Teater og musikk fra det gamle Russland. Litteratur og musikk fra det gamle Russland

Historien om fremveksten av det russiske teatret

Introduksjon

Historien til det russiske teateret er delt inn i flere hovedstadier. Den innledende, lekne scenen har sin opprinnelse i et stammesamfunn og slutter på 1600-tallet, da, sammen med en ny periode i russisk historie, en ny, mer modent stadium i utviklingen av teatret, og kulminerte med etableringen av et permanent statlig profesjonelt teater i 1756.

Begrepene "teater", "drama" kom inn i den russiske ordboken først på 1700-tallet. I sent XVIIårhundrer ble begrepet "komedie" brukt, og gjennom århundret - "moro" (morsomt skap, fornøyelseskammer). I folkemassene ble begrepet "teater" innledet av begrepet "skam", begrepet "drama" - "spill", "spill". I den russiske middelalderen var definisjoner synonyme med dem vanlige - "demoniske", eller "sataniske", buffoon-spill. Alle slags kuriositeter brakt av utlendinger på 1500-1600-tallet, og fyrverkeri ble også kalt moro. De militære okkupasjonene til den unge tsaren Peter I ble også kalt morsomme. I denne forstand ble både bryllupet og utkledning kalt "lek", "spill". «Lek» har en helt annen betydning i forhold til musikkinstrumenter: spille tamburiner, snuse osv. Begrepene «spill» og «lek» i forhold til muntlig dramatikk ble bevart blant folket frem til 1800- og 1900-tallet.

Folkekunst

Russisk teater oppsto i antikken. Dens opprinnelse går til folkekunst- ritualer, høytider knyttet til arbeidsaktivitet. Over tid har ritualene mistet sin magisk betydning og ble til ytelsesspill. Elementer av teatret ble født i dem - dramatisk handling, forkledning, dialog. I fremtiden ble de enkleste spillene til folkedramaer; de ble skapt i prosessen med kollektiv kreativitet og lagret i folks minne går fra generasjon til generasjon.

I prosessen med utviklingen ble spillene differensiert, oppløst i beslektede og samtidig flere og fjernere varianter - til dramaer, ritualer, spill. De ble samlet bare av det faktum at de alle reflekterte virkeligheten og brukte lignende metoder for uttrykksevne - dialog, sang, dans, musikk, forkledning, forkledning, skuespill.

Spill innpodet en smak for dramatisk kreativitet.

Spill var opprinnelig en direkte refleksjon av stammesamfunnsorganisasjonen: de hadde en runddans, korkarakter. I runddansleker ble kor og dramatisk kreativitet organisk slått sammen. Sanger og dialoger, rikelig med i spillene, var med på å prege de lekne bildene. Massemarkeringer hadde også en leken karakter; de ble tidsbestemt til å falle sammen med våren og ble kalt "havfruer". I det XV århundre ble innholdet i konseptet "Rusalia" definert som følger: demoner i menneskelig form. Og Moskva "Azbukovnik" fra 1694 definerer allerede havfruer som "buffoon-spill".

Teaterkunsten til folkene i vårt moderland har sin opprinnelse i ritualer og spill, rituelle handlinger. Under føydalismen teaterkunst dyrket, på den ene siden, av «folkemassene», og på den annen side, av føydale adelen, differensierte også buffoons tilsvarende.

I 957 storhertuginne Olga blir kjent med teatret i Konstantinopel. Hippodromeforestillinger er avbildet på freskene til Kiev Sophia-katedralen i siste tredjedel av 1000-tallet. I 1068 ble buffoons først nevnt i annalene.

Tre typer teatre var kjent for Kievan Rus: domstol, kirke, folk.

bøffel

Det eldste "teatret" var spillene til folkeskuespillere - buffoons. Sjenanse er et komplekst fenomen. Buffoons ble ansett som en slags tryllekunstnere, men dette er feil, fordi buffoons, som deltok i ritualer, ikke bare forbedret deres religiøse og magiske karakter, men tvert imot introduserte verdslig, sekulært innhold.

Buffoon, dvs. synge, danse, spøke, spille sketsjer, spille på musikkinstrumenter og å handle, det vil si å skildre en slags person eller skapning, kunne hvem som helst. Men bare den hvis kunst skilte seg ut over nivået for massenes kunst ved sitt kunstnerskap ble og ble kalt en bøffel-håndverker.

Parallelt med folketeateret utviklet det seg profesjonell teaterkunst, bærerne av disse i det gamle Russland var buffoons. Utseendet til et dukketeater i Rus er forbundet med buffoon-spill. Den første kronikkinformasjonen om buffoner faller sammen i tid med utseendet på veggene til Kiev Sophia-katedralen av fresker som viser buffoon-forestillinger. Kronikermunken kaller buffoons tjenere av djevlene, og kunstneren som malte veggene i katedralen fant det mulig å inkludere bildet deres i kirkedekorasjoner sammen med ikoner. Buffonger ble assosiert med massene, og en av typene av kunsten deres var "gummi", det vil si satire. Skomorokhovs kalles "tools", det vil si spottere. Glum, hån, satire vil fortsatt være fast forbundet med buffoons.

Den sekulære kunsten til buffoons var fiendtlig mot kirken og geistlig ideologi. Hatet som kirkemennene hadde mot kunsten å bølle er bevist av kronikørenes opptegnelser ("The Tale of Bygone Years"). Kirkens lære fra 1000- og 1100-tallet erklærer at forkledning, som buffoons tyr til, også er en synd. Buffonger ble utsatt for spesielt sterk forfølgelse i årene med tatarisk åk, da kirken begynte å intensivt forkynne en asketisk livsstil. Ingen forfølgelse har utryddet bøllekunsten blant folket. Tvert imot utviklet den seg vellykket, og dens satiriske brodd ble mer og mer akutt.

Kunstrelatert håndverk var kjent i det gamle Russland: ikonmalere, gullsmedere, tre- og beinskjærere og bokskrivere. Buffonger tilhørte deres nummer, de var "utspekulerte", "mestere" i sang, musikk, dans, poesi, drama. Men de ble bare sett på som morsomme, morsomme mennesker. Kunsten deres var ideologisk forbundet med folkemassene, med håndverkerfolket, vanligvis i motsetning til de regjerende massene. Dette gjorde deres ferdigheter ikke bare ubrukelige, men fra føydalherrenes og presteskapets synspunkt, ideologisk skadelig og farlig. Representanter kristen kirke buffonger ble plassert ved siden av magi og spåkoner. I ritualer og spill er det fortsatt ingen inndeling i utøvere og tilskuere; de mangler utviklet plott, reinkarnasjon til et bilde. De opptrer i et folkedrama gjennomsyret av skarpe sosiale motiver. Utseendet til de firkantede teatrene i den muntlige tradisjonen er forbundet med folkedramaet. Skuespillerne til disse folketeatrene (buffonene) latterliggjorde makthaverne, presteskapet, de rike, sympatisk viste vanlige mennesker. Forestillinger av folketeateret ble bygget på improvisasjon, inkludert pantomime, musikk, sang, dans, kirkenumre; utøvere brukte masker, sminke, kostymer, rekvisitter.

Arten av ytelsen til buffonnene krevde i utgangspunktet ikke at de ble kombinert i store grupper. For fremføring av eventyr, epos, sanger, å spille instrumentet var bare én utøver nok. Buffonger forlater hjemmene sine og streifer rundt i det russiske landet på jakt etter arbeid, flytter fra landsbyer til byer, hvor de betjener ikke bare landsbygda, men også byfolk, og noen ganger fyrstelige domstoler.

Buffonger ble også tiltrukket av folkerettsforestillinger, som multipliserte under påvirkning av bekjentskap med Byzantium og dets hoffliv. Da det morsomme skapet (1571) og fornøyelseskammeret (1613) ble arrangert ved hoffet i Moskva, fant bøller seg i posisjonen som hoffnarre der.

Representasjoner av buffoons forent forskjellige typer kunst: og faktisk dramatisk, og kirke og "variasjon".

Den kristne kirke motarbeidet folkespill og buffons kunst med rituell kunst, mettet med religiøse og mystiske elementer.

Representasjoner av buffoons utviklet seg ikke til profesjonelt teater. Det var ingen betingelser for fødselen av teatertroppene - tross alt forfulgte myndighetene bøffer. Kirken forfulgte også bøller og henvendte seg til sekulære myndigheter for å få hjelp. Mot buffoons ble sendt et charter for Trinity-Sergius Monastery of the XV-tallet, det lovfestede charteret fra begynnelsen av XVI-tallet. Kirken satte vedvarende bøffer på linje med bærerne av det hedenske verdensbildet (magikere, trollmenn). Og likevel, buffoon-forestillinger fortsatte å leve, folketeatret utviklet seg.

Samtidig tok kirken alle grep for å hevde sin innflytelse. Dette kom til uttrykk i utviklingen av det liturgiske dramaet. Noen liturgiske dramaer kom til oss sammen med kristendommen, andre på 1400-tallet, sammen med det nylig vedtatte høytidelige charteret om "den store kirken" ("Prosession on the Ground", "Washing of the Feet").

Til tross for bruken av teatralske og spektakulære former, skapte ikke den russiske kirken sitt eget teater.

På 1600-tallet forsøkte Simeon av Polotsk (1629-1680) å skape et kunstnerisk drama på grunnlag av liturgisk drama. litterært drama Dette forsøket viste seg å være isolert og resultatløst.

Teatre på 1600-tallet

På 1600-tallet utviklet de første muntlige dramaene seg, enkle i handlingen, og reflekterte populære stemninger. Dukkekomedien om Petrushka (hans fornavn var Vanka-Ratatouille) fortalte om eventyrene til en smart lystig kar som ikke var redd for noe i verden. Teateret dukket virkelig opp på 1600-tallet - hoffet og skoleteater.

hoffteater

Fremveksten av hoffteateret var forårsaket av hoffadelens interesse for vestlig kultur. Dette teatret dukket opp i Moskva under tsar Alexei Mikhailovich. Den første fremføringen av stykket "The Action of Artaxerxes" (historien om den bibelske Esther) fant sted 17. oktober 1672. I utgangspunktet hadde ikke hoffteateret egne lokaler, kulisser og kostymer ble overført fra sted til sted. De første forestillingene ble satt opp av pastor Gregory fra den tyske bosetningen, skuespillerne var også utlendinger. Senere begynte de å rekruttere og trene russiske "ungdom". Lønningene deres ble betalt uregelmessig, men de sparte ikke på kulisser og kostymer. Forestillingene ble preget av stor prakt, noen ganger akkompagnert av å spille musikkinstrumenter og danse. Etter tsar Alexei Mikhailovichs død ble hoffteatret stengt, og forestillingene ble gjenopptatt bare under Peter I.

skoleteater

I tillegg til hoffteateret var det i Russland på 1600-tallet også et skoleteater ved det slavisk-gresk-latinske akademiet, i teologiske seminarer og skoler i Lvov, Tiflis og Kiev. Skuespillene ble skrevet av lærere, og elevene satt opp historiske tragedier, allegoriske dramaer tett på europeiske mirakler, mellomspill - satiriske hverdagsscener der det ble protestert mot samfunnssystemet. Mellomspill fra skoleteateret la grunnlaget for komediesjangeren i nasjonal dramaturgi. Ved opprinnelsen til skolens teater var en berømt politisk skikkelse, dramatiker Simeon Polotsky.

Utseendet til domstolens skoleteater utvidet omfanget av det åndelige livet i det russiske samfunnet.

Teater fra begynnelsen av 1700-tallet

Etter ordre fra Peter I i 1702 ble opprettet offentlig teater beregnet på allmennheten. Spesielt for ham, ikke på Røde plass i Moskva, ble det bygget en bygning - "Comedy Temple". Den tyske troppen til I. Kh. Kunst holdt opptredener der. Repertoaret inkluderte utenlandske skuespill som ikke var vellykket blant publikum, og teatret sluttet å eksistere i 1706, da subsidiene til Peter I opphørte.

Konklusjon

En ny side i historien scenekunst Folkene i vårt moderland åpnet livegne- og amatørteatre. I livegne-troppene som eksisterte fra slutten av 1700-tallet ble det satt opp vaudeviller, komiske operaer, balletter. På grunnlag av livegneteatre oppsto private virksomheter i en rekke byer. Den russiske teaterkunsten hadde en gunstig effekt på dannelsen av det profesjonelle teateret til folkene i vårt moderland. Troppene til de første profesjonelle teatrene inkluderte talentfulle amatører - representanter for den demokratiske intelligentsiaen.

Teater i Russland på 1700-tallet fikk enorm popularitet, ble eiendommen til de brede massene, en annen offentlig sfære for folks åndelige aktivitet.

Elev av 10. klasse på ungdomsskole nr. 15 i Sergiev Posad Zakharova Vsevolod 1) Fremveksten av et profesjonelt teater 2) Gammel russisk musikalsk kultur 3) Informasjonskilder 1) Avslør funksjonene ved fremveksten av et profesjonelt teater i Russland, 2) Avslør funksjonene ved dannelsen av musikalsk kultur fra det gamle Russland til Russland, 3) Bidra til dannelsen av den åndelige kulturen til studenter , interesse og respekt for kulturen i landet vårt. Tsar Alexei Mikhailovich Grunnlaget for det profesjonelle russiske teateret ble lagt i andre halvdel av 1600-tallet. Dens opprinnelse tilskrives vanligvis 1672, da den første forestillingen til hoffteateret ble presentert for tsar Alexei Mikhailovich - forfølgeren av folkets "moro" og en stor elsker av praktfulle forestillinger og underholdning. Den opplyste gutten Artamon Sergeevich Matveev ble initiativtakeren til opprettelsen av et teater som et europeisk. Den tyske pastoren i den lutherske kirke i Moskva, Johann Gottfried Gregory, ble utnevnt til dramatiker – en velutdannet mann, litterært begavet og med nødvendig kunnskap innen tysk og nederlandsk teater. Teateret ble raskt bygget i tsarens bolig nær Moskva, i landsbyen Preobrazhensky. Auditoriet til "komedieherskapshuset", som ligger i et amfiteater, var mindre i størrelse enn scenen, men var rikt dekorert: veggene og gulvet var polstret med karmosinrødt, rødt og grønt stoff; med deres "rang og rang", publikum ble plassert, noen av dem sto på scenen. For dronningen og prinsessene ble det arrangert spesielle bokser - "bur", ifølge tradisjonen, adskilt fra auditoriet med et gitter. Den første forestillingen på scenen til "komedieherskapshuset" var stykket "Esther, or Artaxerxes Action". Handlingen i stykket var basert på den bibelske historien om Ester – en ydmyk skjønnhet som vakte oppmerksomheten til den persiske kongen Artaxerxes og reddet hennes folk fra døden ved å bli hans kone. Forestillingen varte i ti timer, men kongen så alt til slutt og var veldig fornøyd. Ti flere skuespill ble satt opp i "komedieherskapshuset": "Judith", "Den ynkelige komedie om Adam og Eva", "Joseph" og andre, om religiøse og historiske emner. Hofforestillinger ble iscenesatt i stor skala og luksus, da de skulle gjenspeile det kongelige hoffs prakt og rikdom. Kostymene ble laget av dyre stoffer. Musikk, sang og dans ble mye brukt i forestillinger. Orgel, piper og andre instrumenter lød ofte. Hver forestilling hadde løftekulisser og sidevinger. Ved hjelp av sceneutstyr ble det brukt ulike effekter. De første utøverne av skuespillene til hoffteateret var stort sett skuespillere fra det tyske kvarteret og bare menn. På slutten av 1600-tallet ble "statsunderholdningen" erstattet av skoleteateret (organisert ved en eller annen utdanningsinstitusjon), basert på den rikeste erfaringen fra teatre i Polen og Ukraina. Dens opprinnelse var assosiert med navnet på en utdannet ved Kiev-Mohyla Academy, pedagog, poet og dramatiker Simeon Polotsky. Spesielt for skoleteateret skrev han to skuespill - "The Comedy of the Parable of fortapte sønn" og "O kong Nevchadnesar, om et gulllegeme og om tre barn som ikke ble brent i en hule." Hof- og skoleteatrene på 1600-tallet la grunnlaget for utviklingen av teaterkunsten i Russland og bestemte i stor grad fremtiden. Med sin opprinnelse går gammel russisk musikalsk kultur tilbake til de hedenske tradisjonene til de østlige slaverne, som utviklet seg lenge før kristendommen ble adoptert. Musikkinstrumentene til det gamle Russland var ganske forskjellige. Harpe, sniffles, fløyter, fløyte ble mye brukt. I Rus' nøt gusli, det eldste strengplukkede instrumentet, nevnt tilbake på 900-tallet i Fortellingen om svunne år, spesiell respekt. Det har lenge vært antatt at harpen er beslektet med menneskesjelen, og deres ringing driver bort død og sykdom. Folkefortellere og bogatyrer spilte på harpe: den profetiske Boyan i The Tale of Igor's Campaign, de episke bogatyrene Volga og Dobrynya Nikitich i Kiev, Sadko i Novgorod. Hvordan Dobrynya tar i sine hvite hender De klangfulle gåsungene av yaronchaty, De vil trekke og forgylte strenger, Det jødiske verset vil spille på en kjedelig måte, På en kjedelig og rørende måte I festen ble alle tankefulle, Tankefulle og lyttet til. Dobrynya begynte å spille på en munter måte, Han startet et spill fra Yerusolim, Et annet spill fra Tsar-grad, Den tredje fra hovedstaden Kiev - Han tok med alle til festen for moro skyld. Slagverk og blåseinstrumenter ble brukt i militære kampanjer: trommer, tamburiner, piper, rangler. De støttet moralen til soldatene under kampene, lindret følelsesmessig stress og innpodet tillit til seier. Adopsjonen av kristendommen kunne ikke fullstendig endre den tradisjonelle livsstilen til folket og deres musikksmak. Med dåpen fra Byzantium ble mange kunstneriske prinsipper overført til russisk jord, kanonen og sjangersystemet ble lånt. Her ble de kreativt gjennomtenkt og omarbeidet, noe som senere gjorde det mulig å danne originale nasjonale tradisjoner. Kirkemusikk i det gamle Russland eksisterte i form av korsang uten instrumentelt akkompagnement. Musikkinstrumenter i ortodokse kirke ble forbudt. Dessuten, instrumental musikk betraktet som syndig, demonisk. Det var en åndelig mening i denne opposisjonen. I de dager ble det antatt at bare englesang, som er et ekko av himmelsk musikk, skulle høres i en ortodoks kirke. Slik sang legemliggjorde skjønnhetsidealet og ga folk en følelse av nåde, renselse, trøst, lært å elske Gud og naboer. Det eneste unntaket var kunsten å spille klokkene, som ble utviklet i ulike former for enkel ringing, kiming, kiming, etc. Flere klokker med ulike toner dannet et klokketårn, som gjorde det mulig å fremføre hele musikkverk. Kirkesang fungerte som et forbilde for den høyeste profesjonalitet, legemliggjort i det meste ulike former i et praktisk og teoretisk system, som ble kalt osmosesystemet, det vil si veksling av grupper av låter over perioder på åtte uker. Folkemusikken på den tiden ble tradisjonelt overlevert fra generasjon til generasjon muntlig, "munt til munn". Kultmusikk i denne epoken ble spilt inn med spesielle tegn, kalt bannere, hvorav de vanligste var kroker. Derfor ble gamle musikalske manuskripter kalt Znamenny eller Kryukovy. På 1600-tallet nådde musikkkulturen i Russland, spesielt korkulturen, en veldig høy level. Det var en tid da, sammen med tradisjonelle sjangere musikalsk kunst nye former og sjangere ble født. Før kormusikk var monofonisk. Nå er den erstattet av polyfoni. Og notasjonen kom til å erstatte krokene, og stilen med partesang oppsto. Så da kalte de sang etter notene fra kanter og korkonserter. Disse konsertene var et viktig overgangssteg fra kirke til sekulær profesjonell musikk. Den musikalske kulturen i det gamle Russland var det solide grunnlaget som en vakker bygning senere vokste på, som la grunnlaget for utviklingen av profesjonell kreativitet. De beste eksemplene på gammel russisk musikk har med rette blitt den mest verdifulle ressursen til den nasjonale musikalske kulturen. http://images.yandex.ru/, http://www.google.ru/imghp?hl=ru&tab=wi, http://vkontakte.ru/id47570217#/search?c%5Bsection%5D=audio, http://www.youtube.com/, Verdens kunstkultur. Fra opprinnelsen til 1600-tallet. 10 celler Grunnnivå: lærebok for utdanningsinstitusjoner / G.I. Danilova. - 7. utgave, revidert. - M .: Bustard, 2009

lysbilde 1

Fra en runddans til en messe Kommunal utdanningsinstitusjon ungdomsskole nr. 8, Severomorsk - 3, Murmansk-regionen

lysbilde 2

lysbilde 3

I gamle dager i Rus' var en runddans et populært folkespill. Han reflekterte en rekke livsfenomener. Det var kjærlighets-, militær-, familie-, arbeidsdanser ... Vi kjenner tre typer runddans:

lysbilde 4

I runddansspill ble kor og dramatisk begynnelse organisk slått sammen. Slike spill begynte vanligvis med "sette" sanger, og endte med "sammenleggbare", og sangene ble preget av en tydelig rytme. Deretter, med en endring i strukturen til stammesamfunnet, endret runddansspill seg også. Solister-ledere (lysmenn) og skuespillere (skuespillere) dukket opp. Det var vanligvis ikke mer enn tre skuespillere. Mens koret sang sangen, spilte de ut innholdet. Det er en oppfatning at det var disse skuespillerne som ble grunnleggerne av de første buffoonene.

lysbilde 5

Russisk dans er en integrert del av folkespill og festligheter. Hun har alltid vært assosiert med sang. Denne kombinasjonen var en av de viktigste uttrykksmiddel folketeater. Siden eldgamle tider har russisk folkedans vært basert på dristig fra konkurrerende partnere, på den ene siden, og enhet, jevnhet i bevegelser, på den andre.

lysbilde 6

Russisk dans ble født fra hedenske ritualer. Etter 1000-tallet, med fremkomsten av profesjonelle bølleskuespillere, endret også dansens natur. Buffoons eide en utviklet danseteknikk; varianter av buffoon-dansere oppsto. Det var buffoon-dansere som ikke bare danset, men også spilte pantomimeforestillinger ved hjelp av dans, som oftest var improvisert. Dansere-dansere dukket opp, vanligvis var de koner til buffoons. Russisk dans

Lysbilde 7

Dans har inntatt en stor plass innen ulike former for teater. Han var en del av ikke bare spill og festligheter, men også forestillinger. dukketeater Petrushki, fylte ofte pausen mellom aktene i skoledramaet. Mange tradisjoner for russisk dans har overlevd til i dag.

Lysbilde 8

Lederbjørn har vært nevnt i kilder siden 1500-tallet, selv om det er mulig at de dukket opp mye tidligere. En respektfull holdning til dette dyret oppsto i hedensk tid. Bjørnen er stamfaderen. Han er et symbol på helse, fruktbarhet, velstand, han er sterkere enn onde ånder.

Lysbilde 9

Blant buffoonene ble bjørnen ansett som familiens forsørger, dens fulle medlem. Slike artister ble kalt ved navn og patronym: Mikhailo Potapych eller Matrena Ivanovna. I sine forestillinger skildret guider vanligvis livet vanlige folk, mellomspill handlet om en rekke dagligdagse emner. Eieren spurte for eksempel: "Og hvordan, Misha, går små barn for å stjele erter?" - eller: "Og hvordan vandrer kvinner sakte til mesterens arbeid?" - og udyret viste alt. På slutten av forestillingen utførte bjørnen flere innlærte bevegelser, og eieren kommenterte dem.

lysbilde 10

"Bjørnekomedien" på 1800-tallet besto av tre hoveddeler: for det første dansen til bjørnen med "geiten" (geiten ble vanligvis fremstilt av en gutt som satte en pose på hodet hans; en stokk med et geitehode og horn ble stukket gjennom posen ovenfra; en tretunge ble festet til hodet, fra klappingen det var en forferdelig lyd), så kom dyrets opptreden under veilederens vitser, og deretter kampen med "geiten" eller eieren. De første beskrivelsene av slike komedier går tilbake til XVIII århundre. Dette håndverket eksisterte i lang tid, helt til 30-tallet av forrige århundre.

lysbilde 11

Siden antikken, i mange europeiske land, var det vanlig å sette opp en krybbe med figurer av jomfruen, en baby, en hyrde, et esel og en okse midt i kirken til jul. Gradvis vokste denne skikken til en slags teaterforestilling, som ved hjelp av dukker fortalte de berømte evangelielegendene om Jesu Kristi fødsel, tilbedelsen av magiene og den grusomme kong Herodes. Juleforestillingen var godt spredt i katolske land, spesielt i Polen, hvorfra den flyttet til Ukraina, Hviterussland, og deretter, i en litt modifisert form, til Vilikorossia.

lysbilde 12

Da juleskikken gikk utover den katolske kirkes grenser, fikk den navnet vertep (gammelslavisk og gammelrussisk - hule). Det var dukketeater. Se for deg en boks delt innvendig i to etasjer. Toppen av boksen endte med et tak, den åpne siden vendt mot publikum. På taket er et klokketårn. Et stearinlys ble plassert på den bak glass, som brant under forestillingen, og ga handlingen en magisk, mystisk karakter. Dukker for krybbeteateret ble laget av tre eller filler og festet til en stang. Den nedre delen av stangen ble holdt av dukkeføreren, så dukkene beveget seg og til og med snudde seg. Dukkeføreren selv var gjemt bak en boks. I den øverste etasjen i hiet ble det utspilt bibelske historier, i underetasjen – hverdagslig: hverdagslig, komisk, noen ganger sosial. Og settet med dukker for underetasjen var det vanlige: menn, kvinner, djevelen, sigøynere, en gendarme og en enkel mann viste seg alltid å være mer utspekulert og smartere enn en gendarme. Det var fra Nativity Theatre at Petrushka Theatre, så populært blant folket, senere ble født.

lysbilde 13

Alle vil danse, men ikke som en bøffel, sier et russisk ordtak. Ja, mange kunne spille spill, men ikke alle kunne være profesjonelle tullinger. Favoritten blant folket blant profesjonelle bøller var dukketeaterskuespilleren, og den mest populære var komedien om Petrusjka. Petrushka er en favoritthelt for både bøllene som ga forestillingen og publikum. Dette er en vågal våghals og en bølle, som i enhver situasjon beholdt humor og optimisme. Han lurte alltid de rike og myndighetene, og som talsmann for protesten nøt han støtte fra publikum.

lysbilde 14

I en slik teaterforestilling handlet to helter samtidig (i henhold til antall hender til dukkeføreren): Petrusjka og legen, Petrusjka og politimannen. Tomtene var de vanligste: Petrusjka gifter seg eller kjøper hest osv. Han var alltid med på konfliktsituasjon, mens Petrusjkas represalier var ganske grusomme, men offentligheten fordømte ham aldri for det. På slutten av forestillingen ble Petrusjka ofte innhentet av "himmelsk straff". Dukketeateret Petrushka var mest populært på 1600-tallet.

lysbilde 15

Siden slutten av 1700-tallet, på messen, kunne man ofte se en lyst kledd mann som bar en pyntet boks (rayok) og ropte høyt: «Kom hit med meg for å prate, ærlige mennesker, både gutter og jenter, og vel. gjort og godt gjort, og kjøpmenn og kjøpmenn, og funksjonærer og funksjonærer, og offisielle rotter og ledige festlige. Jeg skal vise dere alle slags bilder: både herrer og menn i saueskinnsfrakk, og dere er vitser, ja forskjellige vitser lytt godt etter, spis epler, gnag nøtter, se på bilder og ta vare på lommene. De vil jukse." Rayok

lysbilde 16

Raek kom til oss fra Europa og går tilbake til store panoramaer. Kunsthistoriker D. Rovinsky i boken «Russian folkebilder” beskriver det slik: “Raek er en liten boks, arshin i alle retninger, med to forstørrelsesglass foran. Inni den er en lang stripe med hjemmelagde bilder av forskjellige byer, flotte mennesker og begivenheter viklet tilbake fra en bane til en annen. Tilskuere, «på en krone fra snuten», ser inn i glasset. Rayoshnik flytter bildene og forteller ordtak til hvert nye nummer, ofte svært intrikate.»

lysbilde 17

Raek var veldig populær blant folket. I den kunne man se både panoramaet av Konstantinopel og døden til Napoleon, kirken St. Peter i Roma og Adam med sin familie, helter, dverger og freaks. Dessuten viste beboeren ikke bare bilder, men kommenterte hendelsene som ble avbildet på dem, og kritiserte ofte myndighetene og den eksisterende orden, med et ord, berørte de mest brennende problemene. Som en tivoliunderholdning eksisterte rayek til slutten av 1800-tallet.

lysbilde 18

Ikke en eneste messe på 1700-tallet var komplett uten stand. Teaterboder blir favorittshow fra den tiden. De ble bygget rett på torget, og ved måten boden var innredet, kunne man umiddelbart forstå om eieren var rik eller fattig. Vanligvis ble de bygget av brett, taket var laget av lerret eller lin.

lysbilde 19

Inne var det en scene og et gardin. Vanlige tilskuere ble satt på benker og under forestillingen spiste de forskjellige søtsaker, smultringer og til og med kålsuppe. Senere dukket det opp en ekte i bodene auditorium med boder, hytter, orkestergrav. Utenfor ble boder dekorert med kranser, skilt, og når gassbelysning dukket opp, da med gasslamper. Troppen besto vanligvis av profesjonelle og omreisende skuespillere. De ga opptil fem forestillinger om dagen. I teaterboden kunne man se harlekinaden, triks, mellomspill. Her opptrådte sangere, dansere og bare "outlandish" mennesker. Populær var personen som drakk den brennende væsken, eller den "afrikanske kannibalen" som spiste duer. Kannibalen var vanligvis en kunstner smurt med harpiks, og duen var et fugleskremsel med en pose tranebær. Naturligvis en messe med en teaterbod enkle mennesker alltid sett frem til.

lysbilde 20

Det var også sirkusboder, deres skuespillere var "jack of all trades". Yu. Dmitriev siterer i boken "Circus in Russia" en melding om ankomsten av komikere fra Holland, som "går på et tau, danser, hopper i luften, i trappa, holder fast i ingenting, spiller fiolin og gå opp trappene, danse, hoppe utrolig høyt og gjøre andre fantastiske ting.» Til i lange år stands endret sin eksistens, til sent XIXårhundrer forsvant de nesten for alltid fra historien til det russiske teatret.

lysbilde 21

1672 - forestillingene til hofftroppen til tsar Alexei Mikhailovich begynte

lysbilde 22

1702 - det første russiske offentlige teateret på Røde plass Festlige prosesjoner, fyrverkeri, maskerader, forsamlinger blir populært

lysbilde 23

Slik så teatret i Yaroslavl ut i 1909. I 1911 ble han oppkalt etter Fjodor Volkov

russisk teatralsk kreativitet har sin opprinnelse i det primitive kommunale systemets tid og i større grad enn maleri og arkitektur assosiert med folkekunst. Jorden som dens opprinnelige elementer dukket opp på var produksjonsaktiviteten til slaverne, som i folkeritualer og høytider gjorde det til et komplekst system av dramatisk kunst.

Folketeater i slaviske land eksisterer fortsatt i dag. Bryllup, begravelser, landbruksferier er komplekse ritualer, noen ganger som varer i flere dager og bruker i stor utstrekning slike teatralske elementer som dramatisk handling, sang, dans, kostyme, kulisser (antrekk til matchmakeren, bruden, runddanser, ritualer eller underholdningsspill etc.). De gamle slaverne reflekterte også høytiden for oppstandelsen av død natur, karakteristisk for verdens hedenskap.

Etter adopsjonen av kristendommen ble folkespillenes rolle i samfunnets liv betydelig redusert (kirken forfulgte hedenskap). Teatralsk folkekunst fortsatte imidlertid å leve til 1900-tallet. Til å begynne med var bærerne buffoons. På folkespillene ble det fremført populære «mummers», «avdøde» forestillinger med en «lært bjørn». Folkets Teater ga Petrusjka-teatret.

Favoritt i Rus var dukketeater- en julekrybbe, senere et distrikt (Ukraina), i sør og vest - batleiki (Hviterussland). Disse forestillingene ble gitt ved hjelp av en trekasse delt inn i øvre og nedre lag. I toppetasjen ble en seriøs del av forestillingen spilt over temaet bibelsk historie om Kristi fødsel og kong Herodes. I underetasjen ble det vist hverdagslige komiske og satiriske scener, som på mange måter minner om Petrusjka-teatret. Gradvis ble den seriøse delen av krybbeforestillingen redusert, og den andre delen vokste, supplert med nye komiske scener. og krybben fra en to-lags boks ble en en-lags en.

Fram til 1600-tallet i Russland var teatraliteten en organisk komponent av folkeritualer, kalenderferier, spilte runddanser. Elementer av det ble inkludert i gudstjenesten, og det er her, etter hvert som det sekulære prinsippet forsterkes i det russiske samfunnet, at et profesjonelt teater begynner å ta form.

Til å begynne med oppsto liturgiske forestillinger. Det er ganske komplekst teaterforestillinger brukes til å forsterke virkningen av kirkelige tjenester og forherlige enheten mellom statlige og kirkelige myndigheter. Kjente er "komfyraksjonen" (en iscenesettelse av massakren av kong Nebukadnesar over kristne) og "å gå på et esel" (tegning av Bibelens handling på palmesøndag).

Hof- og skoleteatrene på 1600-tallet bidro til den videre utviklingen av teatervirksomheten i Russland. Selv under tsar Alexei Mikhailovich begynte hofffestligheter, mottakelser, seremonier å ta form med mye teatralitet - uttrykksfullt og storslått. Det første russiske profesjonelle komedieteatret var et hoffteater og var en av tsarens regulerte "moro". Den ble ledet i 1662 av teologimesteren, pastor og leder av skolen ved den lutherske offiserskirken i det tyske kvarteret i Moskva, I. Gregory. Den samme bygningen ble åpnet i 1672 i landsbyen Preobrazhensky med skuespillet "Artaxerxes Action".

Fremveksten av skoleteateret i Rus er assosiert med utviklingen av skoleundervisningen. I Vest-Europa den oppstod på 1100-tallet i humanistiske skoler som et slags pedagogisk virkemiddel og tjente til å begynne med bare undervisnings- og utdanningsformål. Han hjalp elevene i form av et spill til å mestre ulike kunnskaper: latin og bibelske fortellinger, poetikk og oratorium. På 1500-tallet begynte mulighetene for skoleteaterets åndelige innflytelse å bli brukt til religiøse og politiske formål: av Luther i kampen mot katolikker, jesuittene mot lutherdom og ortodoksi. I Russland, skole teatret ble brukt av ortodoksien i kampen mot romersk-katolsk innflytelse. Dens opprinnelse ble tilrettelagt av en munk, utdannet ved Kiev-Mohyla Academy, en utdannet person, politiker, pedagog og poet Simeon Polotsky. I 1664 kom han til Moskva og ble lærer for de kongelige barna ved hoffet. I samlingen av verkene hans "Rhymologion" ble to skuespill publisert - "Komedien om kongen Novkhudonosor, om liket av gull og om de tre barna som ikke ble brent i hulen" og komedien "Lagnelsen om den fortapte sønnen ".

S. Polotskys skuespill er designet for hoffteateret av sin natur. I sine fortjenester står de over datidens skolestykker og foregriper utviklingen av teateret på 1700-tallet. Dermed fungerer "komedietempelet" og fremveksten av den første profesjonelle dramatiske verk S. Polotsky var begynnelsen på den historisk nødvendige og naturlige prosessen med å mestre verdens prestasjoner teaterkultur i Russland.

Simeon av Polotsk var ikke bare talentfull poet og dramatiker. I verden kunstnerisk kultur han spilte en betydelig rolle som den største slaviske kunstteoretikeren med tanke på problemene kunstnerisk kreativitet– Litteratur, musikk, maleri. Som teolog bemerket han at kunsten er det høyeste åndelig kreativitet. Til ham tilskrev han poesi, musikk og maleri.

S. Polotskys estetiske og pedagogiske syn på kunst er interessante. Munken hevdet at skjønnhetskunsten "er åndelig og mental fordel for folk". Ifølge hans resonnement er det ingen poesi, maleri, musikk uten harmoni, proporsjoner og rytme. Uten kunst er det ingen utdanning, for gjennom dens innvirkning på menneskers sjel blir negative følelser erstattet av positive følelser. Gjennom musikkens og ordenes skjønnhet blir de misfornøyde tålmodige, de late blir harde arbeidere, de dumme blir smarte, de skitne blir rene av hjertet.

S. Polotsky opprettet den første klassifiseringen i den slaviske regionen visuell kunst, heve maleriet til de syv liberal kunst. Det samme gjelder musikk. Han underbygget dens estetiske verdi og beviste nødvendigheten for kirken av polyfonisk sang i en harmonisk kombinasjon av stemmer. Den modal-tonale variasjonen av musikk, bemerket S. Polotsky, er diktert av dens pedagogiske funksjon.

blog.site, med hel eller delvis kopiering av materialet, kreves en lenke til kilden.