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소비에트 지휘자. 세계의 유명한 지휘자 가장 유명한 지휘자

G. 로마킨(1811-1885). 재능있는 노래 교사의 명성은 일찍 Lomakin에 왔으며 북부 수도 전역에 빠르게 퍼졌습니다. 그는 생도, 해군 및 페이지 군단, lyceum, 연극 학교, 로스쿨 (당시 P.I. 차이코프스키가 공부 한 곳)과 같은 많은 교육 기관에서 가르치도록 초대 받았습니다. 이 학교에서 G.Ya.가 만났습니다. 미술 평론가 V.V. Stasov. 뛰어난 러시아 비평가는 우리 동포의 경력에 중요한 역할을 한 Lomakin의 "우수한 학교", "올바른 배움의 길", "타고난 재능", "합창단을 이끄는 중요성과 기술"을 반복해서 언급했습니다. 1862년에는 유명한 작곡가엄마. Balakirev Lomakin은 무료 음악 학교- 사람들을 계몽하고 교육하기 위해. 학교에서 G.Ya. Lomakin은 멋진 새 합창단을 만들었을뿐만 아니라 미래의 음악 교사 교육을 조직했습니다. 그의 많은 제자들이 유명한 음악가: 가수, 합창 지휘자, 교사. Gavriil Yakimovich는 생애의 마지막 몇 년을 작곡 작업에 바쳤습니다. 그 전에는 합창단과 함께 수업 사이의 짧은 휴식 시간 동안에만 음악을 작곡 할 수있었습니다. 그 기간 동안 그는 창조 전선합창단 작곡, 여러 로맨스를 썼습니다. 그리고 1883년 M.A. Balakirev, Lomakin도 그의 작품을 출판할 수 있는 드문 기회를 얻었습니다. 그는 그들에게 교정지의 수정과 편집을 맡겼습니다. 지난 날들자신의 삶.

A. 아르한겔스키(1846-1924)

법원 예배당.

독립 합창단(1880).

셰레메티예프 백작 예배당.

이력서. 스몰렌스키(1848-1909)

총회 학교장(1889-1901).

궁중합창단장(1901-1903).

민간 리젠시 과정 이사 (St. Petersburg)

VS 오를로프(1856-1907).

러시아 합창 협회 합창단(1878-1886).

러시아 합창 협회 예배당(1882-1888).

총회 합창단의 섭정(1886-1907).

Alexander Dmitrievich Kastalsky (1856-1926).

총회 합창단(1901년 이후 섭정).

파벨 그리고리예비치 체스노코프(1877-1944).

개인 영적 합창단 A.P. Kayutova.

러시아 합창 협회 합창단(1916-1917).

모스크바 교회의 섭정.

니콜라이 미하일로비치 다닐린(1856-1945).

총회 합창단(1910-1918).

개인 합창단 Kayutov (1915-1917).

레닌그라드 학술 예배당.

주립 합창단소련.

스베시니코프 알렉산더 바실리에비치(1890-1980), 합창단 지휘자, 소련 인민 예술가 (1956), 사회주의 노동 영웅 (1970). 1936-37년에 그는 1928년에 그가 만든 All-Union Radio Vocal Ensemble을 기반으로 조직된 소련 국가 합창단의 예술 감독이었습니다. 1937-1941년 - 레닌그라드. 예배당; 1941 년부터-국가 러시아 노래 합창단 (나중에 소련의 국가 아카데믹 러시아 합창단). 주최자 (1944) 및 모스크바 이사. 합창 학교(1991년부터 S.의 이름을 딴 합창 예술 아카데미). 교수(1946년 이후), 총장(1948-74) 모스크바. 온실. 소련 국가 상 (1946).

YURLOV 알렉산더 알렉산드로비치(1927-73),합창 지휘자, RSFSR 인민 예술가(1970), 아제르바이잔. SSR(1972). 학생 A.V. Sveshnikov. 1958년부터 Rep.의 예술 감독 겸 수석 지휘자. 러시아인 합창단 예배당(1973년부터 그의 이름을 따서 명명). 뮤지컬 페드 교수. 학회. 그네신(1970년 이후). 소련 국가 상 (1967).

테블린 Boris Grigorievich 합창단 지휘자, 교수 (1981), 학과장 합창 지휘 P. I. Tchaikovsky(1993-2007)의 이름을 딴 모스크바 국립 음악원. 국민작가 러시아 연방 (1995).

카자흐코프 Semyon Abramovich (1909-2005) - 교사, 교수, Kazan State Conservatory 합창 지휘과장.

미닌 Vladimir Nikolayevich (b. 1929), 합창단 지휘자, 소련 인민 예술가 (1988). 학생 V.G. Sokolova, A.V. Sveshnikov. 1972년부터 손. 그에 의해 설립 모스크바. 실내 합창단, 1987년부터 (동시에) 국가 예술 감독. 러시아인 성가대. 1978년부터 교수(1971-79년 총장) 뮤지컬-ped. 학회. 그네신. 소련 국가 상 (1982).

드미트랴크 Gennady Alexandrovich - 합창 및 오페라 및 심포니 지휘자, 러시아 명예 예술 노동자, 예술 감독 및 수석 지휘자 A.A.의 이름을 딴 러시아 국립 학술 합창단. Yurlov와 Capella "Moscow Kremlin", 합창 지휘과 부교수 러시아 아카데미그들에게 음악. 그네시니크.

합창 지휘자 요건

뛰어난 지휘 기술 구사력;

합창단의 구성원을 각자의 요구에 따라 파트별로 올바르게 배치할 수 있어야 합니다. 노래하는 목소리및 범위;

모든 다양성을 쉽게 탐색 뮤지컬 작품다양한 스타일, 시대, 방향, 합창 악보 녹음 및 읽기의 이론적 기초를 알고 있습니다.

음악에 대한 좋은 귀, 리듬감, 발전된 예술적 취향을 가지고 있습니다.

장르 합창 음악

빌라넬라(이탈리아 마을 노래) - 15-16세기의 이탈리아 노래, 주로 3성부, par al. 목소리의 움직임, 생동감 있는 캐릭터, 서정적이거나 유머러스한 콘텐츠.

정경(그리스 규범, 규칙) - 다성음. 뮤지컬. 양식 기반. 엄격한 연속, 모방에 따라. 음성은 선행 음성의 멜로디를 반복하며 이전 음성으로 끝나기 전에 들어갑니다. 캐논은 목소리의 수, 그 사이의 간격(프리마, 5, 옥타브 등의 캐논), 동시에 모방되는 주제의 수(단순 캐논; 이중, 예를 들어 모차르트 레퀴엠 4번, 등), 모방의 형태 (Canon in 증가, 감소). 소위 무한 카논에서는 멜로디의 끝이 시작으로 넘어가서 목소리가 몇 번이고 다시 들어갈 수 있습니다. "가변 표시기"(Vl. Protopopov)가있는 캐논에서는 모방 중에 멜로디 패턴과 리듬이 유지되지만 간격이 변경됩니다. 정식 모방은 어떤 형태로든 합창에서 자주 사용됩니다. 작전; K. 형식으로 작성된 연극이 있습니다 (O. Lasso의 "Echo", F. Mendelssohn의 "Song of the Lark", arr. N.A. Rimsky-Korsakov "I Walk with a Loafer"등).

칸트(lat, cantus에서 - 노래, 노래) - 일종의 오래된 합창 또는 앙상블 노래 캡. 16세기에 시작되었습니다. 폴란드에서, 나중에-우크라이나에서, 두 번째 섹스에서. 17 세기-러시아에서 초기 유형의 도시 노래로 널리 퍼졌습니다. 처음으로 18 세기 - 가정에서 가장 좋아하는 장르, 일상 음악. 처음에는 캔트가 종교적 내용의 찬송가이지만 나중에는 세속적 주제로 가득 차 있습니다. 가장자리가 나타납니다. 서정적, 목가적, 음주, 만화, 행진 등. Peter the Great 시대에는 소위 pangyric cantes가 있습니다. 만세; 대포 발사, 팡파르 및 종소리와 함께 축제 및 개선 행렬 중에 가수 합창단이 공연합니다. 칸트의 문체적 특징: 2행 형식, 종속 음악적 리듬시적; 리드미컬한 선명도와 멜로디의 매끄러움, 주로 2개의 상위 성부가 평행하게 움직이는 3개 성부 창고, 베이스는 종종 선율적으로 전개됩니다. 모방도 있다. cante에는 멜로디와 하모니의 자연스러운 상관 관계, 하모닉 기능의 균형-하위, 지배, 강장제가 있습니다. B. Asafiev는 “18세기 후반과 19세기 초 음악의 진화에서. 테두리는 일종의 간략한 백과사전승리의 호모포닉 스타일”(“과정으로서의 음악 형식”, L., 1963, p. 288). Kants는 시가 자주 사용되었지만 텍스트와 음악의 저자를 표시하지 않고 손으로 쓴 컬렉션으로 배포되었습니다. 현대 시인 Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov 및 기타 첫 번째 도착. 나르. 노래. 점차적으로 테두리가 더 복잡해져 로맨스의 특징을 얻었습니다. 나중에(19세기) 캔트를 기반으로 군인, 음주, 학생 및 부분적으로 혁명적인 노래가 만들어졌습니다. 칸트의 영향은 러시아어에서도 찾아볼 수 있다. 고전 음악, Glinka (오페라 "Ivan Susanin"의 "Glory") 등과 함께

칸타타(이탈리아 칸타레 - 노래하기) - 가수-솔리스트, 합창단 및 오케스트라, 엄숙하거나 서정적 서사적 성격을 위한 작품. 칸타타는 합창(솔리스트 없이), 실내악(합창단 없이), 피아노 반주가 있거나 없는 것, 하나의 악장 또는 여러 개의 완성된 곡으로 구성될 수 있습니다. 오라토리오(표현 수단 면에서 유사)에서 칸타타는 일반적으로 크기가 작고 내용이 균일하며 플롯이 덜 발달되어 있다는 점에서 다릅니다. 칸타타는 17세기 이탈리아에서 시작되었으며 처음에는 노래를 위한 곡으로 소나타와 대조를 이룹니다. 이것은 칸타타가 영적, 신화적, 일상적인 주제에 대한 칸타타를 작곡한 J. S. 바흐의 작품에서 그 자리를 차지한다는 것을 의미합니다. 러시아에서 칸타타는 18세기에 나타나 19세기와 20세기에 발전했습니다. 솔로 연극 칸타타(Verstovsky의 "The Black Shawl"), 인사말, 기념일, 서정적, 서정적 철학적 칸타타("Farewell Songs") of the Pupils of the Catherine and Smolny Institutes” 글린카, “모스크바”, “To Joy” 차이코프스키, “Svitezyanka” by Rimsky-Korsakov, “John of Damascus”, “After read the Psalm”, “Spring ", Rachmaninov의 "The Bells"; Balakirev의 "Glinka 기념비 개관을위한 칸타타"등 d.).

칸타타 장르는 독창성으로 발전했습니다. 소비에트 작곡가, 특히 역사, 애국 및 현대 주제에 대한 작업에서 (Prokofiev의 Alexander Nevsky, Shaporin의 Symphony-cantata "On the Kulikovo Field", Arutyunyan의 "Cantata about the Motherland"등). 현대의 독일 작곡가 K. Orff는 무대 칸타타(Carmina Burana 등)를 썼습니다.

마드리갈(이탈리아 사람) -가사모국어로. (lat, lang.의 챈트와 달리) 원래는 단음입니다. 초기 르네상스(14세기)에는 2-3성부로 연주되었다. 시대에 후기 르네상스(16세기) 세속 음악의 중심을 차지했으며, 4-5성부를 위한 폴리포닉 창고의 한 부분 또는 여러 부분 성악 구성을 나타냅니다. 이탈리아 외부에 배포되었습니다. 마드리갈 장르는 주로 서정적이며 시적 텍스트(개별 단어의 그림까지). 귀족 계에서 발전한 마드리갈은 멜로디 측면에서 (frotolla, villanella, chanson 등과 달리) 민속 음악, 종종 너무 정교합니다. 동시에 이미지와 표현수단의 폭을 넓히는 진보적인 의미도 가지고 있었다. 더 단순하고 민속과 관련이 있으며 16-17 세기의 감성적 인 영어 madrigal. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). 17세기까지 마드리갈은 다성 성악 스타일에서 벗어나 기악 반주와 함께 독창성을 강조합니다. madrigal의 뛰어난 마스터 (개발의 여러 단계에서)는 Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi였습니다.

모테트(프랑스 mot-단어에서)-보컬 장르. 폴리포닉. 음악. 처음에는 프랑스(12-14세기)에서 여러 곡이 모테트로 결합되었습니다. (대부분 3) 텍스트가 다른 독립 멜로디: 낮은 목소리(테너) - 교회. 중간(motet) 및 위쪽(triplum)에 라틴어 텍스트로 된 성가 - 구어체 프랑스어로 된 사랑 또는 만화 노래. 가톨릭 교회는 (15세기부터) 다성 찬송가를 하나의 라틴어 텍스트로 대조함으로써 그러한 "저속한 모테트"에 맞서 싸웠습니다. Madrigals는 합창단 모자를 위해 작성되었습니다. (16 세기 말부터 반주 포함) 여러 (2, 3 또는 그 이상) 섹션으로 구성되어 있으며 종종 화음 창고에 있습니다. 17세기 기악 반주와 함께 솔로 가수를 위한 모테트가 있었다.

오페라 코러스- 현대 오페라 공연의 주요 구성 요소 중 하나. 시대, 장르, 작곡가의 개성과 관련하여 오페라의 합창단은 다른 역할국내 배경, 장식 요소, 프롤로그 참여자 생성에서 Ch. 연기하는 사람. 오페라 세리아 ( "진지한 오페라", 17-18 세기)에서는 합창단이 거의 없었고 오페라 부파 ( "코믹 오페라", 18 세기)에서는 산발적으로 나타났습니다 (예 : 결승전). 종종 합창단이 있지만 Gluck과 Cherubini의 오페라에서 사람들의 이미지를 전달하는 합창단의 역할이 강화되었습니다. 그 장면에는 오라토리오 정적 특성이 있습니다. Rossini (William Tell), Verdi (Nabucco, Battle of Legnano)가 영웅적인 사람들의 이미지와 함께 19 세기 초반 서유럽 오페라의 합창단에 더 큰 극적인 의미를 부여했습니다. Meyerbeer의 오페라에서 합창단의 참여는 극적인 절정을 강조합니다. 서정 오페라 19 세기 합창단은 적절한 분위기, 국가적 색채, 분위기를 조성하는 데 기여합니다 (op. Bizet, Verdi, Gounod). 민속 오페라에서 합창단은 민요, 춤 (op. Monyushko, Smetana)에 가까운 장르 특성을 가지고 있습니다. 루스. 세속적인 합창 예술은 처음에 오페라 합창단(18세기, op. Fomin, Pashkevich 등)으로 대표되었습니다. 그리고 앞으로 합창단은 러시아어에서 큰 자리를 차지합니다. 오페라, "국적과 민주주의의 초석 교리이자 확언"(B. Asafiev). 오페라와 합창 창의력 Rus. 작곡가는 매우 다양합니다.

역사 애국 오페라(글린카의 이반 수잔인, 보로딘의 이고르 왕자, 림스키-코르사코프의 프스코프의 하녀 등)에서 합창단은 인물들과 함께 주인공이 된다. 특히 ( 큰 중요성 Mussorgsky ( "Boris Godunov", "Khovanshchina")의 민속 뮤지컬 드라마에서 합창단을 인수했으며, 개발 과정에서 사람들의 이미지가 여러 가지 방식으로 제시됩니다. Verstovsky ( "Askold 's Grave"), Dargomyzhsky ( "Mermaid"), Serov ( "Enemy Force"), Tchaikovsky ( "Cherevichki", "The Enchantress") 등의 러시아 일상 오페라에는 민속과 밀접한 관련이 있습니다. 노래. 국가적 독창성은 동양 주제와 관련된 오페라의 합창 장면 (Glinka의 Ruslan과 Lyudmila, Rubinstein의 The Demon, Borodin의 Prince Igor 등)에 반영됩니다. 합창 수단훌륭하고 환상적인 플롯의 묘사에서 응용 프로그램을 찾으십시오 (op. Glinka, Verstovsky, Rimsky-Korsakov). 합창단은 일반적으로 프롤로그, 에필로그 (Glinka, Serov, Rubinstein, Borodin 등의 오페라, 찬송가 연주 등)에서 연설 계획에도 사용됩니다. (Tchaikovsky의 "The Maid of Orleans", "Khovanshchina" " Mussorgsky 등). 전통 러시아 클래식 오페라 합창단의 적극적인 참여는 소련 음악적 창의성에서 계속됩니다. 러시아 소비에트 작곡가 "전쟁과 평화", Prokofiev의 "Semyon Kotko", "The Decembrists"의 오페라 Shaporin, Shostakovich의 "Katerina Izmailova", Koval의 "Emelyan Pugachev", Dzerzhinsky의 "Quiet Don" "및 "Virgin Soil Upturned", Muradeli의 "October", Slonimsky 등의 "Virineya", 많은 국립 오페라별도의 합창단과 개발 된 합창 장면을 포함합니다. 오페라 성가대자체 성능 특성이 있습니다. 우선 뛰어난 밝기, 뉘앙스의 볼록성 (장식 디자인과 유사), 텍스트 강조, "오케스트라를 통해 날아가는"능력입니다. 강당. 때문에 오페라 합창단자주 움직이고 특별한 자신감, 각 참가자의 독립성이 필요합니다. 이러한 자질을 개발하기 위해 어떤 그룹에서는 가수들이 파트를 공부할 때 타이밍을 배웁니다. 합창단이 지휘자를 보지 못하는 미장센의 존재는 소위 말하는 것을 필요로 한다. 합창단장이 무대 뒤에서 진행하는 방송(지휘자 페이스); 동시에 연주의 동기화를 달성하기 위해 지휘자의 "포인트"(합창단의 깊이에 따라 다소 다름)에 약간의 리드가 만들어집니다.

오라토리오(위도에서, 와우-기도합니다)-합창단, 솔리스트, 오크를위한 주요 음악 .; 비교 ~에서 보컬 앙상블, arias, recitatives, 완성 된 오케스트라 번호., 오라토리오는 16-17 세기 초 이탈리아에서 칸타타 및 오페라와 거의 동시에 시작되었으며 구조가 비슷합니다. 그것은 더 큰 크기, 상세한 줄거리, 서사적 성격에서 칸타타와 다르며 극적 전개보다 내러티브 요소가 우세하다는 점에서 오페라와 다릅니다. 오라토리오는 교회의 특별한 방인 오라토리오에서 연주되는 극화 찬송가(영적 찬양 찬송가)에서 발전했습니다. 특별한 유형 오라토리오 - 열정; 구조와 형식면에서 오라토리오는 미사, 레퀴엠, Stabat Mater 등을 포함하며 오라토리오 장르는 Bach, 특히 영웅 서사적 오라토리오의 유형을 만든 Handel의 작품에서 절정에 이릅니다. Haydn의 오라토리오는 장르-국내 및 서정-철학적 특징으로 표시됩니다. 19세기 찌르다. 오라토리오 장르는 20세기에 Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi 등에 의해 만들어졌습니다. - Honegger, Britten 및 기타 첫 번째는 Degtyarev의 러시아 오라토리오 "Minin and Pozharsky"를 의미합니다. A. Rubinstein ( "바빌로니아 판 데모 늄", "파라다이스 로스트"등)에 의해 여러 오라토리오가 만들어졌습니다. 러시아 고전 오페라에서 오라토리오 스타일의 기법은 대규모 합창 장면의 형태로 널리 사용됩니다 (Glinka의 Ivan Susanin, Ruslan 및 Lyudmila, Serov의 Judith, Borodin의 Prince Igor, Rimsky-Korsakov의 Sadko 등). 오라토리오 장르는 소련 작곡가들이 역사적이고 현대적인 주제를 구현할 때 널리 사용됩니다(Koval의 "Emelyan Pugachev", Shaporin의 "The Legend of the Battle for the Russian Land", Shostakovich의 "Song of the Forests", "On Guard"). For Peace” Prokofiev, Kabalevsky의 “Requiem”, “ Mahogany "Zarina 및 기타).

노래- 가장 단순하고 일반적인 형태 성악, 시적 이미지와 음악적 이미지를 결합합니다. 노래의 특징은 완전하고 독립적이며 선율적인 선율, 구조의 단순성(보통 기간 또는 2, 3성부 형식)의 존재입니다. 노래의 음악은 세부적인 설명 없이 텍스트의 일반적인 내용과 일치합니다(예: 매우 일반적인 2행시 노래). 장르, 기원, 구조 등이 다른 포크 및 프로페셔널(작곡가가 제작) 곡이 있습니다. 합창곡의 장르는 일반적입니다. 민요(농민과 도시), 소비에트 대중 노래, dep. 러시아와 소련 작곡가의 합창단. 서유럽 음악에서는 합창곡이 재배되었다. 낭만주의 작곡가(베버, 슈베르트, 멘델스존, 슈만, 브람스). 비유적인 의미에서 노래라는 용어. 또는 노래(작품의 서사적이고 장엄하며 시적인 숭고함을 강조하기 위해)는 주요 음악 작품인 칸타타(예: 브람스의 운명의 노래, 승리의 노래)의 제목에 사용됩니다.

합창- 카톨릭의 종교적 성가와 개신교. 개신교의 다성 성가(16세기 종교 개혁 지도자들이 도입)는 전체 공동체가 독일어로 불렀습니다(특별한 남성 가수들이 라틴어로 불렀던 그레고리오 성가의 조화와 반대). 합창의 멜로디는 앉아있는 리듬으로 구별됩니다. 합창 창고(또는 단순히 합창단)는 일반적으로 호출됩니다. 느린 악장에서 균일한 지속 시간에 의한 코드 표현.

이타이 탈감

비즈니스, 교육, 정부, 의료 및 기타 분야의 리더가 팀의 "지휘자"가 되어 협업을 통해 조화를 이루도록 돕는 유명한 이스라엘 지휘자 및 컨설턴트입니다.

Itay Talgam은 리더십 기술은 보편적이며 오케스트라와 지휘자의 의사 소통 스타일은 여러면에서 상사와 회사 직원의 관계와 유사하다고 주장합니다. 그러나 그러한 관계를 조직하는 데 보편적인 원칙은 없습니다. 저자는 위대한 지휘자들이 관찰한 오케스트라 운영 방법에 대한 그의 관찰을 공유하고 이를 6가지 조건부 범주로 나눈다.

1. 지배와 통제: Ricardo Mutti

리카르도 무티(Ricardo Mutti)는 리허설과 공연 모두에서 오케스트라를 세심하게 관리하며 세부 사항에 주의를 기울입니다. 게임의 모든 뉘앙스는 그의 제스처에 집중되어 있습니다. 그는 음악가가 재구성해야 하기 훨씬 전에 변화하는 음색을 알립니다. Mutti는 부하 직원의 모든 단계를 제어하며 아무도 그의 관심 없이는 아무것도 남지 않습니다.

완전한 통제는 지휘자 자신이 최고 경영진, 즉 이사회 또는 위대한 작곡가의 지속적으로 존재하는 정신으로부터 압력을 느낀다는 사실에 기인합니다. 그러한 지도자는 항상 무자비한 초자아의 비난을 받습니다.

지배적 인 지도자는 불행합니다. 그의 부하들은 그를 존경하지만 그를 좋아하지 않는다. 이것은 Mutti의 예에서 특히 명확하게 입증되었습니다. 그와 밀라노의 최고 지도부 사이 오페라 극장"라 스칼라" 갈등이 있었다. 지휘자는 당국에 자신의 요구 사항을 설명했으며 충족되지 않으면 극장을 떠나겠다고 위협했습니다. 그는 오케스트라가 그의 편을 들어주기를 바랐지만 연주자들은 리더에 대한 신뢰를 잃었다고 말했다. Mutti는 은퇴해야했습니다.

이 지휘자의 스탠드가 왕좌라고 생각하십니까? 저에게 이곳은 외로움이 지배하는 무인도입니다.
리카르도 무티

그럼에도 불구하고 Ricardo Mutti는 가장 위대한 지휘자 XX 세기. Itay Talgam은 인사 관리 세미나에서 대부분의 학생들이 그런 리더를 원하지 않을 것이라고 말했습니다. 그러나 “그의 리더십은 효과적인가? 부하들에게 일을 시키도록 강요할 수 있습니까?” 거의 모든 사람들이 긍정적으로 대답했습니다.

지배적 리더는 직원들이 스스로를 조직할 수 있는 능력을 믿지 않습니다. 그는 결과에 대해 전적인 책임을 지지만 의심의 여지가 없는 순종을 요구합니다.

작동할 때

이 전술은 팀의 규율에 문제가 있을 때 정당화됩니다. 저자는 Mutti의 전기에서 예를 들어 이스라엘 필하모닉 오케스트라와의 경험에 대해 이야기합니다. 이것은 훌륭한 팀이지만 그의 작업 스타일은 유럽, 지중해 및 중동 문화의 교차점에서 형성되었습니다. 전통의 다양성으로 인해 오케스트라 내에서 공식적인 규율이 부족했습니다.

그 순간 Mutti의 스틱이 첫 번째 음표를 예상하여 공중에서 얼어 붙었을 때 뮤지션 중 한 명이 의자를 옮기기로 결정했습니다. 삐걱거리는 소리가 났다. 차장이 멈춰 서서 말했다. "여러분, 제 악보에 '의자 삐걱거리는 소리'라는 단어가 보이지 않습니다." 그 순간부터 홀에는 음악만이 울렸다.

작동하지 않을 때

다른 모든 경우, 특히 직원의 업무와 관련된 경우. Mutti의 관리 스타일은 오류의 존재를 배제하고 실제로 오류는 종종 새로운 발견으로 이어집니다.

2 대부: 아르투로 토스카니니

스타 지휘자 아르투로 토스카니니는 리허설과 무대에서 오케스트라의 삶에 최대한 참여했다. 그는 표현에 부끄러워하지 않았고 뮤지션들의 실수를 꾸짖었습니다. 토스카니니는 지휘자로서의 재능뿐만 아니라 전문적인 기질로도 유명해졌습니다.

토스카니니는 한 사람의 실수가 모든 사람, 특히 지휘자의 실수이기 때문에 부하들의 모든 실패를 마음에 새겼습니다. 그는 다른 사람들에게 요구했지만 자신에게만 요구했습니다. 그는 사전에 리허설에 왔고 특권을 요구하지 않았습니다. 각 음악가는 지휘자가 결과에 대해 진심으로 걱정하고 부정확 한 연주에 대한 모욕에 화를 내지 않는다는 것을 이해했습니다.

Toscanini는 음악가들에게 완전한 헌신을 요구했고 완벽한 공연을 기대했습니다. 그는 그들의 재능을 믿었고 콘서트에서 수집되었습니다. 성공적인 공연을 마친 그의 '가족'이 얼마나 자랑스러운지 여실히 드러났다.

그러한 팀 직원의 중요한 동기는 "아버지를 위해"잘 일하고 싶은 욕구입니다. 그러한 지도자들은 사랑받고 존경받습니다.

작동할 때

팀이 가족 문화의 세 가지 기본 원칙인 안정, 공감 및 상호 지원을 받아들일 준비가 된 경우. 관리자가 권한을 가지고 있고, 자신의 분야에서 유능하며, 전문적인 업적. 그런 리더는 아버지 대접을 받아야 하기 때문에 부하들보다 똑똑하고 경험도 많아야 한다.

이 관리 원칙은 종종 팀이 어려운 시기. 노조강화 시기에 대기업들은 '우리는 한가족!'이라는 슬로건을 내세운다. 경영진은 근무 조건 개선을 추구하고 직원에게 받을 기회를 제공합니다. 추가 교육, 수행 기업 행사부하 직원에게 소셜 패키지를 제공합니다. 이 모든 것은 직원들이 그들을 아끼는 당국을 위해 일하도록 동기를 부여하는 데 목적이 있습니다.

작동하지 않을 때

사람들 사이의 관계가 때때로 공식적인 계층보다 더 중요한 일부 현대 조직에서. 그러한 그룹에서는 깊은 정서적 참여가 암시되지 않습니다.

이러한 경영 원칙에는 리더의 권한과 능력뿐만 아니라 부하 직원이 자신에게 부여된 기대를 정당화할 수 있는 능력도 필요합니다. Itay Talgam이 지휘자 Mendy Rodan과 함께 공부한 경험에 대해 이야기합니다. 그는 학생에게 많은 것을 요구했고 그의 모든 실패를 개인적인 패배로 인식했습니다. 이 압력은 욕설과 함께 저자를 억압했습니다. 그는 그러한 교사가 졸업장을 얻는 데 도움이 될 것이지만 그에게 창의적인 사람을 키우지는 않을 것임을 깨달았습니다.

3. 지침에 따라: Richard Strauss

저자는 그의 세미나에 참석한 많은 매니저들이 무대에서 Strauss의 행동에 대해서만 즐거워했다고 말합니다. 방문자는 그러한 상사와 함께 일에 신경을 쓸 수 없다는 근거에서만 그를 잠재적 리더로 선택했습니다. 지휘자의 눈꺼풀이 내려지고 그 자신은 멀리 보이며 가끔 오케스트라의 한 부분 또는 다른 부분을 흘끗 봅니다.

이 지휘자는 영감을 주는 것을 목표로 하지 않고 단지 오케스트라를 제지할 뿐입니다. 그러나 면밀히 살펴보면 지침에 따라 그러한 관리 원칙의 기초가 무엇인지 분명해집니다. Strauss는 오케스트라가 그의 작품을 연주하더라도 음악가가 아니라 음표에 중점을 둡니다. 이를 통해 그는 자신의 해석을 허용하지 않고 규칙을 엄격히 준수하고 명확하게 작업을 수행하는 것이 얼마나 중요한지 보여줍니다.

음악에 대한 해석과 발견의 부족이 결코 나쁘지 않다는 것을 이해해야 합니다. 이 접근 방식을 사용하면 작업 구조를 노출하고 작성자가 의도한 방식으로 재생할 수 있습니다.

그러한 리더는 부하 직원을 신뢰하고 지시를 따르도록 요구하며 지시를 따를 수 있다고 믿습니다. 이러한 태도는 직원을 아첨하고 동기를 부여하며 자신감을 얻습니다. 이 접근법의 가장 큰 단점은 지침에 명시되지 않은 상황이 발생하면 어떤 일이 일어날지 아무도 모른다는 것입니다.

작동할 때

이 제어 원칙은 다른 경우에 적용됩니다. 때로는 법의 서한에 따라 일하는 데 익숙한 차분한 전문가에게 가장 편안합니다. 때때로 예를 들어 상호 작용할 때 직원에게 필수 지침을 제공하는 것이 필요할 수 있습니다. 다른 그룹부하들.

저자는 오케스트라와 록 밴드 Natasha's Friends와의 경험을 예로 들어 설명합니다. 문제는 그룹 소속 뮤지션들이 3시간에 걸친 리허설 중 2시간 만에 도착한 데서 발생했다. 그들은 오케스트라 리허설이 더 엄격한 시간 프레임에 종속된다는 사실을 생각하지 않고 남은 하루를 음악에 바치는 것을 막을 수 있는 것은 아무것도 없다고 확신했습니다.

작동하지 않을 때

새로운 아이디어를 창출하고 창조하는 능력을 장려해야 하는 곳에서는 다음 지침에 기반한 경영 원칙이 작동하지 않습니다. 지도자에 대한 절대적인 복종처럼 지시를 따르는 것은 새로운 발견으로 이어지는 실수가 없다는 것을 의미합니다. 또한 직원들의 전문적인 열정을 앗아갈 수도 있습니다.

저자는 지휘자 Leonard Bernstein의 전기에서 예를 제공합니다. 이스라엘 인 필하모닉 오케스트라그의 지시에 따라 말러 교향곡의 피날레를 리허설했습니다. 지휘자가 놋쇠 입장 신호를 보내자 침묵이 흘렀다. 번스타인이 위를 올려다보니 몇몇 음악가들이 자리를 떴다. 사실 리허설 종료는 13:00로 예정되어 있었다. 시계는 13시 4분이었다.

4. 전문가: 헤르베르트 폰 카라얀

거장 헤르베르트 폰 카라얀은 무대 위에서 간신히 눈을 뜨고 연주자들을 바라보지 않는다. 그는 부하들이 마술처럼 자신의 욕망을 고려하는 것처럼 보이기를 기대합니다. 사전 작업이 선행되었습니다. 지휘자는 리허설에서 게임의 뉘앙스를 신중하게 설명했습니다.

전문가는 음악가에게 시간 프레임을 부여하거나 리듬을 설정하지 않고 주의 깊게 듣고 오케스트라에 소리의 부드러움과 깊이를 전달했습니다. 뮤지션들은 서로에게 완벽했습니다. 그들 스스로가 상호의존적인 지휘자가 되었고 계속해서 함께 연주하는 기술을 향상시켰습니다.

이러한 접근 방식은 리더의 오만함을 말해줍니다. 그는 받아 들여진 가정을 우회하여 행동하며 항상 성공을 확신합니다. 동시에 팀원들은 경영진의 지시보다 서로에게 훨씬 더 의존합니다. 그들은 업무 결과에 직접적인 영향을 미칠 수 있는 권한을 부여받았다. 그들은 추가적인 책임이 있기 때문에 일부 사람들에게 그러한 팀에 속한다는 것은 심리적으로 어려운 시험이 될 수 있습니다. 이 관리 스타일은 리더도 대화할 수 없고 조직에 대한 자신의 비전을 부하 직원에게 강요한다는 점에서 무티의 지배와 유사합니다.

작동할 때

예를 들어 예술 분야에서 팀의 작업이 직원의 창의성과 연결될 때. 미국 예술가 Saul Levitt는 젊은 예술가(총 수천 명)를 고용하고 개념을 설명하고 방향을 제시했습니다. 이후 부하들은 레빗의 통제 없이 창작에 나섰다. 그는 결과에 관심이 있었지 과정에 대한 복종이 아니었다. 분별 있고 현명한 지도자, 그는 그것을 이해했습니다 공동 창의성프로젝트를 풍요롭게 할 뿐입니다. 이것이 그를 세계에서 가장 많이 전시된 예술가로 만든 이유입니다. 평생 동안 그는 500회 이상의 개인전을 열었습니다.

작동하지 않을 때

각 팀에서 이 관리 원칙의 적합성은 많은 개별 요인에 따라 달라집니다. 이러한 접근 방식은 종종 실패로 이어지는데, 예를 들어 Cadbury & Schweppes는 리더의 과도한 자아로부터 회사를 보호하고 프로세스의 모든 참가자에게 중요한 정보를 전달하도록 설계된 절차를 설명하는 Cadbury 기업 지배 구조 강령을 만든 이유입니다.

저자도 말한다. 조심스러운 이야기내 자신의 경험에서. 그는 눈에 띄는 혁신으로 텔아비브 심포니 오케스트라와 함께 작업을 시작하고 싶었습니다. Itai Talgam은 현 부분을 사중주로 나누고 그 사이에 관악기를 배치했습니다. 그는 이런 식으로 각 뮤지션이 솔리스트처럼 느낄 수 있다고 제안했습니다. 실험은 실패했습니다. 참가자들은 의사 소통을 할 수 없었고 서로 멀리 떨어져 있었기 때문에 매우 열악했습니다.

5 리딩 댄스: Carlos Kleiber

Carlos Klaiber는 무대에서 춤을 춥니다. 팔을 쭉 뻗고, 위아래로 점프하고, 몸을 구부리고 좌우로 흔듭니다. 어떤 때는 손끝만으로 오케스트라를 이끌고, 어떤 때는 그냥 서서 연주자들의 음악을 듣는다. 무대에서 지휘자는 기쁨을 나누고 배가됩니다. 형식에 대한 명확한 비전을 갖고 뮤지션들을 리드하는데, 리더로서가 아니라 솔로 댄서로서 한다. 그는 지속적으로 부하 직원이 해석에 참여하도록 요구하고 세부 사항으로 지시 사항을 로드하지 않습니다.

그러한 리더는 사람이 아니라 프로세스를 관리합니다. 부하 직원에게 혁신의 여지를 제공하고 스스로 창조하도록 자극합니다. 직원은 리더와 권한과 책임을 공유합니다. 그러한 팀에서는 실수를 수정하고 새로운 것으로 바꾸기도 쉽습니다. "춤추는" 관리자는 야심 찬 직원을 소중히 여기며 지시에 따라 성실하게 업무를 수행할 수 있는 직원을 선호합니다.

작동할 때

일반 직원이 상사보다 관련 정보가 더 많은 경우에도 유사한 원칙이 적용됩니다. 예를 들어 저자는 테러리즘과 싸우기 위해 기관과 협력한 경험을 인용합니다. 현장의 요원은 상황에 대한 가장 완전하고 최신 지식을 가지고 있기 때문에 때로는 사령부의 직접적인 명령을 위반하면서 스스로 결정을 내릴 수 있어야 합니다.

작동하지 않을 때

직원들이 회사의 운명에 관심이 없을 때. 저자는 또한 그러한 접근 방식을 인위적으로 부과할 수 없다고 주장합니다. 이는 직원의 성공과 작업 결과에 진정으로 기뻐할 수 있는 경우에만 작동합니다.

6. 의미 찾기: 레너드 번스타인

Leonard Bernstein과 오케스트라의 상호 작용의 비밀은 무대가 아니라 무대 밖에서 드러납니다. 지휘자는 감정을 분리하고 싶지 않았고, 인생 경험그리고 음악에 대한 열망. 각 뮤지션에게 번스타인은 리더일 뿐만 아니라 친구이기도 했다. 그는 전문가가 아니라 일할 사람을 초대했습니다. 그의 오케스트라에서는 우선 개인이 음악을 연주하고 듣고 작곡 한 다음 부하 직원을 초대했습니다.

번스타인은 음악가들 앞에 주요 질문: "무엇 때문에?" 이것은 : 그는 그에게 플레이를 강요하지 않았지만 그 사람 자신이 플레이하고 싶게 만들었습니다. 모든 사람은 번스타인의 질문에 대한 자신만의 답을 가지고 있었지만 모두가 공통의 대의에 참여하고 있다고 똑같이 느꼈습니다.

작동할 때

직원과 경영진의 대화 및 그들의 활동에 의미를 부여하는 것은 팀 구성원의 작업이 일련의 유사한 조치로 이루어지지 않는 모든 조직에 도움이 될 것입니다. 이를 위한 중요한 조건은 직원이 리더를 존중하고 유능하다고 여겨야 한다는 점이다.

작동하지 않을 때

Itay Talgam은 Bernstein 방법을 적용하려고 시도했지만 부하 직원의 오해 만 만난 상황에 대해 이야기합니다. 그 이유는 텔아비브 심포니 오케스트라의 많은 연주자들이 훨씬 나이가 많고 그를 전혀 알지 못했기 때문입니다. 첫 번째 리허설은 잘 진행되지 않았습니다. "뭔가 잘못됐어." 탈감이 오케스트라에게 말했다. - 그냥 뭔지 모르겠어. 템포, 억양, 다른 것? 어떻게 생각하나요? 무엇을 고칠 수 있습니까? 나이든 연주자 중 한 명이 일어나서 이렇게 말했습니다. “우리가 어디에서 왔는지 지휘자는 우리에게 무엇을 해야 하는지 묻지 않았습니다. 그는 무엇을 해야 할지 알고 있었다."

무식한 마에스트로'라는 책에서 이타이 탈감은 위대한 지휘자의 경영 원칙에 대해 이야기할 뿐만 아니라 세 가지를 밝힌다. 중요한 자질효과적인 리더: 무지, 공허함에 의미 부여, 동기 부여 경청. 저자는 리더가 어떤 사람이어야 하는지 뿐만 아니라 업무 커뮤니케이션에서 부하 직원의 역할에 대해서도 이야기합니다. 보편적 원리경영진은 존재하지 않으며 각 효과적인 관리자는 독립적으로 개발합니다. 그리고 이 책에 나오는 6명의 위대한 지휘자로부터 무언가를 배우고 몇 가지 기술을 채택할 수 있습니다.

2014년 12월 10일

음악 문화는 지휘자 없이는 존재할 수 없으며, 감독 없는 영화 산업, 편집자 없는 문학과 출판 산업, 디자이너 없는 패션 프로젝트는 존재할 수 없습니다. 오케스트라의 리더는 공연 중 모든 악기의 유기적인 상호 작용을 보장합니다. 지휘자는 필하모닉 무대의 주인공이며, 콘서트홀또는 다른 음악 플랫폼.

거장

심포니 오케스트라의 일관성, 수많은 소리의 조화로운 소리 악기지휘자의 기술을 통해 달성. 그들 중 가장 재능있는 사람들이 다양한 높은 칭호와 칭호를 받고 사람들 사이에서 "거장"이라고 불리는 것은 당연합니다. 그리고 실제로 지휘자의 지휘봉을 완벽하게 소유하면 오케스트라 피트, 창조적 충동의 모든 뉘앙스. 거대한 심포니 오케스트라가 갑자기 온전한 소리를 내기 시작하고, 작곡동시에 그것은 모든 광채로 드러납니다.

실력으로 뭉친 명지휘자 모두 학창시절 고급 예술, 즉시 일반 대중의 인기와 인정을 얻지 못했습니다. 인기는 수년에 걸쳐 획득됩니다. 대부분의 경우 유명한 지휘자들은 콘서트 활동 외에도 교육, 젊은 음악가를위한 교육 과정 및 마스터 클래스에 참여합니다.

자기 희생

오케스트라를 지휘하는 기술은 수년간의 연습과 지속적인 개선이 필요하며, 그 결과 끝없는 리허설이 필요합니다. 일부 유명한 지휘자들은 개인 생활이 배경으로 밀려나고 음악 만 남을 때 자기 희생에 가까운 특별한 창의적 인내로 유명합니다. 그러나 이러한 상황은 예술에 좋습니다.

가장 유명한 지휘자들은 특정한 계약을 맺는다. 뮤지컬 그룹그리고 이를 통해 그들이 달성할 수 있습니다. 높은 레벨뮤지컬 작품의 공연. 동시에 성공적인 콘서트 활동을 보장하는 상호 이해가 필요합니다.

주목할만한 오페라 지휘자

모두가 아는 세계 음악 계층 구조의 이름이 있습니다. 유명한 오페라 지휘자의 이름은 포스터, 간판, 유람선에서 찾을 수 있습니다. 평생을 흔적도 없이 음악에 바칠 수 있는 사람은 거의 없기 때문에 이러한 인기는 당연합니다. 가장 유명한 지휘자들이 전 세계를 여행하며, 다양한 음악 그룹과 함께 투어를 하거나 메이저 오케스트라를 리드한다. 뮤직 센터. 오페라 공연에는 보컬 파트, 아리아 및 카바티나와 함께 오케스트라의 특별한 일관성이 필요합니다. 모든 음악 에이전시에서 시즌 또는 일련의 공연에 초대될 수 있는 유명한 오페라 지휘자의 이름을 찾을 수 있습니다. 경험이 풍부한 기획자는 작업 스타일과 각각의 특성을 알고 있습니다. 이것은 그들이 올바른 선택을 하는 데 도움이 됩니다.

러시아의 유명한 지휘자

음악, 특히 오페라에는 많은 요소가 있습니다. 관악기, 현악기, 활, 타악기 등 다양한 악기가 포함된 오케스트라입니다. 솔리스트, 보컬 파트 연주자, 합창단 및 기타 공연 참가자. 오페라 공연의 이질적인 조각들은 공연의 감독과 오케스트라의 지휘자에 의해 하나의 전체로 통합된다. 또한 후자는 처음부터 끝까지 적극적으로 행동에 참여합니다. 러시아에는 음악과 함께 관객을 실제 예술로 이끄는 유일한 진정한 길을 따라 오페라를 지휘하는 지휘자가 있습니다.

러시아의 유명 지휘자(목록):

알렉산드로프 알렉산더 바실리예비치.
바쉬멧 유리 아브라모비치.
베즈로드나야 스베틀라나 보리소브나.
보고슬롭스키 니키타 블라디미로비치
Bronevitsky Alexander Alexandrovich.
바실렌코 세르게이 니키포로비치
가라얀 게오르기 아브라모비치.
게르기예프 발레리 아비살로비치
고렌슈타인 마크 보리소비치
디아길레프 세르게이 알렉산드로비치.
에브투셴코 알렉세이 미하일로비치
에르마코바 루드밀라 블라디미로브나
카발레프스키 드미트리 보리소비치
Kazhlaev Murad Magomedovich.
코간 파벨 레오니도비치.
Lundstrem 올렉 레오니도비치
므라빈스키 예브게니 알렉산드로비치.
Svetlanov Evgeny Fyodorovich.
스피바코프 블라디미르 테오도로비치

모든 유명한 러시아 지휘자는 외국 심포니 오케스트라를 성공적으로 이끌 수 있으며 몇 번의 리허설이면 충분합니다. 뮤지션의 전문성은 언어 장벽과 스타일의 차이를 모두 극복하는 데 도움이 됩니다.

세계 유명 인사

세계적으로 유명한 지휘자들은 재능있는 음악가일반인이 인정합니다.

파벨 코간

40년 이상 자신의 예술을 세상에 선보인 가장 유명한 러시아 지휘자. 그 인기는 전례가 없습니다. 마에스트로의 이름은 10명의 가장 위대한 현대 지휘자 목록에 포함되어 있습니다. 음악가는 유명한 바이올리니스트 Leonid Kogan과 Elizaveta Gilels의 가족에서 태어났습니다. 1989년부터 상임 예술 감독이자 MGASO(Moscow State Symphony Orchestra)의 수석 지휘자로 활동하고 있습니다. 동시에 그는 미국의 주요 음악 센터에서 러시아를 대표합니다.

Pavel Kogan은 최고의 심포니 오케스트라와 함께 전 세계에서 공연하며 그의 예술은 탁월한 것으로 간주됩니다. 마에스트로는 러시아 국가 상 수상자이며 "러시아 인민 예술가"라는 칭호를 가지고 있습니다. Pavel Kogan은 또한 조국 공로 훈장과 예술 훈장을 포함하여 많은 상을 받았습니다.

헤르베르트 폰 카라얀

세계적으로 유명한 오스트리아 출신의 지휘자 헤르베르트 폰 카라얀(1908-1989)은 그리스 이민자 가정에서 태어났습니다. 여덟 살에 잘츠부르크의 모차르테움 음악원에 들어가 10년 동안 공부하며 기본적인 지휘 기술을 습득했다. 동시에 어린 카라얀은 피아노를 배우고 있었다.

데뷔는 1929년 Salburg Festival Theatre에서 이루어졌다. Herbert는 Richard Strauss의 오페라 Salome을 지휘했습니다. 1929년부터 1934년까지 그는 독일 도시 울름에 있는 극장의 수석 악장이었습니다. 그렇다면 카라얀 오랫동안빈 필하모닉 오케스트라의 지휘석에 있었다. 그런 다음 그는 Charles Gounod의 오페라 "Walpurgis Night"와 함께 공연했습니다.

지휘자에게 가장 좋은 시간은 1938년에 리하르트 바그너(Richard Wagner)의 오페라 "트리스탄과 이졸데(Tristan and Isolde)"가 큰 성공을 거둔 후 헤르베르트가 "기적의 카라얀(Miracle Karajan)"으로 불렸던 때였습니다.

레너드 번스타인

미국인 지휘자 Leonard Bernstein(1918-1990)은 유대인 이민자 부모에게서 태어났습니다. 음악 교육어린 시절 Leonard를 위해 시작하여 피아노 연주를 배웠습니다. 그러나 그 소년은 점차 지휘에 참여하게 되었고 1939년에 데뷔했습니다. 라는 제목의조류.

덕분에 높은 전문성 Leonard Bernstein은 빠르게 인기를 얻었고 어린 나이에 New York Philharmonic Orchestra를 이끌었습니다. 포괄적인 것 창의적인 사람, 지휘자는 문학에 종사했습니다. 그는 음악에 관한 약 12권의 책을 썼습니다.

발레리 게르기예프

유명한 지휘자 Valery Abisalovich Gergiev는 1953년 5월 2일 모스크바에서 태어났습니다. 19세에 그는 레닌그라드 음악원에 들어갔다. 에 학생으로 참여 국제 경쟁 2위를 차지한 베를린의 지휘자.

1977년 음악원을 졸업한 후 젊은 지휘자는 키로프 극장의 조교로 받아들여졌습니다. Yuri Temirkanov가 그의 멘토가되었고 이미 1978 년 Valery Gergiev가 연단에 서서 Prokofiev의 오페라 War and Peace를 연주했습니다. 1988년 그는 레닌그라드 필하모닉으로 떠난 뒤 유리 테미르카노프를 대신했다.

1992년은 역사적인 이름인 "마린스키 극장"의 키로프 극장으로의 복귀로 표시되었습니다. 오페라 공연을보기 위해 상트 페테르부르크의 연극 관객은 몇 달 전에 미리 녹음됩니다. 오늘날 Valery Gergiev는 극장의 수석 지휘자이자 예술 감독입니다.

예브게니 스베틀라노프

유명한 지휘자, 러시아와 세계, Evgeny Fedorovich Svetlanov (1928-2002)는 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다. 문화 유산러시아. 그는 "사회주의 노동의 영웅"과 "소련 인민 예술가"라는 칭호를 가지고 있습니다. 그는 소련의 레닌 및 국가 상 수상자입니다.

Svetlanov의 창의적인 경력은 1951년 Gnessin Institute를 졸업한 직후부터 시작되었습니다. 그는 오페라와 심포니 지휘 및 작곡 수업에서 모스크바 음악원에서 공부를 계속했습니다.

1954년 무대에서 데뷔 볼쇼이 극장 Rimsky-Korsakov의 오페라 The Maid of Pskov의 프로덕션에서. 1963년부터 1965년까지 그는 볼쇼이 극장의 수석 지휘자였습니다. 작업하는 동안 오페라 공연의 수준이 눈에 띄게 높아졌습니다.

1965-2000년 사무실에서 공동 작업 예술 감독소련 국가 교향악단(이후 러시아)의 수석 지휘자.

블라디미르 스피바코프

러시아 지휘자 Spivakov Vladimir Teodorovich는 1944년 우파에서 태어났습니다. 1968년 모스크바 음악원을 졸업하고 1970년 대학원 과정을 마쳤다.

Mastery Vladimir Spivakov는 Gorky Conservatory에서 Israel Gusman 교수와 함께 공부했습니다. 나중에 그는 Leonard Bernstein과 Lorin Maazel과 함께 미국에서 특별 과정을 수강했습니다.

현재 그는 1979년에 개인적으로 조직한 모스크바 비르투오지 챔버 심포니 오케스트라의 영구 리더이자 지휘자입니다. 그는 유럽 오케스트라 및 미국 음악 그룹과 함께 연주했습니다. La Scala Theatre, Cecilia Academy, 독일 쾰른 필하모닉, French Radio에서 공연. 그는 모스크바에 있는 International House of Music의 회장입니다.

유리 바쉬멧

러시아 지휘자 Bashmet Yuri Abramovich는 1953년 1월 24일 Rostov-on-Don에서 태어났습니다. 소련 인민 예술가. 네 국가 상러시아 연방.

1976년 모스크바 음악원 졸업. 1972년 학생이던 그는 바이올린-비올라를 구입했습니다. 이탈리안 마스터 1758년에 제작된 파올로 테스토레. 이에 독특한 악기 Bashmet은 오늘날에도 여전히 재생됩니다.

그는 1976년부터 활발한 연주 활동을 시작했고, 2년 후 모스크바 음악원에서 교수직을 얻었다. 1996년 Yuri Bashmet은 교향곡, 오페라, 실내 음악. 그런 다음 그는 모스크바 음악원에서 교수직을 받았습니다. 현재 적극적인 자선 및 사회 활동에 참여하고 있습니다.

주기 콘서트 프로그램 (러시아, 2010). 10문제.

현대에 더 이상 권위 있는 인물은 없다 음악 문화세계 지휘자의 엘리트 대표보다. 사이클의 제작자는 Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons 및 유명한 러시아 동료와 같은 10 가지 중요한 이름을 선택했습니다. 오늘날 그들은 세계적으로 인정받는 가장 큰 오케스트라의 마스터이자 리더입니다.

각 프로그램은 이름이 지정된 마에스트로 중 한 명이 그의 오케스트라와 연주하는 것을 기반으로 합니다.

솔리스트: 바이올리니스트 Vadim Repin과 Sergei Krylov, 오보에 연주자 Alexei Utkin, 피아니스트 Denis Matsuev 등.

이 프로그램은 I.S. A. Schoenberg 및 A. Pärt에 바흐. 모든 작품은 세계 음악의 걸작 중 하나입니다.

사이클의 호스트는 피아니스트 Denis Matsuev입니다.

첫 번째 릴리스. .
솔리스트 Vadim Repin.
프로그램: I. Stravinsky. 3악장의 교향곡; M. 브루흐. 바이올린 협주곡 1번 G단조; L. 베토벤. 교향곡 7번.

2호. 블라디미르 페도세예프와 볼쇼이 심포니 오케스트라. P.I. 차이코프스키.
프로그램: L. 베토벤. 교향곡 4번.
비엔나 Musikverein의 Golden Hall에서 녹음되었습니다.

3판. "마리스 얀손스와 바이에른 라디오 심포니 오케스트라".
프로그램: R. 바그너. 오페라 "트리스탄과 이졸데"의 서론과 "이졸데의 죽음"; R. 스트라우스. 오페라 "장미의 기사" 중 왈츠 모음곡.

4번째 문제. "다니엘 바렌보임과 웨스트-이스턴 디반 오케스트라".
프로그램: V.A. 모차르트. 세 대의 피아노와 관현악을 위한 협주곡 7번 F장조. 솔리스트 - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. 쇤베르크. 오케스트라를 위한 변주곡. G. 베르디. 오페라 "운명의 힘" 서곡.

5호. "블라디미르 스피바코프와 러시아 국립 필하모닉 오케스트라.
세르게이 프로코피예프. 피아노와 관현악을 위한 협주곡 3번. 교향곡 1번 "클래식". 솔리스트 Denis Matsuev. 에 녹음 큰 회관 2008년 모스크바 음악원.

6판. "로린 마젤과 아르투로 토스카니니 심포니 오케스트라"
프로그램: 자키노 로시니. 오페라 "알제의 이탈리아인" 서곡; 요하네스 브람스. 교향곡 2번.
모스크바 음악원 대강당에서 녹음.

7호. 유리 테미르카노프와 상트페테르부르크 필하모닉 아카데믹 심포니 오케스트라. D.D. 쇼스타코비치.

8호. 유리 바쉬메트와 모스크바 솔리스트 실내악 앙상블.
프로그램에서: 요제프 하이든- 첼로와 오케스트라를 위한 협주곡. 솔리스트 Steven Isserlis(영국), Niccolo Paganini - 5개의 카프리스(E. Denisov가 바이올린과 실내 오케스트라를 위해 편곡). 솔리스트 Sergey Krylov(이탈리아); V.A. 모차르트 - 디베르티멘토 1번.
BZK에 녹음.

9판. 미하일 플레트네프와 러시아 국립 오케스트라
러시아인에 의해 수행 국립 오케스트라 P.I. 차이코프스키" 백조의 호수", Mikhail Pletnev가 편집했습니다. 2009 년 Great RNO Festival의 일환으로 러시아 국립 아카데믹 볼쇼이 극장에서 녹음.

10호. 발레리 게르기예프와 심포니 오케스트라 마린스키 극장
실행 중 심포니 오케스트라 Valery Gergiev가 지휘하는 Mariinsky Theatre는 Rossini, Verdi, Wagner의 오페라 서곡, 차이코프스키 발레의 왈츠, Prokofiev의 Romeo와 Juliet의 단편 등 오케스트라 히트 곡을 연주합니다.