Ridder med en hånd på brystet El Greco. Portrett av en herre med en hånd på brystet
El caballero de la mano en el pecho"Ridder med en hånd på brystet"- maleri Spansk kunstner El Greco, malt i Toledo rundt 1580 Mest kjent i en serie sekulære portretter av ukjente caballeros i svarte kapper og hvite meisler mot en mørk bakgrunn. Holdes for tiden i Prado.
Stillingen til en caballero kan bety å avlegge en ed, eller vise tillit når man inngår en kontrakt, eller adelig fødsel karakter, eller til og med et hemmelig forhåndsarrangert signal. Et gyldent sverd og en medaljong indikerer rikdom og tilhørighet til høysamfunnet. Karakterens utseende er typisk for en adelsmann fra den spanske gullalderen. Under restaureringen av maleriet viste det seg at bakgrunnen i utgangspunktet ikke var svart, men lysegrå, men over tid ble maleriet mørkere. Rikdommen av nyanser på mørke klær vitner om innflytelsen fra den venetianske malerskolen på El Greco.
Tidligere trodde man at «Ridder med en hånd på brystet» er et portrett av Cervantes, men nå er de fleste kunsthistorikere tilbøyelige til å tro at portrettet skildrer Juan de Silva y Ribera, den tredje markisen av Montemayor og Alcalde av Toledo Alcazar. Kunsthistoriker Alex Berghart og kunstner Robert Shrive åpner for muligheten for at dette er kunstnerens selvportrett.
Skriv en anmeldelse av artikkelen "Ridder med en hånd på brystet"
Notater
Et utdrag som karakteriserer ridderen med en hånd på brystet
«Tvert imot, alt ser ut til å gå bra, kusine,» sa Pierre med den vanen med lekenhet som Pierre, som alltid flau utholdt sin rolle som velgjører foran prinsessen, lærte seg selv i forhold til henne.– Ja, det er trygt ... god trivsel! I dag fortalte Varvara Ivanovna meg hvor forskjellige troppene våre er. Absolutt en ære å tilskrive. Ja, og folket gjorde helt opprør, de slutter å lytte; jenta mi og hun ble frekke. Så snart vil de slå oss. Du kan ikke gå på gata. Og viktigst av alt, i dag vil franskmennene være her i morgen, hva kan vi forvente! Jeg spør en ting, mon fetter, - sa prinsessen, - beordre meg til å bli tatt til Petersburg: hva jeg enn er, men jeg kan ikke leve under Bonapartes makt.
"Kom igjen, kusine, hvor får du informasjonen din fra?" Imot…
«Jeg vil ikke underkaste meg din Napoleon. Andre, som de ønsker ... Hvis du ikke vil gjøre dette ...
– Ja, det skal jeg, jeg skal bestille nå.
Prinsessen var tilsynelatende irritert over at det ikke var noen å være sint på. Hun hvisket noe og satte seg på en stol.
"Men du blir feilrapportert," sa Pierre. Alt er stille i byen, og det er ingen fare. Så jeg leste nå ... - Pierre viste plakatene til prinsessen. – Greven skriver at han svarer med livet sitt at fienden ikke vil være i Moskva.
"Å, denne greven din," snakket prinsessen med ondskap, "dette er en hykler, en skurk som selv satte folket til å gjøre opprør. Skrev han ikke i disse dumme plakatene at uansett hva det var, dra ham etter kammen til utgangen (og så dumt)! Den som tar, sier han, ære og ære. Det var der han rotet til. Varvara Ivanovna sa at hun nesten drepte folket sitt fordi hun snakket fransk ...
"Men det er så ... du tar alt til hjertet," sa Pierre og begynte å spille kabal.
Til tross for at kabalen kom sammen, dro ikke Pierre til hæren, men forble i det øde Moskva, fortsatt i den samme angsten, ubesluttsomheten, i frykt og sammen i glede, og ventet noe forferdelig.
Dagen etter dro prinsessen om kvelden, og hans øverstkommanderende kom til Pierre med nyheten om at pengene han trengte for å uniformere regimentet ikke kunne skaffes med mindre ett gods ble solgt. Den øverstkommanderende representerte generelt overfor Pierre at alle disse foretakene til regimentet var ment å ødelegge ham. Pierre kunne nesten ikke skjule smilet sitt mens han lyttet til managerens ord.
"Vel, selg den," sa han. "Hva kan jeg gjøre, jeg kan ikke nekte nå!"
Svetlana Obukhova
Om livet til den kretiske Domenico Theotokopuli, kunstneren som erobret spanske Toledo under navnet El Greco, det vil si den greske, er det nesten ingen bevis igjen. "Dårskapen" til karakteren hans og den merkelige billedmessige måten forbløffet mange og tvang dem til å ta opp en penn - men bare noen få bokstaver har overlevd. En av dem inneholder følgende linjer: «... været var vakkert, vårsolen skinte mildt. Det ga glede til alt, og byen så festlig ut. Forestill deg min overraskelse da jeg gikk inn på El Grecos verksted og så at skoddene på vinduene var lukket, og derfor var det vanskelig å se hva som var rundt. El Greco satt selv på en krakk og gjorde ingenting, men våken. Han ønsket ikke å gå ut med meg, fordi sollyset ifølge ham forstyrret hans indre lys ... "
Det er nesten ingen bevis for mannen Domenico, bare ekko: at han levde i storslått stil, holdt det rikeste biblioteket, leste mange filosofer og også saksøkte kunder (han ble elsket, men oftere ikke forstått), døde nesten i fattigdom, som tynne stråler av dagslys bryter gjennom sprekkene i hans livs "lukkede skodder". Men de distraherer ikke fra det viktigste - fra det indre lyset som fyller maleriene til kunstneren El Greco. Spesielt portretter.
De har ikke landskap som åpner seg bak personen som blir portrettert, det er ingen overflod av detaljer som tiltrekker det nysgjerrige blikket. Selv heltens navn er ofte utelatt fra bildet. Fordi alt dette ville hindret å se ansiktet. Og øyne, dype, mørke, ser rett på deg. Det er vanskelig å bryte fra dem, og hvis du tvinger deg selv, så å se gesten - og igjen stoppe i tankene.
Slik er "Portrettet av en gentleman med en hånd på brystet" (1577-1579), skrevet av mesteren kort tid etter at han flyttet til Toledo. Dette portrettet er anerkjent som et av de beste i spansk maleri på 1500-tallet. Outlander El Greco skapte "lyse bilder Spansk liv og historier", som skildrer "ekte levende vesener, som i seg selv kombinerer alt som bør beundres i vårt folk, alt heroisk og ukuelig, med de motsatte egenskapene som ikke kan annet enn å reflekteres uten å ødelegge selve essensen" (A. Segovia). Aristokrater fra de gamle familiene til Toledo ble de sanne heltene til El Greco, han så dem Indre lys- deres adel og verdighet, plikttroskap, intelligens, sofistikert oppførsel, mot, ytre tilbakeholdenhet og indre impuls, styrken til et hjerte som vet hva det lever og dør for ...
Dag etter dag stopper besøkende til Prado-galleriet foran den ukjente hidalgoen, overrasket med ordene: "Hvor levende ..." Hvem er denne ridderen? Hvorfor åpner han hjertet sitt med en slik oppriktighet? Hvorfor er øynene hans så attraktive? Og denne edgesten? Og sverdets feste?.. Kanskje disse spørsmålene ga opphav til legenden om at den som er avbildet i portrettet er en annen stor spanjol: Miguel de Cervantes. En kriger og forfatter som fortalte verden historien om en ridder av et trist bilde, som ble gitt den samme guddommelige gaven som El Greco - å se mennesker som de burde være, å se deres indre lys ...
Og andre malerier fra Prado-museet i Eremitasjen...
El Greco "Kristus omfavner korset" 1600 - 1605
Avbildet mot bakgrunnen av en stormfull himmel som er typisk for El Greco, klemmer Kristus korset med sine grasiøse armer og ser opp med rolig undergang. Maleriet ble en stor suksess, og mange versjoner av det ble laget i El Grecos verksted.
El Greco "Den hellige familie med St. Anne og Lille døperen Johannes" ca. 1600 - 1605
Den sene perioden av El Grecos arbeid er preget av bruk av gjennomtrengende farger og blinker; rommet er fullstendig fylt med figurer som skjuler horisonten. Former tegnet med et vibrerende slag mister sin materialitet. Lille døperen Johannes kaller betrakteren til stillhet, for ikke å forstyrre freden til spedbarnet Kristus...
Velasquez - Portrett av Filip IV Portrett av kong Filip IV. 1653-1657
Grunnleggende om psykologisk portrett i Europeisk kunst lagt av den spanske maleren Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Han ble født inn i en fattig adelsfamilie i Sevilla, studerte med Herrera den eldste og Pacheco. I 1622 kom han først til Madrid. I praktisk forstand var denne turen ikke veldig vellykket - Velasquez fant ikke et verdig sted for seg selv. Han håpet å møte den unge kong Filip IV, men møtet fant ikke sted. Likevel nådde ryktene om den unge kunstneren hoffet, og allerede neste år, 1623, inviterte den første ministeren, hertugen de Olivares (også en innfødt av Sevilla), Velázquez til Madrid for å male et portrett av kongen. Dette arbeidet, som ikke har kommet ned til oss, gjorde et så behagelig inntrykk på monarken at han umiddelbart tilbød Velázquez stillingen som hoffmaler. Snart mellom kongen og Velasquez var det ganske vennlige forhold, noe som ikke var veldig typisk for ordrene som rådet ved det spanske hoffet. Kongen som styrte det største imperiet i verden ble ikke ansett som en mann, men en guddom, og kunstneren kunne ikke engang regne med edle privilegier fordi han tjente til livets opphold ved å jobbe. I mellomtiden beordret Philip at fremover bare Velasquez malte portrettene hans. Den store monarken var overraskende sjenerøs og støttet Velasquez. Kunstnerens atelier lå i de kongelige leilighetene, og en stol for Hans Majestet ble installert der. Kongen, som hadde nøkkelen til verkstedet, kom hit nesten hver dag for å observere kunstnerens arbeid Mens han var i kongelig tjeneste fra 1623 til 1660, malte Velasquez rundt et dusin portretter av sin overherre. Av disse har litt mer enn 10 malerier kommet ned til oss. Dermed portretterte Velasquez i gjennomsnitt sin overherre omtrent en gang hvert tredje år. Å male portretter av kongen var Velasquez' verk, og han gjorde denne jobben perfekt. Takket være dette har vi et kompleks av verk som er unikt i sitt slag: på portrettene av Velasquez kan man spore livsvei Kong Filip så tydelig som det senere ble en skikk først i fotografiets tidsalder. Evolusjon er godt synlig i kunstnerens lerreter. For det første er kongen selv i endring, 18 år gammel i det første portrettet og 50 år gammel i det siste, ansiktet hans bærer preg av alder og åndelige endringer. For det andre blir kunstnerens oppfatning av modellen sin dypere, og går fra overfladisk til innsiktsfull. Over tid endres måten modellen presenteres på og kunstneriske teknikker. Velazquez sin måte blir forvandlet under påvirkning av hans egen kreativ vekst, så vel som under påvirkning av moderne innenlandske og utenlandske tradisjoner. I dette bysteportrettet vises Filip IV mot en mørk bakgrunn iført en svart kappe med en hvit krage som fremhever monarkens ansikt. Velasquez unngår prangende luksus i portrettet av kongen og viser " menneskelig ansikt» monarken uten smiger eller rettslureri. Vi føler tydelig at personen som ser på oss fra lerretet er ulykkelig, i fjor regjeringen var ikke lett for kongen. Dette er en person som har kjent skuffelse, men samtidig - en person hvis kjøtt er fullt av medfødt storhet, som ingenting kan rokke ved. En annen stor kunstner, en spanjol til margen av sine bein - Pablo Ruiz Picasso sier dette om bildet av den spanske kongen: "vi kan ikke forestille oss en annen Filip IV, bortsett fra den som ble skapt av Velazquez ..."
"Portrett av kong Filip IV" (ca. 1653 - 1657)
En av siste portretter monark. Det er interessant å merke seg at det ikke er et eneste element her som snakker om den kongelige statusen til personen som blir portrettert. Velazquez tjente Filip IV i nesten førti år - fra 1623 til hans død malte han portretter av kongen og hans familie, store plotlerreter for den kongelige samlingen.
Diego Velasquez "Portrett av narren Don Diego de Acedo" (El Primo) ca. 1644
Diego Velasquez "Portrett av dronning Marianne av Østerrike" 1652-1653
Titian (Tiziano Vecellio) "Venus med Amor og organist" 1555
Musikeren spiller, sitter ved føttene til Venus og beundrer gudinnens nakne kropp, et abstrakt spill med Amor. Noen så i dette bildet et rent erotisk verk, mens andre oppfattet det symbolsk – som en allegori over følelser, der syn og hørsel fungerer som verktøy for å forstå skjønnhet og harmoni. Titian skrev fem versjoner av dette temaet.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - angrende Maria Magdalena 1583
Etter sin omvendelse viet Maria Magdalena livet sitt til omvendelse og bønn, og trakk seg tilbake fra verden. På dette lerretet er hun avbildet ser inn i himmelen og oversvømmet guddommelig lys. Bildet er skrevet i tykke mørke farger, karakteristisk for Veroneses stil i den sene perioden av arbeidet hans. Før de kom inn i de spanske kongelige samlinger, tilhørte verket den engelske kongen Charles I (henrettet i 1649)
Anthony van Dyck "Portrett av en mann med lut" 1622-1632
Anthony van Dyck skylder sin berømmelse nettopp til portrettsjangeren, som i hierarkiet Europeisk maleri inntok en ganske lav posisjon. Men i Flandern på dette tidspunktet hadde det allerede utviklet seg en tradisjon for portrettkunst. Van Dyck malte hundrevis av portretter, flere selvportretter, og ble en av skaperne av den seremonielle portrettstilen på 1600-tallet. I portrettene til sine samtidige viste han deres intellektuelle, emosjonelle verden, åndelige liv, den levende karakteren til en person.
Den tradisjonelle modellen for dette portrettet er Jacob Gautier, lutenist ved det engelske hoffet fra 1617 til 1647, men tilstedeværelsen av et sverd, og i større grad de stilistiske kjennetegnene ved verket, indikerer at det må dateres mye tidligere enn Van Dycks tur til London, noe som sår tvil om denne teorien. Tilstedeværelsen av et musikkinstrument betyr ikke nødvendigvis at modellen var en musiker. Som et symbol ble musikkinstrumenter ofte avbildet i portretter, som en indikasjon på den intellektuelle raffinementen og følsomheten til det avbildede.
Juan Bautista Maino "Hyrdenes tilbedelse" 1612-1614
Et av Mainos mesterverk. I samling State Eremitage en annen versjon av denne historien, skrevet av Maino, beholdes. Kunstneren ble født i Pastrana (Guadalajara) og bodde i Roma fra 1604 til 1610. I dette verket, skrevet etter hjemkomst til Spania, kan man føle innflytelsen fra Caravaggio og Orazio Gentileschi. I 1613 ble Maino medlem av den dominikanske orden, og maleriet gikk inn i altersyklusen til klosteret St. Peter Martyren i Toledo.
Georges de Latour "Den blinde musikeren med lyren" ca. 1625-1630
Latour skildrer en gammel blind musiker som spiller en sløyfe som gjentok denne historien mange ganger. Kunstneren, som jobbet under påvirkning av Caravaggios stil, gjengir entusiastisk detaljene - mønsteret som pryder musikkinstrumentet, rynkene i ansiktet til den blinde mannen, håret hans.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Releasing Andromeda" ca. 1639-1640
Francisco de Goya "Portrett av Ferdinand VII" 1814-1815
Etter Napoleons nederlag i 1814 vendte Ferdinand VII tilbake til den spanske tronen. I portrettet er han avbildet i en kongemantel foret med hermelin, med et septer og ordrene til Carlos III og det gylne skinn.
Ferdinand VII, som styrte landet til 1833, grunnla Prado-museet i 1819.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, kona til den første direktøren for Prado, var en av de mest ærede kvinnene i Spania i sin tid.
I et portrett fra 1805 avbildet Goya markisen som musen for lyrisk poesi, Euterpe, liggende på en baldakin og med en lyre i venstre hånd. Valget av nettopp et slikt bilde skyldes Marquises lidenskap for poesi.
Francisco Goya - "Høst (druehøst)" 1786 - 1787
Francisco Goya - Druehøsten. fragment
I 1775 - 1792 skapte Goya syv serier med papptepper for Escorial- og Prado-palassene i utkanten av Madrid. Spesielt dette maleriet tilhører serien av sesonger og var beregnet på spisestuen til prinsen av Asturias i Prado. Goya fremstilte det klassiske plottet som en hverdagsscene, som gjenspeiler arten av forholdet mellom forskjellige klasser - bildet viser eierne av vingården med sønnen og hushjelpen.
Francisco Goya "Portrett av general José de Urrutia" (ca. 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - en av de mest fremtredende spanske militærlederne og den eneste hæroffiseren av ikke-aristokratisk opprinnelse på 1700-tallet som nådde rangen som generalkaptein - er avbildet med St. George-ordenen, som han ble tildelt av den russiske keiserinnen Katarina den store for å ha deltatt i fangsten av Ochakov under Krim-kampanjen i 1789.
Peter Paul Rubens "Portrett av Marie de Medici". OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) var datter av storhertugen av Toscana Francesco I. I 1600 ble hun kone til den franske kong Henrik IV. Siden 1610 var hun regent for sin unge sønn, den fremtidige kong Ludvig XIII. Rubens hun bestilte en serie verk som glorifiserer seg selv og sin avdøde ektemann. Portrettet viser dronningen iført en enkes hodeplagg og mot en uferdig bakgrunn.
Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" ca. 1580-1590
Viscente Lopez Portagna "Portrett av Felix Maximo Lopez, første organist ved Royal Chapel" 1820
Spansk nyklassisistisk maler, samtidig som han beholder spor av rokokkostilen. Lopez ble ansett som en av de beste portrettmalerne i sin tid, nest etter Francisco de Goya. Han begynte å studere maleri i Valencia i en alder av 13 år, og fire år senere vant han flere førstepriser ved San Carlos Academy, noe som ga ham et stipend for å studere ved det prestisjetunge Royal Academy i hovedstaden. kunst San Fernando. Etter å ha fullført studiene jobbet Lopez i flere år i verkstedet til Mariano Salvador Maella, læreren hans. I 1814, etter den franske okkupasjonen, var Lopez allerede frisk nok kjent kunstner, så den spanske kongen Ferdinand VII innkalte ham til Madrid og utnevnte ham til offisiell hoffmaler, til tross for at Francisco Goya selv var den "første kongelige kunstneren" på den tiden. Vicente López var en produktiv kunstner, han malte om religiøse, allegoriske, historiske og mytologiske emner, men fremfor alt var han selvfølgelig en portrettmaler. I løpet av sin lange karriere malte han portretter av nesten alle kjent person Spania i første halvdel av 1800-tallet.
Dette portrettet av den første organisten i det kongelige kapell og den berømte musikeren og komponisten ble malt kort før kunstnerens død, og ble fullført av hans eldste sønn, Ambrosio López.
Anton Raphael Mengs "Portrett av Maria Louise av Parma, prinsesse av Asturias" 1766
Juan Sanchez Cotán "Stilleben med vilt, grønnsaker og frukt" 1602
Don Diego de Acedo har vært ved retten siden 1635. I tillegg til «nartjenesten» fungerte han som kongelig budbringer og hadde ansvaret for kongens segl. Tilsynelatende snakker bøkene, papirene og skrivemateriellet som er avbildet på bildet om disse aktivitetene. Det antas at portrettet ble malt i Fraga, provinsen Huesca, under turen til Filip IV til Aragon, der han ble ledsaget av Diego de Acedo. I bakgrunnen stiger toppen av Maliceos i Guadarrama-fjellkjeden.
Hieronymus Bosch "Fjerning av dumhetens stein" ca. 1490
I en satirisk scene med figurer mot et landskaps bakteppe, skildres en operasjon for å trekke ut «dumhetens stein». Inskripsjon gotisk skrift lyder: - "Mester, fjern steinen raskt. Jeg heter Lubbert Das." Lubbert er et vanlig substantiv som betegner uvitenhet og uskyld. En kirurg i hodeplagg i form av en omvendt trakt, som symboliserer uvitenhet, "trekker ut" en stein (vannlilje) fra hodet til en godtroende pasient og krever en sjenerøs betaling fra ham. På den tiden trodde de enfoldige at en stein i hodet var skyld i deres dumhet. Dette er hva sjarlatanene brukte.
Rafael (Raffaello Santi) "Hellig familie med et lam" 1507
Maria hjelper den lille Kristus å sitte på lammet - kristent symbol Kristi kommende lidenskap, og St. Joseph ser på dem. Maleriet ble malt i Firenze, hvor kunstneren studerte arbeidet til Leonardo da Vinci, påvirket av komposisjonene hans med Den hellige familie. I Prado-museet er dette det eneste verket av Raphael skrevet i den tidlige perioden.
Albrecht Dürer "Portrett av en ukjent mann" ca. 1521
Portrettet tilhører sen periode Dürers arbeid. Skrevet på en måte som ligner på stilen nederlandske kunstnere. En bredbremmet hatt trekker oppmerksomheten mot ansiktet til personen som blir portrettert, lyset som faller fra venstre fokuserer betrakterens oppmerksomhet mot det. Det andre oppmerksomhetsfokuset i portrettet er hendene, og fremfor alt venstre, der den ukjente personen holder en rulle - tilsynelatende forklarer hans sosiale status.
Rogier Van der Weyden "Lamentation" ca. 1450
Modellen var altertriptyken for Miraflores-klosteret (oppbevart i kunstgalleriet i Berlin), skapt av Van der Weyden tidligere enn 1444 og gjentatt med noen forskjeller. I denne versjonen, med den øvre delen lagt til i en ukjent periode, Mary, Christ, St. John og giveren (kunden av maleriet) - et medlem av Broers-familien - er avbildet i samme rom. Kunstneren formidler uttrykksfullt sorgen til Guds mor, og presser kroppen til hennes døde sønn til brystet. Den tragiske gruppen til venstre motarbeides av donorskikkelsen, atskilt med en stein. Han er i en tilstand av bønnfull konsentrasjon. På den tiden ba kundene ofte om å fremstille seg selv i maleriene. Men bildene deres var alltid sekundære - et sted i bakgrunnen, i mengden osv. Her er giveren avbildet i forgrunnen, men atskilt fra hovedgruppen med en stein og ved hjelp av farger.
Alonso Cano "Dead Christ Supported by an Angel" ca. 1646 - 1652
På bakgrunn av et skumringslandskap støtter en engel Kristi livløse kropp. Den uvanlige ikonografien til dette lerretet forklares av det faktum at det ikke er assosiert med de evangeliske tekstene, men med den såkalte Kristus fra St. Gregory. Ifølge legenden hadde pave Gregor den store en visjon av den døde Kristus støttet av to engler. Kano tolket denne historien på en annen måte - bare én engel støtter Kristi ubevegelige kropp.
Bartolome Esteban Murillo "Vår Frue av rosenkransen" ca. 1650 -1655
Arbeidet til Bartolome Esteban Murillo fullfører gullalderen til spansk maleri. Murillos verk er upåklagelig nøyaktige i komposisjonen, rike og harmoniske i farger og vakre i ordets høyeste betydning. Følelsene hans er alltid oppriktige og delikate, men i Murillos lerreter er det ikke lenger den åndelige kraften og dybden som er så sjokkerende i verkene til hans eldre samtidige. Livet til kunstneren er knyttet til hjemlandet Sevilla, selv om han måtte besøke Madrid og andre byer. Etter å ha studert hos den lokale maleren Juan del Castillo (1584-1640), jobbet Murillo mye på ordre fra klostre og templer. I 1660 ble han president for Academy of Fine Arts i Sevilla.
Med sine lerreter om religiøse emner forsøkte Murillo å bringe trøst og trygghet. Det er ingen tilfeldighet at han veldig ofte malte bildet av Guds mor. Fra bilde til bilde gikk bildet av Mary i form av en nydelig ung jente med vanlige trekk og et rolig utseende. Hennes uskyldige utseende skulle fremkalle en følelse av søt ømhet hos betrakteren. I dette maleriet avbildet Bartolome Murillo Madonnaen og Jesus med en rosenkrans, en tradisjonell katolsk rosenkrans, som ble gitt bønn veldig viktig på kunstnerens tid. I dette verket er trekk ved naturalismen som rådet i verkene til representantene for Sevilla-skolen i første halvdel av 1600-tallet fortsatt merkbare, men Murillos malerstil er allerede friere enn i hans tidlige arbeid. Denne frie måten er spesielt uttalt i skildringen av sløret til Jomfru Maria. Kunstneren bruker sterkt lys for å fremheve figurene mot en mørk bakgrunn og skape en kontrast mellom de delikate tonene i ansiktet til Jomfruen og kroppen til babyen Kristus og de dype skyggene i stofffoldene.
I Andalusia på 1600-tallet var bildet av Guds mor med barnet spesielt etterspurt. Murillo, hvis kreativt liv fant sted i Sevilla, malte mange slike malerier, gjennomsyret av ømhet. I dette tilfellet er Guds mor med en rosenkrans avbildet. Og her, som i tidlige år av sitt arbeid forblir kunstneren tro mot sin forkjærlighet for lys- og skyggekontraster.
Bartolome Esteban Murillo "Den gode hyrden" 1655-1660
Bildet er gjennomsyret av dyp lyrikk og vennlighet. Tittelen er hentet fra Johannesevangeliet: «Jeg er den gode hyrde». Dette tyder på at bildet skildrer Kristus, om enn i en veldig tidlig alder. På bildet av Murillo er alt vakkert og enkelt. Kunstneren elsket å male barn, og han la all denne kjærligheten inn i skjønnheten i bildet av denne gutt-guden. På 1660- og 1670-tallet, under storhetstiden til hans billedferdigheter, forsøkte Murillo å poetisere karakterene sine, og han ble ofte anklaget for noen sentimentale bilder og deres bevisste skjønnhet. Disse anklagene er imidlertid ikke helt rettferdige. Barnet som er avbildet på bildet kan i dag sees både i Sevilla og i landsbyene rundt. Og det var nettopp i dette at den demokratiske orienteringen til kunstnerens arbeid ble manifestert - ved å utjevne skjønnheten til Madonna med skjønnheten til vanlige spanske kvinner, og skjønnheten til hennes sønn, lille Kristus, med skjønnheten til gatetomboys.
Alonso Sanchez Coelho "Portrett av Infante Isabella Clara Eugenia og Catalina Micaela" 1575
Portrettet av prinsessen på åtte og ni år holder en blomsterkrans. Sanchez Coelho malte portretter av infantas - de elskede døtrene til kong Filip II og hans tredje kone Isabella av Valois - helt fra deres tidlige alder. Alle portretter er laget i samsvar med kanonene til et hoffportrett - jenter i praktfulle klær og med ufølsom ansiktsuttrykk.
Anton Raphael Mengs. Portrett av kong Carlos III. 1767
Charles III ble kalt kanskje den eneste virkelig opplyste monarken i Spanias historie. Det var han som grunnla Prado-museet i 1785, først som et naturhistorisk museum. Charles III drømte at Prado-museet, sammen med naboen botaniske hager bli sentrum for vitenskapelig utdanning.
Etter å ha besteget tronen, begynte han å gjennomføre alvorlige politiske og økonomiske reformer, som landet så sterkt trengte på den tiden. Hans innsats var imidlertid forgjeves - sønnen Karl IV delte ikke farens progressive syn, og etter Karl IIIs død var reformene over.
Dette portrettet er helt typisk for sin tid. Med hver detalj trekker kunstneren oppmerksomheten til posisjonen som modellen har: en mantel trimmet med hermelin, et maltesisk kors innlagt med juveler, skinnende rustning er uunnværlige attributter for kongelig storhet. Frodig draperi og en pilaster (et element i klassisk arkitektur) er det tradisjonelle bakteppet for slike portretter.
Men allerede i dette portrettet er det overraskende hvordan modellens ansikt presenteres. Mengs gjør ingen forsøk på å krympe sin løklignende kongelige nese eller jevne ut linjene i de rynkete kinnene. Takket være den maksimale individualiteten, skaper dette maleriet en følelse av liv som Mengs' forgjengere ikke kunne oppnå. Portrettet får deg til å føle sympati for Carlos III, som er klar til å "vise" sitt ufullkomne utseende.
Antoine Watteau "Festival i parken" ca. 1713 - 1716
Denne sjarmerende scenen er et typisk eksempel på Watteaus "galante feiringer". lett tåke, smørende konturer, statuen av Neptun nesten skjult i løvet over fontenen og en falmet gylden farge - alt dette formidler en atmosfære av skarp, men flyktig nytelse.
Maleriet tilhørte Isabella Farnese, andre kone til kong Philip V.
Antonio Carnicero "Heving av varmluftsballongen i Aranjuez" ca. 1784
Maleriet ble bestilt av hertugen og hertuginnen av Oswan, det fanger opplysningstidens ånd, som vekket interesse for prestasjoner vitenskapelige fremskritt. En virkelig hendelse er avbildet: i 1784, i Royal Gardens of Aranjuez, i nærvær av monarken, medlemmer av hans familie og hoffmenn, ble det foretatt en flytur på ballongen Montgolfier. Antonio Carnicero var kjent for sine sjarmerende sjangerscener, og dette lerretet er et av hans mest ambisiøse verk.
José de Madrazo y Agudo "Himmelsk kjærlighet og jordisk kjærlighet" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Guds lam" 1635-1640
Et lam ligger på et grått bord og skiller seg skarpt ut mot en mørk bakgrunn i et skarpt fokusert sterkt lys. Enhver person på 1600-tallet ville umiddelbart gjenkjenne «Guds lam» i ham og ville forstå at dette er et snev av Kristi selvoppofrelse. Lammeullen er bemerkelsesverdig skrevet ut og virker så myk at det er vanskelig å ta øynene fra dyret og ville ta på det.
Juan Pantoja de la Cruz "Portrett av dronning Isabella av Valois" ca. 1604 - 1608
Pantoja de la Cruz malte dette portrettet, og gjentok arbeidet til Sofonisba Anguishola - originalen brant ned i palasset i 1604. Kunstneren la bare en murmeldyrkappe til dronningens antrekk.
Sofonisba Anguixola er en kunstner fra Cremona som jobbet ved det spanske hoffet. Det var det første portrettet av en ung dronning fra en serie laget av kunstneren. Bildet er skrevet på en måte nær spansk, men i varmere og lysere farger.
Jean Rann "Portrett av Carlos III som barn" 1723
Luis Melendez "Stilleben med en boks med søtsaker, en kringle og andre gjenstander" 1770
Den største mester i spansk stilleben XVIII c., Luis Melendez ble født i Italia, i familien til en miniatyrist fra Asturias. I 1717 flyttet familien til Madrid, hvor den unge mannen gikk inn i den forberedende avdelingen til Academy of San Fernando, og blant de mest begavede av studentene hennes tok førsteplassen. Imidlertid ble han i 1747 tvunget til å forlate akademiet i kjølvannet av sin far, som ble utvist fra det som et resultat av konflikten. I løpet av denne perioden besøker Melendez igjen Italia. Ved å hjelpe faren til å begynne med ble han miniatyrist, og kom tilbake fra Italia, ble invitert av Ferdinand VI for å illustrere bøker i det kongelige kapellet i Madrid. I sjangeren stilleben, som kunstneren vendte seg til på begynnelsen av 1760-tallet, dukket en ny fasett av hans arbeid opp.
Dette stillebenet ble malt inn moden periode kunstnerens kreativitet. På denne tiden dukker det opp luksusgjenstander, sølvredskaper i komposisjonene hans. Men likevel holder kunstneren seg til sine idealer og jobber i tråd med sjangertradisjon. Den materielle håndgripbarheten til hver av gjenstandene malt på lerret får oss til å huske de beste eksemplene på stilleben i verdenskunsten. Det følbare gjennomsiktige glasset i glasset reflekteres i den matte, skinnende overflaten på sølvvasen. Myk, kringle på en hvit serviett, det ser ut til å lukte som nybakt brød. Halsen på en forseglet flaske skinner sløvt. En sølvgaffel stikker litt utover kanten av det opplyste bordet. I komposisjonen til dette stillebenet er det ingen asketisk oppstilling av gjenstander på én rad, karakteristisk for eksempel for Zurbarans stilleben. Kanskje det har noe til felles med de nederlandske prøvene. Men tonen er mørkere, objektene er mindre og komposisjonen er enklere.
Juan de Arellano "Blomsterkurv" 1670
En spansk barokkmaler som spesialiserer seg på blomsteroppsatser, ble født i Santorcase i 1614. Først studerte han i studioet til en nå ukjent kunstner, men i en alder av 16 flyttet han til Madrid, hvor han studerte med Juan de Solis, en kunstner som fullførte oppdrag for dronning Isabella. Juan de Arellano levde lenge på bekostning av små bestillinger, inkludert veggmalerier, inntil han bestemte seg for å fokusere utelukkende på å male blomster og ble en uovertruffen mester på dette området. Det antas at mesteren begynte med å kopiere verkene til andre, spesielt italienske, kunstnere, de flamske stillebenene ga stilen hans eleganse og strenghet. Senere, til denne kombinasjonen, la han til sine egne komposisjonsfunn og en karakteristisk fargepalett.
Den ganske enkle komposisjonen av dette stilleben er karakteristisk for Arellano. Rene, intense plantefarger skiller seg sterkt ut mot en nøytral brunaktig bakgrunn på grunn av intens belysning.
Svetlana Obukhova
Om livet til den kretiske Domenico Theotokopuli, kunstneren som erobret spanske Toledo under navnet El Greco, det vil si den greske, er det nesten ingen bevis igjen. "Dårskapen" til karakteren hans og den merkelige billedmessige måten forbløffet mange og tvang dem til å ta opp en penn - men bare noen få bokstaver har overlevd. En av dem inneholder følgende linjer: «... været var vakkert, vårsolen skinte mildt. Det ga glede til alt, og byen så festlig ut. Forestill deg min overraskelse da jeg gikk inn på El Grecos verksted og så at skoddene på vinduene var lukket, og derfor var det vanskelig å se hva som var rundt. El Greco satt selv på en krakk og gjorde ingenting, men våken. Han ønsket ikke å gå ut med meg, fordi sollyset ifølge ham forstyrret hans indre lys ... "
Det er nesten ingen bevis for mannen Domenico, bare ekko: at han levde i storslått stil, holdt det rikeste biblioteket, leste mange filosofer og også saksøkte kunder (han ble elsket, men oftere ikke forstått), døde nesten i fattigdom, som tynne stråler av dagslys bryter gjennom sprekkene i hans livs "lukkede skodder". Men de distraherer ikke fra det viktigste - fra det indre lyset som fyller maleriene til kunstneren El Greco. Spesielt portretter.
De har ikke landskap som åpner seg bak personen som blir portrettert, det er ingen overflod av detaljer som tiltrekker det nysgjerrige blikket. Selv heltens navn er ofte utelatt fra bildet. Fordi alt dette ville hindret å se ansiktet. Og øyne, dype, mørke, ser rett på deg. Det er vanskelig å bryte fra dem, og hvis du tvinger deg selv, så å se gesten - og igjen stoppe i tankene.
Slik er "Portrettet av en gentleman med en hånd på brystet" (1577-1579), skrevet av mesteren kort tid etter at han flyttet til Toledo. Dette portrettet er anerkjent som et av de beste i spansk maleri på 1500-tallet. Utlendingen El Greco skapte "levende bilder av spansk liv og historie", som skildrer "ekte levende vesener, som kombinerer alt som er å beundre i vårt folk, alt heroisk og ukuelig, med de motsatte egenskapene som ikke kan annet enn å reflekteres, uten å ødelegge dens selve essensen» (A. Segovia). Aristokrater fra de eldgamle familiene i Toledo ble de sanne heltene i El Greco, han så deres indre lys - deres adel og verdighet, plikttroskap, intelligens, sofistikert oppførsel, mot, ytre tilbakeholdenhet og indre impuls, hjertets styrke, som vet hva som lever og dør for...
Dag etter dag stopper besøkende til Prado-galleriet foran den ukjente hidalgoen, overrasket med ordene: "Hvor levende ..." Hvem er denne ridderen? Hvorfor åpner han hjertet sitt med en slik oppriktighet? Hvorfor er øynene hans så attraktive? Og denne edgesten? Og sverdets feste?.. Kanskje disse spørsmålene ga opphav til legenden om at den som er avbildet i portrettet er en annen stor spanjol: Miguel de Cervantes. En kriger og forfatter som fortalte verden historien om en ridder av et trist bilde, som ble gitt den samme guddommelige gaven som El Greco - å se mennesker som de burde være, å se deres indre lys ...
Og andre malerier fra Prado-museet i Eremitasjen...
El Greco "Kristus omfavner korset" 1600 - 1605
Avbildet mot bakgrunnen av en stormfull himmel som er typisk for El Greco, klemmer Kristus korset med sine grasiøse armer og ser opp med rolig undergang. Maleriet ble en stor suksess, og mange versjoner av det ble laget i El Grecos verksted.
El Greco "Den hellige familie med St. Anne og Lille døperen Johannes" ca. 1600 - 1605
Den sene perioden av El Grecos arbeid er preget av bruk av gjennomtrengende farger og blinker; rommet er fullstendig fylt med figurer som skjuler horisonten. Former tegnet med et vibrerende slag mister sin materialitet. Lille døperen Johannes kaller betrakteren til stillhet, for ikke å forstyrre freden til spedbarnet Kristus...
Velasquez - Portrett av Filip IV Portrett av kong Filip IV. 1653-1657
Grunnlaget for det psykologiske portrettet i europeisk kunst ble lagt av den spanske maleren Diego Rodriguez de Silva Velasquez. Han ble født inn i en fattig adelsfamilie i Sevilla, studerte med Herrera den eldste og Pacheco. I 1622 kom han først til Madrid. I praktisk forstand var denne turen ikke veldig vellykket - Velasquez fant ikke et verdig sted for seg selv. Han håpet å møte den unge kong Filip IV, men møtet fant ikke sted. Likevel nådde ryktene om den unge kunstneren hoffet, og allerede neste år, 1623, inviterte den første ministeren, hertugen de Olivares (også en innfødt av Sevilla), Velázquez til Madrid for å male et portrett av kongen. Dette arbeidet, som ikke har kommet ned til oss, gjorde et så behagelig inntrykk på monarken at han umiddelbart tilbød Velázquez stillingen som hoffmaler. Snart utviklet det seg ganske vennlige forhold mellom kongen og Velazquez, noe som ikke var veldig typisk for ordenen som regjerte ved det spanske hoffet. Kongen, som styrte det største imperiet i verden, ble ikke ansett som en mann, men en guddom, og kunstneren kunne ikke engang regne med edle privilegier, siden han tjente til livets opphold ved arbeid. I mellomtiden beordret Philip at fremover bare Velasquez malte portrettene hans. Den store monarken var overraskende sjenerøs og støttet Velasquez. Kunstnerens atelier lå i de kongelige leilighetene, og en stol for Hans Majestet ble installert der. Kongen, som hadde nøkkelen til verkstedet, kom hit nesten hver dag for å observere kunstnerens arbeid Mens han var i kongelig tjeneste fra 1623 til 1660, malte Velasquez rundt et dusin portretter av sin overherre. Av disse har litt mer enn 10 malerier kommet ned til oss. Dermed portretterte Velasquez i gjennomsnitt sin overherre omtrent en gang hvert tredje år. Å male portretter av kongen var Velasquez' verk, og han gjorde denne jobben perfekt. Takket være dette har vi et kompleks av verk som er unikt i sitt slag: portrettene av Velázquez sporer livet til kong Philip like tydelig som det senere ble en skikk først i fotografiets tidsalder. Evolusjon er godt synlig i kunstnerens lerreter. For det første er kongen selv i endring, 18 år gammel i det første portrettet og 50 år gammel i det siste, ansiktet hans bærer preg av alder og åndelige endringer. For det andre blir kunstnerens oppfatning av modellen sin dypere, og går fra overfladisk til innsiktsfull. Over tid endres måten modellen presenteres og kunstneriske teknikker på. Velazquez sin måte blir transformert under påvirkning av hans egen kreative vekst, så vel som under påvirkning av moderne innenlandske og utenlandske tradisjoner. I dette bysteportrettet vises Filip IV mot en mørk bakgrunn iført en svart kappe med en hvit krage som fremhever monarkens ansikt. Velasquez unngår prangende luksus i portrettet av kongen og viser monarkens «menneskelige ansikt» uten smiger eller høvisk list. Vi føler tydelig at personen som ser på oss fra lerretet er ulykkelig, de siste årene av regjeringen var ikke lette for kongen. Dette er en person som har kjent skuffelse, men samtidig - en person hvis kjøtt er fullt av medfødt storhet, som ingenting kan rokke ved. En annen stor kunstner, en spanjol til margen av sine bein - Pablo Ruiz Picasso sier dette om bildet av den spanske kongen: "Vi kan ikke forestille oss en annen Philip IV, bortsett fra den som ble skapt av Velazquez ..."
"Portrett av kong Filip IV" (ca. 1653 - 1657)
Et av de siste portrettene av monarken. Det er interessant å merke seg at det ikke er et eneste element her som snakker om den kongelige statusen til personen som blir portrettert. Velazquez tjente Filip IV i nesten førti år - fra 1623 til hans død malte han portretter av kongen og hans familie, store plotlerreter for den kongelige samlingen.
Diego Velasquez "Portrett av narren Don Diego de Acedo" (El Primo) ca. 1644
Diego Velasquez "Portrett av dronning Marianne av Østerrike" 1652-1653
Titian (Tiziano Vecellio) "Venus med Amor og organist" 1555
Musikeren spiller, sitter ved føttene til Venus og beundrer gudinnens nakne kropp, et abstrakt spill med Amor. Noen så i dette bildet et rent erotisk verk, mens andre oppfattet det symbolsk – som en allegori over følelser, der syn og hørsel fungerer som verktøy for å forstå skjønnhet og harmoni. Titian skrev fem versjoner av dette temaet.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - angrende Maria Magdalena 1583
Etter sin omvendelse viet Maria Magdalena livet sitt til omvendelse og bønn, og trakk seg tilbake fra verden. På dette lerretet er hun avbildet ser inn i himmelen og oversvømmet med guddommelig lys. Bildet er skrevet i tykke mørke farger, karakteristisk for Veroneses stil i den sene perioden av arbeidet hans. Før de kom inn i de spanske kongelige samlingene, tilhørte verket den engelske kongen Charles I (henrettet i 1649)
Anthony van Dyck "Portrett av en mann med lut" 1622-1632
Anthony Van Dyck skylder sin berømmelse til portrettsjangeren, som inntok en ganske lav posisjon i hierarkiet til europeisk maleri. Men i Flandern på dette tidspunktet hadde det allerede utviklet seg en tradisjon for portrettkunst. Van Dyck malte hundrevis av portretter, flere selvportretter, og ble en av skaperne av den seremonielle portrettstilen på 1600-tallet. I portrettene til sine samtidige viste han deres intellektuelle, emosjonelle verden, åndelige liv, den levende karakteren til en person.
Den tradisjonelle modellen for dette portrettet er Jacob Gautier, lutenist ved det engelske hoffet fra 1617 til 1647, men tilstedeværelsen av et sverd, og i større grad de stilistiske kjennetegnene ved verket, indikerer at det må dateres mye tidligere enn Van Dycks tur til London, noe som sår tvil om denne teorien. Tilstedeværelsen av et musikkinstrument betyr ikke nødvendigvis at modellen var en musiker. Som et symbol ble musikkinstrumenter ofte avbildet i portretter, som en indikasjon på den intellektuelle raffinementen og følsomheten til det avbildede.
Juan Bautista Maino "Hyrdenes tilbedelse" 1612-1614
Et av Mainos mesterverk. Samlingen av State Hermitage inneholder en annen versjon av denne historien, skrevet av Maino. Kunstneren ble født i Pastrana (Guadalajara) og bodde i Roma fra 1604 til 1610. I dette verket, skrevet etter hjemkomst til Spania, kan man føle innflytelsen fra Caravaggio og Orazio Gentileschi. I 1613 ble Maino medlem av den dominikanske orden, og maleriet gikk inn i altersyklusen til klosteret St. Peter Martyren i Toledo.
Georges de Latour "Den blinde musikeren med lyren" ca. 1625-1630
Latour skildrer en gammel blind musiker som spiller en sløyfe som gjentok denne historien mange ganger. Kunstneren, som jobbet under påvirkning av Caravaggios stil, gjengir entusiastisk detaljene - mønsteret som pryder musikkinstrumentet, rynkene i ansiktet til den blinde mannen, håret hans.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Releasing Andromeda" ca. 1639-1640
Francisco de Goya "Portrett av Ferdinand VII" 1814-1815
Etter Napoleons nederlag i 1814 vendte Ferdinand VII tilbake til den spanske tronen. I portrettet er han avbildet i en kongemantel foret med hermelin, med et septer og ordrene til Carlos III og det gylne skinn.
Ferdinand VII, som styrte landet til 1833, grunnla Prado-museet i 1819.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, kona til den første direktøren for Prado, var en av de mest ærede kvinnene i Spania i sin tid.
I et portrett fra 1805 avbildet Goya markisen som musen for lyrisk poesi, Euterpe, liggende på en baldakin og med en lyre i venstre hånd. Valget av nettopp et slikt bilde skyldes Marquises lidenskap for poesi.
Francisco Goya - "Høst (druehøst)" 1786 - 1787
Francisco Goya - Druehøsten. fragment
I 1775 - 1792 skapte Goya syv serier med papptepper for Escorial- og Prado-palassene i utkanten av Madrid. Spesielt dette maleriet tilhører serien av sesonger og var beregnet på spisestuen til prinsen av Asturias i Prado. Goya fremstilte det klassiske plottet som en hverdagsscene, som gjenspeiler arten av forholdet mellom forskjellige klasser - bildet viser eierne av vingården med sønnen og hushjelpen.
Francisco Goya "Portrett av general José de Urrutia" (ca. 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - en av de mest fremtredende spanske militærlederne og den eneste hæroffiseren av ikke-aristokratisk opprinnelse på 1700-tallet som nådde rangen som generalkaptein - er avbildet med St. George-ordenen, som han ble tildelt av den russiske keiserinnen Katarina den store for å ha deltatt i fangsten av Ochakov under Krim-kampanjen i 1789.
Peter Paul Rubens "Portrett av Marie de Medici". OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) var datter av storhertugen av Toscana Francesco I. I 1600 ble hun kone til den franske kong Henrik IV. Siden 1610 var hun regent for sin unge sønn, den fremtidige kong Ludvig XIII. Rubens hun bestilte en serie verk som glorifiserer seg selv og sin avdøde ektemann. Portrettet viser dronningen iført en enkes hodeplagg og mot en uferdig bakgrunn.
Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" ca. 1580-1590
Viscente Lopez Portagna "Portrett av Felix Maximo Lopez, første organist ved Royal Chapel" 1820
Spansk nyklassisistisk maler, samtidig som han beholder spor av rokokkostilen. Lopez ble ansett som en av de beste portrettmalerne i sin tid, nest etter Francisco de Goya. Han begynte å studere maleri i Valencia i en alder av 13 år, og fire år senere vant han flere førstepriser ved San Carlos Academy, noe som ga ham et stipend for å studere ved det prestisjetunge San Fernando Royal Academy of Fine Arts i hovedstaden. Etter å ha fullført studiene jobbet Lopez i flere år i verkstedet til Mariano Salvador Maella, læreren hans. I 1814, etter den franske okkupasjonen, var López allerede en ganske kjent kunstner, så den spanske kongen Ferdinand VII kalte ham til Madrid og utnevnte ham til offisiell hoffmaler, til tross for at Francisco Goya selv var den "første kongelige kunstneren". på den tiden. Vicente López var en produktiv kunstner, han malte om religiøse, allegoriske, historiske og mytologiske emner, men fremfor alt var han selvfølgelig en portrettmaler. I løpet av sin lange karriere malte han portretter av nesten alle kjente personer i Spania i første halvdel av 1800-tallet.
Dette portrettet av den første organisten i det kongelige kapell og den berømte musikeren og komponisten ble malt kort før kunstnerens død, og ble fullført av hans eldste sønn, Ambrosio López.
Anton Raphael Mengs "Portrett av Maria Louise av Parma, prinsesse av Asturias" 1766
Juan Sanchez Cotán "Stilleben med vilt, grønnsaker og frukt" 1602
Don Diego de Acedo har vært ved retten siden 1635. I tillegg til «nartjenesten» fungerte han som kongelig budbringer og hadde ansvaret for kongens segl. Tilsynelatende snakker bøkene, papirene og skrivemateriellet som er avbildet på bildet om disse aktivitetene. Det antas at portrettet ble malt i Fraga, provinsen Huesca, under turen til Filip IV til Aragon, der han ble ledsaget av Diego de Acedo. I bakgrunnen stiger toppen av Maliceos i Guadarrama-fjellkjeden.
Hieronymus Bosch "Fjerning av dumhetens stein" ca. 1490
I en satirisk scene med figurer mot et landskaps bakteppe, skildres en operasjon for å trekke ut «dumhetens stein». Inskripsjonen med gotisk skrift lyder: - "Mester, fjern steinen raskt. Jeg heter Lubbert Das." Lubbert er et vanlig substantiv som betegner uvitenhet og uskyld. En kirurg i hodeplagg i form av en omvendt trakt, som symboliserer uvitenhet, "trekker ut" en stein (vannlilje) fra hodet til en godtroende pasient og krever en sjenerøs betaling fra ham. På den tiden trodde de enfoldige at en stein i hodet var skyld i deres dumhet. Dette er hva sjarlatanene brukte.
Rafael (Raffaello Santi) "Hellig familie med et lam" 1507
Maria hjelper den lille Kristus med å sitte på et lam - et kristent symbol på Kristi kommende lidenskap, og St. Joseph ser på dem. Maleriet ble malt i Firenze, hvor kunstneren studerte arbeidet til Leonardo da Vinci, påvirket av komposisjonene hans med Den hellige familie. I Prado-museet er dette det eneste verket av Raphael skrevet i den tidlige perioden.
Albrecht Dürer "Portrett av en ukjent mann" ca. 1521
Portrettet tilhører den sene perioden av Dürers arbeid. Skrevet på en måte som ligner stilen til nederlandske kunstnere. En bredbremmet hatt trekker oppmerksomheten mot ansiktet til personen som blir portrettert, lyset som faller fra venstre fokuserer betrakterens oppmerksomhet mot det. Det andre oppmerksomhetsfokuset i portrettet er hendene, og fremfor alt venstre, der den ukjente personen holder en rulle - tilsynelatende forklarer hans sosiale status.
Rogier Van der Weyden "Lamentation" ca. 1450
Modellen var altertriptyken for Miraflores-klosteret (oppbevart i kunstgalleriet i Berlin), skapt av Van der Weyden tidligere enn 1444 og gjentatt med noen forskjeller. I denne versjonen, med den øvre delen lagt til i en ukjent periode, Mary, Christ, St. John og giveren (kunden av maleriet) - et medlem av Broers-familien - er avbildet i samme rom. Kunstneren formidler uttrykksfullt sorgen til Guds mor, og presser kroppen til hennes døde sønn til brystet. Den tragiske gruppen til venstre motarbeides av donorskikkelsen, atskilt med en stein. Han er i en tilstand av bønnfull konsentrasjon. På den tiden ba kundene ofte om å fremstille seg selv i maleriene. Men bildene deres var alltid sekundære - et sted i bakgrunnen, i mengden osv. Her er giveren avbildet i forgrunnen, men atskilt fra hovedgruppen med en stein og ved hjelp av farger.
Alonso Cano "Dead Christ Supported by an Angel" ca. 1646 - 1652
På bakgrunn av et skumringslandskap støtter en engel Kristi livløse kropp. Den uvanlige ikonografien til dette lerretet forklares av det faktum at det ikke er assosiert med de evangeliske tekstene, men med den såkalte Kristus fra St. Gregory. Ifølge legenden hadde pave Gregor den store en visjon av den døde Kristus støttet av to engler. Kano tolket denne historien på en annen måte - bare én engel støtter Kristi ubevegelige kropp.
Bartolome Esteban Murillo "Vår Frue av rosenkransen" ca. 1650 -1655
Arbeidet til Bartolome Esteban Murillo fullfører gullalderen til spansk maleri. Murillos verk er upåklagelig nøyaktige i komposisjonen, rike og harmoniske i farger og vakre i ordets høyeste betydning. Følelsene hans er alltid oppriktige og delikate, men i Murillos lerreter er det ikke lenger den åndelige kraften og dybden som er så sjokkerende i verkene til hans eldre samtidige. Livet til kunstneren er knyttet til hjemlandet Sevilla, selv om han måtte besøke Madrid og andre byer. Etter å ha studert hos den lokale maleren Juan del Castillo (1584-1640), jobbet Murillo mye på ordre fra klostre og templer. I 1660 ble han president for Academy of Fine Arts i Sevilla.
Med sine lerreter om religiøse emner forsøkte Murillo å bringe trøst og trygghet. Det er ingen tilfeldighet at han veldig ofte malte bildet av Guds mor. Fra bilde til bilde gikk bildet av Mary i form av en nydelig ung jente med vanlige trekk og et rolig utseende. Hennes uskyldige utseende skulle fremkalle en følelse av søt ømhet hos betrakteren. I dette maleriet avbildet Bartolome Murillo Madonnaen og Jesus med en rosenkrans, en tradisjonell katolsk rosenkrans, som bønn ble tillagt stor betydning på kunstnerens tid. I dette verket er trekk ved naturalismen som rådet i verkene til representantene for Sevilla-skolen i første halvdel av 1600-tallet fortsatt merkbare, men Murillos malerstil er allerede friere enn i hans tidlige arbeid. Denne frie måten er spesielt uttalt i skildringen av sløret til Jomfru Maria. Kunstneren bruker sterkt lys for å fremheve figurene mot en mørk bakgrunn og skape en kontrast mellom de delikate tonene i ansiktet til Jomfruen og kroppen til babyen Kristus og de dype skyggene i stofffoldene.
I Andalusia på 1600-tallet var bildet av Guds mor med barnet spesielt etterspurt. Murillo, hvis kreative liv ble tilbrakt i Sevilla, malte mange av disse maleriene, gjennomsyret av ømhet. I dette tilfellet er Guds mor med en rosenkrans avbildet. Og her, som i de første årene av sitt arbeid, forblir kunstneren tro mot sin forkjærlighet for lys- og skyggekontraster.
Bartolome Esteban Murillo "Den gode hyrden" 1655-1660
Bildet er gjennomsyret av dyp lyrikk og vennlighet. Tittelen er hentet fra Johannesevangeliet: «Jeg er den gode hyrde». Dette tyder på at bildet skildrer Kristus, om enn i en veldig tidlig alder. På bildet av Murillo er alt vakkert og enkelt. Kunstneren elsket å male barn, og han la all denne kjærligheten inn i skjønnheten i bildet av denne gutt-guden. På 1660- og 1670-tallet, under storhetstiden til hans billedferdigheter, forsøkte Murillo å poetisere karakterene sine, og han ble ofte anklaget for noen sentimentale bilder og deres bevisste skjønnhet. Disse anklagene er imidlertid ikke helt rettferdige. Barnet som er avbildet på bildet kan i dag sees både i Sevilla og i landsbyene rundt. Og det var nettopp i dette at den demokratiske orienteringen til kunstnerens arbeid ble manifestert - ved å utjevne skjønnheten til Madonna med skjønnheten til vanlige spanske kvinner, og skjønnheten til hennes sønn, lille Kristus, med skjønnheten til gatetomboys.
Alonso Sanchez Coelho "Portrett av Infante Isabella Clara Eugenia og Catalina Micaela" 1575
Portrettet av prinsessen på åtte og ni år holder en blomsterkrans. Sanchez Coelho malte portretter av infantas - de elskede døtrene til kong Filip II og hans tredje kone Isabella av Valois - helt fra deres tidlige alder. Alle portretter er laget i samsvar med kanonene til et hoffportrett - jenter i praktfulle klær og med ufølsom ansiktsuttrykk.
Anton Raphael Mengs. Portrett av kong Carlos III. 1767
Charles III ble kalt kanskje den eneste virkelig opplyste monarken i Spanias historie. Det var han som grunnla Prado-museet i 1785, først som et naturhistorisk museum. Charles III drømte om at Prado-museet, sammen med de nærliggende botaniske hagene, skulle bli et senter for vitenskapelig utdanning.
Etter å ha besteget tronen, begynte han å gjennomføre alvorlige politiske og økonomiske reformer, som landet så sterkt trengte på den tiden. Hans innsats var imidlertid forgjeves - sønnen Karl IV delte ikke farens progressive syn, og etter Karl IIIs død var reformene over.
Dette portrettet er helt typisk for sin tid. Med hver detalj trekker kunstneren oppmerksomheten til posisjonen som modellen har: en mantel trimmet med hermelin, et maltesisk kors innlagt med juveler, skinnende rustning er uunnværlige attributter for kongelig storhet. Frodig draperi og en pilaster (et element i klassisk arkitektur) er det tradisjonelle bakteppet for slike portretter.
Men allerede i dette portrettet er det overraskende hvordan modellens ansikt presenteres. Mengs gjør ingen forsøk på å krympe sin løklignende kongelige nese eller jevne ut linjene i de rynkete kinnene. Takket være den maksimale individualiteten, skaper dette maleriet en følelse av liv som Mengs' forgjengere ikke kunne oppnå. Portrettet får deg til å føle sympati for Carlos III, som er klar til å "vise" sitt ufullkomne utseende.
Antoine Watteau "Festival i parken" ca. 1713 - 1716
Denne sjarmerende scenen er et typisk eksempel på Watteaus "galante feiringer". En lett tåke som visker ut konturene, en statue av Neptun nesten skjult i løvet over fontenen og en falmet gylden farge - alt dette formidler en atmosfære av skarp, men flyktig nytelse.
Maleriet tilhørte Isabella Farnese, andre kone til kong Philip V.
Antonio Carnicero "Heving av varmluftsballongen i Aranjuez" ca. 1784
Maleriet ble bestilt av hertugen og hertuginnen av Oswan, det gjenspeiler opplysningstidens ånd, som vekket interesse for prestasjonene til vitenskapelig fremgang. En virkelig hendelse er avbildet: i 1784, i Royal Gardens of Aranjuez, i nærvær av monarken, medlemmer av hans familie og hoffmenn, ble det foretatt en flytur på ballongen Montgolfier. Antonio Carnicero var kjent for sine sjarmerende sjangerscener, og dette lerretet er et av hans mest ambisiøse verk.
José de Madrazo y Agudo "Himmelsk kjærlighet og jordisk kjærlighet" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Guds lam" 1635-1640
Et lam ligger på et grått bord og skiller seg skarpt ut mot en mørk bakgrunn i et skarpt fokusert sterkt lys. Enhver person på 1600-tallet ville umiddelbart gjenkjenne «Guds lam» i ham og ville forstå at dette er et snev av Kristi selvoppofrelse. Lammeullen er bemerkelsesverdig skrevet ut og virker så myk at det er vanskelig å ta øynene fra dyret og ville ta på det.
Juan Pantoja de la Cruz "Portrett av dronning Isabella av Valois" ca. 1604 - 1608
Pantoja de la Cruz malte dette portrettet, og gjentok arbeidet til Sofonisba Anguishola - originalen brant ned i palasset i 1604. Kunstneren la bare en murmeldyrkappe til dronningens antrekk.
Sofonisba Anguixola er en kunstner fra Cremona som jobbet ved det spanske hoffet. Det var det første portrettet av en ung dronning fra en serie laget av kunstneren. Bildet er skrevet på en måte nær spansk, men i varmere og lysere farger.
Jean Rann "Portrett av Carlos III som barn" 1723
Luis Melendez "Stilleben med en boks med søtsaker, en kringle og andre gjenstander" 1770
Den største mesteren av det spanske stillebenet på 1700-tallet, Luis Melendez, ble født i Italia, i familien til en miniatyrist fra Asturias. I 1717 flyttet familien til Madrid, hvor den unge mannen gikk inn i den forberedende avdelingen til Academy of San Fernando, og blant de mest begavede av studentene hennes tok førsteplassen. Imidlertid ble han i 1747 tvunget til å forlate akademiet i kjølvannet av sin far, som ble utvist fra det som et resultat av konflikten. I løpet av denne perioden besøker Melendez igjen Italia. Ved å hjelpe faren til å begynne med ble han miniatyrist, og kom tilbake fra Italia, ble invitert av Ferdinand VI for å illustrere bøker i det kongelige kapellet i Madrid. I sjangeren stilleben, som kunstneren vendte seg til på begynnelsen av 1760-tallet, dukket en ny fasett av hans arbeid opp.
Dette stilleben ble skrevet i den modne perioden av kunstnerens arbeid. På denne tiden dukker det opp luksusgjenstander, sølvredskaper i komposisjonene hans. Men likevel holder kunstneren seg til sine idealer og arbeider i tråd med sjangertradisjonen. Den materielle håndgripbarheten til hver av gjenstandene malt på lerret får oss til å huske de beste eksemplene på stilleben i verdenskunsten. Det følbare gjennomsiktige glasset i glasset reflekteres i den matte, skinnende overflaten på sølvvasen. Myk, kringle på en hvit serviett, det ser ut til å lukte som nybakt brød. Halsen på en forseglet flaske skinner sløvt. En sølvgaffel stikker litt utover kanten av det opplyste bordet. I komposisjonen til dette stillebenet er det ingen asketisk oppstilling av gjenstander på én rad, karakteristisk for eksempel for Zurbarans stilleben. Kanskje det har noe til felles med de nederlandske prøvene. Men tonen er mørkere, objektene er mindre og komposisjonen er enklere.
Juan de Arellano "Blomsterkurv" 1670
En spansk barokkmaler som spesialiserer seg på blomsteroppsatser, ble født i Santorcase i 1614. Først studerte han i studioet til en nå ukjent kunstner, men i en alder av 16 flyttet han til Madrid, hvor han studerte med Juan de Solis, en kunstner som fullførte oppdrag for dronning Isabella. Juan de Arellano levde lenge på bekostning av små bestillinger, inkludert veggmalerier, inntil han bestemte seg for å fokusere utelukkende på å male blomster og ble en uovertruffen mester på dette området. Det antas at mesteren begynte med å kopiere verkene til andre, spesielt italienske, kunstnere, de flamske stillebenene ga stilen hans eleganse og strenghet. Senere, til denne kombinasjonen, la han til sine egne komposisjonsfunn og en karakteristisk fargepalett.
Den ganske enkle komposisjonen av dette stilleben er karakteristisk for Arellano. Rene, intense plantefarger skiller seg sterkt ut mot en nøytral brunaktig bakgrunn på grunn av intens belysning.
Kanskje et av de tidligste portrettene av El Greco laget i Spania er det såkalte "Portrettet av en gentleman med en hånd på brystet" (ca. 1577-1579). Dette er først og fremst bevist av den mer tradisjonelle, mørke, billedlige måten bygget på nyanser av brunlige toner med et tett glatt strøk. Den psykologiske nøytraliteten til tolkningen er typisk, som i fremtiden vil vike for en mye mer aktiv karakterisering.
Dette kjent portrett El Greco er så å si et bilde på en adelsmann i sin tid reist innenfor rammen av kanonen. Elegant, veldig rolig, med en gest av ed eller overbevisning, og legger høyre hånd på brystet, den ukjente caballero legemliggjør karakteristikken til det spanske aristokratiet sociego, altså uttrykket i utseende likevekt, tilbakeholdenhet, verdighet.
Håndtaket til Toledo-sverdet er en veltalende detalj av hans strenge utseende, en svart dress, dekorert med en høy krage og mansjetter av snøhvit blonder. Antonina Vallantin bemerker med rette at denne typen spanjoler penetrerte scenen og allerede levde på sidene av romaner, men for å bli portrettert måtte han vente på ankomsten til El Greco i Toledo.
Portrettet er imidlertid iboende intern inkonsekvens, siden det ideelle aspektet av bildet ikke helt samsvarer med personligheten til personen som blir portrettert - er en lite meningsfull natur avbildet. Inntrykket oppnås av lerretets billedstruktur, der ansiktet og hånden med det symbolske arrangementet av fingre stikker ut fra den mørke bakgrunnen som lyse flekker; den dyrebare skjønnheten til tynne glitrende blonder, sverdets feste, som om de henger i luften, får spesiell skjørhet. Frigjøringen av caballeroens blikk, utstyrt med typisk elgrekisk merkelig øyne, forsterker bildets uttrykksfullhet.
Mannen i kunstspeilet: Portrettets sjanger
Portrett(Fransk portrett) - et bilde av en bestemt person eller gruppe mennesker. Portrettsjangeren ble utbredt i antikken innen skulptur, og deretter innen maleri og grafikk. Men likhet dette er ikke det eneste kunstneren har å formidle. Det er mye viktigere når mesteren overfører den indre essensen til en person til lerretet og formidler tidens atmosfære. Skilleinngangsdør Og kammer portretter. Det er portretterparet Og gruppe. De er beregnet på å dekorere seremonielle saler, og for å prise visse mennesker, og for å bevare minnet om mennesker forent av profesjonelle, åndelige og familiebånd. spesiell kategorier selvportrett, som kunstneren skildrer seg selv på.
Hvilke som helst av portrettene kan tilskrives enten et psykologisk portrett, eller
til en portrett-karakter, eller til en portrett-biografi.
Kunst hjelper å kjenne en person. Ikke bare for å se det ytre
ansikt, men også for å forstå dens essens, karakter, humør, etc. Portrettet er nesten
alltid realistisk. Tross alt er hovedmålet anerkjennelsen av det avbildedeen person på den. Imidlertid er vanligvis ikke kunstnerens oppgave den eksaktekopiering eksterne funksjoner modeller, ikke en imitasjon av naturen, men en "pittoresk gjenskaping" av bildet av en person. Det er ikke tilfeldig at ønsketbare kjenne deg igjen i portrettet, og kanskje til og med oppdage noe nytt i seg selv.
Kunstnerens holdning til modellen blir ufrivillig formidlet til betrakteren. viktig
er alt som uttrykker følelser, holdning til livet, til mennesker: ansiktsuttrykk
avbildet ansikt, øyeuttrykk, leppelinje, hodevending, holdning,
gest.
Ofte tolker vi et verk fra dagens manns perspektiv.
dag tilskriver vi karaktertrekkene som er helt ukarakteristiske for hans tid, det vil si at vi streber etter å forstå det ukjente gjennom det kjente.
Det er også veldig viktig å vise den sosiale statusen til personen som blir portrettert, for å skape et typisk bilde av en representant for en viss epoke.
Som sjanger dukket portrettet opp for flere årtusener siden i antikkens kunst. Blant freskene til det berømte palasset i Knossos, funnet av arkeologer under utgravninger på øya Kreta, er det hele linjen billedlige bilder av kvinner knyttet til XVI århundre f.Kr. Selv om forskerne kalte disse bildene "hoffdamer", vet vi ikke hvem de kretiske mestrene prøvde å vise - gudinner, prestinner eller edle damer kledd i elegante kjoler.
"Pariser". Freske fra Knossos-palasset, 1500-tallet f.Kr
Den mest kjente var portrettet av en ung kvinne, kalt av forskere "Pariser". Vi ser foran oss et profilbilde (i henhold til datidens kunsttradisjoner) av en ung kvinne, veldig kokett og ikke neglisjerende sminke, som det fremgår av hennes mørkkantede øyne og lyst malte lepper.
Kunstnerne som skapte freskoportretter av sin samtid, fordypet seg ikke i modellenes egenskaper, og den ytre likheten i disse bildene er veldig relativ.
Religiøs tro i det gamle Egypt knyttet til kulten
døde, bestemte ønsket om å formidle en portrettlikhet i det skulpturelle bildet av en person: sjelen til den avdøde måtte finne sin beholder.
På begynnelsen av XX århundre. arkeologer har oppdaget for hele verden et fantastisk portrettbilde av dronning Nefertiti.
Opprettet i 1300-tallet f.Kr e.,dette bildet imponerer med glattheten til profillinjene, den fleksible nakkens ynde, den luftige lettheten og flytende overgangene til de uregelmessige, men vakre trekkene i kvinneansiktet..
Nefertiti var ikke bare dronningen av Egypt, hun ble æret som en gudinne. Den mest kjente og kanskje den vakreste av konene til de egyptiske faraoene bodde sammen med sin kronede ektemann i et enormt luksuriøst palass på østbredden av Nilen.
I kunst Antikkens Hellas en spesiell plass er okkupert av generaliserte, idealiserte bilder av helter eller guder. Kombiner åndelig og fysiskmalere og skulptører så legemliggjørelsenmenneskets skjønnhet og harmoni. 
I sin berømte "Discobolus" billedhugger fra det 5. århundre. f.Kr e Miron søker først og fremst å formidle en følelse av bevegelse med stabiliteten og monumentaliteten til kroppens linjer, uten å fokusere publikums oppmerksomhet på ansiktstrekkene. 
En spesiell ømhet og varme kommer fra statuen av Afrodite, gudinnen for kjærlighet og skjønnhet, skulpturert av billedhuggeren Praxiteles på 400-tallet f.Kr. f.Kr. for et tempel på Kreta. Det er ingen guddommelig majestet i dette bildet, bildet pusterfantastisk fred og kyskhet. 
Portrettet av Caracalla fanger bildet av en sterk, ond og kriminell mann. Forskjøvede øyenbryn, en rynket panne, et mistenksomt blikk fra under brynene, sensuelle lepper forbløffer med karakteriseringskraften. Det sterke hodet er satt på en tykk muskuløs hals. Bratte hårkrøller presses tett til hodet og understreker dens runde form. De har ikke en dekorativ karakter, som i forrige periode. En liten asymmetri i ansiktet formidles: høyre øye er mindre og plassert lavere enn venstre, munnlinjen er skråstilt. Skulptøren som skapte dette portrettet hadde all rikdommen til den virtuose marmorbehandlingsteknikken, alle hans ferdigheter var rettet mot å skape et verk som med den ytterste uttrykksfullhet formidler de fysiske og mentale egenskapene til Caracallas personlighet.
Det romerske portrettet er assosiert med kulten av forfedre, med ønsket om å bevare deres utseende for ettertiden. Dette bidro til utviklingen av et realistisk portrett. Det kjennetegnes av de individuelle egenskapene til en person: storhet,
tilbakeholdenhet eller grusomhet og despoti, spiritualitet eller arroganse.
Portrettsjangerens storhetstid begynte i renessansen, da verdens viktigste verdi var en aktiv og målrettet person, i stand til å forandre denne verden og gå mot oddsen. På 1400-tallet begynte kunstnere å lage uavhengige portretter, som viste modeller mot bakteppet av panoramiske majestetiske landskap.
B. Pinturicchio. "Portrett av en gutt" Kunstgalleri, Dresden
Pinturicchio (Pinturicchio) (ca. 1454-1513) Italiensk maler fra den tidlige renessansen, mest kjent for sine bemerkelsesverdige fresker.
Slik er "Portrait of a Boy" av B. Pinturicchio. Likevel skaper ikke tilstedeværelsen av fragmenter av naturen i portrettene integritet, enhet av en person og verden rundt ham, personen som blir portrettert ser ut til å skjule det naturlige landskapet. Bare i portretter fra 1500-tallet oppstår harmoni, et slags mikrokosmos
Portrettkunsten fra renessansen ser ut til å kombineres
testamenter fra antikken og middelalderen. Det høres igjen høytidelig ut
en salme til en mektig mann med sitt unike fysiske utseende, åndelige verden, individuelle karaktertrekk og temperament.
Den anerkjente mester i portrettsjangeren var den tyske kunstneren Albrecht Dürer, hvis selvportretter fortsatt gleder publikum og fungerer som et eksempel for kunstnere.
I "Selvportrett" Albrecht Dürer(1471–1528) gjettes aspirasjon finne en idealisert kunstner helt. Bilder av universelle genier fra 1500-tallet, mestere fra den høye tid Renessanse - Leonardo da Vinci og Raphael Santi - personifiser den ideelle personen på den tiden.
Michelangelo da Caravaggio(1573-1610) Italiensk "luttspiller" St. Petersburg, Statens eremitagemuseum
Blant de berømte portrettmesterverkene fra den tiden er "Lute Player" Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), der kunstneren utvikler et motiv hentet fra den virkelige hverdagen.
El Greco(1541-1614) Spania. mannsportrett med hånden på brystet
På slutten av det 16. århundre i arbeidet til den spanske kunstneren El Greco
(1541-1614) oppstår ny type portrett, som formidler ikkeden vanlige indre konsentrasjonen til en person, intensiteten til hansåndelig liv, fordypning i sitt eget indre verden. For å gjøre dette bruker kunstneren skarpe kontraster av belysning, originalenfarging, rykkete bevegelser eller frosne stillinger. Spiritualitet og unik skjønnhet de bleke langstrakte som er innprentet av ham, er forskjelligeansikter med store mørke, som om de var bunnløse, øyne.I XVII århundre en viktig plass i europeisk maleri ble okkupert av et intimt (kammer)portrett, hvis formål er å vise sinnstilstanden til en person, hans følelser og følelser. Den anerkjente mesteren av denne typen portretter var den nederlandske kunstneren Rembrandt, som malte mange inderlige bilder.
«Portrett av en gammel kvinne» (1654) er gjennomsyret av en oppriktig følelse.Disse verkene presenteres for betrakteren vanlige folk som verken har edle forfedre eller rikdom. Men for Rembrandt, som åpnet en ny side i portrettsjangerens historie, var det viktig å formidle godheten til modellen hans, hennes virkelig menneskelige egenskaper.
På 1600-tallet hovedkriteriet for kunstnerskap er materiell verden oppfattes gjennom sansene. Imitasjonen av virkeligheten erstattet i portrettet uforståeligheten og uforklarligheten til de mentale manifestasjonene til en person, hans mangfoldige åndelige impulser. Sjarmen til myk fløyel og luftig silke, myk pels og skjørt glass, delikat, matt lær og glitrende hardt metall formidles på dette tidspunktet med høyeste dyktighet.
Portretter av den store nederlenderen Rembrandt(1606-1669) regnes ikke uten grunn som toppen av portrettkunst. De kalles med rette portretter-biografier. Rembrandt ble kalt lidelsens og medfølelsens dikter. Mennesker som er beskjedne, trengende, glemt av alle er ham nære og kjære. Kunstneren behandler de "ydmykede og fornærmede" med spesiell kjærlighet. Av arten av hans arbeid sammenlignes han med F. Dostojevskij. Hans portretter-biografier gjenspeiler det komplekse, fulle av motgang og berøvelse av skjebnen til vanlige mennesker som, til tross for de alvorlige prøvelsene som falt for deres lodd, ikke tapte menneskeverd og åndelig varme.
Knapt krysset terskelen som skiller XVII århundre. fra XVIII vil vi se i portrettene en annen type mennesker, forskjellig fra deres forgjengere. Den høvisk-aristokratiske kulturen brakte rokokko-stilen i forgrunnen med sine raffinerte forførende, omtenksomt sløve, drømmende spredte bilder.
Tegne portretter av kunstnere Antoine Watteau(1684-1721), Francois Boucher(1703-1770), etc. lys, mobil, fargen deres er full av grasiøse modulasjoner, den er preget av en kombinasjon av utsøkte halvtoner.
Lysbilde 27 A. Watteau. (1684-1721) Mezzetin
Rokokko og nyklassisistisk maleri.
Maleri fransk maler Antoine Watteau "Mezzetin". I perioden 1712-1720 er Watteau fascinert av å skrive scener fra teaterlivet. Watteau brukte skisser av favorittstillingene, gestene, ansiktsuttrykkene til skuespillere som han gjorde i teatret, som ble for ham et fristed for levende følelser. Full av kjærlighetspoesi er det romantiske og melankolske bildet av helten fra det rettferdige teateret, skuespilleren som fremfører serenade, i filmen Mezzeten.
Monument til Peter I av den franske billedhuggeren Etienne Maurice Falcone
Jakten på det heroiske, betydningsfulle, monumentale i kunsten henger sammen på 1700-tallet. med revolusjonerende forandringer. Et av verdens kunsts geniale skulpturportretter er monumentet
Peter I fransk billedhugger Etienne Maurice Falcone(1716-1791), reist i St. Petersburg i 1765-1782 Det er tenkt som et bilde på et geni og en skaper. Ukuelig energi, fremhevet av hestens og rytterens raske bevegelse, kommer til uttrykk i den fengslende gesten til en utstrakt hånd, i en modig åpenhet ansikt, som fryktløshet, vilje, klarhet i ånden.
1800-tallet introduserte i portrettkunsten variasjonen av kunstnerisk smak, relativiteten til skjønnhetsbegrepet. Innovative søk i maleriet er nå rettet mot tilnærming til virkeligheten, mot søken etter mangfoldet av bilder.
Eugene Delacroix(1798-1863). Portrett av F. Chopin
I romantikkens periode oppfattes portrettet som et bilde av det indre "jeget" til en person utstyrt med fri vilje. Ekte romantisk patos dukker opp i portrettet av F. Chopin av den franske penselen
romantisk kunstner Eugene Delacroix(1798-1863).
Foran oss er et ekte psykologisk portrett, som formidler lidenskapen, gløden til komponistens natur, hans indre essens. Bildet er fylt med raske, dramatiske bevegelser. Denne effekten oppnås ved å snu figuren til Chopin, intens fargelegging av bildet, kontrasterende chiaroscuro, raske, intense slag,
Den kunstneriske strukturen til portrettet av Delacroix er konsonant med musikken til Etude
i E-dur for piano Chopin. Bak det er et ekte bilde - ob-
en gang moderlandet. Tross alt, en gang, da hans elskede elev spilte denne skissen,
Chopin løftet hendene med et utrop: "Å, mitt moderland!"
Chopins melodi, ekte og kraftfull, var det viktigste uttrykksmidlet, språket hans. Kraften til melodien hans ligger i dens styrke
innvirkning på lytteren. Det er som en utviklende tanke, som ligner utfoldelsen av handlingen i en historie eller innholdet i en historisk viktig
meldingen.
I portrettkunsten fra XX-XXI århundrer. betinget kan to retninger skilles. En av dem fortsetter de klassiske tradisjonene for realistisk kunst, og glorifiserer menneskets skjønnhet og storhet, den andre leter etter nye abstrakte former og måter å uttrykke sin indre verden på.
Representanter for modernistiske bevegelser som dukket opp på 1900-tallet vendte seg også mot portrettsjangeren. Mange portretter ble overlatt til oss av de berømte fransk kunstner Pablo picasso. Fra disse verkene kan man spore hvordan mesterens arbeid utviklet seg fra det såkalte. blå periode til kubisme.
Lysbilde 32 Picasso (1881-1973) "Portrett av Ambroise Vollard".
Ideene om analytisk kubisme fant en original legemliggjøring i Picassos "Portrett av Ambroise Vollard".
Kreative oppgaver
Finn disse portrettene om hvilke i spørsmålet i teksten. Sammenlign dem med hverandre, identifiser likheter og forskjeller. Gi din egen tolkning av bildene deres.
Hvilke portretter vil du tilskrive den tradisjonelle klassiske retningen, og hvilke - til abstrakt kunst. Argumenter din mening.
Match språket i forskjellige retninger portrett maleri. Bestem uttrykksevnen til linjer, farge, farge, rytme, sammensetning av hver av dem.
Lytte musikalske komposisjoner. Plukk opp for portrettene de verkene som er i samsvar med bildene påtrykt dem.
Kunstnerisk og kreativ oppgave
Forbered et album, en avis, en almanakk, en datamaskinpresentasjon (valgfritt) om emnet "Portrettsjanger i kulturen til forskjellige tider".
Ta med informasjon om kunstnere, skulptører, grafikere, samt dikt, prosapassasjer, fragmenter musikalske verk, i samsvar med bildene av portrettgalleriet ditt.
