기악과 교향곡을 연주하는 오케스트라의 종류. 심포니 오케스트라 소개 심포니 오케스트라 소개

멀리서 천둥소리가 들린다. 여기에서 천둥이 점점 더 강하게 울리고 번개가 번쩍이고 폭우가 시작되고 비 소리가 강해집니다. 그러나 허리케인은 점차 가라 앉고 태양이 나고 빗방울이 그 광선 아래에서 빛났습니다.
베토벤의 여섯 번째 교향곡 소리.
듣다! 천둥은 팀파니로 표현됩니다. 빗소리는 더블베이스와 첼로로 전달된다. 바이올린과 플루트는 마치 바람이 격렬하게 울부짖는 것처럼 연주됩니다.
오케스트라가 교향곡을 연주합니다.

심포니 오케스트라. 그는 불린다 소리 기적: 다양한 음영의 소리를 전달할 수 있습니다.
심포니 오케스트라에는 일반적으로 100개 이상의 악기가 있습니다. 음악가들은 엄격하게 앉아 특정 순서. 이렇게 하면 지휘자가 오케스트라를 더 쉽게 제어할 수 있습니다.
전경에는 현악기가 있습니다. 그들은 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 트럼펫, 호른, 트롬본 및 타악기-드럼, 팀파니, 심벌즈와 같은 다른 악기가 사운드와 함께 색상 음영을 적용하는 음악 패브릭의 기초를 짜고 있습니다.
사진에서 심포니 오케스트라의 주요 악기를 볼 수 있습니다. 때때로 작곡가는 일반적으로 심포니 오케스트라의 일부가 아닌 악기를 소개합니다. 오르간, 피아노, 종, 탬버린, 캐스터네츠가 될 수 있습니다.
Aram Khachaturian의 발레 "Gayane"에서 "Saber Dance"를 들어 보셨을 것입니다. 이 댄스의 주요 멜로디 중 하나는 색소폰으로 연주됩니다. 처음으로 색소폰은 19세기에야 심포니 오케스트라에 들어갔고 그 이후로 색소폰은 종종 교향악 작품에서 들렸습니다.

악기는 수세기 전에 나타났습니다. 드럼, 톰톰, 팀파니와 같은 가장 오래된 타악기는 이미 원시인 사이에있었습니다. 물론 도구는 시간이 지남에 따라 변경됩니다. 따라서 현대 팀파니는 조상과 매우 다릅니다. 이전에 동물의 가죽으로 덮인 철 가마솥이었다면 이제 팀파니는 구리로 만들어지고 플라스틱으로 조여지고 미세 조정이 가능한 나사가 만들어집니다.
심포니 오케스트라에서 타악기는 기본 음악적 리듬. 그들은 또한 천둥, 비, 총포 일제사격, 퍼레이드에서 군대의 엄숙한 행진 등을 묘사하는 데 사용됩니다. 그들은 오케스트라의 소리에 힘과 힘을 줍니다.
어떤 사람들은 타악기를 연주하는 것이 전혀 어렵지 않다고 생각합니다. 예를 들어 필요한 경우 심벌즈를 치십시오. 그게 다입니다. 사실 이렇게 단순해 보이는 악기를 연주하려면 엄청난 기술이 필요합니다. 심벌즈 소리가 다릅니다. 그것은 당신이 그들을 얼마나 세게 치느냐에 달려 있습니다. 그들의 소리는 날카로울 정도로 크고 나뭇잎이 바스락거리는 소리와 비슷할 수 있습니다. 일부 작품에서는 심벌즈가 솔로 파트를 연주합니다. 예를 들어 차이코프스키의 서곡 판타지 "로미오와 줄리엣"에서 그들은 Montagues와 Capulets라는 두 가족의 적대감을 전달하는 멜로디를 이끌고 있습니다.

심벌즈는 종종 팀파니와 혼동됩니다. 그러나 팀파니는 완전히 다른 방식으로 연주되며 펠트로 덮인 막대기로 팀파니를 때립니다.
아마도 당신은 관악기에 가장 익숙할 것입니다. 그들 중 많은 사람들이 아마 그들이 어떻게 들리는 지 보고 들었을 것입니다.
동화와 전설에서 우리는 때때로 악기의 기원에 대한 역사를 배웁니다. 그래서 한 고대 그리스 신화에서 숲과 들판의 신, 양치기의 수호 성인 Pan은 님프 Syrinx와 사랑에 빠졌다고합니다. 팬은 양모로 덮인 발굽과 뿔이있는 매우 무서웠습니다. 그에게서 도망친 아름다운 님프는 강의 신에게 도움을 청했습니다. 그리고 그는 Syrinx를 갈대로 만들었습니다. 그것으로부터 Pan은 감미로운 소리를 내는 플루트를 만들었다.
Shepherd's reed pipe는 최초의 관악기입니다. 이 파이프의 증손자는 플루트, 바순, 클라리넷 및 오보에입니다. 이 악기들은 모양이 서로 다르고 소리도 다릅니다.
일반적으로 그들 뒤에 있는 오케스트라에는 금관 악기가 있습니다.
오래 전에 사람들은 동물의 껍데기나 뿔에 바람을 불어넣으면 음악 소리를 낼 수 있다는 사실을 알아차렸습니다. 그런 다음 그들은 뿔과 껍질과 유사한 금속 도구를 만들기 시작했습니다. 사진에서 보이는 모습이 되기까지 많은 시간이 걸렸습니다.
오케스트라에는 금관 악기도 많이 있습니다. 이들은 튜바, 호른, 트롬본입니다. 그들 중 가장 큰 것은 튜바입니다. 베이스를 부르는 이 악기는 정말 거대합니다.
지금 파이프를 보세요. 그녀는 경적과 매우 유사합니다. 옛날 옛적에 트럼펫이 전사들을 전투로 불러 휴일을 열었습니다. 그리고 오케스트라에서 그녀는 처음에 간단한 신호 부품을 맡았습니다. 그러나 마우스피스가 개선되었고 트럼펫이 솔로 악기로 점점 더 자주 사용되기 시작했습니다. P. I. Tchaikovsky의 발레 "백조의 호수"에는 "나폴리 댄스"가 있습니다. 트럼펫 솔로가 얼마나 화려한지 주목하십시오.

그리고 모든 금관악기가 함께 소리를 내면 강력하고 장엄한 선율을 얻을 수 있습니다.
하지만 무엇보다 오케스트라에서 현악기. 바이올린만 해도 수십 대, 제2바이올린, 첼로, 더블베이스도 있다.
현악기가 가장 중요합니다. 그들은 오케스트라를 이끌고 메인 멜로디를 연주합니다.
바이올린은 오케스트라의 여왕이라고 불립니다. 바이올린을 위한 많은 특별 협주곡이 작곡되었습니다. 물론 위대한 바이올리니스트 파가니니에 대해 들어보셨을 것입니다. 이 마법사 음악가의 손에서 작고 우아한 바이올린은 전체 오케스트라처럼 들렸습니다.
바이올린은 이탈리아 크레모나에서 태어났습니다. 최고의 이탈리아 거장 Amati, Guarneli, Stradivari 및 러시아인 I. Batov, A. Leman의 바이올린은 오늘날까지 탁월한 것으로 간주됩니다.
이제 심포니 오케스트라의 악기에 대해 조금 알게 되었습니다. 음악을 들을 때 "음성으로" 악기를 구별해 보세요.
물론 당장 하기는 어려울 수 있습니다. 그러나 어떻게 읽는 법을 배웠는지, 어떻게 작고 간단한 책으로 시작하여 성장하고 점점 더 많이 배우고 진지하고 똑똑한 책을 읽기 시작했는지 기억하십시오.
음악도 이해해야 합니다. 자신이 연주하지 않는다면 더 자주 들어보십시오. 그러면 음악이 그 비밀, 마법적이고 멋진 세계를 알려줄 것입니다.

마리나 라제바
NOD "교향악단"의 시놉시스

수업 요약

« 심포니 오케스트라»

5-6세 어린이용

준비된: 음악 감독

라제바 마리나 아나톨리에브나

테이코보 2015

표적: 미취학 아동에게 클래식 음악 소개

작업. 아이들에게 주변 세계에 대한 미적 인식을 형성합니다.

음악 문화에 참여하십시오.

음악 인식의 필요성을 형성합니다.

인지 능력과 창의력을 개발하십시오.

풍부한 어휘.

교육영역 - "예술과 미학 교육"

조직 형태 - 팀워크아이들과 함께하는 선생님.

아이들의 활동 유형:인지, 의사 소통, 음악 및 예술.

재료 및 장비: 음악 센터음악, 어린이 악기, 발표를 듣기 위해.

예비 작업: 음악 수업에서 아이들은 기본 악기에 익숙해져야 합니다. 심포니 오케스트라, 실제 사운드, 음색 착색. 도구 그룹 구별: 현악기, 관악기, 타악기, 단식.

소프트웨어 콘텐츠.

1. 악기 소리의 특징에 대한 어린이의 지식을 확장합니다.

2. 악기 소리에 대한 관심과 욕구를 키웁니다.

3. DMI 기술을 지속적으로 개발 (어린이 악기)

4. 어린이의 음색 청력을 개발하십시오.

계획된 결과.

에 대한 아이디어의 형성 심포니 오케스트라.

악기 소리 구별 능력 강화 심포니 오케스트라.

DMI에서 게임에 적극적으로 참여하십시오.

공연에서 음악을 인식해야 할 필요성을 느끼십시오. 심포니 오케스트라.

과정 진행.

아이들은 홀에 들어가 일반적인 복잡한 음악 및 리드미컬 한 동작을 수행 한 다음 침착하게 의자로 이동합니다.

씨. 노래로 아이들을 맞이하다 "안녕하세요!", 작가…

씨. 아이들이 많은 음악가 그룹을 보는 화면에 아이들의 관심을 끕니다.

씨. 여러분, 이 사진에서 무엇을 볼 수 있습니까?

아이들의 대답.

씨. 그래 오케스트라 - 음악가 그룹같은 음악을 함께 연주하는 사람. 각 음악가는 악보라고 하는 음표에 따라 자신의 역할을 연주합니다. 점수는 특수 스탠드 - 콘솔에 있습니다.

이제 수수께끼를 하나 내겠습니다. 그것을 추측해보십시오.

그 오케스트라를 관장하다,

사람들에게 기쁨을 가져다줍니다.

그냥 지팡이를 흔들

음악 재생이 시작됩니다.

그는 의사나 운전사가 아닙니다.

누구세요? (지휘자)

어린이들. 지휘자.

씨. 에게 오케스트라조화롭게 조화롭게 들립니다. 지휘자가 제어합니다. 그는 음악가들을 마주보고 서 있습니다. 지휘자는 할 수 있습니다 오케스트라 연주와 빠른, 그리고 천천히, 조용히, 그리고 큰 소리로-원하는대로! 그러나 그는 한마디도 하지 않는다. 그는 마술 지휘자의 지휘봉만 사용합니다. 지휘자 앞에는 두껍고 두꺼운 음표가 있으며 여기에는 모든 음악가의 파트가 그려져 있습니다. 이러한 음표를 clavier라고 합니다.

바이올린은 현이 4개인 활 악기로, 그 계열에서 소리가 가장 높고 악기에서 가장 중요합니다. 오케스트라.

첼로 - 큰 바이올린, 앉아있는 동안 재생됩니다. 첼로는 저음이 풍부합니다.

더블베이스 - 소리는 가장 낮고 크기는 가장 큽니다. (최대 2미터)스트링 패밀리 중에서 구부러진 악기. 서 있거나 특수 의자에서 연주됩니다. 베이스 베이스입니다 (기본)총 오케스트라.

플루트는 목관 악기 그룹에 속합니다. 그러나 현대의 플룻은 나무로 만드는 경우가 거의 없으며 금속으로 만드는 경우가 더 많으며 때로는 플라스틱과 유리로 만드는 경우도 있습니다. 관악기 중에서 가장 기교적이고 기술적으로 기동성이 뛰어난 악기입니다. 플루트는 종종 위탁됩니다 오케스트라 솔로.

씨. 여러분 악기는 왜 관악기라고 하나요?

아이들의 대답.

씨. 예, 정말 터집니다. 관악기에 공기를 불어넣으면 소리가 난다고 말하는 것이 더 정확할 것입니다.

이제 너희는 놋쇠 나팔 소리를 보고 듣는다. 트럼펫은 팡파르에 매우 적합한 높고 선명한 사운드를 가지고 있습니다. Fanfares는 축제 행사, 군사 퍼레이드에서 엄숙하거나 호전적인 신호를 보내는 데 사용됩니다.

당신 앞에는 트롬본이 있습니다. 트롬본은 멜로디보다 베이스 라인을 더 많이 연주합니다. 그것은 움직일 수 있는 백스테이지의 존재에 의해 다른 금관 악기와 다르며, 음악가가 악기의 소리를 앞뒤로 변경합니다.

프렌치 호른 - 호른. 원래 사냥용 뿔의 후손입니다. 뿔은 부드럽고 표현력이 풍부하거나 거칠고 긁힐 수 있습니다.

씨. 타악기의 이름을 지정하십시오.

어린이들. 드럼, 탬버린, 마라카스, 트라이앵글, 메탈로폰, 캐스터네츠, 종, 딸랑이, 종.

씨. 맞아요. 많은 타악기가 있지만 모두 사용할 수 있는 것은 아닙니다. 심포니 오케스트라.

슬라이드에 표시되는 도구의 이름을 지정하십시오.

드럼, 심벌즈, 실로폰.

슬라이드 14.15.

또한 여러분, 오케스트라단일 도구가 사용됩니다. 그리고 당신은 알고 이름해야합니다

올바르게.

어린이들. 피아노. 하프.

씨. 오른쪽. 이것은 콘서트용 그랜드 피아노이자 가장 오래된 악기인 하프입니다.

그리고 너희들은 큰 음악가가 된 기분을 원해 오케스트라? 그런 다음 악기를 들고 매우 아름다운 음악을 연주할 것을 제안합니다.

실행할 수 있는 "터키 스타일의 론도"- W. 모차르트 또는

"나쁜 폴카"- A. Filippenko.

씨. 고마워요. 좋아요.

그리고 발랄라이카나 색소폰 같은 악기가 연주할 수 있는 악기에 대해 어떻게 생각하세요? 오케스트라. 그리고 무엇에? 사실 이러한 도구는 다른 도구의 일부입니다. 오케스트라.

이 삽화를 자세히 살펴보십시오. 제외하고 심포니 오케스트라다른 유형이 있습니다 오케스트라: 브라스, 포크, 팝, 재즈. 그들은 악기의 구성과 연주자의 수가 다릅니다. 안에 심포니 오케스트라, 평균적으로 약 60-70명이지만 때로는 100명 이상입니다. 음악가는 특정 순서로 배열됩니다. 그들은 음색이 비슷한 악기 그룹으로 결합됩니다.:

현악기, 목관악기, 금관악기 및 타악기. 같은 그룹의 음악가들은 서로의 말을 더 잘 듣기 위해 나란히 앉습니다. 그리고 그것은 일관된 소리를 만듭니다.

이제 여러분을 게임에 초대하고 싶습니다.

도구에 대해 알아보십시오.

슬라이드 17, 18, 19.

씨. 우리는 당신과 함께 멋진 시간을 보냈습니다. 당신은 그것을 좋아 했습니까? 의 이름은 무엇입니까 오케스트라오늘 우리는 누구를 만났습니까? 어떤 악기를 좋아했나요? (아이들은 한 번에 하나씩 대답합니다). 나는 당신이 엄마 나 아빠와 함께 풀고 추측을 시도 할 수수께끼가있는 카드를 준비했습니다. (실루엣 뒷면 - 점).

내게로 와줘 고맙고 이별하고 싶어 (아이들은 눈을 감고 음악감독은 머리를 쓰다듬는다)

• 배경
• 오케스트라 장르및 양식
• 만하임 예배당
• 궁정 악사

배경

고대부터 사람들은 악기 소리가 인간의 기분에 미치는 영향에 대해 알고 있었습니다. 하프, 거문고, 키타라, 케만차 또는 리드 플루트의 부드럽지만 선율적인 연주는 기쁨, 사랑 또는 평화의 감정을 불러일으키고 소리는 동물의 뿔(예: 히브리 쇼파르) 또는 금속 파이프는 엄숙하고 종교적인 감정을 불러일으키는 데 기여했습니다. 호른과 트럼펫에 추가된 드럼과 기타 타악기는 두려움에 대처하는 데 도움이 되었고 공격성과 호전성을 일깨웠습니다. 유사한 여러 악기의 합주 연주가 소리의 밝기뿐만 아니라 청취자에 대한 심리적 영향(많은 사람이 같은 멜로디를 함께 부를 때 발생하는 것과 동일한 효과)을 향상시킨다는 사실은 오래 전부터 알려져 왔습니다. 따라서 사람들이 정착하는 곳마다 성전 의식, 결혼, 매장, 대관식, 군사 퍼레이드, 궁전에서의 오락과 같은 연주와 함께 전투 또는 공개 엄숙한 행사와 함께 음악가 협회가 점차 등장하기 시작했습니다.

그러한 협회에 대한 최초의 서면 언급은 모세 오경과 다윗의 시편에서 찾을 수 있습니다. 일부 시편의 시작 부분에는 어떤 악기를 반주해야 하는지에 대한 설명과 함께 합창단 지도자에게 호소가 있습니다. 이것 또는 저 텍스트. 메소포타미아와 이집트 파라오, 고대 중국과 인도, 그리스와 로마에는 음악가 그룹이 있었습니다. 비극을 공연하는 고대 그리스 전통에는 악기를 연주하는 배우와 무용가의 공연과 함께 음악가가 앉는 특별한 플랫폼이있었습니다. 이러한 플랫폼 높이를 "오케스트라"라고 불렀습니다. 따라서 "오케스트라"라는 단어의 발명에 대한 특허는 고대 그리스인들에게 남아 있지만 사실 오케스트라는 훨씬 더 일찍 존재했습니다.

Boscoreal에 있는 로마 빌라의 프레스코화. 기원전 50-40년대 이자형.메트로폴리탄 미술관

안에 서유럽 문화오케스트라의 음악가 협회는 즉시 호출되기 시작하지 않았습니다. 처음에는 중세와 르네상스 시대에 예배당이라고 불렸습니다. 이 이름은 음악이 연주되는 특정 장소에 속하는 것과 관련이 있습니다. 그러한 예배당은 처음에는 교회에 있었고 그 다음에는 법정에 있었습니다. 그리고 아마추어 음악가들로 구성된 마을 예배당도 있었다. 이 채플은 사실상 대중 현상이었습니다. 그리고 마을 연주자들과 그들의 악기의 수준은 전문 궁정 및 사원 예배당과 비교할 수 없지만 마을의 전통과 이후의 도시 민속 기악이 위대한 작곡가와 유럽 음악에 미친 영향을 과소 평가해서는 안됩니다. 음악 문화일반적으로. Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti의 음악은 문자 그대로 민속 기악 음악 제작의 전통에 의해 수정되었습니다.

고대 문화와 마찬가지로 유럽에서도 성악과 기악으로의 초기 구분이 없었습니다. 중세 초기부터 모든 것이 지배적이었습니다. 기독교 교회, ㅏ 기악교회에서 그것은 항상 지배적이었던 복음 말씀에 대한 반주, 지원으로 발전했습니다. 결국 "태초에 말씀이 계셨습니다." 따라서 초기 채플은 노래하는 사람과 가수를 동반하는 사람입니다.

어느 순간 '오케스트라'라는 단어가 등장한다. 동시에 모든 곳은 아니지만. 예를 들어 독일에서는 이 단어가 로맨스 국가보다 훨씬 늦게 확립되었습니다. 이탈리아에서 오케스트라는 항상 음악의 보컬 부분이 아니라 기악을 의미했습니다. 오케스트라라는 단어는 그리스 전통에서 직접 차용되었습니다. 이탈리아 오케스트라는 오페라 장르의 출현과 함께 16-17세기 초에 생겨났습니다. 그리고이 장르의 엄청난 인기로 인해이 단어는 전 세계를 빠르게 정복했습니다. 따라서 현대 오케스트라 음악에는 사원과 극장이라는 두 가지 소스가 있다고 말하는 것이 안전합니다.

크리스마스 미사. Limburg 형제가 만든 Berry 공작의 장엄한 시간의 책 미니어처. 15세기양 65/1284, fol. 158r / 콩데 미술관 / Wikimedia Commons

그리고 독일에서는 오랫동안중세 부흥의 이름 "채플"을 고수했습니다. 20세기까지 많은 독일 궁정 오케스트라는 채플이라고 불렸습니다. 오늘날 세계에서 가장 오래된 오케스트라 중 하나는 드레스덴에 있는 Saxon State(과거에는 Saxon Court) 예배당입니다. 그 역사는 400년 이상 거슬러 올라갑니다. 그녀는 항상 아름다움을 높이 평가하고 이와 관련하여 모든 이웃보다 앞서 있던 색슨 선거인의 법정에 나타났습니다. 베를린과 바이마르 주립 예배당은 물론 리하르트 슈트라우스가 밴드 마스터(현재 지휘자)로 시작했던 유명한 마이닝겐 궁정 예배당도 있습니다. 그건 그렇고, 독일어 "kapellmeister"(채플 마스터)라는 단어는 오늘날에도 음악가들에 의해 "지휘자"라는 단어와 동등한 의미로 사용되지만 더 자주 아이러니하게도 때로는 부정적인 의미로 사용됩니다(장인의 의미에서, 아티스트가 아닙니다). 그리고 그 당시이 단어는 "음악을 작곡하는 합창단이나 오케스트라의 리더"라는 복잡한 직업의 이름으로 정중하게 발음되었습니다. 사실, 일부 독일 오케스트라에서는 이 단어가 위치 지정으로 보존되었습니다. 예를 들어 Leipzig Gewandhaus Orchestra에서 수석 지휘자는 여전히 Gewandhaus Kapellmeister라고 불립니다.

XVII-XVIII 세기: 궁정 장식으로서의 오케스트라

장 밥티스트 륄리의 밤의 왕립 발레단의 루이 14세. Henri de Gisset의 스케치. 1653년극 중 왕은 떠오르는 태양 역을 맡았다. 위키미디어 공용

르네상스 오케스트라와 이후의 바로크 오케스트라는 대부분 궁정이나 교회에서 사용되었습니다. 그들의 목적은 예배에 동행하거나 권력자들을 달래고 즐겁게 하는 것이었습니다. 그러나 많은 봉건 통치자들은 상당히 발달된 미적 감각을 가지고 있었고, 게다가 그들은 서로 자랑하기를 좋아했습니다. 누군가는 군대를 자랑했고 누군가는 기괴한 건축물을 가지고 있었고 누군가는 정원을 가꾸었고 누군가는 법원 극장이나 오케스트라를 유지했습니다.

예를 들어, 프랑스 왕 루이 14세는 관악기와 타악기로 구성된 왕립 마굿간 앙상블과 왕이 이끄는 소위 "왕의 바이올린 24대"라는 두 개의 오케스트라를 가졌습니다. 유명한 작곡가 Moliere와도 협력하여 제작자로 역사에 남을 Jean Baptiste Lully 프랑스 오페라그리고 최초의 전문 지휘자. 나중에 1660 년 군주제 복원 기간 동안 프랑스에서 돌아온 영국 왕 찰스 2 세 (처형 된 찰스 1 세의 아들)도 프랑스 모델에 따라 왕실 예배당에 "24 왕의 바이올린"을 만들었습니다. Royal Chapel 자체는 14 세기부터 존재했으며 Elizabeth I 통치 기간에 절정에 이르렀습니다. 법원 오르간 연주자는 William Bird와 Thomas Tallis였습니다. 그리고 Charles II의 법정에서 훌륭한 영국 작곡가 Henry Purcell이 봉사하여 Westminster Abbey와 Royal Chapel에서 오르간 연주자의 위치를 ​​결합했습니다. 16-17 세기 영국에는 오케스트라에 대한 또 다른 특정 이름이 있었는데 일반적으로 작은 이름 인 "배우자"였습니다. 후기 바로크 시대에 "배우자"라는 단어는 사용되지 않게 되었고 실내악이라는 개념, 즉 "룸" 음악이 대신 등장했습니다.

"의 전사 의상 로열발레단밤." Henri de Gisset의 스케치. 1653년위키미디어 공용

바로크 양식의 엔터테인먼트가 17세 말- XVIII 세기의 시작, 점점 더 고급스러워집니다. 그리고 더 이상 적은 수의 도구로 관리할 수 없었습니다. 고객은 "더 크고 더 비싼" 것을 원했습니다. 물론 모든 것은 "저명한 후원자"의 관대함에 달려 있습니다. Bach가 그의 주인에게 편지를 써서 기악 파트 당 적어도 2 ~ 3 개의 바이올린을 할당하도록 설득했다면 Handel에서는 동시에 24 명의 오보에 연주자, 12 명의 바순 연주자, 9 명의 호른 연주자가 첫 공연에 참여했습니다. "왕실 불꽃놀이를 위한 음악", 9명의 트럼펫 연주자와 3명의 팀파니 연주자(예: 13개의 지정된 파트에 57명의 연주자). 그리고 1784년 런던에서 열린 헨델의 "메시아" 공연에는 525명이 참가했다. 후기음악의 저자가 더 이상 살아 있지 않을 때). 대부분의 바로크 작가는 오페라를 썼고 연극 오페라 오케스트라는 항상 작곡가를위한 일종의 창의적인 실험실이었습니다. 특이한 악기를 포함하여 모든 종류의 실험을위한 장소였습니다. 예를 들어 Monteverdi는 여전히 초기 XVII세기에 그는 역사상 최초의 오페라 중 하나인 그의 오페라 오르페우스의 오케스트라에 지옥의 분노를 나타내는 트롬본 부분을 도입했습니다.

Florentine Camerata (16-17 세기 전환기) 이후로 모든 오케스트라에는 전체 뮤지션 그룹이 연주하고 저음 음자리표의 한 줄에 녹음되는 저음 연속 부분이있었습니다. 베이스 라인 아래의 숫자는 특정 하모닉 시퀀스를 나타냅니다. 연주자는 모든 음악적 질감과 장식을 즉석에서 즉석에서 즉석에서 새로 만들어야 했습니다. 예, 구성은 특정 예배당에서 사용할 수 있는 악기에 따라 달라집니다. 하나의 건반 악기, 가장 자주 하프시 코드의 존재는 의무적이었습니다. 교회 음악이 악기는 대부분 오르간이었습니다. 하나의 현악기 - 첼로, 비올라 다 감바 또는 비올론(현대 더블 베이스의 선구자); 하나의 현을 뽑은 류트 또는 테오르보. 그러나 통주 저음 그룹에서는 여러 하프시코드를 포함하여 6~7명이 동시에 연주했습니다(Purcell과 Rameau는 3~4개를 가지고 있었습니다). 19세기에 건반과 뽑아내는 악기는 오케스트라에서 사라졌지만 20세기에 다시 등장했습니다. 그리고 1960년대 이후로 심포니 오케스트라에서 전 세계 거의 모든 악기를 사용할 수 있게 되었습니다. 즉, 악기 편성에 대한 접근 방식이 바로크식에 가깝습니다. 따라서 바로크가 현대 오케스트라를 탄생시켰다고 볼 수 있다.

계측, 구조, 표기법

San Millan de la Cogoglia의 수도원 목록에 있는 Lieban의 비트 묵시록에 대한 주석의 축소판. 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón y de San Millán de la Cogolla

현대 청취자에게 "오케스트라"라는 단어는 베토벤, 차이코프스키 또는 쇼스타코비치의 음악에서 발췌한 것과 가장 관련이 있습니다. 라이브와 녹음에서 현대 오케스트라를 들으면서 우리의 기억에 쌓인 엄청나게 기념비적이며 동시에 부드러운 사운드로. 그러나 오케스트라가 항상 이런 소리를 내는 것은 아닙니다. 고대 오케스트라와 현대 오케스트라의 많은 차이점 중 가장 중요한 것은 음악가가 사용하는 악기입니다. 특히, 음악이 연주되는 방은 (일반적으로) 현대 콘서트 홀보다 훨씬 작았기 때문에 모든 악기는 현대적인 것보다 훨씬 조용하게 들렸습니다. 그리고 공장 경적도, 핵 터빈도, 내연 기관도, 초음속 항공기도 없었습니다. 인간 생활의 일반적인 소리는 오늘날보다 몇 배 더 조용했습니다. 그 소리의 크기는 여전히 자연 현상으로 측정되었습니다. 야생 동물의 포효, 뇌우 동안의 천둥, 폭포 소리, 떨어지는 나무의 딱딱 거리는 소리 또는 산이 떨어지는 소리, 박람회장에서 도시 광장에 모인 군중의 포효 낮. 따라서 음악은 자연 그 자체와만 밝음에서 경쟁할 수 있었다.

현악기에 매달린 현은 소 힘줄 (오늘날 금속으로 만들어짐)로 만들어졌으며 활은 더 작고 가벼우 며 모양이 약간 다릅니다. 이로 인해 현의 소리는 오늘날보다 "따뜻하지만" 덜 "부드럽습니다". 목관 악기에는 보다 확실하고 정확하게 연주할 수 있는 모든 최신 밸브 및 기타 기술 장치가 없었습니다. 그 당시의 목관 악기는 음색 면에서 더 개별적으로 들렸으며 때로는 다소 음이 어긋나고(모두 연주자의 기술에 따라 다름) 현대 목관 악기보다 몇 배 더 조용했습니다. 금관악기는 모두 완전히 자연스러웠습니다. 즉, 자연스러운 음계의 소리만 낼 수 있었는데, 대부분의 경우 짧은 팡파르만 연주할 수 있을 뿐 확장된 멜로디는 연주할 수 없었습니다. 동물 가죽은 드럼과 팀파니 위로 늘어졌습니다 (이 관행은 오늘날에도 여전히 존재하지만 플라스틱 막이있는 타악기는 오랫동안 등장했습니다).

오케스트라의 순서는 일반적으로 오늘날보다 낮았습니다. 평균적으로 반음, 때로는 온음이었습니다. 그러나 여기에도 단일 규칙이 없었습니다. 루이 14 세의 궁정에서 첫 번째 옥타브 (오케스트라가 전통적으로 조정되는 방식에 따라)의 톤 시스템은 Hertz 스케일에서 392였습니다. Charles II의 궁정에서 그들은 A를 400에서 408Hz로 조정했습니다. 동시에 사원의 오르간은 종종 궁전 방에 서 있던 하프시 코드보다 높은 톤으로 조정되었습니다 (아마도 이것은 난방 때문이었을 것입니다. 현악기는 건조한 열에서 조정되고 반대로 감소하기 때문입니다. 추위로부터, 관악기는 종종 반대 경향을 보입니다). 따라서 Bach 시대에는 소위 kammer-ton (현대 "음차"-그것에서 파생 된 단어), 즉 "룸 시스템"과 orgel-ton, 즉 두 가지 주요 시스템이있었습니다. , "기관 시스템"(일명 "합창음"). 그리고 A의 룸 튜닝은 415헤르츠인 반면 오르간 튜닝은 항상 더 높았고 때때로 465헤르츠에 도달했습니다. 그리고 현대 콘서트 튜닝 (440 헤르츠)과 비교하면 첫 번째는 반음 낮고 두 번째는 현대보다 반음 높습니다. 따라서 오르간 시스템을 염두에 두고 쓴 바흐의 일부 칸타타에서 저자는 관악기의 부분을 즉시 조바꿈, 즉 합창단과 통주저음 부분보다 반음 높게 썼다. 이것은 궁정 실내악에서 주로 사용되는 관악기가 오르간의 높은 조율에 적합하지 않았기 때문입니다(플루트와 오보에가 카머톤보다 약간 낮을 수 있으므로 세 번째 악기도 있었습니다). - 낮은 카머톤) 톤). 그리고 이것을 모르고 오늘 음표에서 문자 그대로 그러한 칸타타를 연주하려고하면 저자가 의도하지 않은 불협화음을 얻게 될 것입니다.

"플로팅" 시스템이 있는 이러한 상황은 2차 세계대전까지 지속되었습니다. 다른 나라, 그러나 같은 국가의 다른 도시에서는 시스템이 서로 크게 다를 수 있습니다. 1859년에 프랑스 정부는 A-435Hz의 조율을 승인하는 법률을 공표하여 조율을 표준화하려는 첫 번째 시도를 했지만 다른 국가에서는 조율이 계속 극도로 달랐습니다. 그리고 1955년에만 국제기구표준화에 관해서는 440Hz의 콘서트 튜닝에 관한 법률이 오늘날까지 채택되었습니다.

하인리히 이그나츠 비버. 1681년 판화위키미디어 공용

바로크 및 고전 작가들은 현악기 음악과 관련된 튜닝 분야에서 다른 작업도 수행했습니다. 그것은 관하여"scordatura", 즉 "현 튜닝"이라는 기술에 대해. 동시에 바이올린이나 비올라와 같은 일부 현은 악기에 대해 다른 비정형 음정으로 조율되었습니다. 덕분에 작곡가는 작곡의 키에 따라 더 많은 수의 열린 현을 사용할 기회를 얻었고 악기의 더 나은 공명을 이끌어 냈습니다. 그러나이 scordatura는 종종 실제 사운드가 아니라 조옮김으로 녹음되었습니다. 따라서 악기(및 연주자)의 사전 준비 없이는 이러한 구성을 제대로 수행할 수 없습니다. scordatura의 유명한 예는 Heinrich Ignaz Bieber의 바이올린 소나타 묵주기도(신비)(1676)입니다.

르네상스 시대와 초기 바로크 시대에는 작곡가가 작곡할 수 있는 선법의 범위와 이후의 조가 자연적인 장벽에 의해 제한되었습니다. 이 장벽의 이름은 피타고라스식 쉼표입니다. 위대한 그리스 과학자 피타고라스는 자연 음계의 첫 번째 음정 중 하나인 순수 5도에 따라 튜닝 악기를 제안한 최초의 인물입니다. 그러나 이런 식으로 현악기를 조율하면 5도(4옥타브)의 전체 원을 통과한 후 C-샤프 음이 C에서 훨씬 더 높게 들립니다. 그리고 고대부터 음악가와 과학자들은 자연스러운 음계의 자연스러운 결함인 불균일성을 극복하여 모든 음조를 동등하게 사용할 수 있는 이상적인 악기 튜닝 시스템을 찾으려고 노력했습니다.

각 시대에는 고유한 질서 체계가 있었습니다. 그리고 각각의 시스템은 고유한 특성을 가지고 있었는데, 현대 피아노의 소리에 익숙한 우리의 귀에는 그것이 거짓으로 보입니다. 19세기 초부터 모든 건반 악기는 한 옥타브를 12개의 완벽하게 동일한 반음으로 나누는 균일한 음계로 조율되었습니다. 균일한 빌드가 매우 가깝습니다. 현대 정신피타고라스의 쉼표 문제를 단번에 해결할 수 있게 해주었지만 순수한 3도 및 5도 소리의 자연스러운 아름다움을 희생한 절충안입니다. 즉, 현대 피아노에서 연주되는 모든 음정(옥타브 제외)은 자연 음계에 해당하지 않습니다. 그리고 그 이후로 존재했던 수많은 질서 체계에서 중세 후기, 특정 수의 순수한 간격이 보존되어 모든 키가 개별 사운드를 크게 받았습니다. 하프시코드나 오르간의 모든 키를 사용할 수 있게 해주는 좋은 평균율(Bach의 평균율 클라비에 참조)이 발명된 후에도 키 자체는 여전히 개별 색상을 유지했습니다. 따라서 멜로디, 하모니, 리듬, 템포, 질감 및 음조 자체의 선택과 같은 모든 음악적 표현 수단이 특정 감정 상태와 불가분의 관계에 있는 바로크 음악에 대한 영향의 기본 이론이 등장했습니다. 더욱이, 동일한 음조가 그 순간에 사용되는 시스템에 따라 목가적이거나 순진하거나 감각적이거나 엄숙하게 애도하거나 악마적으로 위협적으로 들릴 수 있습니다.

작곡가에게 하나의 키 또는 다른 키의 선택은 18-19세기로 전환될 때까지 특정 감정 세트와 불가분의 관계가 있었습니다. 또한 하이든 D장조가 "장엄한 감사, 전투"처럼 들렸다면 베토벤에게는 "고통, 고뇌 또는 행진"처럼 들렸습니다. Haydn은 E 장조를 "죽음에 대한 생각"과 연관 시켰고 Mozart에게는 "엄숙하고 숭고한 초월"을 의미했습니다 (이 모든 별명은 작곡가 자신의 인용문입니다). 따라서 고음악을 연주하는 음악가의 의무적 덕목 중 하나는 다양한 작가가 작곡한 다양한 작곡의 감정 구조와 "코드"를 인식하고 동시에 기술적으로 게임에서 이것을 구현합니다.

또한 표기법에도 문제가 있습니다. 17-18 세기의 작곡가는 다가오는 작품 공연과 관련된 정보의 일부만 의도적으로 녹음했습니다. 프레이즈, 뉘앙스, 아티큘레이션, 특히 절묘한 장식 - 바로크 미학의 필수 부분 - 이 모든 것은 음악가의 자유로운 선택에 맡겨졌고, 따라서 작곡가의 공동 창작자가 되었으며 그의 의지에 순종하는 집행자가 되었습니다. 따라서 고대 악기로 바로크 및 초기 클래식 음악을 진정으로 훌륭하게 연주하는 것은 현대 악기로 후기 음악을 거장으로 마스터하는 것만큼 어려운 작업입니다. 60여 년 전에 고대 악기 연주에 열광하는 최초의 애호가("진정주의자")가 나타났을 때 그들은 종종 동료들 사이에서 적대감을 느꼈습니다. 이것은 부분적으로는 전통파 음악가들의 관성 때문이었고, 부분적으로는 음악적 진정성 개척자 자신의 기술 부족 때문이었습니다. 음악계에서는 "시든 나무"(목관 악기) 또는 "녹슨 고철"(금관 악기)에 애처로운 가짜 울음 소리를 게시하는 것보다 자신을 위해 더 나은 용도를 찾지 못한 패자로서 그들에 대해 일종의 오만하고 아이러니 한 태도가있었습니다. 그리고 이러한 (확실히 불행한) 태도는 최근까지 지속되었고, 고대 악기 연주 수준이 지난 수십 년 동안 너무 많이 성장하여 적어도 바로크와 초기 고전 분야에서는 정통파들이 오랫동안 따라 잡고 더 단조롭고 무겁게 들리는 현대 오케스트라를 능가했습니다.

오케스트라 장르와 형식

가족과 함께 있는 피에르 무쉐론의 초상화 조각. 저자 불명. 1563년암스테르담 국립 박물관

"오케스트라"라는 단어가 오늘날 우리가 의미하는 바를 항상 의미하는 것은 아니었듯이 "심포니"와 "콘서트"라는 단어는 원래 약간 다른 의미를 가졌고 시간이 지남에 따라 점차적으로 현대적인 의미를 얻었습니다.

콘서트

"콘서트"라는 단어에는 몇 가지 가능한 기원이 있습니다. 현대 어원은 이탈리아어 콘체르타레에서 "합의에 도달하다" 또는 라틴어 concinere, concino에서 "함께 노래하다, 찬양하다"로 번역하는 경향이 있습니다. 또 다른 가능한 번역은 라틴어 콘체르타레의 "분쟁, 경쟁"입니다. 개별 연주자(솔리스트 또는 솔리스트 그룹)가 팀(오케스트라)과 음악에서 경쟁합니다. 초기 바로크 시대에 성악 악기 작품은 종종 협주곡이라고 불렸으며 나중에는 라틴 칸토인 칸타레("노래하다")에서 칸타타로 알려지게 되었습니다. 시간이 지남에 따라 협주곡은 순전히 기악 장르가되었습니다 (20 세기 작품 중에는 Reinhold Gliere의 성악 협주곡과 같은 희귀 성도 있습니다). 바로크 시대독주 협주곡(한 악기와 반주 오케스트라)과 " 큰 콘서트”(콘체르토 그로소), 소규모 솔리스트 그룹(콘서티노)과 더 많은 악기가 있는 그룹(리피에노, 즉 "채우기", "채우기") 간에 음악이 옮겨졌습니다. 리피에노 그룹의 음악가들은 리피에니스트라고 불렸다. 현대 오케스트라 연주자의 선구자가 된 것은 바로 이러한 리피에니스트였습니다. 리피에노로서 현악기와 통주저음만 사용되었습니다. 솔리스트는 바이올린, 첼로, 오보에, 리코더, 바순, 비올라 다모르, 류트, 만돌린 등 매우 다를 수 있습니다.

Concerto Grosso에는 Concerto da chiesa("교회 콘서트")와 Concerto da Camera("실내 콘서트")의 두 가지 유형이 있습니다. 둘 다 주로 12개의 협주곡을 작곡한 Arcangelo Corelli 덕분에 사용되었습니다(1714). 이 사이클은 이 장르의 걸작으로 인정받는 두 개의 협주곡 그로소 사이클을 남긴 헨델에게 강한 영향을 미쳤습니다. 바흐의 브란덴부르크 협주곡도 협주곡 그로소의 특징이 뚜렷하다.

바로크 독주 협주곡의 전성기는 일생 동안 현악기와 통주 저음을 동반한 다양한 악기를 위한 500곡 이상의 협주곡을 작곡한 안토니오 비발디의 이름과 관련이 있습니다. 합창 음악기악 교향곡). 리사이틀은 일반적으로 템포가 번갈아 가며 세 부분으로 구성되었습니다. 빠름-느림-빠름; 이 구조는 기악 협주곡의 후기 샘플에서 지배적이 되었습니다. 초기 XXI세기. 비발디의 가장 유명한 창작물은 바이올린과 현악 오케스트라를 위한 "The Seasons"(1725) 사이클로, 각 협주곡 앞에 시(아마도 비발디 자신이 쓴 것임)가 나옵니다. 시는 특정 계절의 주요 분위기와 사건을 묘사하며, 이는 음악 자체에 구현됩니다. Contest of Harmony and Invention이라는 제목의 12개의 협주곡으로 구성된 더 큰 주기의 일부였던 이 4개의 협주곡은 오늘날 프로그램 음악의 첫 번째 사례 중 하나로 간주됩니다.

이 전통은 Handel과 Bach에 의해 계속되고 발전되었습니다. 게다가 헨델은 무엇보다도 16개의 오르간 협주곡을 작곡했고, 바흐는 당시 바이올린 한 대와 두 대를 위한 전통적인 협주곡 외에도 지금까지 전적으로 저저음 그룹의 악기였던 하프시코드를 위한 협주곡도 작곡했습니다. . 따라서 바흐는 현대 피아노 협주곡의 창시자로 간주될 수 있습니다.

교향곡

그리스어로 심포니는 "협화음", "공동 소리"를 의미합니다. 고대 그리스와 중세 전통에서 교향곡은 하모니의 유포니(오늘날의 음악 언어 - 협화음)라고 불렸으며, 최근에는 덜시머, 허디 거디, 스피넷 또는 처녀. 그리고 XVI-XVII 세기의 전환기에 "심포니"라는 단어가 음성 및 악기 구성의 이름으로 사용되기 시작했습니다. 그러한 교향곡의 가장 초기 예는 어떻게 불려야 하는가? 음악 교향곡 Lodovico Grossi da Viadana(1610), Giovanni Gabrieli의 신성한 교향곡(1615) 및 Heinrich Schutz의 신성한 교향곡(op. 6, 1629 및 op. 10, 1649). 일반적으로 바로크 시대 전체에 교회와 세속의 다양한 작곡을 교향곡이라고 불렀습니다. 대부분의 경우 교향곡은 더 큰 주기의 일부였습니다. 주로 Scarlatti라는 이름과 관련된 이탈리아 오페라 세리아("진지한 오페라") 장르의 출현과 함께 서곡이라고도 하는 오페라의 기악 소개는 일반적으로 세 부분으로 구성된 교향곡이라고 불렸습니다. 천천히-빠르게. 즉, 오랫동안 "심포니"와 "서곡"은 거의 같은 의미였습니다. 그건 그렇고, 이탈리아 오페라서곡을 교향곡이라고 부르는 전통은 19세기 중반까지 지속되었습니다(네부카드네자르와 같은 베르디의 초기 오페라 참조).

18세기 이후 여러 부분으로 구성된 기악 교향곡의 유행이 유럽 전역에서 발생했습니다. 그들은 두 가지 모두에서 중요한 역할을 했습니다. 공공 생활교회 예배에서도 마찬가지입니다. 그러나 교향곡의 주요 발생지와 연주는 귀족의 영지였습니다. 18세기 중반(최초의 하이든 교향곡이 등장한 시기)에는 유럽에서 교향곡 작곡을 위한 세 개의 주요 센터(밀라노, 비엔나, 만하임)가 있었습니다. 이 세 센터의 활동, 특히 만하임 궁정 예배당과 그 작곡가들, 그리고 당시 유럽에서 교향곡 장르가 처음 꽃을 피운 것은 요제프 하이든의 작품 덕분이었습니다.

만하임 예배당

얀 슈타미츠위키미디어 공용

하이델베르크에서 카를로스 3세 필립 선제후가 세운 채플은 1720년 이후 만하임에 계속 존재했으며 현대 오케스트라의 첫 번째 원형으로 간주될 수 있습니다. 만하임으로 이사하기 전에도 예배당은 주변 공국에서 가장 많았습니다. 만하임에서는 더욱 성장했고 협력을 유도함으로써 재능있는 음악가당시 공연의 질도 크게 향상됐다. 1741년부터 합창단은 체코의 바이올리니스트이자 작곡가인 Jan Stamitz가 이끌었습니다. 이때부터 만하임 학교의 창설에 대해 이야기 할 수 있습니다. 오케스트라에는 플루트 2개, 오보에 2개, 클라리넷 2개(오케스트라에서는 여전히 드문 게스트), 바순 2개, 호른 2~4개, 트럼펫 2개, 팀파니 등 30개의 현악기, 한 쌍의 관악기가 포함되어 있었습니다. 예를 들어, Haydn이 밴드 마스터로 거의 30 년 동안 봉사했던 Prince Esterhazy의 예배당에서 그의 활동 초기에 음악가의 수는 Esterhazy보다 몇 년 전에 Haydn이 봉사했던 Morzin 백작에서 13-16 명을 초과하지 않았습니다. 그의 첫 번째 교향곡을 썼고 더 많은 음악가가있었습니다 덜-그해 하이든의 악보로 판단하면 플루트조차 없었습니다. 1760년대 후반에 Esterhazy Chapel은 16-18명의 음악가로 성장했고 1780년대 중반에는 최대 24명의 음악가 수에 도달했습니다. 그리고 만하임에는 현의 30명만 있었습니다.

그러나 만하임 거장의 주된 미덕은 양이 아니라 그 당시 집단 공연의 놀라운 품질과 일관성이었습니다. Jan Stamitz와 그 뒤를 이어 이 오케스트라를 위해 음악을 작곡한 다른 작곡가들은 만하임 예배당의 이름과 관련이 있는 점점 더 정교하고 지금까지 들어본 적이 없는 효과를 발견했습니다. (diminuendo), 게임의 갑작스러운 공동 중단(일반 일시 중지), Mannheim 로켓(분해된 화음 소리에 따른 멜로디의 급속한 상승), Mannheim 새( 독주 악절에서 지저귀는 새의 모방) 또는 만하임 절정(크레센도를 위한 준비, 그리고 결정적인 순간에 모든 관악기 연주의 중단과 일부 현의 ​​능동적이고 에너지 넘치는 연주). 이러한 효과 중 많은 부분이 만하임의 젊은 동시대인 Mozart와 Beethoven의 작품에서 제2의 삶을 찾았고 일부는 오늘날에도 여전히 존재합니다.

또한 Stamitz와 그의 동료들은 교회 소나타와 실내 소나타의 바로크 원형과 이탈리아 오페라 서곡에서 파생된 4성부 교향곡의 이상적인 유형을 점차 발견했습니다. 하이든은 수년간의 실험 결과 동일한 4부작 주기에 도달했습니다. 젊은 모차르트는 1777년에 만하임을 방문했고 그곳에서 들었던 음악과 관현악 연주에 깊은 감명을 받았습니다. Stamitz의 죽음 이후 오케스트라를 이끌었던 Christian Cannabih와 Mozart는 만하임 방문 이후 개인적인 우정을 쌓았습니다.

궁정 악사

월급을받는 궁중 악사들의 지위는 당시 매우 유리했지만 당연히 많은 의무가 있었다. 그들은 매우 열심히 일했고 주인의 음악적 변덕을 충족시켜야 했습니다. 그들은 아침 3-4시에 데리러 올 수 있으며 주인이 어떤 종류의 세레나데를 듣기 위해 엔터테인먼트 음악을 원한다고 말했습니다. 가난한 음악가들은 홀에 들어가 램프를 켜고 연주해야 했습니다. 매우 자주 음악가들은 일주일 내내 일했습니다. 물론 생산 속도 또는 8 시간 근무와 같은 개념은 존재하지 않았습니다 (현대 표준에 따르면 오케스트라 음악가는 하루 6 시간 이상 일할 수 없습니다. 콘서트 리허설을 할 때나 연극 공연). 우리는 하루 종일 놀아야 했기 때문에 하루 종일 놀았습니다. 그러나 소유자 음악 애호가, 음악가는 몇 시간 동안 쉬지 않고 연주 할 수 없다는 것을 가장 자주 이해했습니다. 그는 음식과 휴식이 모두 필요합니다.

Nicola Maria Rossi의 그림 세부. 1732년 Bridgeman 이미지/Fotodom

하이든과 에스테르하지 왕자 예배당

전설에 따르면 유명한 고별 교향곡을 작곡한 하이든은 그의 스승인 에스테르하지에게 약속했지만 잊혀진 휴식에 대해 암시했습니다. 피날레에서 뮤지션들은 모두 차례로 일어 서서 촛불을 끄고 떠났습니다. 힌트는 꽤 이해할 수 있습니다. 그리고 주인은 그들을 이해하고 휴가를 보내도록했습니다. 이는 그를 통찰력과 유머 감각을 가진 사람으로 말합니다. 허구이더라도 그 시대의 정신을 놀랍게 전달합니다. 다른 경우에는 당국의 실수에 대한 그러한 힌트가 작곡가에게 상당한 비용을 들이게 될 수 있습니다.

Haydn의 후원자들은 충분히 교육받은 사람들이었고 음악에 민감했기 때문에 그는 6악장 또는 7악장으로 된 교향곡이든 소위 발달 에피소드의 놀라운 음조 합병증이든 상관없이 그의 실험이 실패하지 않을 것이라는 사실을 믿을 수 있었습니다. 정죄로 받았습니다. 그 반대의 경우도 있습니다. 양식이 더 복잡하고 특이할수록 더 좋아했습니다.
그럼에도 불구하고 Haydn은 편안해 보이지만 일반적으로 궁중의 노예적인 존재에서 벗어나는 최초의 뛰어난 작곡가가되었습니다. Nikolaus Esterházy가 사망했을 때 그의 상속인은 오케스트라를 해산했지만 Haydn의 직함과 밴드 마스터의 (감소된) 급여는 유지했습니다. 따라서 Haydn은 무의식적으로 무기한 휴가를 받았고 Impresario Johann Peter Salomon의 초대를 이용하여 다소 노년기에 런던으로갔습니다. 그곳에서 그는 실제로 새로운 오케스트라 스타일을 창조했습니다. 그의 음악은 더욱 견고하고 단순해졌습니다. 실험이 취소되었습니다. 이것은 상업적 필요성 때문이었습니다. 그는 일반 영국 대중이 Esterhazy 부동산의 세련된 청취자보다 교육 수준이 훨씬 낮다는 것을 발견했습니다. 그녀에게는 더 짧고 명확하며 간결하게 작성해야 합니다. Esterhazy가 쓴 각 교향곡은 독특하지만 런던 교향곡은 같은 유형입니다. 그들 모두는 네 부분으로 만 작성되었습니다 (당시 만하임 학교와 모차르트의 작곡가들이 이미 완전히 사용하고 있던 가장 일반적인 교향곡 형식이었습니다). 덜 느린 두 번째 부분, 미뉴에트 및 빠른 피날레. 하이든의 마지막 교향곡에서 사용된 주제의 기술적인 발전은 물론 오케스트라와 음악 형식의 유형은 이미 베토벤의 모델이 되었습니다.

18세기 후반 - 19세기: 빈 악파와 베토벤

비엔나 극장 안 데어 빈(Theater an der Wien)의 내부. 조각. 19 세기 Brigeman 이미지/Fotodom

하이든은 자신보다 24살 어린 모차르트보다 오래 살았고 베토벤 경력의 시작을 찾았습니다. Haydn은 그의 삶의 대부분을 오늘날의 헝가리에서 일했으며 그의 생애가 끝날 무렵 런던에서 엄청난 성공을 거두었고 Mozart는 잘츠부르크 출신이었고 Beethoven은 Bonn에서 태어난 Fleming이었습니다. 그러나 음악의 세 거인 모두의 창의적인 길은 Maria Theresa 황후와 그녀의 아들 Joseph II 황제의 통치 기간 동안 비엔나와 함께 세계 음악 수도의 지위를 차지한 도시와 연결되었습니다. 따라서 Haydn, Mozart 및 Beethoven의 작품은 "비엔나 클래식 스타일"로 역사에 기록되었습니다. 사실, 작가 자신은 스스로를 "고전"이라고 생각하지 않았고 베토벤은 자신을 혁명가, 개척자, 심지어 전통의 파괴자라고 생각했습니다. "클래식 스타일"이라는 개념 자체는 훨씬 후대(19세기 중반)에 발명된 것입니다. 이 스타일의 주요 특징은 형식과 내용의 조화로운 통일성, 바로크 양식의 과잉이 없는 소리의 균형, 음악 건축학의 고대 조화입니다.

비엔나의 왕관 고전적인 스타일지역에서 오케스트라 음악하이든의 런던 교향곡, 모차르트의 마지막 교향곡, 베토벤의 모든 교향곡이 일반적으로 고려됩니다. Haydn과 Mozart의 후기 교향곡에서 클래식 스타일의 음악 어휘와 구문이 마침내 확립되었으며 만하임 학교에서 이미 결정화되고 여전히 클래식으로 간주되는 오케스트라 구성이 확립되었습니다. 첫 번째 및 두 번째 바이올린, 비올라, 첼로 및 더블베이스), 한 쌍의 목관 악기 구성 - 일반적으로 플루트 2 개, 오보에 2 개, 바순 2 개. 그러나, 최신작모차르트, 클라리넷도 오케스트라에 단단히 입성해 자리를 잡았다. 클라리넷에 대한 모차르트의 열정은 오케스트라 관악기 그룹의 일부로서 이 악기가 널리 보급되는 데 크게 기여했습니다. Mozart는 Stamitz의 교향곡에서 1778년 Mannheim에서 클라리넷을 들었고 그의 아버지에게 보낸 편지에서 "오, 우리에게 클라리넷이 있었다면!" - 1804년에야 클라리넷을 도입한 잘츠부르크 궁정 예배당 "우리"를 의미합니다. 그러나 일찍이 1769년에 클라리넷이 대주교 대주교 군악대에서 정기적으로 사용되었다는 점에 유의해야 합니다.

이미 언급한 목관악기에는 보통 두 개의 호른이 추가되었고, 때로는 두 개의 트럼펫과 팀파니가 들어왔는데, 교향곡군대에서. 그러나이 악기는 교향곡에서만 사용되었으며 그 키는 일반적으로 D 또는 C 장조의 몇 가지 튜닝에만 존재하는 천연 파이프의 사용을 허용했습니다. 때때로 트럼펫은 G 장조로 쓰여진 교향곡에도 사용되었지만 팀파니는 사용되지 않았습니다. 트럼펫이 있지만 팀파니가 없는 그러한 교향곡의 예는 모차르트의 교향곡 32번입니다. 팀파니 부분은 나중에 신원이 확인되지 않은 사람에 의해 악보에 추가되었으며 정품이 아닌 것으로 간주됩니다. 팀파니와 관련하여 G 장조에 대한 18 세기 저자의 이러한 싫어함은 바로크 팀파니 (편리한 현대 페달이 아니라 수동 장력 나사로 조정)의 경우 전통적으로 이 음표를 연주하는 파이프를 지원하기 위해 요구되는 강장제(음조 1도)와 도미넌트(음조 5도)의 두 음으로만 구성된 음악을 썼지만 주요 G 장조의 주요 음은 팀파니의 상위 옥타브는 너무 날카롭게 들렸고 하위 옥타브는 너무 약하게 들렸습니다. 따라서 G 장조의 팀파니는 불협화음 때문에 피했습니다.

다른 모든 악기는 오페라와 발레에서만 허용되는 것으로 간주되었으며 일부는 교회에서도 들렸습니다 (예 : 레퀴엠의 트롬본 및 바셋 호른, "의 트롬본, 바셋 호른 및 피콜로) 마술피리", "Abduction from the Seraglio"의 "Janissary" 음악 드럼 또는 Mozart의 "Don Giovanni"의 만돌린, 베토벤의 발레 "The Works of Prometheus"의 바셋 호른 및 하프).

바소 콘티누오는 점차 사용되지 않게 되었고 처음에는 오케스트라 음악에서 사라졌지만 레치타티보를 반주하기 위해 얼마 동안 오페라에 남아 있었습니다(피가로의 결혼, 모든 여성이 하는 일, 모차르트의 돈 조반니 참조, 그러나 나중에 - V 초기 XIX세기, 일부 코믹 오페라로시니와 도니제티).

Haydn이 교향곡의 가장 위대한 발명가로 역사에 기록된다면 Mozart는 교향곡보다 오페라에서 오케스트라와 훨씬 더 많은 실험을 했습니다. 후자는 당시의 규범을 준수하는 데 비교할 수 없을 정도로 엄격합니다. 물론 예외가 있지만 예를 들어 프라하 또는 파리 심포니에는 미뉴에트가 없습니다. 즉, 세 부분으로 만 구성됩니다. G 장조의 1 악장 교향곡 32 번도 있습니다 (그러나 이탈리아 서곡의 모델을 기반으로 빠르게-느리게-빠르게, 즉 이전의 Haydnian 이전 규범에 해당합니다) . 그러나 반면에이 교향곡에는 4 개의 호른이 포함됩니다 (그런데 교향곡 25 번 G 단조와 오페라 Idomeneo에서와 같이). 클라리넷은 교향곡 39번에 도입되지만(이 악기에 대한 모차르트의 사랑은 이미 언급되었습니다) 전통적인 오보에는 없습니다. 그리고 교향곡 40번은 클라리넷이 있는 것과 없는 두 가지 버전으로도 존재합니다.

형식적 매개변수 측면에서 모차르트는 만하임과 하이든의 계획에 따라 대부분의 교향곡을 움직입니다. 물론 그의 천재적인 힘으로 심화하고 정제하지만 구조나 구성 수준에서 필수적인 것은 변경하지 않습니다. 그러나 그의 생애 말년에 Mozart는 과거의 위대한 다 성음 연주자 인 Handel과 Bach의 작업을 자세하고 깊이 연구하기 시작했습니다. 덕분에 그의 음악의 질감은 다양한 다성적 기교로 점점 풍성해진다. 18세기 후반의 교향곡에 전형적인 호모포닉 창고와 바흐형 푸가의 결합에 대한 훌륭한 예는 모차르트의 마지막 41번째 교향곡 "주피터"입니다. 교향곡 장르에서 가장 중요한 발전 방식인 폴리포니의 부활을 시작한다. 사실, Mozart는 다른 사람들이 그보다 먼저 밟은 길을 따랐습니다. 의심 할 여지없이 Mozart에게 알려진 Michael Haydn, No. 39 (1788) 및 41 (1789)의 두 교향곡의 피날레도 푸가 형식으로 작성되었습니다.

루트비히 판 베토벤의 초상. 조셉 칼 스틸러. 1820년위키미디어 공용

오케스트라 발전에서 베토벤의 역할은 특별합니다. 그의 음악은 클래식과 낭만주의라는 두 시대의 거대한 조합입니다. First Symphony (1800)에서 Beethoven이 충실한 학생이자 Haydn의 추종자이고 발레 The Works of Prometheus (1801)에서 그는 Gluck 전통의 후계자라면 세 번째, Heroic Symphony (1804)에서 보다 현대적인 키로 Haydn-Mozart 전통을 최종적으로 다시 생각합니다. Second Symphony (1802)는 겉으로는 여전히 고전적인 패턴을 따르지만 많은 혁신이 있으며 주요한 것은 전통적인 미뉴에트를 거친 농민 스케르초 (이탈리아어로 "농담")로 대체하는 것입니다. 그 이후로, 미뉴에트는 베토벤의 교향곡교향곡 8번 3악장의 제목에 "미뉴에트"라는 단어가 아이러니하게 향수를 불러일으키는 사용을 제외하고는 더 이상 발견되지 않습니다. 미뉴에트는 이미 모든 곳에서 사용되지 않았으며 여기서 베토벤은 분명히 "달콤하지만 먼 과거"의 표시로 장르에 대한 언급을 사용합니다. 그러나 또한 풍부한 다이나믹 콘트라스트, 1악장의 주요 주제를 첼로와 더블베이스로 의식적으로 전달하는 반면 바이올린은 반주자로서 특이한 역할을 하고 첼로와 더블베이스의 기능을 자주 분리합니다. (즉, 독립된 성부로서의 더블베이스의 해방), 극단 부분의 코다를 확장하고 발전시키는 것(실질적으로 2차 발전으로 전환)은 모두 새로운 스타일의 흔적이며, 세 번째 교향곡.

동시에 교향곡 2번은 거의 모든 베토벤의 후속 교향곡, 특히 3번과 6번, 9번의 시작 부분을 담고 있습니다. 2악장 1악장의 도입부에는 9악장 1악장의 메인테마와 유사한 두 방울의 D단조 모티프가 있고, 2악장 피날레의 연결 부분은 거의 스케치 수준이다. 같은 악기를 사용해도 같은 9번의 피날레에 나오는 "환희의 송가".

교향곡 3번은 지금까지 작곡된 모든 교향곡 중에서 가장 길고 복잡하며, 음악적 언어, 그리고 자료에 대한 가장 집중적 인 연구. 그것은 그 시대에 유례가 없었던 역동적인 대조(피아노 3대에서 포르테 3대로!)와 모차르트와 비교할 때조차 전례가 없는, 원래 동기의 "셀룰러 변형"에 대한 작업을 포함하고 있습니다. 그러나 그대로 네 부분으로 된 전체 주기에 스며들어 단일하고 분리할 수 없는 내러티브의 감각을 만듭니다. 영웅적인 교향곡은 더 이상 기악 주기의 대조되는 부분의 조화로운 순서가 아니라 완전히 새로운 장르, 사실-음악 역사상 최초의 교향곡 소설!

베토벤의 오케스트라 사용은 비르투오소에 그치지 않고 기악 연주자들을 극한까지 몰아붙이며 종종 각 악기의 상상할 수 있는 기술적 한계를 넘어섭니다. 많은 베토벤 4중주단의 첫 번째 연주자인 바이올리니스트이자 Count Lichnowsky Quartet의 리더인 Ignaz Schuppanzig에게 한 베토벤 구절의 "불가능"에 대한 비판적 발언에 대한 베토벤의 유명한 구절은 기술적 문제에 대한 작곡가의 태도를 현저하게 특징짓습니다. 음악에서: "영이 나에게 말할 때 그의 불행한 바이올린에 내가 무슨 상관이야?!" 항상 음악적 아이디어가 먼저 나오고 그것을 구현하는 방법이 있어야 합니다. 그러나 동시에 베토벤은 당시 오케스트라의 가능성을 잘 알고 있었습니다. 그건 그렇고, 널리 알려진 의견 부정적인 결과베토벤의 청각 장애는 그의 후기 작곡에 반영되어 모든 종류의 수정 형태로 그의 악보에 대한 나중에 침입을 정당화하는 것으로 추정되며 신화에 불과합니다. 듣기에 충분하다 좋은 성능진정한 악기에 대한 그의 후기 교향곡 또는 4중주곡은 결함이 없는지 확인하고 당시의 악기와 기능에 대한 자세한 지식을 바탕으로 예술에 대한 매우 이상주의적이고 타협하지 않는 태도를 나타냅니다. 베토벤이 현대적인 기술을 마음대로 사용할 수 있는 현대적인 오케스트라를 가지고 있었다면 그는 확실히 완전히 다른 방식으로 작곡했을 것입니다.

악기 편성 측면에서 베토벤은 처음 네 개의 교향곡에서 하이든과 모차르트의 후기 교향곡 표준에 충실했습니다. Heroic Symphony는 전통적인 두 개 또는 드물지만 전통적으로 허용되는 네 개 대신 세 개의 호른을 사용합니다. 즉, 베토벤은 모든 전통을 따르는 매우 신성한 원칙에 의문을 제기합니다. 그는 오케스트라에서 세 번째 호른 목소리가 필요하고 그것을 소개합니다.

그리고 이미 교향곡 5번(1808)에서 베토벤은 피콜로 플루트, 콘트라바순, 트롬본과 같은 군(또는 연극) 오케스트라의 악기를 피날레에 소개합니다. 그건 그렇고, 베토벤보다 1년 앞서 스웨덴 작곡가 요아킴 니콜라스 에거트는 그의 교향곡 E플랫장조(1807)에서 베토벤처럼 피날레뿐만 아니라 세 악장 모두에서 트롬본을 사용했습니다. 따라서 트롬본의 경우 손바닥은 위대한 작곡가를 위한 것이 아니라 훨씬 덜 유명한 동료를 위한 것입니다.

교향곡 6번(전원)은 교향곡 역사상 첫 번째 프로그램 주기로, 교향곡 자체뿐만 아니라 각 부분도 일종의 내부 프로그램에 대한 설명, 즉 한 사람의 감정에 대한 설명이 선행됩니다. 자연에서 자신을 찾는 도시 거주자. 사실 음악에서 자연에 대한 묘사는 바로크 시대 이후로 새로운 것이 아니다. 그러나 비발디의 <사계>를 비롯한 바로크 양식의 프로그램 음악과는 달리 베토벤은 소리 쓰기 자체를 목적으로 다루지 않고, 자신의 표현대로 6번 교향곡은 "그림보다는 감정의 표현"이다. 목가적 교향곡은 베토벤의 작품에서 4부 교향곡 주기를 위반한 유일한 교향곡입니다. 다음과 같습니다. 따라서 이 교향곡에는 다섯 개의 악장이 있습니다.

이 교향곡의 오케스트레이션에 대한 베토벤의 접근 방식은 매우 흥미 롭습니다. 첫 번째 악장과 두 번째 악장에서 그는 현, 목관 악기 및 두 개의 뿔만 엄격하게 사용합니다. 스케르초에서는 두 개의 트럼펫이 연결되고, The Thunderstorm에서는 팀파니, 피콜로 플루트 및 두 개의 트롬본이 합류하고 피날레에서는 팀파니와 피콜로가 다시 조용해지며 트럼펫과 트롬본은 전통적인 팡파르 기능을 중단하고 범신론적 송영의 일반적인 바람 합창단에 합류합니다.

오케스트레이션 분야에서 베토벤 실험의 정점은 교향곡 9번이었습니다. 피날레에는 이미 언급한 트롬본, 피콜로 플루트, 콘트라바순뿐만 아니라 "터키식" 타악기 전체 세트가 사용되었습니다. 큰 북, 접시와 삼각형, 그리고 가장 중요한 것은 합창단과 솔리스트입니다! 그건 그렇고, Ninth 피날레의 트롬본은 합창 부분의 증폭으로 가장 자주 사용되며 이것은 특히 Haydnian-Mozartian 굴절에서 교회 및 세속 오라토리오 음악의 전통에 대한 참조입니다 ( " 창조의 세계" 또는 하이든의 "사계", 단조 이전의 미사 또는 모차르트의 진혼곡), 이는 이 교향곡이 교향곡 장르와 영적 오라토리오의 융합이라는 것을 의미하며, 실러의 시적이고 세속적인 텍스트로만 쓰여졌습니다. 교향곡 9번의 또 다른 중요한 형식적 혁신은 느린 악장과 스케르초의 재배치였습니다. 2 위인 9 번째 scherzo는 더 이상 피날레를 시작하는 쾌활한 대조 역할을하지 않고 비극적 인 첫 번째 부분의 가혹하고 완전히 "군사적"인 연속으로 변합니다. 그리고 느린 세 번째 악장은 교향곡의 철학적 중심이되어 황금 섹션 영역에 정확하게 떨어집니다. 첫 번째이지만 결코 교향곡 역사상 마지막 사례는 아닙니다.

9번 교향곡(1824)으로 베토벤은 새로운 시대로 도약합니다. 이것은 가장 심각한 사회적 변혁의 기간과 일치합니다. 계몽주의에서 새로운 산업 시대로의 최종 전환과 함께 첫 번째 사건은 지난 세기가 끝나기 11년 전에 발생했습니다. 비엔나 고전 학교의 세 대표 모두가 목격한 행사. 물론 우리는 프랑스 혁명에 대해 이야기하고 있습니다.

, 첼로 , 더블 베이스 . 지휘자의 의지에 따라 숙련된 음악가의 손에 모여 어떤 소리로도 표현하고 전달할 수 있는 악기를 형성합니다. 음악 콘텐츠, 모든 이미지, 모든 생각. 오케스트라 악기의 많은 조합은 천둥 소리, 귀머거리에서 거의 들리지 않는 소리, 날카로운 귀에서 애무하는 부드러운 소리에 이르기까지 거의 무한한 다양한 소리를 제공합니다. 그리고 복잡한 다층 화음, 이기종 멜로디 장식의 패턴이 있고 구불 구불 한 신경총, 거미줄처럼 얇은 천, 작은 소리 "파편" 비유적 표현 S. S. Prokofiev, "마치 오케스트라의 먼지를 털고 있는 것처럼", 그리고 같은 소리를 동시에 연주하는 여러 악기의 강력한 조화 - 이 모든 것이 오케스트라의 영향을 받습니다. 현악기, 관악기, 타악기, 플럭, 건반 등 모든 오케스트라 그룹은 다른 그룹과 분리되어 다른 그룹이 침묵하는 동안 자체 음악 내레이션을 이끌 수 있습니다. 그러나 그들 모두는 완전히, 부분적으로 또는 개별 대표자로서 다른 그룹이나 그 일부와 병합하여 복잡한 음색 합금을 형성합니다. 200년 이상 동안 작곡가들의 가장 소중한 생각, 소리 예술의 역사에서 가장 밝은 이정표는 음악을 구상하고, 작곡하고, 때로는 심포니 오케스트라를 위해 편곡하기도 했습니다.

심포니 오케스트라의 악기 편곡.

음악을 사랑하는 모든 사람은 J. Haydn, W. A. ​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi의 이름을 알고 기억합니다. , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Mussorgsky, S. V. Rachmaninov, A. K. Glazunov, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, N. Ya. Myaskovsky, D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian, K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok 및 교향곡, 모음곡, 서곡, 교향시 등의 거장 , 그림, 환상, 기악 콘서트오케스트라와 함께 마지막으로 심포니 오케스트라를 위해 칸타타, 오라토리오, 오페라 및 발레가 작성되거나 참여합니다. 그를 위해 글을 쓰는 능력은 음악 작곡 예술의 가장 높고 복잡한 영역으로 깊은 전문 지식이 필요하며, 굉장한 경험, 연습, 그리고 가장 중요한 것은 특별한 음악적 능력, 재능, 재능입니다.

심포니 오케스트라의 출현과 발전의 역사는 오래된 악기의 점진적인 구조 조정과 새로운 악기의 발명, 구성의 증가, 악기 조합 사용 방식의 개선의 역사, 즉, 오케스트레이션 또는 악기라고 불리는 음악 과학 분야의 역사, 그리고 마지막으로 교향곡, 오페라, 오라토리오 음악의 역사. "심포니 오케스트라" 개념의 네 가지 측면인 이 네 가지 용어는 모두 밀접하게 관련되어 있습니다. 서로에 대한 그들의 영향은 다양했고 여전히 다양합니다.

고대 그리스에서 "오케스트라"라는 단어는 Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes 시대의 극적인 공연에 없어서는 안될 참가자 인 합창단이있는 극장 무대 앞의 반원형 영역을 의미했습니다. 1702년경, 이 단어는 오페라에 반주하는 기악 연주자들의 앙상블을 위한 작은 공간을 처음으로 지칭했습니다. 실내악에서 기악 그룹이라고 합니다. XVIII 세기 중반. 오케스트라의 역사에 대한 결정적인 구별을 도입했습니다. 대규모 오케스트라는 소규모 실내악 인 앙상블에 반대했습니다. 그때까지 실내악과 오케스트라 음악 사이에 명확한 선이 그어지지 않았습니다.

"심포니 오케스트라"의 개념은 K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart가 살면서 일했던 고전주의 시대에 나타났습니다. 작곡가가 특정 음성, 특정 음악 라인을 연주하는 각 악기의 이름을 음표에 정확하게 쓰기 시작한 후에 이미 발생했습니다. 일찍이 17세기 초. K. Monteverdi는 "Orpheus"에서 각 번호 앞에 그것을 수행할 수 있는 악기만 나열했습니다. 누가 어떤 라인을 플레이해야 하는지에 대한 질문은 열려 있었습니다. 따라서 그의 고향 베니스의 40개 오페라 하우스에서 오르페우스의 공연은 서로 다를 수 있습니다. 작곡가, 바이올리니스트, 지휘자인 J. B. Lully는 루이 14세의 궁정에서 결성되고 Lully 자신이 이끄는 현악 앙상블인 소위 "왕의 바이올린 24개"를 위한 특정 악기 세트를 위해 작곡한 최초의 사람일 것입니다. . 그는 오보에로 뒷받침되는 현악단의 윗목소리와 바순의 아랫목소리를 가졌습니다. 현이 없는 오보에와 바순, 최대 강도로, 그의 작곡의 중간 부분에 참여했습니다.

17세기 내내 그리고 18세기 전반. 오케스트라의 초기 기반인 현악기 그룹이 형성됩니다. 점차적으로 바람 가족의 대표자가 추가됩니다-플루트, 오보에 및 바순, 그리고 뿔. 클라리넷은 당시 극도로 불완전했기 때문에 훨씬 나중에 오케스트라에 들어갔습니다. M. I. Glinka는 그의 "Notes on Instrumentation"에서 클라리넷의 소리를 "거위"라고 부릅니다. 그럼에도 불구하고 플루트, 오보에, 클라리넷 및 호른(총 2개)으로 구성된 관악기 그룹은 모차르트의 프라하 심포니에, 그 이전에는 그의 동시대 프랑스인 F. 고섹에 등장합니다. Haydn의 London Symphonies와 L. Beethoven의 초기 교향곡에는 두 개의 트럼펫과 팀파니가 등장합니다. 19세기 오케스트라의 윈드 그룹이 더욱 강화됩니다. 베토벤 교향곡 5번의 피날레에는 관현악 역사상 처음으로 오페라에서만 쓰이던 피콜로 플루트, 콘트라바순, 트롬본 3대가 참여한다. R. Wagner는 또 다른 튜바를 추가하고 파이프 수를 4개로 늘립니다. Wagner는 주로 오페라 작곡가이지만 동시에 뛰어난 심포니스트이자 심포니 오케스트라의 개혁가로 간주됩니다.

XIX-XX 세기 작곡가의 욕망. 사운드 팔레트를 풍부하게 하기 위해 특별한 기술 및 음색 기능을 갖춘 여러 악기를 오케스트라에 도입했습니다.

XIX 세기 말까지. 오케스트라의 구성은 인상적이며 때로는 거대한 비율로 표현됩니다. 따라서 말러의 8번 교향곡은 우연히 "천 참가자의 교향곡"이라고 불리는 것이 아닙니다. R. Strauss의 교향곡 캔버스와 오페라에는 알토 및 베이스 플루트, 바리톤 오보에(haeckelphone), 소형 클라리넷, 콘트라베이스 클라리넷, 알토 및 베이스 파이프 등 다양한 종류의 관악기가 등장합니다.

XX 세기에. 오케스트라는 주로 타악기로 보충됩니다. 그 전에 오케스트라의 일반적인 멤버는 2-3 팀파니, 심벌즈, 베이스 및 스네어 드럼, 삼각형, 덜 자주 탬버린 및 톰톰, 벨, 실로폰이었습니다. 이제 작곡가들은 반음계인 첼레스타를 제공하는 일련의 관현악 종을 사용합니다. 그들은 오케스트라에 플렉사톤, 종, 스페인식 캐스터네츠, 달그락거리는 나무 상자, 딸랑이, 채찍 크래커(그 타격은 총과 같다), 사이렌, 바람과 천둥 기계, 심지어 나이팅게일의 노래와 같은 악기를 도입합니다. 특별 레코드에 녹음되었습니다 (이탈리아 작곡가 O. Respighi "The Pines of Rome"의 교향시에서 사용됨).

XX 세기 후반. 재즈에서 심포니 오케스트라에 이르기까지 비브라폰, 톰톰, 봉고, 드럼 키트- "찰스턴"("하이햇"), 마라카스와 함께.

현악군과 관악군은 1920년까지 기본적으로 편성이 완료되었다. 오케스트라에는 때때로 색소폰 그룹(Wiese, Ravel, Prokofiev의 작품), 브라스 밴드(Tchaikovsky 및 Stravinsky의 코넷), 하프시코드, 돔라 및 발랄라이카, 기타, 만돌린 등의 개별 대표자가 포함됩니다. 심포니 오케스트라의 부분 작곡: 현악기만, 현과 금관악기, 현과 타악기가 없는 관악기, 타악기가 있는 현.

20세기의 작곡가 챔버 오케스트라를 위해 많은 음악을 씁니다. 그것은 15-20 개의 현, 각각 목 관악기 1 개, 호른 1 개 또는 2 개, 연주자가 한 명인 타악기 그룹, 하프 (대신 피아노 또는 하프시 코드가있을 수 있음)로 구성됩니다. 이와 함께 솔로이스트 앙상블을 위한 작품이 등장하는데, 여기에는 각 다양성(또는 그 중 일부)에서 한 명의 대표가 있습니다. A. Schoenberg, A. Webern, Stravinsky의 모음곡 "The Story of a Soldier", 작곡의 실내 교향곡 및 연극입니다. 소비에트 작곡가- 동시대 M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov 및 기타. 점점 더 작가들은 비정상적이거나 긴급한 구성으로 눈을 돌리고 있습니다. 현대 음악에서 음색의 역할이 그 어느 때보다 커짐에 따라 독특하고 희귀한 소리가 필요합니다.

그럼에도 불구하고 항상 오래된 음악과 새로운 음악, 최신 음악을 연주할 수 있는 기회를 갖기 위해 심포니 오케스트라의 구성은 안정적입니다. 현대 심포니 오케스트라는 대교향악단(연주자 약 100명), 중형(70~75명), 소형(50~60명)으로 세분됩니다. 대규모 심포니 오케스트라를 기반으로 각 작품에 대해 연주에 필요한 작곡을 선택할 수 있습니다. 민요 A. K. Lyadov 또는 Tchaikovsky의 "String Serenade", 다른 하나는 Berlioz, Scriabin, Shostakovich의 장대 한 캔버스, Stravinsky의 "Petrushka"또는 Ravel의 불 같은 "Bolero"입니다.

무대 위의 뮤지션들은 어떤가요? XVIII-XIX 세기에. 첫 번째 바이올린은 지휘자의 왼쪽에, 두 번째 바이올린은 오른쪽에, 비올라는 첫 번째 바이올린 뒤에, 첼로는 두 번째 바이올린 뒤에 앉았습니다. 뒤에 문자열 그룹그들은 줄을 지어 앉았다: 목관악기 그룹 앞에, 그 뒤에 금관악기 그룹이 앉았다. 더블베이스는 오른쪽 또는 왼쪽 배경에 위치했습니다. 나머지 공간은 하프, 첼레스타, 피아노 및 타악기에 할애되었습니다. 우리나라에서 음악가들은 미국 지휘자 L. Stokowski가 1945년에 도입한 계획에 따라 앉습니다. 이 계획에 따르면 지휘자의 오른쪽에 두 번째 바이올린 대신 첼로가 전경에 배치됩니다. 그들의 이전 장소는 이제 두 번째 바이올린이 차지하고 있습니다.

심포니 오케스트라는 지휘자가 지휘합니다. 그는 오케스트라의 연주자들을 하나로 묶고 리허설과 콘서트에서 연주 계획을 실현하기 위해 모든 노력을 기울입니다. 지휘는 특별히 고안된 손 움직임 시스템을 기반으로 합니다. 지휘자는 보통 오른손에 지휘봉을 잡습니다. 가장 중요한 역할은 그의 얼굴, 외모, 표정입니다. 지휘자는 고등 교육을 받은 사람이어야 합니다. 그는 다양한 시대와 스타일의 음악에 대한 지식, 오케스트라 악기 및 그 기능, 예리한 귀, 작곡가의 의도에 깊이 침투하는 능력이 필요합니다. 연기자의 재능은 그의 조직 및 교육 능력과 결합되어야 합니다.

심포니 오케스트라에 대한 흥미로운 사실

우리는 당신이 흥미롭고 친숙해지도록 초대합니다 흥미로운 사실수세기의 역사에 걸쳐 상당히 많이 모인 심포니 오케스트라와 관련이 있습니다. 이러한 흥미로운 정보를 통해 발레 애호가뿐만 아니라 이 분야의 진정한 전문가에게도 새로운 것을 발견할 수 있기를 바랍니다.

• 심포니 오케스트라의 형성은 소규모 앙상블에서 수세기에 걸쳐 이루어졌으며 음악의 새로운 장르가 나타나고 연주자 팀의 변화가 필요한 16-17 세기에 시작되었습니다. 완전히 작은 구성은 XVIII 세기에만 결정되었습니다.
• 음악가의 수는 작업이나 공연 장소에 따라 50명에서 110명까지 다양합니다. 지금까지 기록된 최다 연주자 수는 1964년 오슬로 시 일레발 스타디움에서 20,100명이 참석한 공연을 말합니다.
• 때로는 더블, 트리플 심포니 오케스트라의 이름을 들을 수 있는데, 그 안에 들어 있는 관악기의 수로 주어지며 그 크기를 나타냅니다.
• 그는 오케스트라 발전에 큰 공헌을 했다. L. 베토벤 , 그래서 그의 작품에서 마침내 클래식 또는 소규모 심포니 오케스트라가 설립되었고 나중에 대규모 구성의 특징이 설명되었습니다.
• 심포니 오케스트라는 음악가를 위해 독일식과 미국식 좌석 배치를 사용합니다. 따라서 러시아어에서는 미국인이 사용됩니다.
• 전 세계의 모든 오케스트라 중에서 자신의 지휘자를 선택하고 언제든지 할 수 있는 유일한 오케스트라가 있습니다. 바로 비엔나 필하모닉입니다.
• 지휘자가 전혀 없는 그룹도 있습니다. 처음으로 그러한 생각은 1922년 러시아의 Persimfans에 의해 받아들여졌습니다. 팀워크를 중시하는 시대정신 때문이었다. 나중에 다른 오케스트라도 이 예를 따랐고, 오늘날에도 프라하와 호주에는 지휘자가 없는 오케스트라가 있습니다.

• 오케스트라는 오보에나 소리굽쇠에 따라 조율되며, 소리굽쇠는 시간이 지날수록 소리가 점점 더 높아집니다. 사실 처음에는 다른 나라에서 다르게 들렸습니다. 18세기 독일에서 그 소리는 이탈리아어보다는 낮았지만 프랑스어보다는 높았다. 설정이 높을수록 사운드가 더 밝아지고 모든 밴드가 이를 위해 노력한다고 믿었습니다. 그래서 우리 시대에는 380Hz(바로크)에서 442Hz로 톤을 높였습니다. 더욱이 이 수치는 제어 수치가 되었지만 비엔나에서와 마찬가지로 최대 445Hz까지 초과할 수 있습니다.
• 19세기까지 지휘자의 의무에는 악보 연주도 포함되었습니다. 하프시코드 또는 바이올린 . 또한 그들은 지휘봉이 없었고 작곡가 나 음악가가 악기 나 고개를 끄덕임으로 비트를 이겼습니다.
• 클래식 음악 분야에서 권위있는 출판물로 인정받는 권위있는 영국 잡지 Gramophone은 세계 최고의 오케스트라 목록을 발표했으며 러시아 밴드는 14, 15, 16 위를 차지했습니다.