르네상스 시대의 음악 문화와 교육. 부흥의 추상 음악 문화

XV-XVII 세기의 음악.

중세 시대에는 음악이 교회의 특권이었기 때문에 대부분의 음악 작품은 신성했으며 기독교 초기부터 종교의 일부였던 교회 찬송가(그레고리 성가)를 기반으로 했습니다. 6세기 초, 교황 그레고리오 1세가 직접 참여한 컬트 멜로디가 마침내 공식화되었습니다. 그레고리오 성가는 전문 성악가들이 연주했습니다. 교회 음악이 다성음악을 마스터한 후, 그레고리안 성가는 다성음악 컬트 작품(미사, 모테트 등)의 주제 기반으로 남았습니다.

중세 이후 르네상스는 음악가들에게 발견, 혁신 및 연구의 시대였으며, 음악과 그림에서 천문학과 수학에 이르기까지 삶의 모든 계층의 문화 및 과학적 표현의 르네상스였습니다.

대체로 음악은 종교적으로 남아 있었지만 사회에 대한 교회의 통제력이 약해지면서 작곡가와 연주자들이 재능을 발휘할 수 있는 더 큰 자유가 열렸습니다.

인쇄술의 발명으로 악보의 인쇄와 배포가 가능해졌고, 그 순간부터 우리가 클래식 음악이라고 부르는 것이 시작되었습니다.

이 기간 동안 새로운 악기가 등장했습니다. 가장 인기 있는 악기는 음악 애호가들이 특별한 기술 없이도 쉽고 간단하게 연주할 수 있는 악기였습니다.

이때 바이올린의 전신인 비올라가 등장했다. 프렛(프렛보드를 가로지르는 나무 조각)은 연주하기 쉬웠고 소리는 조용하고 부드러웠으며 작은 장소에서 잘 연주되었습니다.

또한 인기가 있었다 관악기- 리코더, 플룻, 호른. 가장 복잡한 음악은 새로 만든 하프시코드, 버지널(작은 크기가 특징인 영국식 하프시코드) 및 오르간을 위해 작곡되었습니다. 동시에 음악가들은 높은 연주 기술이 필요하지 않은 단순한 음악을 작곡하는 것을 잊지 않았습니다. 동시에 음악 작문에도 변화가 있었습니다. 무거운 나무 인쇄 블록은 이탈리아 Ottaviano Petrucci가 발명한 이동식 금속 문자로 대체되었습니다. 출판 된 뮤지컬 작품은 빠르게 매진되었고 점점 더 많은 사람들이 음악에 참여하기 시작했습니다.

꼭 봐야 할 것: 이탈리아 클래식 음악 역사의 주요 사건들.

갱생(프랑스 국민 르네상스)-XV-XVI 세기 서유럽의 문화 및 역사적 삶의 시대. (이탈리아 - XIV-XVI 세기). 이것은 자본주의 관계의 출현과 발전, 국가, 언어 및 민족 문화의 형성 기간입니다. 르네상스는 위대한 지리적 발견, 인쇄술의 발명, 과학의 발전의 시대입니다.

시대는 이름을 따서 명명되었습니다. 회복관심 고대 미술당시의 문화 인물에게 이상이 된 예술. 작곡가와 음악 이론가 - J. Tinktoris, J. Tsarlino 및 기타 - 고대 그리스 음악 논문을 연구했습니다. 미켈란젤로와 비교되는 Josquin Despres의 음악 작품에서 "고대 그리스인의 잃어버린 완벽함이 증가했습니다"; 16세기 말~17세기 초에 등장. 오페라는 고대 드라마의 패턴을 지향합니다.

르네상스 미술을 기반으로 인문주의(라틴어 "humanus"-인간적, 박애주의)-사람을 가장 높은 가치로 선포하고 현실 현상에 대한 자신의 평가에 대한 사람의 권리를 옹호하며 과학적 지식의 요구 사항과 예술에 대한 적절한 반영을 제시하는 견해 현실의 현상. 르네상스의 이데올로기들은 지상의 감정과 관심으로 가득 찬 인간이라는 새로운 이상으로 중세 신학에 반대했습니다. 동시에 이전 시대의 특징은 르네상스 예술에서 유지되었습니다 (본질적으로 세속적이기 때문에 중세 예술의 이미지를 사용했습니다).

르네상스는 또한 광범위한 반봉건 및 반가톨릭 종교 운동(체코 공화국의 후시즘, 독일의 루터교, 프랑스의 칼빈주의)의 시대였습니다. 이 모든 종교 운동은 공통 개념으로 통합됩니다. " 신교" (또는 " 개선»).

르네상스 시대에 예술(음악 포함)은 대단한 대중적 명성을 얻었고 매우 널리 퍼졌습니다. 미술(L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Bruegel 등), 건축(F. Brunelleschi, A. Palladio), 문학(Dante, F. Petrarch, F. Rabelais, M. Cervantes) , W. 셰익스피어), 음악.

르네상스 음악 문화의 특징:

급속 성장 속가음악 (광범위한 세속적 장르 : madrigals, frottols, villanelles, 프랑스어 "chansons", 영어 및 독일어 다성 노래), 세속적 인 것과 병행하여 존재했던 오래된 교회 음악 문화에 대한 맹공격;

실감나는음악 트렌드: 새로운 플롯, 인본주의적 관점에 해당하는 이미지 및 결과적으로 새로운 수단 음악적 표현력;

사람들 멜로디음악 작품의 시작 부분으로. 민요 cantus firmus(대위법 작품에서 변하지 않는 주된 테너 선율)와 대위법 음악(교회 음악 포함)으로 사용됩니다. 멜로디가 더 부드럽고, 더 유연하고, 선율적이 됩니다. 인간 경험의 직접적인 표현입니다.

강력한 개발 폴리포닉음악, 포함. 그리고 " 엄격한 스타일" (그렇지 않으면 - " 클래식 보컬 폴리포니", 왜냐하면 보컬 및 합창 연주에 중점을 둡니다.) 엄격한 스타일은 기존 규칙에 대한 의무적 준수를 의미합니다(엄격한 스타일 규범은 이탈리아 J. Carlino에 의해 공식화됨). 엄격한 스타일의 주인은 대위법, 모방 및 정경 기술을 마스터했습니다. 엄격한 작문은 온음계 교회 모드 시스템에 기반을 두고 있습니다. 자음이 조화를 이루며 불협화음의 사용은 특별 규칙에 의해 엄격히 제한되었습니다. 메이저 및 마이너 모드와 클록 시스템이 추가됩니다. 주제의 기초는 그레고리오 성가였지만 세속적 선율도 사용되었다. 엄격한 스타일의 개념은 르네상스의 모든 다성 음악을 포괄하지 않습니다. 주로 Palestrina와 O. Lasso의 폴리포니에 중점을 둡니다.

새로운 유형의 음악가 형성 - 전문적인, 종합 특수 음악 교육을받은 사람. "작곡가"라는 개념이 처음 등장합니다.

국립 음악 학교 설립(영어, 네덜란드어, 이탈리아어, 독일어 등);

첫 출연자 등장 류트, 비올, 바이올린, 하프시코드, 오르간;아마추어 음악 제작의 번성;

타이포그래피의 등장.

르네상스의 주요 음악 장르

르네상스의 주요 음악 이론가:

요하네스 틴토리스(1446~1511),

글라리안(1488~1563),

조셉포 칼리노(1517~1590).

전성기 르네상스 시대.

(1500년 이후 이탈리아 음악의 역사에서)

르네상스는 회화, 건축, 조각, 음악 등 예술의 모든 영역에서 변화의 시대입니다. 이 시기는 중세에서 현대로 넘어가는 과도기였다. 전성기 르네상스라고 불리는 1500년에서 1600년 사이의 기간은 화성이 발달하고 오페라가 탄생한 세기인 유럽 음악사에서 가장 혁명적인 시기이다.

16세기에 악보 인쇄가 처음으로 퍼졌고, 1501년 베네치아 인쇄업자인 Ottaviano Petrucci는 세속 음악의 첫 번째 주요 컬렉션인 Harmonice Musices Odhecaton을 출판했습니다. 그것은 음악 보급의 혁명이었고, 이탈리아인으로서 Petrucci가 주로 Franco-Flemish 작곡가의 음악을 포함했기 때문에 Franco-Flemish 스타일이 다음 세기에 유럽의 지배적인 음악 언어가 된 사실에 기여했습니다. 그의 컬렉션에서. 그 후 그는 세속적이든 영적이든 많은 작품과 이탈리아 작곡가를 출판했습니다.

이탈리아는 하프시코드와 바이올린 제작의 중심지가 됩니다. 많은 바이올린 워크샵이 열립니다. 최초의 거장 중 한 명은 크레모나 출신의 유명한 안드레아 아마티로 바이올린 제작자 왕조의 토대를 마련했습니다. 그는 기존 바이올린의 디자인을 크게 변경하여 사운드를 개선하고 현대적인 모습에 더 가깝게 만들었습니다.
Francesco Canova da Milano(1497 - 1543) - 탁월한 이탈리아 류트 연주자이자 르네상스 작곡가로, 거장 음악가의 나라로서 이탈리아의 명성을 얻었습니다. 그는 여전히 역대 최고의 류트 연주자로 여겨진다. 중세 후기가 쇠퇴한 후 음악은 문화의 중요한 요소가 되었습니다.
르네상스 시대에 마드리갈은 절정에 달했고 그 시대의 가장 인기 있는 음악 장르가 되었습니다. Madrigalists는 종종 중세 후기의 위대한 이탈리아 시인 Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio 등의 재 작업시를 사용하여 고급 예술을 창조하려고했습니다. madrigal의 가장 특징적인 특징은 엄격한 구조적 표준이 없다는 것이었고 주요 원칙은 생각과 감정의 자유로운 표현이었습니다.
베네치아파를 대표하는 키프리아노 데 로레, 프랑코 플랑드르파를 대표하는 롤랑 드 라수와 같은 작곡가들은 색채, 화성, 리듬, 질감 및 기타 음악적 표현 수단을 증가시키는 실험을 했습니다. 그들의 경험은 Carlo Gesualdo의 매너리즘 시대에 계속되고 절정에 달할 것입니다.
1558년 아리스토텔레스 시대부터 바로크 시대까지 가장 위대한 음악 이론가인 Josephfo Zarlino(1517-1590)는 하모니카의 기초를 만들었고, 16세기 음악 과학의 가장 큰 창조물에서 그는 고대 개념을 부활시켰습니다. 들리는 숫자의 크고 작은 트라이어드의 이론적 및 미학적 정당성을 입증했습니다. 음악에 대한 그의 가르침은 서유럽 음악 과학에 상당한 영향을 미쳤으며 이후 장조 및 단조의 수많은 특성의 기초를 형성했습니다.

오페라의 탄생 (플로렌스 카메라타)

르네상스의 끝은 가장 중요한 사건으로 표시되었습니다. 음악사- 오페라의 탄생.
인문주의자, 음악가, 시인 그룹이 그들의 지도자인 Giovanni De Bardi 백작(1534-1612)의 후원 아래 피렌체에 모였습니다. 이 그룹은 "kamerata"라고 불렸고 주요 구성원은 어린 시절 Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (천문학자 Galileo Galilei의 아버지), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri 및 Ottavio Rinuccini였습니다.
그룹의 첫 번째 기록된 회의는 1573년에 열렸으며 "Florence Camerata"의 가장 활동적인 해는 1577-1582년이었습니다.
그들은 음악이 "부패"했다고 믿었고 고대 그리스의 형식과 스타일로 돌아가려고 노력했으며 음악 예술이 향상될 수 있고 그에 따라 사회도 향상될 것이라고 믿었습니다. Camerata는 기존 음악이 텍스트의 명료성을 희생하고 작품의 시적 요소를 상실한 다성음의 과도한 사용을 비판하고 모노딕 스타일의 텍스트가 반주되는 새로운 음악 스타일의 생성을 제안했습니다. 기악. 그들의 실험은 Emilio de Cavalieri가 처음 사용한 레치타티브(recitative)라는 새로운 성악 및 음악적 형식을 만들어냈으며 이후 오페라의 발전과 직접적인 관련이 있었습니다.
16세기 말 작곡가들은 르네상스 양식의 경계를 넓히기 시작했고, 바로크 시대는 그것을 고유한 특성과 음악의 새로운 발견으로 대체하게 되었습니다. 그 중 한 명이 클라우디오 몬테베르디였습니다.

몬테베르디. Fiume Tranquillo의 프레소.

클라우디오 조반니 안토니오 몬테베르디(1567년 5월 15일 - 1643년 11월 29일) - 이탈리아 작곡가, 음악가, 가수. 바로크 시대의 가장 중요한 작곡가인 그의 작품은 종종 르네상스에서 바로크로의 음악 전환을 나타내는 혁명적인 것으로 간주됩니다. 그는 음악의 큰 변화의 시대에 살았고 그 시대를 바꾼 사람은 바로 그 자신이었다.

몬테베르디, 베니테, 베니테.

몬테베르디. 오페라 '오르페우스' 중에서

현대 표준을 충족하는 최초의 공식적으로 인정된 오페라는 1598년에 처음 발표된 오페라 "다프네"(다프네)였습니다. "다프네"의 저자는 오타비오 리누치니의 대본인 야코포 페리와 야코포 코르시였습니다. 이 오페라는 살아남지 못했습니다. 살아남은 최초의 오페라는 같은 작가인 Jacopo Peri와 Ottavio Rinuccini의 "Eurydice"(1600)입니다. 이 창조적인 조합은 여전히 ​​많은 작품을 만들었고 대부분은 사라졌습니다.

자코포 페리. Tu dormi, e I dolce sonno.

자코포 페리. Hor che gli augelli.

16세기 교회음악.

16세기는 가톨릭 교회와 종교 재판이 유럽의 예술과 과학 발전에 매우 강한 영향을 미쳤다는 특징이 있습니다. 1545년에 트리엔트 공의회가 열렸습니다. 이 공의회는 가톨릭 교회 역사상 가장 중요한 공의회 중 하나였으며 그 목적은 종교 개혁 운동에 대응하는 것이었습니다. 특히 이 성당에서는 교회 음악이 고려되었다.
일부 대표자들은 단일 그레고리 성가로 돌아가 성가에서 대위법을 배제하려고 했습니다. 이미 거의 모든 시퀀스를 포함하여 신성한 음악에서 다성 스타일을 사용하는 것을 암묵적으로 금지했습니다. 이 입장의 이유는 대위 신경총으로 인한 다성 음악이 텍스트를 배경으로 밀어 내고 작품의 음악적 조화도 침해한다는 믿음 때문이었습니다.
분쟁을 해결하기 위해 특별위원회가 구성되었습니다. 이 위원회는 교회 음악의 가장 위대한 작곡가 중 한 명인 Giovanni Pierluigi da Palestrina(1514-1594)에게 정당의 모든 요구 사항을 고려하여 시험 미사를 작곡하도록 의뢰했습니다. Palestrina는 젊었을 때 그의 후원자였던 교황 Marcellus II에게 헌정된 그의 가장 유명한 "Mass of Pope Marcellus"를 포함하여 3개의 6성 미사를 만들었습니다. 이 작품들은 성직자들에게 강한 영향을 미쳤고 분쟁을 종식 시켰고 교회 음악에서 대위법 사용에 반대하는 연설이 중단되었습니다.
Giovanni Pierluigi Palestrina의 작품은 콘트라푼탈 신성한 음악 아카펠라 개발의 정점으로, 동시 발음과 텍스트의 명확성의 모든 가능한 조합을 결합합니다.

팔레스트리나. 시컷 서버스.

팔레스트리나. 글로리아

초록: 르네상스 음악

교육을 위한 연방 기관

SEI HPE "마리 주립 대학"

초등학교 학부

특기: 050708

"교육학 및 초등 교육 방법"

부서 : "초등 교육 교육학"

시험

"르네상스 음악"

요시카르올라 2010

르네상스 시대 (르네상스)는 모든 유형의 예술의 전성기이자 고대 전통과 형식에 대한 인물의 매력입니다.

르네상스는 유럽의 여러 국가에서 고르지 않은 역사적 및 연대기 경계를 가지고 있습니다. 이탈리아에서는 14세기에, 네덜란드에서는 15세기에, 프랑스, ​​독일, 영국에서는 16세기에 그 징후가 가장 뚜렷하게 나타난다. 동시에, 서로 다른 창작 학교 간의 유대 관계 발전, 다른 나라로 이주하고 다른 예배당에서 일한 음악가 간의 경험 교환은 시대의 징표가 되고 있으며 전체에 공통된 추세에 대해 이야기할 수 있습니다. 연대.

르네상스의 예술 문화는 과학을 기반으로 한 개인적인 시작입니다. 15 ~ 16 세기 다 성음 연주자들의 비정상적으로 복잡한 기술, 그들의 거장 기술은 일상 무용의 밝은 예술, 세속적 장르의 정교함과 공존했습니다. 서정적 극주의는 그의 작품에서 점점 더 많이 표현되고 있습니다.

그래서 보시다시피 르네상스 시대는 음악 예술 발전사에서 어려운시기이므로 개인의 성격에주의를 기울이면서 더 자세히 고려하는 것이 합리적입니다.

음악은 유일한 세계 언어이며 번역할 필요가 없습니다. 영혼은 그 안에서 영혼에게 말합니다.

Averbakh Berthold.

르네상스 음악 또는 르네상스 음악은 약 1400년에서 1600년 사이의 유럽 음악 발전 기간을 말합니다. 이탈리아에서 시작 새로운 시대 XIV 세기에 음악 예술을 위해 왔습니다. 네덜란드 학교는 15세기에 형성되어 첫 번째 정점에 도달한 후 그 발전이 확대되었고 어떤 식으로든 영향력이 다른 국립 학교의 주인을 사로잡았습니다. 르네상스의 징후는 16세기 프랑스에서 분명하게 나타났지만, 르네상스의 창조적 업적은 이전 세기에도 훌륭하고 논쟁의 여지가 없었습니다.

에게 16세기르네상스 궤도에 포함된 독일, 영국 및 기타 일부 국가에서 예술의 부상을 나타냅니다. 그러나 시간이 지남에 따라 새로운 창의적 운동은 서유럽 전체에 결정적이었으며 동유럽 국가에서 자체 방식으로 대응했습니다.

르네상스의 음악은 거칠고 거친 소리에 완전히 이질적인 것으로 밝혀졌습니다. 조화의 법칙이 그 주요 본질을 구성했습니다.

선두자리는 여전했다 영적인 음악, 교회 예배 중에 들립니다. 르네상스 시대에 그녀는 중세 음악의 주요 주제, 즉 주님과 세상의 창조주에 대한 찬양, 종교적 감정의 거룩함과 순결을 보존했습니다. 이론가 중 한 사람이 말했듯이 그러한 음악의 주요 목표는 "신을 기쁘게하는 것"입니다.

미사, 모테트, 찬송가 및 시편은 음악 문화의 기초를 형성했습니다.

대량의 - 작곡, 라틴 의식의 가톨릭 전례 부분 모음으로, 그 텍스트는 단음 또는 다성 노래를 위한 음악으로 설정되어 있습니다. 악기또는 예를 들어 스웨덴 교회와 같은 로마 카톨릭 교회와 높은 방향의 개신교 교회에서 엄숙한 예배의 음악 반주를 위해.

음악적 가치가 있는 미사도 예배가 아닌 콘서트에서 연주되며, 더욱이 후기의 많은 미사는 콘서트 홀에서 연주하거나 일종의 축하 행사를 위해 특별히 작곡되었습니다.

그레고리안 성가의 전통적인 선율로 거슬러 올라가는 교회 미사는 음악 문화의 본질을 가장 잘 표현했다. 중세 시대와 마찬가지로 미사는 다섯 부분으로 구성되었지만 이제는 더 웅장하고 대규모가되었습니다. 세상은 더 이상 인간에게 그렇게 작고 관찰할 수 있는 것처럼 보이지 않았습니다. 평소 생활지상의 기쁨으로 이미 죄로 간주되지 않았습니다.

모테트(fr. 모테트~에서 경구-단어)-서유럽 중세와 르네상스 음악의 중심 장르 중 하나인 다성창고의 성대 다성 작품.

Anthem(고대 그리스어 ὕμνος)은 누군가 또는 무언가(원래는 신)를 찬양하고 찬양하는 엄숙한 노래입니다.

시편(그리스어 ψαλμός " 찬송가”), r.p. 시편, pl. 시편(그리스어 ψαλμοί)은 유대교 찬송가(히브리어 תהילים )와 기독교 종교 시 및 기도(구약성서에서 유래)입니다.

그들은 구약성서 19번째 책인 시편을 구성합니다. 시편의 저자는 전통적으로 다윗 왕(기원전 1000년경)과 아브라함, 모세 및 기타 전설적인 인물을 포함한 여러 다른 저자의 것으로 여겨집니다.

전체적으로 시편에는기도, 찬양, 노래 및 가르침으로 나누어 진 150 개의 시편이 포함되어 있습니다.

시편은 민담에 큰 영향을 미쳤으며 많은 잠언의 원천이 되었습니다. 유대교에서는 시편을 반주와 함께 찬송가 형식으로 불렀습니다. 일반적으로 각 시편에는 연주 방법과 "모델"(그레고리오 성가에서 억양이라고 함), 즉 해당 곡이 표시되었습니다. 시편은 기독교에서 중요한 위치를 차지했습니다. 시편은 신성한 봉사, 가정기도, 전투 전 및 대형 이동 중에 불려졌습니다. 처음에는 교회 공동체 전체가 노래를 불렀습니다. 시편은 아카펠라로 불렀고 집에서만 악기 사용이 허용되었습니다. 공연의 형식은 암송-시편이었다. 전체 시편 외에도 개별적이고 가장 표현적인 구절도 사용되었습니다. 이를 바탕으로 안티 폰, 점진적, 경로 및 할렐루야와 같은 독립적 인 성가가 생겼습니다.

점차 세속적 경향이 교회 작곡가들의 작품에 침투하기 시작했습니다. 테마는 교회 찬송가의 다성적 구성에 대담하게 도입됩니다. 민요전혀 종교적이지 않습니다. 그러나 지금은 시대의 일반적인 정신과 정서와 모순되지 않았습니다. 그에 반해 음악에서는 기적적으로신성과 인간을 하나로 합쳤습니다.

신성한 음악은 15세기에 절정에 달했습니다. 네덜란드에서. 여기서 음악은 다른 형태의 예술보다 더 존경 받았습니다. 네덜란드와 플랑드르 작곡가들이 새로운 규칙을 개척했습니다. 폴리포닉(폴리포닉) 퍼포먼스 - 클래식 " 엄격한 스타일". 네덜란드 거장들의 가장 중요한 작곡 기법은 모방- 같은 멜로디의 반복 다른 목소리. 주역은 테너로, 주요 반복 멜로디인 cantus firmus(변하지 않는 멜로디)를 담당했습니다. 베이스는 테너 아래에서, 알토는 위에서 들렸습니다. 가장 높은 것, 즉 무엇보다 우뚝 솟은 소리를 불렀다. 소프라노.

수학적 계산의 도움으로 네덜란드와 플랑드르 작곡가는 조합 공식을 계산했습니다. 음정. 작문의 주요 목표는 조화롭고 대칭적이며 웅장하고 내부적으로 완전한 건전한 구조를 만드는 것입니다. 이 학교의 가장 뛰어난 대표자 중 한 명인 Johannes Okeghem(c. 1425-1497)은 수학적 계산을 기반으로 36개의 목소리로 모테트를 작곡했습니다!

Okeghem의 작품에는 미사, 모테트, 샹송 등 네덜란드 유파의 모든 특징적인 장르가 표현되어 있습니다. 그에게 가장 중요한 장르는 미사이며 그는 자신이 뛰어난 폴리포니스트임을 증명했습니다. Okeghem의 음악은 매우 역동적이고 멜로디 라인이 광범위하게 움직이고 진폭이 넓습니다. 동시에 Okeghem은 부드러운 억양, 가장 순수한 온음계 및 고대 모달 사고가 특징입니다. 따라서 Okeghem의 음악은 종종 "무한대를 겨냥한", 다소 분리된 비유적 환경에서 "떠다니는" 것으로 특징지어집니다. 텍스트와 관련이 적고 성가가 풍부하고 즉흥적이며 표현력이 풍부합니다.

Okeghem의 저작 중 살아남은 것은 거의 없습니다.

약 14 덩어리(전체 11개):

· Requiem Missa pro Defunctis(세계 음악 문학 역사상 최초의 다성 레퀴엠);

9-13(다양한 출처에 따라) 모테트:

20 샹송 이상

Okegem의 소유권이 의심되는 작품이 많이 있으며, 그중에는 36개의 성부를 위한 유명한 모테트 "Deo gratias"가 있습니다. 일부 익명의 샹송은 스타일의 유사성을 기반으로 Okegem에 기인합니다.

Okeghem의 13개 미사는 Chigi 코덱스로 알려진 15세기 원고에 보존되어 있습니다.

미사 중에는 4부 미사가 우세하며, 5부 미사가 2개, 8부 미사가 1개 있다. Ockeghem은 포크("L'homme armé"), 자신의("Ma mastresse") 멜로디 또는 다른 작가의 멜로디를 미사 주제로 사용합니다(예: "De plus en plus"의 Benchois). 차용된 주제가 없는 미사가 있습니다("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

모테트와 샹송

Okeghem의 모테트와 샹송은 그의 미사에 바로 인접해 있으며 주로 음계가 다릅니다. 모테트 중에는 웅장하고 축제적인 작품과 더 엄격한 영적 합창 작곡이 있습니다.

가장 유명한 것은 축제 감사 모테트 "Deo gratias"로, 4개의 9성부 구성으로 작성되어 36성부로 간주됩니다. 사실, 그것은 4개의 9개 부분으로 구성된 표준(4개의 서로 다른 주제에 대한)으로 구성되어 있으며, 이전 항목의 결론에서 다음 시작 부분이 약간 겹치면서 차례로 이어집니다. 오버더빙에는 18개의 목소리가 있지만 모테트에는 실제 36개의 목소리가 없습니다.

덜 흥미로운 것은 네덜란드 작곡가 Orlando Lasso (c. 1532-1594)의 작품으로 컬트 및 세속적 성격의 2,000 개 이상의 작품을 만들었습니다.

Lasso는 당시 가장 많은 작품을 남긴 작곡가입니다. 막대한 양의 유산으로 인해 그의 작품 (대부분 의뢰됨)의 예술적 중요성은 아직 충분히 평가되지 않았습니다.

그는 60개 이상의 미사, 진혼곡, 열정의 4주기(모든 전도자에 따르면), 성주간 오피시오스(Maundy 목요일, 성금요일, 좋은 토요일), 100개 이상의 magnificats, 찬송가, faubourdons, 약 150개의 프랑스어. 샹송(수잔나에 관한 성경 이야기를 의역한 그의 샹송 "Susanne un jour"는 16세기에 가장 인기 있는 연극 중 하나였습니다), 이탈리아어(빌라넬, 모레스크, 칸초네) 및 독일 노래(140개 이상의 가곡), 약 250마드리갈.

Lasso는 가장 상세한 텍스트 개발로 구별됩니다. 다른 언어들, 전례 (성경 본문 포함) 및 자유롭게 구성됩니다. 개념의 진지함과 드라마, 긴 책은 "성 베드로의 눈물"(1595년에 출판된 루이지 트란질로의 시에 대한 7음성 영적 마드리갈의 순환)과 "다윗의 참회 시편"(의 원고 삶에 대한 귀중한 도상 자료를 제공하는 G. Milich의 삽화로 장식된 Folio 형식의 1571. 뮤지컬 엔터테인먼트, 바이에른 법원).

그러나 세속 음악에서 Lasso는 유머에 익숙하지 않았습니다. 예를 들어, "잔치에서 세 사람의 술이 분배됩니다"(Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) 샹송에서 Vagantes의 삶에 대한 오래된 일화가 다시 언급됩니다. 유명한 노래 "Matona mia cara"에서 독일 군인이 사랑의 세레나데를 부르며 이탈리아어 단어를 엉망으로 만듭니다. 애국가 "Ut queant laxis"에서 불행한 솔페깅이 모방됩니다. Lasso의 여러 밝은 짧은 연극은 매우 경솔한 구절에 쓰여 있습니다. 예를 들어 샹송 "성에서 관심을 가지고 본 여인 / 대리석 조각상을 본 자연"(En un chasteau ma dame ...) 및 일부 노래(특히 관습)에는 외설적인 어휘가 포함되어 있습니다.

세속 음악르네상스는 madrigals, 노래, canzones와 같은 다양한 장르로 표현되었습니다. "교회의 종"이 아닌 음악은 이제 라틴어가 아닌 모국어로 들리기 시작했습니다. 가장 인기있는 세속 음악 장르는 madrigals (이탈리아어 Madrigal-모국어로 된 노래)-사랑 내용의 가사시의 텍스트에 쓰여진 다성 합창 작곡입니다. 대부분의 경우 Dante, Francesco Petrarch 및 Torquato Tasso와 같은 유명한 거장의 시가 이러한 목적으로 사용되었습니다. Madrigals는 전문 가수가 아니라 전체 아마추어 앙상블이 연주했으며 각 부분은 한 가수가 이끌었습니다. madrigal의 주된 분위기는 슬픔, 우울, 우울이지만 즐겁고 활기찬 구성도 있습니다.

현대 음악 문화 연구자 D.K. 키르나르스카야 노트:

Madrigal은 전체를 돌렸다 음악 시스템르네상스 시대: 매스의 고르고 조화로운 멜로디 가소성이 무너졌습니다... 음악 전체의 기초인 변하지 않는 cantus firmus도 사라졌습니다... "엄격한 작문"을 발전시키는 일반적인 방법은... 감정에 자리를 내주었습니다. 그리고 가능한 한 표현력있게 텍스트에 포함 된 시적 생각을 전달하려고 노력한 에피소드의 멜로디 대조. Madrigal은 마침내 "엄격한 스타일"의 약화 세력을 훼손했습니다.

덜 인기있는 세속 음악 장르는 악기와 함께하는 노래였습니다. 교회에서 연주되는 음악과 달리 노래는 아주 단순하게 연주되었습니다. 그들의 운율 텍스트는 4-6행 연으로 명확하게 구분되었습니다. 마드리갈에서와 마찬가지로 노래에서 텍스트는 매우 중요해졌습니다. 연주할 때 다성부 노래에서 시적 대사를 잃어서는 안 됩니다. 노래는 유명했다 프랑스 작곡가클레멘트 재네퀸(c.1485-1558). Clement Janequin은 익명의 시인인 Pierre Ronsard, Clement Marot, M. de Saint-Gele의 시에 약 250개의 샹송을 썼는데, 대부분 4성부였습니다. 40개의 추가 샹송과 관련하여 현대 과학은 Janequin의 저자에 대해 이의를 제기합니다(그러나 이 경쟁 음악 자체의 품질을 감소시키지는 않습니다). 그의 세속적 다성 음악의 주요 특징은 프로그램적이고 회화적이다. 청취자의 마음의 눈 앞에는 전투 사진 ( "Battle of Marignano", "Battle of Renty", "Battle of Metz"), 사냥 장면 ( "Birdsong", "Nightingale Singing", "Lark"), 매일 장면 ( "여성의 채팅"). Janequin은 노점상들의 외침이 들리는 샹송 "Cries of Paris"에서 파리의 일상적인 분위기를 생생하게 전달합니다 ( "Milk!" - "Pies!" - "Artichokes!" - "Fish!" - "Matches !" - "비둘기!" - "낡은 신발!" - "와인!"). 질감과 리듬의 모든 독창성과 함께 하모니와 대위법 분야에서 Janequin의 음악은 매우 전통적입니다.

르네상스는 시작을 알렸다 전문 작곡가 창의성. 이 새로운 경향의 눈에 띄는 대표자는 의심할 여지 없이 Palestrina(1525-1594)입니다. 그의 유산에는 93개의 미사곡, 326개의 찬송가 및 모테트 등 많은 종교 및 세속 음악 작품이 포함되어 있습니다. 그는 Petrarch의 말에 대한 두 권의 세속 madrigals의 저자입니다. 오랫동안 그는 로마의 성 베드로 대성당에서 합창단 지휘자로 일했습니다. 그가 만든 교회 음악은 순수함과 감정의 고상함으로 구별됩니다. 작곡가의 세속 음악은 특별한 영성과 조화로 가득 차 있습니다.

우리는 형성에 르네상스를 빚지고 있습니다 기악독립적인 예술 형식으로. 이때 수많은 기악곡, 변주곡, 전주곡, 환상곡, 론도, 토카타 등이 등장한다. 악기 중에서는 오르간, 하프시코드, 비올라, 각종 플루트가 특히 인기가 있으며 16세기 말에 유행하였다. - 바이올린.

르네상스는 독창, 오라토리오 및 오페라와 같은 새로운 음악 장르의 출현으로 끝납니다. 이전에 사원이 음악 문화의 중심이었다면 그 이후로 오페라 하우스에서 음악이 들렸습니다. 그리고 이런 일이 일어났습니다.

XVI 세기 말 이탈리아 도시 피렌체에서. 모이기 시작했다 재능있는 시인, 배우, 과학자 및 음악가. 그런 다음 그들 중 누구도 발견에 대해 생각하지 않았습니다. 그러나 연극과 음악 예술에 진정한 혁명을 일으킬 운명은 바로 그들이었습니다. 고대 그리스 극작가의 작품 제작을 재개하면서 그들은 고대 드라마의 본질에 해당하는 자신의 음악을 작곡하기 시작했습니다.

회원 카메라(이 사회가 불렸던 것처럼) 신화 속 인물의 독백과 대화의 음악 반주를 신중하게 생각했습니다. 배우들은 대사를 연기해야 ​​했습니다. 암송(낭독, 노래 연설). 그리고 그 단어가 음악과 관련하여 주도적인 역할을 계속했지만, 그들의 융합과 조화로운 융합을 향한 첫 걸음을 내디뎠습니다. 이러한 공연을 통해 사람의 내면 세계의 풍요 로움, 개인적인 경험 및 감정을 더 많이 전달할 수있었습니다. 이러한 보컬 파트를 바탕으로 생겨난 아리아- 오페라를 포함한 뮤지컬 공연에서 완성된 에피소드.

오페라 하우스는 빠르게 사랑을 얻었고 이탈리아뿐만 아니라 다른 유럽 국가에서도 인기를 얻었습니다.

사용 문헌 목록

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3) 르네상스 음악 아카이브의 자료: http://manfredina.ru/

제1장 르네상스 음악문화와 예술의 특징

1.1 르네상스 문화의 철학적, 미적 특징

르네상스 또는 르네상스 (fr. 르네상스), - 전환점위대한 발견의 시대인 유럽 민족의 역사에서. 르네상스는 세계 문화사에서 새로운 단계의 시작을 의미합니다. F. Engels가 지적한 이 단계는 당시까지 인류가 경험한 모든 것 중 가장 큰 진보적 격변이었습니다. 그리고 실제로 르네상스는 경제, 과학, 문화의 다양한 영역에서 중요한 변화를 가져왔고 세계를 이해하는 새로운 방식을 열었으며 그 안에서 인간의 위치를 ​​결정했습니다.

이탈리아에서는 XIII-XIV 세기의 전환기에 이미 다른 유럽 국가에서 새로운 경향이 나타났습니다. XV-XVI 세기. 이 시대는 봉건제에서 자본주의로의 전환, 지리적 발견, 무역, 개인 사업, 계급 제한으로부터의 인간 해방을 특징으로 합니다. 그리고 또한 르네상스 시대에 현대 과학, 특히 자연 과학이 탄생했습니다. 프란시스 베이컨의 기초인 레오나르도 다빈치의 뛰어난 과학적 추측, 코페르니쿠스의 천문학 이론, 콜럼버스와 마젤란의 지리적 발견을 회상하는 것으로 충분합니다.

의심 할 여지없이이 모든 것이 세계관의 본질에 영향을 미칠 수밖에 없습니다. 르네상스는 무엇보다도 존재하는 모든 것에 대한 평가와 그와 관련된 가치 체계에서 혁명입니다. 사람이 최고의 가치라는 확신이 있고 인본주의 철학이 탄생합니다. 휴머니즘은 세계에 대한 새로운 이해를 바탕으로 성장한 미학적 범주에 대한 완전히 새로운 해석을 제시합니다.

중심 범주 중 하나는 "조화"의 개념이었습니다. 르네상스의 미학은 자연, 존재, 인간에 대한 새로운 이해를 바탕으로 조화에 대한 다른 생각을 발전시킵니다. 중세 시대에 이상의 단순한 각인이 조화를 이루고 있다고 본다면, 창의성, 신성한 아름다움, 르네상스의 미적 의식에서 조화는 무엇보다도 자연 자체의 창조적 잠재력의 발전, 신체적, 영적, 이상 및 물질의 변증법적 통일성으로 나타납니다.

인문주의자들은 고대에 조화로운 인간의 이상을 찾았고, 고대 그리스와 로마 예술예술적 창의성의 모델이되었습니다. 그러나 르네상스의 미학에 대해 말하면 고대의 지원에도 불구하고 여전히 르네상스와 다르다는 사실에 주목할 필요가 있습니다. 르네상스 미학은 고대보다 나쁘지 않은 자연의 모방을 설교하지만 이러한 부흥주의 모방 이론을 살펴보면 전경에서 예술가, 성격, 감정만큼 자연이 아니라는 것을 알 수 있습니다. 첫째, 작가는 자신의 미적 취향을 바탕으로 자연의 특정 과정을 선택하고 나서야 예술적 가공을 거친다. 르네상스 이론가들은 다음과 같은 비교를 추적할 수 있습니다. 예술가는 신이 세상을 창조한 것처럼 창조해야 하며, 그보다 훨씬 더 완벽해야 합니다.

따라서 르네상스는 고대의 교훈을 사용하여 혁신을 도입했습니다. 그는 모든 고대 장르를 되살린 것이 아니라 그의 시대와 문화의 염원과 조화를 이룬 장르만을 되살렸습니다. 르네상스는 고대에 대한 새로운 해석과 기독교에 대한 새로운 해석을 결합했습니다. 르네상스는 이 두 가지 기본 원칙을 더 가깝게 만들었습니다. 유럽 ​​문화.

인간의 존엄성에 관한 그의 유명한 연설에서 피코는 신이 인간의 위치를 ​​결정하지 않았다고 말했습니다. 자신의 의지당신의 의지와 결정에 따라. 다른 창작물의 이미지는 당사가 제정한 법률의 범위 내에서 결정됩니다. 그러나 어떤 한계에도 구속되지 않는 당신은 당신의 결정에 따라 당신의 이미지를 결정할 것입니다. 여기에서 이탈리아 사상가는 사람을 세상의 중심에 둡니다. 이것은 자신의 특별한 본성을 가지고 있지 않은 사람이며 주변의 모든 것과 마찬가지로 스스로 형성해야합니다.

따라서 르네상스에서 가장 중요한 것은 문화와 사회에서 인간의 개성을 증진하고 승인하는 것이며, 이는 다양한 형태의 부흥주의적 인간 중심주의를 낳습니다. 인간 중심주의는 사람뿐만 아니라 능동적이고 능동적 인 원칙으로서의 사람을 전면에 내세웠습니다. 창의적이고 능동적인 재료 원칙에 대한 이 모든 주장의 결과로 점차적으로 나타나기 시작했습니다. 새 이미지인간, 그의 새로운 유형 - "호모 파베르" - "인간 창조자", "인간 창조자". 그것은 새로운 유럽의 성격 감각의 기초 형성이 일어나는 곳입니다. 자율적 인 개인 주의적 성격, 자신의 가치를 의식하고 활동적이며 자유가 필요한 것입니다. 지금부터 인간의 성격, 전체가 아닌 세계가 처음으로 세계 인식 시스템 형성의 출발점이됩니다.

특별한 밝음과 함께 새로운 세계관의 징후가 나타났고 예술적 창의성, 르네상스가 만들어 낸 "마음의 혁명"이 매우 중요한 것으로 판명 된 다양한 예술의 진보적 운동에서.

르네상스 시대에 예술은 문화에서 예외적인 역할을 했으며 그 시대의 얼굴을 결정하는 데 큰 역할을 했습니다. 휴머니즘의 "부활주의적" 이해는 그 시대의 예술에 엄청난 신선한 에너지를 쏟아부었고, 예술가들이 새로운 주제를 찾도록 영감을 주었으며, 이미지의 본질과 작품의 내용을 크게 결정했다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 중세 문화는 교회 교리와 스콜라주의에서 벗어난 새롭고 세속적이며 인본주의적인 문화로 대체되었습니다.

르네상스 예술은 문학, 연극, 순수 예술에서 사실주의와 휴머니즘의 원칙을 주장하는 것이 특징입니다. 르네상스 미술은 우선 휴머니즘에 기반을 둔 세속적 예술로서 종교적 관념을 대체하고 실생활에 대한 흥미를 불러일으키며 개인의 개별적 정체성을 드러내고 사회적으로 전형적이고 특징적인 특징을 드러낸다. 사람.

회화, 그래픽, 조각, 건축, 음악 등 모든 주요 예술 형식이 엄청나게 변화하고 있습니다. 르네상스의 문화적 기념물에 대한 분석은 봉건적 세계관의 가장 중요한 많은 원칙에서 벗어났다는 것을 증명합니다. 점차 교회 이데올로기에서 벗어나고 있는 예술 작품의 창작자에게 가장 가치 있는 것은 사물에 대한 예리한 예술적 견해, 직업적 독립성, 특별한 기술이며 그의 창작물은 신성한 성격이 아닌 자급 자족을 얻습니다.

르네상스 예술의 특징적인 특징은 사실적인 회화의 전례없는 번영이었습니다. 르네상스의 사실적인 초상화는 Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Raphael, Dürer, Titian과 같은 유명한 예술가들의 작품과 관련이 있습니다. 초상화에는 개인의 다양성과 밝음이 정상적인 발전 사회의 필수 특성이라는 의식, 개인 긍정의 파토스가 스며든다. 회화가 처음으로 삶의 넓은 범위, 인간 활동 및 주변 생활 환경의 묘사에 대한 고유한 가능성을 드러낸 것은 르네상스 시대였습니다. 지상의 모든 것에 대한 중세의 금욕주의와 경멸은 이제 현실 세계, 인간, 자연의 아름다움과 웅장함에 대한 의식에 대한 열렬한 관심으로 대체되고 있습니다.

과학의 발전은 일반적으로 예술뿐만 아니라 회화에도 매우 중요하다는 점에 유의해야 합니다. 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 얽히기 시작합니다. 세계와 인간의 진정한 이미지는 그들의 지식에 기초해야 했기 때문에 인지 원리는 특히 이 시대의 예술에서 중요한 역할을 했습니다. 과학에 대한 열정은 화가가 사람과 그를 둘러싼 현실을 진정으로 묘사하는 데 필요한 인체 해부학의 숙달, 사실적인 관점의 개발, 공기 환경의 장엄한 전달, 각도를 만드는 기술에 기여했습니다. 제작 새로운 시스템인간의 감각 지각, 주로 시각적 지각에 대한 신뢰를 기반으로 하는 세계에 대한 예술적 비전. 우리가 보는 것처럼 환경과 일치하여 묘사하는 것이 르네상스 예술가의 초기 원칙입니다.

후기 르네상스 시대에는 브러시 스트로크에 직접적인 감정적 표현력을 부여하는 기술 시스템의 개발, 봉헌 효과 전달의 숙달, 가벼운 공기 원근법의 원리 이해로 보완되었습니다. 관점 이론의 창시자는 Masaccio, Alberti, Leonardo da Vinci와 같은 유명한 예술가입니다. 원근법의 발견은 적지 않은 중요성을 지니며, 묘사된 현상의 범위를 공간, 풍경, 건축 등으로 확장하는 데 도움을 주었다.

르네상스 문화의 진보적 인본주의적 내용은 고대 연극의 영향을 크게 받은 연극 예술에서도 생생하게 표현되었다. 그는 강력한 개성을 부여받은 사람의 내면 세계에 대한 관심이 특징입니다. 고유 한 특징르네상스의 연극 예술은 민속 예술의 전통, 삶을 긍정하는 파토스, 비극과 희극, 시적 요소와 익살스러운 요소의 대담한 조합의 발전이었습니다. 이탈리아, 스페인, 영국의 극장입니다.

건축에서 삶을 긍정하는 인본주의의 이상, 조화롭게 명확한 형태의 아름다움에 대한 열망은 다른 예술 형식보다 적지 않은 영향을 미쳤으며 건축 발전에 결정적인 전환을 가져 왔습니다. 고전적 전통에 대한 호소가 특히 중요한 역할을 했습니다. 그것은 고딕 양식의 거부와 고대 질서 체계의 부흥뿐만 아니라 쉽게 볼 수 있는 내부 공간을 가진 사원 건축의 중심 유형 건물의 개발에서 비율의 고전적 비례성에서도 나타납니다.

세속적 건물이 널리 개발되었으며 시청, 상인 길드의 집, 대학, 시장 분수대와 같은 다양한 도시 건물입니다. 동시에 도시의 사회적 요구에 부응하는 건축물과 함께 부유한 시민의 거주지인 중세 시대에 비해 완전히 새로운 유형의 건축물이 등장하고 있습니다. 당시 귀족들의 궁전을 지배하던 축제 분위기. 따라서 르네상스의 예술은 인식하고 전시하려는 새로운 발전 단계에 진입했습니다. 현실 세계, 새로운 방법과 기술을 통한 아름다움, 풍부함, 다양성.

1.2 르네상스 미술 시스템에서 음악의 위치

르네상스의 특징 인 조화의 본질과 본질에 대한 새로운 철학적, 미학적 이해 인 예술 발전의 일반 법칙도 음악에서 나타났습니다. 그 당시의 다른 형태의 예술과 마찬가지로 음악도 창의적인 힘, 인본주의적 경향의 적극적인 고조가 특징입니다.

이 기간 동안의 음악은 예술 체계에서 특별한 위치를 차지하여 회화에만 지배적 위치를 양보했다는 점에 유의해야 합니다. Leonardo da Vinci에 따르면 음악은 "그림의 여동생"일 뿐이며 심지어 그녀를 섬겼습니다. "그림은 음악을 능가하고 지배한다", "음악은 그림의 하인이다".

위대한 예술가의 정의에 동의하지 않을 수 없습니다. 음악은 실제로 예술 시스템의 첫 번째 위치와는 거리가 멀었지만 그럼에도 불구하고 르네상스 문화에서 큰 역할을했으며 후속 개발에 각인을 남겼습니다. 둘 다 일반적으로 음악 문화와 예술 분야에서. 르네상스의 음악 문화는 중세 시대에서 새로운 시대로, 이 예술이 새로운 방식으로 들리고 인식되는 시대로의 일종의 전환입니다.

아마도 음악은 아마도 특히 사회적 영향의 광범위한 가능성을 가지고 있었을 것입니다; 그것은 다른 예술보다 더 만연했습니다: 일반 사람들의 삶의 변함없는 부분, 많은 그룹의 재산, 그것은 중세 음악과 크게 구별됩니다. . 출발 중세 전통 Ramis da Pareja의 논문 "Practical Music"에서 가장 유형적입니다. Ramis는 다음과 같이 말합니다. “철학의 위대함, 산술의 복잡성 또는 비율의 복잡성을 두려워하지 마십시오. 박식한 음악가. 우리는 철학자나 수학자뿐만 아니라 가르치는 임무를 스스로 설정했습니다. 문법의 기초에 익숙한 사람이라면 누구나 우리의 이 작업을 이해할 것입니다. 여기서 쥐와 코끼리는 같은 방식으로 헤엄칠 수 있습니다. 그리고 날아가서 다이달로스와 이카루스." 이 논문에서 라미스는 날카롭게 비판한다. 중세 음악, 이론가들은 음악가, 즉 전문가와 과학자를 위해서만 작곡을 썼고 그의 의견으로는 음악이 더 넓은 인구를 다루어야한다고 제안합니다. 의심 할 여지없이 Ramis의 작업은 동시대 사람들에게 큰 영향을 미쳤으며 중세의 전통이 크게 훼손되었으며 중세에서 새로운 시대로, 르네상스로의 전환이 진행 중입니다.

인본주의적 세계관을 지닌 르네상스는 음악 문화에 막대한 영향을 미쳤다. 뮤지컬 예술에서 인본주의는 무엇보다도 사람의 감정을 깊게하고 그 뒤에 숨겨진 새로운 미적 가치를 인식하는 것을 의미했습니다. 이것은 음악적 특수성의 가장 강력한 속성을 식별하고 구현하는 데 기여했습니다. 초기 르네상스의 가장 뚜렷한 특징은 XIV 세기의 이탈리아 Ars nova 예술에서 발견되었으며 주요 대표자는 Francesco Landino였습니다. 그의 작품에서는 컬트 음악의 이미지와 미학의 범위를 깨고 무엇보다도 더 이상 라틴어로 쓰여지지 않은 민요에 의존하는 세속적 전문 예술에 중점을 둡니다. 국어.

앞으로 음악 예술 분야의 변화의 물결이 다른 유럽 국가를 휩쓸었습니다. 프랑스 음악에서는 다성 노래가 등장했습니다. 샹송, 대표자 : K. Zhaneken, K. de Sermisi, G. Kotelet 및 기타; 이 장르는 포크-일상 장르로 스며들었고, 교회 음악에서 급격히 벗어난 것을 증언하는 사실적인 프로그램 묘사에 끌렸습니다. 스페인의 음악에서 빌란시코와 로맨스와 같은 민속 기원의 노래 장르는 르네상스적 특징으로 표시됩니다. 독일 전문 음악은 조화로운 합창 창고를 향해 끌리는 테너의 메인 멜로디가있는 다 성음 노래가 특징입니다.

르네상스 시대에는 보컬 장르와의 연결을 유지하면서 기악의 집중적 인 개발이 시작됩니다. 영적 음악에 대한 민속 예술의 영향력은 특히 체코 공화국의 후스파 찬송가, 독일의 프로테스탄트 성가, 프랑스의 위그노 시편에 생명을 불어넣은 반가톨릭 종교 개혁 운동의 영향을 받는 국가에서 증가하고 있습니다. 그러나 교회는 공식 이데올로기의 지휘자로서 강력한 조직 센터의 역할을 계속했으며 대부분의 전문 작곡가를 키 웠습니다.

그러나 그럼에도 불구하고 진보된 세속 성악 및 성악 기악 장르는 점점 더 큰 소리로 더 많은 권리를 선언했습니다. 중요한 장소음악 문화에서 그들은 그들과 가까운 교회 음악의 대중, 모테트 및 장르를 대체하려고 노력했습니다. 이것은 이러한 장르가 교회(잘 조직된 성가대 예배당의 뛰어난 연주에서) 또는 특정 왕, 왕자, 공작의 궁정(수단을 통한 예술적 전달에서)을 위한 (모테트) 의도라는 사실 때문이었습니다. of a court chapel)은 자신의 개성을 표현하는 데 별로 도움이 되지 않았다. 시간이 지남에 따라 인본주의 계에서 다른 미적 분위기가 발전했을 때 서정과 드라마는 처음에는 이탈리아 마드리갈에서, 그리고 나서 새로운 장르의 초기 예인 "음악에 대한 드라마", 즉 , 이탈리아 오페라.

이탈리아어, 독일어 및 영어 madrigal 및 노래 장르는 르네상스 인본주의 예술의 특징 인 개인의 내면 세계에 대한 관심을 분명히 반영했습니다. 음악의 진보된 사실적 경향의 중요한 표현은 새로운 플롯, 새로운 음악 및 시적 이미지의 생성뿐만 아니라 음악적 표현 수단의 광범위한 변화였습니다. 포크 멜로디는 작곡가 음악의 많은 장르에 나타납니다. 민요는 cantus firmus(다성부 작품의 맨 아래에서 두 번째 성부에 들어간 반복적으로 반복되는 선율의 기초)와 다성음악에서 사용된다. 추가 개발서유럽의 폴리포니는 당시 폴리포닉 음악의 정점 중 하나인 소위 "엄격한 스타일"의 패턴을 개발하고 통합했습니다. 엄격한 스타일은 오늘날까지 다성음악의 역사에서 필수적인 단계입니다.

고급 음악의 주된 주요 성과는 전체 억양-멜로디 개발, 부드러움, 유연성, 선율의 새로운 특성이었습니다. 인간 경험의 가장 생생한 표현 인 과거에 비해 "큰 호흡"멜로디의 일반화 정도가 더 중요합니다.

르네상스 음악 문화의 위대한 업적은 악기(비올라, 거문고, 감바, 바이올린)에서 "노래"를 허용하는 새로운 종류의 멜로디 현악기를 기반으로 한 기악의 발전이었습니다. 코드-하모닉 진행과 관련하여 건반 악기(오르간, 클라비코드, 하프시코드)의 표현 가능성 확장. 류트도 빠르게 발전하고 있습니다. 일상 및 콘서트 음악 제작을 위한 가장 일반적인 악기 중 하나입니다.

또한 르네상스 시대에는 노래를 배우고, 오르간을 연주하고, 음악 이론유아기부터 교양과목을 제작하여 체계적으로 향상 음악적 능력재학생.

이것은 새로운 유형의 음악가가 형성되는 방식입니다. 귀족의 아마추어가 아니라 저글러와 스터드 맨이 아니라 특별한 음악 교육을받은 전문가입니다.

음악적 전문성의 통합은 훌륭한 교육 기회가 있는 도시 음악 문화의 가장 큰 중심지에서 형성된 우수 국립 음악 학교의 창설로 이어졌습니다. 서유럽의 초기 형태 중 하나는 영국의 다성음악으로, 15세기 전반기에 Dönstepl의 작품에서 급속히 발전하고 번성했습니다. 가장 영향력 있는 것은 네덜란드 또는 프랑코 플랑드르 학파였습니다. 유명한 작곡가 G. Dufay, J. Okegema, J. Obrecht, O. Lasso. 다양한 국가에서 일하면서 그들은 네덜란드, 독일어, 프랑스어, 이탈리아어, 영어와 같은 여러 국가 음악 문화의 기능을 결합하여 르네상스 기능이 명확하게 표현되는 주로 합창과 같은 고도로 발전된 폴리포닉 스타일을 만들었습니다.

16세기 중반까지 네덜란드 폴리포니스트의 직계 후계자와 선도적인 유럽 작곡가 학교반종교 개혁의 영향을 반영하는 특징과 르네상스 특징이 결합된 작품에서 Palestrina가 이끄는 로마 학파가 되고, 베네치아 학교이미 바로크 양식의 기능을 갖춘 D. Gabrieli가 이끄는. 국립 학교는 작곡에 일관성과 통일성을 부여한 새로운 음악적 수단을 사용하는 것이 특징이었습니다. 작곡에 일관성과 통일성을 부여한 주요 음악적 수단은 모방, 즉 다른 성부가 연주하기 직전에 들어오는 성부가 멜로디를 반복하는 것입니다. 학교에는 표준, 순환 모방, 증가, 감소와 같은 독특한 유형의 모방이 있었으며 이후에 가장 높은 대위법 형식 인 푸가로 이어졌습니다.

제시된 국립 학교의 스타일은 K. Morales 및 T. Victoria (스페인), W. Byrd 및 T. Tallis (영국), 폴란드의 M. Zalensky 및 기타 여러 국가의 뛰어난 다 성음 연주자의 작품에 반영되었습니다. .

따라서 음악은 그 특이성과 사회에서의 존재 조건에 따라 르네상스 예술 중에서 다소 특별한 위치를 차지했습니다. 그럼에도 불구하고 그녀는 그 시대의 예술이었고 그것을 표현했으며 그 특징의 어려움과 모순을 경험했으며 그에 따라 자신의 스타일을 개발했으며 이전에는 상상할 수 없었던 승리를 거두었고 새로운 창조적 성공을 거두었습니다.

제2장 르네상스 시대의 무용문화

2.1 음악과 춤: 상호작용의 측면

그래서 음악 문화는 르네상스 예술과 문화에서 특별한 위치를 차지했습니다. 음악을 생각하면 그 다양한 영역을 언급하지 않을 수 없다. 이러한 영역 중 하나는 춤의 예술입니다.

춤 - 예술적 이미지가 조형적인 움직임과 리드미컬하게 명확하고 지속적인 인체 표현 위치의 변화를 통해 생성되는 일종의 예술입니다. 음악과 춤은 수세기 동안 활발하게 상호 작용해 왔다는 점에 유의해야 합니다. 춤은 안무 구성, 동작으로 구현되는 음악, 정서적 및 비 유적 콘텐츠와 불가분의 관계가 있습니다. , 수치.

고대부터 우리는 음악, 시, 춤의 일종의 합성을 발견했습니다. 그리스인들에게는 그것들이 서로 다른 예술이 아니라 하나의 통일된 전체였습니다. 이 통합 된 예술을 지정하기 위해 "chorea"라는 단어가 사용되었는데, 이는 러시아어로 입력 된 "chorus"라는 단어에서 유래했으며 이는 집단 춤만큼 집단 노래를 의미하지 않습니다. 앞으로 "무도"라는 단어는 안무로 변형되어 춤 자체 또는 더 정확하게는 춤을 구성하는 예술을 나타 내기 시작했습니다.

중세 시대에는 보다 복잡한 기법과 형식을 포괄하는 음악과 춤의 관계의 특징도 드러나고 댄스 음악은 주로 기악이 된다. 그 구조와 다른 특징에 대한 주된 영향은 안무에 의해 발휘되기 시작하는데, 안무는 무용수의 움직임의 균일성과 주기성이 점점 더 증가하는 것이 특징입니다. 댄스 리듬은 듣기만을 위한 기악 장르에 쉽게 침투합니다. 이러한 춤의 경우 음악적 언어의 상당한 복잡성이 특징적입니다. 개발을 통한 역할이 증가하고 시퀀스, 폴리포닉 기술에 의한 댄스주기 구조의 위반이 있습니다. 결과적으로 음악 문화와 춤 사이의 더 깊은 연결은 더욱 복잡하고 구체적입니다.

르네상스 시대에 음악과 춤의 거대한 변화가 일어났습니다. 댄스, 댄스 음악은 르네상스 문화의 가장 중요한 층입니다. 르네상스 시대의 음악 예술의 발전은 무용의 발전과 밀접한 관련이 있었는데, 이는 거의 모든 주요 작곡가들이 작곡에서 무용에 초점을 맞추었기 때문입니다. 댄스 리듬은 듣기만을 위한 기악 장르에 침투합니다. Pavane, galliard, gigue, chimes, volta 및 기타 유형의 민속 무용은 거장 작곡의 재료가되었습니다. 멜로디의 유연성, 기간의 명확성 및 동기의 지속적인 연결이 개발되었습니다. 음악가들은 기악 장르를 위해 민요와 ​​춤에서 멜로디와 리듬을 차용하는데, 이는 모음곡과 같은 음악 문화 작품에서 특히 분명하게 볼 수 있습니다.

~에 첫 단계개발 과정에서 모음곡의 음악에는 적용된 특성이 있습니다. 그들은 그것에 맞춰 춤을 췄습니다. 그것은 류트와 나중에는 클라비에와 관현악 무용 작품의 일종의 조합이었습니다. 15~16세기에 모음곡의 원형은 궁정 행렬과 의식에 수반되는 3개 이상의 일련의 춤(다양한 악기를 위한)과 대조되는 춤(파반-갈리아르, 파사메초-살타렐로 등)의 쌍 조합이었습니다. .). 댄스 모음곡의 가장 전형적인 기초는 I.Ya. 그러나 모음곡 주기의 드라마투르기를 발전시키기 위해서는 일상적인 춤에서 어느 정도 제거가 필요했습니다. 이 전환점은 르네상스에서 발생하며, 그때서야 ​​가장 명확하게 반영됩니다. 음악 XVII세기. 17세기 중반 이후 무용 모음곡은 그 응용 목적을 상실하고 주로 partita(독일어)라는 명칭으로 존재하게 되었고, 레슨(영어), 발레토, 소나타 다 카메라, 순서(프랑스어), 때로는 "클래비어 조각 모음"으로. 따라서 음악과의 변형 및 상호 작용을 통해 음악 예술의 일부가 되고 소나타 형식의 형성에 영향을 미칩니다. 이 장르의 예술적 절정은 J. S. 바흐(프랑스와 영국 모음곡, 클라비에를 위한 파르티타, 바이올린과 첼로 독주를 위한 것)와 G. F. 헨델(17개의 클라비에 모음곡)에 의해 달성되었습니다.

다른 측면에 관해서는 우선 댄스 음악이 호모포닉-하모닉 창고의 형성에 미친 영향을 주목할 가치가 있다. 다성 교회 폴리포니의 한가운데서 전문 예술이 동성애-조화적 사고, 명확하게 구분되고 주제별로 밝은 멜로디, 주기적 리듬이 나오는 것은 그녀와 함께합니다. 음조 조직의 형성이 있습니다 (예를 들어, 그 당시 새로운 주요 모드는 르네상스 무용에서 처음으로 확립되었습니다.

댄스 음악은 모든 고전 예술의 기반이 되는 많은 주요 기악 형식(시대, 단순한 3성부 형식, 변주, 순환)의 기원입니다. 기악의 해방은 주로 댄스 문학(새로운 장르 등장), 독립적인 클라비에(나중에 피아노), 류트 및 오케스트라 스타일의 형성과 관련이 있습니다. 에서 캡처한 풍부한 댄스 이미지 고전 음악, 거대한. 그리고 이것은 놀라운 일이 아닙니다. 결국 노래 민속과 함께 댄스 리듬과 억양의 비 유적 구현은 음악 예술의 현실적인 기반을 강화하는 데 중요한 역할을합니다. 작곡가는 변함없이 얼굴 표정, 몸짓, 춤 동작의 가소성을 구현하거나 작품에서 행진하며 오페라 작곡을 포함한 기악 (챔버, 교향곡) 및 보컬을 만들 때 댄스 음악으로 전환합니다.

따라서 르네상스 시대부터 시작된 서유럽의 음악문화에서 춤의 중요한 역할을 주목해야 한다. 춤의 리듬은 주요 작곡가들을 매료시켰고, 그러한 리듬에 기초한 음악은 차례로 춤의 연습과 이론에 영향을 미쳤다. 음악은 춤이 자신의 발견을 따르고, 새로운 것을 흡수하고, 다른 예술 형식과 상호 작용하도록 요구했습니다. 이러한 변화의 증거는 새로운 발전 경로에서 무용 예술 형성의 상징으로 르네상스 무용에 의해 우리에게 제공됩니다.

2.2 자기결정권의 변방 안무

르네상스의 다른 유형의 예술 중에서 춤이 눈에 띄기 시작합니다. 춤은 특히 인기를 얻고 전례없는 발전을 이룹니다. 이전 시대에 춤이 컬트 또는 일반 엔터테인먼트의 일부에 불과했다면 르네상스에서 안무 예술은 새로운 기능, 춤에 대한 새로운 태도를 갖습니다. 중세의 특징 인이 직업의 죄악, 무가치 함, 르네상스 시대에는 세속적 인 삶의 필수 액세서리로 바뀌고 예의 바르고 교육받은 사람에게 가장 필요한 기술 중 하나가됩니다 (숙련 된 기술과 함께) 검의 소유, 말을 타는 능력, 유쾌하고 정중하게 말하는 능력, 미묘하게 연설하는 것). 춤은 일반적인 변형 과정으로 흘러갑니다. 음악의 영향으로 전문 예술로 변합니다.

안무는 자기 결정의 길에 착수하고 있습니다. 예술은 간소화되고 특정 규칙과 규범을 설정하고 기술을 연마하고 구조적 형태, 중세에 시작된 민속 (농민)과 궁정 (고귀한 봉건) 춤이 계속됩니다. 이 과정은 점진적으로 진행되었고 사회 계층화의 증가와 그로 인한 평범한 사람들과 귀족의 삶의 방식 사이의 차이와 관련이 있었습니다. Kurt Sachs는 "자발성은 지나갔습니다. "라고 썼습니다. – 궁정무용과 민속무용이 완전히 분리되었습니다. 그들은 끊임없이 서로에게 영향을 미치겠지만 그들의 목표는 근본적으로 달라졌습니다.

민속무용이 여유롭고 거친 성격을 유지한다면 궁중무용의 스타일은 점점 더 엄숙하고 측정되며 다소 소박해집니다. 이것은 몇 가지 요인 때문이었습니다. 첫째, 봉건 영주의 무성하고 무거운 의복 스타일은 활기차고 격렬한 움직임과 갑작스러운 점프를 배제했습니다. 둘째, 매너, 행동 규칙 및 모든 댄스 에티켓에 대한 엄격한 규제로 인해 무언극 및 즉흥적 요소가 댄스에서 제외됩니다.

춤의 기술에 상당한 변화가 있습니다. 춤의 움직임과 리듬 사이의 균형, 휴식에서 움직임으로, 휴식에서 긴장으로 진동하는 기간, 한 춤의 리듬 교체가 주문됩니다. 또한 공연 기법이 변경되었습니다. 라운드 댄스와 선형 랭크 구성의 댄스는 다소 솔직한 러브 게임의 성격을 가진 복잡한 동작과 인물을 기반으로하는 페어드 (듀엣) 댄스로 대체됩니다. 안무 패턴의 기본은 움직임의 성격과 참가자 수에 따라 에피소드의 급격한 변화입니다.

댄스 에티켓을 규제해야 할 필요성은 전문 댄스 마스터 간부를 형성하는 데 기여합니다. 댄스 마스터는 특권 사회에서 부지런하고 시간을 엄수하여 연구하는 표준 형식의 댄스를 만듭니다. 이것은 움직임이 체계화되고 댄스 구성을 수정하려는 시도가 이루어지는 교과서에 의해 크게 촉진됩니다. 무용의 역사에서 이 순간의 중요성을 주장하면서 Kurt Sachs는 특히 전문 무용 교육이 시작된 북부 이탈리아에 주목합니다. 그리고 실제로 가장 웅장한 무용 예술은 이탈리아에서 번성합니다. 15-16세기 피렌체의 공은 화려함, 광채, 독창성의 한 예입니다. 이탈리아 무용 교사들이 여러 나라에 초청됩니다. "전문 무용수들은 방황하는 마임과 비열한 저글러들이었습니다. 그는 왕자들의 동반자였으며 때로는 절친한 친구였습니다. 조용한 춤으로 신부를 소개하는 것이 관례였던 베네치아 결혼식에서 그는 아버지 대신 공연을 할 수 있었다. 선생님들은 특히 춤을 가르치는 학교를 만드는 데 관심이 많았습니다. 그리고 이미 15 세기에 이탈리아에 특수 학교가 나타 났고 댄스 교사의 직업이 확고하게 자리 잡았습니다. 따라서 15세기에 그랬던 것처럼 16세기에 이탈리아가 춤의 여왕이었을 가능성이 있습니다.

Piacenza의 Domenico는 최초의 이탈리아 무용 예술 이론가로 간주됩니다. XIV-XV 세기의 전환기에 Domenico da Piacenza는 "On the Art of Dance and Dance"라는 논문을 작성했습니다. 이 책은 두 부분으로 구성되어 있습니다. 첫 번째 부분은 춤 전체에 할애되며 측정, 품행, 플랫폼 분할, 기억 및 고도의 다섯 가지 요소를 정의합니다. 측정은 음악의 빠른 움직임과 느린 움직임을 연결하는 주요 원리입니다. 군무의 구성을 위해서는 장소의 구분이 필수적이다. 실제로 춤을 추려면 기억력이 필요합니다. 홀딩 방식은 움직이지 않는 구식 형태에서 춤을 해방시킵니다. Elevation은 댄스 기술의 개발을 위해 설계되었습니다. 논문의 다른 부분은 기본 동작의 범주를 설정합니다. 여기에서 그는 움직임을 인공과 자연의 두 가지 유형으로 나눕니다. 자연스러운 동작 - 단순 및 이중 스텝, 고상한 자세, 회전 및 반 회전, 활과 점프. 인공적인 움직임에는 발 차기, 다지기 단계 및 가변 다리로 점프가 포함됩니다.

또한 무용 예술에 관한 논문을 작곡 한 또 다른 이론가이자 무용 교사 인 Guglielmo Embreo에 주목할 가치가 있습니다. 그의 논문에서 그는 또한 음악이 정한 척도로 움직임을 조정하라고 조언합니다. 그는 배운 춤에서 성공하기 위해 준수해야 하는 속도에 대한 콘트로 템포라는 용어를 도입합니다. 또한 그는 템포 사이를 이동하고 한 춤에서 다른 춤으로 이동하는 능력을 의미하는 아리아의 개념을 제시합니다. Guglielmo의 작품을 과대 평가하는 것은 불가능합니다. 그는 춤을 다른 사람만큼 숭고하고 중요하며 인간 본성에 대한 것 이상으로 "자유로운 사고 과학"이라고 선언했을 때 르네상스의 인본주의 적 세계관을 표현했습니다.

16세기 안무에 관한 이탈리아 작품 중 1581년에 출판된 Fabrizio Caroso의 저서 The Dancer는 주목할 만하다. 이 책은 사교 댄스를위한 일종의 매뉴얼이지만 이러한 규칙은 무대 댄스에서도 사용되었지만 더 대표적인 단계가 우세했습니다. 책에서 그는 춤뿐만 아니라 그것을 구성하는 동작까지 체계화하려고 노력한다. 예를 들어, 그는 curtsies를 "important"( "grave"), "small"( "minima"), "medium"( "semiminima")로 나눕니다. "중간" curtsy에는 점프가 포함되었습니다. 다양한 음악적 리듬에 따른 춤의 변주와 일관되게 코로소는 이미 고전무용의 1, 3, 4위에 가까운 자세는 물론 피루엣, 스키드(엔트레차)를 포함한 다양한 형태의 점프를 사용했다. 댄스 기술에는 saut de noeud (매듭 점프)와 같은 곡예 동작이 포함되었지만 나중에이 기술은 사라졌습니다. 새로운 기법을 통해 Coroso는 음악에 따라 5, 6, 심지어 10개의 파트로 발레를 작곡할 수 있었습니다. Caroso는 댄서의 진화가 고대 versification의 크기와 일치해야한다고 요구했으며 dactyl, sapphic stanza, spodei를 언급했습니다. 그는 "Ovid의 구절에 따라 수학적 정확성으로 연주되는"무료 앙상블 인 춤에 대해 썼습니다.

Caroso는 의심 할 여지없이 발레, 기술 및 성능 개발의 토대를 마련했습니다. 당연히 첫 발레 공연은 이탈리아에서 나타났습니다. 예를 들어, 1489년에 Lombard Bergonzo di Bota는 밀라노 공작 Galazo Visconti의 결혼을 기리기 위해 춤과 노래, 음악, 암송이 번갈아 가며 펼쳐지는 웅장한 연극 축제를 만들었습니다. 이탈리아 안무는 최초의 프랑스 발레에 큰 영향을 미쳤다. 16세기 말에 발레 공연은 춤, 노래, 시적 암송, 복잡하고 웅장한 장식을 통해 드러나는 완전한 줄거리와 함께 등장했습니다. 젊은 이탈리아 발레의 경험, 교육적 방법 및 안무 작업은 많은 유럽 국가에서 받아 들여졌습니다. 따라서 르네상스 시대에는 이미 발레의 시작에 대해 말할 수 있습니다.

또 다른 유명한 작가"춤의 예술"에 대해 - Tuano Arbo - 프랑스 작가, 신부. 춤의 발전에 대한 그의 공헌은 이탈리아 무용의 대가 못지않게 중요합니다. Tuano Arbaud의 "Orchezography"는 16세기 프랑스 베이스 댄스에 대한 정보를 담고 있는 가장 유명한 논문입니다. Arbo는 중세 무용을 복원하고 새로운 방식으로 재 설계하려고 노력하고 있으며 여기에서 최초의 무용 재건 전문가로서의 명성이 탄생했습니다.

요약하면 무용 예술은 다른 유형의 예술과 동등하며 어떤 식으로도 열등하지 않다고 말할 수 있습니다. 춤은 양식화되어 시스템으로 가져옵니다. 인체의 무한한 가능성이 열리고 있습니다. 춤은 현실을 말하는 것에서 추상적인 생각을 표현하는 것으로 옮겨간다. 또한-법원 공연에서 연극 무용에 이르기까지.

르네상스 시대에 춤은 사회적 오락과 의사소통의 수단이 되었습니다. 16세기 말, 모든 사람들은 숙녀의 우아함과 매력, 신사의 힘과 기량을 보여주기 위한 장난기 넘치는 유혹의 수단으로 사회에 춤이 필요하다고 믿었습니다. 일반 및 개인의 모든 중요한 행사를 계기로 무도회가 마련되었습니다. 각 참가자의 아름다움과 세련미는 축제 분위기를 조성하고 소유자의 높은 사회 정치적 지위를 확인하고 결혼을 촉진하는 데 중요했으며 당시 사회 구조를 유지하는 데 매우 중요했습니다. 춤의 능력은 많은 스승의 지도 아래 일상적인 연습으로 그들을 모방한 귀족과 중산층에 의해 연마되었습니다. 왕실에는 안무가가있었습니다. 무용 교사는 남녀 모두에게 춤을 가르치고 일반적으로 광경을 연출했습니다.

그래서 전문 댄스모든 종류의 안경에 들어가기 시작했습니다. 중세 시대에 "신성한 행위"를 목적으로 한 춤은 세속적 인 축제가 열리기 전인 15 세기에 퇴각했습니다. 그 당시 그들은 가장 무도회를 좋아했습니다. 이 시대에는 가면이 특히 중요했습니다. 댄스는 또한 댄스 캐릭터의 전체 공연이 펼쳐지는 거리 행렬에 참여했습니다. 더 자주, 그러한 거리 행렬은 르네상스 시대에 전형적인 신화의 내용 인 이교도 이야기를 고대로 바뀌는 시대로 해석했습니다.

카니발은 또한 대중의 오락으로서 춤에 큰 공헌을 했다. 이들 중 가장 장엄한 것은 승리(trionfi)로, 신화적 주제에 대해 능숙하게 실행된 풍경과 함께 공연되었습니다. 다소 겸손한 것은 카레 (carri, 이탈리아 carro- "wagon")-장인과 상인의 가장 무도회 이탈리아 도시: 여기서 가면을 쓴 사람들의 무리가 그들의 직업의 장식적인 상징 뒤로 행진했습니다. 음악, 노래, 낭송, 판토마임, 춤이 섞인 광경에는 엄숙한 식사와 다양한 궁중 잔치가 수반되었습니다.

그러나 여전히 르네상스의 춤은 단순한 오락보다 훨씬 넓습니다. 현재 춤이 사람의 영적, 육체적 상태에 미치는 가장 깊은 영향에 대한 고대의 생각이 되살아나고 있습니다. 수많은 무용 논문의 페이지에는 무용이 결코 순수한 가소성이 아니라 영적 움직임을 반영하는 방법이라는 생각이 자주 표현됩니다. 프랑스 음악 이론가, 철학자, 물리학자, 수학자 M. Mersenne은 그의 작품 중 하나에서 "춤의 최고 완성도는 정신과 신체를 개선하고 가능한 한 최상의 위치로 가져오는 것"이라고 썼습니다. 종종 춤은 고대와 마찬가지로 우주론적

의미. 무용 예술 문제에 대한 관심과 인식이 성직자 인 abbot de Pure, canon Arbaud, Menetrier 사제에 의해 드러난 것은 우연이 아닙니다.

2.3 댄스 아트의 장르 팔레트

르네상스 시대의 무용에 대한 새로운 태도는 수많은 무용 장르를 탄생시켰습니다. 다양한 음악 컬렉션, 실용적인 가이드 및 논문에 배치된 작품의 제목으로 판단하면 그림이 유난히 다양합니다. 일부 춤은 빠르게 유행에서 벗어납니다. 한 세기에 등장한 다른 것들은 다른 세기에서 그 중요성을 유지합니다 (예 : Saltarello, Bass Dance, Branle). 일부는 시간이 지남에 따라 안무의 성격과 스타일을 바꿉니다.

각 주마다 고유한 춤과 고유한 공연 스타일이 있습니다. Noverre는 Burre Dance의 발상지가 Auvergne 인 Angouleme에서 미뉴에트가 우리에게 왔다고 썼습니다. 리옹에서 그들은 탬버린인 프로방스에서 가보트의 첫 번째 기초를 발견할 것입니다.

그래서 이 시간의 모든 일상 춤은 Bassa danza (French basses danses), 즉 점프가없고 다리가 거의 바닥 위로 올라가지 않는 "낮은"춤의 두 가지 주요 그룹으로 나뉩니다 (pavane, allemande, chimes, sarabande 등); Alta danza (French haute danses)-즉, 댄서들이 빙빙 돌고 튀는 라운드 댄스의 "하이"댄스 (moreska, galliard, volta, saltarello, 다양한 종류의 branles 등)

초기 르네상스 시대에는 느리고 더 활기찬 움직임의 춤 (bassa danza와 alta danza)의 반대가 특징적입니다. 그것은 이미 중세 후기에 등장한 무도회와 신흥 전문 음악 모두에서 발견됩니다. 14세기에서 15세기 초반의 음악 소스에서 2개의 댄스 그룹이 일반적입니다. 각 쌍의 첫 번째 댄스는 고른 박자 기호와 느린 템포로 유지되고 두 번째 댄스는 3비트 박자 기호와 빠른 템포. 다른 것보다 pavan-galliard passamezzo-saltarello 쌍이 일반적이었습니다. 그들은 서로 상호 작용했지만 그럼에도 불구하고 개별 특성을 유지했습니다.

그 시대의 무용 예술 장르에 관해서는 상당히 많았지 만 가장 인기있는 것은베이스 댄스, 파반, 차임, 브랜, 모레 스카, 갈리아드, 살타 렐로, 볼타였습니다. 각 춤의 특수성이 무엇인지 이해하기 위해서는 그들의 기술과 해석을 참고할 필요가 있다.

베이스 댄스(French basse danse - "low dance") - 보통 또는 적당히 느린 속도로, 일반적으로 프랑스, ​​이탈리아, 네덜란드에서 후반부 사이에 일반적으로 사용되는 4박자 크기의 궁정 춤의 총칭 XIV 및 중간 XVI 세기. 이름의 기원은 완전히 명확하지 않습니다. 아마도 그것은 낮은 음역 악기에서 이러한 춤의 음악을 연주하는 관행과 아마도 베이스 댄스에서 댄서의 높은 점프가 없는 것과 관련이 있을 것입니다. "하이 댄스"(French-haute danse, Italian-alta danza)의 특징 인 빠른 파스 및 점프 동작이 없기 때문에베이스 댄스는 종종 "promenade"라고 불 렸습니다. 구도는 둥근 춤, 행렬의 형태로 만들 수 있습니다. 베이스 댄스는 무용수들이 모인 사회에 자신을 보여주고 그들의 부, 의상의 화려 함, 매너의 고상함을 보여주는 작은 안무 구성이었습니다. K. Sachs에 따르면 15세기에 베이스 댄스는 “… 만화경의 색상처럼 가지각색으로 그는 매번 새로운 움직임을 결합했습니다. 베이스 댄스 음악은 본질적으로 종종 코랄이며 일반적으로 cantus firmus를 기반으로 즉흥 연주되었습니다. 자유 안무도 임의 개수의 섹션이 있는 열린(open) 음악적 구조에 해당했다. 베이스 댄스를 연주하기 위해 류트, 하프 및 드럼과 같은 다양한 악기 구성이 사용되었습니다. 트롬본, 스네어 드럼이 있는 플루트 등 초기 기악 모음곡에는 베이스 댄스가 파트 중 하나로 포함되었습니다. 베이스 댄스의 종류: Bassadans- 15세기에 유행했던 보다 세련된 이탈리아 버전의 베이스 댄스. 보다 모바일 속도가 다릅니다. 맥주 - 15세기 이탈리아 춤의 속도는 Bassadans보다 훨씬 빠르며, 16세기까지 "맥주"라는 이름은 빠른 3비트 춤으로 보호되었으며, 그 전에는 pavane과 saltarello가 자주 공연되었습니다.

파바나- 엄숙한 슬로우 댄스. 이 춤의 기원은 매우 모호합니다. 한 버전에 따르면 pavane은 이탈리아 고유의 춤이고 그 이름은 원산지 인 Padua와 관련이 있으며 다른 버전에 따르면 pavane은 스페인 출신의 춤입니다. . "padovana"라는 용어가 파바나와 그 다양성을 결합한 특정 유형의 춤인 passamezzo와 같은 일반적인 개념을 나타내는 단어로도 사용되었다고 믿을만한 이유가 있습니다.

이미 16세기 초에 파반느는 가장 인기 있는 궁중 춤 중 하나가 되었습니다. 신부가 교회로 떠날 때, 성직자가 종교 행렬을 행할 때, 왕자, 시 정부 구성원이 떠났습니다. Pavane 음악은 다음과 같은 특징이 있습니다. 구조의 명확성, 종종 메트로 리듬 구조의 직각성, 주로 화음 표시, 때로는 악절로 채색됩니다.

파반의 연주에는 탬버린, 플루트, 오보에, 트롬본이 동반되었고 춤의 리듬을 강조하는 드럼이 뒷받침되었다는 증거가 있습니다. 각 국가에서 동작의 특성과 파반을 수행하는 방식은 고유한 특징이 있습니다. 16세기 후반에 파반느는 유럽에서 실질적으로 사용되지 않게 되었지만 1620년대 중반까지 남아 있었습니다. 영국에서 가장 인기 있는 춤 중 하나. 기악 파반은 영국의 처녀주의자들의 작업에서 그 서광을 맞이했습니다. 관련 파반은 다음과 같습니다. 파바닐라- 17세기 전반에 이탈리아에서 유행했던 기악춤은 성격과 속도 면에서 더 생동감이 넘쳤다. 파두아나 -그것은 르네상스 말기에 널리 퍼졌고 17 세기의 특징이었습니다. 적어도 두 가지 다른 춤이 그렇게 불 렸습니다. 파사메조- 이탈리아 무용은 파반느와 달리 이동 속도가 더 빠릅니다. 말 그대로 "1.5 단계의 춤"으로 번역되며, 이는 파반보다 그의 움직임이 더 빠르다는 것을 나타냅니다. 화성적 반주 계획의 특성에 따라 "old"(antico)와 "modern"(moderno)의 두 가지 가장 일반적인 유형이 있습니다.

용기- 물의 흐름, 부드럽고 균일함을 의미하는 이탈리아 단어 corrente에서 유래한 이탈리아 출신의 궁정 춤. 춤의 구성 패턴은 일반적으로 타원형을 따르지만 길쭉한 사각형이나 팔각형이 될 수도 있으므로 15 세기에 존재했던 이탈리아 피바 춤의 특징 인 지그재그 움직임을 만들 수 있습니다. 차임벨은 단순하면서도 복잡했습니다. 첫 번째 단계는 단순하고 활공하는 단계로 주로 앞으로 수행됩니다. 복잡한 차임은 무언극의 성격을 가졌습니다. 세 명의 신사가 세 명의 숙녀를 댄스에 초대하고 숙녀를 홀 반대편 구석으로 데려가 춤을 추도록 요청했고 숙녀는 거절했고 신사는 거절했지만 떠났습니다. 그런 다음 다시 돌아와 숙녀들 앞에 무릎을 꿇었습니다. 무언극 장면이 끝난 후에야 춤이 시작되었습니다. 복잡한 차임에서 움직임은 앞으로, 뒤로, 옆으로 수행되었습니다. 16세기 중반에 춤의 판토마임 부분이 사라졌습니다. Courante는 박자표를 여러 번 변경했습니다. 처음에는 2/4였지만 나중에는 3배가 되었습니다.

브랑레- 원래 민속 라운드 댄스, 나중에는 볼룸, 15-17 세기 궁정 댄스. 프랑스어로 흔들림, 둥근 춤을 의미하는 branle이라는 단어는 몸을 흔드는 주요 동작 중 하나를 특징 짓습니다. 템포의 크기, 안무 (단순 발레, 더블 볼, 발레 댄서, 신발 발레, 토치가있는 발레, 키스가있는 발레 등) 및 지역 변형 (B. from 샴페인의 Poitou, B.). 춤의 속도는 적당히 빠르고 활기차다. 크기는 일반적으로 2비트, 때로는 3비트(점프와 스윙을 포함하는 "jolly branle"에서) 및 4비트(샴페인에서)입니다. Folk branle - 활기차고, 성급하고, 쫓기고, 무도회장 - 더 부드럽고 차분하며 많은 굴곡이 있습니다. 때때로 노래(코러스가 있는 구절)와 민속 악기(파이프, 플루트, 탬버린, 백파이프). 15세기에는 베이스 댄스의 마지막 부분으로 공연되었는데, 아마도 거기서 유래했을 것입니다. 안무 측면에서 볼 때, 특히 음악 반주가 다소 단조로운 탬버린 비트, 플루트 소리 및 댄서의 단조로운 노래로 구성되어 있었기 때문에 안무 측면에서 여전히 매우 원시적이었습니다. 그러나 동시에 Branle은 이후 등장한 모든 살롱 댄스의 주요 소스였으며 볼룸 안무의 발전에 큰 역할을했습니다.

모레스카 -(모레스카(이탈리아어) - 문자 그대로 "Moorish", morisdance - 영어 morris dance에서) - 뮤지컬 - 댄스 장면. 그 장면은 기독교인과 무어인의 투쟁을 상징적으로 재현했다. 이탈리아에서는 이 춤을 "Morisca"라고 불렀고, 세례를 받고 기독교로 개종한 무어인에게 같은 이름이 붙여졌습니다. 스페인에서 시작된 모레스카는 원래 민속춤이었으며 두 그룹이 춤을 추었습니다. 르네상스 시대에 모레스카는 가장 인기 있는 춤 중 하나였으며, 다양한 도시 연극의 볼거리와 신흥 예술가들의 공연의 일부가 되었습니다. 뮤지컬 극장. 그곳에서 그녀는 민속 놀이의 원래 특징을 잃고 (그러나 무어의 가면은 유지하면서) 점차 엄숙하고 종종 호전적인 성격의 춤으로 변합니다. 나중에 17 세기에 moresca라는 용어는 오페라에서 발레 또는 판토마임 댄스를 나타 냈습니다. 예를 들어 Monteverdi는 오페라 "Orpheus"-1607의 피날레에 moresca를 도입했습니다.

갈리아드(gagliarda, ital. 쾌활하고 대담하고 쾌활함)-XV-XVII 세기 후반의 로마네스크 기원의 오래된 춤. 분명히 그것은 북부 이탈리아에서 왔으며 다양한 지역과 도시에서 현지 관습과 관습의 흔적을 남겼습니다. 이것은 민속 안무에서 비롯된 명랑하고 활기찬 춤이지만, 농민 춤의 특징을 유지하면서 특권층 사이에서 가장 널리 퍼졌지만 점프와 갑작스러운 움직임, 종종 농담 이름 ( "크레인 스텝", "카우 킥")이 있습니다. . 종소리처럼 그것은 일종의 대화의 성격을 가졌습니다. 소규모 오케스트라 앙상블을 반주하거나 류트와 기타를 연주합니다. 16세기의 갤리어드는 3미터 정도 되는 것이 특징이며, 적당히 빠른 속도, 화음 창고, 온음계. 일반적으로 느린 4박자 파반느 이후에 연주되며 선율과

메트릭 패턴. 느린 4비트 파반과 빠른 3비트 갈리아드의 유사한 시퀀스가 ​​바로크 기악 모음곡의 원형이었습니다.

살타렐라- 이탈리아 민속춤. 그 이름은 이탈리아어 단어 saltare에서 유래했습니다-점프하다, 점프하다. 그는 Romagna, Lazo, San Marino, In Abruzzio에서 알려져 있습니다. 지역마다 다르게 수행합니다. Saltarella는 매우 단순한 춤으로 고정된 숫자가 없습니다. 주요 운동은 균형입니다. 그러나 춤의 속도가 항상 증가하여 매우 폭풍우에 도달하기 때문에 공연자는 손재주와 힘이 있어야합니다. 살타렐라 - 페어 댄스, 댄스에 참여하는 커플의 수가 매우 많을 수 있습니다. 다른 많은 민속 춤과 마찬가지로 살타렐라는 때때로 장난스러운 판토마임 장면으로 시작됩니다. 예를 들어 Giogaria와 같은 이탈리아의 일부 지역에서는 살타렐라가 낮은 점프 댄스로 존재합니다.

라운드 댄스 품종도 있습니다. 둥근 춤 살타렐라에서 무용수들은 서로 밀착되어 서 있고, 몸은 앞으로 기울고, 머리는 원의 중앙에서 거의 충돌합니다. 손은 서로의 어깨에 얹는다. 맨발은 땅을 부드럽게 미끄러지듯 움직입니다. 연주자들은 다리 움직임의 리듬에 맞춰 몸을 흔듭니다. Romagna의 Saltarella의 성능은 독특합니다. 여기에는 참가자 중 한 명이 부른 노래가 수반되며 손재주를 보여줍니다. 여자들은 물이나 포도주로 가득 찬 잔을 머리에 얹었습니다. 복잡하고 빠른 이동 중에는 한 방울도 흘리지 않아야 합니다.

볼타- 이탈리아 출신의 페어 댄스. 그 이름은 "돌리다"를 의미하는 이탈리아어 단어 voltare에서 유래했습니다. 보통 한 커플(남녀)이 춤을 추지만 커플 수를 늘릴 수 있습니다. 다른 많은 민속 무용과 마찬가지로 볼타는 출현 직후 궁중 축제에서 공연되기 시작했습니다. 16세기에 그녀는 모든 유럽 국가에서 알려졌지만 프랑스 궁정에서 가장 큰 성공을 거두었습니다. 그러나 이미 루이 13세 치하에서 프랑스 볼타 궁정은 춤을 추지 않는다. 이 춤은 이탈리아에서 가장 오래 지속되었습니다.

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