베토벤과 다른 독일 작곡가. 19세기 후반 독일의 음악문화 독일 음악 발전의 모순

Max Bruch의 교향곡은 그의 바이올린 협주곡이나 스코틀랜드 환상곡만큼 인기가 없으며 거의 ​​연주되지 않습니다. 그러나 하모니는 듣는 사람의 영혼에서 지혜와 힘에 대한 열망을 일깨우고 정신을 강화하며 모든 어려움에 대처하는 데 도움을 주면서 그들 안에서 최고를 다스립니다. Bruch 작품의 주목할만한 녹음에는 주요 콘서트 작품 외에도 드물게 연주되는 그의 교향곡 3곡 세트가 포함됩니다. 지휘자 Kurt Masur가 수행한 프로젝트. 이 녹음 중 하나가 지금 들릴 것입니다. 교향곡 3번 E장조의 매우 아름다운 아다지오입니다.

Gewandhausorchester 라이프치히

쿠르트 마주르, 지휘자

음악은 소리의 예술이며 각 소리에는 고유한 명칭이 있습니다. 음악에서 음표(lat. nōta - "sign", "mark")는 현대 악보의 주요 상징 중 하나인 음악 작품의 소리를 그래픽으로 지정하는 것입니다. 변형…

Max Bruch(1838-1920)라는 이름은 음악계에서 Mendelssohn과 Brahms의 이름만큼 시끄럽지 않습니다. 그러나 그의 바이올린 협주곡 1번 G단조 Op. 26, 위대한 혈통에서 합당한 위치를 차지합니다. 낭만적인 걸작. Max Bruch는 Mendelssohn이 E단조 바이올린 협주곡의 초안을 만든 해에 태어났습니다. 브루흐 협주곡은 슈만이 세상을 떠난 지 10년 후에 초연되었습니다. 10년 후 있었다. 유명한 콘서트브람스의 바이올린과 관현악을 위한 그러나, 하나 더 있습니다 위대한 음악가, 그의 예술은 명명된 바이올린 협주곡을 한 세기 동안 중단되지 않은 전통으로 통합했습니다. 그의 이름은 조셉 요아킴이었습니다. ~에 제목 페이지 Bruch Violin Concerto의 악보는 우정의 표시로 Josef Joachim에게 헌정되었습니다.

G단조 협주곡의 스케치는 1857년으로 거슬러 올라갑니다. 당시 19세의 Bruch는 Ferdinand Hiller와 Carl Reinecke가 그의 교사였던 Cologne 음악원을 졸업했습니다. Bruch는 20세에 이미 음악원에서 음악 이론 과목을 가르치고 있었습니다. 차례로, 그의 오페라, 오라토리오, 교향곡의 초연, 기악 콘서트, 챔버 앙상블, 보컬 사이클... Bruch의 합창단은 특히 독일에서 인기가 있습니다. 그는 오페라 공연을 지휘하고 심포니 콘서트독일 및 해외 여러 도시에서 Max Bruch의 학생들 중에는 국가 대표가 있습니다. 작곡가 학교, 영국인 Ralph Vaughan Williams 인 이탈리아 Ottorino Respighi와 같은 20 세기의 뛰어난 거장.

막스 브루흐

Johann Philipp Kirnberger (독일 요한 필립 Kirnberger; 세례 4월 24일 1721, Saalfeld - 1783년 7월 27일, 베를린) - 독일 음악 이론가, 작곡가, 바이올리니스트, 교사.

F. W. Marpurg에 따르면 1739-41년에 Kirnberger는 라이프치히에서 J. S. Bach와 함께 공부했는데, 그는 바흐를 독일 최고의 작곡가로 여겼습니다. 1741-50년에 그는 폴란드 귀족 가정에서 음악 교사 및 밴드 마스터로 봉사했으며 밴드 마스터였습니다. 수도원리 비우에서. 1754년부터 베를린 궁정 예배당의 바이올리니스트이자 밴드 마스터인 Kirnberger는 프로이센의 프리드리히 대왕의 여동생인 프로이센의 안나 아말리아에게 작곡을 가르쳤습니다.
Kirnberger는 바흐의 합창 편곡 출판을 요청했으며, 라이프치히 출판업자인 Breitkopf에게 보낸 편지에서 다음과 같이 썼습니다.

C. F. E. 바흐가 수집한 400개 이상의 바흐 합창곡과 그 중 많은 부분을 자신의 손으로 필사한 것과 관련하여, 현재 제 마음대로 사용할 수 있는 이 합창곡을 미래의 음악가, 작곡가 및 음악을 위해 보존하는 것이 저에게는 매우 중요합니다. 감정가 .

Kirnberger는 C. F. E. Bach로부터 합창 악보를 구입했습니다. 출판을 촉진하기 위해 Kirnberger는 이 원고를 Breitkopf의 출판사(Kirnberger가 사망한 후에도 소유자로 남아 있음)에 무료로 제공했습니다.

19세기 전반기 독일 바이올린 연주의 가장 두드러진 대표자는 루트비히 슈포어.

Braunschweig에 살았던 의사의 아들인 Spohr는 아주 어릴 때부터 그의 발달에 매우 유리한 환경에 놓였습니다. 음악적 재능. Spohr의 아버지는 플루트(!)를 연주했고 그의 어머니는 가수이자 훌륭한 피아니스트였습니다. 그 소년은 특히 기쁨으로 가정 음악을 들었고 그들이 그에게 작은 바이올린을 사주었을 때 매우 기뻤습니다. 그는 어머니가 귀로 부르는 노래와 로맨스를 연주할 수 있었습니다. Spohr의 부모도 Braunschweig에서 이주한 마을에 살았던 한 프랑스 이민자 Dufour는 소년의 재능을 알아차렸습니다. 바이올린과 첼로를 꽤 잘 연주한 Dufour는 Spohr의 연구를 감독했고 그는 자신의 작곡을 쓰기 시작했습니다(그들은 Spohr의 바이올린 듀엣이 이 시기로 거슬러 올라간다고 말합니다).

그 후 수년간의 연구, Brunswick 공작 예배당에서 솔리스트로 일하고 유럽 도시를 여행했습니다. 예를 들어, 덴마크에서 Spohr는 자신의 재능을 극찬하는 여성과 이야기를 나누었습니다. 그녀는 나에게 그의 세부 사항을 말해달라고 요청했습니다. 전생그리고 Spohr가 아버지의 거래를 인수함으로써 더 잘할 수 없었는지 무심코 물었습니다. 스퍼는 다음과 같이 대답했다.

크리스티안 카나비치 (독일어: Christian Cannabich; 12월 28일 1731 - 1798년 1월 20일, 프랑크푸르트 암 마인) - 만하임 학교를 대표하는 독일 밴드 마스터, 바이올리니스트 및 작곡가.

J. Stamitz, N. Jommelli(구성)의 학생. 그는 만하임과 뮌헨의 오케스트라에서 일했습니다. 만하임 궁정 예배당의 바이올리니스트(1774년부터 지휘자). 1778년부터 그는 뮌헨에서 살았다. J. Stamitz가 죽은 후 그는 Mannheim School의 교장으로 인정 받았습니다. 친구 V.A. 모차르트. Cannabih는 주제별 자료의 균등한 분포를 기반으로 하는 오케스트레이션의 새로운 원칙을 적용했습니다. 오케스트라 그룹, 처음 소개하는 것 중 하나 심포니 오케스트라클라리넷. 창의성의 주요 장르는 교향곡입니다. 약 90개의 교향곡, 40개의 오페라와 발레, 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡, 실내악과 기악 앙상블의 저자. 그의 편지에서 Mozart는 Cannabih의 재능을 칭찬합니다. 어쨌든 모차르트는 그를 그가 본 최고의 음악 감독이라고 묘사합니다.

칼 오르프(Carl Orff; Carl Heinrich Maria Orff, 1895년 7월 10일, 뮌헨 - 1982년 3월 29일, 뮌헨)는 칸타타 카르미나 부라나(1937)로 가장 잘 알려진 독일의 작곡가이자 교사이다. 20세기를 대표하는 작곡가로서 음악 발전에도 지대한 공헌을 했다. 음악 교육.

장교였던 칼 오르프의 아버지는 피아노와 여러 현악기. 그의 어머니도 훌륭한 피아니스트였습니다. 아들의 음악적 재능을 발견하고 그의 훈련을 받은 것은 바로 그녀였습니다.

오르프는 5살 때 피아노를 배웠다. 아홉 살에 그는 이미 자신의 인형극을 위해 길고 짧은 음악을 작곡했습니다.

1912-1914년 오르프는 뮌헨 음악원에서 공부했습니다. 1914년에 그는 Herman Zilcher와 함께 공부를 계속했습니다. 1916년에 그는 뮌헨 챔버 극장에서 밴드 마스터로 일했습니다. 1917년, 제1차 세계대전 동안 오르프는 바이에른 제1야전포병연대에 자원입대했습니다. 1918년에 그는 악대장으로 초빙되었다. 국립극장 Wilhelm Furtwängler의 지시에 따라 만하임은 다름슈타트 대공국의 궁전 극장에서 일하기 시작했습니다.

1923년 그는 Dorothea Günther를 만났고 1924년 그녀와 함께 뮌헨에서 Günther-Schule 체조, 음악 및 무용 학교(독일어: Günther-Schule)를 설립했습니다. 1925년부터 생을 마감할 때까지 Orff는 이 학교의 부서장으로 젊은 음악가들과 함께 일했습니다. 아이들과 끊임없이 접촉하면서 그는 자신의 음악 교육 이론을 발전시켰습니다.

칼(하인리히 카스텐) 라이네케(독일 사람 칼(하인리히 카스텐) 라이네케 ; 6월 23일1824, Altona, 현재 함부르크의 일부 - 1910년 3월 10일, 라이프치히) - 독일 작곡가, 지휘자 및 피아니스트.

여섯 살 때부터 아버지 요한 루돌프 라이네케(Johann Rudolf Reinecke)에게 음악을 배웠다. 안에 1835년 그의 고향에서 피아니스트로 데뷔한 후 유럽을 순회하며 "우아한 작품 연주자"로 명성을 얻었습니다.모차르트 ". 청춘들의 음악적 우상은클라라 위크와 프란츠 리스트; Reinecke의 소심한 성격으로 인해 그는 투어링 거장 피아니스트의 역할에 적합하지 않았습니다.

와 함께 1843년 ~ 1846년 덴마크 국왕 크리스티안 8세의 장학금 덕분에 그는 라이프치히 음악원에서 피아노와 작곡을 공부했다. 당시 Gewandhaus의 밴드 마스터였던 Felix Mendelssohn은 그를 위해 공개 공연을 조직했습니다. 같은 기간 동안 Reinecke는 Robert Schumann을 만났습니다. Reinecke는 자신의 작곡에 큰 영향을 준 Mendelssohn과 Schumann의 작품에 큰 영향을 받았습니다.

음악이 없다면 우리의 삶은 어떻게 될까요? 수년 동안 사람들은 스스로에게 이 질문을 던지고 아름다운 음악 소리가 없다면 세상은 매우 다른 곳이 될 것이라는 결론에 도달했습니다. 음악은 우리가 더 충만한 기쁨을 경험하고 내면을 찾고 어려움을 극복하도록 도와줍니다. 작품을 작업하는 작곡가들은 사랑, 자연, 전쟁, 행복, 슬픔 등 다양한 것들에서 영감을 받았습니다. 그들이 만든 것 중 일부 작곡사람들의 마음과 기억 속에 영원히 남을 것입니다. 다음은 역사상 가장 위대하고 재능 있는 10명의 작곡가 목록입니다. 각 작곡가 아래에서 그의 가장 유명한 작품 중 하나에 대한 링크를 찾을 수 있습니다.

10 사진(동영상)

프란츠 페터 슈베르트 - 오스트리아 작곡가 32년 밖에 살지 못했지만 그의 음악은 아주 오랫동안 살아있을 것입니다. 슈베르트는 9개의 교향곡, 약 600개의 성악 작곡, 수많은 실내악 및 독주 피아노 음악을 작곡했습니다.

"저녁의 세레나데"

독일의 작곡가이자 피아니스트, 두 개의 세레나데, 네 개의 교향곡, 바이올린, 피아노, 첼로를 위한 협주곡의 저자. 그는 10세 때부터 콘서트에서 공연했으며, 단독 콘서트 14세에. 평생 동안 그는 주로 그가 쓴 왈츠와 헝가리 춤 덕분에 인기를 얻었습니다.

"헝가리 댄스 5번".

게오르그 프리드리히 헨델 - 독일과 영국 작곡가바로크 시대에 그는 약 40편의 오페라와 많은 오르간 협주곡을 작곡했습니다. 실내 음악. 헨델의 음악은 973년 이후 영국 왕의 대관식에서 연주되었고 왕실 결혼식에서도 들리며 UEFA 챔피언스 리그의 국가로도 사용됩니다(약간 편곡됨).

"뮤직 온 더 워터"

요제프 하이든- 고전주의 시대의 유명하고 다작의 오스트리아 작곡가로서, 그는 이 교향곡의 발전에 상당한 공헌을 했기 때문에 교향곡의 아버지라고 불립니다. 음악 장르. 요제프 하이든은 104개의 교향곡, 50개의 피아노 소나타, 24개의 오페라, 36개의 협주곡을 작곡했습니다.

"교향곡 45번".

표트르 일리치 차이콥스키는 러시아에서 가장 유명한 작곡가로, 오페라 10편, 발레 3편, 교향곡 7편을 포함해 80편 이상의 작품을 작곡했습니다. 그는 평생 동안 작곡가로 매우 유명하고 알려졌으며 지휘자로 러시아와 해외에서 공연했습니다.

발레 '호두까기 인형' 중 '꽃의 왈츠'.

Frederic Francois Chopin은 폴란드 작곡가 중 한 명으로 간주됩니다. 최고의 피아니스트모든 시간의. 그는 많이 썼다 뮤지컬 작품 3개의 소나타와 17개의 왈츠를 포함한 피아노용.

"레인 왈츠".

베네치아의 작곡가이자 거장 바이올리니스트인 안토니오 루치오 비발디는 500개 이상의 협주곡과 90개 이상의 오페라를 작곡했습니다. 그는 이탈리아와 세계 바이올린 예술의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.

"엘프의 노래"

Wolfgang Amadeus Mozart는 그의 재능으로 세계를 놀라게 한 오스트리아 작곡가입니다. 어린 시절. 이미 다섯 살 때 모차르트는 작은 작품을 작곡하고 있었습니다. 50개의 교향곡과 55개의 협주곡을 포함해 총 626개의 작품을 작곡했다. 9.베토벤 10.바흐

요한 제바스티안 바흐 - 독일 바로크 시대의 작곡가이자 오르가니스트. 다성음악의 대가로 알려져 있다. 그는 당시 거의 모든 중요한 장르를 포함하는 1000개 이상의 작품을 저술했습니다.

"뮤지컬 농담"

한스 레오 하슬러(1564년 10월 26일 - 1612년 6월 8일 세례) - 후기 르네상스와 초기 바로크의 독일 작곡가이자 오르간 연주자. 17세기 초 독일에서 이탈리아 양식을 발전시킨 가장 중요한 작곡가 중 한 사람.

요한 하인리히 샤이데만(1595년경 - 1663년 9월 26일) - 바로크 시대의 독일 오르간 연주자이자 작곡가. 북독일 오르간 학교의 지도자 중 한 명. Dietrich Buxtehude와 J.S. Bach의 중요한 전임자.

하인리히 슈츠(10/08/1585 - 11/06/1672) - 바로크 시대의 위대한 독일 작곡가이자 오르간 연주자. Claudio Monteverdi 및 Johann Sebastian Bach와 동등한 것으로 간주됩니다. 그는 프로테스탄트 음악에 베네치아식 대음법과 단음법을 접목시켰고 독일 최초의 오페라를 작곡하기도 했습니다.

히에로니무스 프레토리우스(1560년 8월 10일 - 1629년 1월 27일) - 북부 독일 작곡가이자 오르간 연주자 후기 르네상스그리고 초기 바로크. Jerome Pretorius의 가족에는 많은 사람들이 있었지만 더 유명한 작곡가 Michael Pretorius의 이름을 딴 것입니다. 뛰어난 음악가 16~17세기

요한 아담 라인켄(1643년 12월 10일 - 1722년 11월 24일 세례) - 바로크 시대의 네덜란드-독일 작곡가이자 오르간 연주자. Dietrich Buxtehude의 친구 인 북 독일 학교의 저명한 대표자 중 한 명은 젊은 요한 제바스티안 바흐에게 큰 영향을 미쳤습니다.

요한 헤르만 샤인 (Schein) (Johann Hermann Schein)(1586년 1월 20일 - 1630년 11월 19일) - 초기 바로크 시대의 독일 작곡가이자 시인. 그는 독일 음악에서 혁신적인 이탈리아 스타일을 처음으로 개발한 사람 중 한 명입니다. 그는 당시의 세련되고 우아한 작곡가로 여겨졌습니다.

요하네스 누시우스(Nux, Nucis))(c. 1556 - 03/25/1620) - 후기 르네상스와 초기 바로크 시대의 독일 작곡가이자 음악 이론가. 멀리 떨어져 있어서 주요 센터음악 활동에서 그는 Franco-Flemish 작곡가 Orlando di Lasso 스타일의 절묘한 작곡가였습니다. 매우 영향력있는 편집 논문구성 기법의 수사학적 적용에 대해.

요한 울리히 슈타이글더(1593년 3월 22일 - 1635년 10월 10일) - 바로크 시대의 남부 독일 작곡가이자 오르간 연주자. 그의 아버지 Adam(1561-1633)과 궁정 음악가이자 외교관이었던 할아버지 Utz(d. 1581)를 포함하는 슈투트가르트 출신의 Steigleder 음악 가족 중 가장 잘 알려진 구성원입니다.

요한 야콥 프로베르거(1616년 5월 19일 - 1667년 5월 7일 세례) - 독일 바로크 작곡가, 거장 하프시코드 연주자 및 오르간 연주자. 그 시대의 가장 유명한 작곡가 중 한 사람인 그는 클라비에 레퍼토리의 발전에 큰 공헌을 했으며 프로그램 음악의 첫 번째 예를 만들었습니다. 수많은 여행 덕분에 교류에 큰 공헌을 했다. 음악적 전통독일, 이탈리아, 프랑스. 그의 작품은 Handel과 Bach, 심지어 Mozart와 Beethoven과 같은 작곡가를 포함한 18세기 음악가들에 의해 연구되었습니다.

Richard Wagner는 유럽 전통 음악뿐만 아니라 전 세계 음악 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 예술 문화일반적으로. 바그너는 체계적인 음악 교육을 받지 못했고, 음악의 거장으로 성장하는 과정에서 결정적으로 자신에게 빚을 지게 된다. 비교적 일찍 오페라 장르에 전적으로 초점을 맞춘 작곡가의 관심이 분명해졌습니다.

누구보다 훨씬 더 유럽 ​​작곡가 XIX 세기, Wagner는 그의 예술을 종합 및 특정 철학적 개념을 표현하는 방법으로 간주했습니다. 그 본질은 Wagner의 기사 "에서 다음 구절에서 격언의 형태로 표현됩니다. 예술 작품 of the future”: “사람이 자연과 연결되어 있는 유대를 기쁘게 받아들일 때까지 자유롭지 못하듯이 예술도 삶과의 연결을 부끄러워할 이유가 없을 때까지 자유롭지 못할 것입니다.” 이 개념에서 두 가지 기본 아이디어가 나옵니다. 예술은 사람들의 공동체에 의해 만들어지고 이 공동체에 속해야 합니다. 예술의 가장 높은 형식은 말과 소리의 유기적인 통합으로 이해되는 뮤지컬 드라마입니다. 바이로이트는 첫 번째 아이디어의 구체화가 되었습니다. 오페라 극장처음으로 엔터테인먼트 기관이 아닌 예술 사원으로 해석되기 시작했습니다. 두 번째 아이디어의 구체화는 Wagner가 만든 새로운 오페라 형식 "뮤지컬 드라마"입니다. 목표가 된 것은 그녀의 창조물이었습니다. 창조적 인 삶바그너. 그 요소 중 일부는 초기 오페라 1840년대 작곡가 - "The Flying Dutchman", "Tannhäuser" 및 "Lohengrin".

뮤지컬 드라마 이론은 Wagner의 스위스 기사("오페라와 드라마", "예술과 혁명", "음악과 드라마", "미래의 예술 작품")와 실제로 그의 후기 오페라에서 가장 완벽하게 구현되었습니다. Tristan and Isolde ", 4 부작 "Nibelung의 반지"및 미스터리 "Parsifal". Wagner에 따르면 뮤지컬 드라마는 예술 (음악과 드라마)의 종합이라는 낭만적 인 아이디어가 구현 된 작품으로 오페라의 프로그램 성의 표현입니다. 이 계획을 실행하기 위해 Wagner는 당시 존재했던 오페라 형식의 전통, 즉 주로 이탈리아어와 프랑스어를 포기했습니다. 그는 과잉에 대해 첫 번째를 비판하고 화려함에 대해 두 번째를 비판했습니다. 격렬한 비판으로 그는 클래식 오페라의 주요 대표자 (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert)의 작품을 공격하여 그들의 음악을 "설탕에 절인 지루함"이라고 불렀습니다. 오페라에 생명을 불어넣기 위해 그는 처음부터 끝까지 한 막뿐만 아니라 전체 작품과 심지어 작품의 순환까지 극적인 발전을 통해 아이디어를 내놓았습니다. Der Ring des Nibelungen 사이클).

안에 클래식 오페라 Verdi와 Rossini의 별도 번호(아리아, 듀엣, 합창단이 있는 앙상블)는 단일 음악 악장을 여러 조각으로 나눕니다. Wagner는 대규모 종단간 보컬 및 교향곡 장면이 서로 흘러가는 것을 선호하여 그것들을 완전히 버리고 아리아와 듀엣을 극적인 독백과 대화로 대체했습니다. Wagner는 서곡을 전주곡으로 대체했습니다. 의미론적 수준에서 각 막에 대한 짧은 음악적 소개로, 동작과 불가분의 관계가 있습니다. 더욱이 오페라 로엔그린을 시작으로 이들 전주곡은 막이 열리기 전이 아니라 이미 무대가 열린 상태에서 공연되었다. 후기 바그너 오페라(특히 트리스탄과 이졸데)의 외적인 행동은 최소한으로 줄어들고 심리적 측면, 등장인물의 감정 영역으로 옮겨진다. Wagner는 단어가 내면의 경험의 깊이와 의미를 충분히 표현할 수 없다고 믿었으므로 뮤지컬 드라마에서 주역을 맡은 것은 성악 부분이 아닌 오케스트라입니다. 후자는 오케스트레이션에 전적으로 종속되며 Wagner는 심포니 오케스트라의 악기 중 하나로 간주합니다. 동시에 뮤지컬 드라마의 보컬 부분은 연극 연극 연설과 동일합니다. 그 안에 노래, arioznost가 거의 없습니다. Wagner의 오페라 음악에서 보컬의 특성(예외적인 길이, 극적인 기술에 대한 필수 요구 사항, 목소리의 테시투라의 극단적인 음역의 무자비한 착취)과 관련하여 솔로 연주 연습에서 새로운 고정 관념이 확립되었습니다. 노래하는 목소리- Wagnerian 테너, Wagnerian 소프라노.

Wagner는 오케스트레이션, 더 광범위하게는 교향곡에 특별한 중요성을 부여했습니다. 바그너의 오케스트라는 무슨 일이 일어나고 있는지 논평하고 "숨겨진" 의미를 전달하는 고대 합창단에 비유됩니다. 오케스트라를 개혁한 작곡가는 튜바 4중주를 만들고 베이스 튜바, 콘트라베이스 트롬본을 도입하고 확장했습니다. 문자열 그룹, 여섯 개의 하프를 사용했습니다. Wagner 이전의 전체 오페라 역사에서 이 정도 규모의 오케스트라를 사용한 작곡가는 없었습니다(예를 들어 Der Ring des Nibelungen은 8개의 호른이 있는 4중 오케스트라에 의해 연주됨). 하모니 분야에서 Wagner의 혁신도 일반적으로 인정됩니다. 비엔나 고전과 초기 낭만주의에서 물려받은 음조는 색채와 모달 변경을 강화하여 크게 확장되었습니다. 중심(토닉)과 주변부 사이의 연결의 고유성을 약화(고전의 경우 직설적으로)하여 불협화음을 협화음으로 직접 해결하는 것을 고의적으로 피하면서 그는 변조 개발에 긴장, 역동성 및 연속성을 부여했습니다. 전화 카드 Wagnerian 조화는 "Tristan-chord"(오페라 "Tristan and Isolde"의 서곡에서)와 "Nibelungs의 반지"의 운명의 leitmotif로 간주됩니다. Wagner는 개발된 라이트모티프 시스템을 도입했습니다. 이러한 각각의 라이트모티프(짧은 음악적 특성)는 특정 캐릭터 또는 살아있는 존재(예: 라인강 황금에 있는 라인강의 라이트모티프), 종종 캐릭터 캐릭터로 작용하는 객체(반지, 칼, 금 반지, 트리스탄과 이졸데의 사랑의 묘약), 행동 장면(로엔그린의 성배와 라인 골드의 발할라의 라이트모티프), 심지어 추상적인 아이디어(니벨룽의 반지 주기의 운명과 운명에 대한 수많은 라이트모티프, languor, Tristan과 Isolde의 사랑스러운 표정).

Wagnerian 라이트모티프 시스템은 The Ring에서 가장 완벽하게 개발되었습니다. 오페라에서 오페라로 축적되고 서로 얽히고 새로운 개발 옵션을 받을 때마다 이 주기의 모든 라이트모티프는 결과적으로 복잡한 음악적 질감에서 결합되고 상호 작용합니다. 마지막 오페라 신들의 죽음. 음악을 지속적인 움직임의 의인화로 이해하고 감정의 발전으로 인해 Wagner는 이러한 라이트 모티프를 하나의 교향곡 발전 흐름, "끝없는 멜로디"(unendliche Melodie)로 병합한다는 아이디어를 얻었습니다. 강장제 부재(오페라 트리스탄과 이졸데 전체에 걸쳐), 각 주제의 불완전성(오페라 신들의 죽음의 장례 행진 절정을 제외하고 니벨룽겐의 반지 전체 주기 전체에 걸쳐) 해결되지 않는 감정의 지속적인 축적으로 청취자를 지속적인 긴장 상태로 유지할 수 있습니다 (오페라 Tristan 및 Isolde 및 Lohengrin의 전주곡에서와 같이). A. F. Losev는 Wagner 작품의 철학적, 미적 기반을 "신비적 상징주의"로 정의합니다.

바그너의 존재론적 개념을 이해하는 열쇠는 4부작 "니벨룽겐의 반지"와 오페라 "트리스탄과 이졸데"이다. 첫째, 음악적 보편주의에 대한 Wagner의 꿈은 The Ring에서 완전히 구체화되었습니다. "The Ring에서이 이론은 모든 아이디어와 모든 시적 이미지가 음악적 모티브의 도움으로 즉시 구체적으로 구성되는 leitmotif를 사용하여 구현되었습니다. "라고 Losev는 썼습니다. 또한 "반지"는 Schopenhauer의 아이디어에 대한 열정을 완전히 반영했습니다. 그러나 사부작의 텍스트가 준비되고 음악 작업이 시작되었을 때 그들과의 친분이 일어났다는 것을 기억해야합니다. Schopenhauer와 마찬가지로 Wagner는 우주의 불리하고 무의미한 기초를 느낍니다. 존재의 유일한 의미는 이 보편적인 의지를 버리고 순수한 지성과 나태함의 심연으로 뛰어들어 음악에서 진정한 미적 즐거움을 찾는 것이라고 생각됩니다. 그러나 Wagner는 Schopenhauer와 달리 Wagner 신화에서 세상의 의지를 상징하는 금을 끊임없이 추구한다는 이름으로 사람들이 더 이상 살지 않는 세상이 가능하고 미리 결정된 것으로 간주합니다. 이 세계에 대해 확실히 알려진 것은 없지만 세계적 재앙 이후에 올 것이라는 데는 의심의 여지가 없습니다. 글로벌 재앙의 주제는 "반지"의 존재론에 매우 중요하며 분명히 더 이상 사회 시스템의 변화로 이해되지 않는 혁명에 대한 새로운 재검토입니다. 우주의 아주 본질.

Tristan과 Isolde에 관해서는, 거기에 구현된 아이디어는 불교에 대한 짧은 매혹과 동시에 상당한 영향을 받았습니다. 극적인 이야기 Mathilde Wesendonck에 대한 사랑. 이것은 Wagner가 오랫동안 추구해 온 분열된 인간 본성의 융합이 일어나는 곳입니다. 이 연결은 Tristan과 Isolde가 망각으로 떠남과 함께 발생합니다. 영원하고 불멸의 세계와 완전히 불교적으로 융합된 사상으로, Losev에 따르면 그것은 주체와 대상 사이의 모순을 해결합니다. 유럽 ​​문화. 가장 중요한 것은 바그너에게 불가분의 관계에 있는 사랑과 죽음의 주제입니다. 사랑은 사람에게 내재되어 있으며 죽음이 그의 삶의 불가피한 끝인 것처럼 그를 완전히 자신에게 종속시킵니다. 바그너의 사랑의 묘약은 이런 의미에서 이해되어야 한다. "자유, 행복, 쾌락, 죽음 및 숙명적 예정-이것이 사랑의 음료이며 Wagner가 훌륭하게 묘사했습니다. "라고 Losev는 썼습니다. 바그너의 오페라 개혁은 유럽과 러시아 음악에 지대한 영향을 미쳐 음악적 낭만주의의 최고 단계를 알리는 동시에 미래 모더니즘 운동의 토대를 마련했습니다. Wagnerian 오페라 미학의 직접적 또는 간접적 동화(특히 혁신적인 "통해" 음악 극작술)는 후속 오페라 작품의 중요한 부분을 차지했습니다. Wagner 이후 오페라에서 라이트모티프 시스템의 사용은 사소하고 보편화되었습니다. 그다지 중요하지 않은 것은 혁신의 영향이었습니다. 음악적 언어 Wagner, 특히 작곡가가 음조의 "오래된"(이전에는 흔들리지 않는 것으로 간주됨) 표준을 수정 한 그의 하모니.

러시아 음악가 중 Wagner의 친구 A.N. Serov는 전문가이자 선전가였습니다. 그럼에도 불구하고 Wagner를 공개적으로 비판한 N. A. Rimsky-Korsakov는 (특히 나중에 일) 하모니, 관현악 작문, 음악 극작술에 대한 바그너의 영향. Wagner에 관한 귀중한 기사는 주요 러시아인이 남겼습니다. 음악 평론가 G. A. 라로쉬. 일반적으로 "Wagnerian"은 "pro-Western"작곡가의 작품에서 더 직접적으로 느껴집니다. 러시아 XIX세기 (예 : A. G. Rubinshtein) 국립 학교 대표보다. Wagner (음악 및 미학)의 영향은 A. N. Scriabin의 작품에서 20 세기 초반 러시아에서 주목됩니다. 서부에서는 이른바 바이마르 학파(자칭-뉴 독일 학교), Weimar의 F. Liszt 주변에서 개발되었습니다. 그 대표자(P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff 및 기타)는 주로 범위를 확장하려는 그의 열망에서 Wagner를 지원했습니다. 음악적 표현력(하모니, 오케스트라 작문, 오페라 극작술).

Wagner의 영향을 받은 서양 작곡가로는 Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Bela Bartok, Karol Szymanowski, Arnold Schoenberg가 있습니다. 초기 작업). 바그너 숭배에 대한 반응은 그에 반대하는 "반바그너적" 경향이었다. 주요 대표작곡가 요하네스 브람스와 음악적 미학음악의 내재성과 자급자족, 외부의 비음악적 "자극물"과의 비연결성을 옹호한 E. Hanslik

러시아에서 반 바그너적 감정은 주로 M. P. Mussorgsky와 A. P. Borodin과 같은 작곡가의 국가 날개의 특징입니다. 비음악가들 사이에서 바그너에 대한 태도는 모호하다. 예를 들어 Friedrich Nietzsche는 그의 기사 "Casus Wagner"에서 다음과 같이 썼습니다.

Wagner는 음악가였습니까? 어쨌든 그는 다른 것 이상이었습니다 ... 그의 위치는 음악의 역사가 아닌 다른 영역에 있습니다. 그는 위대한 진정한 대표자와 혼동해서는 안됩니다. 바그너와 베토벤은 신성 모독이다..." Thomas Mann에 따르면, 바그너는 "예술에서 신성한 오컬트 행위, 사회의 모든 염증에 대한 만병통치약을 보았다...".

XX-XXI 세기의 Wagner 음악 창작물은 계속해서 가장 권위있는 오페라 무대, 독일뿐만 아니라 전 세계 (이스라엘 제외).Wagner는 전체 서사시를 상연하고 청중에게 아이디어를 전달할 수 있는 극장이 발견될 것이라는 거의 희망 없이 Der Ring des Nibelungen을 썼습니다. 그러나 동시대 사람들은 그 영적 필요성을 인식할 수 있었고 서사시는 시청자에게 다가갔습니다. 독일 민족 정신 형성에서 "반지"의 역할은 아무리 강조해도 지나치지 않습니다. 안에 19세기 중반"니벨룽의 반지"가 쓰여진 세기에 국가는 분열된 채로 남아 있었습니다. 독일인들은 나폴레옹 캠페인과 비엔나 조약의 굴욕을 기억했습니다. 최근에 특정 왕의 왕좌를 흔든 혁명이 천둥을 쳤습니다. Wagner가 세상을 떠났을 때 독일은 이미 통일되어 제국이되었고 모든 독일 문화의 전달자이자 중심이되었습니다. "니벨룽겐의 반지"와 바그너의 작품 전체는 비록 유일한 것은 아니지만 독일 국민을 위한 것이었고 독일 사상을 위한 것이었습니다. .

1864년 바이에른 왕 루드비히 2세의 호의를 얻어 빚을 갚고 그를 계속 지원한 그는 뮌헨으로 이주하여 다음과 같은 글을 썼다. 희가극"The Nuremberg Mastersingers"와 Ring of the Nibelungs의 마지막 두 부분인 "Siegfried"와 "The Death of the Gods". 1872년, 1876년에 문을 연 바이로이트에서 House of Festivals의 초석을 놓았습니다. 그곳에서 1876년 8월 13-17일에 4부작 니벨룽겐의 반지 초연이 열렸습니다. 1882년 바이로이트에서 미스터리 오페라 파르지팔이 상연되었습니다. 같은 해에 Wagner는 건강상의 이유로 베니스로 떠났고 1883년 심장마비로 사망했습니다. 바그너는 바이로이트에 묻혔다.

역대 세계 최고의 작곡가: 연대순 및 알파벳순 목록, 참고 문헌 및 작품

세계 100대 위대한 작곡가

연대순 작곡가 목록

1. 조스캥 데스프레(1450-1521)
2. 조반니 피에르루이지 다 팔레스트리나(1525-1594)
3. 클라우디오 몬테베르디(1567-1643)
4. 하인리히 슈츠(1585-1672)
5. 장 밥티스트 륄리(1632-1687)
6. 헨리 퍼셀(1658-1695)
7. 아르칸젤로 코렐리(1653-1713)
8. 안토니오 비발디(1678-1741)
9. 장 필립 라모(1683-1764)
10. 게오르그 헨델(1685-1759)
11. 도메니코 스카를라티(1685-1757)
12. 요한 제바스티안 바흐(1685-1750)
13. 크리스토프 빌리발트 글룩(1713-1787)
14. 요제프 하이든(1732~1809)
15. 안토니오 살리에리(1750-1825)
16. 드미트리 스테파노비치 보르트냔스키(1751-1825)
17. 볼프강 아마데우스 모차르트(1756~1791)
18. 루트비히 판 베토벤(1770-1826)
19. 요한 네포무크 훔멜(1778~1837)
20. 니콜로 파가니니(1782-1840)
21. 자코모 메이어베어(Giacomo Meyerbeer, 1791~1864)
22. 칼 마리아 폰 베버(1786~1826)
23. 지오아키노 로시니(Gioacchino Rossini, 1792~1868)
24. 프란츠 슈베르트(1797~1828)
25. 가에타노 도니제티(1797~1848)
26. 빈센조 벨리니 (1801 –1835)
27. 헥토르 베를리오즈(1803~1869)
28. 미하일 이바노비치 글린카(1804-1857)
29. 펠릭스 멘델스존-바르톨디(1809-1847)
30. 프리데리크 쇼팽(Fryderyk Chopin, 1810-1849)
31. 로베르트 슈만(1810-1856)
32. 알렉산드르 세르게예비치 다르고미즈스키(Alexander Sergeevich Dargomyzhsky, 1813~1869)
33. 프란츠 리스트(1811~1886)
34. 리하르트 바그너(1813~1883)
35. 주세페 베르디(1813-1901)
36. 샤를 구노(1818~1893)
37. 스타니슬라프 모니우스코(Stanislav Moniuszko, 1819-1872)
38. 자크 오펜바흐(1819~1880)
39. 알렉산드르 니콜라예비치 세로프(Alexander Nikolaevich Serov, 1820~1871)
40. 세자르 프랑크(1822~1890)
41. 베드리히 스메타나(1824~1884)
42. 안톤 브루크너(1824~1896)
43. 요한 슈트라우스(1825-1899)
44. 안톤 그리고리예비치 루빈스타인(1829-1894)
45. 요하네스 브람스(1833~1897)
46. ​​알렉산더 포르피리예비치 보로딘(1833-1887)
47. 카미유 생상스(1835~1921)
48. 레오 들리브(1836~1891)
49. 밀리 알렉세예비치 발라키레프(1837~1910)
50. 조르주 비제(1838-1875)
51. 겸손한 페트로비치 무소르그스키(1839-1881)
52. 표트르 일리치 차이콥스키(Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893)
53. 안토닌 드보르자크(1841~1904)
54. 쥘 마스네(1842~1912)
55. 에드바르 그리그(1843~1907)
56. 니콜라이 안드레예비치 림스키-코르사코프(1844-1908)
57. 가브리엘 포레(1845~1924)
58. 야나체크 레오(1854~1928)
59. 아나톨리 콘스탄티노비치 리아도프(1855~1914)
60. 세르게이 이바노비치 타네예프(1856~1915)
61. 루게로 레온카발로(1857-1919)
62. 자코모 푸치니(Giacomo Puccini, 1858-1924)
63. 휴고 울프(1860-1903)
64. 구스타프 말러(1860-1911)
65. 클로드 드뷔시(1862-1918)
66. 리하르트 슈트라우스(1864~1949)
67. 알렉산드르 티코노비치 그레차니노프(1864~1956)
68. 알렉산드르 콘스탄티노비치 글라주노프(Alexander Konstantinovich Glazunov, 1865~1936)
69. 장 시벨리우스(1865~1957)
70. 프란츠 레하르(1870~1945)
71. 알렉산드르 니콜라예비치 스크랴빈(1872~1915)
72. 세르게이 바실리예비치 라흐마니노프(1873~1943)
73. 아놀드 쇤베르크(1874~1951)
74. 모리스 라벨(1875~1937)
75. 니콜라이 카를로비치 메트너(1880-1951)
76. 벨라 바르톡(1881~1945)
77. 니콜라이 야코블레비치 먀스콥스키(1881-1950)
78. 이고르 페도로비치 스트라빈스키(Igor Fedorovich Stravinsky, 1882-1971)
79. 안톤 베베른(1883~1945)
80. 임레 칼만(1882~1953)
81. 알반 베르크(1885~1935)
82. 세르게이 세르게예비치 프로코피예프(Sergei Sergeevich Prokofiev, 1891~1953)
83. 아서 혼거(1892 -1955)
84. 다리우스 미요(1892 -1974)
85. 칼 오르프(1895 -1982)
86. 파울 힌데미트(1895-1963)
87. 조지 거슈윈(1898~1937)
88. 이사크 오시포비치 두나옙스키(Isaak Osipovich Dunayevsky, 1900-1955)
89. 아람 일리치 하차투리안(Aram Ilyich Khachaturian, 1903 -1978)
90. 드미트리 드미트리에비치 쇼스타코비치(1906-1975)
91. 티혼 니콜라예비치 흐렌니코프(1913년생)
92. 벤자민 브리튼(1913 -1976)
93. 게오르기 바실리에비치 스비리도프(1915-1998)
94. 레너드 번스타인(1918-1990)
95. 로디온 콘스탄티노비치 셰드린(1932년생)
96. 크시슈토프 펜데레츠키(b. 1933)
97. 알프레드 가리예비치 슈니트케(1934~1998)
98. 밥 딜런(b. 1941)
99. 존 레논(1940-1980)과 폴 매카트니(b. 1942)
100. 스팅 (b. 1951)

클래식 음악의 걸작

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