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주요 작곡가와 연주자는 통역사입니다. 유명한 음악가

작곡가라는 직업에는 음악적 재능과 작곡에 대한 깊은 지식이 필요합니다. 작곡가는 음악계에서 가장 중요한 인물이라고 해도 과언이 아닙니다. 따라서 음악사에서 각 유명 작곡가는 각 특정 단계에서 음악 발전에 중요한 영향을 미쳤습니다. 18 세기 작곡가 18 세기 후반에 두 명의 위대한 작곡가 인 바흐와 모차르트가 살았고 일했으며 이후 음악 예술의 전체 발전에 영향을 미쳤습니다. Johann Sebastian Bach (1685-1750)는 역사가들이 바로크 시대로 분류 한 17-18 세기 음악 전통의 가장 밝은 대표자입니다. 바흐는 65년의 생애 동안 다양한 장르의 1,000곡 이상의 음악을 작곡한 음악사에서 가장 중요한 작곡가 중 한 명입니다. 요한 제바스티안 바흐는 음악계에서 가장 유명한 왕조 중 하나의 창시자입니다. 볼프강 아마데우스 모차르트(1756-1791) - 밝은 대표 바이올린, 하프시코드, 오르간 등 많은 악기를 능숙하게 소유한 비엔나 학교. 이 모든 장르에서 그는 연주자로서뿐만 아니라 주로 음악 작곡가로서 성공했습니다. 모차르트는 음악에 대한 놀라운 귀와 즉흥 연주에 대한 재능 덕분에 유명해졌습니다.음악 역사상 세 번째로 중요한 이름은 루트비히 판 베토벤입니다. 그는 18세기와 19세기의 전환기에 당시 존재했던 모든 음악 장르에서 일했습니다. 그의 음악적 유산은 매우 다양합니다. 이들은 소나타와 교향곡, 서곡과 사중주, 그가 가장 좋아하는 두 악기인 바이올린과 피아노를 위한 협주곡입니다. 베토벤은 클래식 음악에서 낭만주의의 첫 번째 대표자로 간주됩니다. 루트비히 판 베토벤 01-엘리제에게 02-소나타 14번 음력 03-교향곡 5번 04-열정적 소나타 23번 소나타 05-소나타 13번 애처로운 06-에그몽 서곡 07-소나타 17번 폭풍우 08-교향곡 9번 09-소나타 21번 모즈 art write "Imaginary Simple Girl" "The Dream of Scipio" "Misericordias Domini" Mocarta 40. simfonija, 4. temps Overture to Don Giovanni "Figaro kāzu" uvertīra Concerto in D for Flute I.T. 세속 칸타타, 세레나데, 교향곡, Stabat Mater 및 기타 교회 작품. 오페라, 파스티치오, 발레 Terpsichore(오페라 The Faithful Shepherd 제3판 프롤로그, 1734, Covent Garden Theatre); 합창단을 위한 오라토리오, 송시 및 기타 작품, 오케스트라를 위한 협주곡, 모음곡, 악기 앙상블을 위한 오케스트라가 있는 악기를 위한 협주곡 - 피아노 2손, 피아노 4손, 2피아노, 피아노 반주 음성 또는 무반주 합창단을 위한 다른 악기, 극적인 공연을 위한 음악 - 음악 예술의 역사에서 18세기는 매우 중요했으며 여전히 가장 중요한 관심사입니다. 이것은 본질적으로 이미 세속적 인 비 유적 콘텐츠의 주요 음악 개념의 탄생 인 뮤지컬 클래식 창작의 시대입니다. 음악은 르네상스 이후 번성했던 다른 예술의 수준, 최상의 문학 수준까지 올라갔을 뿐만 아니라 전체적으로 다른 많은 예술(특히 시각 예술)이 달성한 수준을 능가했으며 세기말에는 비엔나의 교향곡과 같은 높고 지속적인 가치를 지닌 훌륭한 종합 스타일을 만들 수 있었습니다. 고전 학교. 바흐, 헨델, 글룩, 하이든, 모차르트는 세기 초부터 말까지 음악 예술의 이 길에서 정점으로 인정받고 있습니다. 그러나 프랑스의 장 필립 라모(Jean Philippe Rameau), 이탈리아의 도메니코 스카를라티(Domenico Scarlatti), 독일의 필립 에마누엘 바흐(Philippe Emanuel Bach)와 같은 독창적이고 탐구적인 예술가들의 역할도 중요합니다.

다음은 당신이 알아야 할 10명의 작곡가 목록입니다. 그들 각각에 대해 그가 가장 확실하다고 말할 수 있습니다. 위대한 작곡가, 실제로는 불가능하고 실제로 불가능하지만 몇 세기에 걸쳐 작성된 음악을 비교했습니다. 그러나이 모든 작곡가들은 음악을 작곡 한 작곡가로서 동시대 사람들 사이에서 두드러집니다. 최고 수준클래식 음악의 경계를 새로운 한계로 끌어올리려 했습니다. 목록에는 중요도나 개인적 선호도와 같은 순서가 포함되어 있지 않습니다. 당신이 알아야 할 위대한 작곡가 10인.

각 작곡가는 당신이 전문가처럼 보일 것임을 기억하면서 그의 삶에 대한 인용 가능한 사실을 동반합니다. 이름에 대한 링크를 클릭하면 그를 알아볼 수 있습니다. 상전. 물론 각 마스터의 중요한 작품 중 하나를 들을 수 있습니다.

세계 클래식 음악에서 가장 중요한 인물. 세계에서 가장 많이 연주되고 존경받는 작곡가 중 한 명입니다. 그는 오페라, 발레, 극적 공연을 위한 음악, 합창 작곡. 기악 작품은 피아노, 바이올린 및 첼로 소나타, 피아노 및 바이올린 협주곡, 사중주, 서곡, 교향곡 등 그의 유산에서 가장 중요한 것으로 간주됩니다. 클래식 음악에서 낭만주의 시대의 창시자.

흥미로운 사실.

베토벤은 처음에 그의 세 번째 교향곡(1804)을 나폴레옹에게 바치고 싶었고, 작곡가는 그의 통치 초기에 많은 사람들에게 진정한 영웅으로 보였던 이 남자의 성격에 매료되었습니다. 그러나 나폴레옹이 자신을 황제라고 선언했을 때 베토벤은 제목 페이지"Heroic"이라는 한 단어 만 썼습니다.

L. Beethoven의 "월광 소나타",듣다:

2. (1685-1750)

바로크 시대를 대표하는 독일의 작곡가이자 오르간 연주자. 음악 역사상 가장 위대한 작곡가 중 한 명. 바흐는 일생 동안 1000곡이 넘는 작품을 썼습니다. 오페라를 제외한 그 당시의 모든 중요한 장르가 그의 작품에 등장합니다. 그는 바로크 시대 음악 예술의 업적을 요약했습니다. 가장 유명한 음악 왕조의 조상.

흥미로운 사실.

그의 생애 동안 바흐는 너무 과소평가되어 그의 작품이 12개 미만이 출판되었습니다.

바흐의 토카타와 푸가 D단조,듣다:

3. (1756-1791)

엄청난 오스트리아 작곡가, 기악 연주자 및 지휘자, 비엔나 클래식 학교 대표, 거장 바이올리니스트, 하프시 코드 연주자, 오르간 연주자, 지휘자, 그는 경이로운 음악을 듣는 귀, 기억력 및 즉흥 연주 능력. 모든 장르에서 두각을 나타낸 작곡가로서 그는 당연히 클래식 음악 역사상 가장 위대한 작곡가 중 한 명으로 여겨진다.

흥미로운 사실.

어린 시절 모차르트는 이탈리아인 그리고리오 알레그리의 미제레레(다윗 시편 50편 본문에 대한 고양이 성가)를 한 번만 듣고 외우고 적었습니다.

W. A. 모차르트의 "작은 밤의 세레나데", 듣다:

4. (1813-1883)

독일의 작곡가, 지휘자, 극작가, 철학자. 에 상당한 영향을 미쳤다 유럽 문화 XIX-XX 세기의 전환기, 특히 모더니즘. Wagner의 오페라는 웅장한 규모와 영원한 인간적 가치로 놀라움을 금치 못합니다.

흥미로운 사실.

Wagner는 1848-1849년 독일에서 실패한 혁명에 참여했으며 Franz Liszt의 체포를 피해 숨었습니다.

R. Wagner의 오페라 "Valkyrie"에서 "Ride of the Valkyries",듣다

5. (1840-1893)

이탈리아 작곡가, 이탈리아 오페라 학교의 중심 인물. Verdi는 무대 감각, 기질 및 완벽한 기술을 가졌습니다. 그는 오페라의 전통(바그너와 달리)을 부정하지 않고 오히려 발전시켰습니다(이탈리아 오페라의 전통). 이탈리아 오페라, 사실주의로 채우고 전체의 통일성을 부여했습니다.

흥미로운 사실.

베르디는 이탈리아 민족주의자였으며 이탈리아가 오스트리아로부터 독립한 후인 1860년에 최초의 이탈리아 의회 의원으로 선출되었습니다.

D.Verdi의 오페라 "라 트라비아타" 서곡,듣다:

7. 이고르 표도로비치 스트라빈스키 (1882-1971)

러시아어 (미국 - 이민 후) 작곡가, 지휘자, 피아니스트. 20세기 가장 중요한 작곡가 중 한 사람. Stravinsky의 작업은 그의 경력 전반에 걸쳐 통합되었지만 다른시기에 그의 작업 스타일은 다르지만 그의 모든 작업에서 드러난 핵심 및 러시아 뿌리는 남아 있었으며 그는 20 세기 최고의 혁신가 중 한 명으로 간주됩니다. 그의 혁신적인 사용리듬과 하모니는 클래식 음악뿐만 아니라 많은 음악가들에게 영감을 주고 영감을 줍니다.

흥미로운 사실.

제1차 세계 대전 중에 작곡가가 이탈리아를 떠날 때 로마 세관 관리들은 파블로 피카소의 스트라빈스키 초상화를 압수했습니다. 초상화는 미래적인 방식으로 그려졌고 세관원은 이 원과 선을 일종의 암호화된 비밀 자료로 착각했습니다.

I.F. 스트라빈스키의 발레 "불새" 모음곡,듣다:

8. 요한 슈트라우스 (1825-1899)

오스트리아의 경음악 작곡가, 지휘자, 바이올리니스트. "King of Waltzes", 그는 댄스 음악과 오페레타 장르에서 일했습니다. 그의 음악적 유산에는 500개 이상의 왈츠, 폴카, 스퀘어 댄스 및 기타 유형의 댄스 음악과 여러 오페레타 및 발레가 포함됩니다. 그 덕분에 왈츠는 19세기 비엔나에서 엄청난 인기를 끌게 되었습니다.

흥미로운 사실.

요한 슈트라우스의 아버지 - 또한 요한과 또한 유명한 음악가, 따라서 "왈츠의 왕"은 막내 또는 아들이라고 불리며 그의 형제 Joseph과 Eduard도 유명한 작곡가였습니다.

I. Strauss의 Waltz "아름다운 푸른 다뉴브 강에서", 듣다:

9. 세르게이 바실리예비치 라흐마니노프 (1873-1943)

비엔나 클래식 음악 학교의 저명한 대표자이자 음악 낭만주의의 창시자 중 한 명인 오스트리아 작곡가. 나를 위해 짧은 인생슈베르트는 전 세대의 작곡가에게 영향을 준 관현악, 실내악 및 피아노 음악에 중요한 공헌을 했습니다. 그러나 그의 가장 눈에 띄는 공헌은 600편이 넘는 독일 로망스를 발전시킨 것이었다.

흥미로운 사실.

슈베르트의 친구들과 동료 음악가들이 모여서 슈베르트의 음악을 연주하곤 했습니다. 이 회의는 "Schubertiads"(Schubertiads)라고 불 렸습니다. 첫 팬클럽!

"아베 마리아" F. P. 슈베르트, 듣다:

당신이 알아야 할 위대한 작곡가들의 주제를 이어가며, 새로운 소재.

음악 텍스트, 공연 전통 및 공연자의 창의적 의지의 상호 작용 결과로서의 음악적 해석.

저자의 정보는 공연자가 생각하고, 상상하고, 협회를 찾고, 감정을 불러일으키도록 격려합니다. 수행 정보는 저자의 정보에 영향을 미치고, 좁히거나 확장하고, 보완하고, 변형합니다. 음악그 결과 예술적 이미지가 생성됩니다. 저자의 정보를 재검토하는 것이 어떠한 경우에도 저자의 의도를 왜곡해서는 안 됩니다. 진정한 공연공동창작은 작가의 정보가 출연자에게서 호혜적인 감정을 찾을 때에만 가능하다.

음악 작업은 창의적인 과정이며 그 다양성은 예술적 특징공연자의 다양한 개별 특성뿐만 아니라 작품. 그 앞에 놓인 과제는 무엇입니까? 그리고 개발에 기여하는 것 창의성연주자, 그의 음악적 취향, 전문 기술의 형성을 자극합니까?

수행한다는 것은 작품의 내용과 구체화에 깊이 침투하여 창조하는 것을 의미합니다. 음악 콘텐츠예술적인 이미지를 바탕으로 작품의 내용을 재현하는 것은 작가의 텍스트에 대한 충실도, 구성의 이데올로기 적 방향 이해, 정서적 풍부함을 의미합니다 (음악 예술은 인간 인식의 정서적 영역에 영향을 미칩니다).

독창성을 고려하지 않고 예술적 이미지를 만드는 것은 불가능합니다. 역사적 시대저작물이 생성된 곳; 그의 장르 특징, 국가 특성작곡가의 세계관, 음악의 표현 수단 사용의 본질, 즉 우리가 문체 특징 또는 특징이라고 부르는 모든 것.

해석 -(라틴어 해석에서 - 설명, 해석) - 음악 텍스트의 소리 실현 과정. 그 해석은 작가가 속한 유파나 방향의 미학적 원리, 개인의 특성, 사상적, 예술적 디자인에 따라 달라진다. 해석에는 개별 접근 방식이 포함됩니다. 음악 재생, 적극적인 태도, 작가의 의도 구현에 대한 출연자 자신의 창의적 개념의 존재. 19세기 초까지 해석 기술은 작곡가의 작업과 밀접한 관련이 있었습니다. 일반적으로 작곡가 자신이 작곡을 수행했습니다. 해석의 발전은 콘서트 활동의 강화로 인한 것입니다.

독립적인 예술로서 해석은 19세기 20-30년대에 특별한 의미를 갖게 됩니다. 실전에서는 인정한다. 새로운 유형음악가 통역사 - 다른 작곡가의 작품 연주자. 동시에 작가의 공연 전통이 있습니다. 다른 저자의 작품에 대한 미묘한 해석자는 F. Liszt, A.G. Rubinshtein, S.V. Rakhmaninov였습니다. 19세기 후반부터 음악 해석 이론이 형성되었으며(다양한 공연 학교, 해석의 미학적 원리, 공연의 기술적 문제를 연구함) 20세기 초에 음악학의 영역 중 하나가 되었습니다. G.M. Kogan, G.G. Neuhaus, S.Ya. Feinberg 등은 국내 해석 이론의 발전에 크게 기여했습니다.

음악 연주에서 객관적이고 주관적이며 직관적이고 합리적입니다. 공연의 창조적인 성격.

유명한 피아니스트 I. Hoffman은 다음과 같이 썼습니다. 즉, 작곡가이자 피아니스트 인 S. Feinberg는 "음악 텍스트는 작곡가가 물려받은 부이며 그의 연주 지침은 유언장에 첨부 된 편지입니다. 그러나 텍스트뿐만 아니라 작업의 하위 텍스트도 있습니다. 주목할만한 피아니스트 K. Igumnov는 연주자의 "좋은 절반"도 자신의 텍스트로 가져와야한다고 믿었습니다. 즉, 작품의 내면에 접근하고 그 하위 텍스트를 드러내야합니다. 전설적인 G. Neuhaus는 항상 수행되는 작업의 분위기를 지속적으로 탐구해야 할 필요성을 상기 시켰습니다. 왜냐하면 예술적 이미지의 전체 본질은 악보에 완전히 순응하지 않는이 분위기이기 때문입니다. 위의 모든 것에서 결론은 작곡가 텍스트의 정확한 실행은 형식적인 재생산이 아니라 녹음 체계를 실제 사운드 이미지로 의미 있고 창의적으로 "변환"하는 것으로 이해되어야 한다는 것입니다.

해석의 변증법적으로 상호 관련된 측면으로서의 이해와 해석. 해석의 결과로 새로운 의미가 생성됩니다. 예술적 해석의 특수성, 해석의 대상에 대한 직관적 이해(경험, 시너지).

해석 수행을 위한 작품의 의미론적, 미학적 분석의 역할

음악적 해석의 의도성과 비의도성

음악 공연은 무엇보다 절차적이고 역동적인 순간이라는 점에 주목해야 한다. 이것은 변환이 뮤지컬 이미지뮤지컬 이미지 해석에 특별한 변화가 일어나는 무대에서. 연구원들은 한 명의 연주자에 의한 음악 재생의 가변성 또는 가변 요소와 불변 요소의 조합에 대해 이야기합니다.

해석적 과정은 의도적(과정에서 안정의 초점)과 비의도적(과정에서 가변의 초점)이라는 두 가지 모순된 원칙의 상호 작용으로 나타낼 수 있습니다. 이 두 개의 크고 복잡한 레이어가 프로세스의 구조를 형성합니다. 시간에 따른 이 구조의 배치, 요소의 총체성 및 연결은 실제로 해석 과정인 움직이는 소리의 무결성을 형성합니다.

의도적 시작과정에서 주어짐의 일반화된 표현이다. 의도적 요소에는 작업 수행을 시작하기 전에 음악가가 프로그래밍하고 향후 프로세스에서 구현하려는 정성적 매개 변수가 포함됩니다. 함께, 이러한 요소는 성능 해석의 의식적으로 계획된 부분을 형성하고 프로세스의 양적 지배를 구성합니다. 이들의 특징은 내재적 동기, 명확성 및 의미론적 중요성입니다. 어떤 식으로든 사전 계획은 설계 구조의 모든 수준을 포괄합니다. 의도적 인 시작은 예술가의 개별 예술적 의식의 스탬프를 담고 있으며 그의 창조적 독특함의 표시입니다.

해석 과정은 일관되게 구현된 의도로 축소되지 않습니다. 저절로 들어온다 의도하지 않은 시작, 필연적으로 객관화 행위에 존재하고 근본적으로 다른 성격을 가집니다. 의도하지 않은 시작은 프로세스의 동적 구성 요소이며, 그 요소는 자발적으로 발생하고 원래 계획에 의해 설정된 경로에서 벗어나고 불확실성의 "실존 필드"를 형성합니다. 이 구성요소는 창의성 수행의 비합리적 측면을 반영하며, 예측할 수 없는, 스스로 발생하는 이미지-디자인의 변화 가능성 그 자체를 전달하는 매개체가 된다. 의도하지 않은 시작에는 요소가 포함됩니다. 다른 성격. 내용-의미론적 평면에서 고려한다면 의도하지 않은 요소를 의미론적 및 의미론적이라는 두 가지 하위 종으로 나눌 필요가 있습니다.

시맨틱(즉흥적)보기는 예술적이고 표현적인 의미가 부여된 들어오는 요소 그룹을 통합합니다. 무의식의 "자유로운"(불특정) 활동의 창조적 산물, 직관, 상상, 환상의 순간적인 "활동"과 일반적으로 예술적 경험이라고 불리는 감정의 내적 움직임의 결과, 그들은 의도하지 않은 시작의 예술적이고 생산적인 층을 형성합니다. 그들의 징후는 비의도성, 참신함 및 의미론적 중요성이며, 후자는 동일한 소스인 사운드 이미지로 올라가는 즉흥적이고 의도적인 요소의 통일성과 친족 관계의 기초를 형성합니다. 의도하지 않은 시작에는 즉흥이 포함되지만 이에 국한되지는 않습니다.

Asemantic (혼돈)보기는 의도하지 않은 요소 그룹을 통합하며, 그 모양은 예술적 요인이 아니라 활동의 "실패"에 의해 발생합니다. 이러한 요소의 기원은 기술 및 규제 실행 영역의 위반과 관련이 있습니다. 그들은 수행 오류, 결함 및 프로세스의 무질서한 순간의 형태로 나타납니다. 의미론적 요소는 구상된 것에 손상을 입히고 "주관적인" 의미론적 결과를 제공하지 않고 프로세스에 어느 정도 상당한 파괴를 가져올 뿐이므로 의도하지 않은 시작의 예술적으로 비생산적인 층을 구성합니다. 이 구성 요소의 매우 부적절하고 명백하게 파괴적인 기능 수준을 감안할 때 "혼돈"이라고 할 수 있습니다.

음악 작품의 공연 해석의 적절성에 대한 질문.

음악가는 텍스트를 마스터해야 할 뿐만 아니라 작곡가의 의도를 이해하고 음악 작품에 구현된 그의 음악적 이미지를 재현하고 선택하는 것이 그의 주요 임무입니다. 표현 수단가장 정확한 전송을 위해

A. 프랑스는 이렇게 썼습니다. “완벽한 예술 작품을 이해한다는 것은 일반적으로 그것을 자신의 방식으로 재창조하는 것을 의미합니다 내면 세계". K.S. Stanislavsky는 "배우가 작가의 아이디어에 깊이 침투하고, 무대에 구현된 이미지에 익숙해지고, 배우가 역할과 같은 방식으로 살고 느끼고 생각할 때에만 그의 행동이 무대 성공으로 이어질 수 있습니다. "라고 말했습니다.

이탈리아 피아니스트 F. 부조니는 이 주제에 대해 다음과 같이 말했습니다. 자신의 감정가장 다양한 개인의 감정으로 환생하고 거기에서 그들의 창조물을 연구하기 위해. 공연 예술 러시아 평론가 V.G. Belinsky: "배우는 작가의 아이디어를 자신의 연극으로 보완하고 그의 창의성은 이것, 즉 추가로 구성됩니다." 동일한 논리가 뮤지컬 및 공연 예술에서 작동합니다.

A.N. 러시아의 유명한 작곡가이자 음악 평론가인 Serov는 다음과 같이 썼습니다.“적어도 셰익스피어 연극, 음악에서 나온 역할은 베토벤 자신의 화려한 공연과 관련하여 스케치, 에세이에 불과합니다. 그림 물감, 평생작품은 오직 퍼포머의 매력적인 힘 아래서 탄생한다.

예를 들어, P.I. 의 피아노와 오케스트라를 위한 가장 인기 있는 첫 번째 협주곡입니다. Tchaikovsky는 N. Rubinstein의 훌륭하게 연주 된 초연 후 4 년 만에 널리 알려졌습니다. P. Tchaikovsky의 바이올린 협주곡에서도 같은 이야기가 일어났습니다. L. Auer의 연주 후에야 바이올리니스트의 콘서트 레퍼토리에서 정당한 자리를 차지했습니다.

이러한 예는 저자의 텍스트를 소리로 단순하고 형식적으로 번역하는 것이 아니라 창의적인 공연이라는 공연 활동의 창의적 특성을 보여줍니다. 해석의 심리적 본질은 A.N에 의해 매우 정확하게 표현되었습니다. 세로프: " 그레이트 미스터리그들이 내부에서 빛을 발하고 밝게 빛나고 재능의 힘으로 수행되는 자신의 영혼에서 온 감각의 세계를 그 안에 집어 넣는다는 사실에서 위대한 연기자.

통역은 연기자의 전문적인 장점과 기술에 국한되지 않습니다. 그것은 성격의 모든 측면의 표현이며 세계관과 관련이 있으며, 이데올로기적 지향, 공통 문화, 성격의 내적 내용을 구성하는 다재다능한 지식과 사고 방식.

공연예술이 작곡가의 예술과 분리된 19세기 중반인 18세기 말부터 연주자의 공적, 도덕적, 직업적 책임이 커졌다. 여러면에서 작업의 운명은 연기자에게 달려 있습니다.

A. Rubinstein: “객관적인 성과로 일반적으로 이해되는 것을 완전히 이해할 수 없습니다. 기계가 아닌 사람이 만든 성능이라면 그 자체가 주관적입니다. 대상 (구성)의 의미를 올바르게 전달하십시오-부채는 연기자의 법칙이지만 모든 사람은 자신의 방식, 즉 주관적으로 수행합니다. 다르게 생각할 수 있습니까? 작품의 렌더링이 객관적이라면 한 가지 방식만 정확할 것이며 모든 연주자는 그것을 모방해야 할 것입니다. 연주자는 어떻게 될까요? 원숭이? 햄릿이나 리어 왕 등의 연기는 한 번뿐인가요? 그래서 음악은 주관적인 연주만 이해해요.”

예술적이고 공연적인 아이디어의 형성과 구현

해석의 문제에서 예외적 인 중요성은 상상력, 즉 미래 활동의 이미지를 접거나 형태로 새로운 이미지를 만드는 정신적 과정에 속합니다. 상식, 또는 활동의 최종 제품에 대한 보다 구체적인 표현입니다. 상상력은 물질적으로 구현된 형식보다 앞서 후속 활동 프로그램의 정신적 구성입니다. 레크리에이션과 구별 창의적인 상상력. 크리에이티브는 새로운 아이디어와 이미지를 창조하는 것입니다. 재생산은 음악 텍스트 등을 기반으로 이미지를 구성하는 것입니다. 상상의 재창조 - 심리적 기반음악 및 공연 해석의 창조.

두 가지 유형의 연기자 - 감정적 유형("경험의 예술" 지지자)과 지적 유형의 예술가( 연극 예술, Stanislavsky).

합성 연주자가 있습니다. 이 두 원칙의 놀라운 조합은 S.V.의 활동에서 발견됩니다. Rachmaninov 및 P. Casals, A. Toscanini 및 J. Heifitz, D. Oistrakh 및 S. Richter, L. Kogan 및 E. Gilels, E. Svetlanov 및 V. Fedoseev. 그들은 음악의 내용에 대한 깊은 통찰력, 내용과 형식의 뛰어난 통일성, 흥미롭고 독창적인 해석 및 뛰어난 기술력으로 구별됩니다. 이 유형은 의식적으로 조절되는 정서적 원리와 지적 원리 사이의 균형이 특징입니다.

해석의 다양한 측면: 1. 작가의 의도에 대한 수행자의 해석; 2. 역사적 유산 3. 문화 간 및 문화 간 관계. 진정한 공연, 역사적, 문화적 맥락에 몰입.

음악 작품에 대한 작업은 포괄적인 연구를 기반으로 해야 합니다. 이를 통해 비 유적 영역을 탐구하고 작품에 대한 작가의 관심을 유지하며 마지막으로 작가의 의도를 이해할 수 있습니다.

이 길고 험난한 길에서 가장 중요한 출발점은 이것저것 작품이 탄생한 시대다. 작곡가는 다른 시간에 다른 언어를 사용하고 다른 이상을 구현하며 특정 시간의 삶의 특성, 철학적 및 미적 견해, 개념을 반영합니다. 따라서 표현 수단도 사용됩니다. 이 특정 스타일이 특정 시대에 발생한 이유를 이해하고 특정 시대의 "산물"인 작곡가의 성격과 연관시키는 것이 필요합니다. 사회 단체, 국적, 이러한 조건에 음악 작품을 배치하고 제작자 및 시간과 어떤 관계에 있는지 확인합니다.

시대와 움직임(템포)의 표기법의 상호 관계를 살펴보겠습니다. 다른 시대에 템포 표기법은 다른 방식으로 해석되었습니다. 고전주의 이전 시대에 예를 들어 "알레그로", "안단테", "아다지오"의 템포는 움직임의 속도가 아니라 음악의 본질을 나타냅니다. 스카를라티의 알레그로는 클래식의 알레그로보다 느리고(또는 더 절제됨), 모차르트의 알레그로는 현대적 의미에서 알레그로보다 느립니다(더 절제됨). Mozart의 Andante는 더 유동적입니다. 지금 우리가 이해하는 것보다. 관계에 대해서도 마찬가지입니다. 뮤지컬 시대역학과 조음으로. 물론 권위의 존재는 피아노, 피아니시모, 포르테, 포르티시모를 새로운 방식으로 인식하기 위해 역동적인 표시로 어딘가에서 논쟁할 수 있게 합니다.

녹음

소리를 녹음하고 재생하는 최초의 장치는 기계식 악기였습니다. 그들은 멜로디를 연주할 수 있었지만 사람의 목소리와 같은 임의의 소리를 녹음할 수는 없었다. 자동 음악 재생은 875년경 Banu Musa 형제가 알려진 가장 오래된 기계식 악기인 수압식 또는 "물 오르간"을 발명한 9세기부터 알려져 왔으며, 이 악기는 교체 가능한 실린더를 자동으로 연주했습니다. 표면에 돌출된 "캠"이 있는 실린더는 19세기 후반까지 음악을 기계적으로 재생하는 주요 수단이었습니다. 르네상스 시대에 만들어진 전선배럴 오르간, 뮤직 박스, 박스, 스너프 박스 등 적시에 특정 멜로디를 재생하는 다양한 기계식 악기.

1857년 드 마르탱빌이 발명한 축음기. 이 장치는 음향 콘과 바늘에 연결된 진동막으로 구성되었습니다. 바늘은 수동으로 회전하는 그을음으로 덮인 유리 실린더의 표면과 접촉했습니다. 원뿔을 통과하는 소리 진동은 멤브레인을 진동시켜 그을음 층의 소리 진동 모양을 추적하는 바늘에 진동을 전달합니다. 그러나이 장치의 목적은 순전히 실험적이었습니다. 녹음 된 녹음을 재생할 수 없었습니다.

1877년에 Thomas Edison은 이미 자신의 녹음을 재생할 수 있는 축음기를 발명했습니다. 사운드는 트랙의 형태로 미디어에 기록되며 그 깊이는 사운드의 볼륨에 비례합니다. 축음기의 사운드 트랙은 교체 가능한 회전 드럼의 원통형 나선형으로 배치됩니다. 재생 중에는 홈을 따라 움직이는 바늘이 진동을 탄성 멤브레인에 전달하여 소리를 냅니다.

Edison Thomas Alva(1847-1931), 미국의 발명가이자 기업가. 전기 공학 및 통신 분야에서 1000개 이상의 발명품을 만든 저자. 그는 세계 최초의 녹음 장치인 축음기를 발명하고 백열등, 전신 및 전화를 개선했으며 1882년에 세계 최초의 발전소를 건설했습니다.

첫 번째 축음기에서 금속 롤러는 크랭크에 의해 회전되어 구동축의 나사산으로 인해 회전할 때마다 축 방향으로 움직였습니다. 주석 호일(staniol)을 롤러에 적용했습니다. 그것은 양피지 막에 연결된 강철 바늘로 만졌습니다. 금속 콘 혼이 멤브레인에 부착되었습니다. 소리를 녹음하고 재생할 때 롤러를 분당 1회전의 속도로 수동으로 회전시켜야 했습니다. 소리가 나지 않는 상태에서 롤러가 회전하면 바늘이 호일에 일정한 깊이의 나선형 홈(또는 홈)을 밀어냅니다. 멤브레인이 진동할 때 감지된 소리에 따라 바늘이 주석에 눌려 다양한 깊이의 홈을 만들었습니다. 그래서 "깊은 녹음"이라는 방법이 발명되었습니다.

장치의 첫 번째 테스트에서 Edison은 호일을 실린더 위로 단단히 당기고 바늘을 실린더 표면으로 가져오고 조심스럽게 핸들을 돌리기 시작하고 마우스 피스에 동요 "Mary had a sheep"의 첫 번째 연을 불렀습니다. 그런 다음 그는 바늘을 빼내고 핸들로 실린더를 원래 위치로 되돌리고 바늘을 그려진 홈에 넣고 다시 실린더를 회전시키기 시작했습니다. 그리고 마우스피스에서 동요가 부드럽지만 또렷하게 들렸다.

1885년 미국의 발명가 Charles Tainter(1854-1940)는 발로 작동하는 축음기(발로 작동하는 재봉틀과 유사)인 그래포폰을 개발하고 양철 롤 시트를 왁스로 대체했습니다. Edison은 Tainter의 특허를 구입했고 호일 롤 대신 탈착식 왁스 롤을 녹음에 사용했습니다. 사운드 그루브의 피치는 약 3mm로 롤당 녹음 시간이 매우 짧았습니다.

거의 변하지 않은 형태로 축음기는 수십 년 동안 존재했습니다. 음악 작품을 녹음하기 위한 장치로 20세기 초 10년 말에 생산이 중단되었지만 거의 15년 동안 음성 녹음기로 사용되었습니다. 이를 위한 롤러는 1929년까지 생산되었습니다.

10년 후인 1887년 축음기 발명가인 E. Berliner는 롤러를 복사할 수 있는 디스크(금속 매트릭스)로 교체했습니다. 그들의 도움으로 잘 알려진 축음기 레코드가 압축되었습니다(그림 4a.). 하나의 매트릭스를 통해 전체 회람을 인쇄할 수 있었습니다(적어도 500개 레코드). 이것은 복제할 수 없는 에디슨의 왁스 롤러에 비해 베를리너의 기록의 주요 이점이었습니다. 에디슨의 축음기와는 달리 베를리너는 소리 녹음을 위한 하나의 장치인 녹음기와 소리 재생을 위한 또 다른 장치인 축음기를 개발했습니다.

깊은 녹음 대신 가로 녹음이 사용되었습니다. 바늘은 일정한 깊이의 구불구불한 흔적을 남겼습니다. 그 후 멤브레인은 소리 진동을 전기 진동과 전자 증폭기로 변환하는 고감도 마이크로 대체되었습니다. 1888년은 Berlinger가 축음기 레코드를 발명한 해입니다.

1896년까지는 디스크를 손으로 돌려야 했고 이것이 축음기의 광범위한 사용에 주요 장애물이었습니다. Emil Berliner는 저렴하고 기술적으로 진보되고 안정적이며 강력한 스프링 엔진 경쟁을 발표했습니다. 그리고 그러한 엔진은 Berliner의 회사에 온 기계공 Eldridge Johnson이 설계했습니다. 1896년부터 1900년까지 이 엔진 중 약 25,000개가 생산되었습니다. 그제야 Berliner의 축음기가 널리 퍼졌습니다.

첫 번째 기록은 단면이었습니다. 1903년에 처음으로 12인치 양면 디스크가 출시되었습니다.

1898년 덴마크 엔지니어 Voldemar Paulsen(1869-1942)은 강철 와이어에 자기적으로 소리를 녹음하는 장치를 발명했습니다. 나중에 Paulsen은 정보가 움직이는 자기 헤드에 의해 나선형으로 기록되는 회전하는 강철 디스크에 자기 기록하는 방법을 발명했습니다. 1927년 F. 플라이머는 비자성 기반 자기 테이프 제조 기술을 개발했습니다. 이러한 발전을 바탕으로 1935년 독일 전기 회사 "AEG"와 화학 회사 "IG Farbenindustri"는 독일 라디오 전시회에서 플라스틱 베이스에 철분을 코팅한 자기 테이프를 시연했습니다. 마스터 산업 생산품, 강철보다 5 배 저렴하고 훨씬 가벼우 며 가장 중요한 것은 간단한 접착으로 조각을 연결할 수 있다는 것입니다. 새로운 자기 테이프를 사용하기 위해 "Magnetofon"이라는 브랜드 이름을 받은 새로운 녹음 장치가 개발되었습니다. 자기 테이프는 반복적인 녹음에 적합합니다. 그러한 레코드의 수는 사실상 무제한입니다. 새로운 정보 매체인 자기 테이프의 기계적 강도에 의해서만 결정됩니다. 최초의 2트랙 테이프 레코더는 1957년 독일 회사 AEG에서 출시되었으며 1959년 이 회사는 최초의 4트랙 테이프 레코더를 출시했습니다.

“가장 진실되고 최고의 치료법

위대한 작곡가에 대한 봉사

최대한 활용하는 데 있습니다.

아티스트의 진심"

(알프레드 코르토).

일정한 기보법으로 녹음된 악곡이 등장한 이후 음악의 주체인 작곡가와 연주자 사이의 창조적 관계는 끊임없이 수정되어 왔다. 이 커먼 웰스에서 두 가지 경향, 즉 융합에 대한 욕구와 자기 표현에 대한 욕구가 고군분투하고 있습니다. 19세기 중반 이후 러시아 피아니즘은 공연 예술계에서 가장 진보적인 그룹 중 하나가 되었습니다. 러시아에서는 다른 어느 곳보다 일찍 저자의 텍스트에 대한 창의적인 태도와 함께 가장 신중한 연구의 필요성을 이해했습니다. 20세기의 처음 40년은 저자의 텍스트에 대한 태도 문제가 가장 조화롭게 해결되는 시기입니다. 피아니스트들은 작품의 본질과 제작자의 스타일을 훨씬 더 깊이 이해하기 시작했습니다. 소비에트 음악가들은 바키아나를 연주하는 세계에 합당한 공헌을 했습니다. M.V. Yudina는 그녀의 내내 바흐를 숭배했습니다. 창조적 인 삶. 이것은 피아니스트가 연주한 그의 작곡의 수(약 80개)로 입증됩니다. 이는 그녀 세대의 예술가들에게 거의 독특합니다. 바흐의 레퍼토리에서 그녀는 특정 피아노를 포함하여 많은 표현적인 낭만적인 수단을 포기했습니다. 그것은 낭만주의 해석, 바흐의 해석과 비교할 때 더 역사적인 것이 특징입니다. 유디나는 바흐의 독창성과 현대 피아노가 다른 시대살아있는 것처럼 예술적 현실, 통역사를 어려운 위치에 놓이게 합니다. 에 대한 혁신적인 기능 Yudina의 스타일은 환상곡과 푸가의 그녀의 연주로 판단할 수 있습니다. 그녀의 연주는 선형 형상, 금욕적인 색채, 활기찬 하프시코드 조음의 해부로 구별됩니다. 느리고 "주권적인"템포와 엄격한 고뇌뿐만 아니라 유기체의 손길과 함께 오래된 clavier 정신의 "등록"에주의를 기울입니다. 스타일에 대한 피아니스트의 열망은 결코 그녀의 연주에서 박물관과 같은 "건조함"으로 바뀌지 않았습니다. Yudina의 해석에서 낭만적 인 독서에서 잃어버린 하나의 감정 상태에 대한 긴 몰입을 표현하는 능력은 Bach의 작품으로 돌아 가기 시작했습니다. clavier-organ 등록 원칙의 부활; 마지막 소절에서 디미누엔도가 사라짐; 푸가에서 소리의 힘을 처음부터 끝까지 점진적으로 증가시키는 전통에 대한 거부, 충동적인 루바토의 부재. Yudina의 연주 결정에서 또 하나의 "클라비에" 기능에 주목해야 합니다. 조음의 중요성 증가입니다.

소비에트 음악가들 사이에서 Svyatoslav Teofilovich Richter는 새로운 공연 시대의 주요 트렌드가 집중된 예술가 인 피아니즘 역사에서 포스트 로맨틱 단계의 고전이되었습니다. 그는 바흐 음악 연주의 역사를 상상할 수 없는 해석을 만들었습니다. 이 작곡가의 작품을 낭만적으로 해석하는 경향을 단호히 깨고 Richter는 자신의 프로그램에서 필사본을 삭제했습니다. Richter의 Bach 음반에서 주요 위치를 차지하는 HTK의 Preludes 및 Fugues에서 그는 낭만적 인 자유, 해석의 주관성을 최대 객관성에 대한 욕구와 대조하고 "음악 자체"가 들리도록 "그림자 속으로 들어갑니다". 이러한 해석에는 저자에 대한 신중하고 순결한 태도가 담겨 있습니다. 여기서 자기 흡수는 감정의 외부 표현을 완전히 지배합니다. 정서적 강도는 엄청난 지적 긴장에서만 추측됩니다. 독특한 기술은 피아니스트 수단의 간결함과 금욕주의에서 보이지 않는 것에 반영됩니다. 우리는 리히터에게서 오르간, 성악, 관현악, 관현악 합창단, 하프시코드 소리와 종소리의 가능성을 듣습니다. “저는 바흐를 다양한 아티큘레이션과 다양한 다이내믹스를 통해 다양한 방식으로 잘 연주할 수 있다고 확신합니다. 전체 만 보존된다면 스타일의 엄격한 윤곽 만 왜곡되지 않는다면 성능 만 충분히 설득력이 있다면”(S.T. 리히터).

CTC 주기에 대한 깊고 종합적이며 진정으로 예술적인 접근 방식은 Richter의 특징입니다. 리히터의 연기를 들으면서 때때로 서로 다투는 그의 두 가지 주요 경향을 쉽게 감지할 수 있다. 한편으로 그의 연주는 바흐 시대의 클라비어 예술의 특성에 의해 미리 정해진 경계 내에 있는 것 같다. 한편으로는 이러한 경계를 넘어선 현상들을 끊임없이 다루고 있다. "그 안에는 바흐의 하프시코드, 클라비코드, 오르간 교감과 미래에 대한 그의 뛰어난 통찰력이 함께 "접합"되어 있습니다"(J. Milshtein). 표현적이고 구성적인 요소와 선형 요소를 결합합니다. 그렇기 때문에 다른 전주곡과 푸가에서 Richter는 지적이고 구성적인 다성적 원칙을 전면에 내세우고 그들의 비유적 구조를 그것과 연결합니다. 다른 경우에는 바흐 음악의 철학적 깊이와 이와 관련된 모든 표현 수단의 유기적 균형을 강조합니다. 때때로 그는 부드럽게 흐르는 멜로디 라인(레가토의 일관된 조음)의 표현에 매료되고, 때로는 그 반대의 경우도 리듬의 날카로움과 명확성, 조음의 해부에 매료됩니다. 때때로 그는 낭만적 인 부드러움, 게임의 가소성을 위해 노력하고 때로는 역동적 인 대비를 날카롭게 강조합니다. 그러나 그는 물론 문구의 "민감한"반올림, 작은 동적 음영, 주요 템포에서 정당하지 않은 편차가 특징이 아닙니다. 또한 바흐의 표현력이 풍부하고 충동적인 해석, 비대칭 악센트, 개별 음표 및 주제에 대한 날카로운 강조, 템포의 갑작스러운 "경직성" 가속 등에 매우 이질적입니다. 그의 HTK 성능은 안정적이고 대규모이며 유기적이며 전체적입니다. "그의 가장 큰 행복은 그가 선택한 작곡가의 의지에 녹아드는 것입니다"(Y. Milshtein).

Glenn Gould의 놀랍고 세계를 정복하는 해석의 주요 원동력은 그의 놀라운 직관, 그 안에 살고 있는 저항할 수 없는 음악적 감정의 힘입니다. Guldovsky Bach는 20 세기 후반 공연 예술의 가장 큰 절정입니다. Gould의 피아니즘의 하프시 코드 팔레트, 그 멜리스마 등은 바흐 시대 문화에 대한 지성과 가장 깊은 침투를 증언합니다. Gould의 발명품, 파르티타, Goldberg 변주곡 및 Bach의 기타 작품에 대한 해석은 예술적 자산이 되었으며 동시대인들은 공연 예술의 걸작으로 인식하고 모든 축적된 층을 제거한 문체 표준으로 인식했습니다. 그러나 거장의 창조적 지배는 결코 바흐를 모방한 것이 아니다. 그는 바흐의 "백인" 텍스트의 직접적인 데이터 변경에 멈추지 않고 자신의 직관에 복종합니다. Gould는 다양한 수준의 예술적 설득력으로 바흐의 작품을 연주합니다. CTC 1권의 모든 푸가가 Gould의 일반적인 예술적 수준에서 연주되는 것은 아닙니다. 주인의 게임에서는 종종 텍스트의 리드미컬한 고고도 변형에서 직접적인 낭비가 있습니다.

굴드의 희곡은 독창적이고, 가장 높은 학위, 표현 멜리스마. 그들의 위치도 원본입니다. 많은 항목이 추가되고 다른 항목은 수행되지 않습니다. 그것들이 없었다면 예술가에 대한 바흐의 해석은 많은 것을 잃었을 것입니다. 작가는 종종 텍스트의 리드미컬한 변형에 의존합니다. 그러나 위의 거장의 연주 특징이 작품의 성격과 의미에 광범위한 변화를 가져오지 않는다면, 다른 Gould의 변형은 작곡의 본질에 침투합니다. 캐나다 마스터의 해석은 가장 풍부한 상상력 스펙트럼을 다룹니다. 그는 깊은 서정성, 리드미컬한 자유로움, 바흐로서는 보기 드문 짧은 프레이징으로 많은 것을 연주한다. 그의 연주는 완벽하고 볼록한 보이스 리드로 공격합니다. 음악의 전체 구조는 "손바닥처럼" 선명합니다. 모든 목소리의 표현력 있는 억양으로 음악이 풍성해지는 것 같습니다.

거장 연극의 매우 발전되고 다양하며 세련된 라인 아트. 그의 획은 바흐 선율의 모티브 구조를 가장 다양하게 보여줍니다. 특히 흥미로운 것은 푸가, 발명품 및 기타 작품의 주제를 포함하여 동일한 멜로디에서 스트로크를 변경하는 특이한 방법이며 새로운 연주 문제를 여는 것입니다. 일정 수의 작가 리그-획을 포함하는 바흐의 오케스트라 작품에 대한 연구는 그러한 예의 가능성을 보여줍니다. 위대한 작곡가 자신도 다양한 획을 그렸으며 그리 드물지 않았습니다. 캐나다의 자유사상가는 우리 시대의 가장 설득력 있는 바흐를 창조했습니다. 그는 다른 바흐입니다. 그의 생애 동안의 바흐도 아니고 변화하면서 다른 세대에 등장한 바흐도 아니지만 그는 굴드의 동시대 사람들에게 가장 진정한 바흐 인 것 같습니다.

기악 분야에서 J.S. Bach의 작품은 전체를 열었습니다. 새로운 시대, 유익한 영향력은 우리 시대까지 확장되며 결코 마르지 않을 것입니다. 경직된 경전의 교리에 구애받지 않고 음악은 광범위하게 미래를 향하고 있습니다. 실생활. 그것은 세속 예술 및 음악 제작의 전통 및 기술과 밀접하게 연결되어 있습니다.

바흐 기악의 사운드 세계는 독특한 독창성을 특징으로 합니다. Bach의 창작물은 당시의 악기가 아닌 다른 악기에서 들리지만 우리 의식에 확고하게 자리 잡았고 필수적인 미적 요구가되었습니다.

기악, 특히 Köthen은 Bach에게 포괄적인 작곡 기술을 완성하고 연마하기 위한 "실험 분야" 역할을 했습니다. 이 작품들은 지속적인 예술적 가치를 지니고 있으며 바흐의 전반적인 창조적 진화에 필요한 연결 고리입니다. clavier는 Bach에게 질서, 조화 및 형성 분야에서 음악적 실험을 위한 일상적인 기초가 되었으며 Bach의 창의성의 다양한 장르 영역을 더욱 광범위하게 연결했습니다. Bach는 clavier의 비 유적 표현 영역을 확장하고 표현 수단, 기술, 오르간, 오케스트라, 성악 문학 (독일어, 이탈리아어, 프랑스어)에서 배운 주제를 통합하는 훨씬 더 넓고 합성적인 스타일을 개발했습니다. 다른 방식의 연주가 필요한 비유적 내용의 다양성에도 불구하고 바흐의 클라비에 스타일은 일반적인 특징: 에너제틱하고 장엄한, 내용과 균형 잡힌 감정 구조, 풍부하고 다양한 질감. 클라비어 선율의 윤곽은 표현력이 풍부하여 칸타빌레적인 연주 방식이 필요합니다. 대체로 바흐의 운지법과 손의 설정은 이 원리와 관련이 있습니다. 스타일의 특징 중 하나는 조화로운 형상으로 표현의 채도입니다. 이 기법을 통해 작곡가는 그 당시 클라비에의 융합된 질감에서 그 안에 포함된 색상과 표현의 보물을 완전히 드러낼 수 없었던 장대한 하모니의 깊은 층을 "소리의 표면으로 끌어올리려고" 했습니다.

바흐의 작품은 놀랍고 거부할 수 없을 정도로 매혹적일 뿐만 아니라 더 자주 들을수록 더 많이 알게 될수록 그들의 영향력은 더 강해집니다. 엄청난 양의 아이디어 덕분에 우리는 감탄을 불러일으킬 때마다 새로운 것을 발견합니다. 바흐는 장엄하고 숭고한 스타일을 최고의 장식과 결합시켰고, 구성 전체의 세부 사항을 선택하는 데 최대한의 주의를 기울였습니다.

기술, 개발» www.methodkabinet.rf

피아니스트 - 통역사. 현대 피아니즘.

Iovenko Yulia Evgenievna, 피아노 교사, MAOUK DOD Children's Music School, Komsomolsk-on-Amur, Khabarovsk Territory

나의프로젝트우려 해석 문제 피아노 음악.

그 안에 나는 조금 만질 것이다 피아노 공연 예술의 역사 주제와 현대 공연 피아니즘의 경향 문제에 대해 제 생각에는 특정 작곡가를 가장 잘 해석하는 우리 시대의 일부 피아니스트에 대해 이야기하겠습니다.

여러 예술 분야의 음악은 그 특수성에서 특별한 위치를 차지합니다. 악보의 형식으로 객관적으로 존재하는 음악은 연주자의 예술적 해석, 재창조 행위가 필요합니다. 음악의 본질에는 음악 작품과 공연의 변증법적 통일성이 있습니다.

뮤지컬 공연은 작품 자체가 오랜 시간을 두고 떨어져 있더라도 항상 동시대의 창작물, 주어진 시대의 창작물이다.

피아노 음악이 발전한 시대에 따라 피아니스트들은 특정한 연주 스타일, 특정한 연주 방식을 발전시켰습니다.

클라비에 시대 피아노 연주의 선사시대입니다. 이때 '연주 작곡가'라는 음악가-실무자의 유형이 형성되었다. 창의적인 즉흥 연주는 공연 예술의 핵심입니다. 그러한 음악가의 기교는 기술적 완성도가 아니라 악기의 도움으로 청중과 "대화"하는 능력으로 축소되었습니다.

새로운 중요한 단계 연주온다 18세기 말경 새로운 독주 악기인 해머 액션 피아노의 홍보와 함께. 음악 콘텐츠의 복잡성으로 인해 정확한 악보 표기와 특수 연주 지침 수정이 필요했습니다.

피아노 연주는 정서적 풍부함과 역동성을 획득합니다.

18세기 말에는 새로운 형태음악 만들기 - 공개, 유료 콘서트. 작곡가와 연주자 사이에 분업이 있습니다.

19세기 초 "작곡의 거장"이라는 새로운 유형의 음악가가 형성되고 있습니다. 새로운 공간 및 음향 조건(대형 콘서트 홀) 연주자에게 더 큰 소리의 힘을 요구했습니다. 심리적 충격을 높이기 위해 엔터테인먼트 요소가 도입되었습니다. 얼굴과 손의 "놀이"는 음악적 이미지의 공간적 "조각" 수단이 됩니다. 청중은 게임의 거장 범위, 대담한 환상의 비행, 다채로운 범위의 감정적 음영에 영향을 받습니다.

그리고 마지막으로 19세기 중반까지 그러나 다른 사람의 작곡가의 창의성을 해석하는 음악가-해석가가 형성되고 있습니다. 해석자에게 있어 공연의 전적으로 주관적인 특성은 공개, 해석 및 전달과 같은 객관적인 예술적 작업을 설정하는 해석으로 대체됩니다. 비유적 체계음악 작품과 작가의 의도.

거의 모든 것 19 세기 피아노 연주의 파워풀한 개화가 특징. 공연은 해석자가 작곡가와 동등한 위치에 있는 두 번째 창작물이 됩니다. 모든 종류의 방황하는 거장은 피아노 "곡예사"에서 선전 연주자에 이르기까지 공연 영역의 주요 인물이됩니다. Chopin, Liszt, Rubinstein 형제의 활동에서 예술 및 기술 원칙의 통일성에 대한 아이디어가 우세한 반면 Kalkbrenner와 Laugier는 거장 학생 교육의 주요 목표를 설정했습니다. 19세기의 많은 거장들의 문체는 우리가 그것을 100% 맛도 없고 용납할 수 없다고 여길 정도로 경영진의 고의로 가득 차 있었습니다.

20 세기 위대한 피아니스트의 세기라고 안전하게 부를 수 있습니다. 한 기간에 너무 많은 사람들이 전에는 없었던 것 같습니다. Paderevsky, Hoffmann, Rachmaninov, Schnabel-세기 초, Richter, Gilels, Kempff-하반기. 목록은 끝이 없습니다 ...

XX-X의 차례에 나 세기 해석의 다양성이 너무 커서 때로는 이해하기가 전혀 쉽지 않습니다. 우리 시대는 공연 매너의 다양성입니다.

피아노 연주의 현대 미술. 이게 뭐야? 그 안에서 무슨 일이 일어나고, 무엇이 죽고, 무엇이 태어납니까?

일반적으로 오늘날 피아노 연주 예술의 경향은 50년 전과 달리 전체적인 개념보다 디테일을 우선시하는 경향이 있습니다. 현대 연주자들이 자신의 개성을 찾고자 하는 것은 미세 디테일에 대한 다양한 해석에 있습니다.

또한 무언의 수행 규칙이 존재합니다. “동성음은 없습니다. 전체 피아노 질감은 항상 다성적이며 입체적입니다. 기본 원칙은 이것과 관련이 있습니다. 각 손가락은 소리의 지속 시간과 품질을 담당하는 별도의 살아있는 특정 악기입니다.”(강의 인용-Mikhail Arkadiev의 강의).