브루크너 교향곡이 최고의 연주다. 와 함께

환상적인 교향곡

프로그램 음악, 즉 특정 시나리오가 선행되는 음악의 첫 번째(아마도 가장 놀라운) 예 중 하나입니다. 베를리오즈가 아일랜드 여배우 해리엇 스미슨을 짝사랑하는 이야기는 명작의 근간이 되었으며, "Dreams", "Ball", "Scene in the Fields", "Procession to the Execution", 심지어 "Dreams"까지 포함됩니다. 안식일 밤에".

볼프강 아마데우스 모짜르트

교향곡 40번

비자발적 자극을 유발하는 또 다른 슈퍼 히트. 처음으로 40번을 듣는 것처럼 귀를 조율해 보십시오(그렇다면 더 좋습니다). 이렇게 하면 완전히 두들겨 맞았지만 독창적인 첫 번째 부분에서 살아남는 데 도움이 될 것이며 그 다음에는 그다지 놀라운 두 번째 부분이 뒤따르지 않는다는 것을 알게 될 것입니다. 세 번째와 네 번째.

루트비히 판 베토벤

교향곡 7번

베토벤의 가장 유명한 3개의 교향곡 중에서 "운명의 주제"가 있는 5번에서 시작하지 않고 피날레 "Hug, million"이 있는 9번에서 시작하지 않는 것이 좋습니다. Seventh에서는 파토스가 훨씬 적고 유머가 더 많으며 독창적 인 두 번째 부분은 고전과는 거리가 먼 청취자에게도 친숙합니다. 깊은 밴드보라.

요하네스 브람스

교향곡 3번

브람스의 교향곡 1번은 베토벤의 10번 교향곡으로 불리며 전통의 연속성을 의미한다. 그러나 베토벤의 9개의 교향곡이 동등하지 않다면 브람스의 4개의 교향곡은 각각 걸작입니다. 화려한 3악장의 시작은 잊을 수 없는 알레그레토에서 절정에 이르는 심오한 서정적 표현을 위한 밝은 표지일 뿐입니다.

안톤 브루크너

교향곡 7번

Bruckner의 후계자는 Mahler입니다. 롤러코스터 같은 캔버스를 배경으로 Bruckner의 교향곡, 특히 끝없는 Adagios가 지루해 보일 수 있습니다. 그러나 각각의 아다지오 뒤에는 신나는 스케르초가 이어지며, 교향곡 7번은 첫 악장부터 사려 깊고 오래도록 지루함을 주지 않을 것입니다. 피날레, 스케르초, ​​바그너를 추모하는 아다지오도 그다지 좋지 않습니다.

요제프 하이든

교향곡 45번 "이별"

하이든보다 더 쉽게 글을 쓰는 것은 불가능해 보이지만, 이 기만적인 단순함에는 그의 기술의 주요 비밀이 포함되어 있습니다. 그의 교향곡 104곡 중 단조로 작곡된 것은 11곡뿐이며, 그 중 단조로 작곡된 것은 단 11곡뿐이며, 그 중 최고는 연주자들이 한 명씩 무대를 떠나는 피날레의 '이별'이다. 노틸러스 폼필리우스(Nautilus Pompilius) 그룹이 Goodbye America라는 노래를 연주하기 위해 이 기술을 빌린 것은 하이든에게서였습니다.

안토닌 드보르자크

교향곡 "신세계로부터"

교향곡 자료를 수집하면서 Dvořák는 미국의 민족 음악을 공부했지만 인용하지 않고 먼저 그 정신을 구현하려고 노력했습니다. 교향곡은 여러 면에서 브람스와 베토벤으로 거슬러 올라가지만 그들의 작품에 내재된 화려함은 결여되어 있습니다.

구스타프 말러

교향곡 5번

말러의 두 최고의 교향곡은 얼핏 서로 닮은 것 같다. 다섯 번째의 첫 번째 부분의 혼란은 영화와 극장에서 반복적으로 사용되는 나른함으로 가득 찬 교과서 Adagietto로 이어집니다. 그리고 서두의 불길한 팡파르는 완전히 전통적인 낙관적 피날레로 응답됩니다.

구스타프 말러

교향곡 6번

말러의 다음 교향곡이 세상에서 가장 어둡고 절망적인 음악이 될 것이라고 누가 생각이나 했겠습니까! 작곡가는 모든 인류를 애도하는 것 같습니다. 그러한 분위기는 첫 음표부터 확인되며 희망의 광선을 포함하지 않는 피날레로 갈수록 악화됩니다. 희미한 마음이 아닙니다.

세르게이 프로코피예프

"클래식" 교향곡

Prokofiev는 교향곡의 이름을 다음과 같이 설명했습니다. 대중을 흥분시킨 일련의 대담한 작곡 후에 Prokofiev는 Haydn의 정신으로 교향곡을 작곡했습니다. 그의 다른 교향곡에는 공통점이 없지만 거의 즉시 고전이되었습니다.

표트르 차이코프스키

교향곡 5번

차이코프스키의 교향곡 5번은 그의 발레만큼 인기가 없지만 멜로디의 잠재력은 적지 않습니다. 예를 들어 Paul McCartney와 같이 그녀의 2 ~ 3 분 중 히트를 칠 수 있습니다. 교향곡이 무엇인지 이해하고 싶다면 장르의 가장 훌륭하고 완벽한 예 중 하나인 차이코프스키의 5번을 들어보십시오.

드미트리 쇼스타코비치

교향곡 5번

1936년 쇼스타코비치는 국가 차원에서 배척당했다. 이에 대한 응답으로 작곡가는 Bach, Beethoven, Mahler 및 Mussorgsky의 그림자에 대한 도움을 요청하여 초연 당시 이미 고전이 된 작품을 만들었습니다. 전설에 따르면 Boris Pasternak은 교향곡과 그 저자에 대해 다음과 같이 말했습니다. "그는 원하는 모든 것을 말했지만 아무것도 얻지 못했습니다."

드미트리 쇼스타코비치

교향곡 7번

20세기의 음악적 상징 중 하나이자 확실히 주요 뮤지컬 기호제2차 세계대전. 파시즘이나 스탈린주의뿐만 아니라 역사적 시대폭력을 기반으로 합니다.

프란츠 슈베르트

미완성 교향곡

여덟 번째 교향곡은 "미완성"이라고 불립니다. 4악장 대신 2악장만 있습니다. 그러나 그들은 너무 포화되고 강해서 완전한 전체로 인식됩니다. 작업을 중단하고 작곡가는 더 이상 손대지 않았습니다.

벨라 바르톡

오케스트라를 위한 협주곡

Bartók은 주로 음악 학교를 위한 수많은 작품의 저자로 알려져 있습니다. 이것이 Bartok 전체와는 거리가 멀다는 사실은 패러디가 수반되는 엄격함과 세련된 기술이 수반되는 경쾌한 포크 곡이 수반되는 그의 콘서트에서 입증됩니다. 사실 바르톡의 이별 교향곡은 라흐마니노프의 다음 작품처럼요.

세르게이 라흐마니노프

심포닉 댄스

라흐마니노프의 마지막 작품은 전례 없는 힘의 걸작입니다. 시작은 지진에 대해 경고하는 것 같습니다. 그것은 전쟁의 공포의 선구자이자 음악의 낭만적인 시대의 종말에 대한 인식입니다. Rachmaninoff는 "Dances"를 그의 최고이자 가장 좋아하는 작품이라고 불렀습니다.

B. Monsaingeon "Richter. Dialogues, diaries"(Classic-XXI, Moscow - 2002)의 책을 기반으로 합니다.

1971
28/Ⅷ
브루크너
교향곡 8번 c-moll
지휘자: 카라얀

내가 가장 좋아하는 교향곡 (나는 그것을 알고 어린 시절네 손 배열에서). 브루크너의 최고의 작품이라고 생각합니다. 나는 날카로운 놀라움으로 첫 번째 부분을 특히 좋아합니다. 그러나 나머지도 훌륭합니다. 이번에는 Karajan이 표현력이 풍부하고 인간적이며 극도로 완벽했습니다. 나는 그것을 절대적으로 인식했다. 그는 나를 만졌다.
(P. 126. 잘츠부르크 축제 기간 동안 리히터가 녹음함.)

1973
19/IV
기입
브루크너
d-moll의 교향곡 9번
지휘: 빌헬름 푸르트벵글러

이 교향곡은 저에게 항상 일종의 모순적인 놀라움으로 밝혀졌습니다. 그것은 8번이나 다른 교향곡과는 완전히 다른 방향으로 향하고 있는 것 같습니다.
그리고 이것이 왜 그런지 이해하지 못합니다.
(S.148.)

1976
28/나
기입
브루크너
d-moll의 교향곡 9번(3악장)
지휘자: V. 푸르트뱅글러

어떤 이유에서인지 나는 이 교향곡에 익숙해지지 않고 그 인상을 기억 속에 간직할 수 없다.
그녀는 어떻게 든 그녀의 머리에서 빠져 나옵니다.
그것은 거의 최고로 간주되지만 (나는 이것에 동의하지 않습니다) 물론 Furtwängler는 그가 할 수있는 모든 것을했습니다 ... 하지만 ... 교향곡은 미스터리입니다 ...
(p.180)

1987
29/Ⅶ
기입
브루크너
교향곡 5번 B-dur
지휘자: 프란츠 콘비츠니

나는 물론 어려움을 겪었습니다. 변조, 키, 하모니에서 청력이 손상되어 혼란스러워했습니다. 물론 이것은 정확히 억양이 아닌 플레이어 때문이기도합니다. 교향곡은 확실히 훌륭하지만 다른 사람들에게서 더 편안함을 느낍니다.
(p.329)

저는 교향곡 5번에 대해 또 다른 해설을 했습니다.

1988
플렌스부르크
6/Ⅶ
도이슈 하우스
브루크너
교향곡 6번 아두르
지휘자: 크리스토프 에센바흐++

나는 이 교향곡을 들어본 적이 없었기 때문에 큰 관심을 가지고 들었다. 나는 Eschenbach가 그것을 매우 진지하고 감정적으로 수행했다고 생각합니다. 두 번 들었고 후회하지 않았습니다.
물론 브루크너의 말을 오래 들어야 하고 두 번으로는 부족하다. 내 버릇없는 귀만 방해하고 구성 중에서 음조를 찾고 찾지 못합니다. 절대 청력에 얼마나 성가신 일입니까.
(p.348)

아홉 번째에 대한 그의 태도에 놀랐습니다. 요 전날 나는 그녀 (G. Vand)의 말을 들었고 언제나처럼 충격을 받았습니다. 그러나 Richter는 아마도 이전 교향곡과 비교할 때이 교향곡에서 새롭고 특이한 것이 드러났다고 올바르게 지적했지만 그것이 무엇인지 말로도 결정할 수 없습니다.
미완성이지만 내 생각에는 Bruckner의 가장 완벽한 교향곡입니다. 일반적으로 순전히 제 생각에는 교향곡 7번에서만 완벽한 모양그의 교향곡을 위해. 그리고 그녀의 공연 중 하나 (A. Nikish의) 후 Bruckner는 "유명하게 깨어 났고"Hanslik조차도 그녀를 거의 호의적으로 대했습니다.
여덟 번째는 최고의 교향곡, 피날레는 아니지만 9번은 우리에게 내려온 형식에서도 차이코프스키의 6번, 브람스의 4번과 함께 베토벤 이후의 가장 위대한 3대 교향곡 중 하나입니다.

Joseph Anton Bruckner는 1824년 9월 4일 어퍼 오스트리아의 안스펠트에서 태어났습니다. 그의 할아버지는 린츠 근처의 이 도시에서 교사였습니다. Anton의 아버지도 교사로 일했습니다. 1823년에 그는 스티리아 출신의 테레사 헬름과 결혼하여 11명의 자녀를 낳았는데 그중 6명은 어린 나이에 사망했습니다. Josef Anton은 Bruckner 가족의 맏아들이자 가장 유명합니다.

와 함께 초기그 소년은 음악에 대한 사랑을 보여주었습니다. 4 살 때 작은 Anton은 바이올린에서 여러 교회 멜로디를 집어 들었고 지역 사제는 형언 할 수없는 기쁨을 느꼈습니다. 그는 학교에서 노래 수업을 좋아했고 같은 이유로 소년은 어머니가 합창단에서 노래하는 교회에 가는 것을 좋아했습니다. 아름다운 목소리. 아버지는 소년의 능력을 알아 차렸고 종종 오르간에서 자신의 자리를 아들에게 포기하기 시작했습니다. 사실 그 당시 시간제 교사도 교회에서 오르간을 연주하고 음악의 기본 기초를 가르쳐야 했습니다. 열한 살 때 안톤은 학교 교사이자 오르간 연주자인 그의 대부 요한 밥티스트 바이스(Johann Baptist Weiss)와 함께 공부하도록 파견되었습니다. 고등 교육을받은 뮤지컬 마스터로부터 소년은 하모니를 공부하고 오르간 연주 기술을 향상 시켰습니다. Weiss와 함께 Bruckner는 먼저 오르간을 즉흥적으로 시도했습니다. 그 후 Anton은 최고 수준이 장르의 숙달, 모든 유럽을 기쁘게 합니다.

그러나 아버지의 병과 가족의 어려운 재정 상황으로 인해 Anton은 1년 후에 학업을 마칠 수 밖에 없었습니다. 그는 오르간 연주자의 임무를 맡아 결혼식과 댄스 파티에서 바이올린을 연주하기 시작했습니다. 6개월 후 아버지가 돌아가셨습니다. 아버지의 죽음으로 Anton의 어린 시절도 끝났습니다. 어머니는 교회 합창단에서 Anton을 받아달라고 간청했습니다.

교회 합창단에서 2년 동안 노래한 후 Bruckner의 목소리는 변이되기 시작했고 동시대 사람들이 "오르간의 베토벤"이라고 불렀던 수도원 오르간 연주자 Anton Cuttinger의 조수로 임명되었습니다. 오르가니스트 연주는 Bruckner에게 어린 시절 최고의 추억 중 하나로 남았습니다. 이 주인의지도하에 Anton은 곧 비엔나의 성 스테판 대성당 다음으로 두 번째로 큰 오르간으로 간주되는 수도원의 대형 오르간을 연주하기 시작했습니다.

Anton은 그의 조상처럼 교사가 되고 싶었기 때문에 "준비 과정"으로 보내졌습니다. 본교가을에 소년이 성공적으로 입학 시험에 합격 한 Linz에서.

10개월 후, 그는 최종 시험에 성공적으로 합격했습니다. 가장 중요한 것은 그가 뛰어 들었다는 것입니다. 음악 생활린츠. 우연의 일치로 유명한 음악 학자 Durnberger가 준비 과정에서 가르쳤습니다. 그의 저서 "화음과 웅장한 베이스의 기초 교과서"에 대해 작곡가는 나중에 "이 책이 지금의 나를 만들었습니다."라고 말했습니다. Durnberger에서 그는 오르간 연주를 향상시키고 Haydn과 Mozart의 작품에 대해 알게됩니다.

1841년 8월 기말고사를 마친 젊은 브루크너는 체코 국경 근처의 작은 마을인 빈다그에서 교사 조교가 되었습니다. 2년 후 Anton은 Kronsdorf에서 교사직을 맡게 됩니다. 마을은 이전 마을보다 훨씬 작았지만 근처에는 어퍼 오스트리아에서 두 번째로 큰 오르간이 있는 스티리아 시가 있었습니다. 더 더 큰 가치다른 인근 마을 인 Enns 대성당의 오르간 연주자이자 섭정 인 Zenetti와 친분과 우정을 가졌습니다. Anton은 일주일에 세 번 대성당을 방문하여 오르간 연주 연구를 계속할뿐만 아니라 음악 이론에 대한 지식을 넓혔습니다. Zenetti는 그에게 바흐의 합창뿐만 아니라 비엔나 고전의 유산도 소개했습니다.

9월 2일, Bruckner는 성가대에서 노래를 부르던 St. Florian's Convent School의 교사로 임명되었습니다. 여기서 Anton은 10년을 보냈습니다. 곧 그의 가장 유명한 젊은 작품인 레퀴엠 D단조는 젊고 짝사랑에 바치는 알로이시아 보그너(Aloisia Bogner)가 탄생했습니다.

1851년 브루크너는 수도원의 영구 오르가니스트가 되었다. 그러나 음악은 Anton을 걱정할 뿐만 아니라 물질적 복지. 가난한 어린 시절은 그가 평생 가난을 두려워했던 이유였습니다. 같은 해에 그의 전 생애에 영향을 미친 또 다른 문제, 즉 어린 소녀들에 대한 백일몽과 짝사랑이 나타났습니다.

우연의 일치로 1855년 11월에 린츠 대성당의 오르가니스트 자리가 비워졌습니다. Durnberger는 즉시 오디션을 위해 Bruckner를 대성당으로 보냈고 이미 11 월 14 일에 후보 테스트가 진행되었으며 Bruckner는위원회 전에 자신이 가장 유능한 사람임을 보여 일시적으로 오르간 연주자를 대신 할 수있었습니다.

Linz에서 보낸 다음 10년 동안 Bruckner는 집중적이고 부지런히 일했습니다. 특히 기본 활동에서 벗어나 시간과 건강을 희생하면서 하루에 최대 7 시간을 바친 음악 이론 연구에 특히 그러했습니다.

1863년 겨울, 브루크너는 바그너의 음악을 알게 되었고 그 후 그는 그의 작품에서 감히 고전 화성에서 벗어나는 것을 허용했습니다. 그는 오랫동안 꿈을 꾸었지만 전에는 감히하지 않았습니다. Wagner와의 개인적인 친분은 1865 년 5 월 18 일 뮌헨에서 Tristan과 Isolde의 첫 공연 중에 이루어졌습니다. 성격의 차이에도 불구하고 둘 다 음악의 혁신가였으며 영혼의 친족 관계를 발견했습니다.

불행히도 Bruckner의 건강은 곧 너무 악화되어 치료를 받아야했습니다. 그는 1867년 여름 대부분을 Bad Kreuzen에 있는 스파에서 치료를 받으며 보냈습니다. 그 시기의 그의 편지는 극도로 우울한 정신 상태를 증언하고 있으며, 그가 자살을 생각하고 있었다. 그의 친구들은 Bruckner를 내버려 두는 것을 두려워했습니다. 9월까지 작곡가는 회복되었고 빈 자리를 채우려는 의도를 비엔나 음악원의 이사에게 확인할 수 있었습니다. 수업 시작 전 남은 시간에 그는 세 번의 미사 중 마지막 악보 인 "Great Mass No. 3 in F Minor"작업을 완료했습니다.

1869년 4월, 낭시에 있는 성 에브르 교회 개관식에서 유럽 최고의 오르간 연주자들의 공연이 열렸습니다. Bruckner의 성공은 압도적이었고 그는 Notre Dame de Paris에서 선택된 청중에게 연설하라는 초대를 받았습니다. 2년 후, 영국에서의 그의 공연은 승리였다.

오르간 연주자이자 음악 이론 교사의 활동과 함께 Bruckner는 작곡을 중단하지 않았습니다. 그가 린츠에서 만든 작품, 그리고 무엇보다도 처음 세 개의 미사곡과 교향곡 1번의 명성은 비엔나에까지 이르렀습니다. Bruckner의 9개 교향곡은 각각 다른 교향곡과 다르며 고유한 운명을 가지고 있습니다. 그래서 비엔나 필하모닉의 연주자들은 교향곡 2번을 연주할 수 없다고 선언했습니다. 세 번째 교향곡은 일반적으로 "영웅적"이라고 불리지 만 당시 뮤지션들은 조롱 만했고 청중은 공연이 끝나기 전에 초연 중에 홀을 떠났습니다. 네 번째 교향곡은 Bruckner가 1884-1885년에 작곡했으며 "Romantic"이라고 불립니다. 그녀의 초연은 꽤 성공적이었습니다. 그러나 Wagner의 Parsifal의 인상으로 1887 년에 작성된 8 번째 교향곡이 만들어진 후에야 작곡가에게 운명이 더 유리해졌습니다. 이 작품은 라이프치히에서 아르투르 니키타가 지휘하는 오케스트라 공연에서 엄청난 성공을 거두었습니다. ANTON 브루크너는 즉시 당대의 가장 위대한 교향곡 연주자로 선언되었고, 교향곡 8번은 사회에서 "세계의 왕관"으로 불렸습니다. 음악 XIX세기."

그러나 1871년으로 돌아가 보자. 고국으로 돌아온 Bruckner는 수년 동안 어려운 재정 상황에 처했습니다. 따라서 그는 1878년 1월 3일 마침내 비엔나에서 오랫동안 기다려온 궁정 오르가니스트 자리를 얻어 1892년 여름까지 그 직책을 맡았을 때 매우 기뻤습니다. 이 직책은 그에게 연간 800길더를 추가로 벌어들였습니다.

1878년 12월 브루크너는 1862년에 작곡된 바이올린 4중주에 이은 두 번째 작품인 바이올린 5중주 F장조를 작곡했다. 챔버 작업. 이 5중주는 때때로 베토벤의 마지막 4중주와 비교됩니다.

1881년 5월 브루크너는 말 그대로 단 일주일 만에 "Te Deum"을 썼는데, 아마도 그의 최고의 작품일 것입니다. 그러나 비엔나 최고의 음악 관계자들은 그의 창작물이 콘서트 홀. 이것은 Bruckner가 속한 Wagnerians와 Brahms의 추종자 인 Brahmins 사이의 투쟁의 메아리였습니다. 그렇기 때문에 그의 음악은 독일에서 열광적인 반응을 얻었고 오스트리아에서는 그다지 호의적이지 않았습니다. Bruckner의 가장 큰 승리가 1891년 5월 31일에 그의 "Te Deum"이 공연된 베를린에서 10년 후를 기다린 것은 놀라운 일이 아닙니다. 이 승리의 목격자들은 만장일치로 Bruckner와 같은 환영을 받은 작곡가는 단 한 명도 없었다고 말했습니다.

생애의 마지막 5년 동안 Bruckner는 거의 전적으로 9번 교향곡을 작업했습니다. 스케치와 개별 에피소드는 이미 1887-1889에 나타 났지만 1891 년 4 월부터 그는이 교향곡 작업을 완전히 시작했습니다. 작곡가는 교향곡 9번을 완성하지 못한 채 1896년 10월 11일에 사망했습니다.

1. ...마지막으로 웃는 사람

Bruckner의 농민 성격은 어떤 식 으로든 수도의 유행을 받아들이지 않았습니다. 음악원의 교수로서 그는 계속해서 농민 스타일의 헐렁한 검은색 양복과 극도로 짧은 바지를 입었고(그는 이것을 발 오르간 건반 연주의 편리함 때문이라고 생각했습니다) 재킷 주머니에는 항상 큰 파란색 손수건이 튀어나와 있었습니다. 머리에는 여전히 챙이 처진 투박한 모자를 쓰고 있었다.
동료들은 Bruckner를 놀렸고 학생들은 웃었습니다 ... 그의 친구 중 한 명이 말했습니다.
- 친애하는 마에스트로, 당신의 의상이 단순히 우스꽝 스럽다는 것을 솔직하게 말씀 드리겠습니다 ...
“그럼 웃으세요.” Bruckner가 친절하게 대답했습니다. “그러나 내가 최신 패션을 보여주러 여기에 온 것이 아니라는 점을 솔직하게 상기시켜 드리고자 합니다.

2. 서두르지 않는다

음악 친구 협회의 비서인 Zellner는 가장 위험한 경쟁자를 본 Bruckner를 극도로 싫어했습니다.
새로운 교수를 괴롭히기 위해 가능한 모든 방법을 시도한 Zellner는 모든 곳에서 그에 대해 경멸적인 말을하는 데 자신을 제한하지 않았습니다.
- 오르가니스트로서의 이 Bruckner는 완전한 비실체입니다! 그는 주장했다.
그러나 이것으로는 충분하지 않았습니다. 학생들과 함께 Bruckner의 수업 중에 Zellner는 반항적으로 교실의 불을 끄거나 옆방의 사이렌을 켰습니다. 그리고 한때 "친절"한 작곡가는 다음과 같이 조언했습니다.
- 모든 교향곡을 매립지에 버리고 배럴 오르간 연주로 생계를 꾸리면 더 좋을 것입니다 ...
이에 브루크너는 이렇게 답했다.
-Zellner 씨, 당신의 조언을 기꺼이 따르고 싶지만 여전히 당신이 아니라 역사가 더 공정하게 처리 될 것이라고 확신하고 싶습니다. 나는 우리 둘 중 하나가 확실히 매립지로 끝날 것이라고 생각합니다. 음악사하지만 서두를 가치가 있습니까? 누가 그곳에서 그의 자리를 찾을 것인가, 결정하는 것은 당신이나 내가 할 일이 아닙니다. 후손들이 이것을 이해하게 하라...

3. 우리 마을에서 ...

그의 생애가 끝날 때까지 Bruckner는 단순한 마음을 가진 시골 사람이었습니다. 네 번째 교향곡이 연주되는 콘서트를 방문한 작곡가는 유명한 지휘자 한스 리히터에게 다가가 진심으로 감사하고 싶어 주머니에서 탈러를 꺼내 어안이 벙벙한 사람의 손에 밀어 넣었습니다. 지휘자는 이렇게 말했습니다.
- 내 건강을 위해 맥주 한 잔 마셔요, 정말 감사합니다! ..
그의 고향 마을에서는 주인이 잘한 일에 대해 이렇게 감사했습니다.
다음 날, 리히터 교수는 브루크너 탈러를 보석상에게 가져갔고, 보석상은 은색 눈을 납땜했습니다. 유명한 지휘자나는 항상 시계 체인에 그것을 가지고 다녔습니다. Thaler는 그에게 교향곡의 저자와의 만남을 상기시키는 소중한 사람이 되었으며, 그가 굳게 믿었던 것처럼 이 교향곡은 수세기 동안 살아있을 것입니다...

4. 교향곡 3곡으로는 부족해...

마을의 소년 가수였던 브루크너는 비엔나 음악원의 교수가 되었고 명예 박사 학위를 받았습니다. 그의 개인적인 삶에서 폐쇄적이고 사교적이지 않은 음악가의 성공은 훨씬 더 완만했습니다. 이미 50세에 왜 결혼하지 않았느냐는 질문을 받았을 때 작곡가는 이렇게 대답했습니다.
- 어디서 시간을 얻을 수 있습니까? 결국, 먼저 교향곡 4번을 작곡해야 합니다!

Bruckner의 특징은 그가 스텐실로 생각하는 동시에 진심으로 스텐실을 믿는다는 사실에 있습니다 (단조 교향곡은 장조로 끝나야합니다! 그리고 박람회는 반복적으로 반복되어야합니다!) ...

안톤 브루크너 교향곡의 연주는 다른 어떤 작곡가(글쎄, 어쩌면 브람스도 마찬가지)와는 달리, WHO수행하고 어떻게. 그렇기 때문에 젊은 작곡가 Georgy Dorokhov와의 대화에서 Bruckner의 교향곡 해석과 모든 수많은 버전에서 정리하려는 시도에 많은 공간을 할애합니다.

모든 작곡가(작가, 아티스트)는 당신이 정말로 걱정하는 것을 말하는 변명일 뿐입니다. 결국 우리의 미적 경험에 대해 이야기할 때 우리는 먼저 우리 자신에 대해 이야기합니다. 일찍부터 음악을 연주하기 시작한 작곡가 Dmitry Kurlyandsky는 아동 작문의 특성과 모차르트(뿐만 아니라) 아동 신동 현상에 대해 이야기합니다.

또 다른 중요한 질문은 Bruckner가 그의 학생 Mahler와 어떻게 다른지입니다. 그는 끊임없이 그리고 공정하게 비교됩니다. 완전히 다른 두 작곡가를 비교하는 것처럼 보이지만 맛을 선택하십시오. 그리고 내 생각에 Bruckner는 너무 깊어서 그의 배경에 비해 어떤 교향곡 연주자 (Bruckner가 경쟁 한 Brahms는 말할 것도없고 동일한 Mahler)가 가볍고 거의 경박 해 보입니다.

우리는 현대 작곡가들이 전임자들의 작품에 대해 이야기하는 월요일 시리즈의 대화를 계속합니다.

- 언제 브루크너의 음악을 처음 들었나?
-11 살 때 처음으로 Bruckner의 음악을 들었을 때 부모님의 레코드에서 그의 첫 번째 교향곡을 발견했을 때 (나중에 깨달은 것처럼 Bruckner 스타일에서 가장 이례적인 것일 것입니다!) 듣고 결정하고 들었습니다. 두 번 연속으로-너무 좋아서 마음에 들었습니다.

그 후 여섯 번째, 다섯 번째 및 아홉 번째 교향곡에 대해 알게되었고 나중에는 나머지에 대해서도 알게되었습니다.

처음에는 내가 왜 이 작곡가에게 끌렸는지 거의 이해하지 못했다. 나는 그저 계속해서 반복되는 것을 듣는 것을 좋아했습니다. 긴 스트레칭시간; 후기 낭만주의 음악의 나머지 부분과 유사하지만 그것과는 다른 것; 나는 항상 첫 소절에서 교향곡의 주요 키를 즉시 파악할 수 없는 순간에 매료되었습니다(이는 부분적으로 5번, 특히 6번과 8번 교향곡에 적용됨).

그러나 아마도 나는 아마추어 취향 원칙에 근거한 것이 아니라 Bruckner를 진정으로 이해했을 것입니다. 모스크바 콘사에서 2 년차에 교향곡 3 번 첫 번째 버전이 포함 된 디스크를 발견했을 때만 가능했습니다.

그 순간까지 Bruckner의 교향곡 3번은 내가 가장 좋아하는 작품이 아니었습니다. 그러나이 녹음을 들었을 때이 1 시간 30 분 동안 내 의식이 근본적으로 바뀌 었다고 과장하지 않고 말할 수 있습니다 (최종 버전에서 교향곡 길이는 약 50 분입니다).

그리고 수많은 Wagnerian 인용문의 존재 덕분이 아니라 일부 조화로운 발견 덕분이 아닙니다. 그리고 모든 재료가 극도로 늘어난 것으로 판명되어 전통적인 형태의 틀에 맞지 않습니다 (공식적으로는 구성이 적합하지만).

어떤 곳은 반복성으로 저를 강타했습니다. 때때로 Reich 또는 Adams가 들리는 것처럼 보였습니다 (덜 능숙하게 들리지만 아마도 저를 매수했을 것입니다). 많은 것들이 매우 서투르며 (재연이 시작되기 훨씬 전에 기본 키가 나타나는 것과 같은 수많은 교수의 금기를 위반하여) 훨씬 더 매료되었습니다.

그 후 나는 Bruckner 교향곡의 모든 초기 버전에 대해 알게되었고 (그리고 Sixth와 Seventh를 제외한 거의 모든 것이 적어도 두 개의 저자 버전에 존재합니다!) 그들로부터 같은 인상을 받았습니다!

- 이러한 추론은 무엇입니까?
- Bruckner는 아마도 동시에 가장 구식 작곡가 중 한 명일 것입니다. 19 세기(항상 모든 교향곡에 대해 동일한 계획! Bruckner가 외부 적으로 갱신하려고 시도한 항상 동일한 오케스트라 라인업이지만 다소 서투르게 + 거의 항상 오르간 연주자의 생각의 명백한 영향을 볼 수 있습니다-오케스트라 그룹의 급격한 전환, 페달 , 거대한 조화! + 많은 조화롭고 멜리스마적인 시대 착오), 그러나 동시에 같은 역사적 기간의 후기 낭만주의(아마도 그들의 의지에 반하는!) 중 가장 진보적입니다.

그의 교향곡의 초기 판, 후기 교향곡의 일부 순간, 특히 교향곡 9번의 미완성 피날레에서 발견되는 신랄한 불협화음을 기억할 가치가 있습니다. 형식에 대한 절대적으로 특이한 태도, 자료의 고정 관념과 원시적 표현이 예측 불가능성과 결합되거나 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 제곱 된 예측 가능성으로 청취자를 놀라게합니다!

사실 Bruckner의 특징은 그가 스텐실로 생각하는 동시에 진심으로 스텐실을 믿는다는 사실에있는 것 같습니다 (마이너 교향곡은 메이저로 끝나야합니다! 그리고 박람회는 반복적으로 반복되어야합니다!) .. .

그러나 동시에 Bruckner는 그의 폴리포닉 기술 덕분에 가장 단순한 장소에서 설득력있는 결과 이상을 달성한다는 사실에도 불구하고 동시에 매우 어색하게 사용합니다!

그들이 Bruckner에 대해 그가 "반신 반 바보"(Gustav Mahler 포함)라고 말한 것은 이유가 없습니다. 이 작곡가에 대한 대중과 전문가 모두의 관심을 여전히 유지하는 것은 숭고함과 소박함, 원시성과 정교함, 단순함과 복잡성의 조합인 것 같습니다.

일부 음악가와 음악 애호가가 Bruckner를 멸시하는 이유에 대해 이미 부분적으로 대답했습니다. 그러나 시간이 브루크너의 발견에 대한 증거를 증명해 주는 영원 후에도 왜 이러한 태도는 변하지 않았습니까? 그는 왜 그렇게 이상하고 완전히 불공평한 평판을 얻었습니까?
-인식의 관성에 관한 것 같아요. Bruckner에서 음악가와 청취자는 한 가지를 기대하지만 그들이 얻는 것은 그들이 기대하는 것과 전혀 다릅니다.

전형적인 예는 Zero Symphony입니다. 첫 번째 부분에서 들리는 모든 것이 다가오는 멜로디의 반주이지만 결코 나타나지 않는 느낌이 듭니다.

두 번째 부분의 주요 주제가 조화와 구조로 완성된 시험 과제에 불과할 때. 하지만 자세히 보면 이런 식으로 작곡가가 청취자를 속이는 것을 이해할 수 있습니다.

듣는 사람은 한 가지(잘 쓰여진 교향곡)를 기대하지만 상황이 예상과 다소 다르기 때문에 혼란에 빠지게 됩니다.

출연자도 마찬가지입니다 (요인도 추가됩니다

Bruckner 점수의 일부 순간을 수행할 수 없음).

작곡가의 다른 교향곡도 마찬가지입니다. 처음에는 전형적인 독일 학문을 기대합니다. 19세기 중반세기, 그러나 거의 첫 번째 마디에서 그는 정직하게 실행 된 형식에 대한 문체 불일치에 대해 비틀 거리기 시작하지만 서투른 변조로 교향곡의 키가 무엇인지 명확하지 않고 CD의 비문을 믿지 않을 때 "교향곡 B플랫장조"…

Bruckner 이야기에는 항상 공정하게 쌓이지 않는 평판에 대한 교훈이 있습니까?
- Bruckner의 명성이 문제가 아닌 것 같습니다. 예, 그의 일 중 많은 부분이 그의 생애 동안 수행되지 않았습니다. 그러나 일부는 성취되었습니다. 또한 놀라운 성공을 거두었습니다 (예를 들어 교향곡 8 번). 동시대 사람들이 그 성공이 그 시대의 로마 황제에게 주어진 영예와 일치한다고 말했을 때!

요점은 지각의 관성에 있습니다. 그리고 Bruckner가 그 당시에는 그럴만한 이유가 없었음에도 불구하고 훌륭한 작곡가가 되려고 노력했다는 사실.

동시대 사람들을 그에게서 멀어지게 한 것은 무엇입니까? 보수파 - 바그너의 영향. Wagnerians - Bruckner는 "심포닉 바그너"가 아닙니다. 더욱이, 바그너의 지휘자들은 그의 생애 동안 그리고 브루크너가 죽은 이후에도 그의 교향곡을 바그너화하여 그들의 인식에 더 가깝게 만들었습니다.

일반적으로 상호 배타적인 단락의 조합: Bruckner는 고고학자, Bruckner는 보수주의자, Bruckner는 Wagnerian입니다.

그리고 아마도 당시에도 너무 구식으로 보였던 수사학과 파토스에서 이상한 구성 및 음악 구조로 표현 된 그의 초월적인 믿음과 경건함이 아이러니 한 거리에 대한 책임이 있습니까?
-경건은 모두 순전히 외부입니다. 또 다른 것은 Bruckner가 등장한 음악적 환경입니다.

한편으로 그는 음악 교사(관련 작곡)이다. 반면에 Bruckner는 교회 오르간 연주자입니다 (그리고 이들은 다른 작곡입니다). 세 번째 - 순전히 종교적인 음악의 작곡가.

사실, 이 세 가지 요소 모두 "교향곡 연주자 브루크너"라고 불릴 수 있는 특징으로 형성되었습니다. Wagnerianism의 습격은 순전히 피상적입니다. 절대적으로 Bruckner는 이해하지 못했고 – 가능합니다 – 작곡가 Wagner의 철학을 전혀 이해하고 싶지 않았습니다.

그는 Wagner의 대담한 하모니와 순수한 금관 악기 청취자에 대한 공격적인 공격에만 매료되었지만 오르간 연주자로서 그에게도 새로운 것이 아닐 것입니다!

그러나 물론 Bruckner의 종교성도 무시되어서는 안됩니다. 그의 순진한 믿음은 하나님에 대한 믿음(그리고 아주 단순하고 어린아이 같은 믿음!)의 한계를 훨씬 넘어섰습니다.

이것은 또한 더 높은 지위에 있는 인간 권위자에게도 적용되었습니다(적어도 대주교, 심지어 바그너, 그리고 둘보다 먼저 브루크너는 무릎을 꿇을 준비가 되어 있었습니다). 이것은 베토벤의 모델에 따라 교향곡을 작곡할 수 있다는 믿음에도 적용되었는데, 이는 19세기 후반에는 생리학적으로 거의 불가능했습니다.

그의 교향곡에서 가장 비극적인 순간은 일부 교향곡의 파국적 극작술에 절대적으로 고의적으로 첨부되는 주요 코다인 것 같습니다.

특히 교향곡 2번과 3번의 오리지널 버전에서는 모든 것을 잘 마무리하기 위해 귀가 아프다. 어쩌면 죽음을 포함한 모든 나쁜 일에는 아주 좋은 일이 뒤따를 것이라는 Bruckner의 순진한 믿음이 드러났을 것입니다. 많은 사람들이 더 이상 믿지 않았습니다. XIX 후반세기; 예, 잠재 의식 수준의 Bruckner 자신도 이것을 이해했습니다.

즉, 브루크너에게 중요한 것은 베토벤의 이해에서 승리의 성취가 아니라 그 환상이다. 또는 Berg의 Wozzeck 피날레에서와 같이 발생한 비극에 대한 어린이의 무지 (Berg가 성인의 관점에서 오페라를 작곡했다는 차이점이 있음).

그건 그렇고, 이것이 일반 청취자가 Bruckner 교향곡의 세계에 거의 들어 가지 않는 이유 중 하나입니다. 그의 교향곡 코드도 오해의 소지가 있습니다. 결과는 슬프지만 아무 이유없이 주요 팡파르입니다.

여기에서 Bruckner의 바로크적 사고를 기억할 수 있습니다(단조 구성은 주요 3화음으로 끝나야 합니다!). Bruckner에서만 이것은 다른 확장된 시간 차원에서 발생합니다.

그리고 물론 구성의 이상한 불균형은 물론 여기에서 당신이 확실히 옳습니다. Bruckner에 대해 특별한 지연을 느끼지는 않지만.
- 물론 Bruckner는 언뜻보기에 다음과 같은 예 중 하나입니다. 부정적인 특성긍정적으로 바꿉니다. 즉:

1) 주제주의의 원시성: 첫째, Bruckner 교향곡의 길고 긴 구조가 유지되는 것은 이것 덕분입니다.

둘째, 일부 사람들에게 고전적 낭만주의 교향곡(그리고 고전적 낭만주의 교향곡)의 일부 특징을 부조리(무의식적이기는 하지만!) 영점, 절대적인 점: 거의 모든 작곡은 기본적이고 거의 진부한 구성, 심지어 유명한 교향곡 4번으로 시작합니다.

그러나 Bruckner는 조금 다르게 생각했습니다. "보세요, 이것은 하나님의 기적입니다. 삼합회입니다!" - 그는 그런 순간에 대해 말했습니다!;

2) 스타일 프레임 파괴:

포함하여 가장 복잡한 주제
a) 양식적 비호환성(바로크적 사고, 학교 교사의 사고, 독일 보수 교향악 연주자의 사고, 바그너 작곡가의 사고)
b) 다른 작곡가(바흐, 베토벤, 슈베르트, 바그너, 모차르트, 교향곡 3번의 느린 악장 시작 부분)가 되려는 시도가 실패했습니다.

3) 호환되지 않는 것을 결합하려는 시도(위에서 언급함)

4) 자신의 작곡가 콤플렉스를 극복하기 위한 방법으로서의 진보성(잘못된 성부 진행, 서투른 형식 처리, 이상한 오케스트레이션, 독일 아카데믹의 특징 결합) 라이프치히 학교그리고 Wagnerianism, 상호 배타적 단락!

9번 교향곡에서 일부 작곡가의 부조리한 구성; 구리가 옥타브에서 두 배가 된 D-플랫에서 절단 조합을 수행할 때 초판에서 세 번째 교향곡의 코다; 처음 들었을 때 처음에는 뮤지션들이 착각 한 줄 알았는데) 그 결과 그 시대의 스타일을 넘어 섰다.

Bruckner가 가장 진보적 인 것으로 판명 된 것 같습니다. 유럽 ​​작곡가 19세기 말. 혁신을 이룬 바그너도, 형식과 오케스트레이션에 대해 근본적으로 다른 태도를 가진 말러도 브루크너만큼 급진적인 혁신가는 아니었습니다.

여기에서 모든 것을 찾을 수 있습니다 : 특정 절대 수준으로 제기 된 원시주의, 학교 개념에 맞지 않는 조화로운 혁신, 프랑스 치즈의 곰팡이와 유사한 매력을 더하는 재료 및 오케스트라를 다루는 데 약간의 부적절 함, 고의적 넘어 가기 확립된 틀.

그리고 가장 놀라운 것은 창조되고 있는 것에 대한 절대적으로 유치한 천진난만함과 자신감입니다.

이러한 모든 교향곡 복제본과 수많은 변형을 탐색하는 방법은 무엇입니까? 특히 좋아하는 교향곡을 듣고 싶을 때 부주의하게 포스터나 디스크의 비문을 읽고 결과적으로 완전히 생소한 작품을 얻게 됩니다...
- 실제로는 매우 간단합니다. Bruckner 교향곡이 어떻게 그리고 어떻게 다른지 알면 됩니다. 가장 다양한 에디션은 무엇보다도 네 번째 교향곡입니다. 사실 동일한 자료에 대한 다른 교향곡에 대해 이야기 할 수 있습니다.

교향곡의 CD 세트에서 얼마 후 (나는 어떤 작가의 작품 세트에 대한 아이디어에 대해 다소 회의적이지만 이것에는 작곡가의 반대를 평가 절하하는 상업화가 많은 부분이 있습니다. 그러나 이것은 약간 다른 이야기입니다.) 1874와 1881의 두 가지 Four가 분명히있을 것입니다. 그들은 너무 다릅니다.

그들은 서로 다른 스케르초를 가지고 있습니다. 다른 재료; 그건 그렇고, 방망이에서 바로 scherzo의 첫 번째 버전의 기본 키를 결정하십시오! 바로 작동하지 않습니다! 그리고 동일한 자료에 대한 다른 결말; 그러나 구조와 리듬의 복잡성이 다릅니다.

다른 버전의 경우, 슬프게도 선호하는 취향의 문제입니다. 첫 번째 버전의 두 번째 교향곡은 악장을 재배열하거나 세 번째 교향곡의 간결한 프레젠테이션(실제로는 이후 버전)입니다. , 이 구성을 원래 형식으로 듣는 데 추가로 30분을 소비하지 않도록 합니다.

또는 편집자가 두 번 생각하지 않고 두 가지 다른 버전을 결합하고 더욱이 피날레에서 두 개의 새로운 마디를 쓴 Haas 에디션의 교향곡 8 번.

또한 Bruckner 교향곡을 자신의 버전으로 만든 신사 지휘자들도 상황을 복잡하게 만들었다는 점을 명심해야합니다.

다행스럽게도 현재로서는 지휘자 ​​연구자만이 이 에디션의 연주를 맡는다. 원문점수, 그리고 일반적으로 부족합니다.

이제 나는 해석으로 넘어갈 것을 제안합니다. 버전과의 혼란스러운 상황은 녹음 품질의 변화로 인해 악화됩니다. 어떤 지휘자와 오케스트라의 어떤 녹음을 듣는 것을 선호합니까?
-수정 주의자들의 공연이 정말 마음에 듭니다. 노링턴, 교향곡 4번 - 형태 정렬 측면에서 최고의 연주; Herreweghe, 5번 및 7번 교향곡에서 Bruckner는 청취자에게 친숙한 금관 악기 없이 등장합니다.

독일 지휘 학교 대표들의 그의 교향곡 공연 중에서 나는 브루크너를 일종의 슈베르트의 업그레이드로 보는 Wand와 때때로 최고 수준의 오케스트라와는 거리가 먼 뛰어난 결과를 달성하고 녹음한 Georg Tintner를 언급하고 싶습니다. 초기 교향곡원본 에디션에서.

안타깝게도 완전한 컬렉션을 만들기 위해 일부 교향곡을 연주했다는 사실에도 불구하고 스타 (Karajan, Solti, Jochum)의 공연도 무시해서는 안됩니다.

당연히 나는 몇 년 전 모스크바에서 열린 테오도르 쿠렌치스의 교향곡 9번 연주를 기억하지 않을 수 없다. 나는 그의 해석에서 다른 교향곡을 듣고 싶습니다.

Mravinsky와 Rozhdestvensky의 해석에 대해 어떻게 생각하십니까? Bruckner에 대한 러시아의 접근 방식을 어떻게 보십니까? 어떻게 다른가요? 평온병원에서?
-교향곡 8번과 9번에 대한 Mravinsky의 해석은 상당히 유럽적이고 경쟁적입니다(불행히도 60년대 후반의 녹음으로 판단한 Mravinsky의 7번은 제대로 작동하지 않았습니다).

Rozhdestvensky의 경우 Bruckner의 교향곡 연주는 평균과 매우 다릅니다. Rozhdestvensky에서 Bruckner는 절대적으로 20 세기 작곡가로 인식됩니다. Shostakovich와 거의 같은 시기에 작곡한 작곡가로서(그리고 아마도 그의 교향곡 중 일부를 들었을 것이며 그가 개인적으로 그를 알았을 가능성이 있습니다!).

아마도 다른 공연에서는 그러한 비교가 떠오를 수 없을 것입니다. 더욱이 Bruckner와 Mahler 사이의 모든 차이점이 명백해지는 것은 Rozhdestvensky의 해석에 있습니다 (Mahler가 여러면에서 Bruckner의 추종자라는 의견을 자주들을 수 있지만 이것은 실제로는 완전히 잘못되었으며 아마도 Bruckner의 교향곡을 연주할 때 이것을 가장 설득력 있게 증명한 사람은 Rozhdestvensky입니다.

그건 그렇고, 지휘자가 Bruckner 교향곡의 사용 가능한 모든 에디션(그가 발견한 교향곡 4번의 말러 재편성 포함)을 연주하고 디스크에 녹음했다는 것도 중요한 사실입니다.

Mahler와 Bruckner의 차이점에 대해 더 자세히 이야기 할 수 있습니까? 나는 개인적으로 Bruckner의 진폭, 범위 및 확장의 배경에 비해 Mahler가 창백 해 보이는 것처럼 보이지만 일종의 이중 쌍으로 그들에 대한 의견을 반복적으로 접했습니다.
- 이것은 Bruckner를 일종의 것으로 인식하는 가장 일반적인 실수 중 하나입니다. 겉보기에는 유사점을 찾을 수 있습니다. 둘 다 긴 교향곡을 썼고 둘 다 번호가 매겨진 9개의 완성된 교향곡을 가지고 있었지만 아마도 여기서 유사점이 끝나는 것 같습니다.

Mahler 교향곡의 길이는 매번 세상을 창조하려는 그의 열망 때문이며 다양한 이벤트, 상태 변경이 있으며 Mahler는 물리적으로 30-40 분 교향곡의 표준 프레임 워크에 맞지 않습니다.

Bruckner는 완전히 다르며 그의 교향곡의 길이는 풍부한 사건 때문이 아니라 실제로는 거의 없지만 반대로 한 상태의 시간 확장에 있습니다 (특히 느린 속도에서 느껴집니다) 나중에 교향곡의 일부는 시간의 흐름이 멈춘다고 말할 수 있습니다. "For the End of Time" 4중주에서 Messiaen의 묵상과 함께 비유가 즉시 나오거나 원래 버전의 세 번째 교향곡의 첫 번째 부분에서 이벤트가 거의 치명적인 슬로우 모션으로 발생합니다).

다시 말해 말러는 브루크너보다 나이가 많고, 말러는 브루크너보다 더 낭만적이다.

- 교향곡 형식에 대한 말러와 브루크너의 접근 방식은 무엇인가?
- Bruckner를 사용하면 모든 것이 항상 동일한 모델에 따라 구성됩니다. 일관되게 4개의 악장 주기, 동일한 이벤트 과정: 항상 첫 번째 악장과 피날레의 세 가지 어두운 설명, 거의 항상 ababa 공식에 따라 구축된 느린 악장; 거의 항상 마이너 스케르초(교향곡 4번에서 사냥하는 것을 제외하고) - 그렇지 않으면 대략적으로 말하면 Bruckner는 매번 다른 교향곡을 쓰지 않고 새로운 버전첫째, 말러는 이런 의미에서 절대적으로 예측할 수 없습니다. 그리고 6개 또는 2개의 부품이 있을 수 있다는 점에서; 드라마투르기의 관점에서 볼 때 가장 중요한 포인트는 1악장이나 피날레(말러의 경우처럼)뿐만 아니라 2악장(교향곡 5번)이나 3악장일 수도 있습니다.

역시 그들에게 속하지 않은 라벨과 달리 말러는 평생 나약함을 느낄 수 있는 작곡가도 아니다. 말러에게 "푹 빠져보세요" – 환영하지만 그에게 약점이 있다는 것은 ... 거의 없습니다. 나는 공부하는 동안 말러의 감염에 걸렸습니다. 질병은 수명이 짧았습니다. 작고한 위트레흐트 시장의 부동산 매각으로 구입한 잘린 레코드 더미와 말러 악보의 초판 한 줄은 현재 20년 동안 사라졌습니다. Pink Floud, Tolkien 및 M.K. 에셔. 가끔(매우 드물게) 오래된 레코드를 들으면서 예상했던 것보다 더 깊은 감명을 받았지만 곧바로 평소 상태로 돌아갑니다. 음악이 흘러나오듯 쉽게 내게 흘러들어오고, 옛 감정이 깨어나 같은 서두름으로 나간다...

말러와 브루크너는 완전히 다른 작곡 기술을 가지고 있습니다. 첫째, 악기편성은 순전히 정량적으로 취하더라도 브루크너는 나중에 교향곡이 나올 때까지 대규모 오케스트라를 위해 작곡하지 않았습니다(브루크너의 거대한 오케스트라는 신화입니다!!!).

거기에만 나무, Wagner 파이프 및 추가 2 명의 드러머의 삼중 구성이 포함됩니다 (그 전에 Bruckner는 팀파니에만 제한되었습니다!). 일곱 번째는 논쟁의 여지가 있는 문제입니다. 재생 여부입니다(이 문제에 대해 많은 사본이 손상되었으며 더 많은 사본이 손상될 것입니다).

둘째, 거의 첫 번째 단계에서 말러는 모든 오케스트라 리소스를 사용합니다. 그러나 무거운 구리가 없는 4번 교향곡에서 입증할 수 있는 그의 동료 Richard Strauss(때때로 기회 때문에 모든 자원을 사용함)의 원칙에 따르지 않습니다. 말러를 거대증과 무거움으로 비난하는 사람들) , 그러나 특정 악기로 가득 차 있습니다 (악보에는 4 가지 유형의 클라리넷이 있습니다!).

음색 변조와 다성음은 모방적이지 않고(예를 들어 교향곡 7번의 첫 번째 부분에서 Bruckner의 경우 항상 그렇듯이 귀로 알아차리기가 매우 미묘합니다) 선형적 특성입니다.

이것은 여러 다른 선율과 조직적인 라인이 결합되는 경우입니다. 이것은 또한 말러와 브루크너의 근본적인 차이점입니다.

그러나 일반적으로 작곡 기술 측면에서 말러의 모든 동시대 인들 중에서 말러는 아마도 Lachenmann 및 Fernyhow와 같은 작곡가 수준에서 그것을 소유 한 20 세기 최초의 작곡가 일 것입니다.

- 브루크너의 유산에 대한 해석과 이해의 질은 시간이 지남에 따라 변하는가?
- 틀림없이! 작곡가 브루크너에 대한 연주자들의 관점의 진화를 관찰할 수 있습니다. 첫째, 그에게서 교향곡의 바그너를 보려고 시도한 다음 그를 많은 작곡가 중 한 사람으로 해석합니다. 후기 낭만주의, 어떤 경우에는 베토벤 전통의 후계자입니다.

꽤 자주 기술적으로 완벽하지만 똑같이 실행 불가능한 순전히 상업적인 성능을 관찰할 수 있습니다.

요즘 많은 뮤지션들이 알고 있는 진정한 본질 Bruckner-베토벤 모델에 따라 교향곡을 작곡하기로 결정했지만 Wagner의 언어로 결정한 마을 교사 인 얼간이.

그리고 다행스럽게도 그는 이 작업에 완전히 성공하지 못했기 때문에 우리는 브루크너를 작곡가를 모방하는 많은 동시대인 중 한 사람이 아니라 독립 작곡가라고 말할 수 있습니다.

Furtwängler (1942 년 교향곡 5 번 녹음)가 해석 한 Bruckner를 처음 들었고 지금은 주로 Borya Filanovsky가 지적한 Jochum 세트를 사용합니다.
물론 나는 그들을 알고 있다! Furtwängler의 다섯 번째는 확실히 그의 최고의 녹음 공연 중 하나로 역사상 기록되었습니다.

Jochum은 고전적인 Bruckner 세트이지만 모든 (거의 예외없이! 그리고 이것은 Bruckner에만 적용되는 것이 아닙니다) 세트와 마찬가지로 모든 것이 동등하지는 않습니다. (게다가 Jochum은 평생 Bruckner를 녹음했으며 두 세트가 있습니다 - dg 및 emi (이 세트의 불법 복제본은 거의 전국적으로 판매됨) + 별도의 라이브 녹음, 때로는 스튜디오와 크게 다릅니다).

나는 단지 에미를 가지고 있습니다. 그리고 왜 우리는 항상 교향곡에 대해서만 이야기하고 미사 및 기타 합창 작품을 전혀 건드리지 않는지 흥미롭지 않습니까?
- 브루크너의 미사 중에서 아마도 합창단을 위한 두 번째 미사곡과 브라스 밴드, 대체로 관악기 앙상블-그들은 특별한 음색 풍미를 더합니다.

그들은 Bruckner가 그 자리에서 공연하기 위해이 미사를 썼다고 말합니다 ... 새로운 대성당 (나중에 지어짐)의 제안 된 건설이므로 작곡은 아마도 열린 공간, 아마도 그러한 특별한 구성의 이유 일 것입니다.

세 번째 미사는 이상하게 들릴지 모르지만 비엔나에서 브루크너의 주요 경쟁자인 브람스의 독일 레퀴엠(같은 시기에 작곡됨)과 공통점이 많습니다.

어떤 이유로 Bruckner의 마지막 작곡 인 Helgoland는 거의 연주되지 않는 것으로 판명되었습니다 (그런데 교향곡 9 번 피날레의 살아남은 스케치에 따르면 Bruckner가이 작곡의 자료를 거기에 포함시킬 것이라고 가정 할 수 있습니다 너무) 형식이 매우 예측할 수 없는 구성이며 (아마도 훨씬 더 중요하게) 정식 종교 텍스트가 아닌 Bruckner의 합창 작품에 대한 거의 예외적인 경우입니다.

- 브루크너의 미사는 다른 작곡가들의 미사를 배경으로 어떻게 보이나?
-공식에는 근본적인 글로벌 혁신이 없을 것입니다. 또한 Bruckner는 아마도 미사를 장르로 해석하는 데 베토벤보다 훨씬 더 보수적 인 것으로 판명되었을 것입니다 (분명히 여기서 Bruckner는 교회 관리들 앞에 나타나기를 원하지 않았습니다. 일종의 이단자로).

그러나 이미 대중에서 (마지막 대미사 인 세 번째를 제외한 거의 모든 것이 번호가 매겨진 교향곡 이전에 작성됨) 악장 사이에서 작곡가의 서명 아치를 찾을 수 있습니다.

예를 들어, Agnus dei의 미사 전체가 끝날 때 또는 Agnus dei의 클라이막스 웨이브에서 Fugue Gloria의 일부가 들릴 때 두 번째 미사에서 Kyrie의 결론 부분이 울려 퍼집니다.

- 통역을 선택할 때 지휘자의 결정과 억양 중 어떤 부분이 가장 중요하다고 생각하시나요?
- 모든 것은 지휘자의 의도의 설득력에 달려 있습니다. Skrovachevsky는 절대적으로 설득력이 있으며 저자의 텍스트를 방해하고 때로는 악기를 변경하며 저자의 텍스트를 정직하게 고수하는 다른 지휘자는 그다지 설득력이 없습니다 (상황이 역전 될 수 있음).

당연히 브루크너를 연주할 때 가장 중요한 것 중 하나는 파트 사이에 모든 극적인 포인트와 아치를 구축하는 것입니다. 그렇지 않으면 상황이 잘 알려진 일화와 비슷할 수 있습니다. ...

또한 그의 질량과 함께 일부 지점에서 유사점을 그릴 수 있습니다 (특히 그가 전체 조각을 비밀리에 또는 은밀하게 인용하는 장소에서) 일반적으로 질량에서 특정 텍스트로 고정되기 때문에 우연이 아닙니다. 교향곡에서 텍스트는 실제로 사라지지만 무의식적으로 남아 있습니다.

예를 들어 교향곡 4번의 첫 번째 버전 코다에서 4분의 5도 크레센도(세 번째 미사에서 시작하여 반음 아래로 조옮김)는 교향곡에 익숙해져 이 순간을 놓치지 않고 지불하지 않을 것입니다. 그것에주의하십시오.

Bruckner는 당신의 작업에 어떤 영향을 미쳤습니까?
- 물론 직접적인 영향은 감지할 수 없습니다( 학생 작품물론 학교 기간의 구성에 따라 계산되지 않습니다) 간접적으로, 아마도 어떤 종류의 질감이 의도적으로 오랫동안 늘어난 경우 ... 그리고 그게 전부일 것입니다!

음악원 기간 동안 저는 오히려 20세기 작곡가들에게 영향을 받았습니다: Webern, Lachenmann, Sharrino, Feldman; 동시대에서...

나를 위한 Bruckner의 예술에 대한 나의 매력은 - 실제로 일어났습니다 - 오히려 병렬적이며 내 구성 검색과 거의 교차하지 않습니다.

- Bruckner의 전기에서 중요하거나 상징적이라고 생각하는 것은 무엇입니까?
-글쎄요, 저는 상징에 대해서도 모릅니다. 그리고 일부 중요 포인트… 아마도 Wagner와의 만남과 그의 음악에 대한 친분. 음, 그리고 Zeroth Symphony에서 시작하여 평생 지향했던 Beethoven의 Ninth Symphony의 인상 (이전 부분의 주제에 대한 회상, 작곡의 음조 계획-이것이 모두 거기에서 나옵니다).

Belcanto Foundation은 Anton Bruckner의 음악을 특징으로 하는 콘서트를 모스크바에서 조직합니다. 이 페이지에서 Anton Bruckner의 음악과 함께 2019년 예정된 콘서트의 포스터를 볼 수 있고 편리한 날짜의 티켓을 구입할 수 있습니다.

브루크너 안톤(1824 - 1896) - 뛰어난 오스트리아 작곡가, 오르간 연주자, 교사. 시골 교사의 가정에서 태어났습니다. 그는 아버지이자 오르가니스트인 I.B. Hörsching의 바이스. 1837년 그는 린츠 근처의 성 플로리안 수도원에서 합창단원으로 받아들여져 오르간과 바이올린을 공부했다. 오스트리아 최고의 수도원 교회 오르간 소리는 미래 음악가의 형성에 큰 영향을 미쳤습니다. 1841-45년에 Linz에서 교사 과정을 수강한 후 Windhaag와 Kronnstorf 마을에서 조교로 일했으며 그곳에서 최초의 음악 작품이 작곡되었습니다. 1845-55년에 그는 St. Florian의 학교 교사였으며 1848년부터는 수도원의 오르간 연주자이기도 했습니다. 1855년에 그는 린츠의 대성당 오르간 연주자가 되었습니다. 이때부터 브루크너의 음악 활동이 본격적으로 시작된다. 1856-61년. 그는 1861-63년에 오스트리아 최대의 음악 이론가 S. Zechter와 통신 과정을 수강합니다. 지휘자 Linzky의 ​​지도 아래 연구 오페라 극장 O. Kitzler의 영향으로 Wagner의 오페라를 연구합니다. 1865년 뮌헨에서 열린 바그너의 오페라 트리스탄과 이졸데의 초연에서 바그너와 브루크너는 개인적으로 만났습니다. 1864년에 Bruckner의 첫 번째 성숙한 작품인 Mass in D Minor(No. 1)가 완성되었으며, 1866년에는 첫 번째 교향곡(1868년 Linz에서 저자의 지시에 따라 연주됨)이 완성되었습니다. 1868년부터 Bruckner는 비엔나에 살면서 비엔나 음악 친구 협회 음악원에서 하모니, 대위법 및 오르간을 가르쳤습니다. 1875년 이후 - 비엔나 대학교 부교수, 1878년 이후 - 법원 예배당의 오르간 연주자. 1869 년 오르간 연주자로서 그는 1871 년 영국 (런던, Albert Hall 개장에 초대 됨)에서 프랑스 (Nancy, Paris)를 여행했습니다. 비엔나에서 Bruckner는 대중과 음악가가 자신의 음악을 인식하는 데 어려움을 겪었습니다. 7번 교향곡(1884, 라이프치히)의 초연 후에야 그는 널리 알려지게 되었습니다. Bruckner 생애의 마지막 10년 동안 그의 교향곡은 주요 지휘자(G. Richter, A. Nikish, F. Weingartner 등)의 레퍼토리에 포함되었습니다. Bruckner는 Franz Joseph Order(1886)와 비엔나 대학에서 명예 철학 박사 학위(1891)를 받았습니다. 그의 유언에 따라 성 플로리안에 묻혔다.
Bruckner 유산의 주요 부분은 교향곡과 신성한 음악입니다. 브람스, 말러와 함께 브루크너는 19세기 후반 최고의 오스트리아-독일 교향곡 연주자 중 한 명입니다. 현대 작곡가들 사이에서 브루크너를 구별짓는 독특하고 복잡한 음악적 언어는 그의 작곡을 위한 조건과 관련이 있다. 창조적 개성. 작곡가 스타일 Bruckner는 가장 다양하고 때로는 반대되는 음악 전통의 영향으로 형성되었습니다. 오랫동안 Bruckner는 영역에있었습니다. 교회 음악, 오스트리아 전통에서 수세기 동안 거의 변하지 않았으며 40 세에야 기악 장르, 나중에 교향곡 작업에 집중합니다. Bruckner는 전통적인 유형의 4 부분 교향곡에 의존했으며 Beethoven의 교향곡은 그를위한 모델 역할을했습니다 (주로 그의 작품에 대한 일종의 "모델"이 된 9 번째 교향곡). 후기 낭만주의 시대에 널리 퍼진 "프로그램"음악에 대한 아이디어는 그에게 낯설었습니다. 그러나 Bruckner의 교향곡에서도 바로크 음악 전통의 영향을 찾을 수 있습니다(주제와 형식에서). 기부 큰 중요성이론적 지식, Bruckner는 완벽하게 마스터했습니다. 음악 이론그리고 폴리포닉 기법; 그의 음악에서 폴리포니 연주 필수적인 역할(이 점에서 가장 특징적인 것은 다섯 번째 교향곡입니다). 당시 가장 위대한 오르간 연주자이자 즉흥 연주자 중 한 명인 Bruckner는 종종 오르간의 특징적인 질감 유형, 음색 분포 원칙을 오케스트라로 옮겼습니다. 그의 교향곡이 연주될 때 때때로 교회 음향과 관련이 있습니다. Bruckner의 깊고 순진한 종교성 최고의 에세이- "Te Deum"과 아홉 번째 교향곡인 "사랑하는 하느님"은 "Gregorian" 성가의 영역에 대한 빈번한 호소와 무엇보다도 황홀한 절정에서 그의 교향곡의 느린 부분에 대한 신비로운 묵상에서 나타납니다. , 주관적인 경험, 개인의 고통은 창조주의 위엄에 대한 경외심으로 해소됩니다. Bruckner는 Wagner를 깊이 존경했으며 그를 가장 위대한 사람으로 여겼습니다. 현대 작곡가(세 번째 교향곡은 바그너에게 헌정되었으며, 일곱 번째 교향곡의 후반부는 바그너의 죽음에 대한 인상을 받아 작곡되었습니다.) 그의 영향은 Bruckner 작품의 조화와 오케스트레이션에 반영되었습니다. 동시에 Wagner의 음악적 및 미적 아이디어는 Wagner 작업의 독점적인 음악적 측면을 인식한 Bruckner의 관심을 벗어났습니다. Wagner 자신은 Bruckner를 높이 평가했으며 그를 "베토벤 이후 가장 위대한 교향곡 연주자"라고 말했습니다.
Bruckner 교향곡의 큰 규모, 거대하고 강력한 오케스트라 색상에 대한 매력, 배치의 길이와 기념비적 인면에서 우리는 그의 스타일의 서사적 특징에 대해 이야기 할 수 있습니다. 우주의 원초적 조화와 온전함을 확신한 브루크너는 각 교향곡에서 조화롭고 밝은 시작에 대한 최종 확인을 전제로 하는 안정적이고 단번에 선택된 "모델"을 따릅니다. 비극적 인 갈등의 악화, 특히 집중적 인 교향곡 개발은 Bruckner의 마지막 세 교향곡 (7, 8 및 9)을 표시했습니다.
대부분의 Bruckner 작품에는 여러 판 또는 버전이 있으며 종종 서로 크게 다릅니다. 이것은 작곡가가 그의 작품에 더 쉽게 접근할 수 있도록 노력하면서 그의 시간을 양보했고 Bruckner의 자기 비판 증가, 그의 지속적인 창의적 진화 때문입니다. 그의 측근에 있던 친구들과 학생들도 공연과 인쇄를 위해 Bruckner의 악보를 (종종 그의 동의 없이) 크게 변경했습니다. 그 결과 수년 동안 Bruckner의 음악은 수정된 형태로 대중에게 제공되었습니다. 브루크너 작품의 원곡은 1930년대와 1940년대에야 처음 출판되었습니다. 작곡가의 수집 작품의 일부로 XX 세기.
1928년 비엔나에서 국제 브루크너 협회가 결성되었습니다. Bruckner 전용 음악 축제가 Linz에서 정기적으로 열립니다.
작곡 : 번호가 표시되지 않은 2 개를 포함한 11 개의 교향곡 (3rd - 1873, 2 판 1877-78, 3 판 1889, 4th "Romantic"-1874, 2 판 1878-80., 3 판. 1888, 5 판 - 1876-78 , 7차 - 1883년, 8차 - 1887년, 2차 판 1890년, 9차, 미완성 - 1896년); 신성한 음악 (Requiem - 1849; Magnificat - 1852; 3 개의 큰 미사 - 1864, 1866 - 합창단 및 브라스 밴드 (2 판 1882), 1868; Te Deum - 1884; 시편, 모테트 등); 세속 합창단("Germanenzug" for 남성 합창단및 브라스 밴드 - 1864; 남성 합창단과 오크를 위한 "Helgoland". - 1890년 등); 장기용 조성물; 현악 5중주(1879) 등