현대 일본 미술. 공예소녀
현대 일본 미술계는 완전히 세계화 된 것 같습니다. 아티스트는 도쿄와 뉴욕을 오가며 거의 모두 유럽 또는 미국 교육을 받았으며 국제 예술 영어로 작업에 대해 이야기합니다. 그러나이 그림은 완전하지 않습니다.
국가적 형태와 트렌드는 일본이 세계 시장에 제공해야 하는 가장 인기 있는 품목 중 하나임이 입증되고 있습니다. 예술적 아이디어그리고 작동합니다.
비행기 작동. 슈퍼플랫은 미국 괴짜 문화와 일본 전통 회화를 결합하는 방법
무라카미 다카시. "탕탄보"서구 세계에서 거의 모든 사람들에게(아마도 가장 열렬한 포스트모던 이론가를 제외하고) 높은 것과 높은 것 사이의 경계가 대중 문화문제가 있지만 여전히 관련이 있지만 일본에서는 이러한 세계가 완전히 혼합되어 있습니다.
세계 최고의 갤러리 전시와 스트리밍 제작을 성공적으로 결합한 Takashi Murakami가 그 예입니다.
무라카미 전시회 "부드러운 비가 내리겠습니다" 순회 녹음
그러나 무라카미와 대중문화의 관계(일본의 경우 이것은 주로 만화 및 애니메이션 팬(오타쿠)의 문화)와 관계가 더 복잡합니다. 철학자 아즈마 히로키는 오타쿠를 정통 일본 현상으로 이해하는 것을 비판합니다. 오타쿠는 17-19세기 에도 시대의 전통, 즉 고립주의 시대와 근대화 거부 시대와 직접적으로 연결되어 있다고 생각합니다. Azuma는 오타쿠 운동이 만화, 애니메이션, 그래픽 소설, 컴퓨터 게임- 미국 문화 수입의 결과로 전후 미국 점령의 맥락에서만 발생할 수 있습니다. Murakami와 그의 추종자들의 예술은 팝 아트 기법으로 오타쿠를 재창조하고 전통의 진정성에 대한 민족주의 신화를 폭로합니다. 그것은 "일본화된 미국 문화의 재미국화"를 나타냅니다.
미술사의 관점에서 볼 때 수퍼플랫은 초기에 가장 가깝습니다. 일본화우키요에. 최대 유명한 작품이 전통에서 - 조각 " 큰 파도카츠시키 호쿠사이(1823-1831)의 '카나가와에서'.
서구 모더니즘에게 일본화의 발견은 돌파구였다. 그것은 그림을 평면으로 볼 수 있게 했고, 그 특성을 극복하는 것이 아니라 그것과 함께 작업하는 것을 추구한다.
카츠시키 호쿠사이. "가나가와 앞바다의 큰 파도" 성능의 선구자. 1950년대 일본 미술은 오늘날 무엇을 의미하는가
선적 서류 비치 창작 과정카나야마 아키라, 시라기 카즈오
슈퍼플랫은 2000년대에야 비로소 모습을 드러냈습니다. 그러나 세계 예술에 중요한 예술적 행동은 서양보다 훨씬 일찍 일본에서 시작되었습니다.
예술의 수행적 전환은 지난 세기의 60년대와 70년대의 전환기에 일어났습니다. 일본에서는 50년대에 공연이 나왔다.
Gutai Group은 처음으로 자급자족할 수 있는 물건을 만드는 것에서 생산 과정으로 초점을 옮겼습니다. 여기에서 일시적인 이벤트를 위해 예술품을 포기하는 한 단계입니다.
구타이의 개별 예술가(20년 동안 59명)는 국제적 맥락에서 활발히 존재했지만, 일본어를 집단적 활동으로 이해 전후 예술일반적으로 서양에서 아주 최근에 시작되었습니다. 붐은 2013년 뉴욕과 로스앤젤레스, 도쿄의 소규모 갤러리에서 여러 전시회를 열면서 시작되었습니다. 일본 미술품의 모스크바 수입은 이러한 추세의 거의 뒤늦은 연속으로 보인다.
모토나가 사다마사. 구겐하임 미술관의 작품(물) 이 회고전 전시가 얼마나 현대적인지 놀랍습니다. 예를 들어, 구겐하임 미술관 전시의 중심 대상은 모토나가 사다마사(Sadamasa Motonaga)의 작품(물) 재건으로, 박물관 원형 건물의 층은 유색 물이 있는 폴리에틸렌 파이프로 연결되어 있습니다. 그것들은 캔버스에서 떼어낸 붓놀림을 연상시키고 "구체성"에 대한 구타이의 중심 초점을 예시합니다. 일본 이름그룹), 작가가 작업하는 대상의 물질성.
구타이의 많은 구성원은 고전 일본화와 관련된 교육을 받았고, 많은 사람들이 선불교의 종교적 맥락과 특징적인 일본 서예에 전기적으로 연결되어 있습니다. 그들 모두는 고대 전통에 대한 새롭고 절차적이거나 참여적인 접근 방식을 찾았습니다. Kazuo Shiraga는 자신의 발로 반 Rauschenberg 단색을 그리는 방법을 비디오로 녹화했으며 공개적으로 그림을 만들었습니다.
요시다 미노루(Minoru Yoshida)는 일본 판화의 꽃을 사이키델릭한 물건으로 바꿨습니다. 그 예로 세계 최초의 키네틱(움직이는) 조각품 중 하나인 양성화(Bisexual Flower)를 들 수 있습니다.
구겐하임 미술관 전시 큐레이터들은 이 작품들의 정치적 중요성에 대해 다음과 같이 이야기합니다.
"구타이는 수십 년 동안 군국주의 정부가 결정적인 영향력을 확보하고 중국을 침공한 후 수십 년 동안 사회적 수동성과 순응에 대응하는 방법으로서 자유로운 개인 행동, 청중의 기대를 무너뜨리는 것, 심지어 어리석음의 중요성을 보여주었습니다. 제2차 세계대전에 가담하십시오."
선하고 현명합니다. 1960년대 예술가들이 일본을 떠나 미국으로 간 이유
구타이는 전후 일본 통치의 예외였다. 아방가르드 그룹은 주변부로 남아 있었고 예술계는 엄격하게 계층적이었습니다. 인정받는 주요 방법은 인정받는 고전 예술가 협회에서 개최하는 대회에 참가하는 것입니다. 따라서 많은 사람들이 서양으로 가서 영어 예술 시스템에 통합되는 것을 선호했습니다.
특히 여자들이 힘들었다. 진보적인 구타이에서도 그들의 비중은 5분의 1도 되지 않았다. 필요한 접근을 위해 전통적인 기관에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 특수 교육. 60년대에 소녀들은 이미 그것에 대한 권리를 얻었지만, 예술을 배우는 것(기술 세트의 일부인 장식에 관한 것이 아니라면 료사이 켄보- 좋은 아내와 현명한 어머니) 직업에 사회적으로 눈살을 찌푸린 사람이었다.
오노 요코. 절단 조각
5명의 강력한 일본 여성 예술가들이 도쿄에서 미국으로 이주하는 이야기는 요시모토 미도리의 연구 "Into Performance: Japanese Women Artists in New York"의 주제였습니다. 쿠사마 야요이, 사이토 타카코, 시오미 미에코, 쿠보타 시게코는 경력 초기에 뉴욕으로 떠나기로 결정하고 일본 미술 전통의 현대화를 포함하여 그곳에서 일했습니다. Yoko Ono만이 미국에서 자랐지만 그녀는 1962-1964년 짧은 체류 기간 동안 도쿄의 예술 계층 구조에 환멸을 느끼며 의도적으로 일본으로 돌아가는 것을 거부했습니다.
Ono는 John Lennon의 아내 일뿐만 아니라 객관화에 전념하는 프로토 페미니스트 공연의 저자로서 다섯 명 중 가장 유명해졌습니다. 여성의 몸. 관객이 아티스트의 옷을 잘라낼 수 있는 Cut Piece It과 "퍼포먼스의 할머니" 마리나 아브라모비치의 "Rhythm 0" 사이에는 명백한 유사점이 있습니다.
짧은 다리에. 스즈키 타다시 작가의 연기 트레이닝을 이수하는 방법
오노와 구타이의 경우 작가와 분리된 작업 방식과 주제가 국제적으로 중요해졌다. 다른 형태의 수출이 있습니다. 작가의 작품이 국제 무대에서 관심을 가지고 인식되지만 그 특이성 때문에 실제 방법의 차용이 발생하지 않는 경우입니다. 가장 눈에 띄는 사례는 스즈키 타다시의 연기 트레이닝 시스템이다.
스즈키 극장은 러시아에서도 사랑 받고 있으며 이는 놀라운 일이 아닙니다. 마지막으로 2016년에는 에우리피데스의 텍스트를 바탕으로 한 <트로이의 여인> 공연으로 우리와 함께했고, 2000년대에는 셰익스피어와 체호프의 작품으로 여러 차례 찾아왔다. Suzuki는 연극의 행동을 현재 일본의 맥락으로 옮기고 텍스트에 대한 명확하지 않은 해석을 제공했습니다. 그는 Ivanov에서 반유대주의를 발견하고 중국에 대한 일본인의 경멸적인 태도와 비교하고 Lear 왕의 행동을 일본의 정신병원.
스즈키는 러시아에 반대하는 시스템을 구축했습니다. 연극 학교. 안에 XIX 후반 20세기, 소위 메이지 시대에 일본 제국주의 근대화는 반대 운동의 발흥을 경험했습니다. 그 결과 이전에는 극도로 폐쇄된 문화가 대규모로 서구화되었습니다. 수입된 형식 중에는 Stanislavsky 시스템이 있었는데, 이는 여전히 일본(및 러시아)에서 주요 감독 방법 중 하나로 남아 있습니다.
스즈키 운동
스즈키가 활동을 시작한 60년대에 일본 배우들은 신체적인 특징 때문에 당시 레퍼토리를 가득 채운 서양 텍스트의 역할에 익숙해질 수 없다는 논문이 점점 더 퍼지고 있었습니다. 젊은 감독은 가장 설득력있는 대안을 제시했습니다.
스즈키의 다리 문법이라고 하는 운동 시스템에는 수십 가지 앉는 방법과 더 많은 일어서고 걷는 방법이 포함됩니다.
그의 배우들은 보통 맨발로 연기하며 무게 중심을 낮추어 가능한 한 땅에 단단히 묶인 채 무겁게 보입니다. 스즈키는 현대 장비로 가득 찬 고대 일본 가옥인 토가 마을에서 그들과 외국 공연자들에게 자신의 기술을 가르칩니다. 그의 극단은 1 년에 약 70 회만 공연하고 나머지 시간에는 거의 마을을 떠나지 않고 개인적인 일을 할 시간이 없으며 일만합니다.
도가 센터는 1970년대에 등장했으며, 세계적으로 유명한 건축가 아라타 이소자카가 감독의 요청으로 설계했습니다. 스즈키의 시스템은 가부장적이고 보수적으로 보일 수 있지만, 그 자신은 분권화라는 현대적 용어로 토가에 대해 이야기합니다. 2000년대 중반에도 스즈키는 예술을 수도에서 지역으로 수출하고 현지 생산 지점을 조직하는 것의 중요성을 이해했습니다. 감독에 따르면 일본의 연극지도는 여러면에서 러시아와 비슷합니다. 예술은 도쿄에 집중되어 있고 그보다 적습니다. 주요 센터. 러시아 극장소도시를 정기적으로 여행하고 수도에서 멀리 떨어진 회사도 해를 끼치 지 않을 것입니다.
토가의 SCOT 회사 센터 꽃 산책로. 현대 연극은 노와 가부키 체계에서 어떤 자원을 발견했는가
스즈키 방식은 일본의 고대 전통인 가부키에서 비롯된 것입니다. 이러한 유형의 연극은 종종 걷는 예술로 특징지어질 뿐만 아니라 더 분명한 세부 사항에서도 나타납니다. 스즈키는 종종 남성의 모든 역할 수행에 대한 규칙을 따르고, 예를 들어 무대에서 깊이로 확장되는 플랫폼인 가부키 패턴의 하나미치("꽃의 길")와 같은 특징적인 공간 솔루션을 사용합니다. 강당. 그는 또한 꽃과 두루마리와 같이 잘 알아볼 수 있는 상징을 이용합니다.
물론, 글로벌 세계아니다 이야기가 있다일본인이 국가 형식을 사용하는 특권에 대해.
우리 시대의 가장 중요한 감독 중 한 명인 미국 로버트 윌슨의 극장은 ~에서 빌린 것입니다.
그는 일본의 대중을 연상시키는 마스크와 분장을 사용했을 뿐만 아니라 움직임의 최대 감속과 제스처의 자급자족적인 표현력을 바탕으로 연기 방식을 차용했다. 전통과 의례 형식을 최첨단 조명 점수와 미니멀리스트 음악(가장 유명한 작품윌슨 - 필립 글래스의 오페라 "해변의 아인슈타인"의 작품), 윌슨은 본질적으로 현대 예술의 많은 부분이 추구하는 기원과 관련성의 종합을 만들어냅니다.
로버트 윌슨. "해변의 아인슈타인"
아니오에서 가부키는 기둥 중 하나를 성장 현대 무용- 문자 그대로 번역된 부토 - 어둠의 춤. 1959년 안무가 오노 카즈오(Kazuo Ono)와 타츠미 히지카타(Tatsumi Hijikata)가 발명한 부토(butoh)는 충격적인 전쟁 경험의 반성을 신체 차원으로 가져오는 것이었습니다.
“그들은 몸이 아프고, 무너지고, 심지어 기괴하고 기괴하기까지 한 모습을 보여주었습니다.<…>움직임은 느리거나 의도적으로 날카롭고 폭발적입니다. 이를 위해 골격의 뼈 지렛대로 인해 주 근육이 개입되지 않은 것처럼 움직임이 수행되는 특별한 기술이 사용됩니다. 그것은 발레의 규범성에서 벗어나는 것입니다. 그녀는 부토를 20세기 초의 무용가 및 안무가의 관행과 비교합니다. Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman은 후기 "포스트모던" 무용에 대한 영향에 대해 이야기합니다.
부토 전통의 현대적 계승자인 가쓰라 가나의 춤의 단편
오늘날 원래 형태의 부토는 더 이상 전위적인 관행이 아니라 역사적 재구성입니다.
그러나 Ohno, Hijikata 및 그 추종자들이 개발한 이동 사전은 여전히 귀중한 자원입니다. 현대 안무가. 서양에서는 Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky가 사용했으며 The Weekend의 "Belong To The World" 비디오에서도 사용되었습니다. 일본에서 부토 전통의 후계자는 예를 들어 테시가와라 사부로로 10월에 러시아를 방문할 예정입니다. 그 자신은 어둠의 춤과의 유사점을 부인하지만 비평가들은 겉보기에 뼈가없는 몸, 연약함, 소리없는 발걸음과 같은 꽤 눈에 띄는 징후를 발견합니다. 사실, 그들은 이미 포스트 모더니스트 안무의 맥락에 놓여 있습니다. 높은 템포, 달리기, 포스트 산업 소음 음악과 함께 작업합니다.
테시가와라 사부로. 변형
로컬 글로벌. 현대 일본 미술은 서양 미술과 어떻게 비슷합니까?
Teshigawara와 그의 많은 동료들의 작품은 최고의 서양 현대 무용 축제 프로그램에 유기적으로 적합합니다. 일본 최대 규모의 연간 공연인 페스티벌/도쿄에서 선보인 공연과 공연에 대한 설명을 대충 훑어보면 유럽의 트렌드와 근본적인 차이를 느끼기 어려울 것이다.
중심 주제 중 하나는 장소 특정성입니다. 일본 예술가들은 고층 빌딩 형태의 자본주의 덩어리에서 오타쿠 밀집 지역에 이르기까지 도쿄의 공간을 탐구합니다.
또 다른 주제는 세대 간 오해, 생생한 만남의 장소로서의 극장, 사람들의 조직적인 의사 소통에 대한 연구입니다. 다른 연령대. Toshika Okada와 Akira Tanayama가 그녀에게 바친 프로젝트는 유럽의 주요 공연 예술 축제 중 하나에 몇 년 동안 연속으로 비엔나로 옮겨졌습니다. 2000년대 말까지 다큐멘터리 자료와 개인적인 이야기를 무대로 옮기는 것은 새로운 것이 없었지만, 비엔나 페스티벌의 큐레이터는 이 프로젝트를 다른 사람과 실시간으로 일대일로 접촉할 수 있는 기회로 대중에게 제시했습니다. 문화.
또 다른 주요 라인은 충격적인 경험을 통해 작업하는 것입니다. 일본인에게 그것은 수용소나 홀로코스트가 아니라 히로시마와 나가사키의 폭격과 관련이 있습니다. 극장은 그를 끊임없이 언급하지만 원자 폭발에 대한 가장 강력한 진술은 모든 현대의 기원의 순간입니다. 일본 문화여전히 Murakami Takashi의 소유입니다.
전시회 "리틀 보이: 폭발하는 일본의 하위 문화 예술" "Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture"는 그 이름입니다. 큐레이터 프로젝트 2005년 뉴욕에서 상영. "리틀 보이" - 러시아어로 "아기" - 1945년 일본에 투하된 폭탄 중 하나의 이름. 유명한 일러스트레이터의 만화 만화, 독특한 빈티지 장난감, Godzilla에서 Hello Kitty에 이르는 유명한 애니메이션에서 영감을 받은 상품을 수집한 Murakami는 박물관 공간의 귀여움(카와이)의 집중을 한계까지 끌어올렸습니다. 동시에 그는 다음과 같은 다양한 애니메이션을 출시했습니다. 중앙 이미지폭발, 맨땅, 파괴된 도시의 사진이 있었습니다.
이 반대는 외상 후 스트레스 장애에 대처하는 방법으로 일본 문화의 유아화에 대한 첫 번째 주요 진술이었습니다.
이제 이 결론은 이미 명백해 보입니다. 요모타 이누히코(Inuhiko Yomota)의 카와이에 대한 학문적 연구를 기반으로 합니다.
나중에 외상성 트리거도 있습니다. 가장 중요한 것은 2011년 3월 11일 후쿠시마 원자력 발전소에서 큰 사고를 일으킨 지진과 쓰나미입니다. Festival/Tokyo-2018에서는 6개의 공연으로 구성된 전체 프로그램이 자연 재해와 기술 재해의 결과를 이해하는 데 전념했습니다. 그들은 또한 Solyanka에서 발표된 작품 중 하나의 주제가 되었습니다. 이 예는 무기고가 중요한 방법서양과 일본의 미술은 근본적으로 다르지 않다. 이시이 하루유키(Haruyuki Ishii)는 지진에 관한 텔레비전 프로그램에서 고속으로 편집되고 반복되는 영상을 순환하는 3대의 텔레비전 세트를 제작합니다.
큐레이터는 “작품은 그가 본 모든 것이 더 이상 허구로 인식되지 않는 순간까지 작가가 뉴스에서 매일 보았던 111개의 영상으로 구성되어 있다”고 설명한다. "신일본"은 예술이 어떻게 국가 신화에 근거한 해석에 저항하지 않고 동시에 비판적인 눈동일한 해석이 모든 기원의 예술에 관련될 수 있음을 발견했습니다. 큐레이터들은 노자의 말을 인용하며 일본 전통의 근간인 사색에 대해 이야기합니다. 동시에 거의 모든 현대 미술"관찰자 효과"(전시라고 함)에 중점을 두었습니다. 친숙한 현상에 대한 인식을위한 새로운 맥락을 만드는 형태이든 적절한 인식의 가능성에 대한 질문을 제기하는 형태이든 상관 없습니다.
Imagined Communities - 비디오 아티스트 Haruyuki Ishii의 또 다른 작품
게임
그러나 2010년대 일본을 진보의 집약체라고 생각해서는 안 된다.
좋은 옛 전통주의의 습관과 오리엔탈리스트 이국주의에 대한 사랑은 아직 오래 가지 못했습니다. "The Theatre of Virgins"는 러시아 보수 잡지 "PTJ"에 실린 일본 연극 "Takarazuka"에 대한 오히려 찬사 기사의 제목입니다. 다카라즈카는 19세기 말 우연히 민간인의 종착지가 된 같은 이름의 외딴 도시에 관광객을 유치하기 위한 사업 프로젝트로 등장했습니다. 철도. 극장에서만 상영 미혼 소녀들, 철도 소유자에 따르면 남성 관중을 도시로 유인해야했습니다. 오늘날 다카라즈카는 하나의 산업으로 기능합니다. 콘서트 프로그램, 심지어 지역 놀이 공원. 그러나 미혼 소녀 만이 극단에 들어갈 권리가 있습니다. 적어도 처녀성을 확인하지 않기를 바랍니다.
그러나 다카라즈카는 일본인들이 극장이라고도 부르는 교토의 도지 디럭스 클럽에 비하면 아무것도 아니다. 그들은 절대적으로 거칠게 보여줍니다. 설명뉴요커 칼럼니스트 Ian Buruma, 스트립 쇼: 무대 위의 여러 벌거벗은 소녀들이 성기 시연을 공공 의식으로 바꿉니다.
많은 사람들처럼 예술적 관행, 이 쇼는 고대 전설을 기반으로 하며(촛불과 돋보기의 도움으로 청중의 남자들은 "어머니 여신 아마테라스의 비밀"을 차례로 탐구할 수 있음) 저자 자신이 노 전통을 상기시켰습니다. .
찾다 서양 대응"Takarazuki"와 Toji에 대해서는 독자에게 맡길 것입니다. 찾기가 어렵지 않습니다. 우리는 현대 예술의 상당 부분이 슈퍼 플랫에서 부토 댄스에 이르기까지 서양과 일본 모두에서 이러한 억압 관행에 맞서 싸우는 데 정확히 관련되어 있다는 점에 주목합니다.
게시물은 광고이지만 인상, 텍스트 및 사진은 자신의 것입니다.현대 미술은 처음에는 이러한 가능성을 넘어섰기 때문에 판단하거나 평가하기 어렵습니다. 있는게 좋다 알렉세이 리파노프
, 일본 전문가는 아니지만 나보다 예술을 더 잘 이해하는 사람. Alexei가 아니라면 누가 내가 본 것을 이해하도록 도와 줄까요?
예, 일본인은 이상한 사람들입니다. Gogol Boulevard 전시회의 인상.
전시회 "Double Perspective"의 전시는 조건부로 세 부분으로 나눌 수 있습니다 (저자가 제기 한 주제에 따라). 첫 번째는 개인과 국가, 국가에서 이데올로기의 역할에 전념합니다. 은둔, 개인에 대한 사회의 지시. 두 번째 주제는 인간과 자연에 대한 그의 영향(그리고 한 전시회의 틀 내에서도)과 관련이 있습니다. 다양한 아티스트정반대의 견해를 표명했습니다. 세 번째 주제는 순전히 일본어로 일본 사회에서 번성하는 "로리" 및 기타 에페보필릭의 이데올로기에 전념합니다.
1. 야노베 겐지의 작품은 포스트 아포칼립스 미학에 연루되어 있지만 "스토커리즘"이 없다는 점에 유의해야 합니다. 그의 작업은 방법론적 차원에서 매우 순진하다. "태양의 아이"는 대규모의 감동적인 조각품입니다. 대담하고 단호하거나 직접적이고 순진한 기술 세계에 저항하기 위해 어떤 사람이되어야합니까?
3. 훨씬 더 과장되고 순진한 스타일로 주제를 이어갑니다.
4. 오다니 모토히코가 사춘기, 섹슈얼리티, 그 심리에 대해 이야기합니다. 이 조각품 반대편에는 훨씬 더 표현력이 풍부한 비디오 설치물이 있지만 직접 눈으로 확인해야 합니다.
5. 아이다 마코토가 테마를 전개합니다. 소녀 같은 머리를 가진 분재 나무는 변태적인 사랑의 과장된 상징입니다. 상징주의는 투명하고 설명이 거의 필요하지 않습니다.
6. 그의 또 다른 작품 "하라 키리 학교의 제자". 그래픽으로 보면 정말 놀랍습니다.
7. 요시모토 나로의 "어린이" 테마의 연속. 아이들의 얼굴과 유치하지 않은 감정.
8. 이와사키 타카히로(Takahiro Iwasaki)는 온갖 쓰레기로 어떤 도시의 매우 조건적인 디오라마를 만들었습니다. 실제로 쓰레기장인 도시의 미학은 새로운 아이디어가 아니라 흥미롭게 구현되었습니다.
10. Tadanori Yokoo의 그림 - 암시, 인용 및 원형의 콜라주. 동시에 착색은 놀랍습니다.
11. 쿠사마 야요이(Yayoi Kusama)는 존재와 비존재의 실존적 미학으로 전환하여 공간이 부서지고 무너지는 공간을 창조합니다.
12. Yasumasa Morimura는 패러디의 패러디를 만들었습니다. 그는 아돌프 히틀러를 전혀 묘사하지 않고 채플린의 영화 "위대한 독재자"의 캐릭터 인 Ginkel의 Adenoid를 묘사합니다. 그의 나머지 작품은 이미 직접 통치자와 독재자에게 헌정되었지만 본질은 분명합니다. 전체 이데올로기의 위협입니다.
13. 구경꾼은 적지만 구경하는 사람들은 자신이 본 것을 매우 열정적으로 이야기합니다. 일반적으로 방문객들은 무슨 일이 일어나고 있는지 정말 좋아하는 것 같습니다.
14. 조지 부시 대통령의 머리입니다. 조지 부시는 미국 국가를 부릅니다. 아이디어는 사람의 개인 공간에서도 이데올로기와 국가의 침략에 대해 이해하기 쉽습니다.
15. 쥐 포켓몬. 내가 가장 좋아하는 부분.
16. 전시회의 일부 - 사진. 때로는 흥미롭고 때로는 이해하기에는 너무 친밀합니다.
18. 시바타 토시오의 사진. 여기에서 인간과 자연의 조화로운 공존에 대한 아이디어는 사진의 형태로 해결되며 미학적으로 사실주의보다 추상화에 훨씬 더 가깝습니다. 이러한 잘 조정된 기하학과 구성입니다.
19. 레닌에게 보내는 인사 중 하나.
어쨌든 전시회는 블로그에서 사진 보고서를 보는 것이 아니라 라이브로 참석하기 위해 만들어졌습니다. 많은 작품은 정적 및 스크린 사진의 크기로 평가하는 것이 완전히 불가능합니다. 따라서 "Double Perspective"전시회에 직접가는 것이 좋습니다.
프로젝트 파트너인 Sony가 대회를 열고 노트북과 기타 경품을 추첨합니다! 전시장에 가시면 전시품 사진을 꼭 찍고 글을 남겨주세요. 짧은 인상. 경쟁에 참가하기 위해 공유
일본 현대미술 '이중관점' 전시회가 열립니다.
1. 일본 현대미술에는 특이한 것이 많다. 예를 들어 가토 이즈미의 이 그림들은 붓을 사용하지 않고 손으로 그린 것입니다.
2. 언뜻 보면 일반 전구처럼 보일 수 있습니다. 그러나 이것은 작업 깊은 의미남한과 북한을 나누는 38선에 헌정되었습니다.
3. 물론 각 작품에는 표면에 있지 않은 깊은 의미가 있지만, 찾지 못하더라도 예를 들어이 솜씨 좋게 만든 장미의 아름다움에 감탄할 수 있습니다.
4. 사람이 세상의 끝에서 살아남을 수 있는 방법에 대한 야노베 겐지의 작품입니다.
6. 후쿠시마 원자력 발전소 사고 이후에 만든 그의 가장 유명한 작품 "태양의 아이"입니다.
8. 아이다 마코토 "분재 아이짱"
9. 이것도 현대 일본 미술
10. intersny 프로젝트 "모스크바 아파트에서 레닌을 원합니다". Yoshinori Niva는 Lenin의 성격과 관련된 보존 항목을 찾기 위해 Muscovites의 집을 수색했습니다. 가장 이상한 것은 이것이 러시아인이 아니라 일본인에 의해 수행되었다는 것입니다.
14. 그런데 이번 작업에는 실제 쥐 인형이 사용되었습니다.
15. 이 사진들은 사람들의 두려움을 보여줍니다.
Hermitage - Modern Art of Japan "MONO-NO AWARE. The Charm of Things"에서 흥미로운 전시회가 진행 중입니다.
나는 현대 미술의 팬이라고 말할 수 없습니다. 볼 것이 있을 때 더 좋아합니다(바쁜 그래픽이나 예술과 공예, 민족이 제 전부입니다). 순수한 컨셉의 아름다움에 감탄하는 것은 나에게 항상 즐거운 일만은 아니다. (말레비치, 미안! 난 블랙 스퀘어가 싫어!)
하지만 오늘 나는이 전시회에 도착했습니다!
소중한, 당신이 상트페테르부르크에 있고 예술에 관심이 있고 아직 거기에 가본 적이 없다면 전시회는 2월 9일까지입니다! 재미있으니까 가!
위에서 쓴 것처럼 개념은 저를 조금 설득합니다. 어쩐지 1년 동안 현대 전시를 돌아다니다 보니 기껏해야 한두 가지 물건이 웃기는 것 같다는 생각이 들었다. 그리고 많은 것들이 저를 너무 감동시키지 않아서 제가 보낸 시간이 아쉬워요. 그러나 그것은 어떤 장르, 어떤 예술에서든 재능과 평범함의 비율입니다. 10분의 1이면 좋습니다! 하지만 난 이 쇼가 좋았다.
일본 작품은 일반 직원의 전시장에 배치되었습니다. 방문객을 맞이하는 첫 번째 설치물은 바닥에 소금으로 채워진 놀라운 미로입니다. 회색 바닥, 하얀 소금, 놀랍도록 깔끔하게 표시된 공간이 하나의 필드로 짜여져 있습니다. 큰 쇼룸, 그리고 놀라운 미꾸라지처럼 바닥에 흰색 장식이 퍼졌습니다. 그리고 당신은 이 예술이 얼마나 일시적인지 이해합니다. 전시회가 끝나고 미로는 빗자루로 쓸어 버릴 것입니다. 영화 '리틀 부다'를 본 적이 있다. 그리고 처음에는 불교 승려가 색색의 모래로 복잡한 장식을 배치했습니다. 그리고 영화 말미에 스님이 붓을 휘두르며 날카롭게 움직이자 거대한 작품이 바람에 흩어졌다. 그건 그렇고, 홉, 아니오. 그리고 그것은 지금 여기의 아름다움을 감상하십시오. 모든 것이 덧없는 것입니다. 그래서 이 소금의 미로는 당신과 대화를 시작하고 그가 당신 앞에 놓는 질문에 대답하기 시작합니다. 작가는 야마모토 모토이.
예 예! 이렇게 큰 미로인데 규모를 느끼셨나요?
두 번째로 시선을 사로잡는 오브제는 오니시 야스아키(Yasuaki Onishi)의 폴리에틸렌과 블랙 레진으로 만든 거대한 돔이다. 비정상적으로 결정된 공간. 검은 색 가장 얇은 고르지 않은 수지 실이 약간 움직이고 돔이 .... 또는 복잡한 구호가있는 산이 매달려 있습니다. 내부에 들어가면 가지각색의 점 패턴이 보입니다. 수지가 달라 붙는 곳입니다. 검은 비가 조용히 내리고 캐노피 아래에있는 것처럼 재밌습니다.
이 기술은 어떻게 생겼습니까? 재미있죠? 그러나 라이브는 더 "생생"해 보이며 지나가는 방문객이 만들어내는 바람에 돔이 약간 흔들립니다. 그리고 대상과 상호 작용하는 느낌이 있습니다. "동굴"에 들어갈 수 있습니다. 내부에서 볼 수 있습니다!
그러나 모든 것이 흑백이라는 인상을받지 않기 위해 함께 연결된 농구로 만든 구성 사진을 몇 장 더 게시하겠습니다. 그런 색깔의 재미있는 플라스틱 컬! 그리고 또한, 이 방을 통과할 수도 있고, 농구대 안쪽으로 들어갈 수도 있고, 밖에서 모든 것을 볼 수도 있습니다.
이 아이템들은 제가 가장 좋아하는 아이템입니다. 물론 곧 개념적 동시대 미술은 새로운 시대와 조화를 이루며 다르게 변할 것입니다. 예전으로 돌아가지 않고 지금처럼 남아 있지도 않을 것입니다. 그것은 바뀔 것이다. 그러나 흐름이 무엇인지, 흐름이 어디에서 왔는지, 어디에서 왔는지 이해하려면 지금 무슨 일이 일어나고 있는지 알아야합니다. 그리고 그 nooo를 부끄러워하지 마십시오. 개념은 나를위한 것이 아니지만 그것을보고 평가하십시오. 항상 그렇듯이 재능은 거의 없지만 거기에 있습니다. 전시물이 울려 퍼지면 모든 것이 손실되지 않습니다!!!
