hjem › Motor › Renessanse - italiensk renessanse (maleri). tidlig renessanse maleri tidlig renessanse maleri

Renessanse - italiensk renessanse (maleri). tidlig renessanse maleri tidlig renessanse maleri

Renessansen brakte store endringer i malerkunsten. Kunstnere har mestret evnen til å subtilt formidle lys og skygge, plass, positurene og gestene til karakterene deres har blitt naturlige. Med stor dyktighet skildret de komplekse menneskelige følelser i maleriene sine.

I maleriet fra den tidlige renessansen, eller Quattrocento (XV århundre), høres vanligvis hovedtoner; den utmerker seg med rene farger, karakterene er stilt opp og skissert av mørke konturer som skiller dem fra bakgrunnen og lyse bakgrunner. Alle detaljene er veldig detaljerte og omhyggelige. Selv om maleriet av Quattrocento ennå ikke er like perfekt som kunsten fra høy- og senrenessansen, berører det betrakteren til kjernen med sin renhet og oppriktighet.

Den aller første betydningsfulle maleren fra den tidlige renessansen var Masaccio. Selv om kunstneren levde bare 28 år, klarte han å gi et betydelig bidrag ikke bare til renessansemaleri, men til alt. verdens kunst. Maleriene hans utmerker seg med dype farger, figurene virker tette og overraskende levende. Masaccio formidler perfekt perspektiv og volum, eier chiaroscuro-effekter. Han var den første av malerne fra den tidlige renessansen som skildret den nakne menneskekroppen og presenterte sine helter som vakre og sterke, verdig respekt og beundring. Senere studerte så store mestere fra høyrenessansen som Leonardo da Vinci, Michelangelo og Raphael på verkene til Masaccio ("Utdrivelse fra paradis", "Miracle with a Fee").

I løpet av denne perioden skapte mange fantastiske kunstnere sine kreasjoner. Paolo Uccello jobbet i Firenze, som malte kampscener og var kjent for sin evne til å skildre hester og ryttere i komplekse vinkler og positurer. Giorgio Vasari, en middelmådig kunstner og en bemerkelsesverdig biograf og kunsthistoriker som levde på 1500-tallet, sa at Uccello ikke kunne forlate huset sitt på uker og til og med måneder, og løste de tøffeste problemene perspektiver. Til sine kjære, som tryglet ham om å avbryte disse studiene, svarte han: "Forlat meg, det er ikke noe søtere enn utsiktene."

Maleren Filippo Lippi jobbet i Firenze. I sin ungdom var han munk i klosteret til karmelittbrødrene, men forlot det snart og viet seg til maleri. Det er mange legender om livet hans. De forteller at hele Firenze fulgte den tidligere munkens kjærlighetsforhold med interesse. Kunstneren kidnappet sin fremtidige kone, Lucrezia Buti, fra klosteret. I fremtiden skrev han henne mer enn en gang i bildet av Madonna ("Coronation of Mary", 1447; "Madonna under sløret"). Maleriene til Filippo Lippi er bare formelt forbundet med religiøse temaer: de er blottet for drama og patos, det er ingen storhet og monumentalitet i dem. Samtidig fengsler muntre krøllhårede engler, pene barn og vakre kvinner seeren med sin sjarm. Med stor dyktighet maler kunstneren koselige og friske skogslandskap, som er bakgrunnen for bibelske scener. Blant samtidige var verkene til Filippo Lippi veldig populære; han var favorittkunstneren til Cosimo de Medici, som da var herskeren over Firenze.

Samtidig arbeidet en annen florentinsk mester, en dominikanermunk og abbed fra klosteret San Marco, Fra Beato Angelico, hvis verk er fylt med en dyp religiøs følelse. Hele mitt liv Fra
Angelico dedikert til å lage ikoner og fresker for klostre. Maleriet hans er preget av lyse og rene farger, skinnende forgylling. De gotisk langstrakte figurene til Madonnaene hans virker åndeliggjorte, løsrevet fra alt jordisk. En av de beste fungerer Fra Angelico - altersammensetning«Kroningen av Maria» (ca. 1435-1436). Hans Guds mor er legemliggjørelsen av poetisk, ren femininitet, gledelig og rolig. Det er ingen dyster mystikk i maleriet av den florentinske mesteren; selv i alteret med mange figurer med temaet Den siste dom på venstre side, skildret kunstneren et salig paradis med skikkelser av glade engler i vakre klær.

På dette tidspunktet ble oljemaling oppfunnet i Nederland, noe som tillot malere å gjøre fargeoverganger mer subtile, for å bruke lys mer fritt for å gjenopplive farger. De bidro også til å oppnå en enkelt fargetone. Først av italienske artister oljemaling begynte å skrive en representant for den florentinske skolen, en venetianer av fødsel, Domenico Veneziano. Allerede i hans tidlige arbeider ("The Adoration of the Magi", 1434), kommer kunstnerens koloristiske talent tydelig til uttrykk. Rene, nesten gjennomsiktige farger, mettet med lys, danner et enkelt toneområde. Senere verk forbløffer med den virtuose overføringen av lys-luft-miljøet - det antas at Domenico Veneziano var en av de første som avbildet det på sine lerreter.

Malerens dyktighet ble spesielt fullt uttrykt i de berømte florentinske portrettene av Domenico Veneziano.

Oftest portretterte han kvinnelige ansikter i profil (navnene på de fleste modeller er ikke etablert) mot bakgrunnen av en sølvfarget himmel eller landskap. For å prøve å gjøre fargene renere og lysere, tilsatte kunstneren linolje til dem.

Prestasjonene til Domenico Veneziano ble utviklet av hans elev og etterfølger Piero della Francesca, som av hans samtidige ble ansett for å være "maleriets monark". En innfødt fra Toscana, som jobbet i Firenze, studerte han arbeidet til Giotto, Masaccio og Paolo Uccello. Han hadde også en viss innflytelse nederlandsk maleri. Ikke bare en kunstner, men også en kjent kunstforsker, skrev Piero della Francesca teoretiske avhandlinger – «On Perspective in Painting» og et hefte «On Five Correct Bodies».

Verkene til Piero della Francesca utmerker seg ved sin klare og presise komposisjon, dyktige overføring av lys- og luftmiljøet, rene og friske farger. Personen i maleriene hans er blottet for den interne konflikten som vil dukke opp senere i maleriet fra senrenessansen og barokken. Heltene til Piero della Francesca er rolige, majestetiske og modige. Det er disse egenskapene som er iboende i bildene av hertugen og hertuginnen av Urbino - Federigo da Montefeltro og hans kone, Battista Sforza, i det berømte parportrettet.

Kommandanten, politikeren og filantropen, herskeren av Urbino Federigo da Montefeltro var en nær venn av kunstneren. Piero della Francesca portretterte hertugen i et annet kjent maleri - "Madonna med helgener og engler og kunden Federigo da Montefeltro."

Perfekt i stand til å formidle perspektiv, skrev Piero della Francesca praktfull arkitektonisk veduta (veduta - en bildeplan av den "ideelle byen"), som hadde stor innflytelse på arbeidet til moderne arkitekter.

Under høyrenessansen begynte kunsten til Piero della Francesca å virke utdatert, og paven inviterte Raphael til å male veggene i Vatikanet, dekket med fresker av Piero della Francesca. Rafael var enig og taklet mesterlig arbeidet.

De mest levende kunstneriske idealene til avdøde Quattrocento ble representert av mesteren ved den umbriske malerskolen, Pietro Perugino. Hans maleri, rolig, kontemplativ og lyrisk, er fylt med skjøre og grasiøse bilder, omgitt av det poetiske kuperte landskapet i Umbria. Den klare harmonien i Peruginos malerier bringer maleriet hans nærmere høyrenessansens kunst ("Klagesang om Kristus", ca. 1494-1495; "Madonna med hellige, 1496). Maler
hadde stor innflytelse på eleven sin - den berømte Rafael.

I nesten hver eneste by i Italia var det en kunstskole som hadde sin egen personlighet.
Men de søkte alle i sin kunst å vise jordens og menneskets skjønnhet. I denne epoken var et av de mest betydningsfulle kultursentrene Padua med sitt berømte universitet. I denne byen i det XV århundre. levde kunstkjenneren Francesco Squarcione. Han samlet eldgamle mynter, medaljer, fragmenter av basrelieffer i nærheten av Padua, så vel som langt utenfor byen. Hans entusiasme ble overført til Padua-malerne, skulptørene, gullsmedene, som omringet ham og betraktet ham som deres lærer.

Squarcione tok opp den store maleren Andrea Mantegna, som kom til huset hans som en ti år gammel gutt. Arbeidet til Mantegna, som levde et langt liv, er uvanlig mangefasettert: i tillegg til maleri og gravering, var han glad i geometri, optikk og arkeologi. Elsket kunst i huset til Squarcione antikkens Roma(i renessansen i Italia visste de ennå ikke om kunst Antikkens Hellas), brukte maleren bildene sine i verkene sine, og ga dem heroiske og romantiske trekk. Hans helgener, herskere, krigere, malt på bakgrunn av et dystert steinete landskap, gir inntrykk av storhet og makt. Mange av Mantegnas verk er gjennomsyret av dyp dramatikk. Slik er hans berømte komposisjon "Dead Christ", som traff samtiden med sin emosjonalitet.

Mantegna ble også kjent som en talentfull kobbergravør. Han var den første som gjorde gravering til en likeverdig form for kunst.

Maleriet av proto-renessansen nådde sitt høydepunkt i arbeidet til Botticelli.

Sandro Botticelli

Ikke mye informasjon har kommet ned til oss om livet til Sandro Botticelli og historien til hans skapelse av verk som senere ble perlene til verdens kunst. Kunstkritikere og historikere har bare blitt klar over noen fakta fra biografien til den store mesteren.

Botticelli ble født i 1444. Han studerte maleri ved kunstverkstedet til Filippo Lippi. Tidlig arbeid Botticelli er preget av innflytelsen fra Lippis kunst, så vel som ideene dannet ved hoffet til Lorenzo de' Medici. Men med stor grad av selvtillit kan vi si at bildene skapt av den store kunstneren var mer omfangsrike og meningsfylte enn verkene til malere som arbeidet i regi av Medici.

De tidlige portrettene av Botticelli bærer spor av påvirkningen fra malestilen til Filippo Lippi, samt Andrea Verrocchio og Pollaiolo. I senere verk manifesterer mesterens individualitet seg dypere. Dermed skildrer det velkjente lerretet The Adoration of the Magi medlemmer av Medici-familien og et selvportrett av kunstneren. Komposisjonen er preget av rikdom, lysstyrke og samtidig ømhet av farger, samt subtil ynde og letthet. Bildene skapt av Botticelli er fylt med lyrikk og ekstraordinær skjønnhet som kommer fra sjelens dyp.

På 70-tallet. 1400-tallet det første maleriet av Botticelli dukker opp, og bringer maleren stor berømmelse blant samtidige og forlot minnet om mesteren i århundrer. Dette lerretet er "Spring", nå lagret i Uffizi-galleriet i Firenze. Verket ble skrevet etter at kunstneren leste et av Polizianos dikt. Bilde-allegoriene presenteres på bakgrunn av et fantastisk skogslandskap. I likhet med paradis, overrasker hagen med sin uvanlige og overjordiske skjønnhet. Den sentrale plassen i komposisjonen er gitt til Venus. På høyre side av den er Flora, som sprer fabelaktige blomster, til venstre - dansende ynder, lett og luftig, lik hvite, nesten gjennomsiktige skyer. Dynamikk skapes nettopp på grunn av bildet av nåde som beveger seg i en runddans.

Hele bildet er preget av ekstraordinær skjønnhet og ømhet. Til tross for at navnet er "Vår", når du ser på bildet, oppstår en følelse av lett tristhet, som vi ikke er vant til å identifisere våren med. I hodet til enhver person er våren fornyelsen av verden, glede, glede. Botticelli, på sin side, revurderer de allment aksepterte og kjente bildene.

I 1481 dro Sandro Botticelli til Roma, hvor han malte veggene til Det sixtinske kapell. Blant andre fresker av penselen hans hører det berømte "Life of Moses".

I 1482 bosatte kunstneren seg igjen i Firenze. Kunsthistorikere og biografer anser dette året som det mest fruktbare for dannelsen og utviklingen av malermesterens arbeid. Det var da det berømte lerretet "The Birth of Venus" dukket opp, som nå er i Uffizi-galleriet i Firenze.

Det er ikke noe plant bilde i bildet - Botticelli fungerer her som en mester i å overføre romlige linjer.
Det er de som skaper inntrykk av dybde og volum, designet for å vise dynamikken i karakterenes bevegelser i den billedlige fortellingen. De lyse pastellfargene på lerretet og dyktig brukte kombinasjoner av farger (gjennomsiktig grønt vann i havet, blå kapper av marshmallows, gyldent hår på Venus, en mørk rød kappe i hendene på en nymfe) skaper en følelse av ekstraordinær ømhet og snakker av kunstnerens subtile fargesans.

Den sentrale figuren i komposisjonen er Venus, som nettopp har dukket opp fra vannet i det blå havet. Hun er naken. Men takket være hennes rolige og åndelige utseende har ikke seeren en følelse av klossethet. Gudinnen er vakker så vakker som mulig ujordisk skapning som kom ned fra himmelen. Bildet av Venus kan lett gjenkjennes på lerretene laget av Botticelli basert på kjente bibelske motiver. Blant maleriene med religiøst innhold er de mest bemerkelsesverdige Madonna Enthroned (1484) og Madonna in Glory (Magnificat).

Begge er for tiden i Uffizi-galleriet i Firenze. "Madonna in Glory" utmerker seg ved den subtile lyrikken til bilder. Dynamikken i komposisjonen skapes takket være den runde formen på bildet, hvis rytmer gjentas.
i arrangementet av bevegelige figurer. Landskapet, brakt til bakgrunnen for komposisjonen, skaper volum og rom.

Portrettverkene til den store maleren er også uvanlig vakre og lyriske. Blant dem er av spesiell interesse
portrett av Giuliano Medici og "Portrait of a Youth". Imidlertid tilskriver noen kunsthistorikere forfatterskapet til det siste verket til Sandro Botticellis student Filippino Lippi (sønn av Filippo Lippi).

90-tallet 1400-tallet ble et vendepunkt for kunstneren. Denne tiden er preget av utvisningen av Medici og maktovertakelsen
Savonarola, hvis religiøse prekener var rettet mot å fordømme paven og velstående florentinske familier. Han
han kritiserte også sekulær kunst, og ifølge Savonarola ble alle kunstnere og poeter etter døden ventet av et brennende helvete. For å unngå dette er det nødvendig å gi avkall på kunst og omvende seg fra synder...

Disse prekenene påvirket verdensbildet til Botticelli betydelig, noe som ikke kunne annet enn å påvirke arbeidet hans. Arbeidene til maleren, skapt i denne perioden, utmerker seg ved uvanlig dyp pessimisme, håpløshet og undergang. Forfatteren henvender seg nå i økende grad til kristne emner, og glemmer antikken. Et karakteristisk verk av Botticelli fra denne tiden er The Abandoned Woman, som nå oppbevares i Pallavicini-samlingen i Roma. Handlingen i bildet er ganske enkel: en gråtende kvinne sitter på steintrapper mot en vegg med tett lukkede porter. Men til tross for det enkle innholdet, er bildet veldig uttrykksfullt og skaper en deprimerende, trist og trist stemning hos betrakteren.

På 1490-tallet 1400-tallet Botticellis illustrasjoner for Dantes guddommelige komedie vises. Bare 96 tegninger har overlevd til i dag, som nå er på museene i Berlin og Vatikanet. Alle bilder av skisser er uvanlig skjøre, luftige og lette, noe som er et kjennetegn på alt Botticellis arbeid.

På samme 90-tallet. den store mesteren skapte lerretet "Slander", lagret i Uffizi-galleriet i Firenze. Bildet er bemerkelsesverdig for det faktum at skrivemåten er noe i endring her. Linjene som skaper bilder blir skarpere og mer spisse. Komposisjonen er fylt med patos, emosjonalitet og større, sammenlignet med andre verk, bildesikkerhet.

Toppen av uttrykket for kunstnerens religiøse fanatisme var et maleri kalt «Kristi klagesang». For tiden er varianter av lerretet lagret i Poldi Pezzoli-museet i Milano og Alte Pinakothek i München. Av spesiell interesse her er bildene av dem som står Kristus nær, fylt av dyp sorg og lengsel. Inntrykket av tragedie forsterkes av kunstnerens bruk av kontrasterende, noen ganger mørke, noen ganger lyse farger. Betrakteren er ikke lenger ukroppslige, nesten vektløse og usynlige bilder, men ganske spesifikke og tydelige figurer.

Et av de lyseste verkene knyttet til sen periode kreativiteten til Botticelli, er maleriet "Scener fra St. Zenobius liv", for tiden lagret i Dresden kunstgalleri i Tyskland. Laget i malerstil på gamle alterkapeller, er komposisjonen en slags collage som består av individuelle malerier som forteller om helgenens liv. Men til tross for likheten med gammel kunst, i lerretet ganske tydelig manifestert kreativ individualitet malemestere. Bildene hans er solide og klare. De er ikke plassert i et abstrakt rom, men på bakgrunn av et konkret landskap. Handlingsstedet ved Botticelli er klart definert: oftest er dette vanlige bygater med en vakker skog synlig i det fjerne.

Av spesiell interesse er kombinasjonene av farger maleren bruker. Fra dette synspunktet ligner skrivemåten på mange måter teknikken for å male gamle ikoner, hvis fargelegging ikke er basert på lys kontrast, men på valg av rolige, nære fargetoner.

Sandro Botticelli døde den 17. mai 1510. Hans arbeid hadde stor innflytelse ikke bare på mesterne i XV-XVI århundrer, men også på mange malere fra senere tidsepoker.

I proto-renessansens epoke virket også så bemerkelsesverdige kunstnere som de Sienesiske malere, som levde samtidig med Duccio, brødrene Ambrogio og Pietro Lorenzetti; den florentinske Masolino og Benozzo Gozzoli, den umbriske hedningen de Fabriano; maler og medaljevinner Pisanello; Florentinerne Filippino Lippi (sønn av Filippo Lippi) og Piero di Cosimo. Representanter for den umbriske skolen var malerne Luca Signorelli, Pinturicchio, Melozzo da Forli. Cosimo Tura, Ercole Roberti, Francesco del Cossa, Lorenzo Costa jobbet i Ferrara.

I det XV århundre. i Firenze var en annen billedsjanger veldig populær. Mange familier hadde elegante kister (cassone) der jentene oppbevarte medgiften sin. Mestere dekket dem med dyktige utskjæringer og elegant maleri. Oftest brukte kunstnere mytologiske temaer for veggmalerier.

Venetiansk maleri

En spesiell plass i kunsten Quattrocento tilhører Venezia. Den fantastiske byen, som ligger på hundre og atten øyer, atskilt fra hverandre med hundre og seksti kanaler, var i den epoken en bystat. Venezia, en republikk av kjøpmenn som handlet med Egypt, Hellas, Tyrkia, Syria, Bagdad, India, Arabia, Nord-Afrika, Tyskland og Flandern, var åpen for andre kulturer.

Venetiansk maleri ble designet for å fange all skjønnheten, rikdommen og prakten til denne flotte byen. Den nådde sitt høydepunkt i andre halvdel av 1400-tallet. Verkene til venetianske mestere, fargerike og festlig dekorative, utsmykkede templer, palasser, lokaler til forskjellige offentlige institusjoner, gleder herskere og vanlige borgere.

Et godt eksempel Venetiansk maleri er arbeidet til Vittore Carpaccio. Hans geniale narrative komposisjoner representerer poetisk Venezia under høytidelige seremonier ("Reception of Ambassadors"). Kunstneren skildrer hverdagen hjemby; han maler scener fra hellig historie, og tolker dem fra modernitetens synspunkt. Dette er hans "Life of St. Ursula" (1490-tallet), "Scener fra Marias liv", "Life of St. Stephen" (1511-1520).

De realistiske tendensene til venetiansk maleri fra den tidlige renessansen ble reflektert i arbeidet til Antonello da Messina. Et av hans mest kjente malerier er St. Sebastian" (1476). Temaet for martyrdøden til St. Sebastian, som ble et offer for kristendommens fiende Diokletian, var utbredt blant renessansekunstnere, men Antonello da Messina tolker det på en spesiell måte: i bildet av Sebastian er det ingen lidelsesopphøyelse som er karakteristisk for verk skrevet på samme måte. emne av andre malere med dette emnet. Kunstneren får betrakteren til å beundre skjønnheten Menneskekroppen og beundre motet og styrken til en vakker ung mann. Luft og lys gjennomsyrer det rolige landskapet som Sebastian er avbildet mot. Majestetiske bybygninger reiser seg bak ham, en antikk søyle ligger ved føttene hans.

Antonello da Messina er en fantastisk portrettmester, de beste fungerer av denne sjangeren - den såkalte. "Selvportrett" (ca. 1473), "Condottiere", "Portrett av en mann" (1470-årene). Disse verkene er preget av tilbakeholdenhet og generalisering, kvaliteter som ble så verdsatt av kunstnerens samtid. Portrettarbeidet til mesteren forutså arbeidet til Giovanni Bellini.

Giovanni Bellini, en stor mester i den venetianske Quattrocento, regnes som en av grunnleggerne av høyrenessansen. Tragisk storhet preget hans verk "Madonna med hellige" (1476), "Kristi klage" (1475). Hans mystiske Madonna of the Lake (ca. 1500), inspirert av et fransk dikt, vekker oppmerksomhet.
om gullalderen «Sjelens pilegrimsreise». United på dette bildet vakre bilder antikken og drømmer om et kristent paradis.

Til nå har forskerne ikke helt funnet ut hva kunstneren ville si ved å skildre vanlige mennesker ved siden av Jomfruen, apostlene og helgenene.

Bellini malte flere fantastiske portretter ("Gutt", "Portrett av Doge Leonardo Loredano", etc.), som begynte blomstringen av portretter i Venezia. Malerens dyktighet til å skildre naturen, som er en integrert del av alle hans verk (St. Frans, 1470-årene), hadde stor innflytelse på mange venetianske landskapsmalere fra etterfølgende generasjoner. Bellinis elever var så kjente malere som Giorgione og Titian.

Giorgione

Giorgione, ikke bare stor maler, men også en talentfull musiker og poet, skiller seg tydelig ut blant de venetianske malerne. Vasari skrev at "hans luttspill og sang ble æret som guddommelig." Sannsynligvis, derav den spesielle musikaliteten og poesien til Giorgiones malerier - i dette har han ingen like ikke bare på italiensk, men også i verdenskunst.

Lite er kjent om Giorgiones liv. Hans virkelige navn er Giorgio Barbarelli da Castelfranco. Som Vasari skriver,
kallenavnet Giorgione ("Big Giorgio") fikk kunstneren "for åndens storhet."

Giorgione ble født rundt 1478 i Castelfranco. I sin tidlige ungdom kom han til Venezia, hvor han gikk inn i verkstedet til Giovanni Bellini. Siden den gang forlot maleren nesten ikke Venezia, hvor han døde i 1510 under en pestepidemi.

Et av de mest kjente maleriene av Giorgione er den berømte "Judith", holdt i Eremitasjen. Legenden forteller at den vakre Judith gikk inn i teltet til lederen av fiendens hær, Holofernes, og forførte ham. Da Holofernes sovnet, halshugget jenta ham.

Om dette mystisk bilde Den russiske kunstneren A. Benois skrev: " merkelig bilde, samme "tvetydige" og "lumske" som maleriene til Leonardo. Er det Judith? – Jeg vil spørre om denne strenge triste skjønnheten med ansiktet til Dresden Venus, så rolig trampende på hennes avkuttede hode. Dette lerretet inneholder faktisk en slags selvmotsigelse og mystikk: den nådeløse bibelske Judith dukker opp i Giorgiones verk i det poetiske bildet av en drømmende jente på bakgrunn av en rolig og stille natur.

Og dette er ikke det eneste mysteriet i arbeidet til Giorgione.

Hvilken hemmelighet er skjult i bildet "Tordenvær", der vi, under en stormfull himmel, blant trær og fragmenter av eldgamle søyler, ser en ung kvinne som sitter og mater et barn, og en ung mann som går på avstand? Det er heller ikke klart hva artisten ville si da han avbildet to nakne kvinner i selskap med to musikere som sitter i skyggen av et tre på lerretet kalt «Country Concert». I "Landskonserten" - hans siste arbeid– Giorgione hadde ikke tid til å gjøre ferdig landskapet i bakgrunnen, og Titian gjorde det for ham. Allerede i en annen epoke ble komposisjonsbegrepet brukt av E. Manet i hans berømte "Breakfast on the Grass".

Trær, åser, lyse avstander i verkene til Giorgione er ikke bare en bakgrunn som figurer av mennesker er avbildet mot. Landskapet er uløselig knyttet til karakterene med ideen om verkene til den venetianske mesteren. Så, i komposisjonen "Three Philosophers", representerer en gammel mann i antikke kapper, en middelaldrende mann i en orientalsk turban og en ung mann, som legemliggjør forskjellige stadier av kunnskapen om naturen, en enkelt helhet med den: den delikate grønnsaken av en fjelldal, en steinete masse, en blek himmel opplyst av myke solstråler.

Den samme ideen om harmonien mellom menneske og natur ble reflektert i et av mesterverkene til Giorgione - lerretet "Sleeping Venus". Den sensuelle og samtidig kyske nakenheten til den søvnige skjønnheten ble personifiseringen av det herlige og samtidig enkle italienske landskapet, hvis gyldengule toner gjentas i de varme nyanser av Venus kropp. Senere ble motivet til "Sleeping Venus" brukt av Titian ("Venus of Urbino"), deretter D. Velasquez ("Venus foran et speil"), F. Goya ("Mach") og E. Manet ("Venus foran et speil"). Olympia").

Giorgiones dype interesse for landskap som et selvstendig element i komposisjon forberedte fremveksten av en ny sjanger i italiensk maleri - landskapet.

Arbeidet til Giorgione hadde en betydelig innvirkning ikke bare på venetiansk, men på alt italiensk maleri. Den bemerkelsesverdige kunstneren ble en av grunnleggerne av kunsten fra høyrenessansen. Senere ble prinsippene og ideene til kunsten hans Giorgione reflektert i verkene til en student av Titian.

) - å ha global betydning en epoke i europeisk kulturhistorie som erstattet middelalderen og gikk forut for opplysningstiden og nytiden. Det faller - i Italia - på begynnelsen av XIV århundre (overalt i Europa - fra -XVI århundrer) - siste fjerdedel av XVI århundre og i noen tilfeller - de første tiårene av XVII århundre. Et særtrekk ved renessansen er kulturens sekulære natur, dens humanisme og antroposentrisme (det vil si, først og fremst interesse for en person og hans aktiviteter). Interessen for eldgammel kultur blomstrer, dens "gjenoppliving" finner sted - dette er hvordan begrepet dukket opp.

Begrep gjenfødelse allerede funnet blant de italienske humanistene, for eksempel i Giorgio Vasari. I moderne mening begrepet ble laget av den franske historikeren Jules Michelet fra 1800-tallet. Foreløpig begrepet gjenfødelse omgjort til en metafor for kulturell oppblomstring.

generelle egenskaper

Veksten av byrepublikker førte til en økning i innflytelsen til eiendommer som ikke deltok i føydale forhold: håndverkere og håndverkere, kjøpmenn, bankfolk. Alle av dem var fremmede for det hierarkiske verdisystemet skapt av middelalderens, på mange måter kirkekulturen, og dens asketiske, ydmyke ånd. Dette førte til fremveksten av humanisme - en sosiofilosofisk bevegelse som anså en person, hans personlighet, hans frihet, hans aktive, kreative aktivitet som den høyeste verdien og kriteriet for å evaluere sosiale institusjoner.

Sekulære sentre for vitenskap og kunst begynte å dukke opp i byene, hvis aktiviteter var utenfor kirkens kontroll. Det nye verdensbildet vendte seg til antikken, og så i det et eksempel på humanistiske, ikke-asketiske forhold. Oppfinnelsen av trykkeri på midten av 1400-tallet spilte en stor rolle i å spre den eldgamle arven og nye utsikter over hele Europa.

Renessanseperioder

Revival er delt inn i 4 stadier:

Proto-renessanse (2. halvdel av 1200-tallet - 1300-tallet)
Tidlig renessanse (begynnelsen av 1400-tallet - slutten av 1400-tallet)
Høyrenessanse(slutten av 1400-tallet - de første 20 årene av 1500-tallet)
Sen renessanse (midten av 16-1590-tallet)

Proto-renessanse

Proto-renessansen er nært knyttet til middelalderen, og dukket faktisk opp i Senmiddelalder, med bysantinske, romanske og gotiske tradisjoner, var denne perioden forløperen til renessansen. Den er delt inn i to underperioder: før Giotto di Bondones død og etter (1337) I den første perioden gjøres de viktigste funnene, de lyseste mesterne lever og arbeider. Det andre segmentet er knyttet til pestepidemien som rammet Italia. På slutten av 1200-tallet ble hovedtempelbygningen reist i Firenze - katedralen Santa Maria del Fiore, forfatteren var Arnolfo di Cambio, deretter ble arbeidet videreført av Giotto, som tegnet campanile til Firenze-katedralen.

Kunsten fra proto-renessansen manifesterte seg først i skulptur (Niccolò og Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Maleri er representert med to kunstskoler: Firenze (Cimabue, Giotto) og Siena (Duccio, Simone Martini). Den sentrale figuren i maleriet var Giotto. Renessansekunstnere betraktet ham som en reformator av maleriet. Giotto skisserte veien utviklingen gikk: å fylle religiøse former med sekulært innhold, en gradvis overgang fra plane bilder til tredimensjonale bilder og relieffbilder, en økning i realisme, introduserte et plastvolum av figurer i maleriet, avbildet et interiør i maleriet .

Tidlig renessanse

Perioden med den såkalte "tidlige renessansen" i Italia dekker tiden fra 1500 til 1500. I løpet av disse åtti årene har kunsten ennå ikke helt gitt avkall på tradisjonene fra den nære fortiden (middelalderen), men prøver å blande inn elementer som er lånt fra den klassiske antikken. Først senere, og bare litt etter litt, under påvirkning av stadig sterkere skiftende livs- og kulturforhold, forlater kunstnere fullstendig middelaldergrunnlaget og bruker dristig modeller. eldgammel kunst, både i det generelle konseptet til verkene hans, og i detaljene deres.

Mens kunsten i Italia allerede resolutt fulgte den klassiske antikkens imitasjonsvei, holdt den lenge på tradisjoner i andre land. gotisk stil. Nord for Alpene, så vel som i Spania, kommer renessansen først på slutten av 1400-tallet, og den tidlig periode varer til omtrent midten av neste århundre.

Høyrenessanse

Den tredje perioden av renessansen - tiden for den mest storslåtte utviklingen av stilen hans - kalles vanligvis "høyrenessansen". Den strekker seg i Italia fra ca 1527 til ca 1527. På dette tidspunktet flyttet innflytelsessenteret for italiensk kunst fra Firenze til Roma, takket være tiltredelsen til den pavelige tronen til Julius II - en ambisiøs, modig, driftig mann som tiltrakk seg beste artister Italia, som okkuperte dem med mange og viktige verk og gi andre et eksempel på kjærlighet til kunst. Samtidig, paven og hans nærmeste etterfølgere, Roma blir så å si det nye Athen på Perikles tid: mange monumentale bygninger bygges i det, storslåtte skulpturelle verk, males fresker og malerier, som fortsatt regnes som maleriets perler; samtidig går alle tre kunstgrenene harmonisk hånd i hånd, hjelper hverandre og virker gjensidig på hverandre. Antikken studeres nå mer grundig, gjengitt med større strenghet og konsistens; ro og verdighet erstatter den lekne skjønnheten som var ønsket fra den foregående perioden; reminisenser fra middelalderen forsvinner fullstendig, og et helt klassisk avtrykk faller på alle kunstverk. Men etterligningen av de gamle kveler ikke deres selvstendighet hos kunstnerne, og med stor oppfinnsomhet og liv i fantasien bearbeider og anvender de fritt på næringslivet det de anser som passende å låne til seg selv fra gammel gresk-romersk kunst.

Kreativiteten til de tre store italienske mestere markerer toppen av renessansen, disse er Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) og Raphael Santi (1483-1520).

Sen renessanse

Senrenessansen i Italia dekker perioden fra 1530-tallet til 1590-1620-tallet. Kunsten og kulturen på denne tiden er så mangfoldig i sine manifestasjoner at det er mulig å redusere dem til én nevner bare med mye konvensjonalitet. For eksempel skriver Encyclopædia Britannica at "Renessansen, som en helhetlig historisk periode endte med Romas fall i 1527. I Sør-Europa triumferte motreformasjonen, som så med varsomhet på enhver fri tanke, inkludert sangen av menneskekroppen og gjenoppstandelsen av antikkens idealer, som hjørnesteinene i renessansens ideologi. Verdenssynsmotsetninger og en generell følelse av krise resulterte i Firenze i den "nervøse" kunsten med konstruerte farger og brutte linjer - manierisme. I Parma, der Correggio jobbet, nådde manerismen først etter kunstnerens død i 1534. De kunstneriske tradisjonene i Venezia hadde sin egen utviklingslogikk; frem til slutten av 1570-årene arbeidet Titian og Palladio der, hvis arbeid hadde lite til felles med krisefenomenene i kunsten i Firenze og Roma.

Nordrenessansen

Den italienske renessansen hadde liten eller ingen innflytelse på andre land før r. Etter r. spredte stilen seg over hele kontinentet, men mange sengotiske påvirkninger vedvarte til og med inn i barokktiden.

Selve begrepet "renessanse" (rinascita) oppsto i Italia på 1300-tallet som et resultat av forståelsen av tidens innovasjon. Tradisjonelt regnes Dante Alighieri som grunnleggeren av renessansen i litteraturen. Det var han som først henvendte seg til mennesket, hans lidenskaper, hans sjel i hans verk kalt "Komedie", som senere vil bli kalt " Guddommelig komedie". Det var han som var den første dikteren som klart og hardt gjenopplivet den humanistiske tradisjonen. Den nordlige renessansen er et begrep som brukes for å beskrive renessansen i Nord-Europa, eller mer generelt hele Europa utenfor Italia, nord for Alpene. Den nordlige renessansen er nært knyttet til italiensk renessanse, men det er en rekke karakteristiske forskjeller. Som sådan var den nordlige renessansen ikke homogen: i hvert land hadde den visse spesifikke trekk. I moderne kulturstudier er det generelt akseptert at det var i renessansens litteratur at tidens humanistiske idealer, glorifiseringen av en harmonisk, fri, kreativ, omfattende utviklet personlighet, ble mest uttrykt.

Renessansetiden i Nederland, Tyskland og Frankrike blir vanligvis skilt ut som en separat stil retning, som har noen forskjeller med renessansen i Italia, og kalt "nordrenessansen".

De mest merkbare stilistiske forskjellene i maleri: i motsetning til Italia, ble tradisjonene og ferdighetene til gotisk kunst bevart i maleriet i lang tid, mindre oppmerksomhet ble viet til studiet av den gamle arven og kunnskapen om menneskelig anatomi.

Renessanse i Russland

Renessansetendenser som fantes i Italia og Sentraleuropa, påvirket Russland på mange måter, selv om denne innflytelsen var svært begrenset på grunn av de store avstandene mellom Russland og den viktigste europeiske kultursentre på den ene siden, og den russiske kulturens sterke tilknytning til dens ortodokse tradisjoner og bysantinske arv, på den andre.

Vitenskapen

Generelt skapte renessansens panteistiske mystikk, som hersket i denne epoken, en ugunstig ideologisk bakgrunn for utviklingen av vitenskapelig kunnskap. Endelig formasjon vitenskapelig metode etterfulgt av den vitenskapelige revolusjonen på 1600-tallet. knyttet til reformasjonsbevegelsen, som var motstander av renessansen.

Filosofi

Filosofer fra renessansen

Litteratur

Den sanne stamfaren til renessansen i litteraturen anses å være den italienske poeten Dante Alighieri (1265-1321), som virkelig avslørte essensen til datidens folk i sitt verk kalt Komedie, som senere vil bli kalt Den guddommelige komedie. Med dette navnet viste etterkommerne sin beundring for den grandiose skapelsen av Dante. Renessansens litteratur uttrykte mest fullt ut de humanistiske idealene i tiden, glorifiseringen av en harmonisk, fri, kreativ, omfattende utviklet personlighet. Kjærlighetssonettene til Francesco Petrarch (1304-1374) avslørte dybden i en persons indre verden, rikdommen i følelseslivet hans. På XIV-XVI århundre blomstret italiensk litteratur - tekstene til Petrarch, novellene til Giovanni Boccaccio (1313-1375), de politiske avhandlingene til Niccolo Machiavelli (1469-1527), diktene til Ludovico Ariosto (1474-1533) og Torquato Tasso (1544-1595) presenterte henne blant den "klassiske" (sammen med antikkens gresk og romersk) litteratur for andre land.

Renessansens litteratur var avhengig av to tradisjoner: folkediktning og "boklig" gammel litteratur, så ofte ble det rasjonelle prinsippet kombinert i den med poetisk fiksjon, og tegneseriesjangre fikk stor popularitet. Dette viste seg i det mest betydningsfulle litterære monumenter epoker: Boccaccios Decameron, Cervantes' Don Quixote og François Rabelais' Gargantua og Pantagruel. Fremveksten av nasjonale litteraturer er assosiert med renessansen, i motsetning til middelalderens litteratur, som hovedsakelig ble skapt på latin. Teater og drama ble utbredt. De mest kjente dramatikerne på denne tiden var William Shakespeare (1564-1616, England) og Lope de Vega (1562-1635, Spania)

Kunst

Renessansemaleriet er preget av at kunstnerens profesjonelle syn appellerer til naturen, til anatomiens lover, livsperspektivet, lysets virkning og andre identiske naturfenomener.

Renessansekunstnere, som jobbet med malerier av tradisjonelle religiøse temaer, begynte å bruke nye kunstneriske teknikker: bygge en tredimensjonal komposisjon ved å bruke landskapet som et element i plottet i bakgrunnen. Dette tillot dem å gjøre bildene mer realistiske, livlige, som viste en skarp forskjell mellom arbeidet deres og den tidligere ikonografiske tradisjonen, fylt med konvensjoner i bildet.

Arkitektur

Det viktigste som kjennetegner denne epoken er returen i arkitekturen til prinsippene og formene for gammel, hovedsakelig romersk kunst. spesiell betydning i denne retningen er gitt symmetri, proporsjon, geometri og rekkefølge bestanddeler, noe som tydelig fremgår av de overlevende eksemplene på romersk arkitektur. Den komplekse andelen av middelalderske bygninger erstattes av et ryddig arrangement av søyler, pilastre og overliggere, asymmetriske konturer erstattes av en halvsirkel av en bue, en halvkule av en kuppel, en nisje, en aedicule. Fem mestere ga det største bidraget til utviklingen av renessansearkitektur:

Filippo Brunelleschi (1377-1446) - grunnleggeren av renessansearkitektur, utviklet teorien om perspektiv og ordenssystemet, returnerte mange elementer av gammel arkitektur til konstruksjonspraksis, skapte for første gang på mange århundrer kuppelen (av Firenze-katedralen) , som fortsatt dominerer panoramaet av Firenze.
Leon Battista Alberti (1402-1472) - den største teoretikeren innen renessansearkitektur, skaperen av dets helhetlige konsept, tenkte om motivene til de tidlige kristne basilikaene på Konstantins tid, i Rucellai-palasset skapte han en ny type urban bolig med en fasade behandlet med rustikk og dissekert av flere lag pilastre.
Donato Bramante (1444-1514) - grunnleggeren av høyrenessansearkitektur, en mester i sentriske komposisjoner med perfekt justerte proporsjoner; den grafiske tilbakeholdenheten til Quattrocento arkitekter er erstattet av tektonisk logikk, plastisitet av detaljer, integritet og klarhet i design (Tempietto).
Michelangelo Buonarroti (1475-1564) - sjefsarkitekt for senrenessansen, overvåket storslåtte bygningsarbeider i den pavelige hovedstaden; i bygningene hans uttrykkes det plastiske prinsippet i dynamiske kontraster, så å si innkommende masser, i majestetisk tektonitet, som varsler om kunst

føderalt byrå av utdanning

St. Petersburg State University of Architecture and Civil Engineering

Institutt for historie

Disiplin: Kulturologi

Titaner og mesterverk fra renessansekulturen

Gruppe 1 student ES 2

E. Yu. Nalivko

Veileder:

til. og. n., lærer

I. Yu. Lapina

Saint Petersburg

Introduksjon………………………………………………………………3

Kunsten fra den tidlige renessansen………………………..4

Høyrenessanseperiode……………………………….5

Sandro Botticelli……………………………………………….5

Leonardo Da Vinci…………………………………………………7

Michelangelo Buonarroti …………………………………………10

Raffaello Santi………………………………………………………….13

Konklusjon………………………………………………………………..15

Liste over brukt litteratur…………………………………16

Introduksjon

Renessansen er en viktig periode i verdenskulturen. Opprinnelig et nytt fenomen i europeisk kulturliv så ut som en retur til gammel kulturs glemte prestasjoner innen vitenskap, filosofi, litteratur. Renessansens fenomen ligger i det faktum at den gamle arven har blitt et våpen for å omstyrte kirkens kanoner og forbud. I hovedsak må vi snakke om en storslått kulturrevolusjon som varte i to og et halvt århundre og endte med skapelsen av en ny type verdensbilde og en ny type kultur. Ingenting slikt ble observert utenfor den europeiske regionen på den tiden. Derfor vakte dette temaet min store interesse og lyst til å analysere denne perioden nærmere.

I essayet mitt vil jeg fokusere på slike fremtredende personer som Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi. Det var de som ble de mest fremtredende representantene for hovedstadiene i den italienske renessansen.

1. Kunsten til den tidlige renessansen

I de første tiårene av 1400-tallet skjedde et avgjørende vendepunkt i kunsten i Italia. Fremveksten av et mektig senter for renessansen i Firenze førte til fornyelsen av hele den italienske kunstneriske kulturen.

Arbeidet til Donatello, Masaccio og deres medarbeidere markerer seieren til renessanserealismen, som skilte seg betydelig fra "realismen av detaljer" som var karakteristisk for den gotiske kunsten fra slutten av trecento. Arbeidene til disse mestrene er gjennomsyret av humanismens idealer. De glorifiserer og glorifiserer en person, hever ham over hverdagslivets nivå.

I sin kamp med den gotiske tradisjonen søkte kunstnerne fra den tidlige renessansen støtte i antikken og proto-renessansens kunst. Det mesterne i proto-renessansen søkte etter kun intuitivt, ved berøring, er nå basert på nøyaktig kunnskap.

Italiensk kunst fra 1400-tallet utmerker seg med stort mangfold. Den nye kunsten, som vant på begynnelsen av 1400-tallet i avanserte Firenze, fikk ikke umiddelbart anerkjennelse og distribusjon i andre områder av landet. Mens Bruneleschi, Masaccio, Donatello jobbet i Firenze, tradisjonene til bysantinsk og gotisk kunst, bare gradvis erstattet av renessansen.

Firenze var hovedsenteret i den tidlige renessansen. Den florentinske kulturen i første halvdel og midten av 1400-tallet er variert og rik. Siden 1439, siden det økumeniske kirkerådet holdt i Firenze, som den bysantinske keiseren John Palaiologos og patriarken av Konstantinopel kom til, akkompagnert av et praktfullt følge, og spesielt etter Byzantiums fall i 1453, da mange forskere som hadde flyktet fra Øst fant tilflukt i Firenze, denne byen blir et av hovedsentrene i Italia for studiet av det greske språket, samt litteraturen og filosofien til det antikke Hellas. Og likevel tilhørte den ledende rollen i kulturlivet i Firenze i første halvdel og midten av 1400-tallet utvilsomt kunsten. 1

2. Høyrenessansens periode

Denne tidsperioden representerer renessansens apogee. Det var en kort periode, som varte i omtrent 30 år, men kvantitativt og kvalitativt er denne tidsperioden som århundrer. Høyrenessansens kunst er en oppsummering av 1400-tallets bragder, men er samtidig et nytt kvalitativt sprang, både i kunstteorien og i dens gjennomføring. Den uvanlige "fortettingen" av denne perioden kan forklares med det faktum at antallet samtidig (i en historisk periode) arbeidende briljante kunstnere er en slags rekord selv for hele kunsthistorien. Det er nok å nevne navn som Leonardo da Vinci, Raphael og Michelangelo.

3. Sandro Botticelli

Navnet på Sandro Botticelli er kjent over hele verden som navnet på en av de mest bemerkelsesverdige artistene i den italienske renessansen.

Sandro Botticelli ble født i 1444 (eller 1445) i familien til en garver, florentinsk statsborger Mariano Filippepi. Sandro var den yngste, den fjerde sønnen til Philippepi. Dessverre er nesten ingenting kjent om hvor og når Sandro ble utdannet som kunstner, og om han, som gamle kilder sier, først studerte smykker, og deretter begynte å male. I 1470 hadde han allerede sitt eget verksted og utførte selvstendig de mottatte ordrene.

Sjarmen til Botticellis kunst forblir alltid litt mystisk. Verkene hans fremkaller en følelse som verkene til andre mestere ikke fremkaller.

Botticelli var underlegen mange kunstnere på 1400-tallet, noen i modig energi, andre i ekte autentisitet av detaljer. Bildene hans (med svært sjeldne unntak) er blottet for monumentalitet og dramatikk, deres overdrevet skjøre former er alltid litt vilkårlige. Men som ingen annen maler på 1400-tallet, var Botticelli utstyrt med evnen til den fineste poetiske forståelse av livet. For første gang var han i stand til å formidle de subtile nyansene i menneskelige opplevelser. Gledelig spenning erstattes i maleriene hans av melankolsk dagdrøm, utbrudd av moro - smertefull melankoli, rolig ettertanke - ukontrollerbar lidenskap.

Den nye retningen for Botticellis kunst får sitt ekstreme uttrykk i den siste perioden av hans virksomhet, i verkene på 1490- og begynnelsen av 1500-tallet. Her blir overdrivelse og dissonans nesten uutholdelige (for eksempel "St. Zenobius mirakel"). Kunstneren stuper deretter ned i avgrunnen av håpløs sorg ("Pieta"), og overgir seg deretter til opplyst opphøyelse ("Communion of St. Hieronymus"). Hans billedlige måte er forenklet nesten til ikonmalerkonvensjoner, preget av en slags naiv tungebinding. Plan lineær rytme følger fullstendig både tegningen, brakt til grensen i sin enkelhet, og fargen med sine skarpe kontraster av lokale farger. Bildene mister så å si sitt virkelige, jordiske skall, og fungerer som mystiske symboler. Og likevel i dette, tvers igjennom religiøs kunst det menneskelige prinsippet tvinger seg vei med stor kraft. Aldri før har en kunstner investert så mye personlig følelse i verkene sine, aldri før har bildene hans hatt så høy moralsk betydning.

Med Botticellis død slutter historien til florentinsk maleri fra den tidlige renessansen - denne sanne våren i italiensk kunstnerisk kultur. Botticelli, en samtidig av Leonardo, Michelangelo og den unge Raphael, forble fremmed for deres klassiske idealer. Som kunstner tilhørte han helt og holdent 1400-tallet og hadde ingen direkte etterfølgere i høyrenessansemaleriet. Kunsten hans døde imidlertid ikke med ham. Det var det første forsøket på å avsløre en persons åndelige verden, et fryktsomt forsøk og ender tragisk, men gjennom generasjoner og århundrer fikk det sin uendelig mangefasetterte refleksjon i andre mesters arbeid.

Kunsten til Botticelli er en poetisk bekjennelse av en stor kunstner som begeistrer og alltid vil begeistre hjertene til mennesker. 2

4. Leonardo Da Vinci

I menneskehetens historie er det ikke lett å finne en annen person som er så briljant som grunnleggeren av høyrenessansens kunst, Leonardo da Vinci (1452-1519). Den omfattende karakteren av aktivitetene til denne store kunstneren og vitenskapsmannen ble tydelig først da de spredte manuskriptene fra arven hans ble undersøkt. Kolossal litteratur er viet Leonardo, livet hans har blitt studert i detalj. Og ikke desto mindre forblir mye i arbeidet hans mystisk og fortsetter å begeistre sinnet til folk.

Leonardo da Vinci ble født i landsbyen Anchiano nær Vinci: ikke langt fra Firenze. Han var uekte sønn en velstående notarius og en enkel bondekvinne. Faren la merke til guttens ekstraordinære evne til å male, og ga ham til verkstedet til Andrea Verrocchio. På bildet av læreren "The Baptism of Christ" tilhører figuren til en åndelig blond engel børsten til den unge Leonardo.

Blant hans tidlige arbeider er Madonna med en blomst (1472), malt i oljemaleri, den gang sjelden i Italia.

Rundt 1482 gikk Leonardo inn i tjenesten til hertugen av Milano, Lodovico Moro. Mesteren anbefalte seg først og fremst som militæringeniør, arkitekt, spesialist innen hydraulikkteknikk, og først da som maler og skulptør. Den første Milano-perioden av Leonardos kreativitet (1482-1499) viste seg imidlertid å være den mest fruktbare. Mesteren ble den mest kjente kunstneren i Italia, studerte arkitektur og skulptur, vendte seg til freskomaleri og altermaleri.

De pittoreske maleriene av Leonardo fra Milano-perioden har overlevd til vår tid. Den første altertavlen i høyrenessansen var Madonna i grotten (1483-1494). Maleren gikk bort fra tradisjonene fra det femtende århundre: i de religiøse maleriene som høytidelig stivhet rådde. Det er få figurer i Leonardos altertavle: den feminine Maria, spedbarnet Kristus som velsigner lille døperen Johannes, og en knelende engel, som om han så ut av bildet. Bildene er helt vakre, naturlig forbundet med miljøet. Dette er en slags grotte blant mørke basaltbergarter med et gap i dypet – et landskap typisk for Leonardo som helhet er fantastisk mystisk. Figurer og ansikter er innhyllet i en luftig dis, noe som gir dem en spesiell mykhet. Italienerne kalte denne teknikken Deonardo sfumato.

I Milano, tilsynelatende, skapte mesteren lerretet "Madonna and Child" ("Madonna Lita"). Her, i motsetning til Madonnaen med en blomst, strebet han etter en større generalisering av bildets idealitet. Ikke et bestemt øyeblikk er avbildet, men en viss langsiktig tilstand av fred av glede der en ung vakker kvinne er nedsenket. Kaldt klart lys lyser opp det tynne, myke ansiktet hennes med et halvt senket blikk og et lett, knapt merkbart smil. Bildet er malt i tempera, og gir klangfulle toner til Marias blå kappe og røde kjole. Det fluffy mørke gylne krøllete håret til spedbarnet er utrolig malt, hans oppmerksomme blikk rettet mot betrakteren er ikke barnslig alvorlig.

Da Milano ble tatt av franske tropper i 1499, forlot Leonardo byen. Tiden for hans vandringer har begynt. En tid jobbet han i Firenze. Der syntes Leonardos arbeid å bli opplyst av et sterkt blink: han malte et portrett av Mona Lisa, kona til den velstående florentineren Francesco di Giocondo (ca. 1503). Portrettet er kjent som "Gioconda", har blitt et av verdens mest kjente malerier.

Et lite portrett av en ung kvinne, innhyllet i en luftig dis, sittende mot bakteppet av et blågrønt landskap, er fullt av så livlig og øm skjelving at man ifølge Vasari kan se pulsen slå i fordypet av Mona Lisas hals. Det ser ut til at bildet er lett å forstå. I mellomtiden, i den omfattende litteraturen dedikert til Mona Lisa, kolliderer de mest motsatte tolkningene av bildet skapt av Leonardo.

De siste årene av sitt liv jobbet Leonardo da Vinci lite som kunstner. Etter å ha mottatt en invitasjon fra den franske kongen Frans 1, dro han til Frankrike i 1517 og ble hoffmaler. Snart døde Leonardo. I selvportrettet - tegningen (1510-1515) så den gråskjeggete patriarken med et dypt sørgmodig blikk mye eldre ut enn sin alder.

Skalaen og unikheten til Leonardos talent kan bedømmes av tegningene hans, som opptar en av hedersplassene i kunsthistorien. Ikke bare manuskripter viet til eksakte vitenskaper, men også kunstteori er uløselig knyttet til tegninger av Leonardo da Vinci, skisser, skisser og diagrammer. Mye plass er gitt til problemene med chiaroscuro, volumetrisk modellering, lineært og luftperspektiv. Leonardo da Vinci eier en rekke funn, prosjekter og eksperimentelle studier innen matematikk, mekanikk og andre naturvitenskaper.

Kunsten til Leonardo da Vinci, hans vitenskapelige og teoretiske forskning, det unike ved hans personlighet har gått gjennom hele historien til verdens kultur og vitenskap og har hatt en enorm innvirkning. 3

5 Michelangelo Buonarroti

Blant halvgudene og titanene fra høyrenessansen inntar Michelangelo en spesiell plass. Som skaper av ny kunst fortjener han navnet Prometheus på 1500-tallet

Den vakre marmorstatuen, kjent som Pieta, forblir den dag i dag et monument over det første oppholdet i Roma og den fulle modenhet av det 24. sommerkunstner. Den hellige jomfru sitter på en stein, på fanget hennes hviler Jesu livløse legeme, tatt ned fra korset. Hun støtter ham med hånden. Under påvirkning av eldgamle verk forkastet Michelangelo alle tradisjonene i middelalderen i skildringen av religiøse emner. Han ga harmoni og skjønnhet til Kristi legeme og til hele verket. Det var ikke Jesu død som skulle fremkalle redsel, men bare en følelse av ærbødig overraskelse overfor den store lidende. Skjønnheten til den nakne kroppen drar stor nytte av effekten av lys og skygge produsert av de kunstferdig arrangerte foldene til Marys kjole. I møte med Jesus, avbildet av kunstneren, fant de til og med likheter med Savonarola. Den evige pakt om kamp og protest, evig monument skjult lidelse av kunstneren selv forble Pieta.

Michelangelo kom tilbake til Firenze i 1501, i et vanskelig øyeblikk for byen, hvor han fra en enorm blokk med Carrara-marmor, som var beregnet på en kolossal statue av den bibelske David for å dekorere kuppelen til katedralen, bestemte seg for å lage en integrert og perfekt arbeid, uten å redusere størrelsen, og det var David. I 1503, den 18. mai, ble statuen installert på Piazza Senoria, hvor den sto i mer enn 350 år.

I det lange og dystre livet til Michelangelo var det bare én periode da lykken smilte til ham – det var da han jobbet for pave Julius ll. Michelangelo elsket på sin egen måte denne frekke krigerfaren, som slett ikke hadde pavelig skarpe oppførsel. Graven til pave Julius ble ikke så storslått som Michelangelo hadde tenkt den skulle være. I stedet for katedralen St. Peter, hun ble plassert i en liten kirke i St. Peter, hvor hun ikke en gang kom inn i sin helhet, og dens individuelle deler spredte seg til forskjellige steder. Men selv i denne formen er det med rette en av de mest kjente kreasjonene fra renessansen. Dens sentrale figur er den bibelske Moses, befrieren av sitt folk fra egyptisk fangenskap (kunstneren håpet at Julius ville befri Italia fra erobrerne). Altoppslukende lidenskap, umenneskelig styrke belaster heltens mektige kropp, ansiktet hans gjenspeiler vilje og besluttsomhet, en lidenskapelig tørst etter handling, blikket hans er rettet mot det lovede land. I olympisk majestet sitter en halvgud. Den ene hånden hans hviler kraftig på en steintavle på knærne, den andre hviler her med en uforsiktighet verdig en mann som bare trenger en bevegelse av øyenbrynene for å få alle til å adlyde. Som dikteren sa: "Før et slikt avgud hadde det jødiske folk rett til å bøye seg i bønn." Ifølge samtidige så Michelangelos "Moses" faktisk Gud.

På forespørsel fra pave Julius malte Michelangelo taket i Det sixtinske kapell i Vatikanet med fresker som skildrer verdens skapelse. Hans malerier er dominert av linjer og kropper. 20 år senere, på en av veggene i det samme kapellet, malte Michelangelo fresken av den siste dommen – en fantastisk visjon av Kristi tilsynekomst ved den siste dommen, ved hvis håndsbølge syndere faller ned i helvetes avgrunn. Den muskuløse, herkuliske kjempen ser ikke ut som den bibelske Kristus, som ofret seg selv for menneskehetens beste, men personifiseringen av gjengjeldelsen fra gammel mytologi, fresken avslører den forferdelige avgrunnen til en desperat sjel, sjelen til Michelangelo.

I verkene til Michelangelo uttrykkes smerten forårsaket av tragedien i Italia, smeltet sammen med smerte om hans egen triste skjebne.Skjønnhet, som ikke er blandet med lidelse og ulykke, fant Michelangelo i arkitekturen. Michelangelo overtok byggingen av St. Peters etter Bramantes død. En verdig etterfølger til Bramante, han skapte en kuppel og er den dag i dag uovertruffen i enten størrelse eller storhet,

Michelangelo hadde ingen elever, ingen såkalt skole. Men det var en hel verden skapt av ham. 4

6. Rafael

Arbeidet til Rafael Santi er et av de fenomenene i europeisk kultur som ikke bare er dekket av verdensberømmelse, men som også har fått spesiell betydning - de høyeste landemerkene i menneskehetens åndelige liv. I fem århundrer har kunsten hans blitt oppfattet som et av eksemplene på estetisk perfeksjon.

Rafaels geni ble avslørt innen maleri, grafikk, arkitektur. Verkene til Raphael er det mest komplette, levende uttrykket for den klassiske linjen, den klassiske begynnelsen i høyrenessansens kunst (vedlegg 3). Raphael skapte et "universelt bilde" av en vakker person, perfekt fysisk og åndelig, legemliggjorde ideen om den harmoniske skjønnheten til å være.

Raphael (mer presist, Raffaello Santi) ble født 6. april 1483 i byen Urbino. Han fikk sine første maletimer fra sin far, Giovanni Santi. Da Raphael var 11 år gammel, døde Giovanni Santi og gutten ble foreldreløs (han mistet gutten 3 år før farens død). Tilsynelatende studerte han i løpet av de neste 5-6 årene maleri med Evangelista di Piandimeleto og Timoteo Viti, mindre provinsmestere.

De første verkene til Raphael kjent for oss ble fremført rundt 1500 - 1502, da han var 17-19 år gammel. Dette er komposisjoner i miniatyrstørrelse "Three Graces", "Dream of a Knight". Disse enkelthjertede, fortsatt studentfrykte tingene er preget av subtil poesi og oppriktighet i følelsen. Fra de aller første trinnene i kreativiteten avsløres Raphaels talent i all sin originalitet, hans eget kunstneriske tema er skissert.

De beste verkene fra den tidlige perioden inkluderer Conestabile Madonna. Komposisjoner som skildrer Madonna og barnet brakte Raphael bred berømmelse og popularitet. De skjøre, saktmodige, drømmende madonnaene fra den umbriske perioden ble erstattet av mer jordiske, fullblodsbilder, deres indre verden ble mer kompleks, rik på følelsesmessige nyanser. Raphael skapte en ny type skildring av Madonna og barnet - monumental, streng og lyrisk på samme tid, ga dette emnet en enestående betydning.

Han glorifiserte menneskets jordiske eksistens, harmonien mellom åndelige og fysiske krefter i maleriene til strofene (rommene) i Vatikanet (1509-1517), og oppnådde en upåklagelig følelse av proporsjoner, rytme, proporsjoner, harmoni av farger, enhet i figurer og majesteten av arkitektoniske bakgrunner. Det er mange bilder av Guds mor ("den sixtinske madonna", 1515-19), kunstneriske ensembler i veggmaleriene til Villa Farnesina (1514-18) og loggiaene til Vatikanet (1519, med studenter). I portretter skaper han det ideelle bildet av en renessansemann (Baldassare Castiglione, 1515). Designet katedralen St. Peter, bygde Chigi-kapellet i kirken Santa Maria del Popolo (1512-20) i Roma.

Raphaels maleri, dets stil, dets estetiske prinsipper reflekterte tidens verdensbilde. Innen det tredje tiåret av 1500-tallet hadde den kulturelle og åndelige situasjonen i Italia endret seg. Historisk virkelighet ødela illusjonene til renessansehumanismen. Vekkelsen gikk mot slutten. 5

Konklusjon

I løpet av renessansen vokste interessen for det antikke Hellas og Romas kunst, noe som fikk Europa til å endre seg, noe som markerte slutten på middelalderen og begynnelsen på den nye tiden. Denne perioden var ikke bare en tid med "gjenoppliving" av den gamle fortiden, det var en tid med oppdagelser og forskning, en tid med nye ideer. Klassiske eksempler inspirerte nytenkning, og la vekt på den menneskelige personligheten, utviklingen og manifestasjonen av evner, og ikke deres begrensninger, som var karakteristisk for middelalderen. Trening og Vitenskapelig forskning var ikke lenger utelukkende kirkens verk. Nye skoler og universiteter oppsto, naturvitenskapelige og medisinske eksperimenter ble utført. Kunstnere og skulptører strebet i sitt arbeid for naturlighet, for en realistisk gjenskaping av verden og mennesket. Klassiske statuer og menneskelig anatomi ble studert. Kunstnere begynte å bruke perspektiv og forlot det plane bildet. Kunstobjektene var menneskekroppen, klassiske og moderne emner, samt religiøse temaer. Kapitalistiske relasjoner vokste frem i Italia, og diplomati begynte å bli brukt som et verktøy i forholdet mellom bystater. Vitenskapelige og teknologiske oppdagelser, som oppfinnelsen av trykkpressen, bidro til spredningen av nye ideer. Etter hvert tok nye ideer hele Europa i besittelse.

Epoker Renessanse(XIV-XVI/XVII århundrer) ... dette er et flott bidrag til kunst Renessanse.TITANS HØY RENESSANSE SALEONARDO DA VINCI slutten... hans unike bidrag til æra Renessanse og skapte sine egne mesterverk. I kultur XV-XVI århundrer ...

kultur æra Renessanse renessanse

Test >> Kultur og kunst

Mann, får ham til å se ut titan de skilte ham fra... marmor kopi. BETYDNING KULTURER ALDER REVIVAL Derfor søker å vite kultur Renessanse, hemmeligheter av det... fingre er også en av mesterverk Simone Martini. Det fine med det...

europeisk kultur æra Renessanse (2)

Foredrag >> Kultur og kunst

Humanisme. 3. Titaner æra Renessanse. Titanisme som kulturelt fenomen. 4. "Barokk" - kultur luksus og forvirring ... håndverk og litteratur, og kunstnerisk kreativitet. Klassisk mesterverk Leonardo, Michelangelo, Brunalleschi, Titian, Raphael...

Epoke Renessanse (11)

Abstrakt >> Kultur og kunst

Tid» (F. Engels). den største mesterverk poet, som udødeliggjorde navnet sitt, ... resultatet av utviklingen av middelalderen kultur og tilnærming til det nye kultur æra Renessanse. Tro på den jordiske ... lyd i diktet til sistnevnte titan Renessanse skrevet i hans navn...

Sammenlignende egenskaper kulturer epoker

Abstrakt >> Kultur og kunst

... æra August ble til 142 bind med historisk arbeid tita Libya... Verden teller mesterverk verden kultur. Monumenter for arkitektur og konstruksjon æra tidlig ... urban middelalder kultur. Navnet er vilkårlig: det dukket opp i æra Renessanse og mente...

Detaljer Kategori: Kunst og arkitektur i renessansen (renessansen) Skrevet den 19.12.2016 16:20 Visninger: 9452

Renessansen er en tid med kulturell oppblomstring, all kunsts storhetstid, men de fineste kunstene var de mest fullstendige uttrykkene for deres tidsånd.

Renessanse, eller renessanse(fransk "nylig" + "født") var av verdens betydning i europeisk kulturhistorie. Renessansen erstattet middelalderen og gikk foran opplysningstiden.
Hovedtrekkene i renessansen- kulturens sekulære natur, humanisme og antroposentrisme (interesse for en person og hans aktiviteter). Under renessansen ble interessen for eldgammel kultur og det er en slags "gjenfødelse" av det.
Vekkelsen oppsto i Italia - dens første tegn dukket opp så tidlig som på 1200-1300-tallet. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna og andre). Men det var solid etablert fra 20-tallet av 1400-tallet, og mot slutten av 1400-tallet. nådde sin høyeste topp.
I andre land begynte renessansen mye senere. I det XVI århundre. krisen for renessansens ideer begynner, konsekvensen av denne krisen er fremveksten av mannerisme og barokk.

Renessanseperioder

Renessansen er delt inn i 4 perioder:

1. Proto-renessanse (2. halvdel av XIII århundre - XIV århundre)
2. Tidlig renessanse (begynnelsen av XV-slutten av XV århundre)
3. Høyrenessanse (sent 15. - første 20 år av 1500-tallet)
4. Sen renessanse (midten av 1500-90-tallet av 1500-tallet)

Fallet spilte en rolle i dannelsen av renessansen Bysantinske riket. Bysantinene som flyttet til Europa tok med seg bibliotekene og kunstverkene sine, ukjent for middelalderens Europa. I Byzantium brøt de heller aldri med gammel kultur.
Utseende humanisme(fra den sosiofilosofiske bevegelsen, som anså mennesket som den høyeste verdien) var assosiert med fraværet av føydale forhold i de italienske byrepublikkene.
Sekulære sentre for vitenskap og kunst begynte å dukke opp i byene, som ikke var kontrollert av kirken. hvis aktiviteter var utenfor Kirkens kontroll. I midten av XV århundre. typografi ble oppfunnet, som spilte en viktig rolle i å spre nye synspunkter over hele Europa.

Korte karakteristikker fra renessansen

Proto-renessanse

Proto-renessansen er forløperen til renessansen. Det er fortsatt nært knyttet til middelalderen, med bysantinske, romanske og gotiske tradisjoner. Det er assosiert med navnene til Giotto, Arnolfo di Cambio, Pisano-brødrene, Andrea Pisano.

Andrea Pisano. Basrelieff "Adams skapelse". Opera del Duomo (Firenze)

Maleriet av proto-renessansen er representert av to kunstskoler: Firenze (Cimabue, Giotto) og Siena (Duccio, Simone Martini). Den sentrale figuren i maleriet var Giotto. Han ble ansett som en reformator av maleriet: han fylte religiøse former med sekulært innhold, gjorde en gradvis overgang fra plane bilder til tredimensjonale og relieffbilder, vendte seg til realisme, introduserte det plastiske volumet av figurer i maleriet, avbildet interiøret i maleriet.

Tidlig renessanse

Dette er perioden fra 1420 til 1500. Kunstnerne fra den tidlige renessansen av Italia hentet motiver fra livet, fylte tradisjonelle religiøse emner med jordisk innhold. I skulpturen var disse L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, familien della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. Frittstående statuer, pittoreske relieffer, portrettbyster og ryttermonumenter begynner å utvikle seg i arbeidet deres.
I italiensk maleri fra XV århundre. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino, etc.) er preget av en følelse av harmonisk ordning av verden, konvertering til humanismens etiske og borgerlige idealer, gledelig oppfatning av skjønnheten og mangfoldet i den virkelige verden.
Filippo Brunelleschi (1377-1446), en arkitekt, skulptør og vitenskapsmann, en av skaperne av vitenskapelig teori perspektiver.

En spesiell plass i historien til italiensk arkitektur er okkupert av Leon Battista Alberti (1404-1472). Denne italienske lærde, arkitekten, forfatteren og musikeren fra den tidlige renessansen ble utdannet i Padua, studerte juss i Bologna og bodde senere i Firenze og Roma. Han skapte teoretiske avhandlinger On the Statue (1435), On Painting (1435–1436), On Architecture (publisert i 1485). Han forsvarte «folkespråket» (italiensk) som litterært språk, i den etiske avhandlingen «Om familien» (1737-1441) utviklet han idealet om en harmonisk utviklet personlighet. I arkitektonisk arbeid graviterte Alberti mot dristige eksperimentelle løsninger. Han var en av pionerene innen den nye europeiske arkitekturen.

Palazzo Rucellai

Leon Battista Alberti tegnet en ny type palazzo med en fasade behandlet med rustikk til full høyde og dissekert av tre lag pilastre, som ser ut som det strukturelle grunnlaget for bygningen (Palazzo Rucellai i Firenze, bygget av B. Rossellino ifølge Alberti's planer).
Overfor Palazzo står Rucellai Loggia, hvor det ble holdt mottakelser og banketter for handelspartnere, og bryllup ble feiret.

Loggia Rucellai

Høyrenessanse

Dette er tiden for den mest storslåtte utviklingen av renessansestilen. I Italia varte det fra ca 1500 til 1527. Nå flytter senteret for italiensk kunst fra Firenze til Roma, takket være tiltredelsen til den pavelige trone. Julia II, en ambisiøs, modig, driftig mann, som trakk de beste artistene i Italia til hoffet sitt.

Raphael Santi "Portrett av pave Julius II"

Det bygges mange monumentale bygninger i Roma, det lages storslåtte skulpturer, det males fresker og malerier, som fortsatt regnes som maleriets mesterverk. Antikken er fortsatt høyt verdsatt og nøye studert. Men imitasjon av de gamle kveler ikke kunstnernes uavhengighet.
Renessansens høydepunkt er verkene til Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) og Raphael Santi (1483-1520).

Sen renessanse

I Italia er dette perioden fra 1530-tallet til 1590-1620-tallet. Kunsten og kulturen på denne tiden er svært mangfoldig. Noen mener (for eksempel britiske forskere) at "Renessansen som en integrert historisk periode endte med Romas fall i 1527." Senrenessansens kunst er et svært sammensatt bilde av kampen til ulike strømninger. Mange kunstnere søkte ikke å studere naturen og dens lover, men prøvde bare utad å assimilere "måten" til de store mestrene: Leonardo, Raphael og Michelangelo. Ved denne anledningen sa den aldrende Michelangelo en gang, mens han så på hvordan kunstnere kopierer hans «Last Judgment»: «Min kunst vil gjøre mange narr».
I Sør-Europa triumferte motreformasjonen, som ikke ønsket noen fri tanke velkommen, inkludert sangen av menneskekroppen og gjenoppstandelsen av antikkens idealer.
Kjente kunstnere fra denne perioden var Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) og andre. Caravaggio regnes som grunnleggeren av barokkstilen.

Detaljer Kategori: Kunst og arkitektur i renessansen (renessansen) Skrevet den 19.12.2016 16:20 Visninger: 9453

Renessansen er en tid med kulturell oppblomstring, all kunsts storhetstid, men de fineste kunstene var de mest fullstendige uttrykkene for deres tidsånd.

Renessanse, eller renessanse(fransk "nylig" + "født") var av verdens betydning i europeisk kulturhistorie. Renessansen erstattet middelalderen og gikk foran opplysningstiden.
Hovedtrekkene i renessansen- kulturens sekulære natur, humanisme og antroposentrisme (interesse for en person og hans aktiviteter). I løpet av renessansen blomstret interessen for gammel kultur, og dens "gjenoppliving" fant så å si sted.
Vekkelsen oppsto i Italia - dens første tegn dukket opp så tidlig som på 1200-1300-tallet. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna og andre). Men det var solid etablert fra 20-tallet av 1400-tallet, og mot slutten av 1400-tallet. nådde sin høyeste topp.
I andre land begynte renessansen mye senere. I det XVI århundre. krisen for renessansens ideer begynner, konsekvensen av denne krisen er fremveksten av mannerisme og barokk.

Renessanseperioder

Renessansen er delt inn i 4 perioder:

Det bysantinske rikets fall spilte en rolle i dannelsen av renessansen. Bysantinene som flyttet til Europa tok med seg bibliotekene og kunstverkene sine, ukjent for middelalderens Europa. I Byzantium brøt de heller aldri med gammel kultur.
Utseende humanisme(fra den sosiofilosofiske bevegelsen, som anså mennesket som den høyeste verdien) var assosiert med fraværet av føydale forhold i de italienske byrepublikkene.
Sekulære sentre for vitenskap og kunst begynte å dukke opp i byene, som ikke var kontrollert av kirken. hvis aktiviteter var utenfor Kirkens kontroll. I midten av XV århundre. typografi ble oppfunnet, som spilte en viktig rolle i å spre nye synspunkter over hele Europa.

Korte karakteristikker fra renessansen

Proto-renessanse

Andrea Pisano. Basrelieff "Adams skapelse". Opera del Duomo (Firenze)

Tidlig renessanse

Dette er perioden fra 1420 til 1500. Kunstnerne fra den tidlige renessansen av Italia hentet motiver fra livet, fylte tradisjonelle religiøse emner med jordisk innhold. I skulpturen var disse L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, familien della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. Frittstående statuer, pittoreske relieffer, portrettbyster og ryttermonumenter begynner å utvikle seg i arbeidet deres.
I italiensk maleri fra XV århundre. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino, etc.) er preget av en følelse av harmonisk ordning av verden, konvertering til humanismens etiske og borgerlige idealer, gledelig oppfatning av skjønnheten og mangfoldet i den virkelige verden.
Stamfaren til italiensk renessansearkitektur var Filippo Brunelleschi (1377-1446), en arkitekt, skulptør og vitenskapsmann, en av skaperne av den vitenskapelige teorien om perspektiv.

Palazzo Rucellai

Loggia Rucellai