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초기 르네상스의 주요 화가. 초기 르네상스 예술가

이탈리아 예술은 낮은 수준에서 높은 수준으로 오름차순으로 끊임없이 발전하지 않았습니다. 르네상스 시대의 문화 발전 노선은 더 복잡하고 유연했습니다. 3세기 동안 끊임없는 전진과 함께 몇 번의 오르막이 눈에 띄었습니다. 가장 급진적인 사건은 15세기 이탈리아에서 일어났습니다. 이것은 검색의 엄청난 강도로 표시되는 초기 르네상스의 기간입니다. Giotto의 시대와 마찬가지로 이 시대의 모든 형태의 예술에서 혁신의 초점은 Florence였습니다. 초기 르네상스 창시자들의 활동이 이곳에서 이루어졌습니다. 마사치오, 조각가 도나텔로, 건축가 브루넬레스키.

역사적 의미를 지닌 Quattrocento 예술의 가장 중요한 업적 중 하나는 원근법의 교리였습니다.관점 - 보는 사람과 멀리 떨어져 있기 때문에 크기와 모양의 명백한 변화에 따른 물체의 이미지입니다. 원근법을 구성하려는 첫 번째 시도는 고대 그리스에서 이미 사용되었지만 과학적으로 입증된 고전적인 형태의 원근법은 이탈리아 Quattrocento의 거장에 의해 개발되었습니다. Filippo Brunelleschi는 그 법칙을 최초로 발견하여 모든 피렌체 예술을 위한 새로운 개발 프로그램을 수립했습니다.

Brunelleschi는 미술에 대한 결정적인 결론을 내렸습니다. 공간의 선택된 지점에서 묘사된 대상으로 들어오는 직사광선이 평면과 교차하면 이 대상의 정확한 투영이 이 평면에서 얻어집니다. 아마도 Brunelleschi의 광학 법칙에 대한 연구는 그가 신중하게 측정하고 복사한 로마 유적에 대한 연구에서 촉발되었을 것입니다.

Brunelleschi의 친구인 조각가 Donatello는 조각 부조에 선형 원근법을 적용했습니다."성 전투. 용을 든 조지" , 1416), 공간 깊이의 느낌을 얻습니다. 그들의 동시대 Ma-zaccio는 이 발견을 회화(프레스코"삼위 일체" , 1427). 마지막으로 건축가이자 미술 이론가인 알베르티는 회화에 관한 논문(1435)에서 원근법의 법칙에 대한 상세한 이론적 발전을 제시했습니다.

시각 예술의 새로운 경향은조각품 . 이전에는 주로 인테리어에 집중되었지만 이제는 더 이상 건축에 순종하지 않는 도시 광장의 교회 및 공공 건물의 정면에서 수행됩니다.

초기 르네상스 조각 역사의 출발점은 전통적으로 젊은 보석 세공인 로렌초 기베르티(Lorenzo Ghiberti)가 피렌체 세례당의 청동 문을 제조할 권리를 놓고 경쟁하는 조각가들의 경쟁에서 우승한 1401년으로 간주됩니다. . 기베르티는 당시 최고의 조각가였습니다. 그는 초기 르네상스의 가장 유명한 작품 중 하나 인 세례당의 두 번째 동쪽 문을 소유하고 있으며 나중에 미켈란젤로가 "낙원의 문"이라고 불렀습니다. 그들의 부조는 구약의 주제에 전념합니다.

Quattrocento에서 가장 뛰어난 조각가는 Donatello(1386-1466)라는 이름으로 세계 문화사에 입문한 Donato di Niccolò di Betto Bardi였습니다. 그는 이탈리아 예술의 가장 대담한 개혁가 중 한 명입니다. Donatello의 주요 업적 중 하나는 독립형 원형 동상의 부활이었습니다. 그에 의해 실행승리자 다비드의 동상 (Florence)는 건축과 관련이없는 르네상스 최초의 조각품으로 틈새 시장의 압박감에서 벗어나 모든면에서 접근 할 수 있습니다. 많은 이탈리아 도시 공화국에서 자유의 상징이 된 거인 골리앗을 물리 친 전설적인 목자의 이미지를 만드는 Donatello는 고대 조형 예술의 위대한 예에 접근하려고했습니다. 그의 다윗은 알몸으로 제시됩니다. 고대 영웅. 단 한 명의 르네상스 조각가도 성경의 인물을 이런 형태로 자유롭게 보여주지 못했습니다.

Donatello의 또 다른 유명한 작품은 Gattamelata ( "Cunning Cat")라는 별명을 가진 용감한 사령관 Erasmo di Narni의 기념비입니다. 국민의 한 사람인 Erasmo는 마음의 힘과 재능으로 자신의 운명을 창조하고 뛰어난 정치가가되었습니다. 그리고 초상화와 닮은 조각가는 마치 Petrarch의 말을 확인하는 것처럼 새로운 시대의 남자의 일반화 된 이미지를 보여주었습니다. “피는 항상 같은 색입니다. 고귀한 사람은 자신의 행위로 자신을 위대하게 만듭니다.

고대 전통에 대한 호소력은 훨씬 더 넓었습니다.건축학 . 처음에 발견된 비트루비우스의 논문에 대한 연구인 고대 로마 건축물의 스케치 및 측정15세수세기 동안 고딕 양식을 골동품 양식으로 빠르게 대체하는 데 기여했습니다. 고대 질서가 되살아나고 창의적으로 재고되어 새로운 시대의 건축에 논리적 비율과 조화를 가져왔습니다. 고딕 양식의 대성당이 그 거대한 크기 때문에 이미 보기 어렵다면 르네상스 시대의 건물은 그대로 한눈에 가려집니다. 그들은 놀라운 비례로 구별됩니다.

르네상스 건축의 첫 번째 주요 기념물 - 브루넬레스키가 건립산타 마리아 델 피오레 대성당의 돔 피렌체에서. 크기면에서 로마 판테온의 돔보다 약간 열등하지만 그것과 달리 원형이 아니라 팔각형 바닥에 있습니다.

돔 건설과 동시에 브루넬레스키는 고아원 건설을 지시하고,교육 홈 . 이것은 구조, 외관의 선명도 및 형태의 단순성에서 고대 건물과 매우 가까운 르네상스 스타일의 첫 번째 건물입니다. 그것에 대해 가장 주목할만한 점은 아치형 로지아 형태의 현관으로 장식 된 외관입니다. 포르티코는 건물의 전체 폭에 걸쳐 펼쳐져 넓고 평화로운 느낌을 주며 우세를 강화합니다. 수평선. 그 결과 하늘을 향한 고딕 양식의 열망과 완전히 반대되는 건물이 탄생했습니다. 고딕 성당의 특징인 풍부한 조각 장식의 부재도 새롭습니다.

반원형 아치와 넓은 간격의 얇은 기둥이있는 고아원에서 사용되는 로지아 유형은 나중에 르네상스 건축에서 확립되었습니다.궁전 .

궁전은 부유한 사람들이 살았던 도시의 궁전 저택입니다. 보통 이것은 거리를 향한 3 층 건물입니다. 그들의 계획에 따르면 궁전은 아치형 갤러리로 둘러싸인 안뜰이 중앙에있는 광장에 접근했습니다.

그림 이탈리아어 Quattrocento는 Masaccio(1401-1428, 실명 Tommaso di Giovanni di Simone Cassai)로 시작됩니다. Masaccio는 역사상 가장 독립적이고 일관된 천재 중 한 명이었습니다. 유럽 예술. 이 시대의 다른 많은 예술가들과 마찬가지로 그는 프레스코 기법을 사용하여 벽에 그린 기념비적 그림 분야에서 일했습니다. Giotto에 대한 검색을 계속하면서 Masaccio는 이미지에 전례없는 삶의 진정성을 부여했습니다.

프레스코화는 그의 작품의 정점이다.브랑카치 채플 피렌체의 산타 마리아 델 카르미네 교회. 그들은 사도 베드로의 이야기와 성경 이야기탁월한 극적 힘으로 해석되는 "낙원으로부터의 추방".

이 프레스코 화의 모든 것은 특별한 인상, 서사적 힘, 영웅주의로 가득 차 있습니다. 모든 것이 기념비적으로 강조됩니다. 예술가는 형태를 그리는 것 같지 않지만 chiaroscuro의 도움으로 조각하여 거의 조각적인 부조를 얻습니다. 훌륭한 예 창의적인 방식 Masaccio는 봉사할 수 있습니다"스테이터의 기적" (물고기 입에서 기적적으로 발견된 동전에 대한 이야기로, 그리스도와 그의 제자들이 가버나움 시에 접근할 수 있게 되었습니다.)

운명은 27세에 천재의 부상을 막았지만 이미 그가 해낸 일로 그는 새로운 예술의 창시자로 명성을 얻었습니다. Masaccio가 죽은 후 Brancacci Chapel은 모든 후속 화가의 학교이자 순례지가되었습니다.

Masaccio, Brunelleschi, Donatello는 그들의 탐구에서 혼자가 아니었습니다. 동시에 Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea Mantegna와 같은 많은 오리지널 마스터가 이탈리아의 여러 도시에서 일했습니다.

Quattrocento가 끝날 무렵 이탈리아 회화의 열망의 본질이 크게 바뀝니다. 원근법 연구, 비율이 배경으로 사라지고 인간 본성에 대한 연구가 전면에 등장합니다. 문학과 시에 이어 회화는 영혼의 강렬한 삶, 감정의 움직임을 드러낸다. 이것은 이전과 같이 프로필이 아닌 3/4 회전으로 초상화 장르와 새로운 유형의 개발에 기여합니다.

새로운 작업을 하는 아티스트 예술적 아이디어가장 조화로운 표현을 찾았고,산드로 보티첼리 (1445-1510, 실명 알레산드로 필리페피).

Botticelli는 피렌체 회화 학교의 대표자입니다. 그는 Lorenzo Medici의 궁정에 가까웠고, 재능있는 정치가이자 외교관, 훌륭하게 교육받은 사람, 재능있는 시인, 문학과 예술 애호가, 많은 주요 인본주의 자, 시인 및 예술가를 끌어 들였습니다.

피렌체 학자 집단과 관련이 있기 때문에 Botticelli는 자신이 편집 한 시적 프로그램에 대한 그의 작품에 기꺼이 의존했습니다. 고대와 르네상스 시에서 영감을 받은 그들은 본질적으로 우화적이었습니다. 인간의 감정 중 가장 높은 사랑의 구체화 인 금성의 이미지가 그들에게 특별한 역할을했습니다.

비너스 - 중앙 이미지유명한 보티첼리 그림:"봄"그리고 "비너스의 탄생". 사랑이 지배하는 이 신화적 구성에서 보티셀의 아름다움에 대한 이상향의 신비한 매력이 꽃을 피웠습니다. 이 아름다움에는 특별한 세련미와 연약한 무방비 상태가 있습니다. 그리고 동시에 그 안에는 엄청난 내면의 힘, 영적인 삶의 힘이 숨겨져 있습니다.

같은 부 내면 세계"보석상의 초상화", "Giuliano Medici"등 아티스트의 초상화로 사람이 시청자에게 공개됩니다.

마지막에 피렌체의 사회 생활과 관련된 가장 깊은 개인적인 경험15세세기 , Botticelli의 후기 작품 인 "그리스도의 애도", "버려진"의 큰 비극을 확인했습니다.

15세기 후반에 피렌체 학파와 함께 미술 학교움브리아(핀투리키오), 베니스(이방인과 조반니 벨리니, 카르파치오), 페라라, 롬바르디아, 문화 센터이탈리아는 피렌체로 남아 있습니다. 이곳에서 1470년대 레오나르도 다빈치의 창작 활동이 시작되었고 미켈란젤로가 이곳에서 태어나고 자랐으며 다비드상을 만들어 최초의 예술가로 명성을 얻었습니다(피렌체의 상징으로 시뇨리아 궁전 앞에 두었습니다) ). Florence는 또한 Madonnas의 광범위한 모음곡을 여기에 쓴 Raphael의 창의적인 개발에 큰 역할을했습니다 (그가 Florence에 도착했을 때 Leonardo와 Michelangelo는 모두 그곳에서 일했습니다). 브라만테, 조르조네, 티치아노의 예술과 함께 이 뛰어난 거장들의 작품은 전성기 르네상스 시대를 특징지었습니다.

메디치 가문은 부유한 은행가 집안이다.15세사실 세기는 피렌체의 권력에 속했습니다.

"죄 많은 오물"에 대한 Savonarola 지지자들의 치열한 공격 인 Dominican 수도사 Savonarola가 이끄는 Medici에 대한 대중 봉기 세속 문화, 마지막으로 Savonarola를 교회에서 파문하고 그의 죽음을 화형에 빠뜨립니다.

Savonarola의 강력한 영향을 경험 한 Botticelli는 그의 죽음에 충격을 받았습니다.

연방 기관교육의

상트페테르부르크 주립 건축 및 토목 대학교

사학과

분야: 문화학

르네상스 문화의 타이탄과 걸작

그룹 1 학생 ES 2

E. Yu.Nalivko

감독자:

에. 그리고. 명., 교사

I. Yu. Lapina

상트 페테르부르크

소개 ..................................................................................3

초기 르네상스 예술 ..................................4

전성기 르네상스 시대 ..................................5

산드로 보티첼리 ..................................5

레오나르도 다빈치 ..................................................7

미켈란젤로 부오나로티 .........................................10

라파엘로 산티...........................................................13

결론 ..................................................................................15

사용 문헌 목록 ..................................16

소개

르네상스는 세계 문화에서 중요한 시기입니다. 처음에는 유럽 문화 생활의 새로운 현상이 과학, 철학 및 문학 분야에서 고대 문화의 잊혀진 업적으로 돌아가는 것처럼 보였습니다. 르네상스 현상은 고대 유산이 교회 정경과 금지를 전복시키는 무기가 되었다는 사실에 있습니다. 본질적으로 우리는 2세기 반 동안 지속되고 새로운 유형의 세계관과 새로운 유형의 문화의 창조로 끝난 거대한 문화 혁명에 대해 이야기해야 합니다. 당시 유럽 지역 밖에서 이와 같은 것은 관찰되지 않았습니다. 따라서 이 주제는 이 시기를 좀 더 자세히 분석하고 싶은 나의 큰 관심과 열망을 불러일으켰다.

내 에세이에서 나는 그러한 것에 초점을 맞추고 싶다. 저명한 사람들산드로 보티첼리, 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로 부오나로티, 라파엘로 산티처럼. 주요 무대의 가장 눈에 띄는 대표자가 된 것은 바로 그들이었습니다. 이탈리아 르네상스.

1. 초기 르네상스의 예술

15세기 첫 10년 동안 이탈리아 예술에 결정적인 전환점이 발생했습니다. 르네상스의 강력한 중심지가 피렌체에 등장하면서 이탈리아 예술 문화 전체가 쇄신되었습니다.

Donatello, Masaccio 및 그 동료들의 작품은 후기 trecento의 고딕 예술의 특징이었던 "세부 사항의 사실주의"와 크게 다른 르네상스 사실주의의 승리를 표시합니다. 이 거장의 작품에는 인본주의의 이상이 담겨 있습니다. 그들은 사람을 영화 롭게하고 영화 롭게하며 그를 일상 생활 수준 이상으로 올립니다.

고딕 전통과의 투쟁에서 초기 르네상스의 예술가들은 고대와 원시 르네상스 예술에 대한 지원을 구했습니다. 프로토르네상스 시대의 거장들이 직관적으로, 만져서 찾았던 것이 이제는 정확한 지식을 기반으로 합니다.

15세기 이탈리아 예술은 매우 다양합니다. 고급 피렌체에서 15 세기 초에 얻은 새로운 예술은 즉시 다른 지역에서 인정과 배포를받지 못했습니다. Bruneleschi, Masaccio, Donatello가 피렌체에서 작업하는 동안 비잔틴과 고딕 예술의 전통은 이탈리아 북부에서 여전히 살아 있었고 점차적으로 르네상스로 대체되었습니다.

피렌체는 초기 르네상스의 중심지였습니다. 15세기 전반과 중반의 피렌체 문화는 다양하고 풍부했습니다. 1439년 이후, 비잔틴 황제 존 팔라이올로고스와 콘스탄티노플 총대주교가 도착한 플로렌스에서 열린 에큐메니칼 교회 회의 이후, 특히 1453년 비잔티움이 몰락한 이후 많은 과학자들이 동부는 피렌체에서 피난처를 찾았고, 이 도시는 문학과 철학뿐만 아니라 그리스어 연구를 위한 이탈리아의 주요 중심지 중 하나가 되었습니다. 고대 그리스. 그럼에도 불구하고 15세기 전반과 중반에 피렌체의 문화 생활에서 주도적인 역할은 의심할 여지없이 예술에 속했습니다. 1

2. 전성기 르네상스 시대

이 기간은 르네상스의 정점을 나타냅니다. 30년 정도의 짧은 기간이었지만, 양적으로나 질적으로나 이 기간은 수 세기에 가깝다. 전성기 르네상스 예술은 15세기의 업적을 요약한 것이지만, 동시에 예술 이론과 구현 면에서 새로운 질적 도약이었습니다. 이 기간의 비정상적인 "밀집화"는 동시에 (한 역사적 기간에) 작업하는 뛰어난 예술가의 수가 예술사 전체에 대한 일종의 기록이라는 사실로 설명 할 수 있습니다. Leonardo da Vinci, Raphael 및 Michelangelo와 같은 이름을 지정하는 것으로 충분합니다.

3. 산드로 보티첼리

산드로 보티첼리(Sandro Botticelli)라는 이름은 이탈리아 르네상스의 가장 뛰어난 예술가 중 한 사람의 이름으로 전 세계에 알려져 있습니다.

Sandro Botticelli는 1444년(또는 1445년) 태너인 피렌체 시민 Mariano Filippepi의 가족에서 태어났습니다. Sandro는 Philippepi의 넷째 아들 인 막내였습니다. 불행히도 Sandro가 언제 어디서 예술가로 훈련을 받았는지, 그리고 오래된 소식통이 말했듯이 그가 실제로 처음으로 보석을 공부 한 다음 그림을 그리기 시작했는지에 대해서는 알려진 바가 거의 없습니다. 1470년에 그는 이미 자신의 작업장을 가지고 있었고 받은 명령을 독립적으로 수행했습니다.

Botticelli 예술의 매력은 항상 약간의 신비로 남아 있습니다. 그의 작품은 다른 거장들의 작품이 불러일으키지 않는 느낌을 불러일으킨다.

Botticelli는 15세기의 많은 예술가들보다 열등했으며 일부는 용감한 에너지, 다른 일부는 세부 사항의 진정한 진정성에서 열등했습니다. 그의 이미지(매우 드문 예외를 제외하고)에는 기념비와 드라마가 없으며 과장되게 깨지기 쉬운 형태는 항상 약간 임의적입니다. 그러나 15세기의 다른 어떤 화가와도 달리 보티첼리에게는 삶에 대한 최고의 시적 이해 능력이 부여되었습니다. 처음으로 그는 인간 경험의 미묘한 뉘앙스를 전달할 수 있었습니다. 그의 그림에서 즐거운 흥분은 우울한 환상, 재미의 폭발-아픈 우울, 차분한 묵상-통제 할 수없는 열정으로 대체됩니다.

보티첼리 예술의 새로운 방향은 그의 활동의 마지막 시기인 1490년대와 1500년대 초반의 작품에서 극단적으로 표현되었습니다. 여기에서 과장과 불협화음의 장치는 거의 참을 수 없게 됩니다(예: "성 제노비우스의 기적"). 그런 다음 예술가는 절망적 인 슬픔의 심연 ( "Pieta")으로 뛰어 들고 깨달은 승영 ( "성 제롬의 친교")에 굴복합니다. 그의 회화적 방식은 일종의 순진한 혀 묶임으로 구별되는 거의 아이콘 페인팅 관습으로 단순화됩니다. 평면 선형 리듬은 단순함의 한계에 도달한 그림과 지역 색상의 뚜렷한 대비가 있는 색상을 모두 준수합니다. 이미지는 그대로 신비한 상징으로 작용하여 실제 지상 껍질을 잃습니다. 그러나 이것에서, 계속해서 종교 예술인간의 원칙은 큰 힘으로 그 길을 가고 있습니다. 이전에는 예술가가 자신의 작품에 그렇게 많은 개인적인 감정을 투자한 적이 없었고, 그의 이미지가 그토록 높은 도덕적 중요성을 지닌 적이 없었습니다.

Botticelli의 죽음과 함께 초기 르네상스의 피렌체 회화의 역사는 끝납니다. 이것은 이탈리아 예술 문화의 진정한 봄입니다. 레오나르도, 미켈란젤로, 젊은 라파엘과 동시대인인 보티첼리는 그들의 고전적 이상과는 거리가 멀었습니다. 예술가로서 그는 전적으로 15세기에 속했으며 전성기 르네상스 회화의 직접적인 후계자가 없었습니다. 그러나 그의 예술은 그와 함께 죽지 않았다. 그것은 인간의 정신세계를 드러내기 위한 최초의 시도이자 소심한 시도였고 비극적으로 끝났지만, 세대와 세기를 거쳐 다른 거장들의 작품에 무한히 다면적으로 반영되었다.

보티첼리의 예술은 사람들의 마음을 설레게 하고 언제나 설레게 할 위대한 예술가의 시적 고백입니다. 2

4. 레오나르도 다빈치

인류 역사상 전성기 르네상스 미술의 창시자 레오나르도 다빈치(1452~1519)만큼 뛰어난 인물을 찾기란 쉽지 않다. 이 위대한 예술가이자 과학자의 포괄적인 활동은 그의 유산에서 흩어진 원고를 조사한 후에야 분명해졌습니다. 거대한 문학은 레오나르도에게 바쳐졌으며 그의 삶은 자세히 연구되었습니다. 그럼에도 불구하고 그의 작품의 많은 부분은 신비로 남아 있으며 계속해서 사람들의 마음을 자극합니다.

Leonardo da Vinci는 피렌체에서 멀지 않은 Vinci 근처의 Anchiano 마을에서 태어났습니다. 그는 ~였다 사생아번영하는 공증인과 단순한 농민 여성. 소년의 뛰어난 그림 실력을 알아차린 그의 아버지는 그를 Andrea Verrocchio의 작업장에 맡겼습니다. 교사 "그리스도의 세례"의 그림에서 영적인 금발 천사의 모습은 젊은 레오나르도의 붓에 속합니다.

그의 초기 작품 중에는 유화로 그린 꽃을 든 마돈나(1472)가 있는데 당시 이탈리아에서는 드물었다.

1482년경 레오나르도는 밀라노 공작 로도비코 모로에게 복무했습니다. 주인은 먼저 자신을 군사 엔지니어, 건축가, 수력 공학 분야의 전문가로 추천 한 다음 화가와 조각가로 추천했습니다. 그러나 Leonardo의 창의성 (1482-1499)의 첫 번째 밀라노 기간이 가장 유익한 것으로 판명되었습니다. 주인은 이탈리아에서 가장 유명한 예술가가되었고 건축과 조각을 공부하고 프레스코와 제단 그림으로 전환했습니다.

밀라노 시대의 레오나르도의 그림 같은 그림은 우리 시대까지 살아 남았습니다. 전성기 르네상스의 첫 번째 제단화는 동굴의 마돈나(1483-1494)였습니다. 화가는 15세기의 전통, 즉 엄숙한 경직성이 우세한 종교적 그림에서 출발했습니다. 레오나르도의 제단화에는 여성스러운 마리아, 작은 세례 요한을 축복하는 유아 그리스도, 마치 그림 밖을 내다보는 것처럼 무릎을 꿇은 천사 등 인물이 거의 없습니다. 이미지는 완벽하게 아름답고 주변 환경과 자연스럽게 연결됩니다. 이것은 깊이에 틈이있는 어두운 현무암 암석 사이의 일종의 동굴입니다. 전체적으로 레오나르도의 전형적인 풍경은 환상적으로 신비합니다. 인물과 얼굴은 공기가 잘 통하는 안개에 가려져 특별한 부드러움을 선사합니다. 이탈리아인들은 이 기술을 Deonardo sfumato라고 불렀습니다.

밀라노에서 분명히 마스터는 캔버스 "Madonna and Child"( "Madonna Lita")를 만들었습니다. 여기에서 꽃을 든 마돈나와 달리 이미지의 이상성을 더 일반화하기 위해 노력했습니다. 어떤 순간이 아니라 젊고 아름다운 여성이 몰두하는 어떤 장기적인 기쁨의 평화 상태가 묘사됩니다. 차갑고 맑은 빛이 그녀의 가늘고 부드러운 얼굴을 반쯤 숙인 시선과 희미하고 거의 알아볼 수 없는 미소로 비춥니다. 그림은 템페라로 그려져 Mary의 파란색 망토와 빨간색 드레스의 색조에 경쾌함을 더합니다. 유아의 푹신한 짙은 황금색 곱슬 머리는 놀랍도록 쓰여져 있으며 시청자를 향한 그의 세심한 시선은 유치하게 심각하지 않습니다.

1499년 프랑스군이 밀라노를 점령하자 레오나르도는 밀라노를 떠났습니다. 방황의 시간이 시작되었습니다. 얼마 동안 그는 피렌체에서 일했습니다. 그곳에서 Leonardo의 작품은 밝은 섬광으로 밝혀진 것 같았습니다. 그는 부유한 플로렌스인 Francesco di Giocondo(1503년경)의 아내인 Mona Lisa의 초상화를 그렸습니다. 초상화는 "Gioconda"로 알려져 있으며 세계 회화에서 가장 유명한 작품 중 하나가되었습니다.

청록색 풍경을 배경으로 앉아 바람이 잘 통하는 안개에 싸인 젊은 여성의 작은 초상화는 바사리에 따르면 모나의 심화에서 맥박이 뛰는 것을 볼 수 있을 정도로 생생하고 부드러운 떨림으로 가득 차 있습니다. 리사의 목. 그림이 이해하기 쉬울 것 같습니다. 한편, 모나리자에 관한 광범위한 문헌에서 Leonardo가 만든 이미지에 대한 가장 반대되는 해석이 충돌합니다.

생애 말년에 Leonardo da Vinci는 예술가로서 거의 일하지 않았습니다. 프랑스 왕 프랑수아 1세의 초청을 받아 1517년 프랑스로 떠나 궁정화가가 되었다. 곧 레오나르도가 죽었습니다. 자화상-그림 (1510-1515)에서 깊은 슬픔의 표정을 가진 회색 수염의 족장은 그의 나이보다 훨씬 나이가 들었습니다.

Leonardo의 재능의 규모와 독창성은 예술사에서 명예의 장소 중 하나를 차지하는 그의 그림으로 판단할 수 있습니다. 정확한 과학에 관한 원고뿐만 아니라 예술 이론에 관한 작업도 Leonardo da Vinci의 그림, 스케치, 스케치 및 다이어그램과 불가분의 관계가 있습니다. chiaroscuro, 체적 모델링, 선형 및 공중 원근법의 문제에 많은 공간이 제공됩니다. Leonardo da Vinci는 수학, 역학 및 기타 자연 과학 분야에서 수많은 발견, 프로젝트 및 실험 연구를 소유하고 있습니다.

Leonardo da Vinci의 예술, 그의 과학적 및 이론적 연구, 그의 성격의 독창성은 세계 문화와 과학의 전체 역사를 거쳐 엄청난 영향을 미쳤습니다. 삼

5 미켈란젤로 부오나로티

전성기 르네상스 시대의 반신반인과 거인 사이에서 미켈란젤로는 특별한 위치를 차지합니다. 새로운 예술의 창조자로서 그는 16세기의 프로메테우스라는 이름을 가질 자격이 있다.

피에타로 알려진 아름다운 대리석 조각상은 오늘날까지 로마에 첫 체류와 24세기의 완전한 성숙을 기념하는 기념물로 남아 있습니다. 여름 예술가. 성모는 돌 위에 앉아 무릎 위에 십자가에서 내려진 생명 없는 예수의 몸을 안고 있습니다. 그녀는 그녀의 손으로 그를 지원합니다. 고대 작품의 영향으로 미켈란젤로는 종교적 주제를 묘사할 때 중세의 모든 전통을 버렸습니다. 그는 그리스도의 몸과 전체 작품에 조화와 아름다움을 부여했습니다. 공포를 불러일으키는 것은 예수의 죽음이 아니라 큰 고통을 당하는 사람에 대한 경건한 놀라움의 느낌이었습니다. 벌거벗은 몸의 아름다움은 예술적으로 배열된 Mary의 드레스 주름에 의해 생성된 빛과 그림자의 효과로부터 많은 이점을 얻습니다. 작가가 그린 예수의 얼굴에서 사보나롤라와 닮은 점까지 발견했다. 투쟁과 항의의 영원한 언약, 영원한 기념물예술가 자신의 숨은 고통은 피에타로 남았다.

미켈란젤로는 1501년 피렌체로 돌아왔는데, 도시의 어려운 순간에 거대한 카라라 대리석 블록에서 대성당의 돔을 장식하기 위해 성서에 나오는 다비드의 거대한 조각상을 만들기로 결정했습니다. 크기를 줄이지 않고 완벽하게 작업했으며 David였습니다. 1503년 5월 18일, 동상은 350년 이상 서 있던 세노리아 광장에 설치되었습니다.

미켈란젤로의 길고 암울한 삶에서 행복이 그에게 미소를 지었던 기간은 단 한 번뿐이었습니다. 이것은 그가 교황 율리우스 2세를 위해 일했던 때였습니다. 미켈란젤로는 자신의 방식으로 교황의 날카로운 매너가 전혀 없었던이 무례한 전사 아빠를 사랑했습니다. 교황 율리우스의 무덤은 미켈란젤로가 의도한 것만큼 웅장하지 않았다. 성 베드로 대성당 대신 베드로, 그녀는 성 베드로의 작은 교회에 배치되었습니다. 그녀가 완전히 들어가지도 않은 Peter와 개별 부분이 다른 장소에 흩어져 있습니다. 그러나이 형태에서도 르네상스의 가장 유명한 창조물 중 하나입니다. 그 중심 인물은 이집트 포로에서 그의 백성을 해방시킨 성서의 모세입니다 (예술가는 Julius가 이탈리아를 정복자로부터 해방시키기를 희망했습니다). 모든 것을 소비하는 열정, 비인간적 인 힘은 영웅의 강력한 몸을 긴장시키고 그의 얼굴은 의지와 결단력을 반영하며 행동에 대한 열정적 인 갈증, 그의 시선은 약속의 땅을 향합니다. Olympian majesty에는 반신반인이 앉아 있습니다. 그의 손 중 하나는 무릎 위의 석판에 힘차게 얹혀 있고, 다른 하나는 모든 사람이 복종하기 위해 눈썹만 움직여도 되는 남자에게 합당한 부주의로 여기에서 얹혀 있습니다. 시인이 말했듯이 “그런 우상 앞에서 유대 민족은 엎드려 기도할 권리가 있었다.” 동시대인에 따르면 미켈란젤로의 '모세'는 실제로 신을 보았다.

교황 율리우스의 요청에 따라 미켈란젤로는 바티칸의 시스티나 예배당 천장에 천지 창조를 묘사한 프레스코화를 그렸습니다. 그의 그림은 선과 몸이 지배한다. 20 년 후, 같은 예배당의 벽 중 하나에 미켈란젤로는 최후의 심판 프레스코 화를 그렸습니다. 최후의 심판에서 그리스도의 출현에 대한 놀라운 비전은 죄인들이 지옥의 심연에 빠지는 물결입니다. 근육질의 헤라클레스 거인은 인류의 선을 위해 자신을 희생 한 성서의 그리스도처럼 보이지 않지만 고대 신화의 보복을 의인화 한 프레스코는 필사적 인 영혼, 미켈란젤로의 영혼의 끔찍한 심연을 드러냅니다.

미켈란젤로의 작품에는 이탈리아의 비극으로 인한 고통이 자신의 슬픈 운명에 대한 고통과 합쳐져 표현되며, 고통과 불행이 섞이지 않은 아름다움을 미켈란젤로는 건축에서 찾았다. 미켈란젤로는 브라만테가 죽은 후 성 베드로 대성당 건설을 인수했습니다. Bramante의 가치 있는 계승자인 그는 돔을 만들었고 오늘날까지 그 크기나 웅장함에서 타의 추종을 불허합니다.

미켈란젤로는 제자도 없었고 소위 학교도 없었습니다. 그러나 그가 창조한 온 세상이 있었다. 4

6. 라파엘

Rafael Santi의 작품은 세계적 명성으로 덮일뿐만 아니라 인류의 영적 삶에서 가장 높은 랜드 마크인 특별한 의미를 얻은 유럽 문화 현상 중 하나입니다. 5세기 동안 그의 예술은 미학적 완벽함의 예 중 하나로 인식되었습니다.

Raphael의 천재성은 그림, 그래픽, 건축에서 드러났습니다. 라파엘의 작품은 전성기 르네상스 예술의 고전적 시작인 고전적 선을 가장 완전하고 생생하게 표현한 것입니다(부록 3). Raphael은 육체적으로나 영적으로 완벽한 아름다운 사람의 "보편적 이미지"를 만들어 조화로운 존재의 아름다움에 대한 아이디어를 구현했습니다.

Raphael(보다 정확하게는 Raffaello Santi)은 1483년 4월 6일 우르비노에서 태어났습니다. 그는 아버지 Giovanni Santi로부터 첫 번째 그림 수업을 받았습니다. 라파엘이 11살이었을 때 조반니 산티가 죽고 그 소년은 고아가 되었습니다(그는 아버지가 죽기 3년 전에 소년을 잃었습니다). 분명히 향후 5 ~ 6 년 동안 그는 지방의 작은 거장 인 Evangelista di Piandimeleto와 Timoteo Viti와 함께 그림을 공부했습니다.

우리에게 알려진 라파엘의 첫 번째 작품은 그가 17-19세였던 1500-1502년경에 공연되었습니다. 이들은 미니어처 크기의 작곡 "Three Graces", "Dream of a Knight"입니다. 이 단순하고 여전히 학생처럼 소심한 것들은 미묘한 시와 감정의 성실함으로 표시됩니다. 창의성의 첫 단계부터 Raphael의 재능이 모든 독창성으로 드러나고 자신의 예술적 주제가 설명됩니다.

초기 최고의 작품으로는 Conestabile Madonna가 있습니다. 마돈나와 차일드를 묘사한 작곡은 라파엘로의 폭넓은 명성과 인기를 가져왔습니다. Umbrian 시대의 연약하고 온유하며 꿈꾸는 마돈나는 더 세속적이고 완전한 이미지로 대체되었으며 그들의 내면 세계는 더 복잡해지고 감정적 색조가 풍부해졌습니다. 라파엘 생성 새로운 유형기념비적이고 엄격하며 서정적 인 마돈나와 차일드의 이미지는이 주제에 전례없는 의미를 부여했습니다.

그는 바티칸 (1509-1517)의 연 (방) 그림에서 인간의 지상 존재, 영적 및 육체적 힘의 조화를 영광스럽게하여 완벽한 비율 감각, 리듬, 비율, 색상의 조화, 인물과 건축 배경의 장엄함. 신의 어머니 ( "Sistine Madonna", 1515-19), Villa Farnesina (1514-18)의 벽화와 바티칸의 로지아 (1519, 학생 포함)의 예술적 앙상블의 많은 이미지가 있습니다. 초상화에서 그는 르네상스 남성의 이상적인 이미지를 만듭니다(Baldassare Castiglione, 1515). 성 베드로 대성당을 설계했습니다. Peter는 로마에 Santa Maria del Popolo 교회의 Chigi 예배당(1512-20)을 세웠습니다.

Raphael의 그림, 스타일, 미적 원칙은 시대의 세계관을 반영했습니다. 16세기의 30년이 되자 이탈리아의 문화적, 영적 상황은 변했습니다. 역사적 현실은 르네상스 휴머니즘의 환상을 파괴했습니다. 부흥이 막바지에 이르렀습니다. 5

결론

르네상스 시대에는 고대 그리스와 로마의 예술에 대한 관심이 높아져 유럽이 변모하여 중세가 끝나고 새로운 시대가 시작되었습니다. 이 기간은 고대 과거의 "부흥"의 시간일 뿐만 아니라 발견과 연구의 시간, 새로운 아이디어의 시간이었습니다. 고전적인 예는 인간의 성격, 능력의 개발 및 표현을 강조하고 중세의 특징이었던 한계가 아닌 새로운 사고에 영감을 불어 넣었습니다. 교육과 과학 연구는 더 이상 교회만의 일이 아니었습니다. 새로운 학교와 대학이 생기고 자연 과학 및 의학 실험이 수행되었습니다. 예술가와 조각가들은 세상과 인간의 사실적인 재현을 위해 자연 스러움을 위해 노력했습니다. 고전 조각상과 인체 해부학을 연구했습니다. 예술가들은 평면 이미지를 버리고 원근법을 사용하기 시작했습니다. 예술의 대상은 인체, 고전 및 현대 주제뿐만 아니라 종교적 주제. 이탈리아에서 자본주의 관계가 부상하고 있었고 외교가 도시 국가 간의 관계에서 도구로 사용되기 시작했습니다. 인쇄기의 발명과 같은 과학 기술의 발견은 새로운 아이디어의 확산에 기여했습니다. 점차 새로운 아이디어가 유럽 전체를 점령했습니다.

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초기 르네상스 예술(quattrocento)

15세기 초 한편으로는 피렌체와 베네치아 공화국, 다른 한편으로는 밀라노 공국과 나폴리 왕국의 빌라 메디치 (Villa Medici)가 참가한 심각한 정치적 위기로 표시되었습니다. 1378년부터 1417년까지 지속되었습니다. 교회의 분열과 교황 마르티노 5세는 콘스탄스 공의회에서 선출되어 로마를 거주지로 선택했습니다. 이탈리아의 정치 세력의 정렬이 변경되었습니다. 이탈리아의 삶은 베니스, 피렌체와 같은 지역 국가에 의해 결정되었으며 이웃 도시 영토의 일부를 정복하거나 매입하고 바다 나폴리로갔습니다. 이탈리아 르네상스의 사회적 기반이 확장되었습니다. 오랜 전통을 가진 지역 예술 학교가 번성합니다. 세속적 시작은 문화에서 정의됩니다. XV 세기에. 인본주의 자들은 교황의 왕좌를 두 번 차지했습니다.

“그에게는 하늘이 너무 높거나 땅의 중심이 너무 깊지 않습니다. 그리고 인간은 천체의 구조와 그것이 어떻게 움직이는지 알고 있기 때문에 인간의 천재성이 거의 같다는 것을 누가 부인하겠습니까? Marsilio Ficino 초기 르네상스는 후기 고딕 전통을 극복하고 고대 유산으로 전환하는 것이 특징입니다. 그러나 이 변환은 모방에 의해 발생하지 않습니다. Filarete가 자신의 주문 시스템을 발명한 것은 우연이 아닙니다.
법칙의 이해를 통한 "자연의 모방"은 이 시대의 예술에 대한 논문의 주요 아이디어입니다.
XIV 세기라면. 인본주의는 주로 작가, 역사가 및 시인의 재산이었으며 15 세기 초부터였습니다. 인본주의 적 검색이 그림에 침투했습니다.

Virtu(용맹) - 고대 Stoics에서 차용한 이 개념은 14-1층 끝에서 피렌체 인문주의에 채택되었습니다. 15세기 XV 세기의 마지막 3 분의 1에 인본주의의 주요 장소. 무게 중심이 도덕적, 윤리적 문제에서 철학적 문제로 옮겨간 점거 신 플라톤주의. 금세기의 모든 인본주의자들은 인간이 자연의 가장 완벽한 창조물이라는 생각으로 뭉쳤습니다.

예술가의 입장 변화는 세기 초 피렌체의 시뇨리아가 오랫동안 잊혀진 규칙을 확인했기 때문에 건축가와 조각가는 그들이 속한 도시의 길드 조직에 참여할 수 없었습니다. 일했다. 예술적 독창성의 가치를 깨달은 작품 창작자들은 작품에 서명하기 시작하여 피렌체 세례당 문에 "Lawrence Cione de Ghiberti의 멋진 예술 작품"이라고 쓰여 있습니다. XV 세기 후반. 모형에서 그림을 그리고 본격적인 스케치가 필수가 됩니다.

고대 로마 유산에 초점을 맞춘 최초의 이탈리아 건축가는 Leon Battista Alberti(1404-1472)였습니다. Alberti에게 절대적이고 기본은 아름다움이었습니다. 아름다움에 대한 이러한 이해에서 Alberti는 모든 것의 concinnitas(조화, 조화)에 대한 그의 교리를 입증했습니다. 비례 개념과 관련하여 조화 수치 관계, 완벽한 비율의 법칙에도 관심이 있습니다. Filarete와 같은 일부는 건물에서 그들을 찾았습니다. 인간의 몸, 기타 (Alberti, Brunelleschi)-음악적 조화의 수치 적 측면에서.
"아름다움은 모든 부분이 그에 상응하는 조화를 이루며, 그들이 속한 것에 의해 결합되어 더 악화되지 않고는 아무것도 더하거나 빼거나 변경할 수 없습니다."라고 Alberti는 믿었습니다.

Quattrocento의 또 다른 발견은 직접적인 관점입니다. F. Brunelleschi는 플로렌스의 두 가지 유형에 처음으로 적용했습니다. 1416년 브루넬레스키의 친구인 조각가 도나텔로가 성 베드로 전투 부조에 사용했습니다. George with a dragon", 1427-1428년경. Masaccio는 프레스코 "Trinity"에서 원근법 구조를 만들었습니다. 원근법의 원리에 대한 상세한 이론적 발전은 Alberti가 그의 회화 논문에서 제시했습니다. 프로젝션 방식은 개별 사물의 이미지가 아닌 사물의 공간적 연결에서 진행되어 각각의 사물이 안정된 모습을 상실하게 된다. 투시 이미지는 존재의 효과를 위해 설계되었으므로 고정된 관점에서 삶을 그리는 것과 관련이 있습니다. 원근법은 명암 및 색조-색상 관계의 전송을 포함합니다.

Quattrocento 아키텍처

건축의 본질과 패턴은 15세기 이론가들을 위해 결정된다. 남자에 대한 그녀의 봉사. 따라서 Vitruvius에서 가져온 건물과 사람의 유사성에 대한 아이디어가 대중화됩니다. 건물의 모양은 인체의 비율에 비유되었습니다. 건축 이론가들은 또한 건축과 우주의 조화 사이의 연결을 보았습니다. 1441년에 비트루비우스(Vitruvius)의 논문이 발견되었으며, 그 연구는 질서 체계의 원리를 동화시키는 데 기여했습니다. 건축가들은 이상적인 사원의 모델을 만들려고 노력했습니다. Alberti에 따르면, 그것은 원이나 그 안에 새겨진 다면체와 계획적으로 유사해야 합니다.

세례당(Greek baptisterion - font) - 세례실, 세례실. 중세 초기에는 집단 세례가 필요했기 때문에 세례당은 교회와 별도로 지어졌습니다. 대부분의 경우 세례당은 둥글거나 면이 있고 돔으로 덮여 있습니다.
원근법 개발의 자연스러운 결과는 건물의 개별 요소 (기둥의 높이와 아치의 너비, 기둥의 평균 직경 및 키).
고대에 대한 매력은 Quattrocento 거장들의 특징이었지만 각 제작자는 고대에 대한 자신의 이상을 창조하고 인식했습니다.

XV 세기에. 어떤 권리에 대한 대회가 열리기 시작했습니다. 예술 프로젝트. 그래서 세례당의 북부 청동 문 제조를위한 1401 년 경쟁에서 유명한 거장과 20 세의 Lorenzo Ghiberti와 Filippo Brunelleschi가 모두 참여했습니다. 이미지의 주제는 부조 형태의 "아브라함의 희생"이었습니다. 기베르티가 이겼다. 건축가이자 수학자이자 엔지니어인 브루넬레스키(1377-1446)는 1418년 산타 마리아 델 피오레 대성당의 돔 건설을 위한 경쟁에서 우승했습니다. 돔은 13세기 초에 지어진 대성당의 관을 장식하기로 되어 있었습니다. 14세기에 확장되었다. 어려움은 당시 알려진 기술을 사용하여 돔을 세울 수 없다는 것입니다. 브루넬레스키는 고대 로마의 벽돌공법에서 그의 공법을 도출했지만 돔 구조의 형태를 바꾸었다. 약간 뾰족한 거대한 (직경-42m) 돔은 두 개의 쉘, 메인 프레임-8 개의 메인 리브와 16 개의 추가 리브로 구성되며 수평 링 소화 추력으로 상호 연결됩니다.

피렌체의 고아원 외관에 브루넬레스키가 만든 로지아는 르네상스 본질의 건축적 구체화가 되었습니다. 브루넬레스키는 초기 르네상스의 원칙과 이탈리아 건축의 국가 전통에 의존하여 고대 로마 건축의 기본으로 돌아가 자선 기관인 고아원의 현관을 만들어 개혁가임을 증명했습니다. 파사드의 모양이 새로워졌습니다. Portico는 고아원 자체보다 넓으며 오른쪽과 왼쪽에 베이가 하나 더 인접했습니다. 이것은 2층의 상대적으로 낮은 높이로 강조된 아케이드의 아치형 스팬의 넓이로 표현되는 넓은 확장의 인상을 만들었습니다. 브루넬레스키는 건물의 높이나 깊이에 방향을 맞추는 대신 건물에 고딕 양식이 없었으며 고대로부터 질량과 부피의 조화로운 균형을 차용했습니다.

평평한 구호 (it.relievo schiacciatto) -이미지가 배경 위로 최소한으로 올라가고 공간 계획이 한계까지 모이는 옅은 유형입니다.

브루넬레스키는 직접적인 원근법을 최초로 실용적으로 구현한 것으로 인정받고 있습니다. 고대에도 기하학자들은 눈이 광선에 의해 관찰 대상에 연결되어 있다는 가정에 기초한 광학을 기반으로 했습니다. Brunelleschi의 발견은 그가 이 광학 피라미드를 이미지 평면과 교차시키고 평면에서 물체의 정확한 투영을 얻었다는 것입니다. 브루넬레스키는 피렌체 대성당의 문을 자연스러운 틀로 삼아 그 앞에 세례당(성당 앞에 위치한 세례당 건물)의 투영을 배치했고, 이 투영은 어느 정도 건물의 실루엣과 일치했다. 거리.

브루넬레스키의 모든 프로젝트가 그가 의도한 대로 수행된 것은 아닙니다.
Brunelleschi의 학생 Michelozzo di Bartolommeo는 중앙에 정사각형 안뜰이 있는 3층 평면의 정사각형인 Palazzo Medici를 만들었습니다.

Leon Batista Alberti (1404-1472)는 피렌체, 페라라, 리미니에서 일한 다재다능한 인본주의 철학자입니다. Alberti는 로마 건축의 의미를 깊이 이해한 고대 로마 유산에 주로 초점을 맞춘 최초의 건축가였습니다. 동시대 사람들은 Alberti의 교회 건물의 특이성에 혼란스러워했습니다. 교황 비오 1세에게 리미니의 산 프란체스코 교회는 이교도 사원처럼 보였고, 만투아의 산 세바스티아노 교회는 교회와 모스크를 연상시켰다. Alberti는 매끄럽고 소박한 벽, 포털과 창문의 우아한 프레임, 정돈된 정면 장식으로 Florence에 Palazzo Ruccellai를 만들었습니다. Sant'Andrea의 Mantua 교회 프로젝트에서 Alberti는 사원의 전통적인 바실리카 형태와 돔형 지붕을 결합했습니다. 건물은 파사드 아치의 장엄함과 내부 공간의 웅장함이 특징입니다. 벽은 넓은 엔타블러처에 의해 수평으로 교차되었습니다. Portico는 결정적으로 중요했으며 그 안에는 갈비뼈가 평평한 돔으로 대체 된 금고가 있습니다.
대부분의 다른 건축가들은 설계자의 역할과 감독의 기능을 성공적으로 결합했습니다.

15세기 회화
그림은 주로 기념비적 인 그림입니다. 프레스코. 프레스코의 특징은 석회와 결합하는 제한된 양의 염료를 사용할 필요가 있다는 것입니다. 이젤 유형의 그림 중에서 제단은 점점 더 중요한 역할을 하기 시작합니다. 이것은 날개가 많은 고딕 양식의 제단이 아니라 소위 제단 그림이라는 단일 구성입니다. 팔라. 제단 그림 아래에는 좁은 프레델라 스트립을 형성하는 가로로 길쭉한 작은 그림이 여러 개 있습니다. 세기 전반기에 독립적인 세속 초상화가 등장했습니다. 시대의 첫 번째 예술가 중 한 명은 Masaccio (실명-Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428)였습니다. 주요 작품 : "천사와 함께하는 마돈나와 아이", "십자가", "동방 박사의 숭배", "삼위 일체".

교회의 브란카치 예배당 프레스코화에서 산타 마리아 Masaccio의 del Carmine의 Miracle with the Stater는 세 가지 에피소드를 연결합니다. 세금 징수 원이 돈을 요구하는 그리스도; 물고기에서 동전을 꺼내기 위해 물고기를 잡으라고 베드로에게 명령하는 그리스도; 피터는 돈을 줍니다. Masaccio는 이벤트가 그리스도의 동기 부여 의지에 달려 있음을 보여줄 필요가 있었기 때문에 두 번째 에피소드를 중심으로 만듭니다.
프라 베아토 안젤리코(1395-1455). 1418년에 그는 Fiesole에 있는 Dominican 수도원에서 보험을 들었고, 이후 Fra(형제) Giovanni라고 불렸습니다. 1438년에 그는 피렌체에 있는 산 마르코 수도원으로 옮겨 중앙 제단화와 수도사들의 감방을 디자인했습니다. Fra Angelico의 가장 유명한 작품은 프레스코 "Annunciation"입니다.

Filippo Lippi (c. 1406-1469)는 일찍 부모없이 남겨졌고 1421 년에 그는 Santa Maria del Carmine 수도원에서 보험을 들었습니다. Filippo는 San Spirito, San Lorenzo, Sant'Ambrogio의 피렌체 교회를 위한 제단화를 그렸습니다. 톤도 모양의 작은 제단화는 관습적으로 결혼식이나 아이의 탄생과 관련하여 선물로 주어졌습니다. 피에로 델라 프란체스카(Piero della Francesca, 1420-1492)는 산 세폴크로(San Sepolcro)에서 태어났고, 끊임없는 부재에도 불구하고 평생 동안 고향. 1452-1458년. 피에로 델라 프란체스카는 생명을 주는 십자가의 역사를 주제로 한 프레스코화로 아레초에 있는 산 프란체스코 교회의 본당을 그렸습니다.
Andrea della Verrocchio (1435-1489)는 Medici가 가장 좋아하는 사람 중 한 명으로 San Lorenzo 교회에서 일을 대신했습니다.

피렌체의 Domenico Ghirlandaio(1449-1494)는 Medici 가문 근처에서 상인과 은행가를 위해 일했습니다. 그의 작곡에서 그는 종종 동료 시민들을 신성한 역사의 인물로 묘사했습니다.
페루지노(1450-1523). 실명 - Pietro Vannucci는 Perugia 근처에서 태어 났으므로 그의 별명은 Perugino입니다. 1481년 로마에서 그는 다른 사람들과 함께 구약성경과 신약성경을 주제로 플로렌스 예배당을 그렸습니다. 제단 작곡북부 이탈리아의 교회와 수도원에서 의뢰했습니다.
Bernardino di Betto는 작은 키 때문에 Pinturicchio라는 별명을 얻었습니다(1454-1513). 문학 플롯. Pinturicchio의 가장 유명한 작품은 바티칸 교황청의 치장 벽토 장식과 프레스코화였습니다.

Andrea Mantegna (1431-1506)는 Mantua에있는 Gonzaga 공작의 궁정 화가였으며 그림을 그렸고 판화를 만들었으며 공연을위한 풍경을 만들었습니다. 1465-1474년. Mantegna는 Lodovico Gonzaga와 그의 가족의 도시 궁전을 설계했습니다.
Quattrocento의 마지막 거장인 Sandro Botticelli(1445-1510)는 다른 세계에 대한 열망, 자연적 형태와 역사를 뛰어넘고자 하는 열망에서 피렌체 신플라톤주의자들과 가깝습니다. Botticelli의 초기 작품은 부드러운 서정이 특징입니다. 가득한 초상화를 그린다. 내면의 삶. 얼굴에 슬픔이 묻어나는 줄리아노 메디치입니다. "시모네타 베스푸치의 초상화"에서 보티첼리는 옆모습에 서 있는 젊은 여성의 얼굴을 묘사하고 있으며, 그 얼굴은 자부심을 표현하고 있습니다. 90년대. 그는 1504년 미친 듯이 자살한 과학자 Lorenzo Lorenziano의 초상화를 그렸습니다. 작가는 거의 조각적으로 만질 수 있는 이미지를 묘사합니다.

"봄"은 보티첼리 활동의 가장 높은 개화의 시작을 표시했으며 그의 명성은 로마에 도달했습니다. 꽃이 만발한 초원 한가운데에는 사랑의 여신 비너스가 멋지게 옷을 입은 소녀로 표현되었습니다. 금성 위에서 큐피드는 눈을 가리고 맴돌며 불타는 화살을 우주로 쏘고 있습니다. 금성의 오른쪽에는 세 개의 은총이 춤을 추고 있습니다. 춤추는 은총 근처에는 지팡이 인 Caduceus를 들어 올리는 Mercury 신의 메신저가 있습니다. 그림의 오른쪽에는 바람의 신 Zephyr가 덤불 깊은 곳에서 날아와 자연의 원소 원리를 구현합니다. "비너스의 탄생" 보티첼리는 1482-1483년에 썼습니다. Lorenzo de' Medici가 의뢰했습니다. 바다는 그림의 가장자리에 접근하고 황금빛 분홍색 껍질이 표면에 떠 있으며 그 컬에는 벌거 벗은 금성이 서 있습니다. 장미가 그녀의 발에 떨어지고 바람이 조개 껍질을 해안으로 향하게하여 님프가 꽃으로 짠 망토를 준비했습니다.

Botticelli는 Neoplatonism에서 가져온 하위 텍스트를 이미지에 넣었을 가능성이 있습니다. "비너스의 탄생"은 결코 여성의 아름다움에 대한 이교도적인 노래가 아닙니다. 그것은 침례 동안 물에서 영혼의 탄생에 대한 기독교의 생각을 담고 있습니다. 여신의 알몸은 순결을 의미하고 자연은 그 요소로 표현됩니다. 공기는 Aeolus와 Boreas, 물은 장식용 파도가있는 녹색 바다입니다. 이것은 Florentine Academy의 책임자 인 Marsilio Ficino가 금성의 탄생 신화를 신성한 원리 덕분에 아름다움을 창조 할 수있는 영혼의 의인화로 해석 한 방식과 일치합니다. 보티첼리에게는 고대와 기독교 사이에 넘을 수 없는 선이 없었습니다. 작가는 고대 이미지를 종교화에 도입합니다. 중 하나 유명한 그림종교적 내용 - 1483-1485년에 만들어진 "마돈나의 장엄함". 성모 마리아는 무릎을 꿇은 아기 그리스도와 함께 천사들로 둘러싸인 왕좌에 묘사되어 있습니다. 마돈나는 그녀를 기리기 위해 기도가 시작될 때 펜을 들고 책에 글을 씁니다. "Magnificat *"Botticelli는 심령주의가 점점 더 강화되는 여러 작품을 만든 후 공간이 없을 때 이미지를 높이는 고딕 메아리가 나타납니다.

르네상스 조각은 르네상스의 인류 중심주의를 구현했습니다. 이탈리아 르네상스의 조각가들은 인상학적 의인화 측면뿐만 아니라 개인의 영적 자기 인식으로서 이미지의 개별화를 수행했습니다. 주요 특징 15세기 조각품 -성당의 벽과 벽감과의 분리.
Donatello(실명 Donato di Niccolò di Betto Bardi)(1386-1466)가 발명품 소유 특별한 종류구호, 그 본질은 볼륨의 가장 미세한 그라데이션에 있으며, 가장 진보 된 인물은 높은 부조로 성형되고 가장 먼 인물은 배경에서 약간 돌출됩니다. 동시에 공간은 원근감있게 구축되어 많은 인물을 수용할 수 있습니다. 성 베드로의 기적을 묘사한 부조들입니다. 파도바의 산탄토니오 교회 제단의 성 안토니오. Donatello의 첫 번째 평평한 부조는 1420년경에 제작된 Saint George Slaying the Dragon 패널이었습니다. 이미지의 주요 덩어리는 평평하고 평평하며 종종 경사진 고랑 기술을 사용하여 만들어진 깊게 절개된 윤곽에 의해 제한됩니다.

1432 년 로마에서 Donatello는 고대 예술에 대해 알게되었고 감정적 흥분의 전달, 감정의 드라마에 매료 된 고대 정신에 대한 자신의 해석에 이르렀습니다. Donatello는 몸의 무게가 한쪽 다리로 옮겨져 낮아진 어깨가 상승하는 엉덩이에 해당하고 그 반대의 인물의 포즈 인 고대 조각에 사용 된 교차 교차를 부활 시켰습니다.
1447-1453년 파도바의 산탄토니오 교회 앞 광장에서. Donatello는 현대 예술의 첫 번째 작품입니다. 청동 기념물가타멜레이트.

초기 르네상스

초기 르네상스. 문학적 창의성은 초기 르네상스 시대에 속합니다. 프란체스코 페트라르카 그리고 조반니 보카치오 . 이것들 가장 위대한 시인이탈리아는 이탈리아의 창조자로 간주됩니다 문학적 언어. 페트라르카(1304-1374)는 신이 아니라 인간을 작업의 중심에 둔 최초의 인문주의자로 르네상스 역사에 남았습니다. 세계적인 명성갖다 소네트 Madonna Laura의 삶과 죽음에 대한 Petrarch. Petrarch의 학생이자 추종자는 잘 알려진 사실적인 단편 소설 모음의 저자 인 Boccaccio (1313-1375)였습니다. "데카메론".미묘한 관찰, 심리학에 대한 탁월한 지식, 유머 및 낙관주의로 가득 찬 Boccaccio 작업의 깊은 인본주의적인 시작은 오늘날에도 여전히 매우 유익합니다. 초기 르네상스의 뛰어난 거장으로 간주됩니다. 마사치오 (1401-1428). 작가의 벽화(플로렌스의 브란카치 예배당)는 강렬한 명암비 모델링, 조형적 물리적 특성, 인물의 3차원성 및 풍경과의 구성적 연결로 구별됩니다. 초기 르네상스 붓의 뛰어난 대가의 유산 산드로 보티첼리 (1445-1510)는 피렌체의 메디치 궁정에서 일한 인물로 미묘한 색채와 슬픔의 분위기가 특징이다. 주인은 Giotto와 Masaccio의 현실적인 방식을 따르려고하지 않으며 그의 이미지는 평평하고 무형입니다. 보티첼리의 작품 중 가장 유명한 것은 그림이다. "비너스의 탄생". 최대 유명한 조각가 XV 세기 전반기. 도나텔로 (c. 1386-1466). 고대 전통을 되살린 그는 조각에 알몸을 처음으로 제시하고 고전적인 형태와 유형의 르네상스 조각을 만들었습니다. 새로운 유형의 원형 조각상과 조각 그룹, 그림 같은 부조입니다. 그의 예술은 사실적인 방식으로 구별됩니다. 초기 르네상스의 뛰어난 건축가이자 조각가 필리파 브루넬레스키 (1377-1446) - 르네상스 건축의 창시자 중 한 명. 그는 다소 다른 비율을 부여한 고대 건축의 주요 요소를 되살려 냈습니다. 이를 통해 주인은 특히 중세 건축 구조가 설계된 그를 억압하지 않고 사람에게 건물을 집중시킬 수있었습니다. Brunelleschi는 가장 복잡한 기술 문제(피렌체 대성당의 돔 건설)를 능숙하게 해결했으며 기초 과학(선형 원근법 이론)에 큰 공헌을 했습니다.

높은 르네상스

하이 르네상스. 전성기 르네상스의 기간은 상대적으로 짧았습니다. 그것은 주로 르네상스 거인의 세 명의 뛰어난 거장의 이름과 관련이 있습니다. 레오나르도 다빈치 , 라파엘 산티 그리고 미켈란젤로 부오나로티 . 레오나르도 다빈치(1452-1519)는 르네상스 대표자들 사이에서 재능과 다재다능함이 거의 동등하지 않습니다. 그가 타의 추종을 불허하는 기술을 달성하지 못했을 산업의 이름을 지정하기는 어렵습니다. Leonardo는 동시에 예술가, 미술 이론가, 조각가, 건축가, 수학자, 물리학자, 기계공, 천문학자, 생리학자, 식물학자, 해부학자였습니다. 그의 예술적 유산에는 다음과 같은 살아남은 걸작이 있습니다. « 마지막 식사» - 밀라노의 산타 마리아 델라 그라치에 수도원 식당의 프레스코화와 유명한 초상화르네상스 라 지오콘다(모나리자). Leonardo의 수많은 혁신 중에서 하나는 특별한 글쓰기 스타일을 언급해야 합니다. 연기가 자욱한 명암, 공간의 깊이를 전달했습니다. 이탈리아의 위대한 화가 라파엘 산티(1483-1520) 수많은 그림 걸작의 창작자로 세계 문화사에 입문했습니다. 이것 초기 작업석사 "마돈나 코네스타빌레"우아함과 부드러운 서정이 스며든다. 성숙한 작품화가는 구성 솔루션, 색상 및 표현의 완벽함으로 구별됩니다. 이들은 바티칸 궁전 본당의 벽화이며 물론 라파엘로의 가장 위대한 창조물입니다. "시스틴 마돈나".전성기 르네상스의 마지막 거인은 미켈란젤로 부오나로티 (1475-1564) - 위대한 조각가, 화가, 건축가 및 시인. 그의 다재다능한 재능에도 불구하고 그는 이미 성숙한 예술가의 가장 중요한 작업으로 인해 주로 이탈리아 최초의 기안가로 불립니다. 바티칸 궁전 시스티나 예배당의 프레스코화(1508-1512). 프레스코화의 총 면적은 600제곱미터입니다. 미터. 조각가 미켈란젤로는 어떻게 유명해졌는가? 초기 작업 "데이비드".그러나 미켈란젤로는 성 베드로 대성당 건물 주요 부분의 설계자이자 건설 관리자로서 건축가이자 조각가로서 진정한 인정을 받았습니다. 오늘날까지 세계에서 가장 큰 가톨릭 교회로 남아 있는 로마의 베드로

아트 오브 베니스

4. 베니스의 예술. 전성기와 후기 르네상스 시대는 베니스 예술의 전성기였습니다. XVI 세기 후반. 공화주의 체제를 유지한 베네치아는 일종의 오아시스이자 르네상스의 중심지가 된다. 예술가들 사이에서 베네치아 학교조기 사망 조르지오네 (1476-1510), "주디스", "잠자는 비너스", "컨트리 콘서트". Giorgione의 작업에는 베네치아 학교의 특징이 나타났습니다. 특히 작가는 색과 빛의 문제를 해결하기 위해 우선적으로 풍경에 독립적 인 의미를 부여하기 시작했습니다. 베네치아 유파의 가장 위대한 대표 - 티치아노 베첼리오 (1477/1487-1576). 평생 동안 그는 유럽에서 인정을 받았습니다. 열 중요한 작업유럽 군주와 교황의 명령에 따라 Titian이 만들었습니다. Titian의 작품은 주로 색채 및 구성 문제를 해결하는 참신함에 매료되었습니다. 그의 캔버스에 처음으로 군중의 이미지가 구성의 일부로 나타납니다. 최대 주목할만한 작품티치아노: "참회하는 막달레나", "지상과 천국의 사랑", "비너스", "다나에", "세인트 세바스찬"및 기타 가장 큰 이탈리아 시인의 작품은 전성기 르네상스 시대에 속합니다. 루도비코 아리오스토 (1474-1533), 단테, 페트라르카, 보카치오의 문학 전통을 이어받은 사람. 그의 가장 유명한 작품은 영웅적인 기사의 시이다. "분노한 롤랜드"미묘한 아이러니로 가득 차 있고 휴머니즘의 아이디어를 구현합니다.

후기 르네상스

후기 르네상스. 후기 르네상스 시대는 가톨릭 반동의 시작으로 특징지어졌다. 교회는 마음에 대한 잃어버린 힘을 회복하는 데 실패했으며 한편으로는 문화적 인물을 격려하고 다른 한편으로는 반항적 인 사람들에 대한 억압 조치를 사용했습니다. 그래서 많은 화가, 시인, 조각가, 건축가는 인본주의의 개념을 버리고 매너, 기술 (소위 매너리즘)르네상스의 위대한 거장. 매너리즘의 가장 중요한 창시자 중 야코포 폰토르모 (1494-1557) 및 안젤로 브론치노 (1503-1572) 주로 초상화 장르에서 일했습니다. 그러나 매너리즘은 교회의 강력한 후원에도 불구하고 후기 르네상스 시대의 주도적인 경향이 되지는 못했다. 이번에는 에 속한 화가들의 사실적이고 인본주의적인 작업으로 표시되었습니다. 베네치아 학교: 파올로 베로네즈 이자형 (1528-1588), 야코포 틴토레토 (1518-1594), 미켈란젤로 다 카라바조 (1573-1610) 및 기타 그의 캔버스는 구성의 단순성, 빛과 그림자의 대조를 통해 표현되는 정서적 긴장 및 민주주의로 구별됩니다. Caravaggio는 사실적인 주제를 가진 회화(매너리즘)의 모방적 방향에 처음으로 반대했습니다. 민속 생활 - 카라바기즘.이탈리아에서 마지막으로 가장 큰 조각가이자 보석상은 벤베누토 첼리니 (1500-1571), 그의 작품에서 르네상스의 현실적인 표준이 명확하게 드러났습니다(예를 들어, 동상"페르세우스"). Cellini는 응용 예술 발전의 전체 기간에 그의 이름을 부여한 보석상뿐만 아니라 러시아어로 두 번 이상 출판 된 뛰어난 회고록으로 문화사에 남아있었습니다. 르네상스의 끝. XVI 세기의 40 대. 이탈리아 교회는 반체제 인사에 대한 탄압을 널리 사용하기 시작했습니다. 1542년 종교재판소가 재조직되었고 그 재판소가 로마에 설립되었습니다. 르네상스의 전통을 계속 고수했던 많은 주요 과학자들과 사상가들은 억압당했고 종교재판에서 목숨을 잃었습니다. 지오다노 브루노 , 1548-1600). 1540년 승인되었습니다 예수회 교단,본질적으로 바티칸의 억압 기관으로 변했습니다. 1559년 교황 바오로 4세가 처음으로 출판하다 "금지 도서 목록""목록"에 이름이 지정된 문학 작품은 교회에서 파문당하는 고통을 겪고 있는 신자들이 읽을 수 없도록 금지되었습니다. 파괴될 책들 중에는 르네상스의 많은 인본주의 문학 작품(예를 들어, 보카치오의 글)이 있었습니다. 따라서 XVII 세기의 40 대 초반까지 르네상스. 이탈리아에서 끝났다.

르네상스 문화

주기화:

XIV 세기 - Trecento, Proto-Renaissance.

XV 세기 - Quattrocento, 높은 르네상스.

XVI 세기-Cinquecento, 후기 르네상스.¦ 미술의 중세 쇠퇴 이후 건축, 회화, 조각 분야에서 고대 전통의 부활.

¦ 인본주의: 인간의 성격이 주목받고 있으며, 사람의 영적 육체적 아름다움에 대한 찬사; 금욕 숭배의 파괴.¦ 개혁 - 개신교의 출현; 그 해답은 르네상스 문화의 쇠퇴로 이어진 종교 재판의 강화였습니다.¦ 고대와 중세의 전통을 종합한 과도기적 문화.