Den ideelle byen i renessansen. Renessansearkitektur og byplanlegging
Renessansens historie begynner i Likevel kalles denne perioden renessansen. Renessansen endret seg til kultur og ble forløperen til New Age-kulturen. Og renessansen endte i XVI-XVII århundrer, siden den i hver stat har sin egen start- og sluttdato.
Litt generell informasjon
Representanter for renessansen er Francesco Petrarca og Giovanni Boccaccio. De ble de første dikterne som begynte å uttrykke høye bilder og tanker på et åpenhjertig, felles språk. Denne innovasjonen ble mottatt med et brak og spredte seg til andre land.
Renessanse og kunst
Renessansens trekk er at menneskekroppen har blitt hovedkilden til inspirasjon og gjenstand for forskning for denne tidens kunstnere. Dermed ble det lagt vekt på likheten mellom skulptur og maleri med virkeligheten. Hovedtrekkene i kunsten fra renessansen inkluderer utstråling, raffinert penselarbeid, skygge- og lysspillet, grundighet i arbeidsprosessen og komplekse komposisjoner. For renessansekunstnere var bilder fra Bibelen og myter de viktigste.
Likheten til en ekte person med bildet hans på et bestemt lerret var så nært at den fiktive karakteren virket levende. Dette kan ikke sies om kunsten på 1900-tallet.
Renessansen (dens hovedtrender er kort skissert ovenfor) oppfattet menneskekroppen som en endeløs begynnelse. Forskere og kunstnere forbedret jevnlig sine ferdigheter og kunnskaper ved å studere kroppene til enkeltpersoner. På den tiden var den rådende oppfatningen at mennesket ble skapt i Guds likhet og bilde. Denne uttalelsen reflekterte fysisk perfeksjon. De viktigste og viktige gjenstandene for renessansekunsten var gudene.
Naturen og skjønnheten til menneskekroppen
Renessansekunst ga naturen stor oppmerksomhet. Et karakteristisk element i landskapene var en variert og frodig vegetasjon. Himmelen med en blå-blå nyanse, som ble gjennomboret av solstrålene som penetrerte skyene av hvitt, var et praktfullt bakteppe for de svevende skapningene. Renessansekunsten æret skjønnheten i menneskekroppen. Denne funksjonen ble manifestert i de raffinerte elementene i musklene og kroppen. Vanskelige positurer, ansiktsuttrykk og gester, en godt koordinert og klar fargepalett er karakteristisk for arbeidet til skulptører og skulptører fra renessansen. Disse inkluderer Titian, Leonardo da Vinci, Rembrandt og andre.
Kjære brukere! Vi er glade for å ønske deg velkommen til nettstedet til den elektroniske vitenskapelige publikasjonen "Analytics of Culturology".
Denne siden er et arkiv. Artikler for plassering godtas ikke.
Den elektroniske vitenskapelige publikasjonen "Analytics of Cultural Studies" er det konseptuelle grunnlaget for kulturstudier (kulturteori, kulturfilosofi, kultursosiologi, kulturhistorie), dens metodikk, aksiologi og analyse. Dette er et nytt ord i kulturen for vitenskapelig og samfunnsvitenskapelig dialog.
Materialer publisert i den elektroniske vitenskapelige publikasjonen "Analytics of Culturology" tas i betraktning ved forsvar av avhandlinger (kandidat og doktorgrad) fra Høyere attestasjonskommisjonen i Den russiske føderasjonen. Ved skriving av vitenskapelige artikler og avhandlinger plikter søker å gi lenker til vitenskapelige artikler publisert i elektroniske vitenskapelige publikasjoner.
Om journalen
Den elektroniske vitenskapelige publikasjonen "Analytics of Cultural Studies" er en elektronisk nettverkspublikasjon og har blitt utgitt siden 2004. Den publiserer vitenskapelige artikler og korte meldinger, som gjenspeiler prestasjoner innen kulturstudier og relaterte vitenskaper.
Denne publikasjonen er rettet til forskere, lærere, hovedfagsstudenter og studenter, ansatte i føderale og regionale myndighetsorganer og lokale myndighetsstrukturer, alle kategorier av kulturforvaltere.
Alle publikasjoner blir gjennomgått. Tilgang til bladet er gratis.
Tidsskriftet er dømt, har bestått eksamen av ledende eksperter fra det russiske vitenskapsakademiet og MGUKI, informasjon om det er plassert i online databaser.
I sin virksomhet er den elektroniske vitenskapelige publikasjonen "Analytics of Culturology" avhengig av potensialet og tradisjonene til Tambov State University. G.R. Derzhavin.
Registrert av Federal Service for Supervision of Mass Communications, Communications and Cultural Heritage Protection Sertifikat for registrering av massemediene El nr. FS 77-32051 datert 22. mai 2008
Renessansens æra er en av de viktigste periodene i menneskehetens kulturelle utvikling, fordi det er på denne tiden at grunnlaget for grunnleggende ny kultur, det er et vell av ideer, tanker, symboler som vil bli aktivt brukt av påfølgende generasjoner i fremtiden. I det XV århundre. i Italia fødes et nytt bilde av byen, som utvikles mer som et prosjekt, en fremtidsmodell enn en ekte arkitektonisk legemliggjøring. Selvfølgelig, i renessansens Italia gjorde de mye forskjønning av byer: de rettet opp gater, jevnet fasader, brukte mye penger på å lage fortau osv. Arkitekter bygde også nye hus, passet dem inn i tomme rom, eller i sjeldne tilfeller , reiste dem i stedet for å rive gamle bygninger. Generelt forble den italienske byen i realiteten middelalder i sitt arkitektoniske landskap. Det var ikke en periode med aktiv byplanlegging, men det var på denne tiden byspørsmål begynte å bli anerkjent som en av de kritiske områder kulturbygg. Mange interessante avhandlinger dukket opp om hva en by er og ikke bare som et politisk, men også som et sosiokulturelt fenomen. Hvordan fremstår en ny by i øynene til renessansehumanistene, forskjellig fra middelalderen?
I alle sine byplanleggingsmodeller, prosjekter og utopier, frigjorde byen seg først og fremst fra sin hellige prototype – himmelske Jerusalem, arken, som symboliserer menneskets frelse. I renessansen oppsto ideen om en ideell by, som ikke ble skapt i henhold til den guddommelige prototypen, men som et resultat av den individuelle kreative aktiviteten til arkitekten. Den berømte L. B. Alberti, forfatteren av den klassiske Ten Books on Architecture, hevdet at originale arkitektoniske ideer ofte kommer til ham om natten, når oppmerksomheten hans blir distrahert og han har drømmer der ting dukker opp som ikke avslører seg selv når han er våken. Denne sekulariserte beskrivelsen av den kreative prosessen er ganske forskjellig fra de klassiske kristne handlingene å se.
Den nye byen dukket opp i verkene til italienske humanister som ikke tilsvarer de himmelske, men de jordiske reguleringene i dets sosiale, politiske, kulturelle og hjemlige formål. Det ble bygget ikke etter prinsippet om hellig-romlig sammentrekning, men på grunnlag av en funksjonell, fullstendig sekulær romlig avgrensning, og ble delt inn i rom med torg, gater, som var gruppert rundt viktige bolig- eller offentlige bygninger. En slik rekonstruksjon, selv om den faktisk ble utført til en viss grad, for eksempel i Firenze, men i større grad viste seg å bli realisert i kunst, i konstruksjonen av renessansemalerier og i arkitektoniske prosjekter. Renessansebyen symboliserte menneskets seier over naturen, den optimistiske troen på at "separasjonen" av menneskelig sivilisasjon fra naturen til dens nye menneskeskapte verden hadde rimelige, harmoniske og vakre grunner.
Renessansemannen er en prototype på sivilisasjonen av erobringen av verdensrommet, som fullførte med egne hender det som viste seg å være uferdig av skaperen. Det er grunnen til at arkitekter, når de planla byer, var glad i å lage vakre prosjekter, basert på den estetiske betydningen av ulike kombinasjoner. geometriske former, der det var nødvendig å plassere alle bygningene som var nødvendige for bysamfunnets liv. Utilitariske betraktninger falt i bakgrunnen, og arkitektoniske fantasiers frie estetiske spill underkuet bevisstheten til datidens byplanleggere. Ideen om fri kreativitet som grunnlag for individets eksistens er en av de viktigste kulturelle imperativene i renessansen. arkitektonisk kreativitet i denne saken legemliggjorde også denne ideen, som ble uttrykt i opprettelsen av byggeprosjekter som så mer ut som noen intrikate dekorative fantasier. I praksis ble disse ideene implementert først og fremst i skapelsen annen type steinbelegg, som var dekket med plater korrekt form. Det var dem, som de viktigste nyvinningene, byfolket var stolte av, og kalte dem "diamant".
Byen ble opprinnelig tenkt som et kunstig produkt, i motsetning til naturligheten til den naturlige verden, fordi den, i motsetning til middelalderbyen, underkuet og mestret boarealet, og ikke bare passet inn i terrenget. Derfor hadde de ideelle byene i renessansen en streng geometrisk form i form av en firkant, et kors eller åttekant. I følge det treffende uttrykket til I. E. Danilova ble den tids arkitektoniske prosjekter så å si lagt over terrenget ovenfra som et segl på dominansen til det menneskelige sinnet, som alt er underlagt. I New Age-tiden søkte mennesket å gjøre verden forutsigbar, rimelig, for å bli kvitt det uforståelige sjanse- eller lykkespillet. Dermed hevdet L. B. Alberti, i sitt arbeid "On the Family", at fornuften spiller en mye større rolle i sivile saker og i menneskelivet enn formue. Den berømte teoretikeren for arkitektur og byplanlegging snakket om behovet for å teste og erobre verden, og utvidet reglene for anvendt matematikk og geometri til den. Fra dette synspunktet var renessansebyen den høyeste formen for å erobre verden, verdensrommet, fordi byplanleggingsprosjekter innebar omorganisering av det naturlige landskapet som et resultat av å pålegge den et geometrisk rutenett av avgrensede rom. Den, i motsetning til middelalderen, var en åpen modell, hvis sentrum ikke var katedralen, men torgets frirom, som åpnet seg fra alle kanter med gater, med utsikt i det fjerne, utover bymurene.
Moderne spesialister På kulturfeltet rettes mer og mer oppmerksomhet til problemene med den romlige organiseringen av renessansebyer, spesielt temaet for bytorget, dets opprinnelse og semantikk blir aktivt diskutert på forskjellige internasjonale symposier. R. Barth skrev: «Byen er et stoff som ikke består av ekvivalente elementer der deres funksjoner kan listes opp, men av elementer som er betydelige og ubetydelige ... I tillegg må jeg merke meg at alt større verdi de begynner å gi meningsfull tomhet i stedet for tomheten til det meningsfulle. Med andre ord blir elementene mer og mer betydningsfulle ikke i seg selv, men avhengig av hvor de befinner seg.
Middelalderbyen, dens bygninger, kirken legemliggjorde fenomenet nærhet, behovet for å overvinne en fysisk eller åndelig barriere, enten det er en katedral eller et palass som ligner på en liten festning, dette er et spesielt rom atskilt fra omverdenen. Penetrasjon der symboliserte alltid å bli kjent med en skjult hemmelighet. Torget, derimot, var et symbol på en helt annen epoke: det legemliggjorde ideen om åpenhet ikke bare oppover, men også til sidene, gjennom gater, smug, vinduer osv. Folk kom alltid inn på torget fra kl. et lukket rom. Derimot skapte et hvilket som helst kvadrat følelsen av et øyeblikkelig åpnet og åpent rom. Bytorg, som det var, symboliserte selve prosessen med frigjøring fra mystiske hemmeligheter og legemliggjorde åpent avsakralisert rom. L. B. Alberti skrev at den viktigste dekorasjonen av byer ble gitt av posisjon, retning, korrespondanse, plassering av gater og torg.
Disse ideene ble støttet av den virkelige praksisen i kampen for frigjøring av byrom fra kontrollen av individuelle familieklaner, som fant sted i Firenze i XIV og XV århundrer. F. Brunelleschi designer i denne perioden tre nye torg i byen. Gravsteiner til forskjellige adelige personer blir fjernet fra torgene, markeder gjenoppbygges deretter. Ideen om åpen plass er legemliggjort av L. B. Alberti i forhold til veggene. Han anbefaler å bruke søyleganger så ofte som mulig for å fremheve det konvensjonelle ved veggene som et hinder. Derfor oppfattes buen ved Alberti som det motsatte av de låste byportene. Buen er alltid åpen, som om den fungerer som en ramme for åpningsutsikt og dermed forbinder byrommet.
Renessanseurbanisering innebærer ikke byrommets nærhet og isolasjon, men tvert imot distribusjon utenfor byen. Den aggressive offensive patosen til "naturens erobrer" demonstreres av prosjektene til Francesco di Giorgio Martini. Yu. M. Lotman skrev om denne romlige impulsen, karakteristisk for hans avhandlinger. Martini-festninger har i de fleste tilfeller form som en stjerne, som er blottet i alle retninger av vegghjørner med bastioner som er sterkt utvidet utover. Denne arkitektoniske løsningen skyldtes i stor grad oppfinnelsen av kanonkulen. Kanonene, som var montert på bastioner langt fremme i verdensrommet, gjorde det mulig å aktivt motarbeide fiendene, treffe dem på stor avstand og hindre dem i å nå hovedveggene.
Leonardo Bruni, i sine rosende arbeider om Firenze, presenterer oss snarere enn en ekte by, men en legemliggjort sosiokulturell doktrine, for han prøver å "korrigere" den urbane utformingen og beskrive plasseringen av bygninger på en ny måte. Som et resultat viser Palazzo Signoria seg å være i sentrum av byen, hvorfra, som et symbol på urban makt, ringer av murer, festningsverk osv., bredere enn i virkeligheten, divergerer. I denne beskrivelsen går Bruni fra den lukkede modellen av en middelalderby og prøver å legemliggjøre en ny idé ideen om byutvidelse, som er et slags symbol ny æra. Firenze griper land i nærheten og legger under seg store territorier.
Dermed den ideelle byen i XV århundre. er ikke unnfanget i en vertikal sakralisert projeksjon, men i et horisontalt sosiokulturelt rom, som ikke forstås som en frelsesfære, men som et behagelig bomiljø. Det er derfor den ideelle byen er avbildet av kunstnere fra 1400-tallet. ikke som et fjernt mål, men innenfra, som en vakker og harmonisk sfære av menneskelivet.
Imidlertid er det nødvendig å merke seg visse motsetninger som opprinnelig var til stede i bildet av renessansebyen. Til tross for at det i løpet av denne perioden dukket opp praktfulle og komfortable boliger av en ny type, skapt først og fremst "for folkets skyld", i løpet av denne perioden, begynner selve byen allerede å bli oppfattet som et steinbur, som ikke tillater utviklingen av en fri, kreativ menneskelig personlighet. Det urbane landskapet kan oppfattes som noe som strider mot naturen, og det er som kjent naturen (både menneskelig og ikke-menneskelig) som er gjenstand for estetisk beundring for datidens kunstnere, poeter og tenkere.
Begynnelsen på urbaniseringen av det sosiokulturelle rommet, selv i dets primære, rudimentære og entusiastisk oppfattede former, vekket allerede en følelse av ontologisk ensomhet, forlatthet i den nye, "horisontale" verden. I fremtiden vil denne dualiteten utvikle seg, og bli til en akutt motsetning av den moderne tids kulturelle bevissthet og føre til fremveksten av utopiske anti-urbane scenarier.
Vi har den største informasjonsbasen i RuNet, så du kan alltid finne lignende spørsmål
Dette emnet tilhører:
Kulturologi
Teori om kultur. Kulturologi i systemet for sosio-humanitær kunnskap. Grunnleggende kulturteorier og skoler i vår tid. Kulturens dynamikk. Kulturhistorie. Den eldgamle sivilisasjonen er europeisk kulturs vugge. kultur Europeisk middelalder. Faktiske problemer med moderne kultur. Kulturens nasjonale ansikter i en globaliserende verden. Språk og kulturkoder.
Dette materialet inkluderer seksjoner:
Kultur som betingelse for samfunnets eksistens og utvikling
Kulturologi som selvstendig kunnskapsfelt
Begreper om kulturstudier, dens objekt, emne, oppgaver
Strukturen til kulturell kunnskap
Metoder for kulturforskning
Enheten av historisk og logisk i forståelsen av kultur
Gamle ideer om kultur
Forstå kultur i middelalderen
Forståelse av kultur i den europeiske filosofien i moderne tid
Generelle kjennetegn ved kulturstudier fra XX århundre.
Kulturologisk konsept av O. Spengler
Integrasjonsteori om kultur P. Sorokin
Psykoanalytiske kulturbegreper
Grunnleggende tilnærminger til analyse av kulturens essens
Morfologi av kultur
Kulturens normer og verdier
Kulturens funksjoner
Sergey Khromov
Selv om ikke en eneste ideell by var nedfelt i stein, fant ideene deres liv i virkelige byer fra renessansen ...
Fem århundrer skiller oss fra perioden da arkitekter først tok opp problemene med å gjenoppbygge byen. Og de samme spørsmålene er akutte for oss i dag: hvordan skape nye byer? Hvordan gjenoppbygge de gamle - for å passe separate ensembler i dem eller rive og bygge opp alt igjen? Og viktigst av alt - hvilken idé å legge i en ny by?
Renessansens mestere legemliggjorde de ideene som allerede hadde lydt i eldgammel kultur og filosofi: ideene om humanisme, naturens og menneskets harmoni. Folk vender seg igjen til Platons drøm om en ideell stat og en ideell by. Det nye bildet av byen er født først som et bilde, som en formel, som en idé, som er et dristig krav for fremtiden - som mange andre oppfinnelser av den italienske Quattrocento.
Byggingen av teorien om byen var nært forbundet med studiet av antikkens arv og fremfor alt hele avhandlingen "Ti bøker om arkitektur" av Mark Vitruvius (andre halvdel av det 1. århundre f.Kr.), en arkitekt og ingeniør i hæren til Julius Caesar. Denne avhandlingen ble oppdaget i 1427 i et av klostrene. Autoriteten til Vitruvius ble understreket av Alberti, Palladio, Vasari. Den største kjenneren av Vitruvius var Daniele Barbaro, som i 1565 publiserte sin avhandling med sine kommentarer. I et verk dedikert til keiser Augustus, oppsummerte Vitruvius opplevelsen av arkitektur og byplanlegging i Hellas og Roma. Han vurderte allerede klassiske spørsmål valg av et gunstig område for grunnleggelsen av byen, plassering av de viktigste byens torg og gater, typologi av bygninger. Fra et estetisk synspunkt rådet Vitruvius til å følge ordinasjon (etter arkitektoniske ordrer), rimelig planlegging, observere ensartethet i rytme og orden, symmetri og proporsjonalitet, samsvar mellom form og formål og fordeling av ressurser. |
I renessansens byplanlegging utvikler teori og praksis seg parallelt. Nye bygninger bygges og gamle bygges opp igjen, arkitektoniske ensembler dannes og samtidig skrives det avhandlinger om arkitektur, planlegging og befestning av byer. Blant dem kjente verk Alberti og Palladio, ordninger ideelle byer Filarete, Scamozzi og andre. Ideen til forfatterne er langt foran behovene til praktisk konstruksjon: de beskriver ikke ferdige prosjekter som kan brukes til å planlegge en bestemt by, men en grafisk avbildet idé, konseptet om en by. Begrunnelse om plasseringen av byen fra et synspunkt av økonomi, hygiene, forsvar, estetikk er gitt. Det søkes etter optimale planer for boligområder og bysentra, hager og parker. Spørsmål om komposisjon, harmoni, skjønnhet, proporsjoner studeres. I disse ideelle konstruksjonene er planleggingen av byen preget av rasjonalisme, geometrisk klarhet, sentrisk sammensetning og harmoni mellom helheten og delene. Og til slutt, det som skiller renessansens arkitektur fra andre tidsepoker er personen som står i sentrum, i hjertet av alle disse konstruksjonene. Oppmerksomheten til den menneskelige personligheten var så stor at selv arkitektoniske strukturer ble sammenlignet med menneskekroppen som en standard for perfekte proporsjoner og skjønnhet.
Teori
På 50-tallet av XV-tallet. Avhandlingen "Ti bøker om arkitektur" av Leon Alberti vises. Det var i hovedsak det første teoretiske arbeidet i den nye tiden om dette emnet. Den tar for seg mange spørsmål om byplanlegging, alt fra valg av sted og byplanlegging til bygningstypologi og innredning. Av spesiell interesse er argumentene hans om skjønnhet. Alberti skrev at "skjønnhet er en streng proporsjonal harmoni av alle deler, forent av det de tilhører - slik at ingenting kan legges til, trekkes fra eller endres uten å gjøre det verre." Faktisk var Alberti den første som forkynte de grunnleggende prinsippene for renessansens urbane ensemble, og koblet den eldgamle følelsen av proporsjoner med den rasjonalistiske begynnelsen på en ny æra. Det gitte forholdet mellom bygningens høyde og plassen foran den (fra 1:3 til 1:6), konsistensen av de arkitektoniske skalaene til hoved- og sekundærbygningene, balansen i sammensetningen og fraværet av dissonante kontraster - dette er de estetiske prinsippene til byplanleggere fra renessansen.
Den ideelle byen begeistret mange flotte mennesker fra tiden. Tenkte på ham og Leonardo da Vinci. Ideen hans var å lage en by på to nivåer: det øvre nivået var beregnet på fotgjenger- og overflateveier, og det nedre var for tunneler og kanaler forbundet med kjellerne til hus, som godstransport beveger seg gjennom. Kjent for sine planer for gjenoppbyggingen av Milano og Firenze, samt prosjektet til en spindelby.
En annen fremtredende byteoretiker var Andrea Palladio. I sin avhandling "Fire bøker om arkitektur" reflekterer han over integriteten til den urbane organismen og forholdet mellom dens romlige elementer. Han sier at "byen er ingenting annet enn en viss stort hus, og omvendt er huset en slags småby. Om det urbane ensemblet skriver han: «Skjønnhet er resultatet av en vakker form og korrespondansen mellom helheten til deler, deler til hverandre og også deler til helheten». En fremtredende plass i avhandlingen er gitt til det indre av bygninger, deres dimensjoner og proporsjoner. Palladio prøver å organisk koble det ytre rom av gatene med interiøret i hus og gårdsrom.
Nær slutten av 1500-tallet. mange teoretikere ble tiltrukket av spørsmålene om butikklokaler og festningsverk. Så Giorgio Vasari Jr. i sin ideelle by betaler mye oppmerksomhet til utviklingen av torg, kjøpesentre, loggiaer, palasser. Og i prosjektene til Vicenzo Scamozzi og Buanayuto Lorrini inntar spørsmål om festningskunst en betydelig plass. Dette var et svar på tidens orden - med oppfinnelsen av eksplosive granater ble festningsmurene og tårnene erstattet av jordbastioner, tatt ut av bygrensene, og byen begynte å ligne en flerstrålestjerne i sine konturer . Disse ideene ble nedfelt i den faktisk bygde festningen Palmanova, hvis opprettelse tilskrives Scamozzi.
Øve på
Selv om ikke en eneste ideell by var nedfelt i stein, med unntak av små festningsbyer, ble mange av prinsippene for dens konstruksjon nedfelt i virkeligheten allerede på 1500-tallet. På den tiden, i Italia og andre land, ble det lagt rette brede gater som forbinder viktige elementer i det urbane ensemblet, nye torg ble opprettet, gamle ble gjenoppbygd, og senere dukket det opp parker og palassensembler med en vanlig struktur.
| Ideal City av Antonio Filarete Byen var en åttekantet stjerne i plan, dannet av skjæringspunktet i en vinkel på 45 ° av to like firkanter med en side på 3,5 km. I stjernens fremspring var det åtte runde tårn, og i "lommene" - åtte byporter. Portene og tårnene var forbundet med sentrum med radielle gater, hvorav noen var skipskanaler. I den sentrale delen av byen, på en høyde, var det hovedtorget, rektangulært i plan, på kortsidene som det skulle være fyrstelige palass og bykatedralen, og langs de lange - rettslige og byinstitusjoner. I midten av torget var det en dam og et vakttårn. To andre grenser til hovedtorget, med husene til de mest eminente innbyggerne i byen. Seksten flere torg lå i skjæringspunktet mellom radielle gater og ringgaten: åtte shoppingmuligheter og åtte for menighetssentre og kirker. |
Til tross for at renessansens kunst var tilstrekkelig i motsetning til middelalderens kunst, passet den lett og organisk inn i middelalderbyer. I hans praktiske aktiviteter Renessansearkitekter brukte prinsippet om å "bygge det nye uten å ødelegge det gamle". De klarte å lage overraskende harmoniske ensembler ikke bare fra bygninger i samme stil, som man kan se på torgene i Annuziata i Firenze (designet av Filippo Brunelleschi) og Capitol i Roma (designet av Michelangelo), men også å kombinere bygninger fra forskjellige tider i én komposisjon. Så på torget til St. Mark i Venezia, er middelalderbygninger kombinert til et arkitektonisk og romlig ensemble med nye bygninger fra 1500-tallet. Og i Firenze, fra Piazza della Signoria med middelalderens Palazzo Vecchio, følger Uffizi Street, designet av Giorgio Vasari, harmonisk. Dessuten kombinerer ensemblet til den florentinske katedralen Santa Maria del Fiore (Brunelleschis rekonstruksjon) perfekt tre arkitektoniske stiler på en gang: romansk, gotisk og renessanse.
Middelalderens by og renessansens by
Den ideelle byen i renessansen dukket opp som en slags protest mot middelalderen, uttrykt i utviklingen av gamle byplanleggingsprinsipper. I motsetning til middelalderbyen, som ble oppfattet som en snill, om enn ufullkommen, likhet med det "himmelske Jerusalem", legemliggjørelsen av ikke en menneskelig, men en guddommelig plan, ble renessansens by skapt av en menneskelig skaper. Mennesket kopierte ikke bare det som allerede fantes, det skapte noe mer perfekt og gjorde det i samsvar med den "guddommelige matematikken". Renessansens by ble skapt for mennesket og måtte svare til den jordiske verdensordenen, dens virkelige sosiale, politiske og hverdagslige struktur.
Middelalderbyen er omgitt av kraftige murer, inngjerdet fra verden, husene er mer som festninger med noen smutthull. Renessansens by er åpen, den forsvarer seg ikke fra omverdenen, den kontrollerer den, underlegger den seg. Bygningsveggene, som avgrenser, forener gater og torgs rom med gårdsrom og rom. De er permeable - de har mange åpninger, arkader, søyleganger, oppkjørsler, vinduer.
Hvis middelalderbyen er plasseringen av arkitektoniske volumer, så er renessansens by i større grad fordelingen av arkitektoniske rom. Sentrum av den nye byen er ikke bygningen av katedralen eller rådhuset, men frirommet på hovedtorget, åpne både opp og til sidene. De går inn i bygget og går ut på gaten og torget. Og hvis middelalderbyen er kompositorisk trukket til sentrum - den er sentripetal, så er renessansens by sentrifugal - den er rettet mot ytre verden.
| Platons ideelle by I plan var den sentrale delen av byen en veksling av vann og jordringer. Den ytre vannringen var forbundet med havet med en kanal på 50 stadier (1 stadia - ca. 193 m). Jordringene som skiller vannringene hadde underjordiske kanaler nær broene tilpasset for passasje av skip. Den største vannringen i omkrets var tre stadier bred, det samme var den som fulgte den; de neste to ringene, vann og jord, var to stadier brede; til slutt var vannringen som omkranser øya som ligger i midten en stadia bred. |
Middelalderbyen følger naturlandskapet og bruker det til sine egne formål. Renessansens by er snarere et kunstverk, et «geometrispill». Arkitekten modifiserer terrenget ved å legge et geometrisk rutenett av tegnede rom på det. En slik by har en klar form: en sirkel, en firkant, en åttekant, en stjerne; selv elvene er rettet i den.
Middelalderbyen er vertikal. Her er alt rettet oppover, til himmelen - fjernt og utilgjengelig. Renessansens by er horisontal, det viktigste her er perspektiv, aspirasjon i det fjerne, mot nye horisonter. For en middelalderperson er veien til himmelen en himmelfart, oppnåelig gjennom omvendelse og ydmykhet, forsakelse av alt jordisk. For folket i renessansen er dette en oppstigning gjennom å få sin egen erfaring og forstå de guddommelige lovene.
Drømmen om en ideell by ga impulser til de kreative søkene til mange arkitekter, ikke bare fra renessansen, men også fra senere tider, den ledet og opplyste veien til harmoni og skjønnhet. Den ideelle byen eksisterer alltid inne i den virkelige byen, like forskjellig fra den som tankeverdenen fra faktaverdenen, som fantasiens verden fra fantasiens verden. Og hvis du vet hvordan du drømmer slik mesterne fra renessansen gjorde, så kan du se denne byen - Solens by, gullbyen.
Den originale artikkelen er på siden til magasinet "New Acropolis".
Introduksjon
Vekkelse som et nytt verdensbilde og et nytt kunststil oppsto i Italia på slutten av 1300-tallet. De første byplanleggingsideene representerte byen som en arkitektonisk enhet i henhold til en forhåndsbestemt plan. Under påvirkning av disse ideene, i stedet for trange og krokete middelaldergater, begynte det å dukke opp rette, bredere gater bygget opp med store bygninger i italienske byer.
Utformingen og arkitekturen til torg under renessansen tok form på 1400- og 1500-tallet. i Roma og andre store italienske byer.
I løpet av denne perioden ble flere byer rekonstruert her ved å bruke nye prinsipper for byplanlegging. I de fleste tilfeller var palasser i slike byer plassert på de sentrale torgene, som noen ganger representerte begynnelsen på trestrålekomposisjoner.
Renessansebyer fikk gradvis nye funksjoner under påvirkning av sosiale endringer. Men på grunn av privat eierskap til land og tilbakestående teknologi, var det umulig å raskt flytte fra den gamle byen til den nye. I alle perioder av renessansen ble byplanleggernes hovedinnsats rettet mot utviklingen av sentrum – torget og de nærmeste kvartalene. Under storhetstiden til monarkiske stater i det XVIII århundre. ensemblene til de sentrale torgene i byene ble gitt eksepsjonell betydning som hoveddekorasjoner. Byplassene hadde stort sett geometrisk korrekte konturer.
Hvis arkitekturen til gamle greske og romerske torg var preget av søyler og portikoer, ble arkader nye elementer for torgene i renessansen, og utviklet seg samtidig med utviklingen av hele systemer av firkanter.
I de fleste middelalderbyer var dekorative grøntområder fraværende. Frukthager ble dyrket i klostrenes hager; frukthager eller vingårder til byfolket lå bak byens festningsverk. i Paris på 1700-tallet. smug, beskåret grønt, blomsterhage parterrer vises. Parkene med palasser og slott var imidlertid privateid. Offentlige hager i de fleste europeiske byer dukker opp først på slutten av 1700-tallet.
Vannbassenger i middelalderen var i hovedsak en hindring for utviklingen av byen, delte distriktene og tjente for smale praktiske formål. Siden 1700-tallet elver begynte å bli brukt som forbindelseselementer i byer, og under gunstige forhold - som komposisjonsakser. Et levende eksempel er den kloke byplanleggingsbruken av elvene Neva og Nevka i St. Petersburg. Bygging av broer og bygging av voller konsoliderte denne retningen i byplanleggingen.
I middelalderen ble byens skyline i stor grad definert av de spisse spirene på byadministrasjoner, kirker og offentlige bygninger. Silhuetten av byen ble definert av mange små vertikaler og noen få dominerende. I forbindelse med den nye kunstneriske forståelsen av byens silhuett, ble høye middelaldertak gradvis eliminert, renessansebygninger ble fullført med tak med loft og balustrader.
Med økningen i skalaen til bygninger og nye typer belegg, mykes silhuetten av byen av kupler med glatte konturer, som har fått en dominerende rolle i panoramaene til byene. Endringen deres ble sterkt påvirket av hager og parker, hvis trær i stor grad skjuler bygningene.
Renessansens arkitekter brukte strenge uttrykksmidler i byplanlegging: harmoniske proporsjoner, skalaen til en person som et mål på det omkringliggende arkitektoniske miljøet.
Den ideologiske kampen til det fremvoksende italienske borgerskapet mot middelalderens former for religion, moral og lov resulterte i en bred progressiv bevegelse - humanisme. Humanismen var basert på borgerlige livsbekreftende prinsipper: ønsket om å frigjøre den menneskelige personligheten fra åndelig tvang, tørsten etter kunnskap om verden og personen selv og, som et resultat av dette, et sug etter sekulære former. offentlig liv, ønsket om kunnskap om naturens lover og skjønnhet, for en allsidig harmonisk forbedring av mennesket. Disse endringene i verdenssyn førte til en revolusjon på alle områder av det åndelige livet - kunst, litteratur, filosofi, vitenskap. I sin virksomhet stolte humanistene i stor grad på eldgamle idealer, og gjenopplivet ofte ikke bare ideene, men også selve formene og de uttrykksfulle midlene til antikke verk. I denne forbindelse, den kulturelle bevegelsen i Italia i XV-XVI århundrer. kalt renessansen, eller oppstandelsen
Det humanistiske verdensbildet stimulerte utviklingen av individet, økte dets betydning i det offentlige liv. Mesterens individuelle stil spilte en økende rolle i utviklingen av kunst og arkitektur. Humanismens kultur har presentert en hel galakse av strålende arkitekter, skulptører, kunstnere, som Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raphael, Michelangelo, Palladio og andre.
Streber etter å skape perfekt bilde menneske" i kombinasjon med søket etter metoder for kunstnerisk utvikling av verden førte til en slags kognitiv realisme fra renessansen, basert på en nær forening av kunst med en raskt utviklende vitenskap. I arkitekturen har søket etter "ideelle" former for bygninger, basert på en komplett og komplett komposisjon, blitt en av dens definerende trender. Sammen med utviklingen av nye typer sivile og religiøse bygninger, utviklingen av arkitektonisk tankegang pågår, er det et presserende behov for teoretiske generaliseringer av moderne erfaring, spesielt historiske og fremfor alt eldgamle.
Tre perioder av den italienske renessansen
Renessansearkitektur i Italia er delt inn i tre hovedperioder: tidlig, høy og sen. arkitektonisk senter Tidlig renessanse var Toscana med hovedbyen - Firenze. Denne perioden dekker andre kvartal og midten av 1400-tallet. Begynnelsen av renessansen i arkitektur regnes for å være 1420, da byggingen av kuppelen over den florentinske katedralen begynte. Byggeprestasjoner, som førte til opprettelsen av en enorm sentrisk form, har blitt et slags symbol på arkitekturen til New Age.
1. Tidlig renessanseperiode
Den tidlige renessansen innen arkitektur er først og fremst preget av bygningsformene skapt av den berømte arkitektingeniøren Filippo Brunellesco (første halvdel av 1400-tallet). Spesielt brukte han en lett halvsirkelformet i stedet for en spissbue i barnehjemmet i Firenze. Ribbehvelv karakteristisk for gotisk arkitektur, begynte å vike for et nytt design - et modifisert bokshvelv. Imidlertid fortsatte buens lansettformer fortsatt å bli brukt til midten av 1500-tallet.
En av de fremragende bygningene i Brunellesco var den enorme kuppelen til katedralen Santa Maria del Fiore i Firenze, som hadde vært uferdig siden 1300-tallet.
I form av en stor kuppel laget av arkitekten er et ekko av den gotiske lansettbuen merkbar. Spennet på kuppelen til denne katedralen er stort - 42m. Kuppelens hvelv, laget av murstein, hviler på en åttekantet base av tømmerstokker omhyllet med jernplater. På grunn av den gunstige beliggenheten til katedralen på en høyde og dens Stor høyde(115m) dens øvre del, spesielt kuppelen, gir høytidelighet og originalitet til det arkitektoniske panoramaet av Firenze.
Sivil arkitektur inntok en betydelig plass i arkitekturen til den italienske renessansen. Det omfatter først og fremst store bypalasser (palazzo), som i tillegg til boliger var beregnet på seremonielle mottakelser. Middelalderpalasser, som gradvis kastet av seg sine harde romanske og gotiske klær ved hjelp av marmorkledning og skulptur, fikk et muntert utseende.
Egenskapene til renessansefasadene er enorme buede vindusåpninger adskilt av søyler, rustikk av første etasje med steiner, øvre plater, store projeksjonsgesimser og fint sporede detaljer. I motsetning til strenge fasader har arkitekturen til godt opplyste interiører en munter karakter.
For dekorasjon av fasadene til palasser tidlig renessanse rustikk ble ofte brukt. Steiner for rustikk hadde vanligvis en ubearbeidet (skåren) frontflate med en rent tilhugget kantbane. Avlastningen av rustikk avtok med økningen i antall etasjer. Senere ble dekorasjonen med rustikk bare bevart i behandlingen av sokker og i hjørnene av bygninger.
I det XV århundre. Italienske arkitekter brukte ofte den korintiske orden. Ofte var det tilfeller av å kombinere flere ordrer i en bygning: for de nedre etasjene - en dorisk orden, og for de øvre etasjene - en sammensetning av hovedsteder, nært i proporsjoner og mønster til den joniske typen.
Et av eksemplene på palassarkitektur på midten av 1400-tallet. i Firenze kan det tre-etasjers Medici-Ricardi-palasset, bygget etter prosjektet til arkitekten Michelozzo di Bartolomeo i perioden 1444-1452, etter ordre fra Cosimo Medici, herskeren i Firenze, tjene. I henhold til ordningen med fasaden til Medici-palasset ble hundrevis av palasser senere bygget i andre byer.
En videreutvikling av palassets sammensetning er palasset Rucchelai i Firenze bygget i 1446–1451 designet av Leon Battista Alberti (1404–1472). I likhet med det gamle romerske Colosseum er fasaden delt inn i etasjer etter ordre med en overgang fra den enkleste doriske orden i det nedre sjiktet til den mer subtile og rike korintiske orden i den øvre.
Inntrykket av å lette bygningen oppover, skapt i Palazzo Medici-Riccardi ved hjelp av rustikk av veggene, uttrykkes her i form av et lagdelt system av ordrer som lysner oppover. Samtidig er den store kroningsgesimsen ikke korrelert med høyden på det øvre nivået, men med høyden på bygningen som helhet, og det er grunnen til at sammensetningen fikk funksjonene til fullstendighet og statisk. I utviklingen av fasaden er tradisjonelle motiver fortsatt bevart: doble buede vinduer som kommer fra middelalderformen av vinduer, rustikk av veggene, den generelle monumentaliteten til skyen, etc.
Pazzi kapell (1430-1443) - en kuppelbygning, satt i gårdsplassen til klosteret. I sammensetningen av fasaden ble det vist en intern struktur dissekert av en ordre med volumet av salen med en kuppel på seil som dominerte den. Kolonnaden, skåret langs aksen av en bue og fullført av et fint dissekert loft, matches av kartelliserte pilastre på innerveggen av loggiaen, og utstikkende artikulasjoner av buer i det hvelvede taket.
Korrespondansen av ordre og repetisjonen av små kupler i loggiaen og alterdelen bidrar til fasadens organiske forbindelse med interiøret. Veggene på innsiden er dissekert av flate, men fremhevet i fargepilastre, som fortsetter i inndelingene av hvelvene, gir en ide om logikken til bygningsrommet, det tektoniske systemet. Ved å utvikle seg tredimensjonalt, understreker ordren enhet og underordning av hoveddelene. Det visuelle «rammen» preger også disseksjonen av kuppelen fra innsiden, noe som minner litt om strukturen til de gotiske nervehvelvene. Ordensformenes harmoni og klarheten i den tektoniske strukturen, balansen og kommensurabiliteten med mennesket taler imidlertid om nye arkitektoniske idealers triumf over middelalderens prinsipper.
Sammen med Brunellesco og Michelozzo da Bartolomeo spilte også andre mestere (Rosselino, Benedetto da Maiano, etc.), hvis arbeid hovedsakelig var knyttet til Toscana og Nord-Italia, en viktig rolle i utviklingen av ny arkitektur. Alberti, som bygde, i tillegg til Palazzo Ruccellai, en rekke store strukturer (fasaden til kirken Santa Maria Novella, kirken Sant'Andrea i Mantua, etc.), fullfører denne perioden.
2. Høyrenessansens periode
Perioden med høyrenessansen dekker slutten av det 15. - første halvdel av det 16. århundre. På dette tidspunktet, på grunn av bevegelsen av de viktigste handelsrutene fra Middelhavet til Atlanterhavet i Italia er det en velkjent økonomisk resesjon og en reduksjon i industriproduksjonen. Ofte kjøpte borgerskapet opp jord og ble til ågerbrukere og godseiere. Prosessen med føydalisering av borgerskapet er ledsaget av en generell aristokratisering av kulturen, tyngdepunktet overføres til adelens hoffkrets: hertuger, prinser, paver. Roma blir sentrum for kultur – residensen til pavene, som ofte velges blant representanter for det humanistisk anlagte aristokratiet. Et stort byggearbeid pågår i Roma. I dette foretaket, foretatt av den pavelige domstol for å heve sin egen prestisje, så det humanistiske samfunnet opplevelsen av å gjenopplive storheten til det gamle Roma, og med det storheten til hele Italia. Ved hoffet, som besteg tronen i 1503. Humanisten til pave Julius II var arbeidet til de mest fremtredende arkitektene - blant dem Bramante, Raphael, Michelangelo, Antonio da Sangallo og andre.
I arkitekturen i denne perioden får hovedtrekkene og trendene i renessansen sitt ferdige uttrykk. De mest perfekte sentriske komposisjonene lages. Typen urban palazzo tar endelig form, som i løpet av denne perioden får funksjonene til en bygning, ikke bare privat, men også offentlig, og blir derfor i et bestemt område prototypen til mange påfølgende offentlige bygninger. overvinne egenskapen tidlig periode Vekkelseskontrast (mellom de arkitektoniske egenskapene til det ytre utseendet til palasset og dets gårdsplass. Under påvirkning av et mer systematisk og arkeologisk nøyaktig bekjentskap med gamle monumenter, blir ordenskomposisjoner strengere: sammen med joniske og korintiske ordener, enklere og mer monumentale bestillinger er mye brukt - romersk dorisk og toskansk, og en fint designet arkade på søyler gir plass til en mer monumental ordensarkade. Generelt får komposisjonene fra høyrenessansen større betydning, strenghet og monumentalitet.Problemet med å skape en vanlig urban by ensemble er satt på en reell basis.Landsvillaer bygges som integrerte arkitektoniske komplekser.
Den viktigste arkitekten i denne perioden var Donato d'Angelo Bramante (1444-1514). Cancelleria-bygningen tilskrevet Bramante (det pavelige hovedkontoret) i Roma - en av de fremragende palassbygningene - er et enormt parallellepipedum med en rektangulær gårdsplass omgitt av arkader. Den harmoniske sammensetningen av fasadene utvikler prinsippene som er lagt ned i Palazzo Ruccellai, men den overordnede rytmiske strukturen skaper et mer komplekst og høytidelig bilde. Første etasje, behandlet som en kjeller, forsterket kontrasten med en lett topp. Veldig viktig skaffet seg rytmisk arrangerte plastaksenter i komposisjonen, skapt av store åpninger og platebånd som innrammer dem. Rytmen til horisontale artikulasjoner ble enda tydeligere.
Blant de religiøse bygningene i Bramante skiller det seg ut et lite kapell på gårdsplassen til klosteret San Pietro i Montrrio, kalt Tempietto. (1502) - en bygning plassert inne i en ganske trang gårdsplass, som skulle være omgitt av en sirkulær arkade i plan.
Kapellet er en kuppelformet rotunde omgitt av en romersk dorisk søylegang. Bygningen er preget av perfeksjon av proporsjoner, rekkefølgen tolkes strengt og konstruktivt. Sammenlignet med de sentriske bygningene fra den tidlige renessansen, hvor utvikling av lineær-plan vegger råder (Pazzi Chapel), er volumet av Tempietto plastisk: dens ordnede plastisitet tilsvarer komposisjonens tektoniske integritet. Kontrasten mellom den monolittiske kjernen i rotunden og søylegangen, mellom glattheten i veggen og plastisiteten til dype nisjer og pilastre understreker komposisjonens uttrykksfullhet, fullstendig harmoni og fullstendighet. Til tross for sin lille størrelse gir Tempietto inntrykk av monumentalitet. Allerede av samtidige fra Bramante ble denne bygningen anerkjent som et av arkitekturens mesterverk.
Å være sjefsarkitekt ved hoffet til pave Julius II, Bramante fra 1505. arbeider for å gjenoppbygge Vatikanet. Et grandiost kompleks av seremonielle bygninger og høytidelige gårdsrom plassert på forskjellige nivåer ble unnfanget, underordnet en enkelt akse, lukket av den majestetiske exedraen til Belvedere. I dette, i hovedsak, den første slike grandiose i design, ble renessanseensemblet mesterlig brukt komposisjonsteknikker gamle romerske fora. Den pavelige residensen skulle være forbundet med en annen storslått bygning i Roma - Peter-katedralen, for byggingen som Bramante-prosjektet også ble vedtatt. Perfeksjonen av den sentriske komposisjonen og det storslåtte omfanget av prosjektet til Peter Bramante-katedralen gir grunn til å betrakte dette verket som toppen av utviklingen av renessansearkitektur. Prosjektet var imidlertid ikke bestemt til å bli realisert i natura: i løpet av Bramantes liv ble byggingen av katedralen først påbegynt, som fra 1546, 32 år etter arkitektens død, ble overført til Michelangelo.
Den store kunstneren og arkitekten Rafael Santi deltok i konkurransen om utformingen av Peterskirken, samt i bygging og maling av Vatikanets bygninger, sammen med Bramante, som bygde og malte de berømte loggiaene i Vatikanet, som fikk hans navn ("Raphaels loggiaer"), samt en rekke bemerkelsesverdige strukturer, både i selve Roma og utenfor det (konstruksjonen og malingen av Villa Madama i Roma, Pandolfini-palasset i Firenze, etc.).
En av de beste studentene til Bramante - arkitekten Antonio da Sangallo Jr. - eier prosjektet til Palazzo Farnese i Roma , til en viss grad fullførte utviklingen av renessansepalasset.
I utviklingen av fasaden er det ingen tradisjonell rustikk og vertikale artikulasjoner. På den glatte, mursteinspussede overflaten av veggen peker brede horisontale belter som løper langs hele fasaden seg tydelig ut; som om de lener seg på dem, er det vinduer med pregede arkitraver i form av en antikk "edicule". Vinduene i første etasje har, i motsetning til de florentinske palassene, samme dimensjoner som vinduene i de øvre etasjene. Bygningen ble frigjort fra festningens isolasjon, fortsatt iboende i palassene i den tidlige renessansen. I motsetning til palassene på 1400-tallet, hvor gårdsplassen var omgitt av lyse buede gallerier på søyler, vises her en monumental ordensarkade med halvsøyler. Rekkefølgen på galleriet er noe tyngre, og får egenskapene til høytidelighet og representativitet. Den smale passasjen mellom tunet og gaten er erstattet av en åpen "vestibyle", som avslører utsiktene til forgården.
3. Senrenessanse
Den sene perioden av renessansen regnes vanligvis som midten og slutten av 1500-tallet. På dette tidspunktet fortsatte den økonomiske nedgangen i Italia. Rollen til den føydale adelen og kirkens katolske organisasjoner økte. For å bekjempe reformasjonen og alle manifestasjoner av en antireligiøs ånd, ble inkvisisjonen opprettet. Under disse forholdene begynte humanister å oppleve forfølgelse. En betydelig del av dem, forfulgt av inkvisisjonen, flyttet til de nordlige byene i Italia, spesielt til Venezia, som fortsatt beholdt rettighetene til en uavhengig republikk, hvor innflytelsen fra den religiøse motreformasjonen ikke var så sterk. I denne forbindelse, under sen renessanse de mest slående var to skoler - den romerske og den venetianske. I Roma, hvor det ideologiske presset fra motreformasjonen sterkt påvirket arkitekturutviklingen, sammen med utviklingen av prinsippene fra høyrenessansen, er det en avvik fra klassikerne mot mer komplekse komposisjoner, større dekorativitet, et brudd på klarhet i former, skala og tektonitet. I Venezia, til tross for den delvise penetrasjonen av nye trender i arkitekturen, ble det klassiske grunnlaget for arkitektonisk komposisjon mer bevart.
En fremtredende representant for den romerske skolen var den store Michelangelo Buonarroti (1475-1564). I hans arkitektoniske arbeider legges grunnlaget for en ny forståelse av form, karakteristisk for denne perioden, preget av stort uttrykk, dynamikk og plastisk uttrykksevne. Hans arbeid, som fant sted i Roma og Firenze, reflekterte med særlig kraft søket etter bilder som er i stand til å uttrykke humanismens generelle krise og den indre angsten som de progressive samfunnskretsene da opplevde foran de forestående reaksjonskreftene. Som en strålende skulptør og maler var Michelangelo i stand til å finne lyse plastiske uttrykksmidler i kunsten. indre styrke deres helter, deres uløste konflikt rolig til sinns, titanisk innsats i kampen. I arkitektonisk kreativitet tilsvarte dette den vektlagte identifiseringen av formenes plastisitet og deres intense dynamikk. Michelangelos orden mistet ofte sin tektoniske betydning, og ble til et middel for å dekorere vegger, skape forstørrede masser som forbløffer en person med deres skala og plastisitet. Med dristig brudd på de arkitektoniske prinsippene som var kjent for renessansen, var Michelangelo til en viss grad grunnleggeren kreativ måte, senere plukket opp i arkitekturen til den italienske barokken.Til den største arkitektonisk arbeid Michelangelo viser til ferdigstillelsen etter døden til Bramante av Peters katedral i Roma. Michelangelo, som tok utgangspunkt i et sentrisk opplegg nær Bramantes plan, introduserte nye funksjoner i tolkningen: han forenklet planen og generaliserte det indre rommet, gjorde støttene og veggene mer massive, og la til en portiko med en høytidelig søylegang fra den vestlige delen. fasade. I den tredimensjonale komposisjonen blir den rolige balansen og underordningen av rommene i Bramantes prosjekt oversatt til den understrekede dominansen til hovedkuppelen og underkuppelrommet. I sammensetningen av fasadene ble klarhet og enkelhet erstattet av mer komplekse og store plastiske former, veggene er dissekert av avsatser og pilastre av en stor Korintisk orden med en kraftig entablatur og et høyt loft; mellom pilastrene er vindusåpninger, nisjer og ulike dekorative elementer (gesimser, korbeler, sandriks, statuer osv.) plassert så å si sammenklemt inn i bryggene, noe som gir veggene en nærmest skulpturell plastisitet.
I sammensetningen av Medici-kapellet kirken San Lorenzo i Firenze (1520), ble interiøret og skulpturene laget av Michelangelo slått sammen til en enkelt helhet. Skulpturelle og arkitektoniske former er fulle av indre spenning og drama. Deres skarpe emosjonelle uttrykksevne råder over det tektoniske grunnlaget, rekkefølgen tolkes som et element i kunstnerens generelle skulpturelle oppfatning.
En av de fremragende romerske arkitektene fra senrenessansen er også Vignola, forfatteren av avhandlingen "Regelen for fem arkitekturordner". De mest betydningsfulle av verkene hans er slottet Caprarola og villaen til pave Julius II. . Under renessansen gjennomgår typen villa betydelig utvikling knyttet til en endring i funksjonsinnholdet. Selv på begynnelsen av XV århundre. det var et landsted, ofte omgitt av murer, og noen ganger hadde det til og med forsvarstårn. Ved slutten av XV århundre. villaen blir et sted for land hvile for velstående borgere (Villa Medici nær Firenze), og fra det 16. århundre. det blir ofte residens for store føydalherrer og høyere presteskap. Villaen mister sin intimitet og får karakter av en frontal frontal-aksial struktur, åpen mot den omkringliggende naturen.
Villaen til pave Julius II er et eksempel på denne typen. Dens strengt aksiale og rektangulære komposisjon går ned i avsatser nedover fjellsiden, og skaper et komplekst spill av åpne, halvåpne og lukkede rom plassert på forskjellige nivåer. Komposisjonen er påvirket av de gamle romerske fora og domstoler i Vatikanet.
Fremragende mestere venetiansk skole fra sen renessanse var Sansovino, som bygde bygningen til San Marco-biblioteket i Venezia (påbegynt i 1536) - en viktig komponent i det bemerkelsesverdige ensemblet til det venetianske sentrum, og de fleste lys representant klassisk skole Renessanse - arkitekt Palladio.
Aktivitetene til Andrea Palladio (1508 - 1580) foregikk hovedsakelig i byen Vicenza, ikke langt fra Venezia, hvor han bygde palassbygninger og villaer, samt i Venezia, hvor han hovedsakelig bygde kirkebygninger. Hans arbeid i en rekke bygninger var en reaksjon på de antiklassiske tendensene fra senrenessansen. Prøver å holde rent klassiske prinsipper, stoler Palladio på den rike erfaringen han tilegnet seg i prosessen med å studere den eldgamle arven. Han prøver å gjenopplive ikke bare ordreskjemaer, men hele elementer og til og med typer bygninger fra den eldgamle perioden. Strukturelt sannferdig orden portiko blir hovedtema mange av verkene hans.
På Villa Rotonda , bygget nær Vicenza (begynt i 1551), oppnådde mesteren eksepsjonell integritet og harmoni i komposisjonen. Ligger på en høyde og godt synlig på avstand, danner de fire fasadene til villaen med portikoer på alle sider, sammen med kuppelen, en tydelig sentrisk komposisjon.
I sentrum er en rund kuppelhall, hvorfra utganger fører under portikoene. Brede portikotrapper forbinder bygget med omkringliggende natur. Den sentriske komposisjonen gjenspeiler de generelle ambisjonene til renessansearkitekter for den absolutte fullstendigheten av komposisjonen, klarhet og geometri til former, den harmoniske forbindelsen mellom enkeltdeler og helheten og den organiske sammensmeltingen av bygningen med naturen.
Men dette "ideelle" komposisjonsskjemaet forble singel. I selve byggingen av en rekke villaer ga Palladio mer oppmerksomhet til det såkalte tredelte opplegget, bestående av hovedvolumet og en-etasjes ordregallerier som strekker seg fra det til sidene, og tjener til å kommunisere med eiendommens tjenester og tjenester. organisere den fremre gårdsplassen foran fasaden til villaen. Det var denne ordningen med et landsted som senere hadde mange tilhengere i byggingen av herregårdspalasser.
I motsetning til den frie utviklingen av volumene av landvillaer, har Palladios urbane palasser vanligvis en stram og lakonisk komposisjon med en storstilt og monumental hovedfasade. Arkitekten bruker mye en stor ordre, og tolker den som et slags "søyle - vegg"-system. Et slående eksempel er palasset Capitanio (1576), hvis vegger er behandlet med søyler av en stor sammensatt orden med en kraftig, løs entablatur. Den øverste etasjen, utvidet i form av en overbygning (loftsetasje), ga bygningen helhet og monumentalitet,
Palladio brukte også mye i sine bypalasser den to-lags inndelingen av fasader med ordre, samt en ordre plassert på en høy rustikk kjeller - en teknikk som først ble brukt av Bramante og senere mye brukt i klassisistisk arkitektur.
Konklusjon
Moderne arkitektur, når den søker etter former for sin egen stilistiske manifestasjon, legger ikke skjul på at den bruker historisk arv. Oftest refererer hun til de teoretiske konseptene og prinsippene for forming som tidligere har oppnådd størst stilistisk renhet. Noen ganger ser det til og med ut til at alt det 20. århundre levde før kom tilbake i en ny form og raskt gjentok seg igjen.
Mye av det en person setter pris på i arkitektur appellerer ikke så mye til en grundig analyse av individuelle deler av et objekt, men til dets syntetiske, helhetlig bilde, til emosjonell persepsjons sfære. Det betyr at arkitektur er kunst eller i alle fall inneholder elementer av kunst.
Noen ganger kalles arkitektur kunstens mor, noe som betyr at maleri og skulptur utviklet seg i lang tid i en uadskillelig organisk forbindelse med arkitektur. Arkitekten og kunstneren har alltid hatt mye til felles i arbeidet sitt, og noen ganger kom de godt overens i én person. Den gamle greske billedhuggeren Phidias regnes med rette som en av skaperne av Parthenon. Det grasiøse klokketårnet til hovedkatedralen i Firenze, Santa Maria del Fiore, ble bygget "i henhold til tegningen" av den store maleren Giotto. Michelangelo, som var like stor som arkitekt, skulptør og maler. Raphael opptrådte også med suksess innen det arkitektoniske feltet. Deres samtidsmaler Giorgio Vasari bygde Uffizi-gaten i Firenze. En slik syntese av talentet til kunstneren og arkitekten ble ikke bare funnet blant renessansens titaner, det markerte også den nye tiden. Anvendte kunstnere engelske William Morris og belgiske Van de Velde bidro sterkt til utviklingen moderne arkitektur. Corbusier var en talentfull maler, og Alexander Vesnin en strålende teaterkunstner. sovjetiske kunstnere K. Malevich og L. Lissitzky eksperimenterte interessant med arkitektonisk form, og deres kollega og samtidige Vladimir Tatlin ble forfatteren av det legendariske prosjektet til 111 International Tower. Forfatteren av det berømte prosjektet til Palace of Soviets, arkitekten B. Iofan, regnes med rette som medforfatter av skulpturen "Worker and Collective Farm Girl" sammen med den bemerkelsesverdige sovjetiske kunstneren Vera Mukhina.
Grafisk representasjon og tredimensjonal layout er hovedmidlene som arkitekten søker og forsvarer sine avgjørelser på. Åpning lineært perspektiv under renessansen, aktivt påvirket det romlige konseptet til arkitekturen på denne tiden. Til syvende og sist førte forståelsen av lineært perspektiv til koblingen av området, trapper, bygninger til en enkelt romlig komposisjon, og etter det til fremveksten av gigantiske arkitektoniske ensembler barokk og høyklassisisme. Mange år senere hadde eksperimentene til kubistiske kunstnere stor innflytelse på utviklingen av arkitektonisk formskaping. De forsøkte å skildre emnet med forskjellige punkter visjon, å oppnå sin tredimensjonale persepsjon ved å legge flere bilder over hverandre, for å utvide mulighetene for romlig persepsjon ved å introdusere den fjerde dimensjonen - tid. Dette volumet av oppfatning tjente Utgangspunktet for den formelle jakten på moderne arkitektur, som motarbeidet fasadens flatskjerm med et intrikat spill av volumer og plan fritt plassert i rommet.
Skulptur og maleri fikk ikke umiddelbart uavhengighet fra arkitekturen. Til å begynne med var de bare elementer av en arkitektonisk struktur. Det tok mer enn ett århundre før maleriet ble skilt fra veggen eller ikonostasen. På slutten av renessansen, på Piazza della Signoria i Firenze, myldrer skulpturer fortsatt forsiktig rundt bygningene, som om de er redde for å bryte fullstendig med fasadene. Michelangelo er den første som reiste en rytterstatue i sentrum av Capitoline Square i Roma. Året er 1546. Siden den gang har monumentet, monumental skulptur fått rettighetene til et uavhengig element i komposisjonen, og organiserer byrommet. Riktignok fortsetter den skulpturelle formen fortsatt å leve på veggene til den arkitektoniske strukturen i noen tid, men disse siste sporene av den "tidligere luksusen" forsvinner gradvis fra dem.
Corbusier bekrefter denne komposisjonen av moderne arkitektur med sin karakteristiske sikkerhet: «Jeg anerkjenner verken skulptur eller maleri som dekorasjon. Jeg innrømmer at begge kan vekke dype følelser hos betrakteren på samme måte som musikk og teater påvirker deg – alt avhenger av kvaliteten på verket, men jeg er definitivt imot dekorasjon. På den annen side ser du på et arkitektonisk verk, og spesielt plattformen det er reist på, at visse steder i selve bygningen og rundt den er visse intense matematiske steder som viser seg å være nøkkelen. til proporsjonene av arbeidet og dets miljø. Dette er stedene med høyest intensitet, og det er på disse stedene arkitektens bestemte formål kan realiseres – enten det er i form av et basseng, eller en steinblokk eller en statue. Vi kan si at på dette stedet er alle betingelsene kombinert for å holde en tale, en kunstners tale, en plastisk tale.
