음악 장르. 음악 이론: 음악 장르 발전의 역사, 음악 스타일 음악 장르와 그 정의

음악 이론에 관한 일련의 기사를 계속하면서 음악 장르가 어떻게 형성되고 발전했는지에 대해 이야기하고 싶습니다. 이 기사가 끝나면 다시는 음악 장르와 음악 스타일을 혼동하지 않을 것입니다.

먼저 "장르"와 "스타일"의 개념이 어떻게 다른지 살펴보겠습니다. 장르- 이것은 역사적으로 발전한 작업 유형입니다. 그것은 음악의 형식, 내용 및 목적을 의미합니다. 음악 장르는 원시 공동체의 구조에서 음악 발전의 초기 단계에서 형성되기 시작했습니다. 그런 다음 음악은 삶, 일, 말 등 인간 활동의 모든 단계를 수반했습니다. 따라서 주요 장르 원칙이 형성되었으며 더 자세히 분석하겠습니다.

스타일재료(하모니, 멜로디, 리듬, 폴리포니)의 합, 음악 작품에서 사용된 방식을 의미합니다. 일반적으로 스타일은 특정 시대의 경향을 기반으로 하거나 작곡가에 따라 분류됩니다. 즉, 스타일은 수단의 집합입니다. 음악적 표현력, 음악의 이미지와 아이디어를 정의합니다. 작곡가의 개성, 그의 세계관과 취향, 음악에 대한 접근 방식에 따라 달라질 수 있습니다. 또한 스타일은 재즈, 팝, 록, 포크 스타일 등과 같은 음악의 흐름을 결정합니다.

이제 음악 장르로 돌아갑니다. 우리가 말했듯이 원시 공동체에서 시작된 다섯 가지 주요 장르 시작이 있습니다.

• 운동성
• 낭독
• 성가
• 신호
• 사운드 이미징

음악의 발전과 함께 등장한 모든 후속 장르의 기초가 된 것은 바로 그들이었습니다.

주요 장르 원칙이 형성된 직후 장르와 스타일이 단일 시스템으로 얽히기 시작했습니다. 이러한 장르와 스타일 체계는 음악이 만들어진 계기에 따라 형성되었다. 이것은 특정 고대 컬트, 고대 의식 및 일상 생활에서 사용되었던 장르 스타일 시스템이 등장한 방식입니다. 장르는 고대 음악의 특정 이미지, 스타일 및 구성 특징을 형성하는 더 많은 적용 특성을 가졌습니다.

이집트 피라미드의 벽과 살아남은 고대 파피루스에서 고대 이집트 신에 대해 가장 자주 말하는 의식 및 종교 찬송가가 발견되었습니다.

고대 음악은 고대 그리스에서 가장 발전된 지점을 차지했다고 믿어집니다. 구조가 기반이 되는 특정 패턴이 발견된 것은 고대 그리스 음악에서였습니다.

사회가 발전하면서 음악도 발전했습니다. 안에 중세 문화새로운 보컬 및 보컬 기악 장르가 이미 형성되었습니다. 이 시대에는 다음과 같은 장르가 있습니다.

• Organum은 유럽에서 가장 초기의 다성 음악 형식입니다. 이 장르는 교회에서 사용되었으며 파리 노트르담 학교에서 번성했습니다.
• 오페라는 음악적이고 극적인 작품입니다.
• 합창 - 전례 가톨릭 또는 개신교 노래.
• Motet은 교회와 사교 행사에서 모두 사용되는 보컬 장르입니다. 그의 스타일은 텍스트에 따라 다릅니다.
• Conduct는 중세의 노래로, 그 가사는 대부분 영적이고 도덕적이었습니다. 지금까지 그들은 명확한 리듬이 없었기 때문에 중세의 행위 기록을 정확하게 해독할 수 없었습니다.
• 미사는 가톨릭 교회의 전례 예배입니다. 레퀴엠도 이 장르에 속한다.
• Madrigal은 서정적이고 사랑을 주제로 한 짧은 작품입니다. 이 장르는 이탈리아에서 시작되었습니다.
• Chanson -이 장르는 프랑스에 등장했으며 처음에는 합창 농민 노래가 속했습니다.
• Pavane은 이탈리아의 휴일을 여는 부드러운 춤입니다.
• Galliard - 경쾌하고 리드미컬한 춤도 이탈리아에서 왔습니다.
• Allemanda는 독일에서 시작된 행렬 춤입니다.

안에 XVII-XVIII수세기 동안 시골 음악인 컨트리 음악은 북미에서 매우 활발하게 발전했습니다. 장르는 아일랜드와 스코틀랜드 민속 음악의 영향을 많이 받았습니다. 그런 노래의 가사는 종종 사랑, 시골 생활, 카우보이 생활에 대해 이야기했습니다.

안에 XIX 후반세기와 20 세기 초에 민속은 라틴 아메리카와 아프리카에서 상당히 활발하게 발전했습니다. 아프리카계 미국인 사회에서 블루스가 탄생하는데, 원래는 현장에서 일할 때 수반되는 "작업 노래"였습니다. 블루스는 또한 발라드와 종교적 성가를 기반으로 했습니다. 블루스는 아프리카와 유럽 문화가 혼합된 결과인 재즈라는 새로운 장르의 기초를 형성했습니다. 재즈는 상당히 널리 보급되었고 보편적으로 인식되었습니다.

재즈와 블루스를 기반으로 40년대 말에는 노래와 댄스 장르인 리듬 앤 블루스(R'n'B)가 등장했다. 그는 젊은이들 사이에서 꽤 유명했습니다. 그 후 펑크와 소울이 이 장르에 등장했습니다.

흥미롭게도 이러한 아프리카 계 미국인 장르와 함께 팝 음악 장르가 1920 년대에 등장했습니다. 이 장르의 뿌리는 민속 음악, 거리 로맨스, 발라드에서 찾을 수 있습니다. 팝 음악은 항상 다른 장르와 혼합되어 매우 흥미로운 음악 스타일을 형성했습니다. 1970년대에는 당시 가장 대중적인 댄스 음악이 된 팝 음악에 디스코 스타일이 등장하면서 로큰롤을 배경으로 삼았다.

50년대에 록은 블루스, 포크, 컨트리에 기원을 둔 이미 존재하는 장르의 대열에 뛰어들었습니다. 빠르게 인기를 얻었고 다른 장르와 혼합되어 다양한 스타일로 성장했습니다.

10년 후 자메이카에서 ​​레게 장르가 형성되어 70년대에 널리 퍼졌습니다. 레게의 기본은 자메이카 민속 음악의 한 장르인 멘토(mento)입니다.

1970년대에 자메이카 DJ들이 브롱크스로 "수출"한 랩이 등장했습니다. 랩의 창시자는 DJ Kool Herc입니다. 처음에 랩은 감정을 버리기 위해 즐거움을 위해 읽었습니다. 이 장르의 기본은 암송의 리듬을 설정하는 비트입니다.

20세기 후반 전자음악은 하나의 장르로 자리 잡았습니다. 최초의 전자 기기가 등장한 20세기 초반에 인지도를 얻지 못한 것이 이상하다. 이 장르전자 악기, 기술 및 컴퓨터 프로그램을 사용하여 음악을 만드는 것을 포함합니다.

20세기에 형성된 장르는 많은 스타일을 가지고 있다. 예를 들어:

재즈:

• 뉴올리언스 재즈
• 딕시랜드
• 그네
• 웨스턴 스윙
• 밥
• 하드 밥
• 부기 우기
• 쿨 또는 쿨 재즈
• 모달 또는 모달 재즈
• 아방가르드 재즈
• 소울 재즈
• 프리 재즈
• 보사노바 또는 라틴 재즈
• 심포닉 재즈
• 진보적
• 퓨전 또는 재즈 록
• 일렉트릭 재즈
• 애시드 재즈
• 크로스오버
• 부드러운 재즈

• 카바레
• 민스트럴 쇼
• 뮤직홀
• 뮤지컬
• 래그타임
• 라운지
• 클래식 크로스오버
• 사이키델릭 팝
• 이탈로 디스코
• 유로디스코
• 하이에너지
• 누디스코
• 스페이스 디스코
• 예예
• 케이팝
• 유로팝
• 아랍 팝 음악
• 러시아 팝 음악
• 리그사르
• 라이카
• 라틴 아메리카 팝
• 제이팝

• 로큰롤
• 빅비트
• 로커빌리
• 사이코빌리
• 네오로카빌리
• 스키플
• 두 웁
• 트위스트
• 얼터너티브 록(인디 록/컬리지 록)
• 매트 락
• 매드체스터
• 그런지
• 슈게이징
• 브릿팝
• 소음 바위
• 노이즈 팝
• 포스트그런지
• 로파이
• 인디 팝
• 트위팝
• 아트 록(프로그레시브 록)
• 재즈 록
• 크라우트 락
• 차고 바위
• 프릭비트
• 글램 록
• 컨트리 록
• 머시빗
• 메탈(하드록)
• 아방가르드 메탈
• 대체 금속
• 블랙 메탈
• 멜로딕 블랙 메탈
• 심포닉 블랙 메탈
• 진정한 블랙 메탈
• 바이킹 금속
• 고딕 메탈
• 둠 메탈
• 데스 메탈
• 멜로딕 데스메탈
• 금속 코어
• 새로운 금속
• 파워 메탈
• 프로그레시브 메탈
• 스피드 메탈
• 스토너 락
• 스 래시 메탈
• 포크 메탈
• 헤비메탈
• 새 물결 운동
• 러시안 록
• 선술집 바위
• 펑크 록
• 스카 펑크
• 팝 펑크
• 크러스트 펑크
• 하드코어
• 크로스오버
• 폭동 집단
• 팝 록
• 포스트펑크
• 고딕바위
• 파도 없음
• 포스트락
• 사이키델릭 록
• 부드러운 바위
• 포크 록
• 테크노 록

보시다시피 많은 스타일이 있습니다. 열거를 위해 전체 목록시간이 많이 걸리므로 하지 않겠습니다. 가장 중요한 것은 이제 현대 인기 장르가 어떻게 등장했는지 알고 있으며 더 이상 장르와 스타일을 혼동하지 않을 것입니다.

장르(정말로. 장르) - 이것 일반적인 개념, 예술 세계 현상의 가장 본질적인 속성과 연결, 작품의 형식적 및 내용 적 특징의 총체를 둘러싸고 있습니다. 기존의 모든 작품은 장르 개념의 정의 생성에 참여하면서 일정한 조건을 반영합니다.

아리오소- 선율적인 선언문 또는 노래 특성이 있는 작은 아리아.

아리아- 오케스트라와 함께 솔리스트가 연주하는 오페라, 오페레타, 오라토리오 또는 칸타타의 완성된 에피소드.

민요- 시적 작품의 텍스트를 사용하고 주요 특징을 보존하는 독창성 작곡; 기악 작곡.

발레- 무대예술의 일종으로 그 내용이 춤과 음악적 영상으로 드러난다.

블루스- 슬프고 서정적인 내용의 재즈 곡.

바이리나- 러시아 민속 서사시 노래 이야기.

보드빌- 뮤지컬 넘버가 있는 경쾌한 연극. 1) 2행시 노래, 로맨스, 춤이 있는 일종의 시트콤; 2) 보드빌 연극의 마지막 2행시.

찬송가- 엄숙한 노래

재즈- 즉흥적이고 댄스 음악의 일종.

디스코- 선율이 단순하고 리듬이 강한 음악 스타일.

발명- 멜로디 개발 분야에서 독창적인 발견, 형성이 필수적인 짧은 음악.

여흥- 작품의 부분 사이에서 연주되는 음악 작품.

인터메조- 작은 자유 형식 연극, 오페라 또는 기타 음악의 독립 에피소드.

칸타타- 큰 보컬 도구 작업일반적으로 솔리스트, 합창단 및 오케스트라를위한 엄숙한 성격.

칸틸레나- 선율적이고 부드러운 멜로디.

실내 음악- (문자 그대로 "방"). 챔버 작업- 이들은 솔로 악기를 위한 작품입니다: 가사가 없는 노래, 변주곡, 소나타, 모음곡, 전주곡, 즉흥곡, 음악적 순간, 야상곡 또는 다양한 악기 앙상블: 트리오, 4중주, 5중주 등(각각 3, 4, 5개의 악기) 참여 및 모든 당사자가 똑같이 중요하므로 연주자와 작곡가의 신중한 마무리가 필요합니다.

카프리치오-예기치 않은 이미지, 분위기의 변화가 있는 즉흥적 창고의 거장 기악 작품.

콘서트- 하나 또는 (드물게) 여러 개의 독주 악기와 오케스트라를 위한 작품 및 음악 작품의 공개 공연.

마드리갈- 14-16세기의 사랑과 서정적 내용에 대한 작은 음악 및 시적 작품.

3월- 측정된 템포, 명확한 리듬이 있는 음악 작품으로 일반적으로 집단 행렬을 동반합니다.

뮤지컬- 오페라, 오페레타의 요소를 결합한 음악 작품; 발레, 팝 음악.

야상곡— xviii에서 — 초기 xix V. 19세기부터 보통 저녁이나 밤에 야외에서 연주되는 주로 관악기용으로 여러 부분으로 구성된 기악곡. 작은 서정적 기악 작품.

오 예- 중요한 사건이나 사람에게 바치는 엄숙한 음악.

오페라- 가사, 무대동작, 음악의 합성을 바탕으로 한 뮤지컬 및 드라마틱 작품.

오페레타- 보컬 및 댄스 장면, 오케스트라 반주 및 대화 에피소드를 포함하는 뮤지컬 무대 코미디 작품.

오라토리오- 콘서트 공연을 위한 솔리스트, 합창단 및 오케스트라를 위한 작품.

집스타일과 움직임은 일렉트로닉 뮤직. 하우스는 초기 포스트 디스코 시대의 댄스 스타일(일렉트로, 하이 에너지, 소울, 펑크 등)의 후예입니다. 하우스 음악의 주요 차이점은 일반적으로 4/4박자의 반복되는 리듬 비트와 샘플링입니다. 부분적으로 리듬과 일치하는 음악에서 때때로 반복되는 사운드 삽입으로 작업합니다. 하우스의 가장 중요한 현대 하위 스타일 중 하나는 프로그레시브 하우스입니다.

성가대 - 대규모 노래 그룹을 위한 작품. 합창 작곡은 기악(또는 오케스트라) 반주(아카펠라)가 있거나 없는 두 개의 큰 그룹으로 나뉩니다.

노래 — 시적 작품노래를 위해 설계되었습니다. 그녀의 뮤지컬 형식일반적으로 커플릿 또는 단절.

포푸리- 여러 인기 멜로디에서 발췌하여 구성된 연극.

놀다- 작은 크기의 완성된 음악 작품.

광상곡- 랩소드의 연주를 재현하듯 민요와 서사시를 주제로 한 뮤지컬(기악) 작품.

레퀴엠- 애도합창(장례미사).

로맨스 — 서정적 작품음악 반주와 음성.

R&B(Rhythm-N-Blues, English Rhythm & Blues)- 노래와 춤 장르의 음악 스타일입니다. 원래는 1930년대와 1940년대의 블루스와 재즈 경향을 기반으로 한 대중 음악의 일반화된 이름입니다. 현재 리듬 앤 블루스(영어 r&b)의 약어는 현대 리듬 앤 블루스를 지칭하는 데 사용됩니다.

론도- 주요 부분이 여러 번 반복되는 악곡.

세레나데-사랑하는 사람을 기리기 위해 연주되는 류트, 만돌린 또는 기타 반주에 대한 서정적 인 노래.

교향곡- 가장 높은 형식인 소나타 순환 형식으로 작성된 오케스트라를 위한 음악 작품 기악.

교향곡 음악- 챔버원과 달리 넓은 방에서 연주되며 교향악단을 대상으로 한다. 교향곡 작품은 내용의 깊이와 다양성, 종종 규모의 웅장함, 동시에 음악 언어의 접근성을 특징으로 합니다.

공명-높이가 다른 여러 소리를 동시에 울리는 조합.

소나타- 템포와 성격이 다른 서너 파트의 음악 작품.

소나티나- 리틀 소나타

모음곡- 공통된 아이디어로 연결된 여러 이질적인 작품에서 하나 또는 두 개의 악기를 위한 작품.

교향곡 시- 예술의 종합이라는 낭만적인 사상을 표현한 교향곡의 장르. 교향시는 다양한 프로그램 소스(문학과 그림, 덜 자주 철학이나 역사, 자연 사진)를 허용하는 한 부분으로 된 오케스트라 작품입니다.

토카타- 빠른 움직임과 명확한 템포의 건반 악기를 위한 거장 음악.

음정- 특정 피치의 소리.

치- 짧은 음악 인사말.

서장오페라, 발레, 드라마의 도입부 역할을 하도록 고안된 오케스트라 작품입니다. 이미지와 형식면에서 많은 고전 서곡은 교향곡의 첫 악장에 가깝습니다.

공상자유 형식의 음악입니다.

비가- 슬픈 성격의 음악.

습작- 거장 구절을 기반으로 한 음악 작품.

음악 예술의 장르

학생들은 반드시

알다: 장르 분류, 성악 장르, 기악 장르. 큰 형태의 성악, 기악 및 합창 음악. 심포닉 음악. 오페라, 발레. 현대 방향음악에서.

강의

실내 음악

콘서트홀도 필하모닉도 없던 옛날에는 기악 그리고 작은 성악 작품 수행 비 음악 애호가의 집에서. 소나타, 트리오, 4 중주가 울리고 누군가 하프시 코드 또는 기타 악기 반주에 맞춰 노래를 불렀습니다. 청취자 중에는 일반적으로 친척과 친구가 거의 없었습니다.

따라서 그들은 겸손한 장인의 집과 귀족 살롱에서 음악을 연주했습니다. 따라서 표현 - 실내 음악, 즉, 음악은 방에서 연주하도록 되어 있고 음악은 집에 있습니다.

성악

목소리를 위한 음악, 노래를 위한 음악 - 가장 고대의 견해음악 예술, 인간의 말과 같은 시대. 여운이 있는 긴 소리가 짧고 덜컥거리는 소리보다 더 아름답고 표현력이 풍부하다는 사실은 오랫동안 인간에게 이해되어 왔습니다. 분명히기도하고 보이지 않는 영혼을 요술하면서 그는 소리를 그리려고 노력했고 그의 소리를 선율로 만들려고했습니다. 그랬거나 그렇지 않으면 알려지지 않았지만 우리가 아는 가장 오래된 노래는 바로 그러한 영혼의 주문입니다. 노래라고 부르기도 어렵고 멜로디는 매우 단순하고 원시적이지만 여전히 첫 번째 노래였습니다. 물론 그와 관련된 다른 곡들도 있었다. 일상 생활. 많은 노래가 인간의 삶에서 가장 중요한 것, 즉 일, 일에 전념합니다. 그들 중 다수는 일하는 동안 노래하도록 설계되었습니다. 그들의 멜로디, 리듬은 특정 작업 동안 사람의 움직임에 맞게 조정됩니다.

한 남자가 천천히, 서두르지 않고 들판을 가로 질러 바구니에서 곡식을 퍼서 넓고 부드러운 몸짓으로 경작지에 뿌립니다. 그는 발걸음의 리듬에 맞춰 노래를 부릅니다.

초원에 풀이 쏟아졌습니다. 이제 깎을 시간입니다. 잔디 깎는 기계는 차례대로 이동합니다. 일제히 한 번에 낫을 흔들며 노래가 더 활기차고 선명해야 한다는 것이 분명합니다.

잘 익은 호밀. 낫을 든 여자들이 들판으로 나갔다 - 새로운 노래; 그들은 현재 호밀을 타작합니다-그들은 또한 노래합니다.

겨울이 왔습니다-여기서 오랫동안 노래 없이는 할 수 없습니다 겨울 저녁스핀들 또는 물레 뒤에.

기악 반주 없이 노래하는 것을 - 아카펠라.

(선생님의 선택에 따른 민요 학습 및 분석)

성악, 인간의 목소리로 연주하는 것은 두 가지 예술 유형의 조합입니다. 음악과 시

거의 모든 성악 작품에는 단어가 있습니다. 그렇기 때문에 그들의 멜로디는 단어의 언어뿐만 아니라 인간 말의 표현 억양과도 어느 정도 연결되어 있습니다. 모든 보컬 작업주역은 멜로디에 속하며, 주요 생각작품에서 음악적 이미지의 본질이 표현된다.

사람들을 알아가기 음악적 창의성다른 나라, 당신은 확인할 수 있습니다 놀라운 부노래 장르: 노동, 게임, 의식, 라운드 댄스, 댄스, 칭찬, 서정, 영웅 서사, 만화, 풍자. 가족 및 일상 노래에는 자장가, 결혼식, 장례식, 애도가 포함됩니다. 그리고 이러한 모든 유형의 노래는 사회 생활이것 또는 저 사람들, 노동 활동 및 가족 및 가정 생활 방식.

컨트롤 테스트

1. 발성이란?

A) 반주가 있는 노래

B) 음표 이름으로 노래하기;

안에)말없이 놀아요.

2. 발라드란?

A) 가사가 없는 노래;

비)내러티브 송;

C) 감각적이고 서정적인 성격의 노래.

3. 공통점 민요그리고 로맨스? (오답은 어디에 있습니까?)

C) 아마추어 가수에 의해 만들어졌습니다.

G) 작곡가에 의해 만들어졌습니다.

4. 아카펠라란?

A) 기악 반주와 함께 노래하기;

B) 합창으로 노래하기;

안에)악기 반주 없이 노래하기.

기악 장르

학생들은 반드시

알다 :

기악 장르의 다양성;

이 작품들의 특징;

여러 작품의 이름과 그것을 만든 작곡가.

음악 작품의 인식 방법.

가능하다:

다양한 장르의 기악 작품을 귀로 식별합니다.

음악 작품 분석 계획을 세우십시오.

주어진 주제에 대해 학생들과 함께 음악을 분석합니다.

음악 작품에 대한 적극적인 인식을 위해 학생들을 위한 과제 선택;

음악의 연관 인식에 대한 과제를 제시하십시오.

플라스틱 억양을 위해 리드미컬한 움직임을 구성합니다.

DMI(어린이 악기) 연주를 위한 리듬 악보를 생각하고 적습니다.

학생들과 다양한 유형의 음악 활동을 수행하여 다양한 장르와 스타일의 기악에 대한 인식을 활성화합니다.

강의

성악과 기악 중 어떤 종류의 음악이 더 일찍 개발되었습니까?

유럽의 기악은 성악보다 늦게 발전했으며 엄숙하고 애도하는 행렬, 도시 및 궁중 무도회, 사냥 여행을 동반하면서 오랫동안 응용 특성을 유지했습니다.

집에서 노래와 춤은 기타와 몬 돌린의 선구자 인 뽑아 낸 현악기 (다중 현 LUTE)로 연주되었습니다. 16세기에 건반 악기가 가정 생활에 널리 퍼졌습니다. 하프시코드, 클라비코드, 클라비쳄발로, 영국에서는 버지널입니다.

16~18세기의 가계 도시무용은 움직임의 성격과 리듬이 다양했다. 그중에는 행렬 (Italian pavane, German alemanda, Spanish sarabande), 활기차고 슬라이딩 (French chimes and minuet), 빠른 점프 및 건너 뛰기 (bure, gavotte jig)와 같은 부드러운 춤이있었습니다.

다양한 춤의 교대와 병치에서 옛 춤이 생겨났습니다. 모음곡.

모음곡(French Suite - "series", "sequence"에서) - 하나의 아이디어로 통합된 여러 다양한 작품의 음악 작품. 예를 들어 R. Schumann의 "Carnival"은 다양한 피아노 미니어처의 순환입니다. 또는 M.P. Mussorgsky는 아티스트 V.A의 전시회에 대한 작곡가의 인상을 전달하는 연극 모음입니다. 하트만. 종종 모음곡은 연극 공연, 영화, 발레 및 오페라 발췌곡을 위한 음악으로 구성됩니다. 예를 들어 E. Grieg의 "Peer Gynt" 모음곡, R. Shchedrin의 "Carmen" 모음곡이 있습니다.

이 모음곡은 노래와 춤과 밀접한 관련이 있는 회화적 묘사가 특징입니다. 이 모음곡은 소나타 및 교향곡과 구별되는 부분의 엄격함과 규칙성이 아니라 부분의 독립성이 더 크다는 점입니다.

독일에서는 17세기 말에 부품의 정확한 순서가 형성되었습니다. 예를 들어, G. F. Handel, J. B. Luly, J. S. Bach.

17~18세기의 모음곡은 댄스 모음곡이었다. 댄스가 아닌 관현악 모음곡은 19세기에 등장했습니다. 가장 유명한 - N. A. Rimsky-Korsakov의 "Scheherazade", M. P. Mussorgsky의 "Pictures at an Exhibition"

클라비에를 위한 모음곡과 오르간 음악다음으로 구성된 특징적인 두 부분으로 구성된 주기 전주곡과 푸가 또는 토카타와 푸가.

토카타(이탈리아어 - 터치, 터치) - 멜로디 서정적 에피소드없이 빠르고 리드미컬하게 고른 움직임을 기반으로 한 거장 캐릭터의 이름입니다.

전주곡(lat. prae ... - 이전 및 lat. ludus - 게임) - 엄격한 형식이 없는 짧은 음악. 처음에는 전주곡이 항상 더 길고 복잡하며 엄격한 작업(따라서 이름)보다 선행했지만 이후 작곡가들은 전주곡을 독립적인 작품으로 쓰기 시작했습니다.

J.S. 바흐는 평균율 클라비에를 작곡했습니다.

전주곡과 푸가로 구성되며 이후 시대의 거의 모든 중요한 작곡가에게 영향을 미쳤습니다. 그들 중 다수는 12개 또는 24개의 전주곡으로 구성된 자신의 주기를 썼는데, 바흐의 전주곡과 마찬가지로 조성에 따라 배열되었습니다. 프레데릭 쇼팽은 푸가가 없는 24개의 전주곡을 썼고, 따라서 전주곡의 원래 목적인 서론에서 해방되었습니다. 그 이후로 많은 작곡가들이 전주곡을 독립적인 작품으로 작곡했습니다. Claude Debussy의 인상파 전주곡 2권은 후기 작곡가들에게 특히 큰 영향을 미쳤습니다.

주목할만한 전주곡 주기

J.S. Bach - 평균율 곡집 2권, 각 권에는 12개의 장조와 12개의 단조로 된 24개의 전주곡과 푸가, 각 피아노 건반에 대한 전주곡과 푸가가 포함되어 있습니다.

F. 쇼팽 - 24개의 전주곡,

C. Debussy - 각각 12개의 전주곡으로 구성된 2권. 각 전주곡의 끝에는 이름이 있고 그 앞에는 번호를 나타내는 로마 숫자만 있습니다.

S. V. 라흐마니노프 - 24개의 전주곡 중 세계적으로 유명한 C단조 전주곡.

A. N. Scriabin - 24 전주곡

P. Hindemith - Ludus Tonalis, 전주곡, 11개의 막간

D. D. Shostakovich - 24개의 전주곡과 푸가로 구성된 사이클과 피아노를 위한 24개의 전주곡으로 구성된 초기 사이클.

시험.

비).거장 구절을 사용한 음악 연습;

C) 짧은 음악 인사말.

2. 3월은:

ㅏ)측정되고 명확한 리듬이 있는 곡;

B) 주요 부분이 여러 번 반복되는 악곡

C) 거장 작품.

ㅏ)기발한 성격의 거장 조각;

B) 슬픈 성격의 연극;

C) 재즈 작품.

4. 푸가는:

A) 자유 형식 플레이

B) 명확한 리듬으로 빠르게 움직이는 곡;

5. 콘서트는:

가) 대중 연설

비)네 부분으로 구성된 심포니 오케스트라를 위한 작품;

C) 독주 악기와 관현악을 위한 작품.

소나타

쏘나타와 비교해보면 문학 장르, 다음과 비교 소설또는 이야기. 마찬가지로 imsonata는 여러 부분으로 나뉩니다. 보통 3~4개가 있습니다. 소설처럼 소나타는 음악 주제의 다양한 "영웅"으로 채워져 있습니다.

주제는 서로를 따라가는 것이 아니라 상호 작용하고 영향을 미치며 때로는 충돌하기도 합니다.

가장 큰 긴장감과 날카로움은 소나타 1부이다. 따라서 고유의 특별한 소나타 형식을 개발했습니다.

먼저 작곡가는 주인공 인 뮤지컬 테마를 소개합니다. 마치 드라마의 시작과도 같다. 그런 다음 행동이 발전하고 확대되고 정상에 도달 한 후 비난이옵니다. 따라서 소나타 형식은 3개의 섹션으로 구성됩니다..

1일 박람회, 주요 테마가 다른 키로 나타나는 작업 자체 - 2 - 개발 및 결과 3 -reprise. 재현에서는 박람회에 있었던 내용이 반복되지만 개발 이벤트로 인한 변경 사항이 있습니다. 재현의 모든 음악 테마는 동일한 기본 키로 나타나며 때로는 무브 소나타의 첫 부분을 완성합니다. 가장 많이 발췌한 내용을 담고 있습니다. 중요한 주제부분, 주요 색조가 확인되고,

II 파트일반적으로 슬로우 모션으로 구성됩니다. 음악은 여유로운 생각의 흐름을 전하고, 감정의 아름다움을 노래하며, 숭고한 풍경을 그린다.

III 파트(최종)일반적으로 보관 빠른 속도때로는 빠르게 움직이기도 합니다. 이것은 결론, 이전 부분의 결론입니다. 그것은 낙관적이고 삶을 긍정할 수 있지만 때로는 극적이고 심지어 비극적일 수 있습니다.

고전 소나타는 18세기 후반에 교향곡과 동시에 등장했습니다. "소나타"라는 용어는 소리를 뜻하는 이탈리아어에서 16세기 초에 유래되었습니다. 처음에 이것은 악기 음악의 이름이었습니다.

파트 III 소리

어떤 협회가 생겼습니까?

폭풍우가 경로에 있는 모든 것을 휩쓸어가는 것처럼 들립니다. 큰 압력으로 구르는 소리의 네 가지 파동. 각 파도는 두 번의 날카로운 타격으로 끝납니다. 요소가 격노하고 있습니다. 그런데 여기서 두 번째 주제가 나옵니다. 그녀의 윗 목소리는 넓고 선율적입니다. 불평하고 항의합니다. 반주 덕분에 극도의 동요 상태가 유지됩니다. 거친 시작 3 부분. 때로는 완전한 탈진이 시작되는 것처럼 보이지만 그 사람은 고통을 극복하기 위해 다시 일어납니다.

이것은 소나타의 주요 부분이며 자연스러운 결론입니다. 극적인 사건. 여기 있는 모든 것은 많은 사람들의 삶과 같습니다. 산다는 것은 고통을 극복하고 싸우는 것을 의미합니다.

"한심한 소나타 " № 8

이 소나타는 1798년 L. 베토벤이 작곡했습니다. 제목은 작곡가 자신의 것입니다. 그리스 단어 "pathos"에서-고양되고 고상한 분위기... 이 "상승"은 각 부분에서 다른 방식으로 표현되지만이 이름은 소나타의 세 부분 모두를 나타냅니다.

나는 헤어진다 소나타 알레그로 형식의 빠른 템포로 작곡되었습니다. 비정상적으로 소나타의 시작 "느린 도입부는 우울하고 동시에 엄숙하게 들립니다. 무거운 화음, 낮은 음역에서 소리 눈사태가 점차 위로 이동합니다. 강력한 질문이 점점 더 끈질 기게 들립니다. 부드럽고 선율적인 멜로디로 대답합니다. 차분한 화음을 배경으로기도의 손길로.

도입부가 끝나면 신속한 소나타 알레그로가 시작됩니다.

메인 파티밀려오는 파도를 연상시킨다. 불안한 저음을 배경으로 윗목의 선율이 불안하게 오르내린다.

연결 당사자메인테마의 흥분을 점차 가라앉히며 선율적이고 선율적인 사이드 파티.

비엔나 고전 소나타의 기존 규칙과 달리 "Pathétique Sonata"의 측면 부분은 평행 장조가 아니라 같은 이름의 단조로 들립니다.

제어

1. L, 베토벤은 몇 년도에 태어났습니까?

A).1670,

비). 1870년

안에). 1770.

2. 베토벤은 어디에서 태어났습니까?

ㅏ).본에서,

비). 파리에서,

안에). 베르겐에서.

3. 베토벤의 스승은 누구였습니까?

ㅏ). 겐델 G.F.

비).네페 K. G.

안에). W. 모차르트

4. 베토벤은 몇 살 때 월광 소나타를 썼습니까?

ㅏ). 50세.

비). 41세.

안에). 21시에.

5 . 베토벤은 어떤 여성에게 딱 맞는 월광 소나타를 작곡했습니까?

ㅏ).줄리엣 귀차르디.

나) 줄리엣 캐풀렛.
안에). 조세핀 데임.

6. 소나타 14번 "달"에 이름을 붙인 시인은?

A) 그리고 쉴러.

비). L. Relshtab.

안에). I. 쉔크.

7. 베토벤의 작품에 속하지 않는 작품은?

ㅏ). "한심한 소나타".

비). "영웅 교향곡".

안에),."혁명적인 에뛰드".

8. 베토벤은 몇 개의 교향곡을 썼습니까?

연습 1.

두 작품을 듣고 L. Beethoven 스타일로 결정하고 의견을 설명하십시오.

사운드: F. Chopin의 "Prelude No. 7"과 L. Beethoven의 3부 "Sonata" No. 14.

교향곡

교향곡(그리스어 συμφωνία - "협화음"에서 유래) - 기본 세계관 콘텐츠의 여러 부분 형식의 교향곡 기악 장르.

와 구조가 비슷하기 때문에 소나타, 소나타와 교향곡은 "라는 일반 제목으로 통합됩니다. 소나타 교향곡 주기 ". 클래식 교향곡 (빈 고전 - Haydn, Mozart 및 Beethoven의 작품에서 제시되는 형식)에는 일반적으로 네 부분이 있습니다.

첫 번째 부분은 빠른 속도로 소나타 형식으로 작성됩니다.

2번은 슬로우 모션으로 변주 형식으로 론도, 론도 소나타, 복합 3성부

3rd - 스케르초 또는 미뉴에트 - 3부 형식

4악장, 빠른 속도 - 소나타 형식, 론도 또는 론도 소나타 형식.

프로그램 심포니는 다음과 관련된 것입니다. 알려진 콘텐츠프로그램에 명시되고 예를 들어 제목이나 서문에 다음과 같이 표현됩니다. 전원 교향곡» 베토벤, 베를리오즈의 «환상적인 교향곡», 차이코프스키의 교향곡 1번 «겨울의 꿈» 등

학생들을 위한 과제

교향곡의 단편 듣기 및 분석 프로그램 Kritskaya E. D. "음악".

모차르트 교향곡 40번, 박람회.

1. 솔페지오의 주 선율인 발성을 자신이 창작한 가사에 맞추어 부른다.

2. 메인테마의 선율을 듣고 따라 그린다.

3. 듣는 과정에서 발생한 예술적 이미지를 그립니다.

4. DMI를 위한 리드미컬한 악보를 구성합니다.

5. 제안된 리듬 동작을 배우고 리드미컬한 즉흥 연주를 작곡합니다.

A. P. 보로딘 교향곡 2번 "보가티르스카야"

1. 메인 테마: 노래, 메탈로폰 연주, 피아노.

2. 음악적 이미지를 예술적 이미지인 A. Vasnetsov "Heroes"와 비교합니다.

P. 차이코프스키 교향곡 4번 결승

1. "들판에 자작 나무가 있었다"라는 노래 가사에 맞춰 메인 테마를 부른다.

2. 소음 악기에 리드미컬한 반주를 한다.

극장.

오페라.

학생은 다음을 수행해야 합니다.

알다:

오페라란 ​​무엇인가;

오페라의 종류: (영웅, 서정, 동화, 희극, 민속극).

오페라의 기초는 무엇입니까? (아리아, 카바티나, 아리오소, 앙상블 - 듀엣, 트리오, 사중주, 오중주, 암송, 서곡, 합창)

최대 유명한 오페라러시아 및 외국 작곡가;

다양한 오페라의 음악 조각.

가능하다:

어린 학생들을 위해 오페라, 작곡가, 오페라를 구성하는 모든 것에 대한 이야기를 준비하세요.

이 장르에 대해 학생들과 대화를 나누십시오.

단편을 듣고 분석하여 오페라에 대한 이야기를 준비하십시오.

오페라에서 인기 있는 주제를 연주하고 노래합니다.

학생들과 함께 오페라 아리아의 단편을 배우십시오. 합창단.

강의

오페라– 이것은 크고 복잡한 뮤즈입니다. 노래, 교향악, 드라마틱한 액션, 발레, 그림이 유기적으로 엮인 퍼포먼스.연극 공연과 마찬가지로 오페라의 액션은 무대에서 진행됩니다. 청중은 작품의 영웅, 그들의 행동을보고 사건의 전개를 따릅니다. 풍경과 의상은 시대에 대한 아이디어를 제공하고 행동 장소와 각 캐릭터의 모습을 결정합니다. 그러나 오페라의 선두 자리는 음악에 속합니다. 그것은 주요 표현 수단입니다. 캐릭터의 성격, 관계를 드러내고 행동의 긴장을 전달합니다. 오페라에는 풍부한 역사적 과거가 있습니다. 그녀는 약 400년 전에 이탈리아에서 태어났습니다. 도시 피렌체. 그리고 이번에는 음악이나 텍스트가 무엇인지에 대한 논쟁이 있습니다. 오페라의 역사에는 시인, librettist가 저자로 간주되고 미성년자 인 작곡가가 텍스트와 가수의 저자에게 순종해야했던 기간이있었습니다.

콘텐츠가 주목받지 못하는 시기도 있었다. 오페라는 의상을 입은 "콘서트"가되었습니다. 18-19세기에 오페라 장르는 마침내 우리가 지금 알고 있고 사랑하는 형태로 형성되었습니다.

오페라에서 가장 중요한 것은- 결국 음악

16세기 이탈리아에서 탄생한 이 오페라는 유럽과 세계의 다른 나라로 크고 복잡한 전파를 거쳤습니다. 신화적인 작품으로 등장-줄거리에서 고대 그리스 신화뱀 파이썬과 아폴로 신의 투쟁에 대해-이제는 놀랍도록 음모가 풍부합니다.

19세기에 다른 나라국립 오페라 학교가 설립되었습니다. 이탈리아에서 가장 눈에 띄는 대표작은 Rossini의 "The Wedding of Figaro", "The Barber of Seville", Verdi의 "Rigaletto", "La Traviata", Puccini의 "Cio-Cio-San"입니다.

러시아에서 오페라 예술은 Glinka "Ivan Susanin", "Ruslan and Lyudmila", Dargomyzhsky의 "Mermaid", Borodin의 "Prince Igor", Mussorgsky "Boris Godunov", Rimsky-Kopsky의 "The Snow Maiden"의 작품에서 가장 높은 수준에 도달했습니다. ", 차이코프스키의 "유진 오네긴" , " 스페이드의 여왕».

작곡가는 일종의 음모, 내용을 기반으로 오페라를 씁니다. 가사.

가사- 이것 전문뮤지컬 무대 구성,저것들. 오페라, 오페레타, 발레. 원칙적으로 librettos는 librettists를 전문으로하는 저자가 구성합니다. 종종 문학 작품이나 드라마 작품이 대본의 주요 출처 역할을 합니다. 예를 들어, 인기 작품"Eugene Onegin", "The Queen of Spades", "La Traviata", "Rigaletto", "Carmen", "The Snow Maiden", "Boris Godunov", "War and Peace"... 이들은 러시아, 외국 및 소련 오페라를 기반으로 유명한 작품푸쉬킨, 톨스토이, 오스트로프스키, 메리미, 휴고, 뒤마의 아들. 그러나 이러한 작품들은 오페라 장르 자체의 특성을 가지고 있기 때문에 크게 변경되었습니다. 오페라의 텍스트는 매우 간결해야합니다. 결국 노래하는 단어는 말한 것보다 훨씬 길게 들립니다. 또한, 기초 극적인 플레이 – 대화.오페라에는 아리아, 앙상블, 합창단이 있어야 한다. 이 모든 것도 처리가 필요합니다. 대본은 독립적이며 문학 작품을 기반으로 하지 않습니다. 때때로 작곡가 자신이 대본의 저자가 됩니다. AP 보로딘 - "이고르 왕자", M.P. Mussorgsky - "Boris Godunov", "Khovanshchina"

A. 오페라 "The Stone Guest"의 Dargomyzhsky는 A.S. 한 단어도 변경하지 않고 푸쉬킨. 오페라는 아리아.

1.아리아 - 이것이 배우의 주요 특징이며, 뮤지컬 초상화영웅. 아리아에는 영웅을 특징 짓는 주요 음악 주제 자료가 포함되어 있습니다. 줄거리 및 무대 동작의 발전 관점에서 아리아는 영웅의 삶에서 중요한 순간과 가장 자주 일치합니다. 아리아의 구조는 2부, 3부, 론도 등 다양합니다. 대부분의 경우 두 가지 다른 음악적 소재(을 위한 완전한 특성영웅). 아리아는 주인공의 부분에서 필수입니다.

2. 아리오소 - 내용과 크기가 아리아와 다릅니다. 이것은 사건과 관련하여 배우의 부분적인 특성화입니다. 여기에서 다른 캐릭터에 대한 영웅의 태도 또는 이벤트에 대한 그의 반응이 전달됩니다. 양식은 대부분 세 부분으로 구성됩니다.

3. 소곡 - 이탈리아어 작은 아리아, 크기가 작고 아리오소를 연상시키지만 더 단순하고 노래와 같은 멜로디가 다릅니다. 형식 - 한 부분, 간단한 두 부분 및 세 부분.

4. 민요 프레젠테이션의 내러티브 특성과 관련됩니다(연행 또는 형식을 통해).

5. 로맨스, 세레나데 가장 자주 그들은 영웅의 서정적 경험을 전달합니다 (형식은 단순한 세 부분, 론도, 커플, 커플 변형입니다).

6. 카바티나 -작은 가사 아리아. 18세기 말부터 오페라의 출구 아리아. 예를 들어 Rossini의 The Barber of Seville의 Figaro의 반짝이는 cavatina, Glinka의 Ruslan의 Lyudmila 및 Ivan Susanin의 Antonida의 Lyudmila가 있습니다.

7. 앙상블- 듀엣, 트리오, 콰르텟, 퀸텟등은 오페라에서 매우 중요합니다. 그중 가장 흔한 것은 듀엣 "동의"와 "불일치"입니다. 첫 번째 경우 두 캐릭터는 이벤트에 대해 동일한 방식으로 반응하며 이는 본질적으로 유사한 진술의 멜로디에 반영됩니다. 두 번째에서 캐릭터는 동일한 현상에 대해 서로 다른 태도를 가지므로 멜로디 소재가 대조되고 독립적입니다.

성가대 오페라에서는 대중 장면과 가장 자주 연관되며 한 무리의 사람들을 특징 짓습니다. 합창단의 형식은 다양하며 내용과 플롯의 의미에 따라 다릅니다.

에게 오케스트라오페라의 음악에는 다음 장르가 포함됩니다. 서곡, 도입부, 도입부, 전주곡 - 이것은 오페라의 입문서입니다. 휴식 - 다음 작업 또는 사진에 입장 intermezzo - 액션 내에서.

또한, 오페라에는 여러 가지 경우가 있습니다. 발레 번호.

때때로 오페라에는 정지로 구분되는 짧은 문구가 있습니다. 이 노래는 암송과 매우 유사하지만 암송- 라틴어에서 - 소리내어 읽고 큰 소리로 발음하십시오. 레치타티브는 오페라에서 액션 전개의 기초입니다. 결국 완전한 음악 번호가 들리면 (아리아, 앙상블) 일반적으로 작업이 중지됩니다.

19세기 전반기에는 출력 아리아, 즉 행동 과정의 첫 번째 아리아, 영웅이 무대에 오른 아리아를 불렀습니다.

성가대-(그리스어-군중, 집회)-상당히 많은 가수 그룹을위한 작품과 노래 그룹의 이름, 오페라의 대중 장면.

합창단은 동질적(어린이, 여성, 남성)이며 단성 및 다성 혼합이 있습니다. 기악 반주가 없는 합창단은 합창단이 아니라 예배당이라고 합니다. 합창단의 모든 구성원은 여러 그룹으로 나뉘며 대부분 4개 그룹으로 나뉩니다.

혼성 합창단에는 소프라노 알토, 테너, 베이스 등 모든 주요 성부가 있습니다.

합창 음악의 특징은 많은 사람들의 생각과 경험을 생생하게 구현할 수 있다는 점입니다.

서곡 -(French ouyerture - 시작, 시작) 오페라, 발레, 오라토리오, 연극 공연과 같은 주요 작품에 대한 기악 소개는 다가오는 행동의 본질과 그 내용에 대한 아이디어를 제공합니다. 그것은 나중에 작품에서 발견되고 그곳에서 중요한 역할을 하는 음악적 주제를 기반으로 합니다. Glinka의 Jota of Aragon 및 Tchaikovsky의 Romeo and Juliet와 같은 새로운 유형의 많은 서곡이 실제로 콘서트 작품이되었습니다.

주목할만한 뮤지컬 극장:

모스크바 - 볼쇼이 극장

상트 페테르부르크 - 마린스키 오페라 하우스

파리 - 그랜트 오페라

오데사 오페라 및 발레 극장

밀라노(이탈리아) – 라 스칼라

주목할만한 오페라 가수:

F. Chaliapin, I Kozlovsky L. Lemeshev, B. Shtokolov E Obraztsova, G. Vishnevskaya, Borisenko, Firsova, L. Kazarnovskaya.

학생들을 위한 질문과 과제

컨트롤 테스트

1. 오페라는:

A) 음악, 춤, 그림이 유기적으로 얽혀있는 무대 동작;

비)음악, 노래, 안무, 그림이 유기적으로 엮이는 무대액션;

C) 심포니 오케스트라와 합창단, 솔리스트를 위한 주요 음악

2. 대본은 다음과 같습니다.

ㅏ)뮤지컬 무대 작품의 전문;

B) 오페라 소개;

C) 오페라 창작의 기초가 된 문학 작품.

3. 서곡은:

A) 행위 사이의 도구적 중단;

B) 오페라의 솔로 번호;

안에)오페라 소개.

4. 아리아는:

A) 다수의 가수를 위한 작품

B) 선언적 노래;

안에)영웅을 특징 짓는 오페라의 솔로 번호.

ㅏ)테너;

B) 바리톤;

나) 메조소프라노

D) 소프라노;

.에. 림스키코르사코프

(1844-1908)

N.A.가 태어나 어린 시절을 보낸 티흐빈. Rimsky-Korsakov는 자유 러시아 북부의 도시입니다. 여기에서 Tsar Ivan the Terrible은 주권 총독이 접근 할 수 없었던 Bogoroditsky Monastery를 세웠습니다. Rus에는 그 중 소수가있었습니다. 여기에서 Old Believers, 다채로운 의식, 시적 관습이 널리 퍼졌고 사람들은 독립적이고 그들의 언어로 활기차고 보복에 빠릅니다.

니콜라이 안드레비치의 아버지 - 드문 품위와 친절 함, 겸손하고 용병이 없으며 책을 읽고 철학적 성찰을하는 경향이있는 사람. 그는 Decembrists가 시베리아 망명으로 여행했을 때 돈으로 그들을 도왔습니다.

Rimsky-Korsakov의 집은 수도원 맞은 편 Tikhvinka의 높은 둑에 서있었습니다. 넓은 정원 뒤에는 들판이 시작되었습니다. 낮에는 종달새의 노래를, 밤에는 나이팅게일의 트릴링 소리를 듣기 위해 멀리 갈 필요가 없었습니다. 모든 것이 소년의 관심을 끌었습니다. Ivan the Terrible의 네 번째 아내가 수녀로 강제로 52 년 동안 쇠약해진 Vvedensky Monastery의 벽.

Nika의 형인 Voin Andreevich는 이미 극동 바다에서 항해하고 있습니다. 중국, 일본, 사할린에 대한 그의 매력적인 글은 아이들의 상상력에 불을 붙입니다. 그는 음악 수업을 받습니다. 9 살에 그는 작곡을 시도하고 12 살에 소년은 Tikhvin과 헤어집니다.

평생 동안 그는 새, 종, 북부 숲과 호수, 티 흐빈 관습과 전통의 노래를 기억할 것입니다.

그 동안 군사 관료주의 상트 페테르부르크, 해군 생도 군단 Nika가 배정 된 곳. 그러나 십대가 자신을 잃지 않고 훈련, 잔인 함, 굴욕의 조건에서 비 개인화되지 않도록 도와주는 다른 것이있었습니다. 그 무언가는 음악이었습니다. 음악 이론에 대해 아무것도 모르는 그는 작곡을 시도하고 현악기와 관악기의 기술을 모르고 "오케스트레이션"을 시도합니다. 이 음악적 혼돈은 Nika가 실제 음악가이자 피아니스트이자 교사인 F.A.에 대한 이해를 만나는 순간부터 해결되기 시작합니다. 카닐. 일반적인 음악적 발전 Nicky는 큰 발전을 이루었습니다. 그는 슈만을 알아보았습니다. 바흐, 베토벤, 글린카의 새로운 작곡.

Rimsky-Korsakov가 17세였을 때 Kanille은 그를 N.A.의 삶에서 특별한 역할을 할 음악가에게 데려왔습니다. -Mily Alekseevich Balakirev였습니다.

학생들을 위한 질문과 과제

컨트롤 테스트

1. 림스키 코르사코프는 어디에서 태어나 어린 시절을 보냈습니까?

A) Novospasskoye 마을에서;

B) Votkinsk에서;

안에)티 흐빈에서.

2. 12살에 공부하러 가는 곳 미래의 작곡가?

A) 로스쿨에서;

비)해군 부대에서;

C) 경비 소위 학교에.

3. 림스키-코르사코프가 전문 작곡가가 되는 데 영향을 준 사람은 누구입니까?

A) 보로딘;

비)발라키레프;.

C) 무소르그스키.

음악 감상 및 분석

오페라 '스노우 메이든'

"Snow Maiden"의 생성은 매우 신속합니다. 보기 드문 아름다움과 독창성을 지닌 거대한 작품이 두 달 반 만에 쓰여졌습니다. 콘텐츠에 대한 열정, '봄동화'의 이미지, 그리고 작곡가가 이 작품을 위해 창의적으로, 기술적으로, 감성적으로 만반의 준비를 했다는 점도 영향을 미쳤다. 첫 번째 스케치 만 만든 Rimsky-Korsakov는 여름까지 구성을 연기했습니다. 그는 가족과 함께 Luga 근처의 Stelyovo 부동산에서 매우 유리한 조건에서 그것을 보냈습니다. 작곡가는 "The Snow Maiden"에서 작업하는 방식으로 그를 위해이 행복한 시간을 설명했습니다.

"내 생애 처음으로 진정한 러시아 마을에서 여름을 보낼 기회를 가졌습니다. 이곳의 모든 것이 마음에 들었고 모든 것이 감탄했습니다. 아름다운 위치, 사랑스러운 숲, 거대한 숲, 호밀밭, 메밀, 귀리, 아마 , 흩어져있는 많은 마을, 우리가 수영했던 작은 강 , 큰 호수의 근접성.

오프로드, 황폐함-모든 것이 나를 기쁘게했습니다. 이끼로 자란 두껍고 서투른 가지 또는 그루터기는 나에게 도깨비 또는 그의 집처럼 보였습니다. 마치 고블린과 다른 괴물의 목소리처럼 우리 발코니에서 들리는 삼중 메아리.

작곡가는 5월 30일 작업을 시작하여 8월 중순까지 전체 오페라의 개요를 완성했습니다. "'The Snow Maiden'과 같은 쉽고 빠른 구성은 하나도 제공되지 않았습니다.

작곡가는 오페라 악기 편성에 6개월을 보냈고 1882년 1월 29일 상트페테르부르크 마린스키 극장에서 초연했습니다. "Snegurochka"의 성공적인 무대 생활은 오늘날까지 계속됩니다.

프롤로그

1.ved.- 오케스트라 소개는 마지막 그림을 그립니다. 겨울밤. 울창한 눈 덮인 숲에서 프로스트 마스터가 지배합니다. 그의 우울하고 거친 주제가 오케스트라를 지배합니다.

(조각 듣기).

그러나 새 떼는 이미 남쪽에서 날아가고 있으며 Spring-Krasna 자신이 새와 함께 날고 있습니다. 부드럽고 깊은 테마가 선명해지고 있습니다. Frost Leshy의 충실한 종은 봄의 접근을 선언합니다. 그리고 새들은 계속 날고 오케스트라 전체는 지저귀는 소리로 가득 차게 됩니다. 하지만 우울한 숲에서는 슬프다.” “숲은 조용하고 전나무의 두꺼운 발이 눈 아래로 내려갑니다. 그리고 모든 것이 가볍고 차갑게 빛나고 열이 없습니다.

Spring은 자신의 죄책감을 인정합니다. “나와 봄, 그리고 당신에게 추운 것은 내 잘못입니다. 16 년 전, 변덕스럽고 변덕스럽고 변덕스러운 성격을 농담하고 즐겁게했을 때 나는 Frost와 바람을 피우기 시작했고 그 이후로 나는 예전 사람에게 사로 잡혔습니다! 백발은 그대로 두십시오. 하지만 그게 문제입니다. 우리에게는 Snegurochka가있는 늙은 딸이 있습니다. 나는 Snow Maiden을 사랑하고 불행한 노인과 함께 그녀를 불쌍히 여기며 다투는 것이 두렵습니다. 그리고 그는 기뻐합니다. 그는 떨고 있고 저, Vesna 및 Berendey를 얼립니다. 질투하는 태양은 우리를 화나게 바라보고 모두에게 눈살을 찌푸립니다. 이것이 잔인한 겨울과 추운 봄의 이유입니다.

새들은 춥고 봄은 그들에게 이렇게 충고합니다. 춤, 워밍업! 사람들이 춤으로 몸을 녹이는 것을 한 번 이상 보았습니다! 그리고 새들은 점점 더 즐겁고 부주의하게 춤을 춥니 다.

처럼 들리다조각 " 새들의 노래와 춤»

2.베드- 서리는 북쪽으로 갈 준비가 되었습니다. 그러나 그들의 딸 Snegurochka는 어떻습니까?

"소녀에게 세상에서 가장 달콤한 것은 자유입니다!" -Mother Spring은 그렇게 생각하지만 Frost는 다음과 같은 의지를 두려워합니다. 나는 태양이 Snow Maiden을 파괴 할 것이라는 것을 알고 있습니다! 그는 빔으로 그녀의 마음에 사랑의 불을 붙이기를 기다리고 있습니다! 그렇다면 Snow Maiden에게는 구원이 없습니다! 그녀의 영혼이 어린 아이처럼 순수한 한 그는 Snow Maiden을 해칠 힘이 없습니다!

마지 못해 부모는 Snow Maiden을 Berendey 마을로 보내기로 결정합니다.

그리고 이제 눈 덮인 아름다움 인 그들의 딸이 숲에서 나옵니다. 오, 그녀는 기꺼이 사람들에게 갈 것입니다!

아리아는“딸기 위를 걷는 여자 친구와 함께 들립니다.…»

지금은 반 아이 반 소녀가 꿈꾸는 것이 전부입니다.

그러나 Frost는 또한 다음과 같은 고백에 놀랐습니다.

“그리고 Lelya, 어떻게 알았습니까? 그리고 걱정스러운 Snow Maiden은 양치기의 노래를 부모에게 설명합니다.

엄마! 들었어, 들었어

그리고 종달새 노래 ...

나이팅게일의 우렁찬 울음소리도 들었고,

좋아하는 가수

Lelya의 노래는 나에게 더 소중합니다!

그리고 난 밤낮으로 들을 준비가 되어있어

그의 양치기 노래

그리고 당신은 듣고 녹아 ...

그러나 "녹다"라는 단어는 서리를 놀라게했습니다. "이 단어에는 끔찍한 의미가 숨어 있습니다!" Mother Spring은 Snow Maiden에게 그녀의 도움을 약속합니다. 그녀가 Yarilina Valley, 호수로 와서 어머니에게 전화하게하십시오!

Snow Maiden은 Berendey 정착지로 가고 Bobyl과 Bobylikhe는 그녀를 집으로 데려갑니다.

첫 번째 조치

Shepherd Lel은 Snow Maiden에게 노래를 부릅니다. "Strawberry Berry"에 대한 첫 번째 슬픔은 소녀를 눈물로 만듭니다. 그런 다음 Lel은 "숲이 숲을 통해 바스락 거리는 것처럼"경쾌한 댄스 곡을 부릅니다. Snow Maiden은 양치기가 그녀를 떠날 때 거의 놀 시간이 없었습니다! 다른 소녀들이 그를 손짓하고 Snow Maiden이 준 꽃을 던지면서 Lel은 이미 그들을 향해 달려 가고 있습니다.

"여기가 얼마나 고통스러운가! 마음이 얼마나 무거워졌는가!

돌처럼 무거운 원한,

Lelem이 구겨진 꽃이 내 마음에 떨어졌습니다.

목자는 다른 사람에게 달려간다, 그들은 더 달콤하다,

그들의 웃음은 더 크고 그들의 말은 더 따뜻합니다.

아야는 서서 슬퍼하며 울고,

렐이 날 버렸어...

Frost 신부, 당신은 Snow Maiden을 화나게했습니다!

그러나 나는 어머니에게서 가져갈 것입니다-봄

마음의 작은 온기

조금이나마 마음이 따뜻해지도록.

3.ved.-Snow Maiden의 슬픔을 더욱 짜증나게하는 것처럼 Kupava의 여자 친구는 그녀에게 달려가 그녀의 행복, Mizgir와의 만남, 그에 대한 그녀의 사랑, Yarilin의 날에 열릴 결혼식에 대해 이야기합니다.

Mizgir가오고 소녀들은 Kupava의 결혼 노래를 시작합니다. 멋진 소녀 Mizgir에서 눈을 뗄 수 없어 주저하지 않고 Kupava를 거부합니다. 그는 더 이상 그녀를 사랑하지 않습니다! 그는 Snow Maiden과 함께 있습니다!

Snow Maiden에게 열정적으로 연설하는 Mizgir는 그녀의 귀중한 선물과 그의 삶을

느린 악장- 1) 느린 속도; 2) 아다지오 템포의 저작물 또는 순환 작곡의 일부 제목; 3) 클래식 발레에서 느린 솔로 또는 듀엣 댄스.
반주 - 음악 반주솔리스트, 앙상블, 오케스트라 또는 합창단.
현- 사운드 통일성으로 인식되는 높이가 다른 여러 (최소 3) 사운드의 조합 화음의 소리는 3분의 1로 배열됩니다.
악센트- 다른 사운드에 비해 특정 사운드를 더 강하고 충격적으로 추출합니다.
알레그로- 1) 매우 빠른 걸음에 해당하는 페이스; 2) 알레그로 템포의 소나타 사이클의 한 부분 또는 일부의 제목.
알레그레토- 1) 템포, 알레그로보다 느리지만 모데라토보다 빠름; 2) 알레그레토 템포의 연극 또는 작품 일부의 제목.
변경- 이름을 변경하지 않고 모달 스케일의 차수를 올리거나 내립니다. 우발적 - 날카롭고, 납작하고, 이중으로 날카롭고, 이중으로 납작한 것; 취소의 표시는 bekar입니다.
안단테- 1) 차분한 단계에 해당하는 적당한 속도; 2) 작품의 제목과 안단테 템포의 소나타 사이클 부분.
안단티노- 1) 페이스, 안단테보다 더 활기차게; 2) 안단티노 템포의 소나타 사이클의 일부 또는 작품의 제목.
앙상블- 단일 예술 그룹으로 활동하는 공연자 그룹.
준비- 다른 악기 또는 다른 악기 구성, 음성으로 연주하기 위해 음악을 처리합니다.
아르페지오- 일반적으로 낮은 톤으로 시작하여 순차적으로 사운드를 연주합니다.
베이스- 1) 가장 낮은 남성 목소리; 2) 저음역 악기(튜바, 더블 베이스) 3) 화음의 낮은 소리.
벨칸토- 17세기 이탈리아에서 발생한 성악 양식으로 아름다움과 소리의 용이성, 칸틸레나의 완벽함, 콜로라투라의 기교로 구별됩니다.
변형- 주제가 질감, 조성, 선율 등의 변화로 여러 번 언급되는 악곡.
거장- 목소리나 악기 연주에 능통한 연주자.
발성- 모음 소리에 맞춰 가사 없이 노래하기 위한 악곡 일반적으로 발성 기술을 개발하기 위한 연습입니다. 콘서트 공연을 위한 보컬이 알려져 있다.
보컬 MUSIC - 시적 텍스트와 관련된 몇 가지 예외를 제외하고 하나, 여러 또는 많은 음성(기악 반주가 있거나 없음)에 대해 작동합니다.
키소리 - 사람이 주관적으로 결정하고 주로 주파수와 관련된 소리의 품질.
감마- 오름차순 또는 내림차순으로 메인 톤에서 위치하는 모드의 모든 사운드의 연속은 옥타브의 볼륨을 가지며 인접한 옥타브로 계속될 수 있습니다.
조화-음조를 자음으로 조합하여 연속적인 움직임에서 자음의 연결에 기반한 음악의 표현 수단. 그것은 다성 음악의 모드 법칙에 따라 만들어졌습니다. 조화의 요소는 종지와 전조입니다. 화성의 교리는 음악 이론의 주요 부분 중 하나입니다.
목소리- 탄성 성대의 진동으로 인해 높이, 강도 및 음색이 다른 일련의 소리.
범위- 노래하는 목소리, 악기의 음량(가장 낮은 소리와 가장 높은 소리 사이의 간격).
역학- 소리의 강도, 크기 및 변화 정도의 차이.
지휘- 학습 및 공연 중 뮤지컬 및 공연단 관리 작곡. 특별한 제스처와 표정의 도움으로 지휘자 (밴드 마스터, 합창단 마스터)가 수행합니다.
고음부- 1) 중세 2성부 창가 형식 2) 합창단이나 보컬 앙상블에서 그가 연주하는 부분뿐만 아니라 높은 어린이 (소년) 목소리.
불협화음- 다양한 톤의 융합되지 않은 긴장된 동시 사운드.
지속- 사운드 또는 일시 중지가 차지하는 시간.
우성- 장조와 단조의 음조 기능 중 하나로 강장제에 강한 끌림이 있습니다.
바람 INSTRUMENTS - 음원이 보어(튜브)에 있는 공기 기둥의 진동인 악기 그룹입니다.
장르- 형식과 내용이 통일된 역사적으로 확립된 단위, 작업 유형. 연주 방법(성악, 성악, 독주), 목적(응용 등), 내용(서정, 서사, 극), 공연 장소 및 조건(연극, 콘서트, 실내악, 영화음악 등)이 다르다. .).
자페브- 합창이나 서사시의 도입부.
소리- 특정 피치와 라우드니스가 특징입니다.
모방- 다성 음악 작품에서, 이전에 다른 성부로 들렸던 멜로디의 어떤 성부에서 정확하거나 수정된 ​​반복.
즉흥- 준비 없이 공연 중에 작곡.
수단이되는 MUSIC - 악기 연주용: 솔로, 앙상블, 오케스트라.
수단- 실내악 앙상블이나 오케스트라를 위한 악보 형태의 음악 발표.
간격- 두 소리의 높이 비율. 멜로디 (소리가 번갈아 들림) 및 고조파 (소리가 동시에 들림)가 발생합니다.
소개- 1) 주기적인 기악곡의 첫 부분 또는 피날레에 대한 간략한 소개 2) 오페라 또는 발레에 대한 일종의 짧은 서곡, 오페라의 별도 행위에 대한 소개; 3) 서곡에 이어 오페라의 시작을 알리는 합창단 또는 성악 앙상블.
운율- 1) 음악적 구조를 완성하고 어느 정도 완성도를 부여하는 화성적 또는 선율적 전환; 2) 기악 협주곡의 거장 솔로 에피소드.
방 MUSIC - 소그룹의 연주자를 위한 기악 또는 성악.
포크- 특정 주파수의 소리를 내는 특수 장치. 이 소리는 악기를 조율하고 노래할 때 기준이 됩니다.
클라비에르- 1) 문자열의 일반 이름 키보드 악기 XVII-XVIII 세기에; 2) klaviraustsug라는 단어의 약어 - 피아노 한 대뿐만 아니라 피아노로 노래하기 위한 오페라, 오라토리오 등의 악보 편곡.
콜로라투라- 빠르고 기술적으로 어려운 노래의 거장 구절.
구성- 1) 작업의 건설; 2) 저작물의 제목 3) 음악 작곡; 4) 음악 교육 기관의 과목.
공명- 하모니의 가장 중요한 요소 중 하나인 다양한 음색의 연속적이고 조정된 동시 사운드.
콘트랄토- 낮은 여성 목소리.
최고점- 음악 구성에서 가장 긴장이 높은 순간, 음악 작품의 한 부분, 전체 작품.
젊은이- 음악의 가장 중요한 미학적 범주: 소리의 관계인 중심 소리(협화음)로 통합된 음높이 연결 시스템.
기조- 작품에서 등장인물, 사물, 현상, 사상, 감정의 특징이나 상징으로 반복되는 음악적 전환.
가사 - 문학 텍스트, 모든 음악 작품 제작의 기초로 간주됩니다.
멜로디- 음악의 주요 요소인 단선율로 표현된 음악적 사고; 특정 구조를 형성하는 모달 인토내셔널 및 리드미컬한 방식으로 구성된 일련의 소리.
미터- 강한 비트와 약한 비트의 교대 순서, 리듬 구성 시스템.
메트로놈- 연주의 정확한 템포를 결정하는 데 도움이 되는 도구입니다.
메조 소프라노- 여성 목소리, 소프라노와 콘트랄토의 중간.
다음- 여러 음성의 동시 조합을 기반으로 한 음악 창고.
모데라토- 적당한 템포, 안단티노와 알레그레토 사이의 평균.
조정- 새로운 톤으로 전환합니다.
뮤지컬양식 - 1) 복합 표현 수단어떤 이념적, 예술적 내용을 음악 작품에 구현하는 것.
통지서- 음악 녹음 및 녹음 자체를 위한 그래픽 기호 시스템. 현대 악보에서는 오선보, 음표(소리를 나타내는 기호), 키(음의 높이를 결정함) 등을 사용합니다.
오버톤- 배음(부분음), 주음보다 높거나 약한 소리가 병합됩니다. 각각의 존재와 강도가 소리의 음색을 결정합니다.
관현악법- 오케스트라를 위한 음악 편곡.
장식- 보컬 및 기악 멜로디를 장식하는 방법. 작은 멜로디 장식을 멜리스마라고 합니다.
오스티나토- 선율적인 리드미컬한 형상의 반복 반복.
점수- 다성 음악 작품의 악보 특정 순서모든 투표의 정당.
위탁품 - 요소하나의 성부 또는 특정 악기뿐만 아니라 동종의 성부 및 악기 그룹에 의해 연주되도록 설계된 다성 작품.
통로- 빠르게 움직이는 소리의 연속, 종종 수행하기 어렵습니다.
정지시키다- 한 곡의 한 성부, 여러 성부 또는 모든 성부의 소리가 끊어지는 현상 이 휴식을 나타내는 악보 기호.
피치카토- 사운드 추출 수신 구부러진 악기(꼬집음), 활로 연주할 때보다 더 조용하고 덜컹거리는 소리를 냅니다.
플렉트럼(중개자) - 현악기, 주로 뽑아내는 악기에서 소리를 추출하는 장치.
언더 보이스- V 민요메인 음성과 함께 동시에 들리는 음성.
전주곡- 짧은 곡, 음악의 도입부 부분.
소프트웨어음악 - 작곡가가 지각을 구체화하는 구두 프로그램과 함께 제공한 음악 작품.
재현부- 뮤지컬 작품의 동기의 반복 및 반복의 음악적 기호.
율- 지속 시간과 강도가 다른 소리가 번갈아 나타납니다.
심포니즘- 주제 및 주제 요소의 대결 및 변형을 포함하여 일관되고 의도적인 음악적 개발의 도움으로 예술적 개념의 공개.
교향곡 MUSIC - 심포니 오케스트라의 연주를 위한 음악 작품(크고 기념비적인 작품, 작은 작품).
스케르초- 1) XV1-XVII 세기에. 기악 작품뿐만 아니라 유머러스한 텍스트에 대한 성악 기악 작품 지정; 2) 제품군의 일부; 3) 소나타-교향곡 주기의 일부; 4) 19세기부터. 카프리치오에 가까운 독립적인 기악 작품.
청각 뮤지컬-개인의 자질을 인식하는 능력 음악 소리그들 사이의 기능적 연결을 느껴보십시오.
솔페지오- 귀와 음악 읽기 능력을 개발하기 위한 발성 연습.
소프라노- 1) 가장 높은 노래하는 목소리(주로 여성 또는 아동용) 발성 레지스터가 발달된 것; 2) 합창단의 윗부분; 3) 악기의 고음역 다양성.
문자열악기 - 소리를 내는 방식에 따라 활, 뽑는, 타악기, 타악기 건반, 뽑는 건반으로 나뉩니다.
재치- 악보의 특정한 형태와 단위.
주제- 음악 저작물 또는 그 부분의 기초를 형성하는 구조.
음색- 음성이나 악기의 소리 특성 색상.
속도- 미터법 계산 단위의 속도. 정확한 측정을 위해 메트로놈을 사용합니다.
온도- 사운드 시스템 단계 사이의 간격 비율 정렬.
토닉- 프렛의 주요 단계.
전사- 음악 작품의 편곡 또는 무료, 종종 거장, 처리.
전동음- 인접한 두 음이 빠르게 반복되면서 생기는 무지갯빛 소리.
서장- 연극 공연 전에 연주되는 오케스트라 작품.
드럼악기 - 가죽 멤브레인이 있거나 자체적으로 소리를 낼 수 있는 재료로 만들어진 악기.
조화- 동일한 피치의 여러 음악 사운드를 동시에 소리냅니다.
조직- 작품의 특정 사운드 이미지.
가성- 남성 노래 목소리의 성구 중 하나.
페르마타- 일반적으로 음악의 끝이나 섹션 사이에서 템포를 중지합니다. 소리 또는 일시 중지 기간의 증가로 표현됩니다.
마지막- 순환 음악의 마지막 부분.
합창- 라틴어 또는 모국어로 된 종교 성가.
색수차- 두 가지 유형의 하프톤 간격 시스템(고대 그리스 및 새로운 유럽).
해치- 구부러진 악기에서 소리를 추출하여 소리를 내는 방법 다른 캐릭터그리고 착색.
노출 - 1) 초기 섹션작품의 주요 주제를 설명하는 소나타 형식; 2) 푸가의 첫 번째 부분.
단계- 뮤지컬 공연예술의 일종

제일 일반적 특성콘텐츠를 직접 언급하는 장르는 이미 서정적, 극적, 서사적 음악이라는 이름으로 지정되어 있습니다. 여기에는 프로그램 음악도 포함됩니다.

보다 구체적인 장르적 특성을 위해 역사적으로 많은 특수 명칭이 개발되어 왔다. 소나타, 교향곡, 서곡, 모음곡, 협주곡, 시, 판타지, 발라드 - 이 모든 것들은 다소 큰 작품의 장르 이름입니다.

오페라, 칸타타, 오라토리오, 교향곡 - 여기서 우리는 공연 수단뿐만 아니라 이러한 장르의 본질을 의미합니다.

이중제목은 보다 명확한 장르적 특성을 부여한다. 예를 들어, 서정 심리학, 서사시, 오페라 또는 교향곡; 목가적 소나타 또는 극적인 시.

더 작은 규모의 작품에 대한 수많은 장르 제목이 있습니다. 예를 들어, Mendelssohn의 가사가 없는 노래; 쇼팽의 전주곡, 에튀드, 야상곡, 발라드; 리스트의 랩소디; Rachmaninoff의 에튀드 그림, Medtner와 Prokofiev의 동화.

이러한 타이틀 중 일부는 일반적인 반면 다른 타이틀은 장르에 더 구체적입니다. 예를 들어 Bach의 프랑스어 및 영어 모음곡, Grieg의 Norwegian Dances, Tchaikovsky의 Italian Capriccio, Glinka의 Jota of Aragon이 있습니다.

낭만주의 작품에는 다양한 소프트웨어보다 개별화된 장르 특성을 가진 타이틀. 프로그래밍은 낭만주의 시대의 특징입니다. 프로그래밍에 대한 호소는 특정 아이디어, 이미지, 캐릭터를 음악 언어로 직접 표현하고 음악을 다른 예술, 문학, 그림에 더 가깝게 만들고자 하는 낭만적인 작곡가의 욕구에서 비롯됩니다. 반영된 현상의 복잡성, 수단 및 형식의 참신함-이 모든 것이 작업의 의미를 올바르게 이해하는 데 도움이 되는 저자의 지시가 필요했습니다. 작곡가들은 이 공통된 욕구를 다양한 방식으로 구현했습니다. Berlioz 자신은 오페라 대본과 같은 그의 교향곡에 대한 자세한 프로그램을 작성했습니다. Liszt의 작품은 세계 문학의 이미지에서 영감을 얻었으며 자신의 이름을 따 왔습니다. 예를 들어 교향곡 "Faust"(각 부분에는 "Faust", "Gretchen", "Mephistopheles"라는 이름이 있음), Dante의 "Divine Comedy"이후 "Dante"; 교향시"오르페우스" - 고대 신화, 셰익스피어의 "햄릿", 프레스코의 "훈족의 전투" 독일 예술가카츨바흐. 슈만은 특정 내용을 나타내거나 일반적인 시적 아이디어, 아이디어를 제목으로 표현하는 주어진 연극의 제목 특성을 생각해 냈습니다. 예를 들어 피아노는 "나비", "꽃"을 순환합니다. 그리고 때때로 내용을 자세히 설명하면서 주기의 각 연극에 개별 제목을 부여합니다. 이것은 미니어처 "Pierrot", "에 적용됩니다. 즐거운 만남”, “Tender Confessions”, “Coquette” 등 피아노 사이클 “Carnival”에 포함되어 있습니다.

프로그래밍되지 않은 음악에서는 댄스 장르의 이름이 가장 명확합니다. 그의 피아노 작품에서 쇼팽은 녹턴, 발라드, 폴로네즈, 마주르카, 왈츠와 같은 작품 장르의 정의에만 국한되었습니다.

장르는 음악적, 사회적 실천의 일반화로서 음악문학에서 예술적 이미지를 표현하는 필수적인 수단이다. 예를 들어:

베토벤과 슈베르트의 작업에서 행진곡은 매우 중요했습니다. – 프랑스 혁명 시대, 대중의 혁명적 운동, 나폴레옹 전쟁 시대와 관련된 장르;

러시아인의 작품에서 민요와 춤 장르 작곡가 XIX-XX수세기. 예를 들어, 댄스 "mazurka"-국가 색상을 만드는 수단-Glinka. 오페라 "Ivan Susanin", II 행위; ditties - 수단으로 음악적 특성노래의 텍스트와 관련된 이미지 - Sviridov. "S. Yesenin을 기리며"시, VII 부분 "농민들".

사회적 사고의 내용이 변경됨에 따라 현재 또는 그 시대의 전형적인 음악 장르도 변경됩니다. 일부는 사라지고 (예 : Gregorian chant, richerkar) 다른 일부는 나타납니다 (작가의 노래, 록 오페라).

음악 작품은 다른 예술 형식의 작품과 마찬가지로 내용과 형식의 통일성.

나는 옵션

음악 콘텐츠- 특정 음악 이미지의 현실 표시. 예술적 및 포함. 뮤지컬 이미지창조적 상상력은 그 자체로 발생하는 것이 아니라 지각현실. 이러한 인식은 현실의 현상을 자동적으로 예술(자연주의)로 전환시키는 것이 아니라 삶의 인상을 창의적으로 가공하여 예술적인 이미지로 변형시킨다. 따라서 현실의 예술적 반영 (시각 예술에서도)은 현실에 대한 예술가의 일반화 된 태도, 그의 세계관을 반영한 것입니다.

뮤지컬 이미지- 사람의 영적 세계에서 일어나는 이런 종류의 감각적 일반화의 결과이며 두 가지 모두의 기초를 만듭니다. 창의적인 상상력작곡가, 그리고 청취자의 윤리적 인식을 위해. 뮤즈. 이미지는 이미 음악적 모습으로 태어나고 음악 질서의 현상으로 인식됩니다. 따라서 음악적 이미지는 현실의 산물일 뿐만 아니라 "음악적 언어"를 형성하는 역사적으로 발전한 음악적 표현 수단을 모두 갖춘 음악 문화의 산물이기도 합니다.

II 옵션

현실은 다음과 같은 형태로 예술에 반영됩니다. 예술적 이미지. 예술적 이미지의 주요 특징은 일반적으로 작업 초반에 제시되지만 전체 예술적 이미지는 콘텐츠를 개발하는 과정에서 드러납니다. 음악에서 예술적 이미지의 초기 프레젠테이션을 호출합니다. 뮤지컬 테마(추가 개발 과정의 기회가 되는 건설).

개념 뮤지컬 형식광범위하고 일반적인 미적 의미와 좁고 기술적 인 의미의 두 가지 의미가 있습니다.

넓은 의미에서- 형식은 작품의 내용이 구체화되는 데 도움이되는 음악적 표현 수단의 통합 조직 시스템입니다 (작품의 이념적 및 비 유적 내용을 드러내는 일련의 음악적 표현 수단). 이러한 의미에서 음악 형식의 구성 요소는 작품 전체와 그 부분의 구조(구성 유형)뿐만 아니라 음악 자료를 표현하는 방법인 질감(멜로디, 하모니, 리듬)도 통일성으로 나타냅니다. ), 음색 및 레지스터 수단, 동적 음영, 템포, 사운드 추출 방법 등

좁은 의미에서- 작품의 구조(작곡의 종류 - 뮤지컬 등의 구조) 삽화가장 중요한 요소의 관계를 기반으로 발생합니다. 작품의 구성은 의도적이며 작곡가의 의도를 표현하는 데 도움이 됩니다.) 음악 작품의 구성, 부분의 비율.

나는 옵션

작품의 음악적 발전 계속해서. 연속성은 지속적인 기대를 유발하는 내부 역학에 의해 유지됩니다. 추가 개발최종 완성까지.

동시에 음악은 관절, 절단케이던스를 통해 긴 시간 동안 중지하고 일시 중지합니다. 둥글고 개별 구성의 완전성을 형성하는 이러한 음악적 구두점을 휴지(형태의 모든 부분 사이의 분할 순간)라고 합니다.

이와 관련하여 구두 연설(장, 단락, 구 및 심지어 단어)과의 유사성으로 인해 음악적 발달을 뮤지컬 스피치(구, 문장, 마침표).

휴지기의 주요 징후:

계속되는 소리에 멈추십시오.

선율-리듬적 형상의 반복;

동적 음영, 레지스터 등 변경

휴지는 일반적으로 메인 보이스에서 가장 명확하게 표현됩니다.

caesuras로 구분되는 형식 부분을 건물(지속 시간에 관계없이 막대에서 수백 막대까지). 양식의 일부, 즉 caesuras에 의해 서로 분리 된 구조는 동시에 통일되어 함께 형성됩니다. 뮤지컬 전체.

상대적으로 완전한 음악적 사고를 여러 부분으로 나누고 서로 종속시키는 것(통일) - 음악 구문.

II 옵션

통사론(Greek - 편집) - 이것은 구두 연설, 구의 교리, 문장의 의미 론적 관계 연구에 전념하는 문법 영역입니다.

음악에서는 악구를 형성하는 개별 소리 사이, 악구 자체 사이에도 연결이 있습니다. 이러한 연결은 모드, 메트로 리듬, 멜로디 움직임의 형태 등을 기반으로 발생합니다. -이 모든 것이 이야기합니다 음악 연설의 구문.

음악 한 곡을 비교할 수 있습니다. 문학 작품. 이야기, 소설 - 계획, 아이디어 및 내용이 있으며 점진적인 프레젠테이션으로 분명해집니다. 또한 각 생각은 점으로 서로 구분되는 완전한 문장으로 표현됩니다. 문장에서 그 부분은 쉼표로 구분됩니다.

음악에서 콘텐츠는 연속적인 사운드 스트림으로 제공되지 않습니다. 음악을 들으면서 우리는 그 안에서 조음의 순간인 휴지(caesuras)를 인식합니다. 휴지기는 한 구조가 다른 구조와 분리되는 순간입니다. Caesuras는 형질:

음역, 질감, 멜로디 움직임, 템포, 음색의 변화;

신제품의 등장 멜로디 소재 또는 반복;

구성과 문자 또는 변형 구성 사이의 휴지기.

에서처럼 구어체 연설생각은 별도의 단어로 구성된 문장으로 표현되며 멜로디에서 문장은 더 작은 구조로 나뉩니다. 실없는 말그리고 동기(음악 형식의 구성 요소, 멜로디의 기초를 형성하는 셀).

동기 – 가장 작은 부분멜로디는 특정 표현적 의미를 가지며 나타날 때 인식할 수 있는 불가분의 음악적 음성 셀입니다.

모차르트. 교향곡 40, ch.p.;

차이코프스키 "독일 노래"(d.a.);

차이코프스키. 5월. "백야"(d.a.);

하이든. 미뉴에트;

모차르트. 미뉴에트;

퍼셀. 아리아;

모르다소프. 오래된 동기.

2-3개 모티프의 시퀀스는 상대적으로 닫힌 구성을 형성합니다. 뮤지컬 문구.이 구들은 차례로 결합되고 2개 구의 연속은 더 큰 구조를 구성합니다. 권하다. 두 문장의 연속은 완전한 섹션을 구성하며, 이를 마침표는 단순한 한 부분 형식입니다..

많은 작은 조각들이 기간을 나타냅니다. 그러나 대부분의 경우 음악 작품은 일련의 기간으로 구성됩니다.

따라서 두 기간의 연속은 간단한 두 부분 형식(A + A 1, A + B).성악에서는 이 형식을 이행 연구.

- 차이코프스키. 5월. "백야"(d.a.) - A+B;

마이카파르. 유치원에서 - A+B;

슈만. 3월 - A+B;

- 슐긴. 10월 3월 - A + B;

- 헨델. 미뉴에트 - A+A 1 ;

- 퍼셀. 아리아 - A+A 1 ;

- 바흐. 아리아 - A+A 1

세 부분으로 된 형식세 개의 섹션으로 구성됩니다(대부분 - 세 기간): 첫 번째와 세 번째 섹션은 동일합니다. 중간 - 첫 번째 부분의 주제별 자료 개발을 계속하거나 새롭고 대조되는 자료를 기반으로 구축 (A + A 1 + A, A + B + A).

차이코프스키. "목병의 행진"(d.a.) - A+A 1 +A;

차이코프스키. "신인형" (d.a.) - A+A 1 +A;

차이코프스키. "종달새"(d.a.) - A+A 1 +A;

- 모차르트. 미뉴에트 - A+A 1 +A;

차이코프스키. "Sweet Dream" (d.a.) - A+B+A;

- 루빈스타인. "멜로디"- A+B+A;

- 무소르그스키. "Baba Yaga", "부화되지 않은 병아리의 발레"( "전람회의 그림") - sl. 중간 부분이 대조되는 3파트;

그리그. "난쟁이들의 행렬" - sl. 중간 부분이 대조되는 3파트;

- 프로코피예프. 기사단의 춤 - sl. 중간 부분이 대조되는 3파트;

- 모차르트. 교향곡 40번, 3부 - sl. 트리오가 있는 3부

변형- 테마와 수정된 형식으로 여러 번 반복되는 음악 형식( A + A 1 + A 2 + A 3 ...).

- 헨델. Passacaglia g moll - 2957 (basso ostinato);

모차르트. 프랑스 주제에 대한 변주곡 노래. - 572;

그리그. 산왕의 동굴에서 - 3641(소프라노 오스티나토);

얽힘. 볼레로 - 3139(더블 변형);

글린카. Kamarinskaya - 3578 (더블 변형)

쇼스타코비치. 교향곡 7번 1부 침공의 에피소드 - 변하지 않는 주제에 대한 자유로운 변주

론도(fr. - 둥근 춤, 원을 그리며 걷기) - 하나의 주제가 반복적으로 반복되는 음악 형식 - 그만두다(주제가 3회 이상 수행됨), 다른 내용의 섹션이 번갈아 가며 - 에피소드. 론도 형식은 후렴구로 시작하고 끝납니다. 악순환 (A+B+A+C+D+A).

쿠페린. 샤콘 "사랑하는"- 2874;

모차르트. Arioso Figaro "유쾌한 소년 ...", I d. "피가로의 결혼식"-

글린카. 로맨스 "나이트 제퍼"-

글린카. Rondo Farlaf, II d. "루슬란과 류드밀라" -

보로딘. 야로슬라브나의 비탄, IV d. "이고르 왕자" -

프로코피예프. "줄리엣은 소녀입니다"-

무소르그스키. "전시회 사진" - 모음곡의 특징을 지닌 론도.

공통 아이디어로 통합 된 별도의 부분으로 구성된 대규모 작업은 다음에 속합니다. 순환 형태.