바이올린의 역사. 현악기

바이올린은 음악에 막대한 영향을 미친 악기입니다. 흐르는 듯한 부드러운 소리가 매우 편리한 클래식 곡에서 널리 사용되었습니다. 민속 예술이것도 알아차렸다 아름다운 악기, 얼마 전에 나타 났지만 그는 민족 음악. 바이올린은 그 소리가 유동적이고 다양하기 때문에 인간의 목소리에 비유되어 왔습니다. 그 모양은 여성의 실루엣과 비슷하여 이 악기를 생생하고 생동감 있게 만듭니다. 오늘날 모든 사람이 바이올린이 무엇인지 잘 아는 것은 아닙니다. 이 성가신 상황을 해결합시다.

바이올린 출현의 역사

바이올린은 각각 고유한 영향을 미치는 많은 민족 악기 덕분에 그 모양이 생겼습니다. 그중에는 영국 crotta, 아르메니아 bambir 및 아랍어 rebab이 있습니다. 바이올린의 디자인은 결코 새로운 것이 아니며, 많은 동양인들이 수세기 동안 유사한 악기를 사용하여 연주해 왔습니다. 민속 음악그리고 오늘날까지. 비올라는 현재의 형태를 갖추게 된 16세기에 생산이 시작되면서 위대한 거장들이 나타나기 시작했습니다. 독특한 악기. 바이올린 제작의 전통이 아직 살아 있는 이탈리아에는 특히 그런 장인이 많았습니다.

17세기부터 바이올린 연주가 대중화되기 시작했다. 현대적인 형태. 이 섬세한 악기를 위해 특별히 작성된 첫 번째 작품으로 간주되는 작곡이 등장했습니다. 이것은 Biagio Marini의 Romanesca per violino solo e basso와 Carlo Farina의 Capriccio stravagante입니다. 그 후 몇 년 동안 바이올린 마스터는 비가 내린 후 버섯처럼 나타나기 시작했습니다. 특히 이 점에서 가장 많은 수를 배출한 이탈리아가 뛰어났다.

바이올린 작동 원리

바이올린은 독특한 디자인 덕분에 부드럽고 깊은 소리를 얻었습니다. 그것은 3 개의 주요 부분으로 나눌 수 있습니다 - 이것은 머리, 목 및 몸입니다. 이러한 세부 사항의 조합을 통해 악기는 그에게 세계적인 명성을 안겨준 요염한 사운드를 생성할 수 있습니다. 바이올린의 가장 큰 부분은 다른 모든 부품이 부착된 몸체입니다. 쉘로 연결된 두 개의 데크로 구성됩니다. 데크는 다른 품종가장 순수하고 아름다운 소리를 내기 위한 나무. 윗부분은 대부분 가문비 나무로 만들어지고 포플러는 아랫 부분에 사용됩니다.

바이올린을 연주하면 상단 공명판이 악기의 나머지 부분과 공명하여 소리를 생성합니다. 생동감 있고 울려 퍼지도록 최대한 얇게 제작했습니다. 값비싼 장인 바이올린의 상판 두께는 불과 몇 밀리미터에 불과합니다. 하단 공명판은 일반적으로 상단보다 두껍고 튼튼하며 두 공명판을 함께 연결하는 측면에 맞도록 제작된 목재를 선택합니다.

껍질과 달링

쉘은 상단과 하단 데크 사이의 바이올린 측면입니다. 그들은 바닥 데크와 동일한 재료로 만들어집니다. 또한 같은 나무의 목재가 이러한 부분에 자주 사용되며 질감과 패턴에 따라 신중하게 선택됩니다. 이 디자인은 접착제뿐만 아니라 강도를 높이는 작은 패드에도 적용됩니다. 그들은 klots라고하며 케이스 내부에 있습니다. 또한 내부에는 바디에 진동을 전달하고 탑 데크에 추가 강성을 제공하는 베이스 빔이 있습니다.

바이올린 본체에는 efs라고 하는 라틴 문자 f 형태의 두 개의 컷아웃이 있습니다. 올바른 컷 아웃에서 멀지 않은 곳에 악기의 가장 중요한 부분 중 하나 인 달링이 있습니다. 상부와 하부 데크 사이의 스페이서 역할을 하고 진동을 전달하는 작은 목재 빔입니다. 사랑하는 사람은이 작은 세부 사항의 중요성을 암시하는 "영혼"이라는 단어에서 그 이름을 얻었습니다. 장인들은 호미의 위치, 크기, 재질이 악기 소리에 상당한 영향을 미친다는 사실을 알아차렸습니다. 따라서 숙련된 바이올린 제작자만이 신체의 이 작지만 중요한 부분을 올바르게 배치할 수 있습니다.

토막 귀틀

바이올린과 그 디자인에 대한 이야기는 스트링 홀더 또는 서브 넥과 같은 중요한 요소를 언급하지 않고는 불완전합니다. 이전에는 나무로 조각했지만 오늘날에는 이러한 목적으로 플라스틱이 점점 더 많이 사용되고 있습니다. 스트링을 정확한 높이에 고정시키는 것은 테일피스입니다. 또한 때때로 기계가 그 위에 위치하여 악기를 훨씬 쉽게 설정할 수 있습니다. 등장하기 전에 바이올린은 튜닝 페그로만 튜닝되어 미세 튜닝이 매우 어렵습니다.

서브 넥은 넥 반대쪽에서 바디의 구멍에 삽입된 버튼에 고정됩니다. 이 디자인은 지속적으로 심한 스트레스를 받기 때문에 구멍이 버튼에 완벽하게 맞아야 합니다. 그렇지 않으면 껍질이 깨져서 바이올린이 쓸모없는 나무 조각이 될 수 있습니다.

무자비한 사람

케이스 전면에는 게임 중에 음악가의 손이있는 바이올린 목이 붙어 있습니다. 현이 눌러지는 단단한 나무 또는 플라스틱으로 만들어진 둥근 표면 인 지판이 목에 부착됩니다. 그 모양은 연주할 때 현이 서로 간섭하지 않도록 고안되었습니다. 이 경우 그는 지판 위로 현을 들어 올리는 스탠드의 도움을 받습니다. 새 스탠드는 컷아웃 없이 판매되기 때문에 스탠드에는 현을 위한 컷아웃이 있어 취향에 맞게 만들 수 있습니다.

너트의 스트링을 위한 홈도 있습니다. 넥의 맨 끝에 위치하며 페그박스에 들어가기 전에 현을 서로 분리합니다. 주 도구 역할을 하는 못이 포함되어 있으며, 나무 구멍에 삽입하기만 하고 아무것도 고정하지 않습니다. 덕분에 음악가는 자신의 필요에 맞게 튜닝 페그의 코스를 조정할 수 있습니다. 튜닝하는 동안 가벼운 압력을 가하면 단단하고 단단하게 만들 수 있습니다. 또는 그 반대로 페그를 제거하여 더 쉽게 움직이지만 시스템을 악화시킵니다.

문자열

현이 없는 바이올린은 무엇입니까? 아름답지만 쓸모없는 나무 조각으로, 못을 박는 데만 적합합니다. 문자열은 매우 중요한 부분소리가 크게 좌우되기 때문입니다. 바이올린의 작지만 중요한 부분을 만드는 재료의 역할이 특히 중요합니다. 우리 세상의 모든 것과 마찬가지로 현은 기술 시대의 최고의 선물을 개발하고 흡수합니다. 그러나 그들의 원래 재료는 하이테크라고 할 수 없습니다.

이상하게도 양의 내장은 고대 뮤지컬 바이올린이 부드러운 소리를 낼 수 있는 곳입니다. 그들은 건조, 가공 및 단단히 꼬인 후 끈을 받았습니다. 장인들은 현 생산에 사용되는 재료를 오랫동안 비밀로 유지했습니다. 양의 내장으로 만든 제품은 소리가 매우 부드러우나 빨리 닳고 잦은 튜닝이 필요했다. 오늘날에도 비슷한 현을 찾을 수 있지만 현대 소재가 훨씬 더 인기가 있습니다.

모던 스트링

오늘날 양 내장은 내장 끈이 거의 사용되지 않기 때문에 소유자가 완전히 처분할 수 있습니다. 그들은 첨단 금속 및 합성 제품으로 대체되었습니다. 합성 현은 장의 전임자에 가까운 소리를 냅니다. 그들은 또한 다소 부드럽고 따뜻한 소리를 가지고 있지만 자연스러운 "동료"가 가진 단점이 없습니다.

현의 또 다른 유형은 다양한 비철금속 및 귀금속으로 만들어지지만 대부분 합금으로 만들어지는 강철입니다. 밝고 크게 들리지만 부드러움과 깊이가 떨어집니다. 이 문자열은 많은 사람들에게 적합합니다. 고전 작품, 소리의 순도와 밝기가 필요합니다. 그들은 또한 오랫동안 시스템을 유지하고 상당히 내구성이 있습니다.

바이올린. 장거리

오랜 세월 동안 바이올린은 전 세계적으로 인기를 얻었습니다. 특히이 멋진 악기를 찬양 고전 음악. 바이올린은 모든 작품을 빛나게 할 수 있으며 많은 작곡가들이 그들의 명작에서 바이올린을 주역으로 삼았습니다. 누구나이 세련된 악기에 많은 관심을 기울인 불멸 자 또는 비발디를 알고 있습니다. 그러나 시간이 지남에 따라 바이올린은 감정가 또는 음악가의 좁은 범위 인 과거의 유물이되었습니다. 일렉트로닉 사운드는 대중 음악에서 이 악기를 대체했습니다. 매끄럽게 흘러가는 소리는 사라지고 활기차고 원초적인 비트가 나타난다.

바이올린에 대한 신선한 음표는 일반적으로 영화에 동반하기 위해서만 작성되었으며, 이 악기의 새로운 노래는 민속 공연자에게만 등장했지만 그 소리는 다소 단조롭습니다. 다행히도 지난 몇 년공연하는 밴드가 많다. 현대 음악바이올린의 참여로. 관객들은 또 다른 팝스타의 단조로운 사랑의 울부짖음에 지쳐 깊은 기악에 마음을 연다.

여우 바이올린

재미있는 이야기는 유명한 음악가 Igor Sarukhanov의 노래에 바이올린을 넣었습니다. 일단 그는 "바퀴의 삐걱 거리는 소리"라고 부를 작문을 썼습니다. 그러나 작업은 매우 비유적이고 모호한 것으로 판명되었습니다. 그래서 작가는 곡의 분위기를 강조했어야 할 자음어라고 부르기로 했다. 지금까지도 이 작품의 이름을 두고 인터넷상에서 치열한 공방전이 벌어지고 있다. 그러나 노래의 저자 Igor Sarukhanov는 이것에 대해 무엇이라고 말합니까? Violin-fox는 음악가에 따르면 노래의 진짜 이름입니다. 이것이 아이러니인지 말장난에 기반한 흥미로운 아이디어인지는 재주 있는 연기자 자신만이 알 수 있습니다.

바이올린 연주를 배우는 것이 가치가 있습니까?

나는 많은 사람들이 이 훌륭한 도구를 마스터하고 싶어한다고 확신하지만, 그들은 이 아이디어를 실행에 옮기지 않고 포기합니다. 어떤 이유로 바이올린 연주를 배우는 것은 매우 어려운 과정이라고 믿어집니다. 결국, 거기에는 프렛이 없으며 손의 연장이되어야하는이 활도 없습니다. 물론 기타나 피아노로 음악을 배우기 시작하는 것이 더 쉽지만 바이올린 연주 기술을 마스터하는 것은 처음에는 더 어려울 뿐입니다. 그러나 기본 기술이 확실하게 마스터되면 학습 과정이 다른 악기와 거의 동일해집니다. 바이올린은 프렛이 없기 때문에 귀가 잘 발달합니다. 앞으로의 음악 수업에 큰 도움이 될 것입니다.

바이올린이 무엇인지 이미 알고 있고 이 악기를 마스터하기로 굳게 결심했다면 바이올린이 무엇인지 아는 것이 중요합니다. 다른 크기. 어린이의 경우 3/4 또는 2/4의 작은 모델이 선택됩니다. 성인의 경우 표준 바이올린이 필요합니다-4/4. 당연히 혼자서 배우기가 매우 어렵 기 때문에 경험 많은 멘토의 감독하에 수업을 시작해야합니다. 이 악기를 스스로 마스터하고 싶은 사람들을 위해 모든 취향에 맞는 많은 교과서가 만들어졌습니다.

독특한 악기

오늘 당신은 바이올린이 무엇인지 배웠습니다. 고전 만 연주 할 수있는 과거의 고풍스러운 유물이 아니라는 것이 밝혀졌습니다. 점점 더 많은 바이올리니스트가 있으며 많은 그룹이 작업에이 악기를 사용하기 시작했습니다. 바이올린은 특히 어린이를 위한 많은 문학 작품에서 발견됩니다. 예를 들어 많은 어린이와 부모에게 사랑받는 Kuznetsov의 Fenina 바이올린이 있습니다. 훌륭한 바이올리니스트는 무엇이든 연주할 수 있습니다. 음악 장르헤비 메탈부터 팝 음악까지. 우리는 음악이 있는 한 바이올린이 존재할 것이라고 안전하게 말할 수 있습니다.

물론 모두가 바이올린을 알고 있습니다. 그 중에서도 가장 세련되고 세련된 현악기바이올린은 숙련된 연주자의 감정을 듣는 사람에게 전달하는 방법입니다. 우울하고 억제되지 않고 심지어 무례한 곳에서 그녀는 부드럽고 연약하고 아름답고 관능적입니다.

우리는 몇 가지를 준비했습니다 흥미로운 사실이 마법의 악기에 대해. 바이올린이 어떻게 작동하는지, 얼마나 많은 현이 있는지, 작곡가가 바이올린을 위해 어떤 작품을 작곡하는지 배우게 됩니다.

바이올린은 어떻게 만들어질까요?

구조는 간단합니다: 바디, 넥, 스트링. 도구 액세서리는 목적과 중요성이 매우 다릅니다. 예를 들어 현에서 소리가 추출되는 활이나 연주자가 가장 편안하게 왼쪽 어깨에 악기를 배치할 수 있는 턱받침과 브릿지 덕분에 활을 놓쳐서는 안 됩니다.

또한 타자기와 같은 액세서리가있어 바이올리니스트가 시간을 잃지 않고 어떤 이유로 든 변경된 시스템을 수정할 수 있습니다. 작업하기가 훨씬 더 어려운 스트링 홀더-튜닝 페그를 사용하는 것과는 대조적입니다.

Mi, La, Re 및 Sol의 동일한 음표에 항상 맞춰진 현은 4개뿐입니다. 바이올린? 에서 다른 재료- 그들은 줄무늬가 있고 실크와 금속이 될 수 있습니다.

오른쪽의 첫 번째 현은 두 번째 옥타브의 "Mi"에 맞춰져 있으며 제시된 모든 현 중에서 가장 얇은 현입니다. 두 번째 문자열은 세 번째 문자열과 함께 각각 "La" 및 "Re" 음표를 "개인화"합니다. 그들은 중간 정도이며 거의 같은 두께입니다. 두 음표 모두 첫 번째 옥타브에 있습니다. 마지막으로 가장 두껍고 저음은 작은 옥타브의 "Sol"음에 맞춰진 네 번째 현입니다.

각 현에는 피어싱("Mi")에서 두꺼운("Sol")까지 고유한 음색이 있습니다. 이를 통해 바이올리니스트는 감정을 매우 능숙하게 전달할 수 있습니다. 또한 소리는 활에 따라 달라집니다. 지팡이 자체와 그 위에 늘어진 머리카락입니다.

바이올린이란 무엇입니까?

이 질문에 대한 대답은 혼란스럽고 다양할 수 있지만 우리는 아주 간단하게 대답할 것입니다. 우리에게 가장 친숙한 목제 바이올린(소위 어쿠스틱 바이올린)이 있고 전자 바이올린도 있습니다. 후자는 전기로 구동되며 콤보 앰프가있는 소위 "칼럼"덕분에 소리가 들립니다. 의심 할 여지없이 이러한 도구는 겉으로는 동일하게 보일 수 있지만 다르게 배열됩니다. 어쿠스틱바이올린과 전자바이올린의 연주기법은 크게 다르지 않지만, 아날로그 전자악기는 나름의 방식으로 익숙해져야 합니다.

바이올린을 위해 쓰여진 작품은 무엇입니까?

작품은 바이올린이 솔로이스트와 인 모두에서 완벽하게 나타나기 때문에 별도의 반성 주제입니다. 따라서 바이올린을 위해 그들은 씁니다. 단독 콘서트, 소나타, 파르티타, 변덕 및 기타 장르의 작품과 다양한 듀엣, 사중주 및 기타 앙상블의 파트.

바이올린은 거의 모든 음악 영역에 참여할 수 있습니다. 가장 자주 켜짐 이 순간클래식, 민속 및 록에 포함됩니다. 어린이 만화와 일본 애니메이션 각색에서도 바이올린 소리를 들을 수 있습니다. 이 모든 것은 악기의 인기를 높이는 데 기여할 뿐이며 바이올린이 결코 사라지지 않을 것임을 확인합니다.

주목할만한 바이올린 제작자

또한 바이올린 마스터를 잊지 마십시오. 아마도 가장 유명한 것은 Antonio Stradivari라고 할 수 있습니다. 그의 모든 악기는 매우 비싸고 과거에는 가치가 있었습니다. Stradivarius 바이올린이 가장 유명합니다. 평생 동안 그는 1,000개 이상의 바이올린을 만들었지만 현재 150~600개의 악기가 살아 남았습니다. 다양한 출처의 정보는 때때로 그 다양성이 놀랍습니다.

바이올린 제작 기술과 관련된 다른 성 중에서 Amati 가족을 언급할 수 있습니다. 이 큰 이탈리아 가족의 다른 세대는 절을 완성했습니다. 악기, 그들은 바이올린의 구조를 개선하여 강력하고 표현력이 풍부한 사운드를 얻었습니다.

유명한 바이올리니스트: 그들은 누구인가?

한때 바이올린은 민속 악기, 그러나 시간이 지남에 따라 연주 기술이 복잡해졌고 개인의 거장 장인이 사람들의 환경에서 눈에 띄기 시작하여 예술로 대중을 기쁘게했습니다. 때부터 음악 르네상스이탈리아는 바이올리니스트로 유명합니다. Vivaldi, Corelli, Tartini와 같은 몇 가지 이름을 지정하는 것으로 충분합니다. Niccolò Paganini도 이탈리아 출신으로 그의 이름은 전설과 신비에 싸여 있습니다.

바이올리니스트, 러시아 이민자 중에는 J. Kheifets, D. Oistrakh, L. Kogan과 같은 훌륭한 이름이 있습니다. 현대 청취자는 이 지역의 현재 별 이름을 알고 있습니다. 공연 예술- 예를 들어 V. Spivakov와 Vanessa-Mae입니다.

이 악기 연주를 배우기 시작하려면 적어도 5~7년의 학습을 극복하는 데 도움이 될 훌륭하고 강한 신경과 인내심이 있어야 한다고 믿어집니다. 물론 그러한 사업은 고장과 실패 없이는 할 수 없지만 원칙적으로 그것들조차도 유익합니다. 공부하는 시간은 힘들겠지만 결과는 그만한 가치가 있습니다.

바이올린 전용 자료는 음악 없이는 남을 수 없습니다. 생상스의 유명한 음악을 들어보세요. 전에 들어본 적이 있을 텐데, 그게 뭔지 아세요?

C. 생상스 서주와 론도 카프리치오소

바이올린- 높은 음역의 현악기. 그것은 가지고있다 민속 기원, 16 세기에 현대적인 모습을 얻었고 17 세기에 널리 퍼졌습니다. g, d1, a1, e²(작은 옥타브의 소금, re, 첫 번째 옥타브의 la, 두 번째 옥타브의 mi), g(작은 옥타브의 소금)에서 a4( 네 번째 옥타브의 la) 이상. 바이올린의 음색은 저음이 두껍고 중음이 부드러우며 고음이 화려합니다.

기원과 역사.

바이올린의 조상은 아랍인이었습니다. 레바브,스페인의 피델, 영국인 두더지, 그 합병으로 비올라가 형성되었습니다. 바이올린 모양 설정 16세기; 이 나이와 초기 XVII유명한 바이올린 제작자인 Amati 가족을 포함합니다. 그들의 악기는 훌륭한 모양과 우수한 재료입니다. 일반적으로 이탈리아는 바이올린 생산으로 유명했으며 그중 Stradivari 및 Guarneri 바이올린은 현재 높은 평가를 받고 있습니다.

바이올린은 17세기부터 독주 악기였습니다. 바이올린을 위한 첫 작품은 브레시아의 마리니가 작곡한 "Romanesca per violino solo e basso"(1620)와 그의 동시대인 Farin이 작곡한 "Capriccio stravagante"입니다. 설립자 예술적 게임바이올린에서는 Arcangelo Corelli로 간주됩니다. 그런 다음 Bravura 바이올린 연주 기술을 개발 한 Corelli의 학생 인 Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764)를 따르십시오.

바이올린 구조.

바이올린은 몸체와 목의 두 부분으로 구성되며 그 사이에 현이 늘어납니다.

액자.

바이올린의 몸체는 측면에 둥근 노치가 있는 타원형으로 "허리"를 형성합니다. 외부 윤곽과 "허리" 라인의 원형은 특히 높은 음역에서 연주의 편리함을 보장합니다. 차체의 하부 및 상부 평면-데크-는 나무 조각-껍질로 서로 연결됩니다. 볼록한 모양으로 "볼트"를 형성합니다. 금고의 기하학과 두께, 어느 정도의 분포는 소리의 강도와 음색을 결정합니다. 덮개의 진동을 바닥으로 전달하는 달링이 본체 내부에 삽입됩니다. 이 작은 디테일이 없으면 바이올린의 음색은 생동감과 충만함을 잃습니다.

바이올린 소리의 강도와 음색은 바이올린을 만드는 재료와 바니시의 구성에 크게 영향을 받습니다. 바이올린에 바니시를 함침시키면 원목의 밀도가 변합니다. 바이올린 소리에 대한 함침 효과의 정도는 주로 목재 자체의 구조와 특성에 따라 달라지므로 알 수 없습니다. 건조 후 바니시는 환경. 바니시는 밝은 황금색에서 진한 빨간색 또는 갈색까지 투명한 색상으로 바이올린을 칠합니다.

바닥 데크또는 "맨 아래"몸은 두 개의 대칭 반쪽에서 단풍 나무로 만들어집니다.

상단또는 "뚜껑"가문비 나무로 만든. 2개의 공진기 구멍이 있음 - 에파스(모양은 라틴 문자 f와 유사합니다). 상단 공명판 중앙에는 현 홀더(프렛보드 아래)에 고정된 현이 통과하는 스탠드가 있습니다.

껍질하부 데크와 상부 데크를 연결하여 바이올린의 측면을 형성합니다. 그들의 높이는 바이올린의 볼륨과 높이를 결정하며 근본적으로 소리의 음색에 영향을 미칩니다. 껍질이 높을수록 소리가 더 부드럽고 부드러 우며 낮을수록 바이올린 소리가 더 꿰뚫습니다. 껍질은 바닥처럼 단풍나무로 만들어졌습니다.

두쉬카- 공명판 진동을 바닥으로 전달하는 둥근 가문비나무 스트럿. 이상적인 위치는 실험적으로 발견되며 마스터는 때때로 많은 시간을 보냅니다.

무자비한 사람, 또는 토막 귀틀, 현을 고정하는 역할을 합니다. 견목 흑단 또는 마호가니(일반적으로 각각 흑단 또는 자단)로 제작되었습니다. 한편으로는 목에 고리가 있고 다른 한편에는 끈을 부착하기 위한 슬롯이 있는 4개의 구멍이 있습니다. 고정 원리는 간단합니다. 버튼이 있는 끈의 끝을 둥근 구멍에 끼운 다음 끈을 목 쪽으로 당겨 슬롯에 밀어 넣습니다.

루프- 두꺼운 창자 끈 또는 플라스틱 고리. 루프 길이 조절기가 있는 플라스틱 루프가 선호됩니다. 직경 2.2mm 이상의 가닥 고리를 합성 끈(직경 2.2mm)으로 교체할 때 쐐기를 삽입하고 직경 2.2의 구멍을 다시 뚫어야 합니다. 그렇지 않으면 합성 끈의 점압이 손상될 수 있습니다. 목제 서브 넥.

단추- 목의 반대쪽에 위치한 몸체의 구멍에 삽입된 나무못의 머리 부분은 목 고리를 고정하는 역할을 합니다. 쐐기는 크기와 모양에 따라 완전하고 단단히 원추형 구멍에 삽입됩니다. 그렇지 않으면 조각과 공명판이 깨질 수 있습니다. 버튼의 하중은 약 24kg으로 매우 높습니다.

서다악기의 음색에 영향을 줍니다. 브리지를 약간만 이동해도 음색이 크게 변경된다는 것이 실험적으로 입증되었습니다(프렛보드로 이동하면 소리가 약해지고 더 꿰뚫는 소리가 납니다). 스탠드는 활을 사용하여 각각에서 연주하기 위해 서로 다른 거리에서 상단 데크 위의 현을 들어 올리고 너트보다 평면에서 서로 더 먼 거리에 배포합니다. 스탠드에 있는 현의 오목한 부분은 오일을 사용하여 나무를 부드럽게 하는 흑연 그리스로 문지릅니다.

무자비한 사람.

바이올린 지판- 단단한 견목(검은 흑단 또는 자단)의 긴 바. 시간이 지남에 따라 목 표면이 마모되거나 고르지 않게 됩니다. 목의 아래쪽 부분은 머리에 들어가는 목에 붙어 있으며 페그 박스와 컬로 구성됩니다.

너트- 목과 머리 사이에 있는 흑단판으로 현을 위한 슬롯이 있습니다. 현의 마찰을 줄이고 수명을 연장하기 위해 너트의 오목한 부분을 흑연 그리스 또는 흑연(흑연 연필)으로 문지릅니다. 너트의 구멍은 현을 균등하게 간격을 둡니다.

목- 연주자가 게임 중에 손으로 덮는 반원형 디테일. 넥 상단에는 넥과 너트가 부착되어 있습니다.

못 상자- 정면에 슬롯이 만들어지는 목 부분, 양쪽에 두 쌍의 못이 삽입되어 현이 조정됩니다. 못은 원추형 쐐기입니다. 쐐기는 못 상자의 원추형 구멍에 삽입됩니다. 서로 맞아야 하며, 회전하지 않고 상자에 눌러 넣지 말고 상자에 완전히 삽입해야 합니다. 이 조건을 준수하지 않으면 구조가 파손될 수 있습니다. 더 단단하거나 부드럽게 회전하려면 페그를 각각 상자에서 누르거나 빼내고 부드럽게 회전하려면 랩핑 페이스트 (또는 분필과 비누)로 윤활해야합니다. 페그는 페그 박스에서 많이 돌출되어서는 안되며 반드시 원추형 구멍에 들어가야 합니다. 튜닝 페그는 일반적으로 흑단으로 만들어지며 종종 자개 또는 금속(은, 금) 인레이로 장식됩니다.

곱슬 곱슬하다항상 기업 브랜드와 같은 역할을 해왔습니다. 제작자의 취향과 기술에 대한 증거입니다. 처음에는 컬이 신발의 여성 발과 비슷했지만 시간이 지남에 따라 유사성이 점점 줄어들었습니다. "발 뒤꿈치"만 인식 할 수 있고 "발가락"은 인식 할 수 없을 정도로 변경되었습니다. 일부 마스터는 예를 들어 Giovanni Paolo Magini (1580-1632)와 같이 사자 머리 조각과 같은 컬을 조각으로 대체했습니다. XIX 세기의 거장들은 고대 바이올린의 프렛보드를 연장하여 헤드와 컬을 특권적인 "출생 증명서"로 보존하고자 했습니다.

문자열.

문자열목에서 다리를 통해 목 표면과 너트를 통해 머리에 감긴 못까지 통과하십시오.

바이올린에는 네 개의 현이 있습니다.

첫 번째("fifth") - 어퍼, 튜닝됨 mi초 옥타브. 금속 솔리드 현 "mi"는 경쾌하고 화려한 음색을 가지고 있습니다.

두번째- 조정 첫 번째 옥타브에스. 결이 있는(창자 또는 특수 합금) 솔리드 "A"는 부드럽고 무광택 음색을 가집니다.

제삼- 조정 첫 번째 옥타브. 정맥 (장 또는 인공 섬유) "re"는 알루미늄 실로 얽혀 부드럽고 무광택 음색을 가지고 있습니다.

네번째("베이스") - 낮음, 조정됨 작은 옥타브 소금. 정맥 (장 또는 인공 섬유) "소금", 은색 실, 거칠고 두꺼운 음색으로 얽혀 있습니다.

액세서리 및 용품.

절하다- 한쪽 머리에 나무 지팡이가 통과하고 다른 쪽에는 블록이 부착됩니다. 포니테일 헤어(인공 또는 천연)가 머리와 블록 사이에 늘어납니다. 특히 두꺼운 말털은 큰 비늘을 가지고 있으며 그 사이에는 소리에 좋은 영향을 미치는 마찰 송진이 있습니다.

턱받침.음악가의 편의를 위해 설계되었습니다. 측면, 중간 및 중간 배열은 바이올리니스트의 인체 공학적 선호도에서 선택됩니다.

다리.또한 뮤지션의 연주 편의를 위한 것이기도 합니다. 바이올린 뒷면에 부착하여 연주자의 어깨에 장착할 수 있도록 제작되었습니다. 스탠드(직선 또는 곡선, 단단한 또는 부드러운 천, 나무, 금속 또는 탄소 섬유로 덮음)와 양쪽의 패스너로 구성됩니다. 금속 구조는 종종 마이크 증폭기와 같은 필수 전자 장치를 숨깁니다. 현대 교량의 주요 브랜드는 WOLF, KUN 등입니다.

사운드 픽업 장치.바이올린의 소리 진동을 전기 임펄스로 변환하기 위해 필요합니다(특수 장치를 사용하여 바이올린 소리를 녹음하거나 증폭하기 위해).

바이올린에서 추가 기능(사운드 증폭 또는 기타)을 수행하는 픽업 장치의 사운드가 구조적 요소(바디, 달링 등)에서 생성되는 사운드와 관련하여 중요하지 않은 경우 바이올린은 음향학 .

둘 다 소리 형성에 중요한 기여를 한다면 이것은 - 반음향 바이올린.

디자인 요소가 사운드에 큰 영향을 미치지 않는다면 이 전기 바이올린 .

사례(또는 케이스) 바이올린과 활, 모든 종류의 액세서리.

무음 2개 또는 3개의 "치아"가 있는 작은 나무 또는 고무 "빗"입니다. 스탠드 위에 착용하면 진동이 줄어들어 소리가 부드럽고 매우 부드럽습니다. 음소거는 일반적으로 친밀하고 서정적인 성격의 곡을 연주할 때 사용됩니다. 대부분의 경우 음소거는 오케스트라 및 앙상블 음악에 사용됩니다.

"재머"- 소음을 용납하지 않는 장소에서 수업은 물론 숙제에 사용되는 무거운 고무 또는 금속 음소거입니다. 재머를 사용할 때 악기는 거의 소리를 내지 않고 간신히 구별할 수 있는 피치 톤을 방출하므로 연주자가 인식하고 제어하기에 충분합니다.

타이프라이터- 목 구멍에 삽입된 나사와 반대쪽에 위치한 끈을 고정하는 고리로 구성된 금속 장치. 이 기계는 미세 조정이 가능하며, 이는 신축성이 거의 없는 모노 메탈 현에 가장 중요합니다. 바이올린의 각 크기에 대해 기계의 특정 크기가 의도되며 범용도 있습니다. 그들은 일반적으로 검정색, 금도금, 니켈 도금 또는 크롬 도금뿐만 아니라 이들의 조합입니다. 거트 현, E 현용으로 특별히 모델을 사용할 수 있습니다. 타자기 없이도 악기를 배우고 연주할 수 있습니다. 이 경우 현이 넥 구멍에 직접 삽입됩니다. 목의 무게를 가볍게 하기 위해 모든 현에 기계를 설치하는 것이 가능합니다. 일반적으로 이 경우 기계는 첫 번째 문자열에 배치됩니다.

기록.

바이올린 부분은 다음과 같이 기록됩니다. 모리시. 표준 바이올린 범위는 작은 옥타브에서 네 번째 옥타브까지입니다. 더 높은 소리는 연주하기 어렵고 일반적으로 솔로 거장 문학에서만 사용되지만 오케스트라 부분에서는 사용되지 않습니다.

손 배치.

현은 왼손의 네 손가락으로 지판에 대고 누릅니다(엄지 제외). 현은 플레이어의 오른손에 활로 이어집니다.

손가락으로 누르면 현의 진동 영역 길이가 줄어들어 주파수가 증가하여 더 높은 소리를 얻습니다. 손가락으로 누르지 않는 현을 개방현이라 하며 운지 표시 시 0으로 표시한다.

특정 위치에서 거의 압력을 가하지 않고 현을 만짐으로써 고조파가 얻어집니다. 일부 하모닉 사운드는 피치에서 표준 바이올린 범위를 넘어섭니다.

왼손 손가락의 적용 위치를 운지법 (applique라는 단어에서 유래)이라고합니다. 손의 집게 손가락은 첫 번째, 중간 - 두 번째, 반지 - 세 번째, 작은 손가락 - 네 번째라고합니다. 위치는 1음 또는 반음 간격으로 4개의 인접한 손가락을 운지하는 것입니다. 각 문자열은 7개 이상의 위치를 ​​가질 수 있습니다. 위치가 높을수록 깔끔하게 플레이하기가 더 어렵습니다. 5도를 제외한 각 현에서 주로 5도까지만 올라갑니다. 그러나 다섯 번째 또는 첫 번째 현, 때로는 두 번째 현에서 더 높은 위치가 사용됩니다-최대 12 번째 현.

활을 잡는 방법에는 적어도 세 가지가 있습니다.

오래된("독일어") 방법 검지손톱 지골과 가운데 하나 사이의 접힌 부분에 대해 아래쪽 표면으로 활의 지팡이에 닿습니다. 손가락이 단단히 닫혀 있습니다. 엄지 손가락은 가운데 반대쪽에 있습니다. 활털은 적당히 팽팽하다.

새로운("Franco-Belgian") 검지 손가락이 중간 지골 끝과 비스듬히 지팡이에 닿는 방식; 검지와 중지 사이에 큰 간격이 있습니다. 엄지 손가락은 가운데 반대쪽에 있습니다. 단단히 팽팽한 활 머리; 지팡이의 기울어진 위치.

최신( "Russian") 방법, 검지 손가락이 중간 지골과 중수골 사이의 접힌 부분이있는 측면에서 지팡이에 닿습니다. 손톱 지골의 중간을 지팡이로 깊숙이 덮고 그것으로 형성 날카로운 모서리, 그는 그대로 활의 지휘를 지시합니다. 검지와 중지 사이에 큰 간격이 있습니다. 엄지 손가락은 가운데 반대쪽에 있습니다. 느슨하게 팽팽한 활 머리; 지팡이의 직선(기울지 않은) 위치. 활을 잡는 이 방법은 최소한의 에너지 소비로 최상의 음향 결과를 얻는 데 가장 적합합니다.

활을 잡는 것은 소리의 성격, 힘, 음색, 그리고 일반적으로 프레이징에 큰 영향을 미칩니다. 바이올린에서는 일반적으로 인접한 현에서 동시에 두 개의 음표(이중 음표)를 취할 수 있습니다. 예외적인 경우에는 세 개(강한 활 압력이 필요함), 동시에는 아니지만 매우 빠르게 세 개(삼중 음표) 및 네 개입니다. 대부분 하모닉인 이러한 조합은 열린 현에서 연주하기 쉽고 일반적으로 솔로 작업에 사용됩니다.

왼손 위치.

"오픈 스트링"- 왼손의 손가락은 현을 고정하지 않습니다. 즉, 바이올린은 g, d1, a1, e²(작은 옥타브의 소금, re, 첫 번째 옥타브의 la, mi 두 번째 옥타브).

첫 번째 위치-엄지 손가락을 제외한 왼손 손가락은 온음계로 열린 현에서 서로 분리 된 네 곳에서 현을 고정 할 수 있습니다. 열린 현과 함께 그들은 작은 옥타브의 음표 Sol에서 두 번째 옥타브의 C까지 20톤 범위의 사운드를 형성합니다.

첫 번째 위치.

엄지 손가락은 연주자를 향하여 바이올린 목이 놓인 "선반"을 형성하며 지원 기능 만 수행합니다. 왼손의 다른 손가락은 위에 위치하여 목을 잡지 않고 현을 누릅니다. 왼손에는 다음을 기반으로 하는 총 17개의 "기본" 위치가 있습니다.

손가락은 피아노의 흰색 건반에 해당하는 위치에 있습니다.

손가락은 목을 따라 움직이지 않습니다.

같은 줄의 인접한 손가락 사이의 거리는 음 또는 반음입니다.

다음 현의 다섯 번째와 두 번째(극단적인 작업) 손가락 사이의 거리는 한 톤입니다.

기본 요령:

분리- 각 음표는 방향을 변경하여 별도의 활 움직임으로 추출됩니다.

마르텔레- 소리 자체의 길이가 음의 감쇠 기간보다 훨씬 짧은 활을 밀어서 수행하는 스트로크;

단음활과 함께 위아래로-정지 상태에서 활의 움직임;

스타카토 볼란트- 일종의 스타카토. 연주할 때 활이 점프하여 현에서 떨어져 나갑니다.

스피카토- 리바운드 스트로크, 매우 가벼운 스타카토;

리코셰 살타토- 현에 올려진 활의 털을 쳐서 수행하는 스트로크는 원칙적으로 연속 그룹에 의해 수행됩니다.

트레몰로- 하나의 소리를 여러 번 빠르게 반복하거나 인접하지 않은 두 소리, 두 개의 자음(간격, 화음), 단일 소리 및 자음의 빠른 교대.

레가토- 하나의 사운드에서 다른 사운드로 부드럽게 전환되는 연결된 사운드 성능, 사운드 사이에 일시 중지가 없습니다.

콜 레뇨- 활의 축으로 현을 친다. 교향곡 작곡가들에 의해 큰 성공을 거두며 사용되는 두드리는 죽은 소리를 일으킵니다.

활을 가지고 노는 것 외에도 그들은 오른손 손가락 중 하나로 현을 만지는 것을 사용합니다( 피치카토). 솔로 문학에서 주로 사용되는 왼손 피치카토도 있습니다.

소리가 나는 현의 음색 구성에서 배음을 분리하는 특별한 방법도 있습니다. 현의 길이를 2로 나눈 지점(현의 피치가 한 옥타브 올라감), 4로 나눈 지점(2옥타브) 등에서 현을 부분적으로 눌러 연주한다.

유명한 연주자.

17 세기

아르칸젤로 코렐리(1653-1713) - 이탈리아의 바이올리니스트이자 작곡가로 예술적 바이올린 연주의 창시자로 여겨집니다.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - 베네치아 작곡가, 바이올리니스트, 교사, 지휘자. 가장 많은 것 중 하나 유명한 작품- 4개의 바이올린 협주곡 "계절" 주기.

Giuseppe Tartini(1692-1770) 이탈리아의 바이올리니스트이자 작곡가. 그는 활의 디자인을 개선하고 길이를 늘렸으며 활을 지휘하는 기본 방법을 개발하여 이탈리아와 프랑스의 모든 동시대 바이올리니스트가 인정하고 일반적으로 사용되었습니다.

18 세기

Ivan Khandoshkin (1747-1804) - 러시아의 거장 바이올리니스트, 작곡가 및 교사. 러시아 바이올린 학교의 창시자. 러시아 최초의 바이올린 거장. 그는 생전에 인기가 많았다. 넓은 원러시아 사회.

조반니 바티스타 비오티(1753-1824) - 니콜로 파가니니 이전 세대의 유명한 이탈리아 바이올리니스트. 10개의 피아노 협주곡을 제외하고 비오티의 모든 작품은 현악기를 위해 작곡되었으며, 그 중 가장 중요한 것은 29개의 바이올린 협주곡입니다.

19 세기

Niccolo Paganini (1782-1840) - 이탈리아 바이올리니스트이자 거장 기타리스트, 작곡가. 가장 밝은 성격 중 하나 음악사 XVIII-XIX 세기. 세계 음악 예술의 인정받는 천재.

Henri Vietain(1820-1881) - 국립 바이올린 학교의 창립자 중 한 명인 벨기에 바이올리니스트이자 작곡가입니다. Vieuxtan은 오케스트라와 함께하는 7개의 협주곡, 수많은 환상, 변주곡, 콘서트 에튜드 등 여전히 매우 인기 있는 바이올린을 위한 수많은 작품의 저자입니다.

Leopold Auer(1845-1930) - 헝가리인, 러시아 바이올리니스트교사, 지휘자 및 작곡가. 그는 소위 러시아 바이올린 학교의 설립자입니다.

Eugène Ysaye (1858-1931) - 벨기에 바이올리니스트, 지휘자 및 작곡가. 그는 6개의 바이올린 협주곡, 파가니니 등의 주제에 대한 변주곡을 작곡했습니다.

20 세기

Jascha Heifetz(1901-1987) 유대인 미국인 바이올리니스트. 20세기 최고의 바이올리니스트 중 한 명으로 여겨진다.

David Oistrakh (1908-1974) - 소비에트 바이올리니스트, 비올리스트, 지휘자 및 교사, 모스크바 음악원 교수, 국민작가소련.

Yehudi Menuhin(1916-1999) 미국의 바이올리니스트이자 지휘자. 그는 또한 우표에 표식을 남겼으며 우표상 중 하나는 그의 이름을 따서 명명되었습니다.

XXI 세기

Vanessa May(1978년 10월 27일)는 국제적으로 유명한 바이올리니스트이자 작곡가입니다. 주로 클래식 작곡의 테크노 편곡으로 알려져 있습니다. 공연 스타일: "테크노-어쿠스틱 합금"

유명한 바이올린 작품.

J. S. 바흐. 바이올린 독주를 위한 3개의 소나타와 3개의 파르티타

바이올린은 고음의 현악기입니다. 16세기에 현대적인 모습을 갖게 되었고 17세기에 널리 퍼졌습니다. g, d1, a1, e2(작은 옥타브의 "salt", 첫 번째 옥타브의 "re", "la", 두 번째 옥타브의 "mi"), g(" 작은 옥타브의 소금”)부터 a4(네 번째 옥타브의 “la”)까지. 바이올린의 음색은 저음이 두껍고 중음이 부드러우며 고음이 화려합니다.

바이올린은 현이 늘어나는 몸체와 목의 두 가지 주요 부분으로 구성됩니다.

액자

바이올린의 몸체는 "허리"를 형성하는 측면에 둥근 노치가있는 특정한 둥근 모양을 가지고 있습니다. 외부 윤곽과 "허리" 라인의 원형은 특히 높은 위치에서 게임의 편안함을 보장합니다. 신체의 하부 및 상부 평면 - 데크 - 나무 조각으로 서로 연결 - 껍질 . 볼록한 모양으로 "볼트"를 형성합니다. 금고의 기하학과 두께, 어느 정도의 분포는 소리의 강도와 음색을 결정합니다. 케이스 내부에 배치 여보 진동 전달 코스터 - 을 통해 상단 — 바닥 데크 . 그것 없이는 바이올린의 음색이 생동감과 충만함을 잃습니다.

바닥 데크 단단한 단풍나무(기타 활엽수) 또는 두 개의 대칭 반으로 만들어집니다.

상단 공명 가문비 나무로 만들었습니다.

두 개의 공진기 구멍이 있습니다. 에파스 (모양은 라틴 문자 f와 유사합니다).

중간으로 상층 갑판 의지하다 서다 그들이 의존하는 문자열 , 부착 스트링 홀더(넥보드) .

서다 몸의 측면에서 현을 지지하고 현에서 공명판으로, 직접 상단으로, 달링을 통해 하단으로 진동을 전달합니다. 따라서 스탠드 위치는 악기의 음색에 영향을 미칩니다. 스탠드를 조금만 움직여도 음계의 변화와 음색의 약간의 변화로 인해 악기의 튜닝이 크게 변경된다는 것이 실험적으로 입증되었습니다. 더 밝게. 브리지는 공명판 위의 현을 다음과 같이 들어 올립니다. 다른 높이활로 각각 연주 할 수있는 가능성을 위해 너트보다 더 큰 반경의 호에서 서로 더 먼 거리에 배포하므로 한 현에서 연주 할 때 활이 인접한 현에 달라 붙지 않습니다 .

껍질 하부 데크와 상부 데크를 결합하여 바이올린 본체의 측면을 형성합니다. 그들의 높이는 바이올린의 음량과 음색을 결정하며 근본적으로 음질에 영향을 미칩니다. 쉘이 높을수록 사운드가 부드럽고 부드럽고, 낮을수록 상위 음이 더 꿰뚫고 투명합니다. 껍질은 데크와 마찬가지로 단풍나무로 만들어집니다.

두쉬카 - 가문비나무로 만든 원형 스페이서로 공명판을 기계적으로 연결하고 현의 장력과 고주파 진동을 하부 공명판으로 전달합니다. 이상적인 위치는 실험적으로 발견되며 일반적으로 homie의 끝은 E 현 측면의 스탠드 다리 아래 또는 그 옆에 있습니다. Dushka는 약간의 움직임이 악기의 소리에 큰 영향을 미치기 때문에 마스터에 의해서만 재배열됩니다.

(여기 efa의 구멍에서 바이올린 내부의 사랑을 볼 수 있습니다)

독수리 , 또는 토막 귀틀 , 현을 고정하는 역할을 합니다. 이전에는 흑단 또는 마호가니(보통 각각 흑단 또는 자단)의 활엽수로 만들어졌습니다. 요즘에는 플라스틱이나 가벼운 합금으로 만들어지는 경우가 많습니다. 한편으로는 목에 고리가 있고 다른 한편에는 끈을 부착하기 위한 스플라인이 있는 4개의 구멍이 있습니다. 버튼이 있는 현의 끝을 둥근 구멍에 끼운 다음 현을 지판 쪽으로 당겨 슬롯에 밀어 넣습니다. 현재 목 구멍은 종종 장착됩니다. 레버 나사 기계 설정을 크게 단순화합니다.

단추 - 목의 반대쪽에 위치한 몸체의 구멍에 삽입된 나무못의 머리는 목을 고정시키는 역할을 합니다. 쐐기는 크기와 모양에 해당하는 원추형 구멍에 완전하고 단단히 삽입됩니다. 그렇지 않으면 링과 쉘이 깨질 수 있습니다. 버튼의 하중은 약 24kg으로 매우 높습니다.

무자비한 사람

바이올린 지판 - 하나의 현에서 연주할 때 활이 인접한 현에 달라붙지 않도록 단면이 구부러진 단단하고 단단한 나무(검은 흑단 또는 자단)의 긴 판자. 목 아래 부분이 접착되어 있습니다. 목 로 들어가는 머리 , 구성 못 상자 그리고 곱슬 곱슬하다 .

한계점 - 목과 머리 사이에 있는 흑단판으로 현을 위한 슬롯이 있습니다. 너트의 슬롯은 현을 고르게 분산시키고 현과 넥 사이에 여유 공간을 제공합니다.

목 - 게임 중 연주자의 손으로 덮는 반원형 디테일은 바이올린의 몸체, 목 및 머리를 건설적으로 결합합니다. 너트가 있는 넥은 위에서 넥에 부착됩니다.

이것은 바이올린에서 소리가 추출되는 방식입니다.

못 상자 - 앞쪽으로 홈이 뚫린 넥 부분, 양쪽에서 2쌍 삽입 나무못 , 그 도움으로 스트링 튜닝 . 못은 원추형 막대입니다. 로드는 페그 박스의 원추형 구멍에 삽입되어 조정됩니다. 이 조건을 준수하지 않으면 구조물이 파손될 수 있습니다. 더 단단하거나 부드럽게 회전하려면 회전하는 동안 페그를 각각 상자에서 누르거나 빼내고 부드러운 회전을 위해 래핑 페이스트로 윤활해야합니다. 페그는 페그 상자에서 많이 튀어나오면 안 됩니다. 튜닝 페그는 일반적으로 흑단으로 만들어지며 종종 자개 또는 금속(은, 금) 인레이로 장식됩니다.

곱슬 곱슬하다 항상 기업 브랜드와 같은 역할을 해왔습니다. 제작자의 취향과 기술에 대한 증거입니다. 예를 들어 Giovanni Paolo Magini (1580-1632)와 같이 일부 장인은 사자 머리를 조각 한 비올과 같은 조각으로 컬을 대체했습니다. XIX 세기의 거장들은 고대 바이올린의 프렛보드를 연장하여 헤드와 컬을 특권적인 "출생 증명서"로 보존하려고 했습니다.

Jakob Steiner(약 1617 - 1683)는 알려진 최초의 오스트리아 바이올린 제작자였습니다.

그들은 바이올린을 연주 절하다 , 이는 나무 지팡이 , 한쪽에서 머리 , 다른 하나는 첨부 차단하다 . 헤드와 블록 사이가 늘어납니다. 포니 테일 헤어 . 모발에는 케라틴 비늘이 있는데, 그 사이에 문지르면 함침(함침) 로진 , 머리카락이 줄을 잡고 소리를 낼 수 있습니다.

보우 헤드(상단) 및 블록(하단)

활을 올바르게 사용하는 방법, 바이올린을 잡는 방법, 소리를 내는 방법 등에 대해 미래의 어딘가에서 어떻게든 나중에 또 다른 시간에. 이제 긴장을 풀고 바이올린 소리를 들어야합니다.))

악기: 바이올린

바이올린은 가장 세련되고 정교한 악기 중 하나이며, 인간의 목소리와 매우 유사한 매력적인 선율의 음색을 가지고 있으면서도 동시에 매우 표현력이 풍부하고 거장적입니다. 바이올린이 "의 역할을 부여받은 것은 우연이 아닙니다. 오케스트라 퀸즈».

바이올린의 목소리는 인간과 비슷하며 "노래하다", "울다"라는 동사가 자주 사용됩니다. 그것은 기쁨과 슬픔의 눈물을 가져올 수 있습니다. 바이올리니스트는 강력한 조수의 현을 통해 행동하면서 청중의 영혼의 현을 연주합니다. 바이올린 소리가 시간을 멈추고 다른 차원으로 데려간다는 믿음이 있습니다.

역사 바이올린그리고 많은 흥미로운 사실우리 페이지에서 이 악기에 대해 읽어보세요.

소리

바이올린의 표현력있는 노래는 작곡가의 생각, 캐릭터의 감정을 전달할 수 있습니다. 오페라 그리고 발레 다른 모든 악기보다 정확하고 완벽합니다. 육즙이 풍부하고 소울이 넘치며 우아하고 독단적인 동시에 바이올린 소리는 이 악기 중 적어도 하나가 사용되는 모든 작업의 ​​기초입니다.

소리의 음색은 악기의 품질, 연주자의 기술 및 현의 선택에 따라 결정됩니다. 저음은 두껍고 풍부하며 약간 엄격하고 거친 소리로 구별됩니다. 중간 현은 마치 벨벳처럼 매트한 것처럼 부드럽고 소울풀한 사운드를 냅니다. 고음역은 밝고 맑고 시끄럽게 들립니다. 악기와 연주자는 이러한 사운드를 수정하고 다양성과 추가 팔레트를 추가할 수 있습니다.

사진:

흥미로운 사실

• 2003년 인도의 Athira Krishna는 Trivandrum City Festival의 일환으로 32시간 동안 계속해서 바이올린을 연주한 결과 기네스북에 올랐습니다.
• 바이올린 연주는 시간당 약 170칼로리를 소모합니다.
• 롤러스케이트의 발명가, 벨기에의 악기 제조업자인 Joseph Merlin. 참신함을 제시하기 위해 금속 바퀴가 달린 스케이트는 1760 년 런던에서 바이올린을 연주하면서 의상 무도회에 입장했습니다. 청중은 아름다운 악기의 반주에 맞춰 쪽모이 세공 마루를 따라 우아하게 미끄러지는 것을 열광적으로 맞이했습니다. 성공에 영감을 받아 25 세의 발명가는 더 빨리 회전하기 시작했고 최고 속도로 값 비싼 거울에 충돌하여 바이올린 인 산산조각이 나고 심각한 부상을 입었습니다. 당시 그의 스케이트에는 브레이크가 없었습니다.

• 2007년 1월 미국은 가장 뛰어난 바이올린 연주자 중 한 명인 조슈아 벨이 참여하는 실험을 하기로 결정했습니다. 거장은 지하철로 내려가 평범한 거리의 악사처럼 45분 동안 스트라디바리 바이올린을 연주했다. 안타깝게도 지나가는 사람들이 바이올리니스트의 화려한 연주에 특별히 관심이 없었고 모두가 소란에 휩싸였다는 사실을 인정해야했습니다. 대도시. 그동안 지나간 1000명 중 7명만이 유명 뮤지션에게 관심을 보였고 20명은 돈을 던졌다.이 기간 동안 총 $32를 벌었습니다. 보통 조슈아벨 콘서트는 평균 티켓 가격이 100달러로 매진된다.
• 2011년 장화(대만) 경기장에 모인 최대 규모의 젊은 바이올리니스트 앙상블은 7~15세 학생 4645명으로 구성됐다.
• 1750년까지 바이올린 현은 양의 내장으로 만들어졌다. 이 방법은 이탈리아인에 의해 처음 제안되었습니다.
• 바이올린을 위한 첫 번째 작품은 1620년 말 작곡가 마리니에 의해 만들어졌습니다. 그것은 "Romanesca per violino solo e basso"라고 불 렸습니다.
• 바이올리니스트와 바이올린 제작자종종 작은 악기를 만들려고 합니다. 그래서 중국 남부 광저우에서 길이가 1cm에 불과한 미니 바이올린이 만들어졌고 마스터는이 작품을 완성하는 데 7 년이 걸렸습니다. 에서 뛰었던 Scot David Edwards 국립 오케스트라, 1.5cm 바이올린을 만들었습니다 1973 년 Eric Meisner는 4.1cm 길이의 멜로디 사운드를 가진 악기를 만들었습니다.

• 세계에는 돌로 바이올린을 만드는 장인이 있는데, 소리가 나무보다 열등하지 않습니다. 스웨덴의 조각가 Lars Wiedenfalk는 diabase 블록으로 건물의 외관을 장식하는 동안 끌과 망치 아래에서 놀랍도록 선율적인 소리가 날아 갔기 때문에이 돌로 바이올린을 만드는 아이디어를 내놓았습니다. 그는 그의 돌 바이올린을 "The Blackbird"라고 명명했습니다. 제품은 놀랍게도 보석으로 밝혀졌습니다. 공진기 상자의 벽 두께는 2.5mm를 초과하지 않으며 바이올린의 무게는 2kg입니다. 체코에서 Jan Roerich는 대리석 악기를 만듭니다.
• 유명한 모나리자를 작곡할 때 Leonardo da Vinci는 음악가들을 초대하여 바이올린을 포함한 현악기를 연주했습니다. 동시에 음악은 성격과 음색이 달랐습니다. 많은 사람들은 모나리자 미소("천사 또는 악마의 미소")의 모호함을 다양한 음악 반주의 결과로 생각합니다.
• 바이올린은 뇌를 자극합니다. 이 사실은 바이올린 연주 방법을 알고 즐겼던 유명한 과학자들에 의해 반복적으로 확인되었습니다. 예를 들어, 6세의 아인슈타인은 이 악기를 훌륭하게 연주했습니다. 유명한 Sherlock Holmes(합성 이미지)조차도 어려운 문제에 대해 생각할 때 항상 그녀의 소리를 사용했습니다.

• 연주하기 가장 어려운 작품 중 하나는 "카프리스"입니다. 니콜로 파가니니 그의 다른 작곡, 협주곡 브람스 , 차이코프스키 , 시벨리우스 . 또한 가장 신비로운 작업-“ 악마의 소나타 "(1713) 거장 바이올리니스트였던 G. Tartini는
• 돈으로 가장 가치있는 것은 Guarneri와 Stradivari의 바이올린입니다. 2010년 과르네리의 바이올린 '비에탕트'가 최고가를 기록했다. 시카고 경매에서 $18,000,000에 팔렸습니다. 가장 비싼 Stradivarius 바이올린은 "Lady Blunt"로 간주되며 2011년에 거의 1,600만 달러에 판매되었습니다.
• 세계에서 가장 큰 바이올린은 독일에서 만들어졌습니다. 길이는 4.2m, 너비는 1.4m, 활의 길이는 5.2m입니다. 그것은 세 사람에 의해 재생됩니다. 이러한 독특한 창조물은 Vogtland의 장인이 만들었습니다. 이 악기는 18세기 말에 제작된 요한 게오르그 2세 쇤펠더(Johann Georg II Schoenfelder)의 바이올린을 스케일 복사한 것입니다.
• 바이올린 활은 일반적으로 150-200개의 털로 묶여 있으며, 이는 말총이나 나일론으로 만들 수 있습니다.
• 일부 활의 가격은 경매에서 수만 달러에 이릅니다. 가장 비싼 활은 거장 프랑수아 자비에르 투르트(Francois Xavier Tourt)의 작품으로 약 20만 달러로 추정된다.
• 바네사 메이, 녹음한 최연소 바이올리니스트 인정 차이코프스키의 바이올린 협주곡 그리고 베토벤 13세 때. Vanessa-Mae는 런던에서 데뷔했습니다. 필하모닉 오케스트라 1989년 10살에 11살에 왕립음악대학에서 최연소 학생이 되었다.

• 오페라의 에피소드 차르 살탄 이야기 » 림스키코르사코프 "Flight of the Bumblebee"는 기술적으로 수행하기 어렵고 빠른 속도로 재생됩니다. 전 세계의 바이올리니스트들이 이 작품의 연주 속도를 놓고 경쟁을 벌입니다. 그래서 2007년 D. Garrett은 1분 6.56초로 기네스북에 올랐습니다. 그 이후로 많은 연주자들이 그를 추월하고 "세계에서 가장 빠른 바이올리니스트"라는 칭호를 얻으려고 노력해 왔습니다. 일부는이 작업을 더 빨리 수행했지만 동시에 성능 품질이 많이 떨어졌습니다. 예를 들어 Discovery TV 채널은 "Flight of the Bumblebee"를 58.51초 만에 연주한 Briton Ben Lee를 가장 빠른 바이올리니스트일 뿐만 아니라 세계에서 가장 빠른 사람으로 간주합니다.

인기 바이올린 작품

Camille Saint-Saens - 소개 및 Rondo Capriccioso (듣기)

안토니오 비발디: "사계" - Summer Storm (듣기)

Antonio Bazzini - "Dwarf Round Dance"(듣기)

P. I. 차이코프스키 - "Waltz-Scherzo"(듣기)

Jules Masnet - "명상"(듣기)

모리스 라벨 - "집시"(듣기)

J.S. Bach - d-moll의 partita 중 "Chaconne"(듣기)

바이올린의 응용과 레퍼토리

다양한 음색으로 인해 바이올린은 다양한 분위기와 성격을 전달하는 데 사용됩니다. 현대에서 심포니 오케스트라이 악기는 작곡의 거의 1/3을 차지합니다. 오케스트라의 바이올린은 두 그룹으로 나뉩니다. 하나는 높은 성부 또는 멜로디를 연주하고 다른 하나는 낮은 성부 또는 반주를 연주합니다. 제1바이올린과 제2바이올린이라고 합니다.

이 악기는 실내악 앙상블과 솔로 연주 모두에서 훌륭하게 들립니다. 바이올린은 관악기, 피아노 및 기타 현과 쉽게 조화를 이룹니다. 앙상블 중 바이올린 2대로 구성된 현악 4중주가 가장 일반적이며, 첼로 그리고 알토 . 사중주를 위해 엄청난 수의 작품이 작성되었습니다. 다른 시대그리고 스타일.

거의 모든 뛰어난 작곡가들은 바이올린을 우회하지 않고 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡을 작곡했습니다. 모차르트 , 비발디, 차이코프스키 , 브람스, 드보르자크 , 하차투리안, 멘델스존, 세인트 산세 , Kreisler, Venyavsky 및 기타 다수. 바이올린은 또한 여러 악기의 협주곡에서 독주 파트를 맡았습니다. 예를 들어, 바흐 는 바이올린, 오보에, 현악 앙상블을 위한 협주곡이고, 베토벤은 바이올린, 첼로, 피아노, 오케스트라를 위한 3중 협주곡을 작곡했습니다.

20세기에 바이올린은 다양한 용도로 사용되기 시작했습니다. 현대 방향음악. 재즈에서 독주 악기로 바이올린을 사용한 최초의 언급은 20세기 초반에 기록되어 있습니다. 첫 번째 중 하나 재즈 바이올리니스트함께 공연한 Joe Venuti였습니다. 유명한 기타리스트에디 랭.

바이올린은 70개 이상의 서로 다른 나무 부품으로 조립되지만 제조의 가장 큰 어려움은 나무를 구부리고 가공하는 데 있습니다. 예를 들어 최대 6가지 유형의 목재가 있을 수 있으며 마스터는 포플러, 배, 아카시아, 호두 등 점점 더 많은 새로운 옵션을 사용하여 지속적으로 실험했습니다. 최고의 재료극한의 온도와 습기에 대한 저항성 때문에 산에서 자란 나무로 간주됩니다. 현은 정맥, 실크 또는 금속으로 만들어집니다. 대부분의 경우 마스터는 다음을 수행합니다.

1. 공명 스프루스 탑.
2. 목, 등, 메이플 컬.
3. 침엽수, 알더, 린든, 마호가니 후프.
4. 침엽수 패치.
5. 흑단 목.
6. Chinrest, 못, 단추, 회양목, 흑단 또는 자단으로 만든 풀무.

때때로 마스터는 다른 유형의 목재를 사용하거나 재량에 따라 위에 제시된 옵션을 변경합니다. 클래식 오케스트라 바이올린에는 "바스크"(작은 옥타브의 소금)에서 "다섯 번째"(두 번째 옥타브의 마일)까지 4개의 현이 있습니다. 일부 모델에서는 다섯 번째 알토 현이 추가될 수도 있습니다.

다른 마스터 학교는 매듭, 후프 및 컬로 식별됩니다. 특히 컬이 돋보인다. 비 유적으로 "작가의 그림"이라고 할 수 있습니다.

상당히 중요한 것은 나무 부분을 덮는 바니시입니다. 이것은 제품에 붉은색 또는 갈색 광택이 있는 황금색에서 매우 어두운 색조를 줍니다. 악기가 "라이브"하는 기간과 사운드가 변경되지 않는지 여부는 래커에 따라 다릅니다.

바이올린이 많은 전설과 신화에 싸여 있다는 것을 알고 있습니까? 또한 음악 학교아이들은 Cremonese 마스터와 마술사에 대한 오래된 전설을 듣습니다. 오랫동안 그들은 유명한 이탈리아 거장의 악기 소리의 비밀을 밝히려고 노력했습니다. 답은 특수 코팅에 있다고 믿어집니다. 바니시는 그것을 증명하기 위해 Stradivari 바이올린에서 씻어 내었지만 모두 헛된 것입니다.

현을 뽑아 연주하는 피치카토 기법을 제외하고 바이올린은 일반적으로 활로 연주합니다. 활은 나무로 된 받침과 그 위에 말총을 팽팽하게 펴고 연주하기 전에 송진으로 문지릅니다. 일반적으로 길이는 75cm이고 무게는 60g입니다.

현재이 악기의 여러 유형을 찾을 수 있습니다 - 나무 (어쿠스틱) 및 전기 바이올린, 특수 증폭기 덕분에 소리가 들립니다. 한 가지는 변함이 없습니다. 이것은 아름다움과 선율을 지닌이 악기의 놀랍도록 부드럽고 선율적이고 매혹적인 소리입니다.

치수

표준 풀 사이즈 바이올린(4/4) 외에도 어린이 교육을 위한 더 작은 악기가 있습니다. 바이올린은 학생과 함께 "성장"합니다. 그들은 길이가 32-43cm 인 가장 작은 바이올린 (1/32, 1/16, 1/8)으로 훈련을 시작합니다.

전체 바이올린의 치수: 길이 - 60cm, 몸 길이 - 35.5cm, 무게 약 300 - 400g.

바이올린 연주 요령

풍부한 소리의 파동으로 듣는 이의 영혼을 꿰뚫는 바이올린의 진동이 유명하다. 음악가는 사운드를 약간만 올리거나 내릴 수 있어 훨씬 더 다양하고 폭넓은 사운드 팔레트를 음악 범위로 가져올 수 있습니다. 글리산도 기술도 알려져 있으며, 이 연주 스타일을 사용하면 지판에 프렛이 없는 것을 사용할 수 있습니다.

현을 세게 꼬집지 않고 약간 만지면서 바이올리니스트는 플루트 소리를 연상시키는 원래의 차갑고 휘파람 소리를 추출합니다 (고조파). 연주자의 두 손가락이 참여하고 서로 쿼트 또는 퀸트를 배치하는 하모닉스가 있으며 특히 수행하기 어렵습니다. 가장 높은 기술 범주는 빠른 속도로 편모를 수행하는 것입니다.

바이올리니스트들은 또한 다음과 같은 흥미로운 연주 기법을 사용합니다.

• Col Legno - 활 갈대로 현을 치는 것. 이 접근 방식은 다음에서 사용됩니다. 생상스의 "죽음의 춤"춤추는 해골의 소리를 시뮬레이트합니다.
• Sul ponticello-스탠드에서 활을 가지고 노는 것은 부정적인 캐릭터의 불길하고 쉿하는 소리를냅니다.
• 술타스토(Sul tasto) - 프렛보드 위에서 활을 가지고 노는 것. 부드럽고 미묘한 사운드를 생성합니다.
• Ricochet - 프리 리바운드로 현에 활을 던짐으로써 수행됩니다.

또 다른 트릭은 음소거를 사용하는 것입니다. 현의 진동을 줄여주는 나무나 금속으로 만든 빗입니다. 음소거 덕분에 바이올린은 부드럽고 약한 소리를 냅니다. 비슷한 기술이 서정적이고 감정적인 순간을 수행하는 데 자주 사용됩니다.

바이올린에서는 이중 음표, 코드를 취하고 다성 작업을 수행 할 수 있지만 대부분의 경우 다양한 사운드와 음영이 주요 이점이기 때문에 다방면 음성이 솔로 파트에 사용됩니다.

바이올린 창조의 역사

최근까지 바이올린의 시조로 여겨졌다. 비올라 , 그러나 이들은 완전히 다른 두 가지 도구임이 입증되었습니다. XIV-XV 세기의 개발은 동시에 진행되었습니다. 비올라가 귀족의 것이었다면 바이올린은 민중에게서 나왔다. 대부분 농민, 순회 예술가, 민스트럴이 연주했습니다.

이 비정상적으로 다양한 소리를 내는 악기는 인도 거문고, 폴란드 바이올리니스트(레베카), 러시아 바이올리니스트, 아랍 레바브, 영국 두더지, 카자흐스탄 코비즈, 스페인 피델 등 전임자라고 할 수 있습니다. 이 모든 악기는 바이올린의 시조가 될 수 있습니다. 각각의 현악기 가족의 탄생과 함께 자신의 장점으로 보상했기 때문입니다.

상류 사회에 바이올린이 도입되고 귀족 악기들 사이에서 계산이 시작된 것은 1560년 Charles IX가 그의 궁전 음악가들을 위해 현악기 제작자 Amati에게 24개의 바이올린을 주문했을 때 시작되었습니다. 그들 중 하나는 오늘날까지 살아 남았습니다. 이것 가장 오래된 바이올린세계에서 그녀는 "Charles IX"라고 불립니다.

오늘날 우리가 보는 바이올린 제작은 Andrea Amati와 Gasparo de Solo라는 두 가문이 경쟁하고 있습니다. 일부 소식통은 나중에 Amati 하우스에서 악기를 완성한 Gasparo Bertolotti(Amati의 교사)에게 손바닥을 주어야 한다고 주장합니다. 이것이 16세기 이탈리아에서 일어났다는 것은 확실히 알려져 있습니다. 조금 후에 그들의 후계자는 Guarneri와 Stradivari로 바이올린 본체의 크기를 약간 늘리고 악기의 더 강력한 소리를 위해 더 큰 구멍(efs)을 만들었습니다.

안에 17세 말세기에 영국인들은 바이올린 디자인에 프렛을 추가하려고 시도했고 유사한 악기를 연주하는 방법을 가르치는 학교를 만들었습니다. 그러나 소리의 상당한 손실로 인해 이 아이디어는 곧 포기되었습니다. Paganini, Lolli, Tartini와 같은 바이올린 거장과 대부분의 작곡가, 특히 Vivaldi는 깨끗한 목으로 연주하는 자유로운 스타일의 가장 열렬한 지지자였습니다.

비디오: 바이올린 듣기