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활 악기. 첼로: 역사, 비디오, 흥미로운 사실, 듣기 전자 음악 포럼

“첼로의 소리가 페르세포네의 벌들이 모은 꿀처럼 정말 두껍고 점성이 있고 부드럽다는 것이 사실이 아닙니까?”

오십 만델스탐

첼로(이탈리아어), 첼로(독일어), 첼로(프랑스어), 첼로

첼로는 바이올린과 구조가 같지만 훨씬 큽니다. 연주할 때 연주자는 첨탑으로 바닥에 첼로를 얹습니다. XIX 후반세기 (그 전에는 다리의 종아리로 악기를 잡았습니다). 현대 첼로에서는 프랑스 첼리스트 P. Tortelier가 발명한 곡선형 캡스턴이 널리 사용되어 악기의 위치가 더 평평해지고 연주 기술이 어느 정도 용이해집니다. 첼로는 솔로 악기로 널리 사용되며 첼로 그룹은 현악 및 심포니 오케스트라에서 사용되며 첼로는 필수 참여자입니다. 현악 사중주. 소리 측면에서 악기 중 가장 낮고 (때때로 사용되는 더블베이스 제외) 다른 챔버 앙상블 구성에도 자주 사용됩니다. 오케스트라 악보에서 첼로 파트는 비올라 파트와 더블베이스 파트 사이에 쓰여집니다.

첼로 범위 - ~에서 큰 옥타브까지 ~ 전에 세 번째 옥타브의 미. 파트는 베이스, 테너 및 모리시.

첼로의 음색은 두껍고 육즙이 많고 선율이 풍부하며 시제, 하단 현의 상단 레지스터에서 약간 압축됨. 음색은 사람의 목소리와 비슷하고 무엇보다 바리톤과 비슷하다. 첼로는 넓은 멜로디 선율에 탁월합니다. 그들은 악기의 풍부한 가능성, 아름다운 고상한 음색을 가장 분명하게 드러냅니다. 그러나 거장의 작품도 이 악기에 꽤 접근할 수 있습니다.

Mstislav Rostropovich의 David Popper의 "Dance of the Elves" 공연 듣기

첼로를 연주할 때 연주 원리와 타법은 바이올린과 같지만 악기의 크기가 크고 연주자의 자세가 다르기 때문에 연주 기법이 복잡하다. 적용하다 하모니카, 피치카토,엄지 내기 및 기타 게임 기술.

“매우 강하고 친절한 누군가가 입을 다물고 노래하는 것처럼 이상한 소리입니다. 나는 그 말을들을 수 없었지만 그 노래는 나에게 놀랍도록 친숙하고 이해하기 쉬운 것 같았습니다 ... 나는 그들이 어떤 종류의 바이올린을 연주하고 있다는 것을 깨닫고 받침대에 앉았고, 놀라운 힘과 참을 수 없었습니다. 듣는 것이 거의 고통 스러웠 기 때문입니다. . 때때로 그녀는 집 전체가 떨리고 창문의 유리가 윙윙 거리는 것처럼 보일 정도로 힘차게 노래했습니다. 지붕에서 뚝뚝 떨어지고 있었고, 제 눈에서도 눈물이 뚝뚝 떨어졌어요.” - 막심 고리키.

첼로의 등장은 16세기 초로 거슬러 올라간다. 처음에는 노래를 부르거나 더 높은 음역의 악기를 연주할 때 베이스 악기로 사용되었습니다. 크기, 현의 수, 조율이 서로 다른 수많은 종류의 첼로가 있었습니다(가장 일반적인 조율은 현대의 것보다 낮은 음조였습니다).

XVII-XVIII 세기에 탁월한 노력을 통해 음악 마스터이탈리아어 학교( 니콜로 아마티, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnano) 등의 연주자들이 잘 정립된 바디 사이즈로 클래식한 첼로 모델을 탄생시켰습니다.

안에 17세 말세기, 첼로를위한 첫 번째 솔로 작품 인 Giovanni Gabrieli의 소나타와 라이서 카가 등장했습니다. 18세기 중반에 첼로는 더 밝고 풍부한 소리와 개선된 연주 기술로 인해 콘서트 악기로 사용되기 시작했고 마침내 비올라 다 감바를 음악 연습에서 대체했습니다. 첼로는 심포니 오케스트라와 실내악 앙상블의 일부이기도 합니다. 첼로가 음악의 주요 악기 중 하나로 최종 승인된 것은 20세기에 뛰어난 음악가파블로 카잘스. 이 악기에 대한 연주 학교의 발전은 정기적으로 단독 콘서트를 연주하는 수많은 거장 첼리스트의 출현으로 이어졌습니다. 첼로 레퍼토리는 매우 광범위하며 수많은 협주곡, 소나타, 무반주 작곡을 포함합니다.

뛰어난 연주자: Mstislav Rostropovich, Karl Davydov, Natalia Gutman, Giovanni Solima, Mario Brunello, David Geringas, Antonio Mendez.

Mstislav Rostropovich 공연: Villa Lobos "Brazilian Bakhiana. Prelude".

숙제:

1. 오케스트라 악보의 일부를 피아노로 연주하고 사용된 연주 기법에 대해 설명합니다.

2. 악기의 출현과 발전의 역사

첼로 창조의 역사는 바이올린의 역사와 일치합니다. 두 악기의 조상은 비올라입니다. 음악의 역사에서 이 악기의 조상이 비올라 다 감바(viola da gamba)로 알려진 고대 "풋 비올(foot viol)"로 거슬러 올라간다는 상당히 강한 믿음이 확립되었습니다. 감바와 달리 비올라의 일부 품종, 특히 비올 다무르는 목 아래에 여러 개의 자음 "하모닉" 현이 있으며 주요 현과 정확히 조율되었습니다. 6개의 현이 있는 원래 "베이스 비올라"에는 이러한 자음 현이 없었습니다.

그러나 베이스 비올라의 한 종류인 비올라 바스타다(viola bastarda)는 이러한 "자음 현"을 받았는데, 이는 훨씬 나중에 발생했으며 감바 규칙에 포함되지 않았습니다.

첼로의 출현은 민속음악의 오랜 발전의 결과로 15세기 말에서 16세기 초로 거슬러 올라간다. 구부러진 악기. 처음에는 다양한 앙상블에서 베이스 악기로 사용되어 노래를 반주하거나 높은 음역의 악기(바이올린, 플루트 등)를 연주했습니다.

2차까지 XVII의 절반 V. violoncino, Basso di Viola da braccio(이탈리아어), Basse de violon(프랑스어), Ba Viol de Braccio(독일어) 등의 이름을 지었습니다. 첼로는 다양한 종류가 있었습니다. 악기는 다양한 크기(종종 대형)로 제작되었으며 일반적으로 B1, F, c, g 시스템을 사용했습니다(가장 일반적인 튜닝은 현대보다 낮은 톤이었습니다).

현대 시스템의 초기 표시 중 하나는 M. Pretorius("Syntagma musicum", Bd II, 1619)에 의해 제공됩니다(Bass Geig de Braccio와 관련하여). XVI-XVII 세기에. 이 유형의 5현 및 6현 악기도 있었습니다.

첼로의 역사에서 첼로를 디자인한 유명한 거장은 가스파로 다 살로와 파올로 마기니 두 명뿐입니다.

그들은 16-17세기 초에 살았고 대중적인 소문에 따르면 그들 중 첫 번째는 "발명"의 영예를 얻었습니다. 현대 바이올린 4개의 현을 5도로 조율하고, 비올라의 개선, 비올라의 더블 베이스, 그리고 마지막으로 첼로의 탄생. 첼로를 만든 최초의 거장들은 현대 첼로 발전의 올바른 길에 대해 아직 명확하지 않았습니다.

안토니오 스트라디바리(Antonio Stradivari)가 악기에 현대적인 외관을 부여했습니다.

17-18세기 이탈리아에서 이탈리아 유파의 뛰어난 음악 거장들(Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana 등)의 노력을 통해 마침내 몸이 안정된 클래식 첼로 모델 크기가 생성되었습니다.

XVIII 세기 초에만. 첼로의 현대적인 크기는 확고하게 자리 잡았습니다 (몸체 길이는 750-768mm, 스케일, 즉 현의 진동 부분은 690-705mm). 러시아의 거장 I. A. Batov(1767-1841)와 현대 거장 E. A. Vitachek, T. F. Podgorny, G. N. Morozov, N. M. Frolov, Ya. I. Kosolapov, L. A. Gorshkov. 프랑스(J.B. Vuillaume, M. Laber), 독일, 체코, 폴란드 마스터의 훌륭한 첼로도 있습니다.

첼로를 위한 최초의 독주곡이 17세기 말에 등장했나요? 조반니 가브리엘리의 소나타와 리세르카. 분명히 "첼로"라는 이름은 1665년 베니스에서 첼로 파트가 추가되어 출판된 G. C. Arresti의 2성부와 3성부를 위한 소나타 모음집에서 처음 사용되었습니다. ("con la parte del Violoncello a beneplacito").

18세기 중반에 첼로는 더 밝고 풍부한 소리와 개선된 연주 기술로 인해 콘서트 악기로 사용되기 시작했고 마침내 비올라 다 감바를 음악 연습에서 대체했습니다. 첼로는 솔로 악기로 널리 보급되었고, 첼로 그룹은 현악 및 심포니 오케스트라에서 사용되며, 첼로는 현악 사중주에서 가장 낮은 필수 멤버입니다 (때때로 사용되는 더블베이스 제외) 그것) 소리 측면에서 악기의, 그리고 다른 곳에서도 종종 사용됩니다.실내 앙상블의 구성. 오케스트라 악보에서 첼로 파트는 비올라 파트와 더블베이스 파트 사이에 쓰여집니다. 첼로가 음악의 주요 악기 중 하나로 최종 승인된 것은 뛰어난 음악가 파블로 카잘스의 노력을 통해 20세기에 이루어졌습니다. 이 악기에 대한 연주 학교의 발전은 정기적으로 단독 콘서트를 연주하는 수많은 거장 첼리스트의 출현으로 이어졌습니다.

첼로 레퍼토리는 매우 광범위하며 수많은 협주곡, 소나타, 무반주 작곡을 포함합니다.

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첼로는 현악 4중주나 실내악, 교향악단의 악기로 사용되며 종종 매우 다채롭고 중요한 독주 악기이다. 첼로를 위한 음악은 바로크 시대부터 현재에 이르기까지 항상 매우 인기가 있습니다. 처음에 이러한 유형의 악기는 소위 "베이스 파트"라는 보조 파트에 사용되었으며 나중에는 솔로 악기 중 주요 위치 중 하나를 차지했습니다. 이것은 작곡가들이 레퍼토리를 확장하고 그녀를 위해 특별히 새로운 작품을 만들도록 영감을 준 뛰어난 첼로 연주자들 덕분이었습니다. 첼로의 역사

첼로의 등장은 16세기 후반으로 거슬러 올라간다. 이 계열의 다른 악기(바이올린 및 비올라)와 마찬가지로 첼로도 자체 방식으로 비올라 "다 브라치오"에서 수정되었습니다. 모습바이올린 같은. 이 악기는 1529년 Martin Agricola에 의해 처음 언급되었습니다. 그는 세 개의 현을 가진 베이스 음색 악기로서의 첼로에 대해 썼습니다. 이 기간의 다른 편지에서도 4현 버전을 언급했습니다.

최초의 첼로 제작자는 1684년 사망한 Nicola Amati입니다. 그러나 그의 학생, 유명한 안토니오표준 악기를 만든 Stradivari 오늘; 그는 무엇보다도 Amati 첼로의 길이(80cm)보다 2인치 짧은 29.5인치(75cm)의 공명 상자의 최적 길이를 결정했습니다.

첼로를 위한 첫 번째 독주곡은 도메니코 가브리엘리의 작곡으로 간주되며 첼로 연주자들이 널리 사용하고 이 악기의 팬들 사이에서 인기가 있습니다. 현재 연주되는 가장 오래된 작품으로는 요한 제바스티안 바흐의 첼로 솔로를 위한 중요한 6개의 작품이 있습니다. 바로크 음악에서 첼로는 대개 화성적 기초, 즉 "통주 저음"을 실현하는 악기에 불과했다는 점을 다시 한 번 강조할 가치가 있습니다. 18세기 후반에는 점차 독립적인 악기가 되었고 "알토 다 감바"의 자리를 차지하여 기술 및 표현력에서 이를 능가했습니다. 이 악기의 거장 Luigi Boccherini는 첼로의 발전과 대중화에 기여했습니다.

많은 귀족들이 이 악기를 연주했다는 사실도 인기에 한몫했다. 그중 가장 유명한 사람은 프로이센의 프리드리히 빌헬름 2세였습니다.

그 당시에는 남자들만이 첼로를 연주했습니다. 그러나 20세기 초에 여성 첼리스트들이 이 악기를 마스터하기 시작했습니다. 처음에 그들은 오늘날처럼, 즉 다리 사이가 아니라 옆으로 첼로를 잡았습니다.

19세기와 20세기에는 로베르트 슈만, 카미유 생상스, 드보르작을 비롯한 첼로와 관현악을 위한 협주곡이 탄생했습니다. 세계적 명성 Pyotr Tchaikovsky의 유명한 "Variations on a Rococo Theme"와 소규모 악기 그룹을위한 그의 작품을 받았습니다. 훌륭한 연주자들은 악기의 상대적으로 겸손한 솔로 레퍼토리를 크게 확장한 작곡가들에게 영감을 주었습니다.

Mstislav Rostropovich는 첼로의 진화에 특별한 장점이 있었습니다. 이 거장 음악가이자 위대한 스승은 피아노, 바이올린과 함께 독주 악기로서 첼로의 위상을 확고히 한 1세대 이상의 뛰어난 솔리스트들을 길러냈다. 가장 오래 살아남은 첼로는 Andrea Amati가 1560-1570년에 만든 두 대입니다.

CELLO(이탈리아식 첼로)는 바이올린 계열의 현악기입니다. 디자인은 바이올린에 가깝습니다 (큰 크기가 다릅니다). 몸 길이는 75-77cm, 작은 옥타브의 "do"- "sol"large- "re"- "la"비올라 아래에 한 옥타브를 만듭니다. 범위는 바이올린 계열의 다른 악기보다 약 5 옥타브입니다. 저음, 테너 및 고음 음자리표로 표기됩니다. 그것은 독특한 레지스터 다양성을 가지고 있습니다.

첼로 형식의 악기는 비올 계열의 악기가 변형된 결과 이탈리아에서 15-16세기 초에 등장했습니다. 디자인 변경의 본질은 음향적으로 가장 완벽한 테너 악기를 찾는 것이었습니다. 현존하는 가장 오래된 첼로의 예는 16세기 후반에 브레시아에서 만들어졌습니다. 16-17세기에 크레모나의 거장들은 고전적인 유형의 첼로를 만들었고 17세기 최고는 N. Amati의 악기입니다. 첼로 A. 스트라디바리는 테너 음색의 밝은 소리를 내며 악기의 최고 형태를 이룬다. C. Bergonzi, Guadanini, Guarneri, Ruggieri, D. Montagnan (이탈리아), N. Lupo, J. B. Willom (프랑스), J. Steiner (독일). Masters Union의 대표자 대부분은 Steiner의 방식으로 일했습니다. 현악기 Mittenwald(Bavaria)는 1684년에 조직되어 19세기 말까지 존재했습니다. 이 창시자 중 한 명은 주요 센터약 200년 동안 Mittenwald에서 일한 왕조의 창시자 M. Klotz였습니다. 러시아에서 그레이트 소리나는 악기 I. A. Batov, N. F. Kittel, T. F. Podgorny 제작.

첼로는 17세기부터 현악기 사이에서 독립하기 시작했고 점차 독주 악기 그룹에 진입했습니다(예를 들어, 1714년에 출판된 A. Corelli의 12개의 협주곡 그로소 op. 6). J.S. 바흐의 작품에서 첼로는 "브란덴부르크" 협주곡(많은 칸타타에서 5현 피콜로 첼로가 사용됨)에서 칸타타의 필수 악기로 사용됩니다. 바흐의 첼로 독주를 위한 6개의 모음곡(1717-23)은 첼로를 독주 다성악기로 사용한 유일한 경험이다. 첼로 예술의 발전에서 중요한 역할은 L. Boccherini에 속합니다. J. Haydn과 W. A. Mozart 시대부터 첼로는 필수 참여자였습니다. 문자열 그룹심포니 오케스트라, 사중주, 오중주. J. Haydn(op. 50, 54, 55), W. A. Mozart(마지막 3), L. van Beethoven(모든 4중주)의 4중주에서 첼로 부분은 매우 발달되어 있습니다. 교향곡, 오페라 및 발레 악보에서 첼로 앙상블과 솔로 첼로의 가능성이 자주 사용됩니다. V 교향시 R. Strauss "Don Quixote"(1897) 첼로는 작품의 주요 "영웅"으로 해석됩니다. R. Schumann (1850, 첫 번째 연주자는 D. Popper), C. Saint-Saens (1872), E. Lalo (1876), A. Dvorak (1895)의 첼로 및 오케스트라 협주곡은 연주자들에게 여전히 인기가 있습니다. 첼로의 표현 가능성은 베토벤의 삼중 협주곡(1804), 브람스의 이중 협주곡(1887)에서 사용되었습니다. 러시아 음악의 뛰어난 작품 - P. I. Tchaikovsky (1876)의 첼로 및 오케스트라를위한 로코코 테마 변주곡, N. Ya. Myaskovsky (1944)의 콘서트, S. S. Prokofiev의 심포니 콘서트 (1952).

19-20세기 최대의 첼리스트: B. Romberg(로맨틱 거장 연주의 시대를 열다), A. K. Piatti, A. F. Serve, K. Yu. Davydov(19세기 러시아 학교 교장), A. A. Brandukov, A. V. Verzhbilovich, S. M. Kozolupov(소련 학교 설립자), P. Casals, G. Casado, P. Fournier, M. Marechal, P. Tortellier, G. Pyatigorsky, S. N. Knushevitsky, D. B. Shafran, M. L. Rostropovich, N. N. Shakhovskaya, N. G. Gutman, M. E. Khomitser 등

문학: Straeten E. van der. 첼로의 역사, 비올 다 감바... L., 1915. Vol. 1-2 (Repr. - 1971); Wasielewski W. Y. von. Das Violoncello und seine Geschichte. 3. 전체. Lpz., 1925. Wiesbaden, 1968; ForinoL. II violoncello, il violoncellista ed i violoncellisti. 2 에디션. 밀., 1930. 밀., 1989; Ginzburg L. S. 첼로 예술의 역사: 4권. 중.; L., 1950-1978; Struve B. A. 비올과 바이올린의 형성 과정. M., 1959; Vitachek E. F. 현악기 제조 역사에 대한 에세이. 2판. 중.; L., 1964; 라즈코 A. 첼로. M., 1965; 플리스 W. 첼로. 뉴욕, 1982; 카울링 E. 더 첼로. 2판. 뉴욕, 1983.

아니면 첼로 줄을 사세요

첼로 - (이탈리아어 첼로, violone의 소형 - 더블베이스). 1) 베이스 테너 레지스터의 바이올린 계열(바이올린 참조)의 활 악기로, 5도(C, G, d, a)로 조율합니다. 첼로의 음역은 5옥타브에 이릅니다.

V. 는 15세기 말에서 16세기 초에 등장했습니다. 민속 활 악기의 오랜 개발의 결과로. 처음에는 다양한 앙상블에서 베이스 악기로 심도 있게 사용되었고 노래 반주나 바이올린, 플루트 등을 연주하는 데 사용되었다. XVII 세기 후반까지. violoncino, Basso di Viola da braccio(이탈리아어), Basse de violon(프랑스어), Ba Viol de Braccio(독일어) 등의 이름을 가졌습니다. 악기는 다양한 크기(종종 큰 크기)로 만들어졌으며 보통 B1, F, c , g. 16-17세기. 이 유형의 5현 및 6현 악기도 있었습니다. 현대 시스템의 초기 표시 중 하나는 M. Pretorius("Syntagma musicum", Bd II, 1619)에 의해 제공됩니다(Bass Geig de Braccio와 관련하여).

분명히 "첼로"라는 이름은 1665년 베니스에서 첼로 파트가 추가되어 출판된 G. C. Arresti의 2성부와 3성부를 위한 소나타 모음집에서 처음 사용되었습니다. ("con la parte del Violoncello a beneplacito").

클래식 첼로 패턴이 만들어졌습니다. 이탈리아 거장들에 의해 17~18세기 A. 및 N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari, C. Bergonzi, D. Montagnana 등. 첼로의 현대적인 크기는 확고하게 자리 잡았습니다 (몸체 길이는 750-768mm, 스케일, 즉 현의 진동 부분은 690-705mm). 러시아 마스터 I. A. Batov (1767-1841)와 현대 마스터 E. A. Vitachek, T. F. Podgorny, G. N. Morozov, H. M. Frolov, Ya. I. Kosolapov, L. A. Gorshkov. 프랑스(J.B. Vuillaume, M. Laber), 독일, 체코, 폴란드 마스터의 훌륭한 첼로도 있습니다.

연주할 때 연주자는 19세기 말에야 널리 퍼진 첨탑으로 첼로를 바닥에 눕힙니다. (그 전에 연주자는 다리 종아리에 악기를 잡았습니다). 현대 첼로에서는 프랑스 첼리스트 P. Tortellier가 발명한 곡선형 첨탑이 널리 사용되어 첼로의 위치를 더 평평하게 만들고 연주 기술을 용이하게 하며 어느 정도는 악기의 더 나은 소리에 기여합니다.

첼로를 위한 첫 번째 독주 작품은 17세기 말 볼로냐에서 등장합니다. (베이스가 있는 첼로 소나타와 G. Gabrieli의 첼로 독주를 위한 Ricercara. 첼로는 트리오 소나타(G. Torelli - notes, A. Corelli) 및 Concerti Grossi(A. Corelli)의 연주 초기에 참여하기 시작합니다. 콘서트 장르에서 첼로를 사용한 최초의 예, G. Iacchini의 카메라별 협주곡(1701) 및 6 단독 콘서트 L. 레오(1737-38). 첼로 예술의 전성기는 첼로가 마침내 비올라 다 감바를 대체한 18세기에 시작되었습니다. 첼로의 승리는 더 풍부한 표현력과 기술적 능력, 더 강력하고 풍부하고 밝은 사운드, 진동으로 따뜻해지고 인간의 목소리에 가까운 음색 때문이었습니다. 이 모든 것이 특징적인 멜로디 표현력으로 새로운 악기 스타일의 요구 사항을 충족했습니다. 점차적으로 첼로는 솔로, 앙상블(활 사중주의 일부) 및 오케스트라 악기로 점점 더 널리 사용되고 있습니다. 현대에서 심포니 오케스트라최대 12개의 첼로에 적용됩니다. 많은 교향곡, 오페라, 발레 악보에서 첼로는 독주 악기로 사용됩니다.

콘서트 레퍼토리에 보존된 18세기 첼로 작품에는 J. S. Bach의 첼로 솔로를 위한 6개의 모음곡, A. Vivaldi의 협주곡, L. Boccherini - 노트, J. Haydn - 노트, 베이스가 가장 큰 첼로를 위한 수많은 소나타가 포함됩니다. 금세기의 첼리스트 작곡가. 현대 레퍼토리에는 다음이 포함됩니다. 최고의 작품 19세기 콘서트 장르. - R. Schumann, K. Saint-Saens의 콘서트 - 노트, E. Lalo, A. Dvorak; 베토벤의 3중 협주곡(바이올린, 첼로, 피아노)과 브람스의 2중 협주곡(바이올린, 첼로)도 여기에 이름을 붙여야 한다. 20세기에 첼로 협주곡은 E. Elgar, E. d'Albert, P. Hindemith, A. Honegger, D. Millau, B. Martin, F. Marten, B. Britten, A. Jolivet, S. Barber 등이 작곡했습니다. L. Beethoven의 첼로와 피아노를 위한 5개의 소나타(2개의 op. 5 - 1796; op. 69 - 1807; 2개의 op. 102 - 1815)는 이 악기를 위한 실내 소나타의 시작을 알렸습니다. F. Mendelssohn, F. Chopin, C. Saint-Saens, G. Fauré, E. Grieg, C. Debussy, M. Reger, P. Hindemith, Z. Kodaly, B. Martin, S. Barber 및 기타 첼로 솔로 모음곡은 M. Reger, B. Britten 및 기타 소나타-P. Hindemith, Z. Kodaly 등이 제작했습니다.

우리에게 내려온 최초의 첼로와 피아노를 위한 러시아 소나타는 M. I. Glinka의 동시대 I. I. Lizogub(19세기 20년대)가 썼고, 첫 번째 협주곡은 N. Ya가 썼습니다. 첼로 협주곡은 A. G. Rubinshtein, K. Yu. Davydov, A. K. Glazunov (Concert-ballad, 1931), 콘서트 ""-P. I. Tchaikovsky (1876), 첼로 및 피아노 소나타-S. V. Rachmaninov (1902), N. Ya. Myaskovsky (1911) 및 기타. 생생한 번창은 독창성으로 첼로 문학에 도달했습니다. 소비에트 작곡가. 첼로 협주곡은 N. Ya. Myaskovsky, R. M. Glier, S. S. Prokofiev(Symphony Concerto), D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian, D. B. Kabalevsky, T. N. Khrennikov, L. K. Knipper, S. F. Tsintsadze, Ya. A. Ivanov, A. A. Babadzhanyan, B. A. Tchaikovsky가 작곡했습니다. , M. S. Weinberg, V. A. Vlasov, B. I. Tishchenko 및 기타 ; 소나타 - N. Ya. Myaskovsky, S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, V. Ya. Shebalin, D. B. Kabalevsky, M. S. Vainberg, E. M. Mirzoyan, K. S. Khachaturian 및 기타.

18세기 고전 첼로 학교의 발전에 중요한 역할을 한 가장 뛰어난 외국 첼리스트 중에는 이탈리아의 L. Boccherini, 프랑스의 J. L. Duport, 체코의 A. Kraft가 있습니다. 19세기의 거장-로맨틱 운동. 독일 첼리스트 B. Romberg와 벨기에 F. Servais로 대표됩니다 (Romberg의 협주곡과 Servais의 환상은 교육적 의미 만 유지했습니다). 19세기 말 이후 첼로 예술의 예술적 전성기. 주로 수행자와 관련이 있습니다. 뛰어난 스페인 음악가 P. Casals의 활동 및 이후-G. Casado, M. Marechal, E. Mainardi .. 현대 외국 첼리스트 중 : A. Navarra, Z. Nelsova, L. Rose, K. Vilkomirsky, M. Sadlo , P Tortellier, M. Gendron, P. Fournier, L. Gelscher, J. Dupre, J. Starker, A. Yanigro…

러시아 첼로 예술 18번과 1번. 19 세기 농노와 raznochintsy 서클 (I. Khoroshevsky, A. Volkov, I. Lobkov, V. Meshkov, I. Podobedov)에서 많은 재능있는 공연자를 지명했습니다. N. B. Golitsyn 및 M. Yu. Vielgorsky의 기술은 높은 전문 수준에 도달했습니다. K. Yu. Davydov의 연주 활동 덕분에 러시아 첼로 학교는 세계 최고의 공연 학교 중 하나가 되고 있습니다. 그가 이끄는 러시아 고전 첼로 학교의 뛰어난 학생들 중에는 그의 학생 A. V. Verzhbilovich, A. A. Brandukov, S. M. Kozolupov, I. I. Press, E. Ya. Belousov, L. B. Rostropovich, G. P. Pyatigorsky, V. T. Podgorny가 있습니다. 이전 세대소비에트 첼리스트 (A. A. Brandukov, S. M. Kozolupov, A. Ya. Shtrimer, K. A. Minyar-Beloruchev.)는 세계적으로 유명한 소비에트 첼로 학교에 최고의 연주 전통을 물려주었습니다. ~ 중에 주요 대표이 학교 - S. N. Knushevitsky, M. L. Rostropovich, D. B. Shafran. 1960년대와 70년대. 국제 대회의 수상자 인 젊은 소련 첼리스트의 화려한 은하계가 전면에 나타났습니다.

그래서 우리는 첼로의 역사에 대해 말했지만 그 구조에 대해서는 언급하지 않았습니다. 고칠 시간입니다!

첼로는 다음으로 구성됩니다.

1) 머리.

2) 독수리.
3) 몸.

글쎄, 더 자세히.
첼로의 머리는 스크롤, 페그박스, 페그로 구성되어 있습니다. 목에 연결합니다.

첼로의 두 번째 부분은 지판입니다. 기타와 마찬가지로 현이 통과하는 특수 홈 (A, D-작은 옥타브, G, C-대), 그 다음 목, 뒤꿈치에 너트가 있습니다.

세 번째 부분은 신체입니다. 상부 공명판, 하부 공명판, 쉘(측면), ef(f는 몸체에 있는 모양의 구멍으로 공명기 역할을 함), 스탠드, 목판, 기계, 루프, 버튼과 캡스턴. 클래식 첼로를 보면 상부 데크의 가장자리를 따라 그려진 이중선을 볼 수 있습니다. 이를 콧수염이라고 합니다. 스탠드 아래 케이스 내부의 스페이서는 걸쇠입니다. 전체 악기의 "중추"입니다.
글쎄, 우리는 첼로의 장치에 대해 이야기했습니다. 게임을 할 때 또 무엇이 중요합니까? 추측하다? 맞아, 활.

첼로 활은 다른 크기 - 크기는 1/8, 1/4, 1/2, 3/4, 4/4입니다. 구성:

한쪽 머리에 들어가는 나무 지팡이 (샤프트), 다른 쪽에는 블록이 부착되어 있습니다.
지팡이는 fernambuco 또는 브라질 나무로 만들어집니다.
블록은 자개 인서트가 있는 흑단으로 만들어졌습니다. 지팡이에 인접한 안쪽 블록에 작은 구리 너트를 조이고 긴 실이있는 팔각형 나사를 지팡이 바닥에 삽입하여 머리카락의 장력을 조절할 수 있습니다.
포니 테일의 머리카락 (인공 또는 자연)은 머리에서 마지막까지 이어지고 마지막에 고리를 사용하여 리본을 형성합니다.

현이 활털과 접촉하는 위치를 활털이라 한다. 게임 포인트. 이동 속도, 압력의 힘 및 현의 연주 지점에 따라 음량과 음색과 같은 소리의 특성이 결정됩니다.

목을 향한 활의 기울기는 다음을 위해 수행됩니다.

더 높은 고조파의 발현에 기여하는 헤어 밴드의 폭 변화; 피아노 뉘앙스로 프렛보드에 가깝게 연주하거나 하모닉스를 연주할 때 가장 자주 사용됩니다.
다양한 조음 효과에 필요한 활 리드의 스프링 힘의 방향을 조정합니다. 예를 들어 소리의 어택을 부드럽게 하고 활의 튀는 소리를 줄이는 등입니다.

연주하기 전에 활을 로진으로 문지릅니다. 이것은 첼로가 "노래"하는 데 필요합니다. 원칙적으로 이에 대한 간단한 설명이 있습니다. 마찰력이 향상되고 활이 현을 따라 더 쉽게 미끄러지며 소리가 좋아집니다. 하지만! 각 게임 후에 악기를 닦는 것을 잊지 마십시오. 로진은 바니시 코팅과 악기의 목재에 매우 나쁜 영향을 미치므로 나중에 소리가 심각하게 왜곡될 수 있습니다. 로진은 현에도 축적되므로 부드러운 천으로 현에서 제거해야 합니다. 또한 각각에 대해 기억하는 것이 바람직합니다. 현악기- 자체 유형의 로진.

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