Japansk kunst å se i det fjerne. CraftsGirl
Himeji er et av de eldste slottene i Japan.
Japansk kunst fra den eldgamle perioden
Japansk kultur tok form og utviklet seg under spesielle naturlige og historiske forhold. Japan ligger på fire store og mange små øyer vasket av havet. Siden hun var på ytterkanten av øst, opplevde hun den periodiske økende, så igjen falmende innflytelsen fra fastlandskulturer som Kina og Korea. Perioder med interaksjon med omverdenen ble i japansk historie erstattet av lange århundrer med kulturell isolasjon (perioder fra 10. til 14. og fra 1600- til midten av 1800-tallet). Sistnevnte omstendighet bidro til utviklingen og konsolideringen av mange unike funksjoner japansk kultur generelt og kunst spesielt. Bekjentskap med kulturen i Vesten fant sted på 1500-tallet, da hovedtrekkene i den opprinnelige japanske sivilisasjonen allerede var dannet. Fram til 1854 handlet Japan med Kina og Holland gjennom bare én havn.
Fra de gamle innbyggerne på de japanske øyene - jegere og fiskere - kom steinøkser, harpuner, pilspisser og håndskulpturerte keramiske fartøyer oppdaget som et resultat av arkeologiske utgravninger, som fikk navnet på grunn av "Jomon"-mønsteret påtrykt dem, som betyr "spor av tauet". Derfor kalles også den neolittiske kulturen i Japan Jomon. Nybyggere som ankom fra Sibir, Polynesia og senere fra Korea og Kina sto på forskjellige nivåer kulturell utvikling. Dette forklarer det faktum at monumenter fra både yngre steinalder og bronsealder finnes i enkelte kulturlag. Det japanske språket er nært språkene til den altaiske gruppen. Når som følge av kontakter med kinesiske kulturer japanerne ble kjent med kinesisk hieroglyf, det viste seg å være veldig vanskelig å tilpasse kinesiske hieroglyfer for å formidle muntlig japansk tale.
Den første perioden av japansk kultur, som pålitelige data er bevart om, kalles kofuns (hauger) epoke - begravelser, hvis bakkedel var en jordhaug med karakteristisk form - en kombinasjon av en sirkel og en trapes, som lignet et nøkkelhull, som symboliserte foreningen av jord og vann. De var av betydelig størrelse, de var omgitt av en dobbel grøft med vann, gress vokste over haugen, og langs den indre omkretsen av haugen var det hule leirfigurer av mennesker, dyr, modeller av båter og hus fra 30 cm til ett. og en halv meter høy. De ble kalt "haniwa". Inne i gravkammeret var det kister med døde representanter for adelen, hvor rituelle gjenstander ble plassert: et speil, en dotaku-klokke, hvis lyd var ment å skremme bort onde ånder og tiltrekke gudene - beskytterne til rorkultene. Yamato-kongenes begravelser inneholdt alltid slike rituelle symboler på makt som jade-anheng og sverd. For å opphøye kongene av Yamato-klanen, ble historiens begynnelse etablert, gudenes hierarki ble bestemt, guddommen Amaterasu ("Skinner fra himmelen") ble skilt ut, som overførte makt over japanske øyer konger av Yamato-klanen. Navnet "Nippon" eller "Nihon", som betyr "land med den stigende solen", dukket opp på 700-tallet. I 608 begynte studiereiser i Kina, som fortsatte i mer enn to århundrer.
Dotaku - rituelle bronseklokker - sylindre innsnevret til toppen, toppet med brede løkker med krøllete avsatser, hvis vegger er delt inn i firkanter fylt med grafiske bilder
Japanernes heterogene tro, som har mange trekk ved primitiv animisme og fetisjisme, gjenspeiles i shinto. Shinto ("gudenes vei") gjenspeiler i sin essens de japanske ideene om naturens universelle spiritualitet. Et utallig antall såkalte "kami" (ånder) eksisterer både i mirakuløse landskapsobjekter, som Lake Biwa og Mount Fuji, og i gjenstander skapt av mennesker - sverd, speil, utstyrt i kraft av dette magiske egenskaper. Shinto-helligdommen ble preget av enkelheten i trestrukturen: et rom med en gang ble plassert på stylter, omgitt på alle sider av en veranda. Innsiden av Shinto-helligdommen var svak og tom. Troende gikk ikke inn i templet.
Para-periode (645–794 e.Kr.)
Nara er navnet på den første hovedstaden og den eneste byen i Japan på den tiden. Dette var tidspunktet for etableringen av japansk statsskap, innføringen av buddhismen og opprettelsen av monumenter av buddhistisk kunst - templer, pagoder, forskjellige statuer av buddhistiske guder. Buddhismen i denne perioden var ikke så mye folkets tro som en fortsettelse av domstolens politikk. Ulike sekter av buddhismen spilte en svært betydelig rolle ved hoffet, landbeholdningen til buddhistiske klostre vokste, munkene hadde stor innflytelse ved hoffet. Buddhistiske klostre dukker opp, som er grupper av trebygninger som ligger på et rektangulært veggområde. Spesielt viktig var det brede smuget som førte til porten foran, plassen foran tempelet og den flerlagede pagoden som var synlig på avstand. Trestenger ble malt med rød lakk, reist på steinfundamenter, og hadde brede buede doble tak - irimoya.
Blant de tidlige buddhistiske templene er Asukadera, Horyuji, byggingen av sistnevnte ble startet i 607 etter ordre fra den da regjerende kronprins Shotoku Taishi. Klosteret besto av 53 bygninger plassert på et område på 90 tusen kvadratmeter. Fasaden til tempelet vender mot sør, hovedbygningene ligger på nord-sør-aksen, den hellige sonen er nord, det var en sal for prekener - kodo, kondo og en fem-lags pagode. I Horyuji var det 265 statuer, det viktigste skulpturelle bildet var treenigheten til Shakyamuni, representert av en skulptur av grunnleggeren av trosbekjennelsen, ledsaget av to bodhisattvaer. På 800-tallet ved store klostre var det allerede verksteder for skulptører. Kulten til bodhisattvaen Kannon spredte seg, hvis navn var en oversettelse av sanskritnavnet Avalokiteshvara (Oppmerksomhet på lydene i verden). Fylt med medfølelse for levende vesener, er en bodhisattva i stand til å lytte til lydene til de som lider, uansett hvor de er. Kulten av Avalokiteshvara oppsto i det nordvestlige India og spredte seg til Kina. I Lotus Sutraen ble det sagt at bodhisattvaen tok på seg formen til de vesenene som kaller på ham. I Japan førte spredningen av Kannon-kulten til at et stort antall av bildene hennes dukket opp - helgenen Kannon hjelper i helvete, Kannon med hestehode sprer barmhjertighet mot storfe, onde ånder - asuraer blir reddet i tusenvis -bevæpnet Kannon, Kannon med en fiskeskog redder folk.
Heian-perioden (794–1185)
I 794 ble hovedstaden i staten flyttet til byen Heian (nå Kyoto). Under Heian-perioden blomstret en sofistikert hoffkultur. Et japansk pensum ble laget - kana (jap. - en lånt hieroglyf). Til å begynne med var det bare kvinner som brukte dette manuset, mens det offisielle manuset fortsatte å være kinesisk. I løpet av X århundre. kvinners forfatterskap begynte å bli brukt i privat praksis. I XI århundre. den japanske klassiske litteraturens storhetstid begynte, et strålende eksempel på det er romanen «Genji Monogatari», skapt av hoffdamen Murasaki Shikibu.
I kunsten til Heian er hovedplassen okkupert av buddhistiske bilder av de esoteriske sektene Tendai og Shingon som kom fra Kina på den tiden, som lærte at alle levende vesener har Buddhas essens. Ved å trene ånden og kroppen, ved å oppfylle løftene, er alle i stand til å tilegne seg Buddhas essens i prosessen med flere gjenfødsler. Templene til disse sektene ble bygget på toppen av fjell og steinete avsatser, kapellene i dem ble delt inn i to deler. Inne, der det hellige bildet var plassert, var vanlige troende ikke tillatt.
Heian-tiden er en tid med luksus for de regjerende sirkler. På dette tidspunktet ble typen boliger shinde dannet. Veggene og forholdene i et varmt klima var ikke kapital og hadde ikke en referanseverdi. De kan lett flyttes fra hverandre, erstattes av mer holdbare for kaldt vær, eller fjernes helt i varmt vær. Det var heller ingen vinduer. I stedet for glass ble hvitt papir strukket over gitterrammen, og slapp inn et svakt diffust lys i rommet. Den brede gesimsen på taket beskyttet veggene mot fuktighet og sollys. interiør, blottet for permanente møbler, hadde skyve skillevegger, takket være hvilke det var mulig å lage, etter ønske, enten en hall eller flere små isolerte rom, gulvet var dekket med halmmatter - tatami, av samme størrelse (180 x 90 cm).
Konfucianske og buddhistiske tekster ble hentet fra Kina under Heian-perioden. Ofte var de dekorert med bilder. Opprinnelig kopierte japanske kunstnere kinesiske "kjente steder", men fra 1000-tallet. vend deg til bildet av landskap og skikker hjemland. "Yamato-e" maleri er designet, som skilte seg fra kinesisk maleri ved å bruke temaer fra japansk poesi, noveller, romaner eller fra folkelegender. Maleriet fikk navnet sitt fra navnet på Yamato-regionen - den sørvestlige delen av øya Honshu, der staten Japan ble dannet.
Bildet representerte ofte en rulle av illustrasjoner med tilhørende tekst, som ble tatt for hånd og spunnet fra høyre til venstre, mens du leste den tilsvarende delen, ble illustrasjonen etter den vurdert.
Yamato-e-maleriet toppet seg i slutten av Heian-perioden. På dette tidspunktet dukket det opp profesjonelle kunstnere som malte bilder om sekulære emner på skjermer, skyvepartisjoner (shoji) og ruller - emakimono. Den eldste av rullene er Genji Monogatari. Emakimano-ruller var bildefortellinger. Rullen til "Genji-monogatari-emaki", den berømte romanen av Murasaki Shikibu, har overlevd til i dag, og skildrer aristokratiets ledige liv i levende farger, det er en syntese av kalligrafi, litteratur og maleri. I de gjenværende 19 av de 54 kapitlene i romanen er det ingen enkelt handling og gjennom handling i illustrasjonene. De fleste av de avbildede scenene finner sted i interiører, alt synlig vises ovenfra, det er ikke noe enkelt forsvinningspunkt for linjer, storstilt korrespondanse av figurer og arkitektur, ansiktene til alle karakterer er like, bare frisyrer og klær er forskjellige . Hovedemnet for kunstnerens oppmerksomhet er overføringen av det følelsesmessige innholdet i hendelsene som fant sted i romanen, som var godt kjent for alle. Hovedteknikkene er konstruksjon av rom og bruk av fargemuligheter. For å formidle den indre tilstanden til karakterene og atmosfæren til hver scene, er det viktig for kunstneren i hvilken vinkel i forhold til den nedre kanten av rullen de diagonale linjene er rettet, og angir enten bjelkene til strukturene eller gesimsene av gardinene, eller kanten av verandaen. Avhengig av graden av følelsesmessig spenning varierer denne vinkelen fra 30 til 54 grader.
Bodhisattva - Kannon vises i Kina, Korea og Japan hovedsakelig i kvinnelig form, i hender med en kanne, en pilegren og en lasso
I husene til aristokrater var det ingen skillevegger, på skjermer og gardiner beste artister malte bilder av yamato-e. Yamato-e malerier var enhet med bokstavelig talt virker, som også ble plassert på skjermer og gardiner. I antologier av poesi fra X-XIII århundrer. vers skrevet på skjermer fra det 9.-10. århundre er ikke uvanlig. Det største antallet slike dikt er inneholdt i antologien "Sui-shu". Akkurat som poesi handlet om de fire årstidene, var det også maling for skjermer. I tråd med folkesanger utviklet det seg et visst system av poetiske formler, og ble deretter grunnlaget for japansk klassisk poetikk. Så vårens tegn var en tåkete dis, et piletre, et tegn på sommer - en gjøk, sikader, høst - skarlagens lønneblader, en hjort, en måne, vintre - snø og plommeblomster.
Kyoto er en gammel perle i Japan.
Overfloden av homonymer i språket gjorde det mulig å gi versene mange betydninger. Temaer og plott gjorde det mulig, gjennom en detalj eller et hint, i en ekstremt kortfattet poetisk form (31 stavelser per tanka), å uttrykke mangfoldet av alle nyanser av følelsesmessige tilstander. Det skjedde en gradvis overgang fra skjermer med tekst til skjermer uten tekst. Dette er hvordan de faktiske billedlige sjangerunderavdelingene utviklet seg - shiki-e ("bilder av de fire årstidene") og mei-se-e("bilder av kjente steder").
Sammensetningen av slike malerier samsvarte ikke med noen av kategoriene av kinesisk maleri. Den største sammensmeltingen av natur og menneske vil bli karakteristisk for ulike sjangere av japansk kunst.
Kamakura-perioden (1185-1333) og Muromachi-perioden (1333-1568)
På slutten av 1100-tallet ble hovedstaden flyttet igjen, makten i landet som et resultat av en blodig sivil strid ble grepet av Minamoto-klanen, hvis hode flyttet hovedstaden til hans bosetning Kamakura, hvis navn ble navnet på neste trinn i Japans historie. Den militære klassen til samuraiene kom til makten i landet, blant dem kom shogunene - de faktiske militære herskerne i Japan, keiseren, som forble i Nara, beholdt bare nominelle maktattributter. Det sofistikerte til samuraiens hoffkultur foretrakk enkelhet. Klostrene til Zen-sekten inkluderte ikke lenger pagoder, templene lignet landlige hytter. Fra slutten av XIII århundre. under påvirkning av de panteistiske ideene til Zen-sekten begynte landskapet å legemliggjøre ideen om tilstedeværelsen av buddhistiske guder i alle landskapsobjekter. I klostrene i Kamakura har ikonografien til portretter av Minsk-patriarken utviklet seg: en sittende og rolig positur med en fremhevet karakteristikk av ansiktet, den hypnotiske kraften i blikket. Under påvirkning av Zen-sekten blir skulptur henvist til bakgrunnen, maleri, spesielt landskapsmaleri, uttrykker holdningen til menneskene i denne epoken.
Muromachi-perioden begynner med hendelsene i 1333, da føydalherrene i de sørøstlige regionene på øya Honshu fanget og brente Kamakura, og returnerte hovedstaden til Heian. Det var en tid med interne stridigheter og kriger mellom føydale klaner. Førende for vanskelighetens tid var læren fra tilhengerne av Zen-sekten om at man, etter å ha oppnådd enhet med naturen, kan komme overens med livets vanskeligheter og oppnå enhet med verden. Første plass i Japansk kunst under påvirkning av Zen-læren om at "kroppen" til Buddha er naturen, kommer landskapsmaleriet i forgrunnen. I andre halvdel av XII århundre. maleri med svart blekk trengte inn i Japan fra Kina. Japanerne som overveiende praktiserte slikt maleri var medlemmer av Zen-sekten. De skapte en ny stil som forklarte den nye trosbekjennelsen (shigaku - en kombinasjon av maleri og poesi). 1400- og 1500-tallet - tiden for den maksimale blomstringen av blekkmaleri, den ledende mesteren av dette var Sesshu Toyo (1420-1506). Parallelt med denne stilen eksisterte også yamato-e-stilen.
Endringer i sosio-politiske forhold, som brakte militærklassen i forgrunnen, førte også til opptredenen på 1500-tallet. arkitektonisk stil"sein". Det tidligere enkeltvolumet av huset er nå delt ved hjelp av skyvedører (shoji), skyveskillevegger (fusuma). Et spesielt sted for klasser dukket opp i rommene - en hylle for bøker og et vindu med en bred vinduskarm og en nisje (tokonoma) hvor en bukett eller en stein med lunefull form ble plassert og en vertikal rulle ble hengt.
I det XVI århundre. I japansk arkitekturs historie dukker tepaviljonger opp i forbindelse med behovet for riktig gjennomføring av teseremonien. Te ble brakt til Japan i Kamakura-perioden av buddhistiske munker som en trylledrikk. Te-ritualet (cha-no-yu) ble introdusert på initiativ av Zen-munken Murata Shuko og krevde en spesiell metode for implementeringen. Så det skjedde ny type arkitektonisk struktur - chashitsu (paviljong for te-seremonien), i sitt konstruktive grunnlag var det nær en boligbygning, og i sin funksjon - til et buddhistisk tempel. Støttene til tepaviljongen var av tre, taket var ferdig med bambus eller siv. Inne i en hytte foret med matter, 1,5 eller 2 tatami med adobevegger, små vinduer i forskjellige nivåer, en tokonoma-nisje med et hengende monokromt landskap og en blomst i en vase, var det en ildsted, en hylle for redskaper.
I løpet av Muromachi-perioden blomstret hagekunsten. Japanske hager er forskjellige. Små hager er oftest plassert ved templer eller assosiert med et tradisjonelt hjem, de er designet for å bli sett. Store anlagte hager er designet for å bli oppfattet fra innsiden.
Kondo - (jap. golden hall) - hovedtempelet Buddhistisk kompleks som inneholder ikoner, statuer, veggmalerier
Zen-tempelhagen ble bygget i henhold til prinsippet om en monokrom landskapsrulle. I stedet for et papirark brukte kunstneren vidden av en innsjø eller en plattform dekket med småstein, i stedet for flekker og utvaskinger av det tykke - steiner, moser, løvverk av trær og busker. Gradvis forsvant blomster fra hagen, de ble erstattet av moser og busker, steiner begynte å bli brukt i stedet for broer. Noen hager var landskap, kupert (tsukiyama). Tsukiyama-hagene var en kombinasjon av naturlige elementer som steiner, moser, trær, dammer, med en obligatorisk paviljong på kysten. Den eldste landskapshagen ligger i Kyoto og tilhører Sohoji-klosteret. Tørre hager ble kalt "hiraniva", dvs. flat. Hiraniva er en "filosofisk" hage, da han krevde en utviklet fantasi fra betrakteren. Hiraniwa-hagen «var igjen av steiner, sand, småstein. Hagen var lukket på tre sider av en mur som omringet den, og var kun ment for kontemplasjon. På slutten av XV århundre. opprettet en av de mest kjente tørre hagene i Ryoanji-klosteret. Den inkluderer 15 steiner som ligger på et rektangulært grusområde. I hiraniwa-hagen til Daitokuji-klosteret, opprettet i 1509, er naturen representert av sammensetninger av steiner og småstein. En av delene av hagen ble kalt «tomrommets hav» og består av to lave rullesteinbakker midt i et rektangulært område. Hager kan utfylle hverandre.
På slutten av XV århundre. hoffskolen for dekorativt maleri Kano ble dannet. Grunnleggeren av skolen Kano Masanobu (1434-1530) kom fra en militærklasse, og ble en anerkjent hoffkunstner. Landskapene hans hadde bare forgrunnen, alt annet var dekket av en tåkete dis. Vektleggingen av ett bestemt emne i bildet ville bli karakteristisk for Kano-skolen. Hovedplassen i arbeidet til kunstnerne på Kano-skolen var okkupert av dekorative veggmalerier og skjermer med sjangermaleri. Veggmalerier har blitt hovedkomponenten i syntesen med den arkitektoniske formen og et middel til å påvirke den figurative betydningen av det arkitektoniske rommet. På sin side krevde trekkene til den arkitektoniske formen visse stilistiske kvaliteter ved maleriene, og derfor ble det gradvis dannet en ny stilistisk kanon, som ble bevart i japansk maleri frem til 1800-tallet.
Shinden er en type boligbygg. Rektangulær i plan, en-halls hovedbygning, vendt mot torget med sin sørlige fasade, og innrammet av gallerier fra øst og vest
Momoyama-perioden (1X73-1614)
Og denne gangen tok æraen med føydale kriger slutt, makten i landet gikk over til påfølgende militærdiktatorer - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi og Iyaesu Tokugawa. Det var en tid med byvekst, sekularisering og demokratisering av kultur, inntrengning av nye verdiorienteringer. Kultarkitektur har mistet sin tidligere betydning. De nye herskerne i Japan erklærte sin makt ved å bygge grandiose slott, hvis konstruksjon ble forårsaket av utseendet til skytevåpen i Japan og en tilsvarende endring i kamp- og forsvarstaktikk. Slottet har blitt en fundamentalt ny type japansk arkitektur. Det asymmetrisk plasserte territoriet til slottet, omgitt av en vollgrav og vakt- og hjørnetårn, inkluderte et sentralt torg og mange gårdsrom og rom, underjordiske tilfluktsrom og passasjer. Boligkvarteret var lokalisert i en trebygning som ligger på slottets territorium med et strengt hierarki av det indre rommet, noe som gjenspeiler det sosiale hierarkiet. Interiøret i slottene, nedsenket i skumring, var best egnet for dekorative veggmalerier, grandiose i størrelse, fylt med lyse farger på en gylden bakgrunn.
Kano Eitoku (1543-1590). Skaperen av en ny stil med veggmalerier, designet for å glorifisere militære diktatorer. Han utviklet først prinsippet om en enkelt komposisjon på store horisontale flater, forstørret formene, forlot små delerå formidle ikke bare silhuetter, men også dynamikken i deres former. Eitoku er preget av ønsket om å øke flatheten til bildet, for å forbedre dets dekorative kvaliteter. Så, på steder som symboliserer tom plass, er det flekker med en blanding av gullpulver. Rommet i komposisjonen utfoldet seg ikke i dybden, men langs blikket.
I 1576, ved bredden av innsjøen Biwa, ble det reist et hittil ukjent slott med et kolossalt syv-etasjers tårn, som skulle demonstrere makten til diktatoren Oda Nobunaga. Et trekk ved slottet var tilstedeværelsen av ikke bare offisielle, men også private kamre. Hoveddekorasjonene til rommene var veggmalerier, som ble utført på oppdrag av Kano Eitoku, som jobbet med dem i tre år sammen med en stor gruppe assistenter. Kano Eitoku, som ble forhastet av diktatoren med utførelsen av ordren, begynte å forstørre formene ved å bruke en tykk børste laget av rishalm, og ty til et lakonisk kunstnerisk språk. Hovedplassen var okkupert av bildet av trær, blomster, fugler og dyr. Fargevalget var lyst, det var ingen fargenyanse.
Endringen i den sosiale situasjonen i landet etter at Tokugawa-shogunene kom til makten førte til et forbud mot bygging av slott.
I arbeidet til kunstnere fra den første tredjedelen av XVII århundre. nye egenskaper begynner å ta over. I maleri ble ønsket om balanserte, rolige komposisjoner, veksten av dekorative former, interessen for kulturen i Heian-tiden og verkene til yamato-e mer merkbar. Et særtrekk ved Kano-skolen på denne tiden er ornamentalitet og økt dekorativitet. Når i andre kvartal av XVII århundre. bygging av slott var forbudt, skjermen ble hovedformen for dekorativt maleri. Monumentaliteten til Kano Eitoku etterlot dekorativt maleri. Kunsten fikk en personlig farge som påvirket dens stilistiske kvaliteter. Dekorativt maleri XVII V. oftest inspirert av heltene og temaene i klassisk litteratur, som gjenspeiler spekteret av interesser til stammearistokratiet og dachshunden til den fremvoksende borgerlige eliten. Dekorativt maleri utviklet i den gamle hovedstaden - Kyoto.
Ogata Korin ble talsmann for smaken til nye kunstforbrukere - byboere, kjøpmenn og håndverkere. ny representant Kano skoler.
Emakimano er en horisontal rulle laget av papir eller silke limt på en base innrammet med en brokadekant med en trerull i enden.
Ogata Korin (1658-1716) levde som en rik rake, og besøkte stadig de "morsomme distriktene". Først etter ruinen, møtt med det alvorlige behovet for å tjene til livets opphold, begynte han å male stoffer og male. Ogata Korin tok for seg både keramikk og lakk, malte kimonoer og vifter. Hvordan
mester, begynte han med å bli kjent tradisjonelt maleri og hennes metoder. Korin strebet alltid etter kompakthet, balanse mellom former, fremtredende trekk kreativ måte - fokus på utviklingen av flere plotmotiver, deres gjentatte repetisjon og variasjon. I arbeidet til Ogata Korin dukket det for første gang opp arbeid fra naturen. I maleriet av skjermen "Rødt og hvitt plommetre" går plottmotivet tatt av Korin tilbake til klassisk poesi med sine bilder av tidlig vår og våknende natur. På begge sider av bekken, på en gylden bakgrunn, er blomstrende trær skrevet: en tettsittende, med en tykk buet stamme og nesten vertikalt stigende grener, et rødt plommetre og et annet, kun indikert ved foten av stammen og skarpt buet, som om han falt til vannet, og derfor plutselig skjøt opp en gren, strødd med hvite blomster.
Kano Eitoku-hauk på et furutre. Skjerm. Detalj fra slutten av 1500-tallet.
Ogata Kenzan (1663-1743), i motsetning til sin eldste bror Ogata Korin, gravitert mot åndelige verdier fra ungdommen, var en tilhenger av Zen-buddhismen, kjente kinesisk og japansk klassisk litteratur, teater Noh, te-ritual. På territoriet som tilhørte Ninnaji-tempelet fikk Kenzan tillatelse til å bygge sin egen keramikkovn, som produserte produkter i 13 år frem til 1712. Han strebet ikke etter lønnsomhet, han ble ledet av ideen om å lage svært kunstneriske produkter . For første gang brukte han tradisjonelle blekkmaleteknikker i volumetrisk maling. Kenzan begynte å bruke farger, han skrev på et fuktig skår, den porøse leiren absorberte malingen, som papir i blekkmaling. I likhet med sin store samtidige poet Basho, som gjorde den populære lavsjangeren haiku til en åpenbaring, viste Ogata Kenzan at vanlige keramiske tallerkener, kopper, vaser kan være både bruksgjenstander og samtidig poetiske kunstmesterverk.
Edo-perioden (1614–1868)
I 1615 ble samuraier gjenbosatt fra Kyoto til Edo. Betydningen av klassen av kjøpmenn, kjøpmenn og ågerbrukere, konsentrert i Mara, Kyoto og Osaka, økte. For representanter for disse sosiale grupper var preget av en sekulær oppfatning av livet, ønsket om å frigjøre seg fra påvirkningen av føydal moral. For første gang tar kunsten opp temaene i hverdagen, inkludert livet til de såkalte. morsomme nabolag - en verden av tehus, Kabuki-teater, sumobrytere. Utseendet til tresnitt var assosiert med demokratisering av kultur, siden graveringer er preget av sirkulasjon, billighet og tilgjengelighet. Etter husholdningsmaling gravering ble kjent som ukiyo-e (bokstavelig talt - den dødelige foranderlige verden).
Produksjonen av graveringer har fått et stort omfang. Den tidlige perioden i utviklingen av ukiyo-e-grafikk er assosiert med navnet Hasikawa Moronobu (1618-1694), som skildret ukompliserte scener fra livet til innbyggerne i tehus, håndverkere, som kombinerer hendelser til forskjellige tider, uten tilknytning til hver andre, på en gravering. Bakgrunnen til graveringene forble hvit, linjene var klare. Gradvis utvidet utvalget av emner for graveringer, interessen ikke bare for det ytre, men også for karakterenes indre verden ble dypere. Japansk gravering i 1780-1790. går inn i sin storhetstid. Suzuki Haranobu (1725-1770) begynte først å avsløre indre verden helter i slike graveringer som "Skjønnheter som plukker en plommegren", "Elskere i en snødekt hage". Han var den første som brukte rulleteknikken, som skaper en overgang fra mørk til lys tone, varierte tykkelsen og teksturen på linjene. Han brydde seg aldri om ekte farger, havet i graveringene hans er rosa, himmelen er sand, gresset er blått, alt avhenger av det generelle emosjonell stemning scener. Et av hans beste verk, «Lovers Playing the Same Shamisen», var inspirert av det japanske ordtaket «Hvis musikk fremmer kjærlighet, spill».
Tokonoma - en nisje i det indre av et tehus
Kitagawa Utamaro (1753-1806) - en fremragende ukiyo-e-mester. Arbeidet hans begynte med albumene "The Book of Insects", "Songs of Shells". I sine halvlange, bystelange portretter av kvinner, bruker Utamaro for første gang glimmerpulver, som skaper en glitrende bakgrunn. Perfekt skjønnhet Utamaro med en grasiøs form og passform på hodet,
tynn hals, liten munn, korte svarte øyenbryn. I serien "Ten kvinnelige karakterer"og" dager og timer med kvinner "søkte han å identifisere forskjellige typer utseende og karakter av kvinner. På slutten av 90-tallet. i Utamaro tar opp temaet morskap i graveringer som "Mother with Child" og "Ball Game", samtidig som han lager triptyker og polyptyker på historiske temaer, ty til indirekte betegnelse (landets helter er avbildet som skjønnheter). Teshusai Shyaraku laget en serie portretter av kabuki-teaterskuespillere og sumobrytere. Han forlot de allment aksepterte tradisjonene, og gjorde det groteske til hans hovedteknikk. Den tredje perioden i utviklingen av ukiyo-e-trykk faller på 1800-1868. På denne tiden økte innflytelsen fra nederlandske og tyske etsninger på japansk kunst. For kreativiteten til det kunstneriske dynastiet Utagawa ble avvisningen av søket etter individualitet, ønsket om formell eleganse karakterene. Storhetstiden til landskapssjangeren i gravering er assosiert med navnet Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai studerte gammel og moderne japansk kunst, kjente kunsten til Kina og ble kjent med europeisk gravering. Inntil nesten 50 år gammel jobbet Hokusai på den tradisjonelle måten som ukiyo-e-artister. Bare i Manga-albumene (en bok med skisser), hvor det første bindet ble utgitt i 1812, fant Hokusai sitt kunstfelt. Nå malte han hverdagsscener, landskap, folkemengder.
japan landskapshager
I en alder av 70 skapte Hokusai sin serie "36 Views of Mount Fuji", på hver av graveringene kunstneren skildrer Mount Fuji. Kombinasjonen av sjangertemaet med landskapet er et trekk ved Hokusai. I motsetning til de gamle landskapsmalerne, viser Hokusai jorden nedenfra. Samtidig lager han serien «Reise gjennom landets fossefall», «Broer», «Store blomster», «100 utsikt over Fuji». Hokusai kunne formidle ting fra en uventet vinkel. I 100 Views of Fuji-graveringene dukker fjellene enten opp fra nattens mørke, som et syn, eller er synlige bak bambusstilkene, eller reflekteres i innsjøen. Hokusais tilhenger Ando Hiroshige (1797-1858) malte naturen mye mer realistisk. Som elveagent av yrke, reiste han mye rundt i landet, og skapte serien "53 Tokaido Stations", "8 Views of Lake Omi", "69 Views of Kishikaido". Hiroshiges kunst nærmer seg europeisk maleri, og fullfører den to hundre år lange storhetstiden til ukiyo-e-gravering.
ArtelinoThe Great Wave off Kanagawa av Katsushika Hokusai (1760-1849) er et av de mest kjente trykkene og det første arket i Thirty-six Views of Fuji-serien. På begynnelsen av 1830-tallet begynte Katsushika Hokusai, på oppdrag fra Eijudo forlag, å lage en serie på 46 ark (36 hovedark og 10 ekstra), og Den store bølgen utenfor Kanagawa var en gravering som åpner hele serien.
Slike samlinger av graveringer fungerte som en slags "virtuell reise" for datidens byfolk, en praktisk og rimelig måte å tilfredsstille nysgjerrigheten. Fuji-lignende utskrifter koster omtrent 20 måneder - omtrent det samme som en dobbel porsjon nudler på et datidens japansk spisested. Suksessen var imidlertid så stor at i 1838 hadde kostnadene for Hokusais ark vokst til nesten 50 måneder, og etter mesterens død ble bare "Wave" skrevet ut på nytt fra nye tavler mer enn 1000 ganger.
Overraskende, til tross for det uttalte temaet for hele serien, ser det ut til at Fuji i The Wave spiller en sekundær rolle. Hovedkarakteren i denne graveringen er en bølge, og i forgrunnen utspiller det seg en dramatisk scene av en manns kamp med elementene. Kantene på skumkammen ser ut som de vridde fingrene til en fantastisk sint demon, og ansiktsløsheten og inaktiviteten til menneskefigurene i båtene etterlater ingen tvil om hvem som blir vinneren i denne kampen. Det er imidlertid ikke denne konfrontasjonen som er konflikten som skaper plottet til graveringen.
Ved å stoppe øyeblikket etter at båtene krasjer, lar Hokusai betrakteren se Fuji et øyeblikk mot den grå himmelen, mørkere mot horisonten. Selv om japanske gravører allerede var kjent med prinsippene for europeisk lineær og luftperspektiv, følte de ikke behov for denne mottakelsen. Den mørke bakgrunnen, samt øyets lange reise fra forgrunnen med båter gjennom bølgens bevegelse til Fuji, overbeviser øyet om at det hellige fjellet er atskilt fra oss av havets vidde.
Fuji reiser seg langt fra kysten som et symbol på stabilitet og bestandighet, i motsetning til de stormfulle elementene. Motsetningenes enhet og gjensidige avhengighet ligger til grunn for ideen om kosmisk orden og absolutt harmoni i verdensbildet til Fjernøsten, og det var de som ble hovedtemaet for graveringen "The Great Wave off Kanagawa", som åpnet serien av Katsushika Hokusai.
"Beauty Nanivaya Okita" av Kitagawa Utamaro, 1795-1796
Art Institute of Chicago
Kitagawa Utamaro (1753-1806) kan med rette kalles sangeren for kvinnelig skjønnhet i japanske trykk. ukiyo-e: han skapte en rekke kanoniske bilder av japanske skjønnheter ( bijinga) - innbyggerne i tehus og det berømte underholdningskvarteret Yoshiwara i hovedstaden i Japan, Edo edo — navnet på Tokyo før 1868..
I bijinga-gravering er ikke alt helt som det ser ut til for den moderne betrakteren. Rikt kledde adelige damer var som regel engasjert i et skammelig håndverk og tilhørte underklassen, og graveringer med portretter av skjønnheter hadde en åpent reklamefunksjon. Samtidig ga graveringen ikke en ide om utseendet til jenta, og selv om Okita fra Nanivaya tehus nær Asakusa-tempelet ble ansett som den første skjønnheten til Edo, er ansiktet hennes i graveringen fullstendig blottet for individualitet.
Siden 900-tallet har kvinnelige bilder i japansk kunst vært underlagt minimalismens kanon. "Linje-øye, krok-nese" - teknikk hikime-kagihana tillot kunstneren bare å indikere at en viss kvinne var avbildet: i japansk tradisjonell kultur ble spørsmålet om fysisk skjønnhet ofte utelatt. Hos kvinner av edel fødsel ble "hjertets skjønnhet" og utdanning mye mer verdsatt, og innbyggerne i de muntre kvartalene forsøkte å etterligne de høyeste eksemplene i alt. I følge Utamaro var Okita virkelig vakker.
Arket "Beauty Nanivaya Okita" ble trykt i 1795-1796 i serien "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets", der en av forfatterne på 900-tallet tilsvarte hver skjønnhet. På arket med et portrett av Okita i øvre venstre hjørne er det et bilde av Arivara no Narihira (825-880), en av de mest ærede poetene i Japan, som romanen Ise Monogatari tradisjonelt tilskrives. Denne edle adelsmannen og briljante poeten ble også berømt for sine kjærlighetsforhold, hvorav noen dannet grunnlaget for romanen.
Dette arket er en særegen bruk av teknikken mitate(sammenligninger) i japansk gravering. Kvalitetene til en autoritativ "prototype" overføres til den avbildede skjønnheten, og den elegante kurtisanen, med et rolig ansikt som serverer gjesten en kopp te, blir allerede lest av betrakteren som en dame som er dyktig i poesi og kjærlighetsgjerninger. Sammenligningen med Arivara no Narihira var virkelig en anerkjennelse av hennes overlegenhet blant Edo-skjønnhetene.
Samtidig skaper Utamaro et overraskende lyrisk bilde. Han balanserer mørke og lyse flekker på bladet og skisserer formen med melodiøse, elegante linjer, og skaper et virkelig perfekt bilde av ynde og harmoni. "Reklame" avtar, og skjønnheten fanget av Utamaro forblir tidløs.
Skjerm "Irises" av Ogata Korin, 1710-tallet
Wikimedia Commons / Nezu-museet, Tokyo
Et par irisskjermer med seks paneler - nå en nasjonal skatt i Japan - ble skapt av Ogata Korin (1658-1716) rundt 1710 for Nishi Hongan-ji-tempelet i Kyoto.
Siden 1500-tallet har maling på veggpaneler og papirskjermer blitt en av de ledende sjangrene innen dekorativ kunst i Japan, og Ogata Korin, grunnleggeren av Rinpa kunstskole, var en av dens største mestere.
Skjermer i det japanske interiøret spilte en viktig rolle. De romslige palasslokalene var strukturelt ikke forskjellig fra boligene til en enkel japaner: de hadde nesten ingen innvendige vegger, og plassen var sonet med foldeskjermer. Bare litt over halvannen meter høye, ble skjermene designet for den vanlige japanske tradisjonen for alle klasser å leve på gulvet. I Japan ble høye stoler og bord ikke brukt før på 1800-tallet, og høyden på skjermen, så vel som sammensetningen av maleriet, er designet for å se en person som sitter på knærne. Det er med dette synspunktet at en fantastisk effekt oppstår: irisene ser ut til å omringe den sittende personen - og en person kan føle seg på bredden av elven, omgitt av blomster.
Iris er malt på en ikke-kontur måte - nesten impresjonistisk, brede strøk av mørkeblått, lilla og lilla tempera formidler den frodige storheten til denne blomsten. Den pittoreske effekten forsterkes av den matte shimmeren av gull, mot hvilken iris er avbildet. Skjermene viser ikke annet enn blomster, men deres kantete vekstlinje antyder at blomstene bøyer seg rundt elvens svingete løp eller sikksakkene til trebroer. Det ville være naturlig for japanerne å se en bro mangler på skjermen, en spesiell "bro med åtte planker" ( yatsuhashi lytt)), assosiert med iris i klassisk japansk litteratur. Romanen Ise Monogatari (9. århundre) beskriver den triste reisen til en helt som ble utvist fra hovedstaden. Etter å ha slått seg ned med følget sitt for å hvile på elvebredden nær Yatsuhashi-broen, husker helten sin elskede og komponerer dikt, som ser iriser:
min elskede i klær
Grasiøst der, i hovedstaden,
Kjærlighet igjen...
Og jeg tenker med lengsel hvor mye
Jeg er langt fra henne... Oversettelse av N.I. Konrad.
"Så han foldet seg, og alle felte tårer på den tørkede risen sin, slik at den svulmet opp av fuktighet," legger forfatteren og lyrikkhelten til historien, Arivara no Narihira.
For en utdannet japaner var sammenhengen mellom iris ved broen og Ise monogatari, iris og temaet skilt kjærlighet tydelig, og Ogata Korin unngår ordlyd og illustrativitet. Ved hjelp av dekorativt maleri skaper han bare et ideelt rom fylt med lys, farger og litterære konnotasjoner.
Kinkakuji Golden Pavilion, Kyoto, 1397
Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006
Det gylne tempel er et av symbolene til Japan, som ironisk nok ble glorifisert mer av sin ødeleggelse enn av sin konstruksjon. I 1950 satte en mentalt ustabil munk fra Rokuonji-klosteret, som denne bygningen tilhører, fyr på en dam som sto på overflaten av
paviljong Under en brann i 1950 ble tempelet nesten ødelagt. Restaureringsarbeidet i Kinkaku-ji begynte i 1955, i 1987 var gjenoppbyggingen som helhet fullført, men restaureringen av den fullstendig tapte interiørdekorasjonen fortsatte til 2003.. De sanne motivene for handlingen hans forble uklare, men i tolkningen av forfatteren Yukio Mishima var den uoppnåelige, nesten mystiske skjønnheten til dette tempelet skylden. Faktisk, i flere århundrer ble Kinkakuji ansett som et symbol på japansk skjønnhet.
I 1394 trakk Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), som underkastet nesten hele Japan sitt testament, seg formelt og slo seg ned i en spesialbygd villa i det nordlige Kyoto. Den tre-etasjes bygningen på den kunstige innsjøen Kyokoti ("innsjø-speil") spilte rollen som en slags eremitage, en bortgjemt paviljong for avslapning, lesing og bønn. Den inneholdt en samling malerier av shogunen, et bibliotek og en samling buddhistiske relikvier. Kinkakuji, som ligger på vannet nær kysten, hadde bare båtkommunikasjon med kysten og var den samme øya som de kunstige øyene med steiner og furutrær spredt rundt Kyokoti. Ideen om "de himmelske øya" ble lånt fra kinesisk mytologi, der øya Penglai, øya til de udødelige, fungerte som bildet av den himmelske boligen. Refleksjonen av paviljongen i vannet fremkaller allerede buddhistiske assosiasjoner til ideer om den dødelige verdens illusoriske natur, som bare er en blek refleksjon av prakten til den buddhistiske sannhetens verden.
Selv om alle disse mytologiske overtonene er spekulative, gir plasseringen av paviljongen den en fantastisk harmoni og harmoni. Refleksjon skjuler bygningens huk, noe som gjør den høyere og slankere; samtidig er det høyden på paviljongen som gjør det mulig å se den fra en hvilken som helst bredde av dammen, alltid mot en mørk bakgrunn av grønt.
Det er imidlertid fortsatt ikke helt klart hvor gylden denne paviljongen var i opprinnelig form. Sannsynligvis, under Ashikaga Yoshimitsu, var det virkelig dekket med bladgull og beskyttende lag lakk. Men hvis du tror på fotografiene fra 1800- og begynnelsen av 1900-tallet og Yukio Mishima, så ved midten av 1900-tallet hadde forgyllingen nesten flettet av og restene var synlige bare på det øvre nivået av bygningen. På dette tidspunktet berørte han heller sjelen med sjarmen til øde, sporene av tid, ubønnhørlig selv til de vakreste ting. Denne melankolske sjarmen tilsvarte det estetiske prinsippet sabi høyt aktet i japansk kultur.
På en eller annen måte var prakten til denne bygningen slett ikke i gull. Den utsøkte strengheten til Kinkakujis former og dens upåklagelige harmoni med landskapet gjør det til et av mesterverkene i japansk arkitektur.
Skål "Iris" i stil med karatsu, XVI-XVII århundrer
Diane Martineau /pinterest.com/Metropolitan Museum of Art, New York
Ordet meibutsu- en ting med et navn. Bare navnet på denne koppen overlevde, siden verken det nøyaktige tidspunktet og stedet for opprettelsen eller navnet på mesteren er bevart. Ikke desto mindre er det oppført blant de nasjonale skattene i Japan og er et av de lyseste eksemplene på keramikk i nasjonal stil.
På slutten av 1500-tallet, teseremonien cha-no-yu forlatt det sofistikerte kinesisk porselen og keramikk med glasurer som minner om edle materialer. Deres spektakulære skjønnhet virket for kunstig og ærlig for temestrene. Perfekte og dyre gjenstander - boller, vannbeholdere og tebeholdere - samsvarte ikke med de nesten asketiske åndelige kanonene til Zen-buddhismen, i ånden som teseremonien utviklet seg til. En ekte revolusjon innen te-handling var appellen til japansk keramikk, mye enklere og kunstløs i en tid da verkstedene i Japan nettopp hadde begynt å mestre teknologiene til kontinental keramikk.
Formen på Iris-bollen er enkel og uregelmessig. Den lette krumningen av veggene, pottemakerbulkene synlig over hele kroppen gir bollen en nesten naiv letthet. Leireskåren er dekket med lys glasur med et nettverk av sprekker - craquelure. På forsiden, som henvender seg til gjesten under teseremonien, er et bilde av en iris påført under glasuren: tegningen er naiv, men utført med en energisk pensel, nøyaktig, som i én bevegelse, i zens ånd kalligrafi. Det ser ut til at både formen og dekoren kunne vært laget spontant og uten bruk av spesialstyrker.
Denne spontaniteten reflekterer idealet wabi- enkelhet og kunstløshet, som gir opphav til en følelse av åndelig frihet og harmoni. Enhver person eller til og med et livløst objekt i synet til japanske tilhengere av Zen-buddhismen har Buddhas opplyste natur, og adeptens innsats er rettet mot å oppdage denne naturen i seg selv og verden rundt ham. Tingene som ble brukt i teseremonien, på tross av all deres klønetehet, burde ha fremkalt en dyp opplevelse av sannheten, relevansen av hvert øyeblikk, tvunget til å se inn i de mest vanlige former og se ekte skjønnhet i dem.
Kontrasten til bollens grove tekstur og dens enkelhet er restaureringen med en liten oppskåret gulllakk (denne teknikken kalles kintsugi). Restaureringen ble utført på 1700-tallet og demonstrerer ærbødigheten som japanske temestere behandlet redskaper for teseremonien med. Så te-seremonien gir deltakerne en "måte" til å oppdage den sanne skjønnheten til ting, for eksempel Iris-bollen. Implisitt, hemmelighold har blitt grunnlaget for det estetiske konseptet wabi og en viktig del av det japanske verdensbildet.
Portrett av munken Gandzin, Nara, 763
Toshodaiji, 2015
På 800-tallet ble skulptur den viktigste formen for kunstnerisk uttrykk for epoken, Nara-tiden (710-794), assosiert med dannelsen av japansk stat og styrkingen av buddhismen. Japanske mestere har allerede bestått læretid og blind imitasjon av kontinentale teknikker og bilder og begynte fritt og levende å uttrykke sin tidsånd i skulptur. Spredningen og veksten av buddhismens autoritet forårsaket utseendet til et buddhistisk skulpturelt portrett.
Et av mesterverkene i denne sjangeren er portrettet av Gandzin, laget i 763. Laget i teknikken med tørr lakk (ved å bygge opp lag med lakk på en treramme dekket med stoff), ble skulpturen i nesten naturlig størrelse malt realistisk, og i templets skumring satt Ganjin i en meditasjonsstilling "som hvis de er i live». Denne naturtro var hovedkultfunksjonen til slike portretter: læreren måtte alltid være innenfor murene til Todaiji-klosteret i byen Nara og være til stede ved de viktigste gudstjenestene.
Senere, på 1000- og 1200-tallet, nådde skulpturelle portretter en nesten nådeløs illusjonisme, og skildret den senile svakheten til ærverdige lærere, deres sunkne munn, slapp kinn og dype rynker. Disse portrettene ser på buddhismens tilhengere med levende øyne, innlagt med bergkrystall og tre. Men ansiktet til Gandzin virker uskarpt, det er ingen klare konturer og klare former i det. Øyelokkene til halvt lukkede og ukruste øyne virker hovne; den spente munnen og de dype nasolabialfoldene uttrykker vanemessig forsiktighet snarere enn konsentrasjonen av meditasjon.
Alle disse funksjonene avslører den dramatiske biografien til denne munken, historien om utrolig askese og tragedier. Ganjin, en kinesisk buddhistmunk, ble invitert til Japan for innvielsesseremonien til Naras største kloster, Todaiji. Skipet ble tatt til fange av pirater, uvurderlige ruller og buddhistiske skulpturer som var ment for et fjernt japansk tempel gikk tapt i brannen, Ganjin brant ansiktet og mistet synet. Men han forlot ikke ønsket om å forkynne i den ytterste utkanten av sivilisasjonen – nemlig hvordan Japan ble oppfattet av kontinentet på den tiden.
Flere forsøk på å krysse havet endte på samme mislykkede måte, og først på det femte forsøket når den allerede middelaldrende, blinde og sykelige Ganjin den japanske hovedstaden Nara.
I Japan underviste Ganjin ikke lenge i buddhistisk lov: de dramatiske hendelsene i livet hans undergravde helsen hans. Men hans autoritet var så høy at det sannsynligvis allerede før hans død ble besluttet å lage skulpturen hans. Kunstnermunkene søkte utvilsomt å gi skulpturen mest mulig likhet med modellen. Men dette ble ikke gjort for å redde utseende av en person, men for å fange hans individuelle åndelige opplevelse, den vanskelige veien som Ganjin gikk gjennom og som den buddhistiske lære kalte.
Daibutsu - Big Buddha of Todaiji Temple, Nara, midten av 800-tallet
Todd/flickr.com
På midten av 800-tallet led Japan av naturkatastrofer og epidemier, og intrigene til den innflytelsesrike Fujiwara-familien og opprøret de reiste tvang keiser Shomu til å flykte fra hovedstaden, byen Nara. I eksil sverget han å følge veien til buddhistisk lære og beordret i 743 at byggingen av landets hovedtempel skulle begynne og støpingen av en kolossal bronsestatue Buddha Vairochana (Buddhas store sol eller alt lysende lys). Denne guddomen ble ansett som den universelle inkarnasjonen av Buddha Shakyamuni, grunnleggeren av buddhistiske læresetninger, og var ment å bli garantisten for beskyttelsen av keiseren og hele landet i perioden med uro og opprør.
Arbeidet startet i 745 og ble modellert etter den gigantiske Buddha-statuen i Longmen-huletemplene nær den kinesiske hovedstaden Luoyang. Statuen i Nara, som ethvert bilde av Buddha, skulle vise «store og små tegn på Buddha». Denne ikonografiske kanonen inkluderte langstrakte øreflipper, som minner om det faktum at Buddha Shakyamuni kom fra en fyrstefamilie og fra barndommen hadde tunge øredobber, en forhøyning på toppen av hodet (ushnisha), en prikk på pannen (urne).
Høyden på statuen var 16 meter, bredden på ansiktet var 5 meter, lengden på den utstrakte håndflaten var 3,7 meter, og urnen var større enn et menneskehode. Konstruksjonen tok 444 tonn kobber, 82 tonn tinn og en enorm mengde gull, søket etter dette ble spesielt utført nord i landet. En hall, Daibutsuden, ble reist rundt statuen for å beskytte helligdommen. I det lille rommet fyller en lett bøyd sittende Buddha-figur hele rommet, og illustrerer et av buddhismens hovedpostulater - ideen om at guddommen er allestedsnærværende og altgjennomtrengende, den omfavner og fyller alt. Den transcendentale roen i ansiktet og gesten til guddommens hånd (mudra, gesten for å gi beskyttelse) utfyller følelsen av Buddhas rolige storhet og kraft.
Imidlertid gjenstår bare noen få fragmenter av den opprinnelige statuen i dag: branner og kriger forårsaket enorme skader på statuen på 1100- og 1500-tallet, og den moderne statuen er hovedsakelig en avstøpning fra 1700-tallet. Under restaureringen av 1700-tallet var bronsefiguren ikke lenger dekket med gull. Den buddhistiske iveren til keiser Shomu på 800-tallet tømte praktisk talt statskassen og forblødte det allerede sjokkerte landet, og de senere herskerne hadde ikke lenger råd til slike umådelige utgifter.
Ikke desto mindre ligger betydningen av Daibutsu ikke i gull og ikke engang i pålitelig autentisitet - selve ideen om en slik grandiose utførelse av buddhistisk lære er et monument over en epoke da japansk monumental kunst opplevde en genuin blomstring, frigjorde seg fra blindkopiering av kontinentale modeller og oppnådde integritet og uttrykksevne, som senere gikk tapt.
Japan? Hvordan utviklet det seg? Vi vil svare på disse og andre spørsmål i artikkelen. Japansk kultur ble dannet som et resultat av en historisk bevegelse som begynte da japanerne flyttet fra fastlandet til øygruppen og sivilisasjonen fra Jomon-perioden ble født.
Den nåværende opplysningen til dette folket var sterkt påvirket av Europa, Asia (spesielt Korea og Kina) og Nord Amerika. Et av tegnene på japansk kultur er dens lange utvikling i en tid med fullstendig isolasjon av staten (sakoku-politikk) fra alle andre land under regjeringen til Tokugawa Shogunatet, som varte til midten av 1800-tallet - begynnelsen av Meiji-epoken.
Innflytelse
Hvordan utviklet den kunstneriske kulturen i Japan seg? Sivilisasjonen ble betydelig påvirket av landets isolerte regionale beliggenhet, klimatiske og geografiske trekk, samt naturfenomener (tyfoner og hyppige jordskjelv). Dette kom til uttrykk i befolkningens ekstraordinære holdning til naturen som et levende vesen. trekk nasjonal karakter Japansk er evnen til å beundre universets nåværende skjønnhet, som kommer til uttrykk i mange typer kunst i et lite land.
Den kunstneriske kulturen i Japan ble skapt under påvirkning av buddhisme, shintoisme og konfucianisme. De samme trendene påvirket den videre utviklingen.
antikken
Enig, den kunstneriske kulturen i Japan er fantastisk. Shintoismen har sine røtter i antikken. Buddhismen, selv om den dukket opp før vår tid, begynte å spre seg først fra det femte århundre. Heian-perioden (700-1100-tallet) regnes som den gylne æraen for Japans stat. I samme periode nådde den pittoreske kulturen i dette landet sitt høyeste punkt.
Konfucianismen dukket opp på 1200-tallet. På dette stadiet var det en separasjon av filosofien til Konfucius og buddhismen.
Hieroglyfer
Bildet av den kunstneriske kulturen i Japan er nedfelt i en unik versifikasjon, som kalles I dette landet er kalligrafikunsten også høyt utviklet, som ifølge legenden oppsto fra himmelske guddommelige bilder. Det var de som blåste liv i skrivingen, så befolkningen er snille med hvert tegn i rettskrivning.
Ryktene sier at det var hieroglyfer som ga japansk kultur, siden bilder rundt de innskrevne dukket opp fra dem. Litt senere begynte en sterk kombinasjon av elementer av maleri og poesi i ett verk å bli observert.
Hvis du studerer en japansk rulle, vil du finne at verket inneholder to typer symboler. Dette er tegn på skrift - seler, dikt, kolofen, så vel som pittoreske. Samtidig fikk Kabuki-teateret stor popularitet. En annen type teater - Men - foretrekkes hovedsakelig av militært personell. deres alvorlighetsgrad og grusomhet hadde en sterk innflytelse på nr.
Maleri
Kunstnerisk kultur har blitt studert av mange spesialister. En stor rolle i dannelsen ble spilt av kaiga-maleri, som på japansk betyr tegning eller maleri. Denne kunsten blir sett på som den eldste typen maleri av staten, som bestemmes av et stort antall løsninger og former.
I den er et spesielt sted okkupert av naturen, som bestemmer det hellige prinsippet. Oppdelingen av maleri i sumi-e og yamato-e har eksistert siden det tiende århundre. Den første stilen utviklet seg nærmere det fjortende århundre. Det er en slags monokrom akvarell. Yamato-e er horisontalt brettede ruller som ofte brukes til dekorasjon av litteraturverk.
Litt senere, på 1600-tallet, dukket det opp utskrift på nettbrett i landet - ukiyo-e. Mestere avbildet landskap, geisha, kjente skuespillere fra Kabuki-teatret. Denne typen maleri på 1700-tallet hadde sterk innflytelse på Europas kunst. Den nye trenden ble kalt "japanisme". I middelalderen gikk kulturen i Japan utover landets grenser - den begynte å bli brukt i utformingen av stilig og fasjonabelt interiør rundt om i verden.
Kalligrafi
Å, så vakker den kunstneriske kulturen i Japan er! Forståelse av harmoni med naturen kan sees i hvert av dens segmenter. Hva er moderne japansk kalligrafi? Det kalles shodo ("måte for varsler"). Kalligrafi, som skriving, er en obligatorisk disiplin. Forskere har funnet ut at denne kunsten kom dit samtidig med kinesisk skrift.
Forresten, i eldgamle tider ble en persons kultur bedømt etter hans nivå av kalligrafi. I dag finnes det et stort antall skrivestiler, og buddhistiske munker utvikler dem.
Skulptur
Hvordan oppsto japansk kultur? Vi vil studere utviklingen og typene av dette området av menneskelivet så detaljert som mulig. Skulptur er den eldste typen kunst i Japan. I gamle tider laget folket i dette landet figurer av idoler og retter fra keramikk. Så begynte folk å installere statuer av khaniv, laget av bakt leire, på gravene.
Utviklingen av skulpturelt håndverk i moderne japansk kultur er assosiert med spredningen av buddhismen i staten. En av de eldste representantene for japanske monumenter anses å være statuen av Buddha Amitabha, laget av tre, plassert i Zenko-ji-tempelet.
Skulpturer ble veldig ofte laget av bjelker, men de så veldig rike ut: håndverkerne dekket dem med lakk, gull og lyse farger.
Origami
Liker du den kunstneriske kulturen i Japan? Forståelse av harmoni med naturen vil gi en uforglemmelig opplevelse. karakteristisk trekk Japansk kultur har blitt fantastiske produkter av origami ("foldet papir"). Denne ferdigheten skylder sin opprinnelse til Kina, hvor pergament faktisk ble oppfunnet.
Til å begynne med ble «brettet papir» brukt i religiøse seremonier. Denne kunsten kunne bare studeres av overklassen. Men etter andre verdenskrig forlot origami hjemmene til adelen og fant sine beundrere over hele jorden.
Ikebana
Alle bør vite hva den kunstneriske kulturen i landene i øst er. Japan har investert mye arbeid i utviklingen. En annen komponent i denne kulturen fantastisk land er ikebana ("levende blomster", "nytt liv med blomster"). Japanerne er fans av estetikk og enkelhet. Det er nettopp disse to egenskapene som er investert i arbeidene. Sofistikeringen av bilder oppnås gjennom fordelaktig bruk av vegetasjonens naturlige skjønnhet. Ikebana, som origami, fungerte også som en del av en religiøs seremoni.
Miniatyrer
Sannsynligvis har mange allerede forstått at den kunstneriske kulturen i det gamle Kina og Japan er tett sammenvevd. Og hva er en bonsai? Det er en unik japansk ferdighet å dyrke en nesten nøyaktig miniatyrkopi av et ekte tre.
I Japan er det også vanlig å lage netsuke – små skulpturer som er en slags nøkkelring. Ofte ble slike figurer i denne egenskapen festet til klærne til japanerne, som ikke hadde noen lommer. De dekorerte det ikke bare, men fungerte også som en original motvekt. Nøkkelringer ble laget i form av en nøkkel, en pose, en flettet kurv.
Maleriets historie
Den kunstneriske kulturen i det gamle Japan er av interesse for mange mennesker. Maleriet i dette landet oppsto i den japanske paleolittiske perioden og utviklet seg på denne måten:
- Yamato-perioden. I løpet av Asuka og Kofuns tid (4.-7. århundre), sammen med introduksjonen av hieroglyfer, opprettelsen av et statsregime i kinesisk stil og populariseringen av buddhismen, ble mange kunstverk brakt til Japan fra Kina. Etter det begynte malerier i kinesisk stil å bli reprodusert i Land of the Rising Sun.
- Nara tid. I VI og VII århundrer. Buddhismen fortsatte å utvikle seg i Japan. I denne forbindelse begynte religiøst maleri å blomstre, brukt til å dekorere de mange templene som ble bygget av aristokratiet. Generelt, under Nara-tiden, var bidraget til utviklingen av skulptur og kunst større enn i maleri. Tidlige malerier i denne syklusen inkluderer veggmalerier på innerveggene til Horyu-ji-tempelet i Nara Prefecture, som skildrer livet til Shakyamuni Buddha.
- Heian-tiden. I japansk maleri, fra 1000-tallet, skilles trenden med yamato-e ut, som vi skrev om ovenfor. Slike malerier er de horisontale rullene som brukes til å illustrere bøker.
- Tiden til Muromachi. På XIV århundre dukket Supi-e-stilen (monokrom akvarell) opp, og i første halvdel av XVII århundre. kunstnere begynte å trykke graveringer på brett - ukiyo-e.
- Maleriet fra Azuchi-Momoyama-tiden står i skarp kontrast til maleriet fra Muromachi-perioden. Hun har en polykrom stil med utstrakt bruk av sølv og. I denne perioden nøt stor prestisje og berømmelse utdanningsinstitusjon Kano. Grunnleggeren var Kano Eitoku, som malte tak og skyvedører til separate rom. Slike tegninger prydet slottene og palassene til den militære adelen.
- Maiji-tiden. Fra den andre halvparten av XIXårhundre delte kunsten seg inn i konkurrerende tradisjonelle og europeiske stiler. Under Maiji-tiden gjennomgikk Japan store sosiale og politiske endringer gjennom prosessen med modernisering og europeisering organisert av myndighetene. Unge lovende kunstnere ble sendt til utlandet for å studere, og utenlandske kunstnere kom til Japan for å lage skolekunstprogrammer. Uansett, etter den første bølgen av nysgjerrighet om vestlig kunststil, svingte pendelen tilbake og japansk tradisjonell stil ble gjenfødt. I 1880 ble vestlig kunstpraksis forbudt fra offisielle utstillinger og sterkt kritisert.
Poesi
Den kunstneriske kulturen i det gamle Japan studeres fortsatt. Dens funksjon er allsidighet, noe syntetisk, da den ble dannet under påvirkning av forskjellige religioner. Det er kjent at japansk klassisk poesi dukket opp fra hverdagslivet, handlet innenfor det, og denne jordnigheten av den ble til en viss grad bevart i de tradisjonelle formene for dagens poesi - tre-linjers haiku og fem-linjers tanka, som utmerker seg med en uttalt massekarakter. For øvrig er det nettopp denne egenskapen som skiller dem fra det "frie verset" som graviterte mot elitisme, som dukket opp i Japan på begynnelsen av 1900-tallet under påvirkning av europeisk poesi.
Har du lagt merke til at utviklingsstadiene til den kunstneriske kulturen i Japan er mangefasetterte? Poesi i samfunnet i dette landet spilte en spesiell rolle. En av de mest kjente sjangrene er haiku, du kan bare forstå den ved å gjøre deg kjent med historien.
Den dukket først opp i Heian-tiden, liknet renga-stilen, som var et slags utløp for poeter som ønsket å ta en pause fra de gjennomtenkte versene til wah. Haikai utviklet seg til en sjanger i seg selv på 1500-tallet da renga ble for seriøs og haiku stolte på dagligdagse og var fortsatt humoristisk.
Selvfølgelig er den kunstneriske kulturen i Japan kort beskrevet i mange verk, men vi vil prøve å snakke om det mer detaljert. Det er kjent at en av de mest kjente litterære japanske sjangrene i middelalderen var tanka ("lakonisk sang"). I de fleste tilfeller er dette en femlinje, bestående av et strofepar med et fast antall stavelser: 5-7-5 stavelser i tre linjer i den første strofen, og 7-7 i to linjer i den andre. Når det gjelder innholdet, bruker tankaen følgende skjema: den første strofen representerer et spesifikt naturlig bilde, og den andre gjenspeiler en persons følelse som gjenspeiler dette bildet:
- I de fjerne fjellene
Langhalefasan døser -
Denne lange, lange natten
Kan jeg sove alene? ( Kakinomoto no Hitovaro, tidlig på 800-tallet, oversatt av Sanovich.)
Japansk dramaturgi
Mange hevder at den kunstneriske kulturen i Kina og Japan er fascinerende. Liker du scenekunst? Den tradisjonelle dramaturgien til Land of the Rising Sun er delt inn i joruri (dukketeater), dramaturgi av Noh-teateret (kyogen og yokyoku), kabuki-teater og shingeki. Skikkene for denne kunsten inkluderer fem grunnleggende teatralske sjangere: kyogen no, bugaku, kabuki og bunraku. Alle disse fem tradisjonene er fortsatt til stede i dag. Til tross for de kolossale forskjellene, er de forbundet med vanlige estetiske prinsipper som underbygger japansk kunst. Forresten, dramaturgien til Japan oppsto på scenen til nr.
Kabuki-teateret dukket opp på 1600-tallet og nådde sitt høydepunkt mot slutten av det 18. Formen for forestillinger som utviklet seg over den angitte perioden er bevart på den moderne scenen til Kabuki. Produksjonene til dette teatret, i motsetning til stadiene av No, fokusert på en smal krets av beundrere av gammel kunst, er designet for massepublikummet. Røttene til Kabuki-ferdigheter stammer fra forestillingene til komikere - utøvere av små farser, scener som besto av dans og sang. Den teatralske ferdigheten til Kabuki absorberte elementene i joruri og no.
Utseendet til Kabuki-teatret er assosiert med navnet på arbeideren til den buddhistiske helligdommen O-Kuni i Kyoto (1603). O-Kuni opptrådte på scenen med religiøse danser, som inkluderte bevegelsene til folkedansene til Nembutsu-odori. Forestillingene hennes ble ispedd komiske skuespill. På dette stadiet ble produksjonene kalt yujo-kabuki (kabuki av kurtisaner), o-kuni-kabuki eller onna-kabuki (dames kabuki).
Graveringer
I forrige århundre møtte europeere, og deretter russere, fenomenet japansk kunst gjennom gravering. I mellomtiden, i Land of the Rising Sun, ble tegning på et tre først ikke ansett som en ferdighet i det hele tatt, selv om det hadde alle egenskapene til massekultur - billighet, tilgjengelighet, sirkulasjon. Ukiyo-e-kjennere var i stand til å oppnå den høyeste forståelighet og enkelhet både i legemliggjøringen av plott og i deres valg.
Ukiyo-e var en spesiell kunstskole, så hun var i stand til å presentere en rekke fremragende mestere. Dermed er navnet på Hisikawa Moronobu (1618-1694) assosiert med den innledende fasen av utviklingen av tomtegravering. På midten av 1700-tallet opprettet Suzuki Harunobu, den første kjenneren av flerfargegravering. Hovedmotivene for arbeidet hans var lyriske scener, der oppmerksomhet ikke ble rettet mot handling, men til overføring av stemninger og følelser: kjærlighet, ømhet, tristhet. I likhet med den utsøkte eldgamle kunsten fra Heian-tiden, gjenopplivet ukiyo-e-virtuoser den ekstraordinære kulten av den utsøkte skjønnheten til kvinner i et renovert urbant miljø.
Den eneste forskjellen var at i stedet for de stolte Heian-aristokratene, avbildet trykkene grasiøse geishaer fra underholdningsdistriktene i Edo. Kunstneren Utamaro (1753-1806) er kanskje et unikt eksempel på en profesjonell i maleriets historie, som fullstendig viet sin skapelse til å skildre damer i forskjellige positurer og kjoler, i forskjellige livssituasjoner. Et av hans beste verk er graveringen "Geisha Osama", som oppbevares i Moskva, i Pushkin Museum of Painting. Kunstneren formidlet uvanlig subtilt enheten av gest og stemning, ansiktsuttrykk.
Manga og anime
Mange kunstnere prøver å studere maleriet av Japan. Hva er anime (japansk animasjon)? Den skiller seg fra andre animasjonssjangre ved å være mer tilpasset en voksen seer. Her er det en duplikativ inndeling i stiler for en entydig målgruppe. Målingen på knusing er kjønn, alder eller psykologisk portrett av kinogjengeren. Svært ofte er anime en filmatisering av japanske manga-tegneserier, som også fikk stor berømmelse.
Den grunnleggende delen av mangaen er designet for en voksen seer. I følge data fra 2002 var omtrent 20 % av hele det japanske bokmarkedet okkupert av manga-tegneserier.
Japan er nær oss geografisk, men til tross for dette forble det i lang tid uforståelig og utilgjengelig for hele verden. I dag vet vi mye om dette landet. En lang frivillig isolasjon har ført til at dens kultur er helt forskjellig fra kulturene i andre stater.
Har en veldig rik historie; dens tradisjon er omfattende, med Japans unike posisjon i verden som i stor grad påvirker de dominerende stilene og teknikkene til japanske kunstnere. Kjent faktum At Japan har vært ganske isolert i århundrer skyldes ikke bare geografi, men også den dominerende japanske kulturelle tilbøyeligheten til isolasjon som har preget landets historie. I løpet av århundrene av det vi kan kalle "japansk sivilisasjon", utviklet kultur og kunst seg atskilt fra de i resten av verden. Og dette er til og med merkbart i praksisen med japansk maleri. For eksempel er Nihonga-maleriene blant stiftene i japansk malerpraksis. Det er basert på over tusen års tradisjon, og maleriene er vanligvis laget med pensler på ditt (japansk papir) eller egina (silke).
Imidlertid har japansk kunst og maleri blitt påvirket av utenlandsk kunstnerisk praksis. For det første var det kinesisk kunst på 1500-tallet og kinesisk maleri og den kinesiske kunsttradisjonen som var spesielt innflytelsesrik på flere måter. Fra og med 1600-tallet ble japansk maleri også påvirket av vestlige tradisjoner. Spesielt i førkrigstiden, som varte fra 1868 til 1945, ble japansk maleri påvirket av impresjonisme og europeisk romantikk. Samtidig ble nye europeiske kunstbevegelser også betydelig påvirket av japansk kunstneriske teknikker. I kunsthistorien omtales denne påvirkningen som "japanisme", og den er spesielt viktig for impresjonistene, kubistene og kunstnere knyttet til modernismen.
Den lange historien til japansk maleri kan sees på som en syntese av flere tradisjoner som skaper deler av en anerkjent japansk estetikk. For det første har buddhistisk kunst og malemetoder, så vel som religiøst maleri, satt et betydelig preg på estetikken til japanske malerier; vannblekkmaling av landskap i tradisjonen med kinesisk litterært maleri er et annet viktig element som er anerkjent i mange kjente japanske malerier; maleri av dyr og planter, spesielt fugler og blomster, er det som vanligvis forbindes med japanske komposisjoner, det samme er landskap og scener fra Hverdagen. Til slutt hadde eldgamle ideer om skjønnhet fra filosofien og kulturen i det gamle Japan stor innflytelse på japansk maleri. Wabi, som betyr forbigående og barsk skjønnhet, sabi (skjønnheten til naturlig patina og aldring) og yugen (dyp ynde og subtilitet) påvirker fortsatt idealene i utøvelse av japansk maleri.
Til slutt, hvis vi fokuserer på å velge de ti mest kjente japanske mesterverkene, må vi nevne ukiyo-e, som er en av de mest populære kunstsjangrene i Japan, selv om den tilhører grafikk. Den dominerte japansk kunst fra 1600- til 1800-tallet, med kunstnere fra denne sjangeren som produserte tresnitt og malerier av emner som vakre jenter, kabuki-skuespillere og sumobrytere, samt scener fra historie og folkeeventyr, reisescener og landskap, flora og fauna og til og med erotikk.
Det er alltid vanskelig å lage en liste de beste bildene fra kunstneriske tradisjoner. Mange fantastiske verk vil bli ekskludert; Denne listen inneholder imidlertid ti av de mest gjenkjennelige japanske maleriene i verden. Denne artikkelen vil kun presentere malerier laget fra 1800-tallet til i dag.
Japansk maleri har en ekstremt rik historie. Gjennom århundrene har japanske kunstnere utviklet et stort antall unike teknikker og stiler som er Japans mest verdifulle bidrag til kunstverdenen. En av disse teknikkene er sumi-e. Sumi-e betyr bokstavelig talt "blekktegning", og kombinerer kalligrafi og blekkmaling for å skape en sjelden skjønnhet av penselmalte komposisjoner. Denne skjønnheten er paradoksal - eldgammel, men moderne, enkel, men kompleks, modig, men likevel avdempet, og reflekterer utvilsomt det åndelige grunnlaget for kunst i Zen-buddhismen. Buddhistiske prester brakte den harde blekkblokken og bambusbørsten til Japan fra Kina i det sjette århundre, og i løpet av de siste 14 århundrene har Japan utviklet en rik arv av blekkmaleri.
Rull ned og se 10 japanske malerimesterverk
1. Katsushika Hokusai "Dream of the Fisherman's Wife"
Et av de mest gjenkjennelige japanske maleriene er The Dream of the Fisherman's Wife. Den ble malt i 1814 av den berømte kunstneren Hokusai. Med strenge definisjoner kan ikke dette fantastiske verket av Hokusai betraktes som et maleri, ettersom det er et ukiyo-e tresnitt fra Young Pines (Kinoe no Komatsu), som er en tre-binders shunga-bok. Komposisjonen skildrer en ung ama-dykker seksuelt sammenvevd med et par blekkspruter. Dette bildet var svært innflytelsesrikt på 1800- og 1900-tallet. Verket påvirket senere kunstnere som Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf og Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro skriver et nostalgisk dikt mens han ser på månen"
Tessai Tomioka er pseudonymet til en kjent japansk kunstner og kalligraf. Han regnes som den siste store kunstneren i Bunjing-tradisjonen og en av de første store kunstnerne i Nihonga-stilen. Bunjinga var en skole for japansk maleri som blomstret i slutten av Edo-perioden blant kunstnere som betraktet seg som litterater eller intellektuelle. Hver av disse kunstnerne, inkludert Tessaia, utviklet sin egen stil og teknikk, men de var alle store fans av kinesisk kunst og kultur.
3. Fujishima Takeji "Soloppgang over Østsjøen"
Fujishima Takeji var en japansk kunstner kjent for sitt arbeid med å utvikle romantikk og impresjonisme i kunstbevegelsen Yoga (vestlig stil) på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. I 1905 reiste han til Frankrike, hvor han ble påvirket av datidens franske bevegelser, spesielt impresjonismen, som man kan se i hans maleri fra 1932 Sunrise over the East Sea.
4. Kitagawa Utamaro "Ti typer kvinnelige ansikter, en samling av dominerende skjønnheter"
Kitagawa Utamaro var en fremtredende japansk kunstner som ble født i 1753 og døde i 1806. Han er desidert mest kjent for en serie kalt Ten Types of Women's Faces. Samling av herskende skjønnheter, temaer Stor kjærlighet Classical Poetry" (noen ganger kalt "Women in Love", som inneholder separate graveringer "Naked Love" og "Pensive Love"). Han er en av de mest betydningsfulle artistene som tilhører ukiyo-e tresnittsjangeren.
5. Kawanabe Kyosai "Tiger"
Kawanabe Kyosai var en av de mest kjente japanske kunstnerne fra Edo-perioden. Kunsten hans ble påvirket av Tohaku, en Kano-maler fra 1500-tallet som var den eneste maleren på sin tid som malte skjermer helt i blekk mot en delikat bakgrunn av pulverisert gull. Selv om Kyosai er kjent som tegneserieskaper, har han skrevet noe av det meste kjente malerier i japansk historie Art XIXårhundre. "Tiger" er et av de maleriene Kyosai brukte akvarell og blekk for å lage.
6. Hiroshi Yoshida Fuji fra Kawaguchi-sjøen
Hiroshi Yoshida er kjent som en av hovedfigurene i Shin-Hanga-stilen (Shin-Hanga er en kunstbevegelse i Japan på begynnelsen av 1900-tallet, under Taisho- og Showa-periodene, som gjenopplivet tradisjonell kunst ukiyo-e, som slo rot i Edo- og Meiji-perioden (XVII - XIX århundrer)). Han ble opplært i tradisjonen med vestlig oljemaleri, som ble adoptert i Japan under Meiji-perioden.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami er trolig den mest populære japanske artisten i vår tid. Arbeidene hans selges for astronomiske priser på store auksjoner, og arbeidet hans inspirerer allerede nye generasjoner av kunstnere, ikke bare i Japan, men også utenfor. Murakamis kunst inkluderer en rekke medier og beskrives vanligvis som superflat. Arbeidene hans er kjent for sin bruk av farger, med motiver fra japansk tradisjonell og populærkultur. Innholdet i maleriene hans blir ofte beskrevet som "søt", "psykedelisk" eller "satirisk".
8. Yayoi Kusama "gresskar"
Yaoi Kusama er også en av de mest kjente japanske artistene. Hun jobber i en rekke medier, inkludert maleri, collage, scat-skulptur, performancekunst, miljøkunst og installasjon, hvorav de fleste viser hennes tematiske interesse for psykedeliske farger, repetisjon og mønster. En av de mest kjente seriene til denne store artisten er Pumpkin-serien. En polkaprikket vanlig kalebass i knallgul vises mot et nett. Sammen danner alle slike elementer et visuelt språk som er umiskjennelig for kunstnerens stil, og som har blitt utviklet og foredlet gjennom flere tiår med møysommelig håndverk og reproduksjon.
9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"
Tenmyoya Hisashi er en moderne japansk kunstner som er kjent for sine neo-nihonga-malerier. Han deltok i gjenopplivingen av den gamle tradisjonen med japansk maleri, som er det stikk motsatte av moderne japansk maleri. I 2000 skapte han også sin nye stil, butouha, som demonstrerer en standhaftig holdning til et autoritativt kunstsystem gjennom maleriene hans. "Japanese Spirit No. 14" ble skapt som en del av det kunstneriske opplegget "BASARA", tolket i japansk kultur som den opprørske oppførselen til det lavere aristokratiet under den krigførende statens periode, for å frata myndighetene muligheten til å oppnå et ideal livsstil ved å kle seg i frodige og luksuriøse klær og opptre fritt.vilje som ikke samsvarte med deres sosiale klasse.
10. Katsushika Hokusai "Den store bølgen utenfor Kanagawa"
Til slutt er nok The Great Wave utenfor Kanagawa den mest gjenkjennelige japansk maleri noen gang skrevet. Det er egentlig mest kjent verk kunst laget i Japan. Den skildrer enorme bølger som truer båter utenfor kysten av Kanagawa Prefecture. Selv om den noen ganger forveksles med en tsunami, har bølgen, som navnet på maleriet antyder, mest sannsynlig ganske enkelt en unormalt høy høyde. Maleriet er laget i ukiyo-e-tradisjonen.
Fra: , 18346 visninger
Japan er det minste landet i Fjernøsten - 372 tusen kvadratkilometer. Men bidraget som Japan har gitt til verdenskulturens historie er ikke mindre enn bidraget fra de store eldgamle statene.
Opprinnelsen til kunsten i dette eldgamle landet går tilbake til det 8. årtusen f.Kr. Men det viktigste stadiet på alle områder av hennes kunstneriske liv var perioden som begynte på 600-700-tallet e.Kr. og fortsatte til midten av 1800-tallet. Utviklingen av japansk kunst gikk ujevnt frem, men den kjente ikke til for skarpe endringer eller kraftige nedganger.
Japansk kunst utviklet under spesielle naturlige og historiske forhold. Japan ligger på fire store øyer (Honshu, Hokkaido, Kyushu og Shioku) og mange mindre. I lang tid var den uinntagelig og kjente ikke til ytre kriger. Japans nærhet til fastlandet påvirket etableringen av kontakter med Kina og Korea i antikken. Dette satte fart i utviklingen av japansk kunst.
Japansk middelalderkunst vokste under påvirkning av koreanske og kinesiske kulturer. Japan tok i bruk det kinesiske manuset og trekk ved det kinesiske verdensbildet. Buddhismen ble Japans statsreligion. Men japanerne brøt kinesiske ideer på sin egen måte og tilpasset dem til deres livsstil.
Japansk hus, japansk interiør
Det japanske huset er like klart og enkelt på innsiden som det er på utsiden. Det ble holdt konstant rent. Gulvet, polert til en glans, var dekket med lette stråmatter - tatami, og delte rommet inn i jevne rektangler. Sko ble fjernet ved dørstokken, ting ble oppbevart i skap, kjøkkenet var adskilt fra boligkvarteret. På rommene var det som regel ingen faste ting. De ble brakt inn og tatt bort etter behov. Men hver ting i et tomt rom, det være seg en blomst i en vase, et bilde eller et lakkbord, vakte oppmerksomhet og fikk en spesiell uttrykksevne.
Alle typer kunst er assosiert med utformingen av rommet til et hus, tempel, palass eller slott i middelalderens Japan. Hver fungerte som et komplement til den andre. For eksempel komplementerte og satte en dyktig valgt bukett i gang stemningen som ble formidlet i landskapsmaleriet.
Den samme upåklagelige presisjonen, den samme følelsen av materiale, som i dekorasjonen av et japansk hus, ble følt i produktene til dekorativ kunst. Ikke uten grunn ved teseremonier, som den største juvelen, ble redskapene laget av hender brukt. Dens myke og ujevne crock holdt sporet av fingrene som skulpturerte våt leire. Rosa-perle, turkis-syrin eller grå-blå glasurer var ikke fengende, men de følte utstrålingen av naturen selv, med livet som hvert objekt av japansk kunst er assosiert.
Japansk keramikk
Uglasert, håndstøpt og brent ved lav temperatur, leirekar lignet på keramikk fra andre eldgamle folk. Men de hadde allerede funksjoner som er unike for japansk kultur. Mønstrene til kanner og tallerkener av forskjellige former reflekterte ideer om elementene i orkaner, hav og ildpustende fjell. Fantasien til disse produktene så ut til å ha blitt tilskyndet av naturen selv.
Massive, nesten en meter høye kanner med et fast mønster av konvekse leirebunter ligner enten svingete skjell, eller forgrenede korallrev, eller floker av alger, eller taggete kanter av vulkaner. Disse majestetiske og monumentale vasene og bollene tjente ikke bare hjemlige, men også rituelle formål. Men i midten av det 1. årtusen f.Kr. bronsegjenstander kom i bruk og keramiske redskaper mistet sin rituelle hensikt.
Ved siden av keramikk dukket det opp nye produkter av kunstnerisk håndverk - våpen, smykker, bronseklokker og speil.
Japanske husholdningsartikler
På 900- til 1100-tallet e.Kr. ble smaken til det japanske aristokratiet avslørt i den dekorative kunsten. Glatte, fuktbestandige lakkartikler, drysset med gull- og sølvpulver, lette og elegante, som om de lyser opp skumringen i japanske rom, og utgjorde et stort utvalg av hverdagsting. Lakk ble brukt til å lage skåler og skrin, kister og bord, musikkinstrumenter. Hver eneste lille ting i templet og hverdagen - sølvbestikk til mat, vaser til blomster, mønstret papir til bokstaver, broderte belter - avslørte japanernes poetiske og emosjonelle holdning til verden.
Japansk maleri
Med utviklingen av monumental palassarkitektur ble aktiviteten til malere ved rettsskolen mye mer aktiv. Kunstnere måtte male store overflater ikke bare av vegger, men også av flerfoldede papirbrettingsskjermer, som spilte rollen som både malerier og bærbare skillevegger i rommet. Et trekk ved den kreative måten til talentfulle håndverkere var valget av en stor, flerfarget detalj av landskapet på det enorme planet av et veggpanel eller en skjerm.
Komposisjonene av blomster, urter, trær og fugler, utført av Kano Eitoku på gylden skinnende bakgrunn med tykke og saftige flekker, generaliserte ideer om universets kraft og storhet. Representanter for Kano-skolen, sammen med naturlige motiver, inkludert i maleriene og nye emner som gjenspeiler livet og livet til den japanske byen på 1500-tallet.
Det var også monokrome landskap på palassskjermene. Men de har en flott dekorativ effekt. Slik er skjermen malt av Sesshus tilhenger, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Dens hvite matte overflate tolkes av maleren som et tykt tåkeslør, hvorfra silhuettene av gamle furutruk, som syner, plutselig bryter ut. Med bare noen få dristige blekkklatter, skaper Tohaku et poetisk bilde av en høstskog.
De monokrome landskapsrullene, med sin myke skjønnhet, kunne ikke matche stilen til palasskamrene. Men de beholdt sin betydning som en uunnværlig del av chashitsu-tepaviljongen, designet for åndelig konsentrasjon og fred.
Kunstverk av japanske mestere forblir ikke bare tro mot eldgamle stiler, men har også alltid noe nytt i seg som ingen andre kunstverk har. I japansk kunst er det ikke plass for klisjeer og maler. I den, som i naturen, er det ikke to helt identiske kreasjoner. Og selv nå kan ikke kunstverk av japanske mestere forveksles med kunstverk fra andre land. I japansk kunst har tiden gått ned, men den har ikke stoppet opp. I japansk kunst har tradisjonene fra antikken overlevd til i dag.
