마린스키 극장의 발레단. 발레 댄서들이 마린스키 극장을 떠나는 이유 마린스키 극장을 떠나기로 결정한 이유
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현대 러시아 발레리나. 탑 5
제안 된 상위 5 대 발레리나에는 정치 상황과 문화 상황이 급격히 변하는 90 년대에 우리나라의 주요 뮤지컬 극장 인 Mariinsky와 Bolshoi에서 경력을 시작한 아티스트가 포함되었습니다. 발레 극장레퍼토리의 확장, 새로운 안무가의 등장, 서양에서의 추가 기회의 출현과 동시에 공연 기술에 대한 요구로 인해 더욱 개방되었습니다.
이 짧은 신세대 스타 목록은 Uliana Lopatkina에 의해 시작되었습니다. 마린스키 오페라 하우스 1991년에 시작하여 이제 그의 경력을 거의 완성했습니다. 목록의 끝에는 발레 예술에서 페레스트로이카 시대에 일하기 시작한 Victoria Tereshkina가 있습니다. 그리고 그녀 바로 뒤에 다음 세대소비에트 유산이 많은 방향 중 하나에 불과한 무용수. 이들은 Ekaterina Kondaurova, Ekaterina Krysanova, Olesya Novikova, Natalya Osipova, Oksana Kardash입니다.
울리아나 로파트키나
오늘날 언론은 나탈리아 두딘스카야의 제자인 율리아나 로파트키나(1973년생)를 러시아 발레의 '스타일 아이콘'이라고 부른다. 이 눈에 띄는 정의에는 진실이 있습니다. 그녀는 Konstantin Sergeyev의 차갑게 세련된 소련 버전의 "백조의 호수"의 진정한 "양면"여주인공인 이상적인 Odette-Odile이며, 그는 또한 Mikhail Fokine의 퇴폐적인 미니어처 "The Dying"에서 또 다른 백조 이미지를 개발하고 설득력 있게 무대에서 구현했습니다. 백조” 카미유 생상스. 비디오로 녹화된 그녀의 두 작품에 따르면 Lopatkina는 전 세계 수천 명의 팬이 거리에서 인정하고 있으며 수백 명의 젊은 발레 학생들이 기술을 이해하고 환생의 신비를 풀려고 노력하고 있습니다. 세련되고 관능적인 Lebed는 Uliana이며, 앞으로 오랫동안 새로운 세대의 댄서들이 1990년대-2000년대의 화려한 발레리나 은하계를 능가할 때에도 Odette-Lopatkina는 행운을 빕니다. 그녀는 또한 Alexander Glazunov의 "Raymonda", Arif Melikov의 "The Legend of Love"에서 도달하기 어렵고 기술적으로 정확하고 표현력이 뛰어났습니다. 그녀는 러시아 제국 발레의 문화로 가득 찬 미국 유산 인 George Balanchine의 발레에 기여하지 않고는 "스타일의 아이콘"이라고 불리지 않았을 것입니다. 1999-2010). 그녀의 최고의 역할, Lopatkina는 "Diamonds", "Piano Concerto No. 2", "Theme and Variations"에서 Pyotr Tchaikovsky, "Waltz"의 음악에 대한 솔로 작품이 된 줄거리없는 구성을 극적으로 채우는 방법을 알고 있기 때문에 파티가 아니라 역할이었습니다. " 모리스 라벨. 발레리나는 극장의 모든 아방가르드 프로젝트에 참여했으며 현대 안무가많은 사람들에게 기회를 줄 것입니다.
안무 미니어처 "The Dying Swan"의 Uliana Lopatkina
기록한 것"Ulyana Lopatkina, 또는 평일과 공휴일의 춤"
디아나 비슈네바
출생으로 두 번째, 전설적인 Lyudmila Kovaleva Diana Vishneva(1976년생)의 학생인 Lopatkina보다 불과 3살 어리지만 실제로는 두 번째가 아니라 첫 번째였습니다. 3 년 동안 서로 헤어진 Lopatkina, Vishneva 및 Zakharova는 건전한 경쟁으로 가득 찬 동시에 서로의 거대하지만 완전히 다른 가능성에 감탄하는 Mariinsky Theatre에서 나란히 걸었습니다. Lopatkina가 나른하고 우아한 백조로 통치하고 Zakharova가 낭만적 인 Giselle의 새로운 도시 이미지를 형성 한 곳에서 Vishneva는 바람의 여신 역할을 수행했습니다. 그녀는 러시아 발레 아카데미를 졸업하기 전에 이미 Mariinsky Kitri 무대에서 춤을 췄습니다. 주인공 Don Quixote에서 몇 달 후 그녀는 볼쇼이 극장 무대에서 모스크바에서 자신의 업적을 보여주었습니다. 그리고 20세에 그녀는 마린스키 극장의 프리마 발레리나가 되었지만, 많은 사람들이 이 지위로 승진하기까지 최대 30년 이상을 기다려야 합니다. 18 (!) Vishneva는 특히 Igor Belsky가 그녀를 위해 작곡 한 번호에서 Carmen의 역할을 시도했습니다. 90 년대 후반 Vishneva는 Leonid Lavrovsky의 정식 버전에서 최고의 Juliet으로 간주되었으며 Kenneth MacMillan의 같은 이름 발레에서 가장 우아한 Manon Lesko가되었습니다. 2000년대 초부터 George Balanchine, Jerome Robbins, William Forsyth, Alexei Ratmansky, Angelin Preljocaj와 같은 안무가들의 많은 작품에 참여한 St. Petersburg와 병행하여 게스트 étoile("발레 스타")로 해외 공연을 시작했습니다. ). 이제 Vishneva는 종종 자신을 위해 발레를 주문하면서 자신의 프로젝트에서 일합니다. 유명한 안무가(John Neumeier, Alexey Ratmansky, Carolyn Carlson, Moses Pendleton, Dwight Rhoden, 장 크리스토프 마이요). 발레리나는 모스크바 극장 시사회에서 정기적으로 춤을 춥니 다. 발레에서 Vishneva와 함께 큰 성공 볼쇼이 극장 Mats Ek의 "Apartment"(2013) 안무와 2014년 Stanislavsky와 Nemirovich-Danchenko 모스크바 뮤지컬 극장에서 Alexander Pushkin의 "Eugene Onegin"을 기반으로 한 John Neumeier의 연극 "Tatiana". 2013년 그녀는 11월 페스티벌의 주최자 중 한 명이 되었습니다. 현대 무용 2016년부터 모스크바뿐만 아니라 상트페테르부르크에서도 열리는 Context.
다큐멘터리 "항상 이동 중입니다. 디아나 비슈네바»
스베틀라나 자카로바
90 년대 A. Vaganova Academy의 유명한 병아리 중 3 위 중 막내 인 Svetlana Zakharova (1979 년생)는 한때 위대한 레닌 그라드 발레리나 Marina Semyonova와 Galina Ulanova처럼 행동하면서 즉시 라이벌을 추월하고 다소 추월했습니다. " 2003년 모스크바 볼쇼이 극장에서" 그녀의 뒤에는 ARB Elena Evteeva의 훌륭한 교사와 함께 공부하고 70 년대 키로프 발레단의 스타 인 Olga Moiseeva와 함께 일한 경험과 엄청난 실적이 있습니다. 상트 페테르부르크 시대의 모든 공연에서 Zakharova는 분명히 눈에 띄었습니다. 그녀의 강점은 한편으로는 Sergei Vikharev가 복원 한 Marius Petipa의 오래된 발레의여 주인공과 주요 안무가의 아방가르드 프로덕션 솔리스트 해석이었습니다. 자연 데이터에 따르면 기술 사양» Zakharova는 Mariinsky Theatre에서 그녀의 동료들을 능가했을 뿐만 아니라 Bolshoi에서 그녀는 게스트 자격으로 어디에서나 춤을 추는 세계에서 가장 인기 있는 발레리나 집단에 들어갔습니다. 그리고 이탈리아에서 가장 중요한 발레단인 La Scala 발레단은 2008년 그녀에게 영구 계약을 제안했습니다. 어느 시점에서 Zakharova는 그녀가 춤을 췄다고 인정했습니다. 백조의 호수”, “La Bayadère” 및 “Sleeping Beauty” 함부르크에서 파리 및 밀라노에 이르기까지 가능한 모든 무대 에디션. 볼쇼이 극장에서 Zakharova가 모스크바로 이주한 직후 John Neumeier는 자신의 프로그램 발레 Dream을 상연했습니다. 한여름 밤”, 발레리나는 Oberon Nikolai Tsiskaridze와 짝을 이루는 Hippolyta-Titania의 이중 역할로 번쩍였습니다. 그녀는 또한 볼쇼이에서 Neumeier의 Lady of the Camellias 제작에 참여했습니다. Zakharova는 Yuri Possokhov와 성공적으로 협력합니다. 그녀는 2006 년 볼쇼이 극장에서 신데렐라 초연을 춤을 췄고 2015 년에는 A Hero of Our Time에서 Princess Mary의 역할을 수행했습니다.
다큐멘터리 영화 “볼쇼이 극장 스베틀라나 자하로바의 프리마 발레리나. 시현"
마리아 알렉산드로바
동시에 상트 페테르부르크 무용수 삼인조가 북부 팔미라를 정복했을 때 마리아 알렉산드로바 (1978 년생)의 스타가 모스크바에서 일어났습니다. 그녀의 경력은 약간의 지연으로 발전했습니다. 그녀가 극장에 왔을 때 이전 세대의 발레리나 인 Nina Ananiashvili, Nadezhda Gracheva, Galina Stepanenko는 세기를 춤췄습니다. 참여하는 발레에서 Alexandrova (밝고 변덕스럽고 이국적인)는 부업에 있었지만 극장의 모든 실험 초연을 얻은 것은 그녀였습니다. 비평가들은 Alexei Ratmansky의 Dreams of Japan에서 아직 어린 발레리나를 보았고 곧 Boris Eifman의 Russian Hamlet 등에서 Catherine II를 해석했습니다.”, "Raymonda", "Legend of Love", 그녀는 참을성있게 몇 년을 기다렸습니다.
안무가가 알렉산드로바를 줄리엣으로 선택한 2003년은 운명적이었다. 새 물결 운동라두 포클리타루. 볼쇼이 극장에서 새로운 안무(쁘띠 슈즈 없이, 클래식한 자세 없이)의 길을 열어준 중요한 공연이었고, 알렉산드로바는 혁명의 깃발을 들었다. 2014년에 그녀는 메이요가 안무한 또 다른 셰익스피어 발레인 "The Taming of the Shrew"에서 그녀의 성공을 반복했습니다. 2015년 Alexandrova는 안무가 Vyacheslav Samodurov와 작업을 시작했습니다. 그는 예 카테 린 부르크에서 연극 무대 뒤에서 "커튼"에 대한 발레를 상연했으며 2016 년 여름 볼쇼이 극장에서 같은 이름의 발레에서 Ondine의 역할을 선택했습니다. 발레리나는 강제 대기 시간을 사용하여 역할의 극적인 측면을 연마했습니다. 연기를 목표로 한 그녀의 창조적 에너지의 비밀 원천은 마르지 않으며 Alexandrova는 항상 경계합니다.
다큐멘터리 영화“나 자신에 대한 독백. 마리아 알렉산드로바"
빅토리아 테레쉬키나
볼쇼이의 알렉산드로바처럼 빅토리아 테레슈키나(1983년생)는 앞서 언급한 발레리나 트리오의 그늘에 있었다. 그러나 그녀는 누군가가 은퇴하기를 기다리지 않고 평행 공간을 정력적으로 포착하기 시작했습니다. 그녀는 초보 안무가와 실험을했으며 William Forsythe의 어려운 발레 (예 : Approximate Sonata)에서 길을 잃지 않았습니다. 종종 그녀는 다른 사람들이 수행하지 않았거나 수행했지만 대처할 수 없었던 일을했지만 Tereshkina는 성공했으며 여전히 절대적으로 모든 것을 수행합니다. 그녀의 주요 장점은 그녀의 완벽한 기술 소유, 지구력 및 근처에 신뢰할 수있는 교사 인 Lyubov Kunakova가 도움을 주었다는 것입니다. 발레 무대에서만 가능한 진정한 드라마에 들어간 Alexandrova와 달리 Tereshkina가 기술 향상에 "설정"하고 승리의 음모를 컬트로 끌어 올린 것이 궁금합니다. 그녀가 항상 무대에서 연기하는 그녀가 가장 좋아하는 주제는 그녀의 형태 감각에서 비롯됩니다.
다큐멘터리 영화 “로열박스. 빅토리아 테레쉬키나"
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마린스키 극장 발레, 마린스키 극장 발레
Mariinsky Theatre의 발레단의 역사는 1738 년 Anna Ioannovna 황후가 설립 한 후 등장한 많은 전문 무용수와 무용수가 참여한 법원 공연으로 시작되었습니다. 댄스 스쿨프랑스어 교사 Jean-Baptiste Lande의지도하에.
발레단은 극장의 일부였습니다.
- Petersburg Bolshoi Theatre (Stone; 1783에서),
- 1860년 이후 마린스키 극장,
- 1920 년에 State Academic Opera and Ballet Theatre (1935 년부터 S. M. Kirov의 이름을 따서 명명 됨)로 이름이 변경된 State Mariinsky Theatre (1917 년 이후)와 1992 년에 이전 이름 인 Mariinsky Theatre로 돌아 왔습니다.
- 1 19세기
- 20세기
- 3 21세기
- 3.1 발레 댄서
- 3.1.1 발레리나와 초연
- 3.1.2 첫 솔리스트
- 3.1.3 두 번째 솔리스트
- 3.1.4 캐릭터 댄스 솔리스트
- 3.1.5 발광체
- 3.1 발레 댄서
- 4 참조
- 5 노트
- 6 링크
19 세기
Ricardo Drigo, 1894Lev Ivanov, 1885Caesar Pugni, 1840Marius Petipa, 1898Leon Minkus,1865Pyotr TchaikovskyAlexander GlazunovSh. L. Didlo는 상트 페테르부르크 발레의 발전에 눈에 띄는 영향을 미쳤습니다. Didelot의 무용시 "Zephyr and Flora"(1804), "Cupid and Psyche"(1809), Kavos의 "Acis and Galatea"(1816)는 낭만주의의 시작을 예고했습니다. 1823 극장은 발레를 상연했습니다 " 코카서스의 포로, 또는 신부의 그림자 "음악에. 카보스(1823). Didelot이 만든 레퍼토리는 M. I. Danilova, E. I. Istomina, E. A. Teleshova, A. S. Novitskaya, Auguste (O. Poirot), N. O. Goltz의 재능을 공개했습니다. 1837년 이탈리아 안무가 F. Taglioni와 그의 딸 M. Taglioni는 상트페테르부르크에서 발레 La Sylphide를 선보였습니다. 1842 년 J. Coralli와 J. Perrot이 연출한 발레 "Giselle"에서 E. I. Andreyanova가 성공적으로 공연했습니다. 1848-1859 년에 상트 페테르부르크 발레단은 Pugni의 Esmeralda, Catarina 및 Faust 발레를 상연 한 J. Perrot이 이끌었습니다. 1859 년 안무가 A. Saint-Leon이 발레를 이끌었고 그는 발레 The Little Humpbacked Horse (1864)와 금붕어»(1867). Marius Petipa (1847 년부터 발레 솔리스트, 당시 발레 마스터, 1869-1903 년-극장의 주요 안무가)는 Perro와 Saint-Leon의 후계자가되었습니다.
러시아에 머무는 동안 Marius Petipa는 제국 무대에서 발레를 상연했습니다. 1862 년 Caesar Pugni의 음악에 맞춰 "The Pharaoh 's Daughter"; 1868년 카이사르 푸그니의 "칸다블 왕"; L. F. Minkus의 "돈키호테", 1869년; 1871년 카이사르 푸그니(Caesar Pugni)의 "두 개의 별"; L. F. Minkus의 "La Bayadère", 1877; "P. I. Tchaikovsky의 잠자는 숲속의 미녀, Drigo 편집, (1890-1895), Lev Ivanov와 공동으로 I 및 III 막 (Ivanov의 텍스트-1 막의 2 장면, 2 막, 3 막의 베네치아 및 헝가리 춤) , 신격화 제외), "백조의 호수"(L. I. Ivanov와 함께, 1895), A. K. Glazunov의 음악에 대한 "Raymonda", 1898, Adam, Pugni, Drigo, Delibes, Peter Oldenburgsky의 음악에 대한 "Le Corsaire" , Minkus 및 Trubetskoy, 1898, Deldevez의 "Paquita", 1899, A. K. Glazunov의 "Tests of Damis", 1900, A. K. Glazunov의 "The Four Seasons"(Four Seasons), 1900, ) Drigo, 1900, "Mr. Dupre's Disciples", 1900; "Magic Mirror" Koreshchenko, 1904; "The Rosebud Romance", Drigo (시사회는 열리지 않음).
Marius Petipa의 발레가 요구되었습니다. 높은 전문성 Enrico Cecchetti의 Christian Ioganson의 교육적 재능 덕분에 달성 된 극단. Petipa와 Ivanov의 발레는 M. Surovshchikova-Petipa, Ekaterina Vazem, E. P. Sokolova, V. A. Nikitina, Maria Petipa, P. A. Gerdt, P. K. Karsavin, N. G. Legat, I. F. Kshesinsky, K. M. Kulichevskaya, A. V. Shiryaev.
20 세기
A. V. Shiryaev, 1904A. A. 고르스키, 1906년 미하일 포킨, 1909년20 세기 초에 학문적 전통의 수호자는 예술가였습니다 : Olga Preobrazhenskaya (1871-1962), Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu. N. Sedova, Agrippina Vaganova, L. N. Egorova, N. G. Legat, S. K. Andrianov , Maria Kozhukhova (1897-1959), Olga Spesivtseva(1895-1991)(1895년 7월 5일(18) - 1991년 9월 16일)
새로운 형태를 찾기 위해 Mikhail Fokin은 현대에 의존했습니다. 미술. 안무가가 가장 좋아하는 무대 형태는 단막 발레간결한 연속 동작과 명확하게 표현된 문체 색상.
Mikhail Fokin은 발레를 소유하고 있습니다. The Pavilion of Armida, 1907; "쇼피니아나", 1908; 이집트의 밤, 1908; "카니발", 1910; "Petrushka", 1911; 오페라 "이고르 왕자", 1909의 "Polovtsian Dances". Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky 및 Anna Pavlova는 Fokine의 발레에서 유명해졌습니다.
Ludwig Minkus (M. Petipa의 발레를 기반으로 함)의 음악에 대한 발레 "Don Quixote"의 첫 번째 막은 1900 년 Alexander Gorsky 버전에서 동시대 사람들에게 도달했습니다.
나중에 1963 년에 The Little Humpbacked Horse가 상연되었습니다 (Alexander Gorsky가 Mikhailov, Baltacheev 및 Bruskin에 의해 부활했습니다.
1924 년부터 Fyodor Lopukhov는 극장에서 공연을했으며 첫 번째 작품은 연극 "Night on Bald Mountain"(음악-Modest Mussorgsky)이었습니다. 그런 다음 1927 년- "The Ice Maiden"; 1929 - Ponomarev 및 Leontiev와 함께 "Red Poppy"; 1931 - "Bolt", 음악 - Dmitry Shostakovich, 1944 - G. Gertel의 음악에 대한 "Vain Precaution"(Leningradsky Maly 오페라 극장 Orenburg와 Leningrad Opera and Ballet Theatre에서 대피 중. S. M. 키로프); 1947 - "봄 이야기" 음악. B. Asafyeva(에 따르면 음악 자료 Tchaikovsky) (S. M. Kirov의 이름을 딴 Leningrad Opera and Ballet Theatre)
1917년 10월 혁명 이후 처음 몇 년 동안 극장은 유산을 보존해야 하는 과제에 직면했습니다. 주요 예술가들은 극장에서 일했습니다: E. Vill, E. P. Gerdt, Pyotr Gusev, A. V. Lopukhov, E. M. Lukom, O. P. Mungalova, V. I. Ponomarev, V. A. Semenov, B. V. Shavrov.
- 1930년 안무가 바실리 바이노넨, 레오니드 야콥슨, V.P. 체스노코프는 드미트리 쇼스타코비치의 음악에 맞춰 황금기 발레를 선보였습니다.
- 1932년부터 1942년까지 발레가 상연되었습니다. The Flames of Paris, 안무가 Vasily Vainonen, 1932; Bakhchisarai의 분수, 안무가 Rostislav Zakharov, 1934; 1939년 - "Laurencia", 안무가 Vakhtang Chabukiani.
1940년 안무가 Leonid Lavrovsky는 발레 로미오와 줄리엣을 상연했습니다. 나중에 이 공연은 1975년 Semyon Kaplan에 의해 재개되었습니다.
위대한 시대에 애국 전쟁남아있는 예술가들 포위된 레닌그라드, O. G. Jordan의지도하에 공장과 병원에서 수행되는 정면으로 갔다. 메인 팀은 Perm으로 대피했으며 1942 년 안무가 Nina Anisimova가 "Gayane"공연을 상연했습니다.
1920-1940 년 극장의 발레 솔리스트는 A. Ya. Vaganova, M. F. Romanova, E. P. Snetkova-Vecheslova 및 A. V. Shiryaeva : Nina Anisimova, Feya Balabina, Tatiana Vecheslova, Natalia Dudinskaya, A. N. Ermolaev, N. A. Zubkovsky, O. G. Jordan, Marina Semyonova, Konstantin Sergeev, Galina Ulanova, Vakhtang Chabukiani 및 Alla Shelest, Tatyana Vecheslova.
1941 년 상트 페테르부르크 교사 Maria Kozhukhova의 수업에서 모스크바 안무 학교를 졸업 한 후 Inna Zubkovskaya는 극장에 들어갔습니다.
전후 기간에 Kirov Theatre의 발레 레퍼토리는 춤을 추는 새로운 작품으로 나타났습니다. D. Belsky, B. Ya. Bregvadze, Inna Zubkovskaya, Ninel Kurgapkina, Askold Makarov, Olga Moiseeva, N. A. Petrova, V. D. Ukhov, K. V. Shatilov, N. B. Yastrebova.
안에 최신 릴리스 A. Ya. Vaganova는 50 년대에 Irina Kolpakova와 Alla Osipenko의 두 이름이 등장하고 반짝였습니다. 1957 시즌부터 V. S. Kostrovitskaya의 학생 Gabriela Komleva가 1958 년 N. A. Kamkova, Alla Sizova의 학생 인 극장에 나타났습니다. 극장에 출연 , 1959 년 E. V. Shiripina가 발표 한 미래 월드 스타 Natalia Makarov, 1963 년 L. M. Tyuntina Natalya Bolshakova의 학생이 1966 년 극장에 출연했습니다. 1970 년 N. V. Belikova의 학생 인 Elena Evteeva의 학생 인 Elena Evteeva가 극장에 출연했으며 1970-1972 gg . 같은 교사 Lyudmila Semenyaka의 졸업생이 극장에서 춤을 추었고 Alexander Pushkin Rudolf Nureyev의 학생들은 1958 년부터 Kirov 발레단에서 일했고 Mikhail Baryshnikov는 1958 년부터 1967 년부터 Yuri Solovyov (Boris Shavrov의 학생)에서 일했습니다.
80 년대에는 새로운 스타 중 Altynai Asylmuratova, Farukh Ruzimatov, Elena Pankova, Zhanna Ayupova, Larisa Lezhnina, Anna Polikarpova가 차세대 극장에 왔습니다.
XXI 세기
극장 발레단의 새 천년기 : Ulyana Lopatkina, Diana Vishneva, Yulia Makhalina, Alina Somova 및 Victoria Tereshkina.
발레 댄서
2016년에는 다음 예술가들이 마린스키 발레단의 기초를 형성합니다.
발레리나와 시사회
- 예카테리나 콘다우로바
- 울리아나 로파트키나
- 줄리아 마할리나
- 다리아 파블렌코
- 옥사나 스코릭
- 알리나 소모바
- 빅토리아 테레쉬키나
- 디아나 비슈네바
- 티무르 아스케로프
- 예브게니 이반첸코
- 김기민
- 이고르 콜브
- 블라디미르 슈클리야로프
- 다닐라 코르순체프
- Denis Matvienko(게스트 솔리스트)
첫 솔리스트
두 번째 솔리스트
캐릭터 댄스 솔리스트
유명인
파라오의 딸, 1898
2005년 공연 중 하나
2004년 "백조의 호수"
라 바야데르, 2011
또한보십시오
- 상트페테르부르크 발레 학교의 역사
노트
- Mariinsky Theatre.Mariinsky Theatre의 발레 솔리스트. 2016년 8월 17일에 확인함.
연결
- 발레 솔리스트 - 마린스키 극장 웹사이트
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마린스키 극장의 발레
잊혀진 발레
당신은 상트페테르부르크에서 한국으로 직장을 옮겼습니다. 지금 우리 발레 댄서들에게 아시아는 얼마나 인기가 있나요?
솔직히 말해서 제 동료들은 유럽과 미국으로 여러 번 더 자주 이사합니다. 안에 대한민국발레의 역사는 겨우 50년, 내가 지금 일하고 있는 유니버셜 발레단(국내 최대 발레단, 서울 기반. - 에드.)은 33년차다. 그 외에도 국내에 한인도 있다. 국립발레단한국인만이 일할 수 있는 곳. 차별 없음: 유사한 회사가 다른 국가(예: 프랑스)에 존재합니다. 거기에도 프랑스 춤만 있습니다.
-마린스키 극장을 떠나기로 결정한 이유는?
모든 것은 제 동료가 Universal Ballet에 취직했다는 사실에서 시작되었습니다. 어느 날 나는 그녀에게 그곳에 댄서가 필요한지 물었습니다. 공연 영상을 회사에 보냈더니 곧 출근을 하게 됐다. 나는 오랫동안 발레 생활을 바꾸고 싶었기 때문에 즉시 동의했습니다. 더 나은 쪽. 그리고 회사 "Universal Ballet"은 매우 풍부한 레퍼토리를 가지고 있음이 밝혀졌습니다. 춤을 추는 것이 있습니다.
문제는 마린스키 극장에서 이 순간잊혀진 것 같은 발레보다 오페라와 음악에 더 많은 관심을 기울인다. 처음에는 Mariinsky Theatre에서 여전히 새로운 공연이 열렸고 외국 공연을 포함한 안무가가 초청되었습니다. 하지만 모든 것이 멈췄습니다.
알렉세이 라트만스키(아메리칸 발레 시어터 상임 안무가. - Ed.)는 2년 전에 도착한 상징적인 안무가 중 마지막으로 마린스키 시어터에서 드미트리 쇼스타코비치의 음악에 맞춰 DSCH 발레 협주곡을 선보였습니다. 오랫동안 난 같은 곳에서 춤을 췄어 클래식 프로덕션. 그러나 나는 또한 새로운 레퍼토리, 현대 안무를 원했습니다.
그러나 "The Nutcracker", "The Fountain of Bakhchisaray", "Swan Lake"와 같은 멋진 고전이 있다면 아마도 현대 안무필요하지 않습니까?
새로운 공연 없이는 연극과 예술가의 발전도 없을 것입니다. 해외에서는 이것을 이해합니다. 예를 들어, 한국에서는 최근 지리 킬리안(체코 댄서이자 안무가. - Ed.)의 "작은 죽음"을 추었습니다. 이것 모던 클래식, 세계 여러 나라의 극장으로 이동합니다. 그러나 어떤 이유로 Mariinsky에는 없습니다. 그리고 무엇보다도 Kenneth Macmillan (영국 안무가, 감독)이 감독 한 발레 "로미오와 줄리엣"이 있습니다. 로열발레단 1970-1977년. -Ed.), John Neumeier의 "Eugene Onegin"(안무가, 1973년부터 함부르크 발레단의 책임자. -Ed.), In the Middle, Somewhat Elevated("In the middle something towered") William Forsyth(미국 안무가, 그의 발레단 "Foresight Company"는 현대 무용 분야의 실험에 참여하고 있습니다. -Ed.).
팩토리 게르기예프
- 우리는 발레 지방이되고 있습니까?
나는 그렇게 말하지 않을 것입니다. 마린스키 극장이 일종의 공장으로 변모하고 있다는 것뿐입니다. 아티스트는 한 달에 30~35개를 가질 수 있습니다. 발레 공연. 예를 들어 하루에 두 번 공연을 해야 할 때도 있었다. 한 달을 앞둔 긴장감 넘치는 포스터를 개봉한 사람들은 처음엔 동그란 눈초리로 놀란 표정을 지었다. 그러나 사람은 모든 것에 익숙해집니다. 그것이 우리가 시간이 지남에 따라 익숙해진 것입니다. 매일 그들은 일하고, 무대에 오르고, 해야 할 일을 했습니다. 하지만 아무도 새로운 공연을 준비할 시간과 에너지가 없었습니다. 상연되는 레퍼토리인 오래된 것들도 리허설이 필요하기 때문입니다. 이 일상적인 단조로운 작업 때문에 많은 발레 댄서들이 떠났습니다.
월 6~7회 공연이 있습니다. 그리고 시간이 허락하기 때문에 각자 신중하게 준비합니다. 예를 들어, 최근에 그들은 현대 프로그램을 춤을 추었고 각 외국 안무가 (이 프로그램에 공연이 포함되었습니다. -Ed.) 우리가 함께 일한 조수가 왔습니다. 그는 몇 가지 뉘앙스와 세부 사항을 설명했습니다. 제가 여기 있는 1월부터 이미 많은 감정을 받고 많은 춤을 췄어요!
-마린스키 극장에 왜 그런 컨베이어 벨트가 있다고 생각합니까?
극장장 (Valery Gergiev.-Ed.)에있는 사람이 똑같다는 것뿐입니다. 그는 매우 효율적입니다. 어느 날 그는 모스크바에서 회의를 하고 3시간 후에 지휘를 위해 뮌헨으로 날아갑니다. 심포니 오케스트라, 그리고 5시간 후 다시 모스크바의 리셉션에서. 그는 분명히 자신의 극장이 매우 활발하게 작동해야 한다고 결정했습니다. 물론 나쁘지 않습니다. 그러나 때때로 나는 마린스키 극장에서 광부처럼 느껴졌습니다. 나는 아침부터 밤까지 일했습니다. 예를 들어, 그는 종종 오전 10시에 집을 나서 자정에 돌아왔습니다. 물론 굉장히 힘들었다. 반면에 세계의 모든 극장에는 자체 문제가 있습니다.
“북한의 폭탄은 여기에서 두렵지 않다”
한국에서 동료 무용수들에게 어떻게 받아들였나요? 마린스키극장 출신이라 관심이 좀 늘었나요?
나는 특별한 열정을 느끼지 못했습니다. 아마도 초기 유럽인들은 발레의 세계한국은 호기심이었지만 이제는 모두가 우리에게 익숙해진 지 오래다. 예를 들어 Universal Ballet의 전체 무용수 중 약 절반이 유럽에서 왔습니다. 미국인도 있습니다. 그런데 한국 발레는 러시아 발레에서 많이 차용한다. 특히 이곳에는 마린스키 극장의 작품이 많이 있습니다. 따라서 여기에서 매우 쉽습니다. 저는 Mariinsky Theatre에서 The Nutcracker 또는 Don Quixote를 춤을 췄고 여기에서 춤을 춥니 다.
- 한국인들은 우리 무용수들에게 어떤 조건을 제공하는가?
조건은 매우 좋습니다. 이와 관련하여 훌륭합니다. 예를 들어, 그들은 즉시 저에게 주택을 제공했습니다. 작은 아파트, 좋은 임금, 상트 페테르부르크보다 몇 배나 더 많습니다 (그러나 여기에서 가격이 더 높습니다), 의료 보험. 그건 그렇고 Mariinsky Theatre에서 발레 댄서도 해냈습니다. 예를 들어 몇 년 전에 무릎 수술을 받았습니다.
- 발레계 경쟁률은 러시아와 한국 중 어느 쪽이 더 높은가?
경쟁은 어디에나 있으며 그것 없이는 성장할 수 없습니다. 그러나 그녀는 건강하고 건강합니다. 상트페테르부르크에서도, 서울에서도 등 뒤에서 곁눈질이나 대화가 느껴지지 않았다. 하지만 그들이 나에 대해 말해도 나는 그것을 깨닫지 못할 정도로 일에 몰두합니다. 일반적으로 포인트 슈즈의 유리 조각과 얼룩진 양복에 대한 이야기는 신화입니다. 발레 경력 전체에서 나는 이것을 본 적이 없습니다. 그리고 나는 그것에 대해 들어 본 적이 없습니다. 기지가 없습니다.
- 아시아는 완전히 다른 세계입니다. 한국에서 적응하기 가장 어려웠던 점은 무엇이었나요?
마린스키 극장의 동료들이 내가 떠난 사실을 알았을 때 그곳에서 살기가 심리적으로 매우 어려울 것이라고 말했습니다. 하지만 서울에서는 내 직업에 너무 몰두해서 아무것도 느끼지 못했다. 나는이 상트 페테르부르크 경주없이 춤을 추고 절대적으로 행복합니다. 언어를 배울 필요가 없다면 말입니다. 하지만 한국에서는 그것 없이도 살 수 있습니다. 사실은 현지 사람들이 매우 친절합니다. 즉시 적합하기 때문에 지하철이나 거리에서 길을 잃을 가치가 있습니다. 영어도움을 제공하고 어디로 가야하는지 물어보십시오.
- 그리고 그들은 어떻게 치료합니까 북한? 이렇게 어려운 이웃에게 긴장감이 느껴지시나요?
아니요. 아무도 그것에 대해 생각조차하지 않고 한국 폭탄을 두려워하지 않는 것 같습니다. 여기에서는 모든 것이 매우 차분하고 아무 일도 일어나지 않는 것 같습니다. 테러도 없고 재난도 없고 주요 스캔들. 그러나 여기가 너무 편안하다는 사실에도 불구하고 나는 여전히 상트 페테르부르크, 가족, 마린스키를 그리워합니다. 이 극장은 나에게 정말 많은 것을 주었다. 나는 그곳에서 공부하고, 경험을 쌓고, 내 취향을 형성하고, 그곳에서 춤을 췄다. 그리고 그것은 내 기억 속에 영원히 남을 것입니다.
5월 연휴 발레리나에 대한 자료를 기획할 때 이런 슬픈 소식이 독일에서 올 줄은 몰랐습니다... 오늘날 전 세계가 러시아 발레 마야 플리세츠카야의 전설을 애도할 때, 우리는 그녀의 기억을 기리고 현대 솔리스트들을 기억합니다 결코 볼쇼이 극장의 프리마 발레리나를 대신하지는 않겠지만, 당당하게 러시아 발레의 역사를 이어갈 것입니다.
볼쇼이 극장은 첫 만남부터 발레리나 마리아 알렉산드로바를 주목했다. 1997년 1등 수상 국제 경쟁모스크바의 발레 댄서들은 당시 모스크바 주립 예술 아카데미 학생이 국가의 주요 극단에 입장하는 티켓이되었습니다. 볼쇼이에서의 작업 첫 시즌에 오랜 나른함없이 여전히 발레단의 계급에있는 발레리나는 첫 솔로 파트를 받았습니다. 그리고 레퍼토리가 늘어나고 확장되었습니다. 흥미로운 사실: 2010년 발레리나는 I. Stravinsky의 Petrushka에서 타이틀 롤을 수행한 발레 역사상 최초의 여성이 되었습니다. 오늘날 Maria Alexandrova는 볼쇼이의 프리마 발레리나입니다.
야심 찬 발레리나 Svetlana Zakharova의 운명의 전환점은 젊은 무용수를위한 Vaganova-Prix 대회에서 2 위를 차지했으며 이후 러시아 발레 아카데미 대학원생이 되겠다는 제안이었습니다. 바가노바. 그리고 Mariinsky Theatre는 발레리나의 운명에서 현실이되었습니다. 아카데미를 졸업 한 발레리나는 시즌을 위해 일한 마린스키 극장 극단에 들어가 솔리스트가 되겠다는 제안을 받았습니다. Zakharova의 볼쇼이와의 관계의 역사는 2003 년 Giselle의 솔로 파트 (V. Vasiliev 편집)로 시작되었습니다. 2009 년 Zakharova는 E. Palmieri의 특이한 발레 Zakharova의 초연으로 청중을 놀라게했습니다. 슈퍼 게임". 볼쇼이는 그것을 계획하지 않았지만 Zakharova가 그것을 조직했고 극장은 실험을 지원했습니다. 그건 그렇고, 비슷한 무대 경험 그랜드 발레유일한 발레리나는 이미 있었지만 단 한 번뿐이었습니다. 1967 년 Maya Plisetskaya는 Carmen Suite에서 빛났습니다.
내가 말할 수있는 것은 머리가 빙글 빙글 돌고 Zakharova의 레퍼토리에서 발레에 첫 발을 내딛는 사람들의 부러움이 분명히 나타납니다. 현재까지 그녀의 실적주요 발레의 모든 독주 파트 - 지젤, 백조의 호수, 라 바야데르, 카르멘 모음곡, 다이아몬드...
Uliana Lopatkina의 발레 경력의 시작은 물론 Mariinsky Theatre에서 백조의 호수에서 Odette의 역할이었습니다. 공연이 너무 능숙해서 곧 발레리나는 상트 페테르부르크 무대에서 최고의 데뷔로 Golden Sofit Award를 수상했습니다. 1995년부터 Lopatkina는 Mariinsky Theatre의 프리마 발레리나였습니다. 레퍼토리에는 Giselle, Corsair, La Bayadère, Sleeping Beauty, Raymonda, Diamonds 등 친숙한 이름이 다시 포함됩니다. Lopatkina는 볼쇼이 극장에서 도쿄의 NHK에 이르기까지 세계의 주요 무대를 정복했습니다. 5월 말, 뮤지컬 극장 무대에서. Stanislavsky와 Nemirovich-Danchenko Lopatkin은 차이코프스키의 기념일을 기념하여 러시아 발레 스타와 공동으로 공연합니다.
3월 말, 1996년부터 마린스키 극장의 프리마 발레리나인 Diana Vishneva의 이름이 모두의 입에 오르내렸습니다. Bolshoi는 "후보"인 연극 "Frontiers"의 초연을 주최했습니다. 황금 마스크". 이벤트는 밝고 논의됩니다. 발레리나는 인터뷰를하고 Abramovich와의 친밀한 친분에 대한 질문에 농담을했으며 어디에서나 그녀를 동반하는 남편을 지적했습니다. 그러나 공연이 끝났고 4 월 10 일 Vishneva와 Vodianova가 Naked Heart Foundation의 자선 저녁을 열었던 런던으로 코스가 설정되었습니다. Vishneva는 유럽 최고의 무대에서 적극적으로 공연하며 실험적이고 예상치 못한 제안을 거부하지 않습니다.
위에서 Balanchine의 "Diamonds"에 대해 언급했습니다. 모스크바 국립 예술 아카데미를 졸업한 Ekaterina Shipulina는 에메랄드와 루비에서 빛을 발합니다. 물론 그 뿐만이 아닙니다. 발레리나의 레퍼토리에는 백조의 호수, 대성당과 같은 발레에서 주도적인 역할이 포함됩니다. 파리의 노트르담', '잃어버린 환상', '신데렐라', '지젤' 등 최고의 안무가- Grigorovich, Eifman, Ratmansky, Neumeier, Roland Petit ...
러시아 발레 아카데미를 졸업한 Evgenia Obraztsova. Vaganova는 최초의 Mariinsky Theatre에서 프리마 발레리나가되어 Sylphide, Giselle, La Bayadère, Princess Aurora, Flora, Cinderella, Ondine ... 2005 년 발레리나는 Cedric Klapisch의 영화 "Pretty Women"에서 연기하여 영화 경험을 얻었습니다 ". 2012년에 그녀는 볼쇼이 극단에 합류하여 프리마 발레리나로서 Don Quixote, The Sleeping Beauty, La Sylphide, Giselle, Eugene Onegin, Emeralds의 프로덕션에서 솔로 파트를 연주했습니다.
가장 오래되고 선도적인 것 중 하나 뮤지컬 극장러시아. 극장의 역사는 1783년 스톤 시어터가 개장했을 때로 거슬러 올라간다. 발레단. 오페라 부서 (가수 P.V. Zlov, A.M. Krutitsky, E.S. Sandunova 등) 및 발레 (댄서 E.I. Andreyanova, I.I. Valberkh (Lesogorov), A.P. Glushkovsky, A.I.Istomina, E.I.Kolosova 등) 극단에서 1803 년에 열렸습니다. 외국 오페라와 러시아 작곡가의 첫 작품이 상연되었습니다. 1836년 M.I 글린카(M.I. Glinka)의 오페라 차르를 위한 삶(A Life for the Tsar)이 공연되어 오페라 예술. 뛰어난 러시아 가수 O.A. Petrov, A.Ya. 1840년대 러시아인 오페라단법원의 후원을 받고 있던 이탈리아 인에게 밀려 모스크바로 옮겨졌습니다. 그녀의 공연은 1850년대 중반부터 상트페테르부르크에서 재개되었습니다. 1859 년 화재 후 재건되고 (건축가 A.K. Kavos) 1860 년 Mariinsky Theatre라는 이름으로 개장 한 서커스 극장 무대에서 (1883-1896 년 건물은 건축가 V.A. Schroeter의지도하에 재건 됨). 창의적 개발그리고 극장의 형성은 A.P. Borodin, A.S. Dargomyzhsky, M.P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, P.I. Tchaikovsky (처음으로 많은 작품)의 오페라 (발레) 공연과 관련이 있습니다. 높은 음악 문화지휘자이자 작곡가 E.F. Napravnik (1863-1916)의 활동이 집단에 기여했습니다. 안무가 M.I. Petipa, L.I. Ivanov는 발레 예술 발전에 큰 공헌을했습니다. 가수 E.A. Lavrovskaya, D.M. Leonova, I.A. Melnikov, E.K. Mravina, Yu.F. Platonova, F.I. Stravinsky, M.I. 및 N.N. Fignery, F.I. Chaliapin, 댄서 T.P. Karsavina, M.F. Kshesinskaya, V.F. Nizhinsky, A.P. Pavlova, M.M. 주요 아티스트, A.Ya.Golovin, K.A.Korovin 포함.
10월 혁명 이후, 극장은 1919년부터 학문적으로 국가가 되었습니다. 1920년부터 국가라고 불렸다. 학술 극장오페라와 발레, 1935년부터 - Kirov의 이름을 따서 명명됨. 고전과 함께 극장은 소련 작곡가의 오페라와 발레를 상연했습니다. 가수 I.V. Ershov, S.I. Migai, S.P. Preobrazhenskaya, N.K. Pechkovsky, 발레 댄서 T.M. Vecheslova, N.M. V. Lopukhov, K. M. Sergeev, G. S. Ulanova, V. M. Chabukiani, A. Ya. Shelest, 지휘자 V. A. Dranishnikov, A. M. Pazovsky, B. E. Khaikin, 감독 V A. Lossky, S. E. Radlov, N. V. Smolich, I. Yu. Shlepyanov, 발레 마스터 A. Ya. Vaganova, L. M. Lavrovsky, F. V. Lopukhov. 위대한 애국 전쟁 동안 극장은 Perm에 있었고 계속해서 활발하게 활동했습니다 (MV Koval, 1942의 오페라 "Emelyan Pugachev"를 포함하여 여러 시사회가있었습니다). Preobrazhenskaya, P. Z. Andreev를 포함하여 포위 된 레닌 그라드에 남아 있던 일부 연극 예술가는 라디오에서 콘서트에서 공연했습니다. 오페라 공연. 안에 전후 년극장은 큰 관심을 기울였습니다. 소비에트 음악. Yeltsin, E.P. Grikurov, A.I. Klimov, K.A. Simeonov, Yu.Kh., 안무가 I.A. Belsky, K.M. Sergeev, B.A. Fenster, L.V. Yakobson, 예술가 V.V. Dmitriev, I.V. Sevastyanov, S.B. Virsaladze 및 기타 극단에서 ( 1990): 수석 지휘자 V. A. Gergiev, 수석 안무가 O. I. Vinogradov, 가수 I. P. Bogacheva, E. E. Gorohovskaya, G. A. Kovaleva, S. P. Leiferkus, Yu. M. Marusin, V. M. Morozov , N.P.Okhotnikov, K.I.Pluzhnikov, L.P.Filatova, B.G.Shtokolov, 발레 댄서 S.V.Vikulya, V,N.Guulev I.A.Kolpakova, G.T.Komleva, N.A. Kurgapkina, A.I. Sizova 및 기타 레닌 훈장 수여(1939), 10월 혁명(1983). 대규모 신문 "For 소비에트 미술"(1933년 이후).
