책을 썼으며 가르치고 공개 수업을 진행했습니다. 유럽 ​​전역에서 온 19세기 작곡가들이 그를 찾아왔다. 그는 60년 동안 일했기 때문에 거의 평생 동안 음악에 종사했다고 말할 수 있습니다. 오늘날까지도 그의 음악적 재능과 기량은 현대 피아니스트들의 롤모델이다.

리차드 바그너

천재는 아무도 무관심하게 만들 수 없는 음악을 만들었습니다. 그녀는 추종자와 치열한 상대를 모두 가졌습니다. Wagner는 어린 시절부터 연극에 매료되어 15세 때 음악으로 비극을 만들기로 결심했습니다. 16세에 그는 자신의 작품을 파리로 가져왔습니다.

3년 동안 그는 오페라 무대에 도전했지만 무명 음악가와 거래하고 싶어하는 사람은 아무도 없었다. 그런 인기 작곡가파리에서 만난 프란츠 리스트나 베를리오즈처럼 19세기는 그에게 행운을 가져다주지 않는다. 그는 가난하고 아무도 그의 음악적 아이디어를 지원하고 싶어하지 않습니다.

프랑스에서 실패한 작곡가는 드레스덴으로 돌아와 궁정 극장에서 지휘자로 일하기 시작합니다. 1848년에 그는 봉기에 가담한 후 범죄자로 선고되었기 때문에 스위스로 이주했습니다. 바그너는 부르주아 사회의 불완전성과 예술가의 종속적 위치를 알고 있었다.

1859년 그는 오페라 트리스탄과 이졸데에서 사랑을 불렀다. Parsifal에서 보편적 형제애는 유토피아적인 방식으로 제시됩니다. 악이 패배하고 정의와 지혜가 승리합니다. 19세기의 모든 위대한 작곡가들은 바그너의 음악에 영향을 받았고 그의 작품에서 배웠습니다.

19세기에 러시아에는 국립 작곡 및 공연 학교가 설립되었습니다. 러시아 음악에는 두 가지 기간이 있습니다. 초기 낭만주의그리고 클래식. 첫 번째는 A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev와 같은 19 세기 러시아 작곡가를 포함합니다.

미하일 글린카

Mikhail Glinka는 우리나라에 작곡가 학교를 설립했습니다. 러시아 정신은 "Ruslan and Lyudmila", "Life for the Tsar"와 같은 그의 유명한 오페라에 애국심으로 가득 차 있습니다. 글린카는 민속음악의 옛 선율과 리듬을 이용해 민속음악의 특징을 정리했다. 작곡가는 또한 음악 극작술의 혁신가였습니다. 그의 작품은 국가 문화의 부상입니다.

러시아 작곡가들은 세계에 많은 것을 주었다 천재의 작품오늘날에도 여전히 사람들의 마음을 사로잡는 M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky와 같은 이름은 19 세기의 뛰어난 러시아 작곡가 중 불멸입니다.

클래식 음악은 사람의 내면 세계를 생생하고 감각적으로 반영합니다. 엄격한 합리주의는 19세기의 로맨스로 대체되었습니다.

낭만주의 시대

음악의 낭만주의 시대는 대략 1830년대부터 1910년대까지 지속되었습니다. 어느 정도까지 "로맨틱"이라는 단어는 레이블일 뿐이며 실제로 다른 많은 단어처럼 엄격하게 정의할 수 없는 개념입니다. 예외없이 우리 책의 모든 장에 언급 된 많은 작품을 "낭만적"이라고 부를 수 있습니다.

이 시대와 다른 시대의 주요 차이점은 그 시대의 작곡가들이 음악의 감정과 인식에 더 많은 관심을 기울여 감정적 경험을 표현하려고 노력했다는 것입니다. 이 점에서 그들은 음악에서 가장 중요한 것은 형식이었고 작곡을 구성하는 특정 규칙을 따르려고 했던 고전 시대의 작곡가들과 다릅니다.

동시에 일부 고전주의 작곡가에게서 낭만주의적 요소를 볼 수 있고, 낭만주의 작곡가에게서 고전주의적 요소를 볼 수 있다. 따라서 위에서 이야기한 모든 것은 엄격하고 빠른 규칙이 아니라 단지 일반적 특성.

역사는 가만히 있지 않았고 모든 사람들이 갑자기 감정적 경험에만 관심이있는 낭만적 인 사람이되지 않았습니다. 지금은 사회주의, 우편개혁, 구세군 창설의 탄생기이다. 동시에 비타민과 라듐이 발견되었고 수에즈 운하가 건설되었습니다. Daimler는 최초의 자동차를 설계했고 Wright 형제는 최초의 비행을 했습니다. Marconi는 1.5마일 떨어진 곳에서 무선 메시지를 성공적으로 전송하여 라디오를 발명했습니다. 빅토리아 여왕은 다른 어떤 영국 군주보다 오랫동안 대영제국의 왕좌에 앉았습니다. 골드러시로 인해 수천 명의 사람들이 미국으로 여행을 떠났습니다.

우리 책을 훑어보면 이것이 37명 이상의 작곡가가 언급된 모든 챕터 중에서 가장 큰 챕터임을 알 수 있습니다. 그들 중 많은 사람들이 다른 나라에서 동시에 살았고 일했습니다. 따라서 우리는 이 장을 "초기 낭만주의", "국민 작곡가" 및 "후기 낭만주의"의 세 부분으로 나누었습니다.

이미 짐작하셨겠지만 이 구분도 절대적으로 정확하다고 주장하지는 않습니다. 그럼에도 불구하고 우리는 그것이 항상 연대순은 아니지만 내러티브를 일관되게 유지하는 데 도움이 되기를 바랍니다.

이들은 고전 시대와 후기 낭만주의 시대를 잇는 일종의 다리가 된 작곡가들입니다. 그들 중 다수는 "클래식"과 동시에 작업했으며 Mozart와 Beethoven은 작업에 큰 영향을 미쳤습니다. 동시에 그들 중 많은 사람들이 클래식 음악의 발전에 개인적으로 기여했습니다.

낭만주의 시대의 첫 번째 작곡가는 당대의 진정한 스타였습니다. 연주하는 동안 그는 바이올린 기교의 경이로움을 보여주었고 놀라운 스턴트. 160년 후에 태어난 거장 록 기타리스트 지미 헨드릭스처럼 니콜로 파가니니변함없이 열정적인 연기로 관객들을 감동시켰습니다.

Paganini는 4개가 아닌 2개의 바이올린 현으로 전체 곡을 연주할 수 있었습니다. 때때로

그는 공연 중간에 일부러 현을 끊는 일까지 했고, 그 후에도 그는 대중의 시끄러운 박수 속에 여전히 훌륭하게 작품을 완성했다.

어렸을 때 Paganini는 독점적으로 음악에 종사했습니다. 그러나 그의 아버지는 운동을 충분히 하지 않은 것에 대해 음식과 물을 주지 않는 등 벌을 주기까지 했습니다.

성인이 된 파가니니는 바이올린을 너무 거장스럽게 연주하여 인간이 그렇게 훌륭하게 연주할 수 없었기 때문에 그가 악마와 계약을 맺었다는 소문이 돌았습니다. 음악가가 죽은 후 교회는 처음에는 그를 자신의 땅에 묻기를 거부했습니다.

의심할 바 없이 파가니니는 다음과 같이 말하면서 대중 연설의 모든 이점을 이해했습니다.

"나는 못생겼지만 여자들이 내 연주를 들으면 내 발로 기어오른다."

음악 작곡의 스타일과 구조는 기악 작곡과 오페라 모두에서 계속 발전했습니다. 독일에서는 오페라의 아방가르드가 주도했다. 칼 마리아 폰 베버,그는 많은 사람들이 낭만주의 시대에 속하지 않는 해에 살았지만.

Webers에게 오페라는 가족의 일이었고 Carl은 어린 시절 아버지의 오페라단과 함께 광범위하게 여행했다고 말할 수 있습니다. 그의 오페라 무료 슈터 (매직 슈터)민속 모티프가 사용되었다는 사실 때문에 음악사에 들어갔다.

조금 후에 그러한 기술이 고려된다는 것을 알게 될 것입니다. 특징낭만적인 기간.

Weber는 또한 여러 클라리넷 협주곡을 작곡했으며 오늘날 널리 알려져 있습니다.

이탈리아는 오페라의 발상지이며, 지오아키노 안토니오 로시니이탈리아인들은 이 장르의 새로운 영웅을 발견한 행운을 누렸습니다. 그는 코믹한 내용과 비극적인 내용을 모두 갖춘 오페라를 썼으며 동등한 성공을 거두었습니다.

로시니는 작곡을 빨리 하는 작곡가 중 한 명이었고, 그가 오페라를 쓰는 데 보통 몇 주 밖에 걸리지 않았습니다. 그의 명성이 절정에 이르렀을 때 그는 이렇게 말했습니다.

"세탁비를 주면 음악에 맞춰 놓을게."

그들은 말한다 세비야의 이발사로시니는 단 13일 만에 작곡했습니다. 이러한 빠른 작업 속도로 인해 그의 새로운 오페라가 이탈리아의 모든 극장에서 지속적으로 상연되었습니다. 그러나 그는 자신의 작곡 연주자들을 항상 호의적으로 대하지 않았으며 한때는 그들에 대해 비방하기도했습니다.

“가수가 없다면 얼마나 멋진 오페라가 되겠습니까!”

그러나 37세의 나이에 로시니는 갑자기 오페라 쓰기를 중단했고, 과거에는 거의 40년그가 만든 주요 작품에서 그의 삶의 스타바트 마터.

지금까지 그러한 결정을 내릴 때 그가 무엇을 인도했는지는 완전히 명확하지 않지만 그 당시 그의 은행 계좌에는 프로덕션 로열티라는 상당한 금액이 축적되었습니다.

음악 외에도 Rossini는 요리 예술에 대한 열정이 있었고 다른 작곡가보다 더 많은 요리가 그의 이름을 따서 명명되었습니다. 로시니 샐러드, 로시니 오믈렛, 로시니 투르네도가 포함된 전체 저녁 식사를 준비하실 수도 있습니다. (Turnedos는 빵가루에 튀긴 고기 조각으로 파테와 트러플과 함께 제공됩니다.)

프란츠 슈베르트,불과 서른한 살을 살았던 그는 이미 열일곱 살에 이미 재능 있는 작곡가로 자리 잡았다. 내 자신을 위해 긴 수명전체적으로 그는 600개 이상의 노래, 9개의 교향곡, 11개의 오페라 및 약 400개의 다른 작품을 썼습니다. 1815년에만 그는 144곡의 노래, 2개의 미사, 교향곡 및 기타 여러 작품을 작곡했습니다.

1823년 매독에 걸렸고 5년 후인 1828년 장티푸스로 사망했다. 1년 전, 그는 자신의 우상 루트비히 판 베토벤의 장례식에 참석했습니다.

슈베르트가 다른 사람들의 작품 연주 덕분에 유명해진 최초의 주요 작곡가 중 한 명이라는 점은 주목할 만합니다. 그는 자신이 하나만 주었다 큰 콘서트그의 죽음의 해에 그는 거의 동시에 비엔나에 온 파가니니의 공연에 가려졌습니다. 그래서 불쌍한 슈베르트는 평생 동안 마땅히 받아야 할 존경을 받지 못했습니다.

슈베르트의 가장 큰 미스터리 중 하나는 교향곡 8번,이름으로 알려진 다듬지 않은.그는 그것의 두 부분만 쓰고 작업을 멈췄습니다. 그가 왜 이렇게 했는지 아무도 모르지만 이 교향곡은 여전히 ​​그의 가장 인기 있는 작품 중 하나입니다.

헥터 베를리오즈의사의 가정에서 태어 났기 때문에 우리 책에 언급 된 다른 많은 작곡가와 달리 본격적인 음악 교육을받지 못했습니다.

처음에 그는 아버지의 발자취를 따라 의사가되기로 결심하고 파리로 갔지만 그곳에서 오페라에서 점점 더 많은 시간을 보내기 시작했습니다. 그는 결국 음악을 추구하기로 결정했는데, 이는 부모님의 억울함이 컸습니다.

베를리오즈의 이미지는 글쓰기와는 거리가 먼 사람들에게 캐리커처처럼 보일 수 있습니다.

모든 작곡가가 제시됩니다 : 매우 긴장하고 짜증이 나고 충동 적이며 급격한 기분 변화가 있으며 물론 이성과의 관계에서 비정상적으로 낭만적입니다. 한때 그는 손에 총을 들고 전 애인을 공격하고 그녀를 독살하겠다고 위협했습니다. 다른 하나는 여자 옷을 입고 뒤쫓았다.

그러나 Berlioz의 낭만적 인 열망의 주요 주제는 나중에 심각한 신경 쇠약을 겪은 여배우 Harriet Smithson이었습니다. 분명히 그녀는 Berlioz 자신에게 많은 빚을지고 있습니다. 그는 1827년에 그녀를 처음 보았지만 1832년에야 개인적으로 그녀를 만날 수 있었습니다. 처음에 Smithson은 Berlioz를 거부했으며 상호성을 달성하기를 원했습니다. 환상적인 교향곡.그럼에도 불구하고 1833 년에 그들은 결혼했지만 예상대로 몇 년 후 Berlioz는 다른 여성과 사랑에 빠졌습니다.

음악에 관해서 Berlioz는 범위를 좋아했습니다. 예를 들어 그의 레퀴엠,거대한 오케스트라와 합창단을 위해 작곡되었으며 무대 각 구석에 배치된 4개의 브라스 밴드도 있습니다. 그런 취향 큰 형태그의 사후 명성에 크게 기여하지 않았습니다. 그가 구상한 형태로 작품을 공연하는 것은 비용이 많이 들고 때로는 불가능할 수도 있습니다. 그러나 그러한 장애물은 그를 전혀 괴롭히지 않았고 그는 그가 할 수 있는 모든 열정으로 계속해서 음악을 작곡했습니다. 한번은 그가 이렇게 말했습니다.

"모든 작곡가는 자신이 생각한 것을 적을 충분한 시간이 없다는 데서 오는 고통과 절망에 익숙합니다."

이 책을 읽는 남학생이라면 누구나 부러워할 것이다. 펠릭스 멘델슨,어린 시절에 유명해진 사람들에게.

수많은 예에서 볼 수 있듯이 이것은 클래식 음악의 세계에서 드문 일이 아닙니다.

그러나 Mendelssohn은 음악에서만 성공한 것이 아닙니다. 그는 그림, 시, 스포츠, 언어 등 모든 일에서 좋은 결과를 거둔 몇 안 되는 사람 중 한 명이었습니다.

Mendelssohn이 이 모든 것을 마스터하는 것은 어렵지 않았습니다.

Mendelssohn은 운이 좋았습니다. 그는 부유 한 가정에서 태어나 베를린 예술계의 창의적인 분위기에서 자랐습니다. 어렸을 때 그는 부모님을 방문하기 위해 온 많은 재능있는 예술가와 음악가를 만났습니다.

멘델스존은 9세에 처음 대중 앞에 모습을 드러냈고 16세가 되었을 때 이미 작곡을 마쳤습니다. 문자열 옥텟. 1년 후 그는 셰익스피어의 희곡에 대한 서곡을 썼다. 여름밤의 꿈.그러나 그는 17년이 지난 후에야 이 코미디의 나머지 음악을 만들었습니다(유명한 결혼행진곡, 결혼식에서 여전히 자주 수행됩니다).

Mendelssohn의 개인 생활도 성공적으로 발전했습니다. 길고 지속적인 결혼 생활을 통해 그와 그의 아내는 다섯 자녀를 낳았습니다.

그는 스코틀랜드를 포함하여 그가 너무 찬성하지 않는 주민들에 대해 많이 일하고 여행했습니다.

"... [그들은] 위스키, 안개, 악천후 외에는 아무것도 생산하지 않습니다."

그러나 이것은 그가 스코틀랜드에 바쳐진 두 개의 훌륭한 작품을 쓰는 것을 막지 못했습니다. 첫 여행이 끝난 후 13년 스코틀랜드 심포니;기본 헤브리디스의 서곡스코틀랜드 멜로디가 눕습니다. 멘델스존은 또한 1846년 버밍엄에서 처음 상연된 그의 오라토리오 엘리야를 통해 영국과 연결되었습니다. 그는 심지어 빅토리아 여왕을 만났고 앨버트 왕자에게 음악 수업을 하기도 했습니다.

Mendelssohn은 상대적으로 뇌졸중으로 사망했습니다. 어린 나이서른여덟에. 물론 그는 자신을 아끼지 않고 과도한 노동에 과로했다고 할 수 있지만, 그의 죽음은 재능있는 음악가이기도 한 그의 사랑하는 여동생 Fanny의 죽음으로 인해 크게 빨라졌습니다.

우리 앞에는 골수에 대한 또 다른 낭만적인 것이 있습니다. 여기서 프레데릭 쇼팽그는 또한 한 악기에 대한 열정적 인 헌신으로 구별되었으며 이것은 우리 책에 언급 된 작곡가들에게는 매우 드문 일입니다.

쇼팽이 피아노를 사랑했다고 말하는 것은 삼가면서 말하는 것입니다. 그는 그것을 존경했고 피아노 작곡을 작곡하고 연주 기술을 향상시키는 데 평생을 바쳤습니다. 오케스트라 작곡의 반주를 제외하고는 그에게 다른 악기가 없는 것 같았습니다.

쇼팽은 1810년 바르샤바에서 태어났습니다. 그의 아버지는 태어날 때부터 프랑스인이었고 그의 어머니는 폴란드인이었습니다. Frederick은 7세에 공연을 시작했으며 그의 첫 작곡은 같은 시기로 거슬러 올라갑니다. 그의 순도 검증 각인항상 미래에 중점을 두었습니다.

그 후 쇼팽은 파리에서 유명해졌고 그곳에서 부자들에게 음악 수업을 시작했고 그 덕분에 부자가되었습니다. 그는 항상 자신을 면밀히 주시했습니다. 모습그의 옷장을 최신 패션으로 최신 상태로 유지합니다.

작곡가로서 쇼팽은 체계적이고 세심했습니다. 그는 결코 자신을 부주의하게 허용하지 않았으며 모든 일을 완벽하게 완성했습니다. 당연히 작곡은 그에게 고통스러운 과정이었습니다.

총 169곡의 피아노 독주곡을 작곡했다.

파리에서 쇼팽은 조르주 상드라는 가명으로 더 잘 알려진 유명한 프랑스 작가 아망딘 오로라 루실 뒤팽과 사랑에 빠졌습니다. 그녀는 다소 놀라운 사람이었습니다. 그녀는 파리의 거리에서 남자 옷을 입고 시가를 피우는 모습을 자주 볼 수 있었는데, 예의 바른 대중을 놀라게 했습니다. 쇼팽과 조르주 상드의 로맨스는 격렬하게 진행되다가 고통스러운 휴식으로 끝났다.

낭만주의 시대의 다른 작곡가들과 마찬가지로 쇼팽은 오래 살지 못했습니다. 그는 George Sand와 헤어진 직후인 39세의 나이에 결핵으로 사망했습니다.

로베르트 슈만- 짧고 흥미진진한 삶을 살았던 또 다른 작곡가. 요즘에는 슈만의 피아노, 노래, 실내악을 위한 작품이 알려져 있습니다.

슈만은 뛰어난 작곡가였지만 평생 동안 아내의 그늘에 가려 있었습니다. 클라라 슈만,당시의 천재 피아니스트. 작곡가로서 그녀는 덜 알려져 있지만 꽤 흥미로운 음악도 작곡했습니다.

로베르트 슈만 자신도 손 부상으로 피아니스트로서의 활동을 할 수 없었고, 이 분야에서 유명해진 여성 옆에 사는 것도 힘들었다.

작곡가는 매독과 신경 쇠약에 시달렸습니다. 한 번은 라인강에 몸을 던져 자살을 시도하기도 했습니다. 그는 구조되어 정신 병원에 수용되었고 2년 후 그곳에서 사망했습니다.

슈만은 예술을 실용적으로 다루었습니다. 다음 진술이 알려져 있습니다.

“작곡을 하려면 남들이 생각하지 못한 멜로디를 떠올리기만 하면 됩니다.”

Paganini가 바이올리니스트 연주자의 왕이라고 할 수 있다면 낭만적 인 피아니스트 사이에서이 제목은 정당하게 속합니다. 프란츠 리스트.그는 또한 교육 활동에 참여했으며 다른 작곡가, 특히 나중에 논의 될 Wagner의 작품을 지칠 줄 모르고 연주했습니다.

리스트의 피아노 작품은 연주하기가 극도로 어렵지만 자신보다 더 잘 연주할 사람이 없다는 것을 잘 알고 있는 자신의 연주 기법에 따라 작곡했습니다.

또한 Liszt는 베토벤, 베를리오즈, 로시니, 슈베르트와 같은 다른 작곡가들의 작품을 피아노로 옮겨 적었습니다. 그의 손가락 아래에서 그들은 기괴한 독창성을 얻었고 새로운 방식으로 소리를 내기 시작했습니다. 원래 오케스트라를 위해 작곡된 곡이라는 점을 감안할 때, 하나의 악기로 놀라울 정도로 정확하게 재현하는 음악가의 기술에 감탄하게 됩니다.

리스트는 당시의 진정한 스타였습니다. 로큰롤이 발명되기 100년 전, 그는 다양한 록 음악가와 같은 삶을 살았습니다. 연애. 신성한 명령을 받기로 한 결정조차도 그가 불륜을 시작하는 것을 막지 못했습니다.

Liszt는 또한 오늘날까지 계속되는 장르인 피아노와 오케스트라로 공연을 대중화했습니다. 그는 팬들의 감탄하는 시선을 포착하고 그의 손가락이 건반 위로 날아가는 것을 지켜보는 관중들의 열광적인 외침을 듣는 것을 좋아했습니다. 그래서 그는 청중이 피아니스트의 연주를 따라갈 수 있도록 피아노를 돌렸습니다. 그 전에 그들은 청중에게 등을 대고 앉았습니다.

일반인은 안다. 조르주 비제오페라의 창시자로서 카르멘그러나 우리 책의 마지막에 발표된 목록에는 그의 또 다른 작품이 포함되어 있습니다. Au Fond du Temple Saint(또한 ~으로 알려진 Nadir와 Zurgi의 듀엣)오페라에서 진주 찾는 사람들. 1996년 Classic FM 청취자들 사이에서 가장 인기 있는 노래 목록을 작성하기 시작한 이래 꾸준히 차트의 상위권에 있었습니다.

Bizet은 자신의 뛰어난 재능을 보여준 또 다른 신동입니다. 음악적 능력어린 시절에도. 그는 열일곱 살에 첫 교향곡을 썼습니다. 사실, 그는 또한 36세의 나이로 일찍 세상을 떠났고, 때아닌 천재들의 명단에 추가되었습니다.

그의 재능에도 불구하고 Bizet은 평생 동안 진정한 인정을 얻지 못했습니다. 오페라 진주를 찾는 사람들엇갈린 성공으로 상연되었고 초연 카르멘그리고 완전히 실패로 끝났습니다. 당시 유행하는 대중은 그것을 받아들이지 않았습니다. 평론가와 진정한 음악 감정가들이 선호하는 카르멘작곡가가 죽은 후에야 정복되었습니다. 그 이후로 모든 주요 항목에 배치되었습니다. 오페라 하우스평화.

여기에 또 다른 매우 모호한 정의가 있습니다. 모든 낭만주의 작곡가뿐만 아니라 바로크와 고전주의 시대를 대표하는 많은 사람들도 어느 정도는 "민족주의자"라고 부를 수 있습니다.

그럼에도 불구하고 이 섹션에서는 클래식 음악에 익숙하지 않은 청취자조차도 이 또는 저 마스터가 어디에서 왔는지 알 수 있는 스타일로 작품을 쓴 낭만주의 시대의 주요 작곡가 14명을 나열합니다.

이 접근 방식이 완전히 정확하지는 않지만 때때로 이러한 작곡가는 하나 또는 다른 국립 음악 학교에 속하는 것으로 분류됩니다.

일반적으로 "학교"라는 단어가 사용되면 교사의 지도하에 어린이가 동일한 작업을 수행하는 교실이 제공됩니다.

작곡가에 대해 이야기하자면, 그들은 하나의 공통된 방향으로 뭉쳤고, 각자의 길을 따라가며 자신만의 고유한 음악적 표현 수단을 찾으려고 노력했습니다.

러시아 클래식 음악의 아버지가 있다면 의심할 여지 없이 미하일 이바노비치 글린카.민족주의 음악가들은 그들의 작품에서 포크 멜로디를 사용한다는 사실로 정확하게 구별됩니다. Glinka는 할머니로부터 러시아 노래를 소개 받았습니다.

우리 책의 페이지에 자주 언급되는 다른 많은 재능있는 작곡가와 달리 Glinka는 비교적 늦은 나이 인 20 대 초반에 음악을 진지하게 공부하기 시작했습니다. 처음에 그는 철도부에서 공무원을 역임했습니다.

Glinka는 경력을 바꾸기로 결정했을 때 이탈리아로 가서 피아니스트로 공연했습니다. 그곳에서 그는 오페라에 대한 깊은 사랑을 키웠다. 집으로 돌아와 첫 오페라 작곡 왕을 위한 삶.대중은 즉시 그를 최고의 러시아 현대 작곡가로 인정했습니다. 그의 두 번째 오페라 루슬란과 루드밀라,시간의 시험을 더 잘 견뎌냈지만 성공하지는 못했습니다.

알렉산더 포르피리예비치 보로딘음악 외에도 다른 활동에 적극적으로 참여한 작곡가들에게 속합니다. Borodin은 화학자 인 과학자로서의 경력을 시작했습니다. 그의 첫 작곡은 "하이드로벤자미드와 아마린에 대한 요오드화에틸의 작용"이라고 불렸으며 물론 Classic FM에서는 절대 듣지 못할 것입니다. 과학적 작업그것은 음악과 관련이 없습니다.

보로딘은 조지아 왕자의 사생아였다. 그는 음악에 대한 사랑과 일반적으로 예술에 대한 관심을 어머니로부터 물려 받아 평생 유지했습니다.

끊임없는 고용으로 인해 그는 교향곡, 노래 및 실내악을 포함하는 약 20 개의 작품 만 출판했습니다.

함께 밀리 발라키레프, 니콜라이 림스키코르사코프, 카이사르 쿠이그리고 겸손한 무소르그스키 Borodin은 Mighty Handful 음악 커뮤니티의 회원이었습니다. 이 모든 작곡가들의 성공은 그들이 모두 음악 외에 다른 것을 추구했다는 점에서 더욱 주목할 만하다.

이 점에서 그들은 이 책에 언급된 대부분의 다른 작곡가들과 확연히 다릅니다.

보로딘의 가장 유명한 작품 - 폴로브츠인의 춤그의 오페라에서 이고르 왕자.그가 17년 동안 작업했음에도 불구하고 그 자신은 그것을 완성하지 못했다는 점을 언급해야 합니다. 오페라는 그의 친구 Rimsky-Korsakov에 의해 완성되었으며 나중에 더 자세히 이야기 할 것입니다.

우리 의견에 따르면, 겸손한 페트로비치 무소르그스키"Mighty Handful"의 작곡가 중 가장 창의적이고 영향력있는 사람 이었지만, 그는 특이한 사람으로서 많은 창의적인 직업 대표자들에게 내재 된 한두 가지 악을 피하지 못했습니다.

군대를 떠나 Mussorgsky는 공무원에 취직했습니다. 젊었을 때 그는 산책하는 것을 좋아했고 감수성으로 구별되었으며 인생이 끝날 무렵 알코올 중독에 시달렸습니다. 이러한 이유로 그는 종종 헝클어진 머리와 부자연스럽게 빨간 코로 묘사됩니다.

Mussorgsky는 종종 그의 작품을 끝내지 않았고 그의 친구들은 그를 위해 그것을 했습니다. 때로는 그가 의도한 방식이 아니므로 이제 우리는 작가의 원래 의도가 무엇인지 확신할 수 없습니다. 오페라의 오케스트레이션 보리스 고두노프 Rimsky-Korsakov를 리메이크했으며 유명한 " 뮤지컬 사진» 대머리 산의 밤(디즈니 영화에서 사용 공상).오케스트레이션 대상 전시회 사진 Maurice Ravel을 썼고, 이 버전에서는 우리 시대에 알려져 있습니다.

무소르그스키는 부유한 가정에서 태어나 피아니스트이자 작곡가로서 뛰어난 재능을 가졌음에도 불구하고 알코올 중독으로 불과 42세의 나이에 세상을 떠났습니다.

부모 니콜라이 림스키코르사코프아들이 해군에서 복무하는 꿈을 꾸었고 그는 그들의 기대에 부응했습니다. 그러나 해군에서 수년간 복무하고 많은 바다 항해, 그는 의심 할 여지없이 그의 가족에게 놀라움을 안겨준 작곡가이자 음악 교사가되었습니다. 사실 Rimsky-Korsakov는 항상 음악에 관심이 있었고 심지어 작곡을 시작했습니다. 교향곡 1번,그의 배가 템스 강 어귀의 그레이브젠드 산업 지역에 정박했을 때. 이곳은 아마도 이 책에서 언급한 음악을 작곡하기에 가장 로맨틱하지 않은 장소 중 하나일 것입니다.

Rimsky-Korsakov는 Mussorgsky의 작곡 중 일부를 완성하고 수정했다는 사실 외에도 그의 작품에서 이국적인 국가의 영향도 느껴지지만 러시아 생활을 주제로 15 개의 오페라를 직접 만들었습니다. 예를 들어, 셰헤라자데 Thousand and One Nights의 이야기를 기반으로 합니다.

림스키-코르사코프는 특히 전체 오케스트라의 소리의 아름다움을 잘 보여주었다. 그는 그의 교육 활동에서 이것에 많은 관심을 기울였으며 따라서 그를 따르는 많은 러시아 작곡가, 특히 Stravinsky에게 영향을 미쳤습니다.

표트르 일리치 차이코프스키또한 그의 작곡에 러시아 민속 멜로디를 사용했지만 다른 러시아 국민 작곡가와 달리 그는 실제로 모든 유럽의 음악적 유산으로 자신의 방식으로 처리했습니다.

다양한 비밀에 가려진 차이코프스키의 개인 생활 (그의 동성애 성향에 대한 소문이 널리 퍼짐)은 쉽지 않았습니다. 그는 한때 이렇게 말했습니다.

"음악이 아니었다면 정말 미쳤을 것입니다!"

어렸을 때 그는 감수성이 많았고 성인이 되어 우울과 우울증에 빠지기 쉽습니다. 한 번 이상 그는 자살을 생각했습니다. 젊었을 때 그는 법학을 공부하고 잠시 법무부에서 일했지만 곧 법무부를 떠나 전적으로 음악에 전념했습니다. 서른일곱 살에 뜻하지 않게 결혼을 하게 되었지만 그 결혼은 그 자신과 아내 모두에게 진정한 고통이 되었습니다. 결국 그의 아내는 정신 병원에 입원했고 그곳에서 사망했습니다. 차이코프스키 자신도 결혼식 두 달 만에 일어난 이별에 오랜 시간 시달렸다.

차이코프스키의 초기 작품은 일반 대중에게 인정받지 못했으며 이로 인해 많은 고통을 겪었습니다. 흥미롭게도 이 작품들 중 상당수는 다음을 포함합니다. 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡그리고 피아노 협주곡 1번현재 매우 인기가 있습니다. 녹음 피아노 협주곡 1번일반적으로 백만 부 판매로 "골든 디스크"의 지위를 얻은 최초의 클래식 음악 녹음이되었습니다.

차이코프스키는 10개의 오페라를 작곡했는데, 유진 오네긴,와 같은 발레를 위한 음악 호두까기 인형, 잠자는 숲속의 미녀그리고 백조의 호수.이 음악을 들으면 매우 조화롭고 신나는 멜로디를 만들 수 있었던 차이코프스키 재능의 모든 위대함을 즉시 깨닫게 됩니다. 그의 발레는 여전히 세계 무대에서 종종 상연되며 대중의 변함없는 찬사를 불러일으킨다. 같은 이유로 그의 교향곡과 협주곡의 악절은 클래식 음악에 익숙하지 않은 사람들에게도 알려져 있습니다.

수년 동안 차이코프스키는 Nadezhda von Meck이라는 부유한 과부의 호의를 누렸습니다. 개인적인 만남에서 그들은 서로를 알아보지 못할 수도 있습니다.

작곡가의 사망 상황은 아직 완전히 명확하지 않습니다. 공식적인 결론에 따르면 차이코프스키는 콜레라로 사망했습니다. 그는 바이러스에 감염된 물을 마셨습니다. 그러나 자신의 동성애 관계가 공개 될까봐 자살 한 버전이 있습니다.

Glinka가 러시아 클래식 음악의 아버지로 간주된다면 체코 클래식 음악에서도 동일한 역할을 수행합니다. 베드리히 스메타나.

Smetana는 항상 체코에서 영감을 받았습니다. 민속 문화그리고 자연 본국. 이것은 특히 그의 교향시 순환에서 느껴집니다. 나의 조국, Smetana가 작성하는 데 8년이 걸렸습니다.

현재 이 사이클의 가장 인기 있는 작품은 블타바,프라하를 흐르는 가장 큰 체코 강 중 하나에 전념합니다.

그의 인생이 끝날 무렵 Bedřich Smetana는 중병에 걸렸고 (아마도 매독에 걸렸을 것임) 귀머거리가되었고 정신을 잃었습니다. 그는 60세의 나이로 세상을 떠났습니다.

그의 음악은 다음 작곡가인 Antonín Dvořák에게 영향을 미쳤습니다.

안토닌 드보르자크조국을 열렬히 사랑한 체코의 진정한 국민 영웅이었습니다. 그의 동포들은 그를 보답하고 숭배했습니다.

Dvorak의 작품은 Brahms(조금 후에 논의될)에 의해 널리 홍보되었습니다. 점차적으로 Dvorak의 이름은 전 세계적으로 인정되었습니다. 예를 들어 그는 영국에서 왕립 필 하모닉 협회의 초청과 버밍엄과 리즈의 축제에서 공연하는 팬을 확보했습니다.

그 후 Dvorak은 미국으로 가기로 결정했으며 1890 년대에 그는 3 년 동안 근무한 뉴욕 국립 음악원의 지휘자 직책을 제안 받았습니다. Dvorak은 고향을 크게 그리워했지만 지역 음악에 대한 관심을 멈추지 않았습니다. 그녀의 인상은 그의 작품에 반영된다. 교향곡 9번,명명 된 새로운 세계에서.

결국 드보르자크는 집으로 돌아가기로 결심하고 생애 말년을 프라하에서 가르치며 보냈습니다.

음악 외에도 Dvorak은 기차와 배에 관심이 있었고, 그에게 제공되는 많은 비용도 결정적인 역할을 할 수 있지만 미국 방문에 동의하는 데 분명히 기여한 것은 그의 열정이었습니다.

d 국립 체코 음악 학교의 대표자에는 다음도 포함됩니다. 요제프 숙, 레오 야나첵그리고 보구슬라프 마틴.

노르웨이 인 에드바르드 그리그고국을 열정적으로 사랑한 작곡가 집단에 속합니다. 그리고 조국은 그에게 보답했습니다. 노르웨이에서 그의 작곡은 여전히 ​​매우 인기가 있습니다. 그러나 Grieg 가족은 실제로 스코틀랜드 출신이기 때문에 모든 것이 다르게 나타날 수 있습니다. 그의 증조부는 Culloden 근처에서 영국과의 전투에서 패배 한 후 스칸디나비아로 이주했습니다.

무엇보다도 Grieg는 다음과 같은 작은 장르의 작품을 발표했습니다. 가사 연극피아노. 그러나 그의 가장 유명한 콘서트는 피아노 콘서트,팀파니 트레몰로 아래로 피아노 소리가 쏟아지는 듯한 인상적인 도입부.

d 스칸디나비아 국립 음악 학교의 대표자에는 다음도 포함됩니다. 칼 닐슨그리고 요한 스벤센.

사실에도 불구하고 XIX 세기스페인에서도 클래식 음악을 썼고 세계적 명성을 얻은 작곡가는 그리 많지 않았습니다. 예외 중 하나는 아이작 알베니스,젊었을 때 그는 호의적 인 기질로 구별되지 않았습니다.

알베니즈는 한 살 때부터 피아노를 배웠다고 한다. 3년 후 그는 대중 앞에서 공연을 했고 8살 때 투어를 시작했습니다. 15세 때 그는 아르헨티나, 쿠바, 미국, 영국을 방문했습니다.

Albeniz는 특히 즉흥 연주에 성공했습니다. 즉석에서 어떤 종류의 멜로디를 생각해 내고 즉시 여러 버전으로 이길 수 있습니다. 그는 또한 악기 마스터링의 경이로움을 보여주었습니다. 그는 등을 대고 서서 연주했습니다. 여기에 매회 머스킷티어 분장을 해 흥을 돋웠다.

성인기에 그는 약간 자리를 잡고 더 이상 터무니없는 행동이 아니라 작곡으로 청중을 놀라게했습니다. 그는 특히 그의 피아노 작품 주기로 유명합니다. 이베리아.그의 성공 덕분에 이 작곡가는 스페인을 그림자에서 벗어나 세계 음악계의 관심을 끌었습니다.

d Albéniz는 다음을 포함하여 스페인 국립 학교의 다른 많은 작곡가에게 큰 영향을 미쳤습니다. 파블로 데 사라사테, 엔리케 그라나도스, 마누엘 데 파야그리고 헤이토라 빌라 - 로보사(브라질인).

아서 설리반오늘날 잘 알려져 있습니다. 그러나 역사는 그를 공평하게 대하지 않았습니다. 왜냐하면 오늘날 그의 작품 중 최고와는 거리가 멀기 때문입니다. 1870년대에 그는 시인이자 대본 작가인 W. S. 길버트와 협력하기 시작했습니다. 그들은 함께 몇 가지 만화 오페레타를 썼습니다. 배심원 재판, Penzance의 해적, 폐하의 호위함 Pinafore, Princess Ida, The Mikado, Yeoman the Guard다른 사람.

공동 작업의 큰 성공에도 불구하고 두 작가는 서로 잘 지내지 못했고 결국 격렬한 싸움 끝에 의사 소통을 완전히 중단했습니다. 그러나 이러한 다툼은 공허했습니다.

예를 들어, 그들 중 하나는 그들의 오페레타가 보통 상연되는 런던 사보이 극장의 새로운 카펫에 관한 것입니다.

Sullivan은 진지한 작곡가로 유명해지기를 꿈꿨지만 오페레타 장르에 속하지 않는 그의 작품은 지금까지 잊혀졌습니다.

그러나 그는 오페라를 썼다. 아이반호꽤 흥미로운 교향곡 E단조그리고 애국가 "앞으로, 그리스도의 군대!"- 아마도 그의 가장 자주 수행되는 작업.

d 영국 국립 음악 학교의 대표자에는 다음도 포함됩니다. 아놀드 벅스, 휴버트 패리, 새뮤얼 콜리지-테일러, 찰스 빌리어스 스탠퍼드그리고 조지 버터워스.

Gilbert와 Sullivan 오페레타의 프랑스어 아날로그는 작품이라고 할 수 있습니다. 자크 오펜바흐,확실히 유머감각이 있는 남자. 그는 쾰른에서 태어났기 때문에 때때로 "O. Cologne에서”(“O. de Cologne”는 “cologne”처럼 들립니다).

1858년 오펜바흐는 파리지앵들을 놀라게 했다. 깡통오페레타에서 지옥의 오르페우스; 세련된 대중에게는 그러한 서민의 춤이 거칠고 외설적으로 보였지만 오페레타 자체는 추악한 것으로 간주되었습니다.

그건 그렇고,이 이름이 당신에게 친숙한 것 같으면 Peri, Monteverdi 및 Gluck이 이전 세기에 Orpheus 신화를 위해 음악을 썼다는 것을 기억할 가치가 있습니다. Offenbach의 버전은 풍자적이었고 오락을 목적으로 했으므로 매우 경솔한 장면이 포함되었습니다. 그럼에도 불구하고 첫인상에도 불구하고 대중은 결국 오페레타와 사랑에 빠졌고 오펜바흐 자신도 자신이 쓴 것을 후회할 이유가 거의 없었습니다.

그의 다른 작품 중에는 진지한 오페라가 알려져 있습니다. 호프만의 이야기소리가 나는 곳 곤돌라.

레오 들리브지금은 그의 오페라 중 하나만 대부분 기억되고 있지만 오펜바흐만큼 영향력 있는 작곡가는 아니었습니다. 라크메,그 유명한 꽃 듀오,수많은 텔레비전 화면 보호기 및 광고에 사용됩니다.

Delibes의 지인 중에는 Berlioz와 Bizet과 같은 위대한 음악가가 있었는데, 그는 파리의 Lyric Theatre 합창단 감독으로 함께 일했습니다.

d 프랑스 국립 음악 학교의 대표자에는 다음도 포함됩니다. 알렉시스 - Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - Lub그리고 쥘 마스네,오페라 태국인인터메조를 포함하여 반사 (심사 숙고),많은 현대 바이올리니스트들에게 인기가 있습니다.

우리의 마지막 두 국민 작곡가 인 로맨스는 아버지와 아들이지만 그들 사이의 나이 차이 (21 세)는 역사상 그리 크지 않습니다. 요한 슈트라우스 시니어"왈츠의 아버지"로 간주됩니다. 그는 훌륭한 바이올리니스트였으며 유럽 전역에서 공연하는 오케스트라를 이끌었고 이를 위해 상당한 돈을 받았습니다.

그럼에도 불구하고 "왈츠의 왕"이라는 칭호는 요한 슈트라우스라고도 불리는 그의 아들에게 정당하게 속합니다. 그의 아버지는 그가 바이올리니스트가 되는 것을 원하지 않았지만 어린 요한은 어쨌든 그의 삶을 음악에 바쳤고 그의 아버지에 필적하는 자신의 오케스트라를 조직했습니다. ~에 어린 슈트라우스좋은 사업 감각을 가지고 있었기 때문에 재무 상태를 강화할 수있었습니다.

총 요한 슈트라우스 - 아들가장 유명한 것을 포함하여 168개의 왈츠를 작곡했습니다. 아름다운 푸른 다뉴브 강에서.결국 무려 6개의 오케스트라가 슈트라우스의 이름을 따서 명명되었는데, 그 중 하나는 요한의 동생인 요제프가, 다른 하나는 그의 다른 형제인 에두아르트가 이끌었습니다(각각 약 300개의 작품을 작곡함).

Johann의 왈츠와 폴카는 비엔나 커피 하우스에서 진정한 히트를 쳤고 그의 가볍고 활기찬 스타일은 유럽 전역에서 댄스 음악의 표준이 되었습니다.

일부 클래식 음악 애호가들은 여전히 ​​Strauss의 작곡이 너무 저속하고 경솔하다고 생각합니다. 그들을 믿지 말고 그들의 도발에 굴복하지 마십시오! 이 가족은 첫 청취 직후 오랫동안 고양되고 기억에 남을 정말 훌륭한 작품을 쓸 수 있었습니다.

이 시기의 많은 작곡가들은 20세기까지 계속해서 음악을 작곡했습니다. 그러나 우리는 그들의 음악에서 강했던 것이 바로 낭만주의 정신 이었기 때문에 다음 장에서가 아니라 여기에서 그들에 대해 이야기합니다.

그들 중 일부는 "초기 낭만파" 및 "민족주의자" 하위 섹션에 언급된 작곡가들과 긴밀한 관계 및 우정을 유지했다는 점에 유의해야 합니다.

또한, 이 기간 동안 많은 훌륭한 작곡가들이 다른 유럽 국가에서 일했기 때문에 어떤 원칙에 따라 이들을 나누는 것은 전적으로 임의적이라는 점을 명심해야 합니다. 고전 시대와 바로크 시대에 관한 다양한 문헌에서 거의 동일한 기간이 언급되면 낭만주의 시대는 모든 곳에서 다르게 정의됩니다. 음악에서 낭만주의의 끝과 20세기 초의 경계는 매우 모호한 것 같다.

19세기 이탈리아를 대표하는 작곡가는 의심할 여지 없이 주세페 베르디.두꺼운 콧수염과 눈썹을 가진 이 남자는 빛나는 눈으로 우리를 바라보며 다른 모든 오페라 작곡가보다 우월했습니다.

Verdi의 모든 작곡은 말 그대로 밝고 기억에 남는 멜로디로 넘쳐납니다. 전체적으로 그는 26편의 오페라를 썼는데, 그 중 대부분은 오늘날까지 정기적으로 상연되고 있다. 그중에는 역사상 가장 유명하고 뛰어난 오페라 예술 작품이 있습니다.

Verdi의 음악은 작곡가의 생애 동안에도 높은 평가를 받았습니다. 시사회에서 명도관객들은 예술가들이 무려 서른두 번이나 절을 해야 할 정도로 긴 기립박수를 보냈다.

Verdi는 부자 였지만 돈은 작곡가의 아내와 두 자녀를 조기 사망에서 구할 수 없었기 때문에 그의 삶에는 비극적 인 순간이있었습니다. 그는 자신의 지시에 따라 밀라노에 세워진 옛 음악가들의 은신처에 자신의 재산을 물려주었습니다. Verdi 자신은 음악이 아닌 쉼터를 만드는 것이 그의 가장 큰 업적이라고 생각했습니다.

Verdi의 이름이 주로 오페라와 관련되어 있다는 사실에도 불구하고 그를 언급하지 않는 것은 불가능합니다. 레퀴엠,합창 음악의 가장 훌륭한 예 중 하나로 간주됩니다. 그것은 드라마로 가득 차 있으며 오페라의 일부 기능이 빠져 나옵니다.

우리의 다음 작곡가는 결코 가장 매력적인 사람이 아닙니다. 일반적으로 이것은 우리 책에 언급 된 모든 인물 중 가장 추악하고 논란이 많은 인물입니다. 성격 특성만을 기준으로 목록을 작성한다면 리차드 바그너절대 때리지 않을 것입니다. 그러나 우리는 오로지 음악적 기준에 따라 인도되며 클래식 음악의 역사는 이 사람 없이는 상상할 수 없습니다.

Wagner의 재능은 부인할 수 없습니다. 그의 펜 아래에서 가장 중요하고 인상적인 몇 가지가 나왔습니다. 작곡낭만주의의 전체 기간 동안 - 특히 오페라의 경우. 동시에 그는 반유대 주의자, 인종 차별 주의자, 빨간 테이프, 마지막 사기꾼, 심지어 필요한 모든 것을 주저하지 않는 도둑, 후회없이 무례한 사람들로 언급됩니다. Wagner는 과장된 자부심을 가지고 있었고 그의 천재성이 그를 다른 모든 사람들보다 높게 만들었다고 믿었습니다.

Wagner는 그의 오페라로 기억됩니다. 이 작곡가는 독일 오페라를 완전히 새로운 수준으로 끌어올렸으며, 베르디와 동시대에 태어났지만 그의 음악은 그 시대의 이탈리아 작곡과는 매우 달랐습니다.

Wagner의 혁신 중 하나는 각 주인공이 자신의 것을 받았다는 것입니다. 뮤지컬 테마, 그가 무대에서 중요한 역할을 시작할 때마다 반복되었습니다.

지금은 자명해 보이지만 당시에는 이 아이디어가 진정한 혁명을 일으켰습니다.

Wagner의 가장 큰 업적은 사이클이었습니다. Nibelung의 반지, 4개의 오페라로 구성된 라인 골드, 발키리, 지그프리트그리고 신들의 죽음.일반적으로 연속 4일 밤을 보내고 총 15시간 정도 지속됩니다. 이 오페라만으로도 작곡가를 찬양하기에 충분할 것입니다. 인간으로서의 바그너의 모호함에도 불구하고 그가 뛰어난 작곡가였다는 점은 인정되어야 한다.

Wagner 오페라의 특징은 길이입니다. 그의 마지막 오페라 파르지팔 4시간 이상 지속됩니다.

지휘자 데이비드 랜돌프는 언젠가 그녀에 대해 이렇게 말했습니다.

"이것은 6시에 시작하는 일종의 오페라입니다. 3시간 후에 손목시계를 보면 6시 20분을 가리키고 있습니다."

삶 안톤 브루크너작곡가로서 스스로 포기하지 않고 고집하는 방법에 대한 교훈이다. 그는 하루에 12시간을 연습하고 모든 시간을 일에 바쳤고(그는 오르간 연주자였습니다) 스스로 음악을 많이 배웠으며 상당히 성숙한 나이인 37세에 서신으로 작문 기술을 마스터했습니다.

오늘날 Bruckner의 교향곡은 가장 자주 기억되며 총 9개의 작품을 작곡했습니다. 때때로 그는 음악가로서의 생존 가능성에 대한 의구심에 사로 잡혔지만 그의 생애가 끝날 무렵에도 여전히 인정을 받았습니다. 실행 후 교향곡 1번비평가들은 마침내 그 당시 이미 44 세가 된 작곡가를 칭찬했습니다.

요하네스 브람스말하자면 은 지팡이를 손에 들고 태어난 작곡가는 아닙니다. 그가 태어날 때까지 가족은 이전의 재산을 잃고 간신히 생계를 유지했습니다. 십대 때 그는 고향인 함부르크의 매음굴에서 놀며 생계를 꾸렸습니다. Brahms가 성인이되었을 때 의심 할 여지없이 가장 매력적인 삶의 측면과는 거리가 멀었습니다.

브람스의 음악은 그의 친구인 로베르트 슈만에 의해 홍보되었습니다. 슈만이 죽은 후 브람스는 클라라 슈만과 가까워졌고 결국 그녀와 사랑에 빠졌습니다. 그녀에 대한 감정이 아마도 다른 여성들과의 관계에서 어떤 역할을했을지 모르지만 그들이 어떤 관계를 가졌는지는 정확히 알려지지 않았습니다. 그는 그들 중 누구에게도 마음을주지 않았습니다.

사람으로서 Brahms는 다소 억제되지 않고 짜증이 났지만 그의 친구들은 주변 사람들에게 항상 그것을 보여주지는 않았지만 그에게 부드러움이 있다고 주장했습니다. 어느 날 파티에서 집으로 돌아와서 그는 이렇게 말했습니다.

"내가 누구에게도 상처를 주지 않았다면 용서를 구합니다."

Brahms는 가장 패셔너블하고 우아하게 차려입은 작곡가와의 경쟁에서 우승하지 못했을 것입니다. 그는 새 옷을 사는 것을 극도로 싫어했고 종종 똑같은 헐렁하고 패치가 붙은 바지를 입었는데 거의 항상 그에게 너무 짧았습니다. 한 공연에서 그의 바지가 거의 떨어질 뻔했습니다. 또 다른 경우에는 넥타이를 벗어서 벨트 대신에 사용해야 했습니다.

Brahms의 음악 스타일은 Haydn, Mozart 및 Beethoven의 영향을 많이 받았으며 일부 음악 역사가는 그가 이미 유행하지 않은 고전주의 정신으로 작곡했다고 주장합니다. 동시에 그는 몇 가지 새로운 아이디어도 소유하고 있습니다. 그는 특히 작곡가들이 "반복 모티프"라고 부르는 작은 음악 조각을 개발하고 작업 전반에 걸쳐 반복하는 데 성공했습니다.

Opera Brahms는 글을 쓰지 않았지만 거의 모든 다른 장르의 클래식 음악을 시도했습니다. 따라서 그는 우리 책에 언급된 가장 위대한 작곡가 중 한 명인 진정한 클래식 음악의 거인이라고 할 수 있습니다. 그는 자신의 작품에 대해 이렇게 말했습니다.

"작곡하는 건 어렵지 않은데, 여분의 노트를 탁자 아래에 던지는 건 의외로 어렵다."

막스 브루흐브람스보다 불과 5년 뒤에 태어났고, 브람스가 단 한 작품이 아니었다면 확실히 그를 압도했을 것입니다. 바이올린 협주곡 1번.

브루흐 자신도 이 사실을 인정하면서 많은 작곡가들에게 흔치 않은 겸손함을 드러냈습니다.

"지금부터 50년 후에 브람스는 역사상 가장 위대한 작곡가 중 한 명으로 불릴 것이며 나는 G단조 바이올린 협주곡을 작곡한 것으로 기억될 것입니다."

그리고 그는 옳은 것으로 판명되었습니다. 사실, Brujah 자신도 기억할 것이 있습니다! 그는 다른 많은 작품을 작곡했습니다. 모두 약 200곡입니다. 그는 특히 요즘 거의 공연되지 않는 합창단과 오페라를 위한 작품을 많이 가지고 있습니다. 그의 음악은 선율적이지만 그 발전에 특별히 새로운 기여를 한 것은 아니다. 그의 배경에 비추어 볼 때 당시의 다른 많은 작곡가들은 진정한 혁신가인 것 같습니다.

1880년 브루흐는 리버풀 왕립 필하모닉 소사이어티의 지휘자로 임명되었지만 3년 후 베를린으로 돌아왔습니다. 오케스트라의 음악가들은 그에게 만족하지 않았습니다.

우리 책의 페이지에서 우리는 이미 많은 음악 신동들을 만났고, 카미유 생상스그 중에서 가장 많이 차지하지 않는다 마지막 장소. 두 살 때 Saint-Saens는 이미 피아노에서 멜로디를 집어 들었고 동시에 음악을 읽고 쓰는 법을 배웠습니다. 세 살 때 그는 연극을 했다 자신의 작곡. 열 살 때 그는 모차르트와 베토벤을 완벽하게 연주했습니다. 그러나 그는 곤충학(나비와 곤충)에 진지하게 관심을 갖게 되었고 나중에는 지질학, 천문학, 철학을 포함한 다른 과학에도 관심을 갖게 되었습니다. 그런 재능있는 아이는 단순히 자신을 한 가지로 제한 할 수없는 것 같았습니다.

파리 음악원을 졸업한 후 생상스는 오랫동안 오르간 연주자로 일했습니다. 나이가 들면서 그는 영향을 미치기 시작했습니다. 음악 생활프랑스, J.S. Bach, Mozart, Handel 및 Gluck과 같은 작곡가의 음악이 더 자주 연주되기 시작한 것은 그 덕분입니다.

최대 유명한 에세이세인트 - 산사 - 동물 카니발,작곡가가 평생 동안 연주하는 것을 금지했습니다. 그는 걱정했다 어떻게 음악 평론가,이 작업을 듣고 너무 경박하다고 생각하지 않았습니다. 결국 무대 위의 오케스트라가 사자, 수탉이있는 암탉, 거북이, 코끼리, 캥거루, 물고기가있는 수족관, 새, 당나귀, 백조를 묘사하는 것이 재밌습니다.

Saint-Saens는 유명한 "오르간" 교향곡 3번,영화 "베이비"에서 들렸습니다.

Saint-Saens의 음악은 다른 사람들의 작품에 영향을 미쳤습니다. 프랑스 작곡가, 포함 가브리엘 포레.이 청년은 이전에 Saint-Saens가 소유했던 파리의 St. Magdalene 교회에서 오르간 연주자의 지위를 물려 받았습니다.

그리고 Faure의 재능은 그의 선생님의 재능과 비교할 수 없지만 그는 훌륭한 피아니스트였습니다.

포레는 가난한 사람이었기 때문에 오르간을 연주하고 합창단을 지휘하고 레슨을 하면서 열심히 일했습니다. 그는 쓰고 있었다 자유 시간, 거의 남지 않았지만 그럼에도 불구하고 그는 250 편 이상의 작품을 출판했습니다. 그들 중 일부는 아주 오랫동안 작곡되었습니다. 예를 들어 레퀴엠 20년 넘게 지속되었습니다.

1905년 포레는 당시 프랑스 음악의 발전에 크게 의존했던 파리 음악원의 감독이 되었다. 15년 후 포레는 은퇴했다. 말년에 그는 청력 상실로 고생했습니다.

오늘날 Faure는 프랑스 밖에서도 존경을 받고 있지만 프랑스에서 가장 높이 평가받고 있습니다.

영국 음악 팬들에게는 다음과 같은 인물의 등장이 에드워드 엘가,진짜 기적처럼 보였을 것입니다. 많은 음악 역사가들은 그를 바로크 시대에 활동한 Henry Purcell 이후 최초의 중요한 영국 작곡가라고 부릅니다.

Elgar는 영국, 특히 Malvern Hills의 들판에서 영감을 얻으며 대부분의 삶을 보냈던 그의 고향 Worcestershire를 매우 좋아했습니다.

어렸을 때 그는 모든 곳에서 음악에 둘러싸여 있었습니다. 그의 아버지는 지역 뮤직 스토어를 운영했고 어린 Elgar에게 다양한 연주를 가르쳤습니다. 악기. 열두 살 때 소년은 이미 교회 예배에서 오르간 연주자를 대신했습니다.

변호사 사무실에서 일한 후 Elgar는 재정적으로 훨씬 덜 안전한 직업에 전념하기로 결정했습니다. 얼마 동안 그는 바이올린과 피아노 레슨을 제공하고 지역 오케스트라에서 연주하고 약간의 지휘를하면서 아르바이트를했습니다.

점차적으로 Elgar의 작곡가로서의 명성은 커졌지만 그는 고향을 벗어나기 위해 애를 써야했습니다. 명성이 그를 데려왔다 오리지널 테마의 변주,지금은 더 잘 알려진 수수께끼 변형.

이제 Elgar의 음악은 국가 규모의 가장 큰 행사에서 매우 영어적이고 들리는 것으로 인식됩니다. 그것의 첫 소리에 첼로 협주곡영국 시골이 즉시 나타납니다. 니므롯~에서 변형공식 행사에서 자주 연주되며, 엄숙하고 의식적인 행진곡 1번,~로 알려진 희망과 영광의 땅영국 전역의 무도회에서 공연되었습니다.

Elgar는 가정적인 가장이었고 조용하고 질서 있는 삶을 사랑했습니다. 그럼에도 불구하고 그는 역사에 족적을 남겼다. 두꺼운 무성한 콧수염을 가진이 작곡가는 20 파운드 지폐에서 즉시 알아볼 수 있습니다. 분명히 지폐 디자이너들은 그러한 얼굴 털을 위조하기가 매우 어렵다는 것을 발견했습니다.

이탈리아에서 오페라 예술의 주세페 베르디의 후계자는 자코모 푸치니, 이 예술 형식의 인정받는 세계 거장 중 한 명으로 간주됩니다.

푸치니 가족은 오랫동안 교회 음악그러나 Giacomo가 오페라를 처음 들었을 때 아이다 Verdi, 그는 이것이 그의 소명임을 깨달았습니다.

밀라노에서 공부한 후, 푸치니는 오페라를 작곡합니다. 마농 레스코,그것은 1893년에 그에게 첫 번째 큰 성공을 가져왔습니다. 그 후 하나의 성공적인 생산이 이어졌습니다. 보헤미아 1896년, 그리움 1900년과 나비부인 1904년.

푸치니는 총 12개의 오페라를 작곡했으며, 그 중 마지막은 투란도트.그는 이 작품을 완성하지 못한 채 세상을 떠났고, 다른 작곡가가 작품을 완성했다. 오페라 초연에서 지휘자 아르투로 토스카니니는 푸치니가 중단한 바로 그 지점에서 오케스트라를 중단시켰다. 그는 청중을 향해 이렇게 말했습니다.

"여기서 죽음이 예술을 이겼습니다."

푸치니의 죽음으로 이탈리아 오페라의 전성기는 막을 내렸다. 우리 책은 더 이상 이탈리아어를 언급하지 않습니다 오페라 작곡가. 그러나 우리의 미래가 어떻게 될지 누가 알겠습니까?

인생에서 구스타프 말러그는 작곡가보다 지휘자로 더 잘 알려져 있었다. 그는 겨울에 지휘했고 여름에는 원칙적으로 글쓰기를 선호했습니다.

어린 시절 말러는 할머니 집 다락방에서 피아노를 발견했다고 합니다. 4년 후인 10살의 나이에 그는 이미 첫 공연을 했다.

말러는 비엔나 음악원에서 공부하여 작곡을 시작했습니다. 1897년에 그는 빈 국립 오페라의 감독이 되었고 그 후 10년 동안 이 분야에서 상당한 명성을 얻었습니다.

그는 자신이 세 편의 오페라를 쓰기 시작했지만 끝내지 못했습니다. 우리 시대에 그는 교향곡 작곡가로 가장 잘 알려져 있습니다. 이 장르에서 그는 진정한 "히트" 중 하나를 소유하고 있습니다. 교향곡 8번,천 명 이상의 음악가와 가수가 참여하는 공연.

말러가 사망한 후 그의 음악은 50년 동안 유행에서 벗어났지만 20세기 후반에 특히 영국과 미국에서 다시 인기를 얻었습니다.

리하르트 슈트라우스독일에서 태어나 비엔나 슈트라우스 왕조에 속하지 않았습니다. 이 작곡가는 거의 20세기 전반에 살았음에도 불구하고 여전히 독일 낭만주의 음악의 대표자로 간주됩니다.

Richard Strauss의 세계적인 인기는 1939 년 이후 독일에 머물기로 결정했고 2 차 세계 대전 이후 그는 나치와 협력했다는 비난을 완전히 받았다는 사실로 인해 다소 어려움을 겪었습니다.

Strauss는 훌륭한 지휘자였습니다. 덕분에 오케스트라의 특정 악기 소리가 어떻게 들리는지 완벽하게 이해했습니다. 그는 종종 이 지식을 실제로 적용했습니다. 그는 또한 다른 작곡가들에게 다음과 같은 다양한 조언을 했습니다.

"절대 트롬본을 쳐다보지 마세요, 당신은 단지 그들을 격려할 뿐입니다."

“연주하는 동안 땀을 흘리지 마십시오. 듣는 사람만 뜨거워져야지.”

오늘날 Strauss는 주로 그의 작곡과 관련하여 기억됩니다. 차라투스트라는 이렇게 말했다. Stanley Kubrick이 그의 영화 2001: A Space Odyssey에서 사용한 인트로. 그러나 그는 또한 최고의 독일 오페라를 작곡했는데, 그 중 일부는 - 로젠카발리에, 살로메그리고 낙소스의 아리아드네.그가 죽기 1년 전에 그는 또한 매우 아름다운 곡을 작곡했습니다. 네 개의 마지막 노래목소리와 오케스트라를 위해. 사실 이들은 Strauss의 마지막 노래는 아니지만 그의 창작 활동의 일종의 피날레가되었습니다.

지금까지 이 책에 언급된 작곡가 중 스칸디나비아를 대표하는 작곡가는 에드바르 그리그 한 명뿐이었다. 그러나 이제 우리는 다시 이 가혹하고 추운 땅, 즉 이번에는 핀란드로 이동합니다. 장 시벨리우스,위대한 음악적 천재.

시벨리우스의 음악은 고국의 신화와 전설을 흡수했습니다. 그의 가장 위대한 작품 핀란드,영국에서 Elgar의 작품이 국보로 인정되는 것처럼 핀란드 국가 정신의 구체화로 간주됩니다. 또한 시벨리우스는 말러와 마찬가지로 교향곡의 진정한 대가였습니다.

작곡가의 다른 열정에 관해서는 일상 생활에서 술과 담배를 지나치게 좋아하여 40 세에 인후암에 걸렸습니다. 그는 또한 종종 돈이 부족했고 국가는 재정적 복지에 대해 걱정하지 않고 음악을 계속 쓸 수 있도록 그에게 연금을 제공했습니다. 그러나 시벨리우스는 죽기 20년 이상 전에 작곡을 전혀 중단했습니다. 그는 여생을 상대적으로 고독하게 살았습니다. 그는 자신의 음악에 대한 리뷰로 돈을 받는 사람들에 대해 특히 가혹했습니다.

“비평가들이 말하는 것에 주의를 기울이지 마십시오. 지금까지 동상을 받은 평론가는 단 한 명도 없습니다.”

우리의 낭만주의 작곡가 목록에 있는 마지막 사람도 그의 가장 유명한 작품 대부분을 1900년대에 썼지만 거의 20세기 중반까지 살았습니다. 그러나 그는 낭만주의에 속하며 이것이 가장 낭만적인 작곡가전체 그룹에서.

세르게이 바실리예비치 라흐마니노프그 당시 많은 돈을 썼던 고귀한 가정에서 태어났습니다. 그는 일찍부터 음악에 대한 관심을 키웠다. 어린 시절, 그의 부모는 처음에는 상트 페테르부르크에서, 그다음에는 모스크바에서 공부하도록 그를 보냈습니다.

라흐마니노프는 놀랍도록 재능 있는 피아니스트였으며 훌륭한 작곡가이기도 했습니다.

내 거 피아노 협주곡 1번그는 19세에 썼다. 그는 또한 그의 첫 번째 오페라를 위한 시간을 찾았습니다. 알레코.

그러나이 위대한 음악가는 일반적으로 삶에 특별히 만족하지 않았습니다. 많은 사진에서 우리는 화를 내며 눈살을 찌푸리는 남자를 봅니다. 또 다른 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키는 이렇게 말했습니다.

“라흐마니노프의 불멸의 본질은 그의 찌푸린 얼굴이었습니다. 그는 찌푸린 얼굴이 6.5피트였습니다... 그는 무시무시한 사람이었습니다."

젊은 라흐마니노프가 차이코프스키에서 뛰었을 때 그는 너무 기뻐서 모스크바 음악원 역사상 가장 높은 점수 인 그의 악보에 4 개의 플러스가있는 5를 넣었습니다. 곧 도시 전체가 젊은 재능에 대해 이야기하기 시작했습니다.

그럼에도 불구하고 운명은 오랫동안 음악가에게 불리했습니다.

비평가들은 그에게 매우 가혹했습니다. 교향곡 1번,초연은 실패로 끝났습니다. 이것은 Rachmaninov에게 심각한 감정적 경험을 주었고 자신의 힘에 대한 믿음을 잃었고 아무것도 작곡 할 수 없었습니다.

결국 경험 많은 정신과 의사 Nikolai Dahl의 도움으로 위기에서 벗어날 수있었습니다. 1901년까지 라흐마니노프는 피아노 협주곡을 완성했고, 수년 동안 열심히 작업하여 달 박사에게 바쳤습니다. 이번에는 청중이 작곡가의 작품을 기쁘게 맞이했습니다. 그때부터 피아노 협주곡 2번즐겨 찾기가되었습니다 고전다양한 수행 뮤지컬 그룹세계적인.

Rachmaninoff는 유럽과 미국을 여행하기 시작했습니다. 러시아로 돌아와 지휘와 작곡을 했다.

1917년 혁명 이후 라흐마니노프와 그의 가족은 스칸디나비아로 콘서트를 갔다. 그는 집에 돌아오지 않았습니다. 대신 그는 스위스로 이주하여 루체른 호숫가에 집을 샀습니다. 그는 항상 수역을 좋아했고 이제 상당히 부자가 되었을 때 해안에서 휴식을 취하고 탁 트인 풍경에 감탄할 수 있었습니다.

라흐마니노프는 뛰어난 지휘자였으며 이 분야에서 뛰어나고자 하는 사람들에게 항상 다음과 같은 조언을 했습니다.

“훌륭한 지휘자는 훌륭한 운전사여야 합니다. 둘 다 동일한 자질을 필요로 합니다: 집중, 지속적인 강렬한 주의 및 마음의 존재. 지휘자는 음악을 조금만 알면 되는데…

1935년 라흐마니노프는 미국에 정착하기로 결정했습니다. 그는 처음에 뉴욕에서 살다가 로스앤젤레스로 이사했습니다. 그곳에서 그는 자신을 위해 집을 짓기 시작했습니다. 새 집, 그가 모스크바에 남긴 것과 완전히 동일합니다.

나이가 들면서 라흐마니노프는 지휘를 점점 더 적게 했고 작곡을 거의 완전히 중단했습니다. 그는 뛰어난 피아니스트로서 명성의 정점에 도달했습니다.

향수병에도 불구하고 Rachmaninov는 미국을 좋아했습니다. 그는 자신의 거대한 캐딜락을 자랑스러워했고 종종 자신의 차를 과시하기 위해 손님을 초대했습니다.

라흐마니노프는 죽기 직전에 미국 시민권을 받았습니다. 이 나라에서 그는 묻혔다.

우리는 우리 책에서 다른 모든 클래식 음악 시대보다 낭만주의 시대에 훨씬 더 많은 관심을 기울였습니다.

이 시대에는 여러 나라에서 흥미로운 일이 너무 많아서 작은 기사로 모든 ​​것을 말할 수 없습니다. 클래식 음악은 그 소리와 마찬가지로 많이 변했습니다. 심포니 오케스트라더 풍부하고 강렬합니다. 여러 면에서 라흐마니노프의 작품은 이 소리의 완벽한 예입니다. 베토벤과 비교해 보면 그 변화가 얼마나 웅장했는지 알 수 있다.

그러나 낭만주의 시대 약 80년 동안 음악계에서 일어난 이러한 동일한 변화가 아무리 중요하더라도 그 이후에 일어난 것과 비교할 수는 없습니다. 그리고 앞으로 음악은 훨씬 더 다양하고 특이 해졌습니다. 우리 의견에 따르면 항상 유리하지는 않았습니다.