Renessansekunst. Renessansens kultur og kunst - essay Kunstverk i renessansens essay

I følge noen kilder går renessansen tilbake til det 14. - 17. århundre. ifølge andre - til XV - XVIII århundrer. Det er også et synspunkt å ikke trekke ut renessansen som en epoke, men å betrakte den som senmiddelalder. Dette er en periode med føydalismens krise og utviklingen av borgerlige relasjoner innen økonomi og ideologi. Begrepet vekkelse (renessanse) ble introdusert for å vise at i denne epoken ble antikkens beste verdier og idealer ødelagt av barbarer (arkitektur, skulptur, maleri, filosofi, litteratur), men dette begrepet ble tolket veldig betinget, fordi Du kan ikke gjenopprette hele fortiden. Dette er ikke en gjenopplivning av fortiden i sin rene form - det er skapelsen av en ny ved å bruke mange av antikkens åndelige og materielle verdier. Dessuten var det umulig å slette verdiene fra ni århundrer av middelalderen, spesielt de åndelige verdiene knyttet til kristendommen. Renessansen er en syntese av antikke og middelalderske tradisjoner, men på et høyere nivå. På hvert stadium av denne epoken var en viss retning dominerende. Hvis det først var "Prometheism", dvs. en ideologi som forutsetter alle menneskers likhet av natur, samt anerkjennelse av privat interesse og individualisme. Da dukker det opp nye sosiale teorier som reflekterer tidsånden, og teorien om humanisme spiller en dominerende rolle. Renessansehumanisme er fokusert på fri tenkning og følgelig på en rettferdig struktur av sosial og statens liv, som oftest skal oppnås på demokratisk grunnlag innenfor rammen av et republikansk system. Synet på religion er også i endring. Naturfilosofi blir populær igjen og "panthemisme" (en doktrine som fornekter Gud som person og bringer ham nærmere naturen) blir utbredt. Den siste perioden av renessansen er reformasjonens æra, og fullfører denne største progressive revolusjonen i utviklingen av europeisk kultur. Vanligvis er den historiske betydningen av renessansen forbundet med humanismens ideer og kunstneriske prestasjoner, som forkynte menneskets storhet og verdighet i motsetning til middelalderens kristne askese. Hans rett til rimelig aktivitet, til nytelse og lykke i det jordiske livet. Humanister så i mennesket Guds vakreste og mest fullkomne skaperverk. De utvidet til mennesket skaperevnen og kreative evner som er iboende i Gud; de så hans hensikt i kunnskapen og transformasjonen av verden, dekorert med hans arbeid, i utviklingen av vitenskaper og håndverk. Fra og med Tyskland feide reformasjonen en rekke europeiske land og førte til at den katolske kirken falt bort i England, Skottland, Danmark, Sverige, Norge, Nederland, Finland, Sveits, Tsjekkia, Ungarn og delvis Tyskland. Det er en bred religiøs og sosiopolitisk bevegelse som startet tidlig på 1500-tallet i Tyskland og hadde som mål å reformere den kristne religionen.

I følge noen kilder går renessansen tilbake til 1300-–1600-tallet. ifølge andre - til det 15. - 18. århundre. Det er også et synspunkt å ikke trekke ut renessansen som en epoke, men å betrakte den som senmiddelalder. Dette er en periode med føydalismens krise og utviklingen av borgerlige relasjoner innen økonomi og ideologi. Begrepet vekkelse (renessanse) ble introdusert for å vise at i denne epoken ble antikkens beste verdier og idealer ødelagt av barbarer (arkitektur, skulptur, maleri, filosofi, litteratur), men dette begrepet ble tolket veldig betinget, fordi Du kan ikke gjenopprette hele fortiden. Dette er ikke en gjenopplivning av fortiden i sin rene form - det er skapelsen av en ny ved å bruke mange av antikkens åndelige og materielle verdier. I tillegg var det umulig å slette verdiene fra ni århundrer av middelalderen, spesielt de åndelige verdiene knyttet til kristendommen. Renessansen er en syntese av antikke og middelalderske tradisjoner, men på et høyere nivå. På hvert stadium av denne epoken var en viss retning dominerende. Hvis det først var "Prometheism", dvs. en ideologi som forutsetter alle menneskers likhet av natur, samt anerkjennelse av privat interesse og individualisme. Da dukker det opp nye sosiale teorier som reflekterer tidsånden, og teorien om humanisme spiller en dominerende rolle. Renessansens humanisme er fokusert på fri tanke og følgelig på en rettferdig struktur av sosialt og statlig liv, som oftest skal oppnås på demokratisk grunnlag innenfor rammen av et republikansk system. Synet på religion gjennomgår også endringer . Naturfilosofi blir populær igjen og "panthemisme" (en doktrine som fornekter Gud som person og bringer ham nærmere naturen) blir utbredt. Den siste perioden av renessansen er reformasjonens æra, og fullfører denne største progressive revolusjonen i utviklingen av Europeisk kultur. Vanligvis er den historiske betydningen av renessansen forbundet med humanismens ideer og kunstneriske prestasjoner, som forkynte menneskets storhet og verdighet i motsetning til middelalderens kristne askese. Hans rett til rimelig aktivitet, til nytelse og lykke i det jordiske livet. Humanister så i mennesket Guds vakreste og mest fullkomne skaperverk. De utvidet til mennesket skaperevnen og kreative evner som er iboende i Gud; de så hans hensikt i kunnskapen og transformasjonen av verden, dekorert med hans arbeid, i utviklingen av vitenskaper og håndverk. Fra og med Tyskland feide reformasjonen en rekke europeiske land og førte til at den katolske kirken falt bort i England, Skottland, Danmark, Sverige, Norge, Nederland, Finland, Sveits, Tsjekkia, Ungarn og delvis Tyskland. Det er en bred religiøs og sosiopolitisk bevegelse som startet tidlig på 1500-tallet i Tyskland og hadde som mål å reformere den kristne religionen.

Eksamen i faget: "Kulturologi"

om emnet: "Renessansens kultur (renessansen)"

Fullført:

Student

St. Petersburg 2008

Introduksjon

1. Renessansekultur

2. Vekkelseskunst

3. Renessansepoesi

4. Renessanseteater

Konklusjon

Introduksjon

Renessansen er et svært viktig stadium i utviklingen av europeisk kultur. Kronologisk inkludert i middelalderhistorie europeiske folk, som oppsto i dypet av føydalkulturen, åpner renessansen for en fundamentalt ny kulturæra, som markerer begynnelsen på borgerskapets kamp for dominans i samfunnet.

På dette tidlige utviklingsstadiet var borgerlig ideologi en progressiv ideologi og reflekterte interessene ikke bare til borgerskapet selv, men også til alle andre klasser og eiendommer som var underordnet den foreldede føydale strukturen av relasjoner.

Renessansen er en periode med utbredt inkvisisjon, splittelsen av den katolske kirke, brutale kriger og folkelige opprør som skjedde på bakgrunn av dannelsen av borgerlig individualisme.

Renessansekulturen oppsto i andre halvdel av 1300-tallet. Og den fortsatte å utvikle seg gjennom 1400- og 1500-tallet, og dekket gradvis alle europeiske land etter hverandre. Fremveksten av renessansekulturen ble forberedt av en rekke pan-europeiske og lokale historiske forhold.

I XIV - XV århundrer. tidlige kapitalistiske, vare-penger forhold oppsto. Italia var en av de første som tok fatt på denne veien, som i stor grad ble forenklet av: det høye urbaniseringsnivået, landsbygdens underordning av byen, det store omfanget av håndverksproduksjon og økonomiske anliggender, orientert ikke bare mot det innenlandske, men også til det utenlandske markedet.

Dannelsen av en ny kultur ble også forberedt av offentlig bevissthet, endringer i stemningen til forskjellige sosiale lag i det tidlige borgerskapet. Kirkemoralens askese i en tid med aktivt kommersielt, industrielt og finansielt entreprenørskap var alvorlig i strid med den virkelige praksisen til disse sosiale lagene med deres ønske om verdslige goder, hamstring og trang til rikdom. I psykologien til kjøpmennene og håndverkseliten dukket tydelig opp trekkene til rasjonalisme, klokskap, mot i forretningsforsøk, bevissthet om personlige evner og brede muligheter. En moral vokste frem som rettferdiggjorde «ærlig berikelse» og gledene ved det verdslige livet, hvis krone ble ansett for å være familiens prestisje, respekten til medborgere og ære i ettertidens minne.

Begrepet "renessanse" (renessanse) dukket opp på 1500-tallet. Begrepet "renessanse" betydde opprinnelig ikke så mye navnet på hele epoken, men selve øyeblikket for fremveksten av en ny kunst, som vanligvis falt sammen med begynnelsen av 1500-tallet. Først senere fikk dette konseptet en bredere betydning og begynte å betegne tiden da en kultur i motsetning til føydalisme dannet seg og blomstret i Italia, og deretter i andre land. Engels beskrev renessansen som «den største progressive revolusjonen av alt menneskeheten hadde opplevd frem til den tiden».

1. Renessansekultur

XIII - XVI århundrer var en tid med store endringer i økonomien, det politiske og kulturelle livet i europeiske land. Den raske veksten av byer og utviklingen av håndverk, og senere fremveksten av produksjon, fremveksten av verdenshandelen, som trekker inn i sin bane flere og mer avsidesliggende områder, den gradvise plasseringen av de viktigste handelsrutene fra Middelhavet til nord, som endte etter fallet av Byzantium og de store geografiske funnene på slutten av 1400- og begynnelsen av 1500-tallet, forvandlet utseendet til middelalderens Europa. Byer kommer nå frem nesten overalt. De en gang mektigste kreftene i middelalderverdenen - imperiet og pavedømmet - opplevde en dyp krise. På 1500-tallet ble det oppløste hellige romerske rike av den tyske nasjonen åsted for de to første antiføydale revolusjonene - den store bondekrigen i Tyskland og det nederlandske opprøret. Tidens overgangskarakter, frigjøringsprosessen fra middelalderens lenker som finner sted på alle områder av livet, og samtidig underutviklingen av nye kapitalistiske relasjoner kunne ikke annet enn å påvirke egenskapene til den tidens kunstneriske kultur og estetiske tanker.

Alle endringer i samfunnets liv ble ledsaget av en bred fornyelse av kulturen - blomstringen av naturvitenskap og eksakt vitenskap, litteratur på nasjonale språk og spesielt kunst. Med opprinnelse i byene i Italia, spredte denne fornyelsen seg til andre europeiske land. Innkomsten av trykking åpnet for enestående muligheter for formidling av litterære og vitenskapelige arbeider, og mer regelmessig og tettere kommunikasjon mellom land bidro til utbredt penetrasjon av nye kunstneriske bevegelser.

Dette betyr ikke at middelalderen trakk seg tilbake til nye trender: tradisjonelle ideer ble bevart i massebevisstheten. Kirken motarbeidet nye ideer ved å bruke et middelaldersk middel - inkvisisjonen. Ideen om frihet menneskelig personlighet fortsatte å eksistere i et samfunn delt inn i klasser. Den føydale formen for bondeavhengighet forsvant ikke helt, og i noen land (Tyskland, Sentral-Europa) var det en retur til livegenskap. Det føydale systemet viste ganske stor motstandskraft. Hvert europeisk land levde det på sin egen måte og innenfor sine egne kronologiske rammer. Kapitalisme i lang tid eksisterte som en livsstil, som bare dekket en del av produksjonen både i byen og på landsbygda. Imidlertid begynte patriarkalsk middelaldersk langsomhet å trekke seg tilbake i fortiden.

De store geografiske oppdagelsene spilte en stor rolle i dette gjennombruddet. I 1456 nådde portugisiske skip Kapp Verde, og i 1486 omringet ekspedisjonen til B. Diaz det afrikanske kontinentet fra sør og passerte Kapp det gode håp. Mens de utforsket kysten av Afrika, sendte portugiserne samtidig skip til det åpne hav, mot vest og sørvest. Som et resultat dukket de tidligere ukjente Azorene og Madeira-øyene opp på kartene. I 1492 skjedde en stor begivenhet - H. Columbus, en italiener som flyttet til Spania, på jakt etter en vei til India, krysset Atlanterhavet og landet i nærheten av Bahamas, og oppdaget et nytt kontinent - Amerika. I 1498 brakte den spanske reisende Vasco da Gama, etter å ha omgått Afrika, skipene sine til kysten av India. Fra 1500-tallet Europeere trenger inn i Kina og Japan, som de tidligere bare hadde den vageste ide om. I 1510 begynte erobringen av Amerika. På 1600-tallet Australia ble oppdaget. Ideen om jordens form har endret seg: turen rundt i verden til portugiseren F. Magellan (1519-1522) bekreftet gjetningen om at den har form som en ball.

2. Vekkelseskunst

Antikkens kunst utgjør et av fundamentene i renessansens kunstneriske kultur. Representanter for renessansen finner i gammel kultur noe som er i tråd med deres egne ambisjoner - forpliktelse til virkelighet, munterhet, beundring for skjønnhet jordiske verden, før heltedådens storhet. Samtidig, etter å ha utviklet seg under forskjellige historiske forhold, etter å ha absorbert tradisjonene fra den romanske stilen og gotikken, bærer renessansens kunst preg av sin tid. Sammenlignet med den klassiske antikkens kunst, blir menneskets åndelige verden mer og mer kompleks og mangefasettert.

På dette tidspunktet begynte det italienske samfunnet å interessere seg aktivt for kulturen i antikkens Hellas og Roma; manuskripter av antikke forfattere ble søkt; dette er hvordan verkene til Cicero og Titus Livy ble funnet.

Renessansefigurene malte idealet om den menneskelige personligheten og la vekt på dens vennlighet, styrke, heltemot og evne til å skape og skape en ny verden rundt seg selv. Den høye ideen om en person var uløselig knyttet til ideen om hans viljefrihet: individet velger sin egen vei i livet og er ansvarlig for sin egen skjebne. Verdien av en person begynte å bli bestemt av hans personlige fordeler, og ikke av hans posisjon i samfunnet: "Adel er som en slags utstråling som kommer fra dyd og opplyser dens eiere, uansett opprinnelse." (Fra The Book of Nobility av Poggio Bracciolini, en italiensk humanist på 1400-tallet).

Renessansen er en tid med store oppdagelser, store mestere og deres fremragende verk. Det var preget av utseendet til en hel galakse av kunstner-vitenskapsmenn, blant dem den første plassen tilhører Leonardo da Vinci. Det var en tid med titanisme, som manifesterte seg både i kunsten og i livet. Det er nok å huske de heroiske bildene skapt av Michelangelo, og deres skaper selv (poet, kunstner, skulptør). Folk som Michelangelo eller Leonardo da Vinci var virkelige eksempler ubegrensede muligheter person.

Kunst under renessansen når enestående velstand. Dette er på grunn av den økonomiske boomen, med et enormt skifte som har skjedd i bevisstheten til mennesker som har vendt seg til kulten av jordisk liv og skjønnhet. Under renessansen ble et objektivt bilde av verden sett gjennom menneskelige øyne, så et av de viktige problemene kunstnere sto overfor var rommets problem.

Kunstnere begynte å se verden annerledes: de flate, tilsynelatende kroppsløse bildene av middelalderkunst ga plass til tredimensjonalt, relieff, konveks rom. Raphael Santi (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) glorifiserte med sin kreativitet en perfekt personlighet, der fysisk og åndelig skjønnhet smelter sammen i samsvar med kravene til gammel estetikk. Renessansekunstnere stoler på prinsippene om imitasjon av naturen, bruksperspektiv, regelen om det "gyldne snittet" i konstruksjonen Menneskekroppen. Leonardo da Vinci karakteriserer maleri som «den største av vitenskaper». Prinsippet om "konformitet med naturen", ønsket om å reprodusere det avbildede objektet så nøyaktig som mulig, samt interessen for individualitet som er iboende i denne perioden, gir en subtil psykologisme til verkene til renessansemesterne.

Kunstneres verk blir signaturer, d.v.s. understreket av forfatteren. Stadig flere selvportretter dukker opp. Et utvilsomt tegn på en ny selvbevissthet er at kunstnere i økende grad viker unna direkte ordre, og vier seg til å jobbe ut fra indre motivasjon. På slutten av 1300-tallet endret også kunstnerens ytre stilling i samfunnet seg betydelig. Kunstnere begynner å motta alle slags offentlig anerkjennelse, posisjoner, æres- og monetære sinekurer. Og Michelangelo, for eksempel, er hevet til en slik høyde at han, uten frykt for å fornærme de kronede prinsene, nekter den høye utmerkelsen som tilbys ham. Kallenavnet "guddommelig" er nok for ham. Han insisterer på at i brev til ham skal alle titler utelates, og de skal ganske enkelt skrives "Michelangelo Buonarotti." Et geni har et navn. Tittelen er en byrde for ham, fordi den er forbundet med uunngåelige omstendigheter og derfor med i det minste et delvis tap av selve friheten fra alt som forstyrrer hans kreativitet. Men den logiske grensen som renessansekunstneren trakk seg til, var tilegnelsen av fullstendig personlig uavhengighet, noe som selvfølgelig først og fremst innebærer kreativ frihet.

Hvis Michelangelo kan kalles renessansens mest briljante kunstner, så er Leonardo renessansens største kunstner. Michelangelo materialiserte ånden, og Leonardo åndeliggjorde naturen. Hvis Leonardo og Michelangelo kan tenkes som renessansens 2 poler, kan Raphael kalles dens midtre. Det var hans arbeid som mest fullstendig uttrykte alle renessansens prinsipper; det passet inn i renessansen. For alle tider har Raphaels kunst blitt et symbol på harmoni og legemliggjort den.

I renessansens kunst ble mennesket en reell og selvstendig verdi. I arkitekturen manifesterer dette seg ikke bare i å humanisere proporsjonene til bygninger, men også i å skape gulvideer. I arkitekturen spilte appellen til den klassiske tradisjonen en spesielt viktig rolle. Det manifesterte seg ikke bare i avvisningen av gotiske former og gjenopplivingen av det gamle ordenssystemet, men også i den klassiske proporsjonaliteten av proporsjoner, i utviklingen i tempelarkitekturen av en sentrisk type bygning med et lett synlig indre rom. Spesielt mye nytt ble skapt innen sivilarkitektur. I løpet av renessansen fikk bybygninger med flere etasjer (rådhus, hus til handelslaug, universiteter, varehus, markeder, etc.) et mer elegant utseende; en type bypalass (palazzo) dukket opp - hjemmet til en velstående borger, samt en type landvilla. Spørsmål knyttet til byplanlegging løses på en ny måte, og bysentra rekonstrueres. En holdning til arkitektur dannes som en manifestasjon av individuelle ferdigheter.

Innen musikken fortsetter utviklingen av vokal og instrumental polyfoni. Spesielt merkbar var den nederlandske polyfoniske skolen som dukket opp på 1400-tallet, og spilte en betydelig rolle i profesjonell europeisk musikk i to århundrer, frem til operaens inntog (komponistene J. Depres, O. Lasso). Nye sjangre dukker opp i sekulær musikk: frottole - en sang av folkemusikk i Italia; villanisco - en sang om ethvert emne, fra lyrisk og pastoral til historisk og moraliserende - i Spania; madrigal er en type sangtekst fremført på morsmålet. Samtidig rettferdiggjør noen musikalske skikkelser fordelene med monadisk musikk, i motsetning til lidenskapen for polyfoni. Det dukker opp sjangere som fremmer homofoni (en-stemme) - solosang, kantate, oratorium. Musikkteori er også i utvikling.

3. Renessansepoesi

Når han snakket om renessansen som en stor historisk revolusjon, understreket F. Engels i forordet til «Naturens dialektikk» at under denne revolusjonen ble nasjoner dannet i Europa, nasjonal litteratur ble født, og ny type person. Denne epoken "trengte titaner" - og "fødte titaner i tankestyrke, lidenskap og karakter, men i allsidighet og læring."

Det er vanskelig å finne en stor kulturpersonlighet fra renessansen som ikke skrev poesi. Talentfulle poeter var Raphael, Michelangelo og Leonardo da Vinci; dikt ble skrevet av Giordano Bruno, Thomas More, Ulrich von Hutten og Erasmus fra Rotterdam. Kunsten å skrive poesi ble undervist av Ronsard til fyrstene av Frankrike. Dikt ble komponert av paver og italienske fyrster. Selv den ekstravagante eventyreren Maria Stuart droppet grasiøse diktlinjer da hun tok farvel med Frankrike, hvor hun tilbrakte sin muntre ungdom. Fremragende prosaforfattere og dramatikere var lyriske poeter. Åpenbart hadde den store revolusjonen sin egen rytme, tydelig fanget av talentfulle mennesker, og deres pulsslag. I synlig kaos historiske hendelser som rammet Europa - i kriger, opprør, store kampanjer til fjerne land, i nye og nye oppdagelser - at "sfærenes musikk" lød, historiens stemme, som alltid er hørbar i revolusjonære epoker for folk som er i stand til å høre den . Disse nye livsrytmene runget med enorm kraft i poesien født i det nye europeiske språk, som i mange tilfeller skaffet seg byttelover nettopp i forbindelse med dikters virksomhet.

Viktig og generelt poeng for all europeisk poesi fra renessansen var det at den brøt bort fra kunsten å synge, og snart fra musikalsk akkompagnement, uten hvilket middelalderens folketekster, så vel som kunsten til ridderdiktere - trubadurer og minnesangere, var utenkelig. På bekostning av innsatsen til modige reformatorer ble poesi et område med strengt individuell kreativitet, der en ny personlighet, født i renessansens stormer, avslørte hans forhold til andre mennesker, med samfunnet, med naturen. Samlinger av italienske diktere fra 1300- og 1400-tallet kalles fortsatt på den gamle måten: "Sangbøker" - "Canzoniere", men dikt er allerede skrevet ut for å bli talt høyt eller lest stille, av hensyn til den voksende stammen av poesielskere som glemte hele verden over en diktbok, som unge helter " Guddommelig komedie» Paolo og Francesca.

Den moderne tids poesi bidro imidlertid til å fullstendig bryte forbindelsen med sang, spesielt folkesang. Dessuten var det under den tidlige renessansen at en kraftig bølge av folkediktning, hovedsakelig sang, feide over alle europeiske land. Vi kan si at blomstringen av lyrisk poesi på denne tiden begynte nettopp med poesien til massene - bønder og urbane mennesker, som overalt i Europa følte deres styrke vokse, deres innflytelse på samfunnets liv. Renessansen var en epoke med store folkebevegelser som undergravde grunnlaget for middelalderen og innvarslet en ny tid.

De dype forbindelsene mellom folkelig opprør og kritikk av føydal ideologi blir avslørt i "The Vision of Peter the Ploughman", et dikt fra 1470-årene tilskrevet den obskure taperen William Langland og fylt med ekko av muntlig folkekunst. Her er arbeideren, plogmannen, valgt som bærer av moralsk sannhet. På 1300-tallet ble åpenbart hovedplottet til balladene om opprøreren og folkets beskytter Robin Hood dannet, som ble en populær populær lesning så snart trykkpresser begynte å jobbe i England.

De tallrike øygruppene i Nord-Atlanteren med deres blandede befolkning av overveiende dansk opprinnelse har blitt et slags reservat for balladen, der den fortsatt eksisterer i dag som en levende poetisk sjanger. Den danske renessansballaden, som eksempler på dette er inkludert i dette bindet, har blitt en klassisk sjanger for folkediktning i Nord-Europa.

Siden midten av 1400-tallet har trykkpresser gitt ut mange publikasjoner designet for et bredt spekter av lesere, eksempler på folkediktning - sanger, romanser, gåter, så vel som "folkebøker" (blant dem - en bok om Till Eulenspiegel og en bok om doktor Faustus). De bearbeides og brukes av humanistiske forfattere, også de som er svært langt unna massenes bevegelse, men som føler en dragning mot populære kilder. La oss se gjennom skuespillene til Shakespeare, hans samtidige og forgjengere. Hvor mange folkeballader finner vi i hjertet av planene deres; i Desdemonas sang om piletreet, i Ofelias sang om Valentinsdagen, i atmosfæren i Ardennes-skogen ("Mye ståhei handler ikke om noe"), der Jacques vandrer, så det minner om en annen skog - Sherwood, tilholdsstedet for skytteren Robin Hood og hans munter grønn brødre. Men før de fant veien inn i forfatternes blekkhus, gikk disse motivene gjennom torgene i engelske byer, på landsmesser og veikanter, fremført av vandrende sangere og skremte fromme puritanere.

Poeten fra den tiden hadde en annen inspirasjonskilde: den klassiske antikken. En lidenskapelig kjærlighet til kunnskap drev dikteren på lange reiser til anatomiske teatre, smier og laboratorier, men også til biblioteker. Fram til 1400-tallet kjente en utdannet europeer noen verk av latinsk litteratur som hadde overlevd fra antikkens Roma, på sin side lærte mye av kulturen i antikkens Hellas. Men selve den greske kulturen ble viden kjent senere, spesielt etter 1400-tallet, da Byzantium, den siste støtten til middelalderens greske sivilisasjon i Midtøsten, kollapset i kampen mot tyrkerne. Tusenvis av greske flyktninger som strømmet fra landene erobret av tyrkerne til de kristne landene i Europa bar med seg kunnskap om morsmålet og kunsten deres, mange ble oversettere ved europeiske domstoler, lærere gresk språk ved europeiske universiteter, rådgivere for store trykkerier som publiserte eldgamle klassikere i original og oversettelser.

Antikken ble så å si en andre verden der renessansens diktere levde. De skjønte sjelden at antikkens kultur var bygget på slavenes svette og blod; De forestilte seg antikkens mennesker som en analogi til menneskene i sin tid og fremstilte dem på den måten. Et eksempel på dette er den opprørske mobben i Shakespeares tragedier, de "gamle" bøndene og håndverkerne i maleriene til renessansekunstnere, eller gjetere og gjeterinner i deres dikt og dikt.

Gradvis, i strømmen av litterær utvikling av den epoken, dukket det opp to trender: en, i kampen for dannelsen av en ny nasjonal litteratur, ble styrt av eldgamle modeller, foretrakk deres erfaring fremfor folketradisjon og lærte unge mennesker å skrive " ifølge Horace" eller "ifølge Aristoteles." Noen ganger, i deres ønske om å være nærmere gamle modeller, forkastet disse "lærde" dikterne til og med rim, som var en udiskutabel prestasjon av europeisk middelalderpoesi. Representanter for en annen bevegelse - blant dem Shakespeare og Lone de Vega - som satte stor pris på gammel litteratur og ofte hentet ut plott og bilder fra dens skattkammer for sine verk, forsvarte fortsatt forfatteren ikke bare retten, men også plikten, først av alt, til å studere og reprodusere i poesi leve livet. Hamlet snakker om dette med skuespillerne, i forhold til scenekunst, og Lone de Vega gjentar det samme i sin avhandling «Om den nye kunsten å skrive komedier». Det er Lipe som direkte uttrykker ideen om behovet for å ta hensyn til folketradisjonen i kunsten. Men Shakespeare, i sonettene sine, som snakker om en viss medskribent som utfordret hans poetiske herlighet, kontrasterer hans "lærte", "utsmykkede" måte med sin egen "enkle" og "beskjedne" stil. Begge bevegelsene som helhet utgjorde en enkelt strøm av humanistisk poesi, og selv om det var interne motsetninger i den, forårsaket av ulike sosiale årsaker i forskjellige land, motarbeidet humanistiske poeter de forfatterne i sin tid som prøvde å forsvare den gamle føydale verdenen, utdatert estetikk normer og gamle poetiske teknikker.

Det femtende århundre brakte mye nytt til italiensk poesi. På dette tidspunktet begynte patrisierfamilier gradvis å ta makten i byene, som ble forvandlet fra handelskommunestater til hertugdømmer og fyrstedømmer. Sønnene til de florentinske rike, for eksempel, det berømte bankhuset til Medici, stolte med humanistisk utdanning, beskyttet kunsten og var ikke fremmede for dem selv. Humanistiske poeter skapte latinsk poesi med utdannede lesere i tankene. Under pennen til slike talenter som Angelo Poliziano ble kulten av galante riddere og vakre damer gjenopplivet for behovene til byens adel. Bykommunen, som forsvarte sine rettigheter fra det tunge grepet til Medici-huset, reagerte på fremveksten av en ny aristokratisk kultur med den raske utviklingen av folkesatiriske sanger og hverdagssanger; Pulci hånet den romantiske forelskelsen i den føydale fortiden i det heroiske diktet «Great Morgant». Men i Firenze og spesielt i Ferrara - festningshovedstaden til hertugene av Este, ble det kjærlighetseventyrlige ridderdiktet gjenopplivet i en oppdatert versjon Greve Matteo Boiardo, og senere, allerede på 1500-tallet, Ferrara-poeten Ludovico Ariosto forteller i elegante oktaver om de uhørte bedriftene og eventyrene til ridderen Roland (Orlando), som forvandlet seg fra middelaldereposets harde helt til en ivrig elsker gal av sjalusi. Ariosto vendte seg til fantasien til forskjellige århundrer og folk, Ariosto skapte et verk der mye foreskygger Don Quijote.

Det siste bidraget til europeisk renessansepoesi kommer fra dikterne på den iberiske halvøy; en avgjørende vending til et nytt verdensbilde og ny kultur skjedde her først ved overgangen til 1400- og 1500-tallet, noe det var grunner til. Først av alt, den langvarige reconquistaen, som krevde anstrengelse av alle styrkene til de adskilte og ofte stridende broderfolkene som bodde på halvøya. Den historiske utviklingen av Spania forløp på en unik måte. Kongemakten hadde ikke et sterkt fotfeste i spanske byer, og selv om den en etter en knuste det opprørske aristokratiet og bykommunene, var det ingen reell statlig og nasjonal forening: de spanske kongene regjerte, og stolte kun på våpenmakten og kirken inkvisisjon. Oppdagelsen av Amerika på slutten av 1400-tallet og beslagleggelsen av dets enorme områder med gull- og sølvgruver i en kort periode førte til en enestående berikelse av Spania, og deretter til et fall i gullprisen og den katastrofale utarmingen av land, der jakten på lettvinte penger fortrengte bekymring for utvikling av håndverk og landbruk. Den spanske makten begynte også å miste sin politiske makt; på slutten av 1500-tallet falt Nederland bort fra den, og i 1588 ble "Invincible Armada" - den spanske flåten sendt for å erobre England - beseiret. Reaksjonen regjerte. Mengder av tiggere og vagabonder strakte seg over landets solbrente jorder og veier, som etter å ha blitt et kongerike av eventyrere og plyndrere, forble på mange måter et føydalt land.

Og likevel blomstret en strålende renessansekultur i Spania. Allerede senmiddelalderens litteratur var her rik og variert. Aragonske, castilianske, andalusiske tradisjoner smeltet sammen til noe nytt, som absorberte innflytelsen fra Galicia med sin skole av trubadurer, og Catalonia, og spesielt Portugal, som allerede på 1400-tallet begynte å kjempe for nye sjøruter og generelt overtok Spania i felten. av kulturell utvikling. Nære kulturelle bånd med Spania ble styrket av et halvt århundre (1580 - 1640) med Portugals underordning under den spanske kronen. Veldig viktig for litteraturen på den iberiske halvøy var deres århundrelange nærhet til litteraturen i den arabiske verden. Gjennom dette nabolaget mottok spanske poeter mange motiver og bilder, spesielt merkbare i romansene på 1400- - 1500-tallet. På den annen side var Spania på den tiden nært forbundet med kongeriket Sicilia, med Venezia, og holdt garnisoner og flåter i mange byer og havner i Italia. Under dannelsen opplevde spansk renessansepoesi den sterkeste og varige innflytelsen fra italiensk poesi. (Det samme gjelder Portugals litteratur)

Romantikere i enhver litteratur i Vest-Europa var etterfølgere og studenter av renessansens mestere. Hennes fullblods, humane kunst fungerte som modell for en rekke progressive poeter på 1900-tallet. En kunstner av sosialistisk realisme, Johannes R. Becher fant det nødvendig å inkludere i sine studier av moderne litteratur "The Lesser Doctrine of the Sonnet", en studie som inneholder en nøye analyse av de seks språklige aspektene ved sonetten: fransk, tysk, engelsk , italiensk, portugisisk og spansk.

Dante, Shakespeare, Lope de Vega, Cervantes, utgitt på mange språk av folkene i USSR, ble ikke bare våre samtidige, men også våre stridskamerater. I likhet med maleriene til renessansekunstnere, kom drama, sanger og dikt av renessansepoeter inn i det sovjetiske folkets kulturliv.

En av renessansens titaner, Giordano Bruno, kalte boken sin: "Dialog om heroisk entusiasme." Dette navnet definerer veldig nøyaktig den åndelige atmosfæren til renessansen, fanget i poesien fra 1300- til 1500-tallet. Denne poesien avslørte menneskets skjønnhet, rikdommen i dets indre liv og det utallige mangfoldet av dets sansninger, viste den jordiske verdens prakt og forkynte menneskets rett til jordisk lykke. Renessanselitteraturen løftet dikterens kall til et høyt oppdrag for å tjene menneskeheten.

4. Renessanseteater

Teater er kunsten å presentere dramatiske verk på scenen. Denne definisjonen av dette konseptet er gitt av Ordbok Ozhegova.

Renessanseteateret er et av de mest slående og betydningsfulle fenomenene i all verdenskulturs historie; dette er en mektig kilde til europeisk teaterkunst – for alle tider. Det nye teatret ble født ut av behovet for å sette ung energi i handling. Og hvis du stiller deg selv spørsmålet om hvilken kunstsfære denne handlingen, dette hav av moro, burde ha resultert i, så er svaret klart: selvfølgelig inn i teatersfæren. Karnevalspillet kunne ikke lenger forbli på sitt forrige stadium av spontan amatøraktivitet og kom inn i kunstens bredder, og ble kreativitet, beriket av opplevelsen av gammel og ny litteratur.

I Italia – for første gang i Europa – inntok profesjonelle skuespillere scenen og overrasket verden med en lys, sterk forestilling, født rett foran øynene til seeren, og fortryllende med sin frihet, spenning, glans og vidd.

Dette var begynnelsen på moderne tiders teaterkunst i Italia. Dette skjedde på midten av 1500-tallet.

Renessanseteateret nådde sitt høydepunkt i England. Nå har han virkelig absorbert alle livets sfærer, trengt inn i dypet av tilværelsen. En mektig gruppe talenter reiste seg som fra undergrunnen. Og århundrets viktigste mirakel var en mann fra Stratford som kom til London for å skrive skuespill for Globe Theatre. Teatrets høylytte navn var rettferdiggjort - verden åpnet seg virkelig i Shakespeares verk: de historiske avstandene fra fortiden var synlige, hovedsannhetene i det nåværende århundre ble avslørt, og på mirakuløst vis, gjennom tidens slør, ble fremtidens konturer synlig.

I renessansens majestetiske æra, i Dante, Leonardo og Michelangelos æra, kunngjorde et lite flagg som flagret over kloden en storslått prestasjon. Shakespeares geni slo sammen alt som tidligere er oppnådd innen drama og på scenen. Nå, på to til tre timer, kunne man på seks til åtte kvadratmeter se verdener og tidsepoker.

Et virkelig flott teater oppsto. Et nytt teater ble født i Italia. Denne fødselen kan ikke tilskrives en strengt definert dato, navn eller arbeid. Det pågikk en lang, multilateral prosess – både på «toppen» og «bunnen» av samfunnet. Det ga et historisk fullstendig resultat først etter det nødvendige treenigheten drama, scene og stort publikum.

Man kan med all sikkerhet si om de første eksperimentene i renessansedrama at de var skapninger av pennen, men ikke av scenen. Etter å ha dukket opp fra litteraturens moderliv, gjorde humanistisk drama, hvis det noen gang forlot bokhyllene, det bare av og til og uten stort håp om scenesuksess. Og enkle folkefarser og improvisasjoner av karnevalsmasker trakk til seg mengder av tilskuere, selv om de ikke hadde en tiendedel av de litterære fortjenestene til skrevne skuespill. Det var på karnevalet at kilden til commedia dell'arte begynte å strømme - denne sanne stamfaren til det nye europeiske teatret. Det må jeg si på det tidlige stadiet av utviklingen av det nye teatret kom den gjensidige fremmedgjøringen av scene og drama til fordel for begge. Drama viste seg å være fri fra primitivene til den farsescene, og scenen, det vil si scenekunsten, blottet for drama og overlatt til seg selv, fikk muligheten til intensivt å utvikle sine egne kreative ressurser.

Pomponios vitenskapelige studio ble den første samlingen av amatører som spilte komediene til Plautus. Karakterer som har vært i en posisjon i mange århundrer litterære helter, gikk over scenen igjen (selv om det sannsynligvis ikke er veldig trygt ennå).

Nyheten om oppdagelsen av den romerske forskeren spredte seg snart over hele Italia. Blant andre briller ble det mote ved domstolene å vise komediene til Plautus. Moten var så stor at Plautus ble spilt på latin i Vatikanet. Imidlertid forsto ikke alle latin, så på slutten av 70-tallet oversatte humanisten Batista Guarini verkene til Plautus og Terence til italiensk.

Vellykket utvikling Komedie ble bestemt av det faktum at det tradisjonelle eldgamle opplegget - kampen til en ung mann for besittelse av sin elskede, bevoktet av strenge foreldre, og triksene til unnvikende og energiske tjenere - viste seg å være praktisk for livlige skisser av moderne liv .

Under karnevalet i 1508 i Ferrara-palasset, viste poeten Ludovico Ariosto sin "Comedy of the Chest".

Og det var som om slusene hadde brutt igjennom og holdt tilbake den livgivende strømmen i lang tid. Året etter dukket Ariostos andre komedie, "The Changelings", opp, og i 1513 demonstrerte kardinal Bibbiena sin "Calandria" i Urbino. I 1514 skrev den tidligere sekretæren for den florentinske republikken, den mest innsiktsfulle Niccolo Machiavelli, tidens beste skuespill - "Mandrake".

Italiensk komedie 1500-tallet utviklet en viss standard for dynamiske plott: de samme situasjonene ble stadig gjentatt her med vikarbarn, jenter i forkledning, tjenertriks, komiske fiaskoer av forelskede gamle menn.

Italienske humanister studerte intensivt arven til Seneca; så kom de greske tragediene Sofokles og Euripides inn i banen for deres interesser. Under påvirkning av disse eldgamle forfatterne ble den italienske tragedien fra renessansen født, det første eksemplet var "Sofonisba" av Giangiorgio Trissino (1515).

Trissino var en dyp ekspert på gammelt gresk teater. Da han komponerte sin egen tragedie, ble han guidet av verkene til Sofokles og Euripides. I "Sofonisbe" ble alle komponentene i gammel tragedie brukt - refrenget, fortrolige, budbringere, det var ingen inndeling i handlinger, lovene til tre enheter og tre skuespillere ble observert. Men tragedien manglet det viktigste - et betydelig sosialt tema, lidenskapenes dynamikk og helhetlig handling.

Det moderne publikum var interessert i den tragiske sjangeren enten i rent akademisk forstand, eller med forventning om å finne mat for «sjokk» her.

Den italienske tragedien ga slik mat i overflod.

Den nye tragedien forsøkte å "fange ånden" til publikum. Faren drepte datterens barn, født fra et hemmelig ekteskap, og presenterte hodet og hendene deres for henne på et fat; den sjokkerte datteren drepte faren sin og stakk seg selv i hjel («Orbecca» av J. Cintio, 1541). En kone forlatt av mannen sin tvang sin rival til å drepe barna hans, hvoretter hun drepte henne og sendte dødshodene til mannen sin; mannen halshugget på sin side sin kones elsker. Mot slutten forgiftet de grusomme ektefellene hverandre (“Dalida” av L. Groto, 1572).

«Skrekktragedier» overveldet med sine blodige scener, uten å vekke tanker, uten å reise spørsmål om meningen med livet og menneskelig ansvar.

I en tid da komedien var på vei ned og tragedien ikke tok kunstens høye vei, vinneren Pastoralen dukket opp på den dramaturgiske arenaen.

Til å begynne med fikk den pastorale retningen sitt mest levende uttrykk i poesi - i verkene til Boccaccio ("Ameto", "The Fiesolan Nymphs") og i tekstene til Petrarkistene. Men snart ble en ny født dramatisk sjanger.

Hvis i tragedien dominerte fatal lidenskap, og i komedien sensuell tiltrekning seiret, så hersket i pastoral "ren kjærlighet", som dukket opp utenfor bestemte livsforbindelser som et slags poetisk ideal.

Teateret i den engelske renessansen er Shakespeare og hans strålende følge: Marlowe, Greene, Beaumont, Fletcher, Champion, Nash, Ben Jonson. Men alle disse etternavnene tilhører deres alder og deres nasjon; Shakespeare, som dypest uttrykte sin tidsånd og sitt folks liv, tilhører alle århundrer og alle folkeslag.

Shakespeare Theatre - Dette er en slags syntese av renessansekultur. Etter å ha definert det mest modne stadiet i denne kulturen, snakket Shakespeare til sin alder og til fremtidige århundrer som på vegne av hele epoken med den «største progressive revolusjonen».

Shakespeares verk var resultatet av utviklingen av det nasjonale engelske teateret. Samtidig oppsummerte den til en viss grad prestasjonene til all tidligere poetisk, dramatisk og scenekultur i antikken og moderne tid. Derfor kan man i Shakespeares dramaer føle det episke omfanget av det homeriske plottet, den titaniske skulpturen av monotragediene til de gamle grekerne og virvelvindspillet av handlingene til den romerske komedien. Shakespeares teater er rikt på den høye lyrikken til de petrarkistiske dikterne. I Shakespeares verk høres stemmene til moderne humanister tydelig, fra Erasmus av Rotterdam til Montaigne.

Den dyptgående utviklingen av det som gikk i arv var den viktigste forutsetningen for fødselen av en ny og mest avansert type renessansedrama, Shakespeares drama.

Konklusjon

Humanismens ideer er det åndelige grunnlaget for blomstringen av renessansekunsten. Renessansens kunst er gjennomsyret av humanismens idealer; den skapte bildet av en vakker, harmonisk utviklet person. Italienske humanister krevde frihet for mennesket. "Men frihet er i forståelsen av den italienske renessansen," skrev eksperten A.K. Dzhivelegov, - betydde en individuell person. Humanismen beviste at en person i sine følelser, i sine tanker, i sin tro ikke er underlagt noen formynderskap, at det ikke skal være noen viljestyrke over ham, som hindrer ham i å føle og tenke som han vil." I moderne vitenskap er det ingen entydig forståelse av renessansehumanismens natur, struktur og kronologiske rammeverk. Men selvfølgelig bør humanisme betraktes som det viktigste ideologiske innholdet i renessansens kultur, uatskillelig fra hele løpet av den historiske utviklingen av Italia i epoken med begynnelsen av nedbrytningen av føydalen og fremveksten av kapitalistiske relasjoner. Humanisme var en progressiv ideologisk bevegelse som bidro til etableringen av et kulturmiddel, hovedsakelig basert på den gamle arven. Italiensk humanisme gikk gjennom en rekke stadier: dannelse på 1300-tallet, den lyse oppblomstringen av det neste århundre, intern omstrukturering og gradvis tilbakegang på 1500-tallet. Utviklingen av den italienske renessansen var nært forbundet med utviklingen av filosofi, politisk ideologi, vitenskap og andre former for sosial bevissthet og hadde på sin side en kraftig innvirkning på den kunstneriske kulturen i renessansen.

Humanitær kunnskap, gjenopplivet på gammelt grunnlag, inkludert etikk, retorikk, filologi, historie, viste seg å være hovedsfæren i dannelsen og utviklingen av humanismen, hvis ideologiske kjerne var læren om mennesket, dets plass og rolle i naturen og samfunnet. Denne undervisningen utviklet seg først og fremst innen etikk og ble beriket på ulike områder av renessansekulturen. Humanistisk etikk aktualiserte problemet med menneskets jordiske skjebne, oppnåelsen av lykke gjennom egen innsats. Humanister tok en ny tilnærming til spørsmål om sosial etikk, i løsningen som de stolte på ideer om kraften i menneskelig kreativitet og vilje, om hans brede muligheter for å bygge lykke på jorden. De anså harmonien mellom individets og samfunnets interesser som en viktig forutsetning for suksess, de fremmet idealet om individets frie utvikling og den uløselig forbundne forbedringen av den sosiale organismen og den politiske orden. Dette ga mange av de italienske humanistenes etiske ideer og læresetninger en uttalt karakter.

Mange problemer utviklet i humanistisk etikk får ny mening og spesiell relevans i vår tid, da de moralske insentiver av menneskelig aktivitet utfører en stadig viktigere sosial funksjon.

Det humanistiske verdensbildet ble en av de største progressive prestasjonene i renessansen, som hadde sterk innflytelse på den påfølgende utviklingen av europeisk kultur.

Reformasjonen spilte en viktig rolle i dannelsen av verdenssivilisasjonen. Uten å forkynne noe spesifikt sosiopolitisk ideal, uten å kreve en nyinnspilling av samfunnet i en eller annen retning, uten å gjøre noen vitenskapelige oppdagelser eller prestasjoner på det kunstneriske og estetiske området, endret reformasjonen menneskets bevissthet og åpnet nye åndelige horisonter for det. . Mennesket fikk friheten til å tenke selvstendig, frigjorde seg fra kirkens veiledning, fikk den høyeste sanksjonen for seg - religiøs, slik at bare hans egen fornuft og samvittighet dikterte ham hvordan han skulle leve. Reformasjonen bidro til fremveksten av mennesket i det borgerlige samfunnet – et selvstendig, autonomt individ med frihet til moralsk valg, uavhengig og ansvarlig i sine vurderinger og handlinger.

Liste over brukt litteratur

1. L.M. Bragina "Sosiale og etiske syn på italienske humanister" (II halvdel av 1400-tallet) Moscow State University Publishing House, 1983

2. Fra middelalderens og renessansens kulturhistorie. Forlag "Science", M 1976

3. 5 0 biografier om mestere i vesteuropeisk kunst. Forlag "Sovjetkunstner", Leningrad 1965

4. Garei E. Problemer med den italienske renessansen. - M., 1996.

5. Fremmedlands kunsthistorie. - M., 1998.

6. Kulturologi. Verdenskulturhistorie: Lærebok for universiteter / Red. prof. A.N. Markova. - M, 1995.

7. Kulturologi. Teori og kulturhistorie: Lærebok. - M.: Society "Knowledge" of Russia, CINO, 1996.

8. Losev L.F. Renessanseestetikk. - M., 1993.

9. Polikarpov V.S. Forelesninger om kulturvitenskap. - M.: "Gardarika", "Expert Bureau", 1997.

Renessansekunst

Graduate arbeid

Elev 4"E" klasse

Kunstskole nr. 2

Galaider av Yura

Introduksjon................................................. ...................................... 3

1. Italiensk renessanse...................................3

2. Nordrenessansen......................................5

3. Nederland................................................ ..................9

Konklusjon................................................. ............. 1. 3

Detaljer om artistene:

1.Leonardo da Vinci…………………………………14

2. Rafael Santi………………………………………….19

3. Michelangelo Buonarroti…………………………..24

Introduksjon.

I middelalderen opplevde Europa raske endringer i livets økonomiske, sosiale og religiøse sfærer, som ikke kunne annet enn å føre til endringer i kunsten. Når som helst med endring, prøver en person å revurdere verden rundt seg, en smertefull prosess med "revaluering av alle verdier" finner sted, ved å bruke det populære uttrykket til F. Nietzsche.

Disse oppdragene manifesteres primært og mest ekspressivt i kunstenes verk, som i likhet med de fineste stemmegaflene resonerer med den ustabile verden rundt dem og vever en symfoni av følelser inn i verkene deres.

I middelalderen ble derfor Italia, Tyskland, Nederland og Frankrike fokus for slike endringer. La oss prøve å finne ut hva som faktisk skjedde i disse landene på den tiden fjernt fra oss, hvilke tanker som ble opptatt av tankene til tenkere fra svunne dager, la oss prøve gjennom kunstverk å forstå essensen av fenomenene fra den tiden kalt " Renessanse».

1. Italiensk renessanse.

På grunn av renessansens overgangskarakter er den kronologiske rammen for denne historiske perioden ganske vanskelig å etablere. Hvis vi tar utgangspunkt i trekkene som senere vil bli indikert (humanisme, antroposentrisme, modifikasjon av den kristne tradisjonen, gjenoppliving av antikken), vil kronologien se slik ut: Proto-renessanse (Ducento og Trecento - XII-XIII - XIII- XIV århundrer), tidlig renessanse (Quattrocento XIV-XV århundrer), høyrenessanse (Cinquecento XV-XVI århundrer).

Den italienske renessansen er ikke en pan-italiensk bevegelse, men en serie av enten samtidige eller vekslende bevegelser i forskjellige sentre i Italia. Fragmenteringen av Italia var ikke den siste grunnen her. Renessansens trekk ble mest fullstendig manifestert i Firenze og Roma. Milano, Napoli og Venezia opplevde også denne epoken, men ikke så intenst som Firenze.

Begrepet "renessanse" ble introdusert av tenkeren og kunstneren fra epoken selv, Giorgio Vasari ("Biografier om kjente malere, skulptører og arkitekter"). Slik kalte han tiden fra 1250 til 1550. Fra hans ståsted var det på tide gjenoppliving av antikken. For Vasari fremstår antikken som et idealbilde.

Deretter utviklet innholdet i begrepet seg. Vekkelsen begynte å bety frigjøring av vitenskap og kunst fra teologi, en avkjøling mot kristen etikk, fremveksten av nasjonal litteratur og en persons ønske om frihet fra den katolske kirkes restriksjoner. Det vil si at renessansen i hovedsak kom til å bety humanisme.

Hvorfor var det et så tydelig fokus på mennesket i renessansens kultur og estetikk? Fra et sosiologisk synspunkt ble urban kultur årsaken til menneskelig uavhengighet og hans voksende selvbekreftelse. I byen, mer enn noe annet sted, oppdaget folk fordelene ved et normalt, vanlig liv.

Dette skjedde fordi byboere var mer selvstendige mennesker enn bønder. Opprinnelig ble byene bebodd av ekte håndverkere, mestere, fordi de, etter å ha forlatt bondeøkonomien, forventet å leve bare av sine håndverksferdigheter. Driftige mennesker fylte også opp antallet urbane innbyggere. Virkelige omstendigheter tvang dem til å stole bare på seg selv og dannet en ny holdning til livet.

Enkel vareproduksjon spilte også en betydelig rolle i dannelsen av en spesiell mentalitet. Følelsen av en eier som både produserer og disponerer inntekter selv bidro absolutt også til dannelsen av en spesiell uavhengig ånd for de første innbyggerne i byer.

Italienske byer blomstret ikke bare av disse grunnene, men også på grunn av deres aktive deltakelse i transitthandel. (Rivaliseringen mellom byer som konkurrerer på det utenlandske markedet var til og med en av årsakene til fragmenteringen av Italia). På 8-900-tallet ble Middelhavet igjen et samlingspunkt for handelsruter. Alle kystbeboere, ifølge den franske historikeren F. Braudel, hadde godt av dette. Dette forklarer i stor grad at byer som ikke hadde tilstrekkelig naturlige ressurser, hadde fremgang. De koblet kystlandene med hverandre. Korstogene spilte en spesiell rolle i å berike byer.

Så, urban kultur skapte nye mennesker, dannet en ny holdning til livet, skapte en atmosfære der gode ideer og gode verk ble født. Men ideologisk ble alt dette formalisert på elitenivå. Vanlige innbyggere var langt fra ideologisk utformet sitt verdensbilde.

Det nye fremvoksende verdensbildet om mennesket trengte ideologisk støtte. Antikken fungerte som en slik støtte. Selvfølgelig var det ingen tilfeldighet at innbyggerne i Italia henvendte seg til det, fordi denne halvøya, fremtredende i Middelhavet, ble bebodd for mer enn tusen år siden av representanter for en svunnen gammel (romersk) sivilisasjon. " Den mest appellerer til klassikeren antikken forklares med noe mer enn behovet for å finne støtte for nye sinnsbehov og nye livsambisjoner.»– Den russiske historikeren N. Kareev skrev på begynnelsen av århundret.

Så renessansen er en appell til antikken. Men hele kulturen i denne perioden beviser nok en gang at det ikke finnes noen renessanse i sin rene form, ingen renessanse som sådan. Renessansetenkere så hva de ville i antikken. Derfor er det ikke tilfeldig at nyplatonismen gjennomgikk en spesiell intellektuell utvikling i denne epoken. A.F. Losev viser briljant i sin bok "Aesthetics of the Renaissance" årsakene til den spesielle utbredelsen av dette filosofiske konseptet i den italienske renessansens tid. Gammel (egentlig kosmologisk) neoplatonisme kunne ikke unngå å tiltrekke oppmerksomheten til vekkelser med ideen om emanasjon (opprinnelse) av guddommelig mening, ideen om metning av verden (kosmos) med guddommelig mening, og til slutt ideen av den Ene som den mest konkrete utformingen av liv og eksistens.

Gud kommer nærmere mennesket. Han blir tenkt på panteistisk (Gud er smeltet sammen med verden, han åndeliggjør verden). Det er derfor verden tiltrekker seg en person. Menneskelig forståelse av en verden fylt med guddommelig skjønnhet blir en av renessansens ideologiske hovedoppgaver.

Karakter skjønnlitteratur Renessanse.

Den beste måten å forstå guddommelig skjønnhet oppløst i verden er med rette anerkjent som et verk av menneskelige følelser. Derfor er det en stor interesse for visuell persepsjon, derav blomstringen av romlige former for kunst (maleri, skulptur, arkitektur.). Tross alt er det nettopp disse kunstene, i henhold til overbevisningen til renessansefigurene, som gjør det mulig å fange guddommelig skjønnhet mer nøyaktig. Derfor har renessansens kultur en distinkt kunstnerisk karakter.

Blant vekkelseistene er interessen for antikken forbundet med en modifikasjon av den kristne (katolske) tradisjonen. Takket være innflytelsen fra neoplatonismen blir den panteistiske tendensen sterk. Dette gir unikhet og originalitet til kulturen i Italia på 1300- og 1500-tallet. Vekkelsen tok et nytt blikk på seg selv, men mistet ikke troen på Gud. De begynte å innse at de var ansvarlige for deres skjebne, betydningsfulle, men samtidig sluttet de ikke å være mennesker i middelalderen.

Renessansekulturens motstridende natur: gleden ved selvbekreftelse og verdensbildets tragedie. Tilstedeværelsen av disse to kryssende trendene (antikken og modifikasjon av katolisismen) bestemte den motstridende naturen til renessansens kultur og estetikk. På den ene siden lærte renessansemannen gleden ved selvbekreftelse, på den andre siden skjønte han tragedien i sin eksistens. Både det ene og det andre henger sammen i renessansemenneskets verdensbilde med Gud.

Opprinnelsen til tragedien til arbeidet til renessansekunstnere er overbevisende vist av den russiske filosofen N. Berdyaev. Kollisjonen mellom eldgamle og kristne prinsipper forårsaket en dyp splittelse av mennesket, understreket han. Renessansens store kunstnere var besatt av å bryte inn i en annen, transcendental verden. Drømmen om det var allerede gitt mennesket av Kristus. Kunstnerne var fokusert på å skape en annen tilværelse, de følte i seg selv krefter som ligner på Skaperens krefter; satte seg i hovedsak ontologiske oppgaver. Imidlertid var disse oppgavene åpenbart umulige å gjennomføre i jordelivet, i kulturens verden. Kunstnerisk kreativitet, som ikke er forskjellig i sin ontologiske, men i sin psykologiske natur, løser ikke og kan ikke løse slike problemer. Kunstnernes tillit til antikkens prestasjoner og deres aspirasjon til den høyere verden åpnet av Kristus er ikke sammenfallende. Dette fører til et tragisk verdensbilde, til vekkelsesmelankoli. Berdyaev skriver: «Renessansens hemmelighet er at den mislyktes. Aldri før har slike kreative krefter blitt sendt til verden, og aldri før har samfunnets tragedie blitt så åpenbart.»

Den italienske renessansens kultur ga verden en galakse av strålende skikkelser som beriket verdenskulturens skattkammer uendelig. Blant dem er det nødvendig å nevne navnene til Dante Alighieri (1265-1321), maleren Giotto di Bondone (1266-1337), den humanistiske poeten Francesco Petrarch (1304-1374), poeten, den humanistiske forfatteren Giovanni Boccaccio (1313- 1375), arkitekten Filippo Brunelleschi, billedhuggeren Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi (1386-1466), maleren Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Guidi (1401-1428), den humanistiske forfatteren Lorenzo Vallu (1407-1457), den humanistiske forfatteren Pico della Mirandola (1463-1494), humanistisk filosof Marsilio Ficino (1433-1499), maler Sandro Botticelli (1445-1510), maler, vitenskapsmann Leonardo da Vinci (1452-1519), maler, skulptør, arkitekt (56475rot) ), maler Giorgione (1477-1510), maler Tiziano Vecellio eller Cadore (1477-1566), maler Raphael Santi (1484-1520), maler Jacopo Tintoretto (1518-1594) og mange andre.

2. Nordrenessansen.

Den "nordlige renessansen" betyr vanligvis kulturen på 1400- og 1500-tallet i europeiske land nord for Italia.

Dette begrepet er ganske vilkårlig. Det brukes i analogi med den italienske renessansen, men hvis det i Italia hadde en direkte original betydning - gjenopplivingen av tradisjoner eldgammel kultur, så i andre land, i hovedsak, ble ingenting "gjenfødt": det var få monumenter og minner fra antikken. Kunsten i Nederland, Tyskland og Frankrike (de viktigste sentrene i den nordlige renessansen) på 1400-tallet utviklet seg som en direkte fortsettelse av gotikken, som dens interne utvikling mot "verdslig". Slutten av 1400- og 1500-tallet var en tid med enorme omveltninger for europeiske land, den mest dynamiske og turbulente epoken i deres historie. Utbredte religionskriger, kampen mot dominansen til den katolske kirke - reformasjonen, som vokste i Tyskland til en storslått bondekrig, revolusjon i Nederland, dramatisk intensiteten på slutten av hundreårskrigen mellom Frankrike og England, de blodige feidene til katolikker og huguenotter i Frankrike. Det ser ut til at klimaet i epoken ikke var særlig gunstig for dannelsen av klare og majestetiske former for høyrenessansen i kunsten. Og faktisk: gotisk spenning og feber i den nordlige renessansen forsvinner ikke. Men med på på den andre siden sprer humanistisk utdanning seg og attraktiviteten til italiensk kunst øker. Fusjonen av italienske påvirkninger med originale gotiske tradisjoner utgjør originaliteten til den nordlige renessansestilen.

Hovedårsaken til at begrepet "renessanse" gjelder for hele den europeiske kulturen i denne perioden, er fellesskapet mellom interne tendenser i den kulturelle prosessen. Det vil si i den utbredte veksten og utviklingen av den borgerlige humanismen, i svekkelsen av det føydale verdensbildet, i individets voksende selvbevissthet.

Økonomiske faktorer spilte en betydelig rolle i dannelsen av den tyske renessansen: utviklingen av gruvedrift, trykking og tekstilindustrien. Den stadig dypere penetrasjonen av vare-penger-forhold i økonomien og inkludering i pan-europeiske markedsprosesser påvirket store folkemasser og endret deres bevissthet.

For dannelsen av renessansens verdensbilde i de romanske landene i Sør-Europa var innflytelsen fra den antikke arven av enorm betydning. Den satte idealer og eksempler på en lys, livsbekreftende karakter. Innflytelsen fra gammel kultur for den nordlige renessansen er ubetydelig; den ble oppfattet indirekte. Derfor er det i de fleste av dens representanter lettere å oppdage spor av ikke helt foreldet gotisk enn å finne antikke motiver. I Tyskland, fragmentert i hundrevis av bittesmå føydale stater, fantes det et samlende prinsipp: hat mot den katolske kirke, som påla landet skatter og tyngende regler for åndelig liv. Derfor er en av hovedretningene i kampen for «Guds rike på jorden» kampen med pavedømmet for å reformere kirken. Sør-Europa vil i mye mindre grad bli påvirket av reformasjonsprosesser.

Martin Luthers oversettelse av Bibelen til tysk kan betraktes som den sanne begynnelsen på den nordlige renessansen. Dette arbeidet varte i tjue år, men noen fragmenter ble kjent tidligere. Luthers bibel skaper en æra, for det første i det tyske språket: den blir grunnlaget for et enkelt tysk språk; for det andre danner den en presedens for oversettelse av Bibelen til et moderne litterært språk, og dens oversettelser til engelsk, fransk og andre vil snart følge.

Lutheranismens ideer forener de mest progressive kretsene i Tyskland: slike humanistiske tenkere som Philip Melanchthon, kunstnerne Dürer og Holbein, prest og leder av folkebevegelsen Thomas Munter er også involvert i den.

Renessanselitteratur i Tyskland stolte på arbeidet til Meistersinger. De mest perfekte eksemplene på poesi på den tiden ble presentert av etterfølgeren til disse folketradisjonene, Hans Sachs. Erasmus av Rotterdam ble en fremragende prosaforfatter fra den nordlige renessansen. Hans beste bok The Praise of Folly ble utgitt i 1509.

Blant typene kunstnerisk virksomhet var maleriet ledende - som i den italienske renessansen. Den første i rekken av store mestere i denne perioden bør hete Hieronymus Bosch. Arbeidene hans oppsummerer prestasjonene til middelaldermaleriet og fungerer som en prolog til renessansen. I Boschs malerier, for det meste skrevet om religiøse emner, er kombinasjonen av mørke middelalderfantasier og symboler med elementer av folklore og presise realistiske detaljer slående. Og selv de mest forferdelige allegorier er skrevet med en så utrolig folkefarge at de gjør et livsbekreftende inntrykk. Ingen av de etterfølgende malermesterne over hele verden vil male slike fantastiske bilder som grenser til galskap, men innflytelsen fra H. Bosch vil merkes på 1900-tallet i surrealistenes arbeid.

Nordrenessansens største mester i kunst Albrecht Durer var. Han etterlot seg en kolossal arv: malerier, grafiske arbeider, artikler, korrespondanse.

Dürers arbeid var påvirket av italienske mestere: han elsket å besøke Italia, spesielt Venezia. Imidlertid ligger det spesifikke ved Albrecht Dürers visjon om verden i søket etter muligheten til å reflektere verden mest objektivt; italiensk idealiserende realisme var fremmed for ham; han søkte å oppnå fullstendig autentisitet fra maleri og tegning. Selvportrettene hans er gjennomsyret av denne patosen, spesielt blyantene i brev til broren; dette inkluderer også portrettet av moren før hennes død.

Man kan prøve å forstå dybden i Dürers grafikk gjennom å tyde middelaldersymbolene som han faktisk brukte. Men vi må lete etter ledetråder til disse fascinerende bildene i reformasjonens tid. Kanskje gjenspeilte arkene med graveringene hans tydeligst styrken til ånden til folket på denne tiden, deres vilje til å avvise enhver fristelse, deres triste oppspinn om det triste resultatet av krigen. Det er akkurat dette du tenker på når du ser på hans "Horseman of the Apocalypse", "Melancholia".

Det er en lyrisk begynnelse i Dürers verk. Dette inkluderer det mest delikat fargede maleriet «The Feast of Pink Wreaths», graveringssyklusen «The Life of Mary», som inspirerte Rilkes diktsyklus på 1800-tallet. På 1900-tallet skapte komponisten Hindemith en syklus av romanser basert på disse diktene.

Høydepunktet i Albrecht Durers kreativitet var det grandiose bildet av de fire apostlene, en sann hymne til mennesket, et av de mest slående uttrykkene for renessansehumanismen.

Iboende fra denne epoken er arbeidet til Lucas Cranach den eldste. Hans madonnaer og andre bibelske heltinner er åpenbare byboere og samtidige til kunstneren. Et av hans beste verk er den nyskapende skrevne «Crucifixion». Den skarpt asymmetriske komposisjonen, uvanlige vinklene til tradisjonelle figurer og fargerikdommen gir inntrykk av forvirring og et forvarsel om sosial omveltning. Mathis Niethard, også kjent som Grunewald (1470-75 - 1528), overrasker med rikdommen og lysstyrken til religiøse fantasier, ekstase og oppfinnsom komposisjon. Grunewalds hovedverk er Isenheim-alteret. Bildet av Maria med babyen er innskrevet i en festlig komposisjon med flere figurer med engler som spiller musikkinstrumenter for dem. I motsetning til denne lyse scenen er «The Crucifixion» skrevet, mørk og naturalistisk. Bildet av Kristus allmuen, som gikk mye barbeint, avmagret, nær smerte, er assosiert med deltakere i bondekrigen.

En av de beste portrettmalerne i denne perioden kan betraktes som Gais Holbein den yngre (1497-1543). Han eier portretter av Erasmus av Rotterdam og astronomen Nicholas Kratzer, Thomas More og Jane Seymour, og tolker bildene av samtidige som mennesker fulle av verdighet, visdom og behersket åndelig styrke. Han skapte også fantastiske illustrasjoner til Bibelen og «In Praise of Folly», og en serie graveringer, «Dødsdanser».

Arbeidet til lederen for Donau-malerskolen, Albrecht Altdorfer (1480-1538), ble også kjent for sin unike individualitet. Han har prioritet i dannelsen av landskapssjangeren. Imidlertid forblir hans mest interessante maleri "Slaget ved Alexander og Darius" (1529). Kampscenen på jorden gjenspeiles av den konkurrerende solen, månen og skyene på himmelen. Maleriet er fylt med mange dekorative detaljer, utsøkt i farger og herlig i sin maleriske dyktighet. I tillegg er dette en av de første kampscenene malt i olje, så Altdorfer kan betraktes som grunnleggeren av en annen malerisjanger.

Tiden for den nordlige renessansen var kortvarig. Trettiårskrigen forstyrret denne prosessen og forsinket utviklingen av tysk kultur. Men det har forblitt i historien som en utrolig integrert epoke, som en klubb av genier, mestere av ord og maleri, som kommuniserer med hverandre, deltar i en felles kamp, ​​reiser, maler fantastiske portretter av hverandre og er gjensidig inspirert av ideer. Engasjementet fra folkene i de nordlige landene i den pan-europeiske kulturprosessen begynte under den nordlige renessansen.

3. Nederland.

Det lille landet, som inkluderte territoriet til dagens Belgia og Holland, var bestemt til å bli Italias mest levende senter for europeisk kunst på 1400-tallet. De nederlandske byene, selv om de ikke var politisk uavhengige, hadde lenge vokst seg rikere og sterkere, drevet omfattende handel og utviklet deretter produksjonsproduksjonen av tekstiler, tepper og glass. Stort senter internasjonal handel var det gamle Brugge, kanalenes poetiske by; på slutten av 1400-tallet døde den ut, og mistet forrang til det livlige Antwerpen.

Den gotiske arkitekturen i Nederland er ikke bare templer, men enda flere rådhus, bymurer og tårn, handelshus

Og håndverkslaug, handlehaller, varehus og til slutt bolighus av en karakteristisk, veletablert type: med smale fasader og høye trekantede eller trappegavler.

Siden kirker ble bygget mer av tegl enn av stein, fikk kirkeskulpturen ikke mye utvikling. Klaus Sluter og hans elever forble et strålende unntak i nederlandsk kultur. Hennes største kunstneriske styrke manifesterte seg på en annen måte tilbake i middelalderen - i miniatyrmaleriet. På 1400-tallet nådde miniatyrmaleriet en høy grad av perfeksjon, som man kan se fra den berømte timeboken til hertugen av Berry, illustrert av brødrene Limburg.

Det kjærlige, flittige, poetiske blikket på verden ble arvet fra miniatyren av det store maleriet på 1400-tallet, startet av Jan van Eyck. Små bilder som dekorerte manuskripter vokste til store malerier som dekorerte alterdører. Samtidig dukket det opp nye kunstneriske kvaliteter. Noe dukket opp som ikke kunne eksistere i miniatyr: det samme intense, konsentrerte blikket på personen, på ansiktet hans, inn i dypet av øynene.

I Eremitasjen er det et maleri av den store nederlandske mesteren Rogier van der Weyden "St. Luke maler Madonna» (evangelisten Luke ble ansett som en kunstner og beskytter av malerlauget). Mye av det er typisk for komposisjonene som er elsket av nederlenderne: et panorama av byen og kanalen, malt så liten, ømt og forsiktig, med to ettertenksomme menneskefigurer på broen. Men det mest bemerkelsesverdige er ansiktet og hendene til Luke, som maler Madonnaen «fra livet». Han har et spesielt uttrykk - det forsiktig og ærbødig lyttende uttrykket til en person som er fullstendig fortapt i kontemplasjonen. Slik så de gamle nederlandske mesterne på naturen.

La oss gå tilbake til Jan van Eyck. Han startet som miniatyrist, og jobbet sammen med sin eldre bror Hubert. Tradisjonen krediterte van Eyck-brødrene oppfinnelsen av teknologi oljemaleri; dette er unøyaktig - metoden for å bruke vegetabilske oljer som bindemiddel var kjent før, men van Eycks forbedret den og satte fart på spredningen. Olje erstattet snart tempera

Oljemaling blir mørkere over tid. De gamle maleriene som vi ser på museer så annerledes ut da de dukket opp, mye lysere og lysere. Men Van Eycks malerier har virkelig uvanlige tekniske kvaliteter: fargene blekner ikke og beholder sin friskhet i århundrer. De nesten gløder, minner om gløden til glassmalerier.

Det mest kjente verket til van Eycks - den store Ghent-altertavlen - ble påbegynt av Hubert, og etter hans død ble det videreført og fullført i 1432 av Jan. Dørene til det grandiose alteret er malt i to lag, både innvendig og utvendig. På yttersidene er det en kunngjøring og knelende figurer av givere (kunder): slik så alteret ut stengt på hverdager. På helligdager svingte dørene opp, når de ble åpnet, ble alteret seks ganger større, og før sognemedlemmene oppsto, i all utstrålingen av Van Eycks farger, et skue som i helheten av sine scener skulle legemliggjøre ideen om soning for menneskelige synder og fremtidig opplysning. Øverst i midten er Deesis - Gud Faderen på tronen med Maria og døperen Johannes på hver side. Disse figurene er større enn menneskelig størrelse. Deretter nakne Adam og Eva i menneskelig størrelse og grupper av engler som spilte musikk og sang. I det nedre sjiktet er det en overfylt scene for tilbedelsen av Lammet, utformet i mye mindre skala, veldig romlig, blant et bredt blomstrende landskap, og på sidedørene er det prosesjoner av pilegrimer. Handlingen om tilbedelsen av Lammet er hentet fra «Johannes åpenbaring», som sier at etter slutten av den syndige verden, vil Guds by komme ned på jorden, hvor det ikke vil være natt, men det vil være evig lys, og livets elv «lys som krystall», og livets tre, som hver måned gir frukt, og byen er «rent gull, som gjennomsiktig glass». Lammet er et mystisk symbol på apoteosen som venter på de rettferdige. Og tilsynelatende prøvde kunstnerne å legge inn i maleriene til Gent-alteret all sin kjærlighet til jordens skjønnhet, for menneskelige ansikter, til gress, trær, vann, for å legemliggjøre den gyldne drømmen om deres evighet og uforgjengelighet.

Jan van Eyck var også en fremragende portrettmaler. I det sammenkoblede portrettet av Arnolfini-ektefellene, som han malte, bildet vanlige folk, kledd på datidens ganske pretensiøse måte, i et vanlig rom med en lysekrone, en baldakin, et speil og en fanghund virker som et slags vidunderlig sakrament. Han ser ut til å tilbe lyset fra et stearinlys, rødmen av epler og et konvekst speil; han er forelsket i alle trekk ved det bleke, lange ansiktet til Arnolfini, som holder hånden til sin saktmodige kone som om han utførte en hemmelig seremoni. Både mennesker og gjenstander - alt frøs i høytidelig forventning, i ærbødig alvor; alle ting har en skjult mening, og antyder helligheten til ekteskapsløftet og ildstedet.

Slik begynte hverdagsmaleriet av borgerne. Denne subtile samvittigheten, kjærligheten til trøst, nesten religiøs tilknytning til tingenes verden. Men jo lenger vi kom, jo ​​mer prosa dukket opp og poesien trakk seg tilbake. Aldri mer ble borgerlivet skildret i slike poetiske toner av hellighet og verdighet.

De tidlige borgerne i de nordlige landene var heller ikke så «borgerlig begrenset» som deres senere etterkommere. Riktignok er omfanget og allsidigheten til italienerne uvanlig for ham, men selv på en smalere skala av verdensbilde er ikke borgeren fremmed for en spesiell form for beskjeden storhet. Tross alt var det han, borgeren, som skapte byene, han forsvarte deres frihet fra føydalherrene, og han måtte fortsatt forsvare den fra fremmede monarker og den grådige katolske kirken. På borgernes skuldre lå store historiske gjerninger som formet ekstraordinære karakterer, som i tillegg til økt respekt for materielle verdier, også utviklet utholdenhet, bedriftsmessig samhold, lojalitet til plikt og ord, og en følelse av egenverd. Som Thomas Mann sier, var borgeren "en gjennomsnittlig mann i den høyeste forstand av konseptet."

Denne definisjonen gjelder ikke for italienerne fra renessansen: de følte seg ikke som gjennomsnittlige mennesker, selv i høy forstand. Arnolfini, portrettert av Jan van Eyck, var en italiener som bodde i Nederland; Hvis det hadde vært malt av en landsmann, ville nok portrettet vært annerledes i ånden. En dyp interesse for personlighet, i dens utseende og karakter - dette samler kunstnerne fra den italienske og nordlige renessansen. Men de er interessert i det på forskjellige måter og ser forskjellige ting i det. Nederlenderne har ikke en følelse av titanisme og allmakt av den menneskelige personlighet: de ser dens verdi i borgerlig integritet, i kvaliteter, blant hvilke ikke den minste plass er okkupert av ydmykhet og fromhet, bevisstheten om ens litenhet i møte med universet, selv om selv i denne ydmykheten ikke individets verdighet forsvinner, og til og med som om det ble understreket.

I midten og andre halvdel av 1400-tallet arbeidet mange utmerkede malere i Nederland: den allerede nevnte Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth sint Jans. Deres kunstneriske individualitet er ganske tydelig å skille, men ikke med samme grad av uttrykk for individuell stil som de italienske kvattrosentistene. De malte hovedsakelig altere og malte portretter, og malte også staffelimalerier på oppdrag fra velstående byfolk. Deres komposisjoner, gjennomsyret av en mild, kontemplativ stemning, har en spesiell sjarm. De elsket julens utspill og tilbedelsen av babyen; de løste disse planene subtilt og finurlig. I "The Adoration of the Shepherds" av Hugo van der Goes er babyen mager og ynkelig, som ethvert nyfødt barn, de rundt ham ser på ham, hjelpeløs og skjev, med dyp følelsesmessig ømhet, Madonnaen er stille, som en nonne , hever ikke blikket, men man føler at hun er full av beskjedenhet morskapets stolthet. Og utenfor barnehagen kan man se landskapet i Nederland, bredt, kupert, med svingete veier, sparsomme trær, tårn, broer.

Det er mye som berører her, men det er ingen sødme: Formenes gotiske kantethet og noe av stivheten er merkbar. Ansiktene til van der Goes' gjetere er karakteristiske og stygge, som vanlig i gotiske verk. Selv engler er ikke vakre.

Nederlandske kunstnere skildrer sjelden mennesker med vakre, regelmessige ansikter og figurer, og dette skiller seg også fra italienske. Den enkle betraktningen om at italienerne, direkte etterkommere av romerne, generelt var vakrere enn de bleke og deigete sønnene i nord, kan selvfølgelig tas i betraktning, men hovedårsaken er ikke dette, men forskjellen i generelt kunstnerisk konsept. Italiensk humanisme er gjennomsyret av patosen til det store i mennesket og en lidenskap for klassiske former, nederlenderne poetiserer "gjennomsnittsmannen", de bryr seg lite om klassisk skjønnhet og harmoniske proporsjoner.

Nederlenderne har en lidenskap for detaljer. De er bærere av hemmelig betydning for dem. En lilje i en vase, et håndkle, en tekanne, en bok - alle detaljene, i tillegg til de direkte, har også en skjult betydning. Ting er avbildet med kjærlighet og virker åndelige.

Respekt for seg selv, for ens hverdag, for tingenes verden ble brutt gjennom et religiøst verdensbilde. Slik var ånden i de protestantiske reformene, under tegnet som den nederlandske renessansen fant sted.

Mindre antropomorf oppfatning sammenlignet med italienerne, overvekt av det panteistiske prinsippet og direkte kontinuitet fra gotisk gjenspeiles i alle komponenter i stilen til nederlandsk maleri. Blant de italienske kvattrosentistene, trekker enhver komposisjon, uansett hvor rik på detaljer den er, mot mer eller mindre streng tektonikk. Gruppene er bygget som et basrelieff, det vil si at kunstneren vanligvis prøver å plassere hovedfigurene på en relativt smal frontplattform, i et klart definert lukket rom; han balanserer dem arkitektonisk, de står stødig på beina: Vi finner alle disse trekkene i Giotto. Nederlenderne har komposisjoner som er mindre lukkede og mindre tektoniske. De tiltrekkes av dybde og avstand, romfølelsen er mer livlig, luftigere enn i italiensk maleri. Figurene er mer lunefulle og ustødige, deres tektonikk blir forstyrret av de vifteformede, ødelagte brettene på klærne som divergerer nedover. Nederlenderne elsker linjespill, men linjene deres tjener ikke skulpturelle formål med å bygge volum, men snarere dekorative.

Nederlenderne har ikke en klar vekt på midten av komposisjonen eller en sterk vekt på hovedfigurene. Kunstnerens oppmerksomhet er spredt over en rekke motiver, alt virker fristende for ham, og verden er mangfoldig og interessant. Noen scene i bakgrunnen hevder å være en egen plotkomposisjon.

Til slutt dukker det opp en type komposisjon der det ikke er noe sentrum i det hele tatt, og rommet fylles med mange likeverdige grupper og scener. Samtidig er det viktigste tegn noen ganger havner de i et hjørne et sted.

Lignende komposisjoner finnes på slutten av 1400-tallet av Hieronymus Bosch. Bosch er en bemerkelsesverdig unik kunstner. Han kombinerer ren nederlandsk oppmerksomhet og observasjon med en usedvanlig produktiv fantasi og veldig mørk humor. En av favoritthistoriene hans er «The Temptation of St. Anthony», der en eremitt er beleiret av djevler. Bosch befolket maleriene sine med legioner av små, krypende, fryktlignende skapninger. Det blir helt skummelt når du legger merke til menneskelige kroppsdeler på disse monstrene. Hele dette kuriositetsskapet til merkelige demoner skiller seg betydelig fra middelalderske kimærer: de var mer majestetiske og ikke på langt nær så skumle. Apoteosen til Boschiansk demonologi er hans "musikalske helvete", som ligner på en torturhage: nakne mennesker, blandet med monstre som klatrer på dem fra alle kanter, vrir seg i smertefullt begjær, de blir korsfestet på strengene til noen gigantiske musikkinstrumenter, klemt og saget gjennom i mystiske innretninger, dyttet ned i groper, svelget.

Boschs merkelige fantasmagoria er født av filosofiske forsøk fra sinnet. Han sto på terskelen til 1500-tallet, og det var en epoke som fikk deg til å tenke smertefullt. Bosch ble tilsynelatende overveldet av tanker om vitaliteten og tilstedeværelsen av verdens ondskap, som, som en igle, klamrer seg til alt levende, om den evige syklusen av liv og død, om naturens uforståelige sløsing, som sår larver og embryoer. av liv overalt - både på jorden og under jorden, og i en råtten stillestående sump. Bosch observerte naturen, kanskje skarpere og mer årvåken enn andre, men fant verken harmoni eller perfeksjon i den. Hvorfor er mennesket, naturens krone, dømt til død og forfall, hvorfor er det svakt og ynkelig, hvorfor plager det seg selv og andre, og blir stadig utsatt for pine?

Selve det faktum at Bosch stiller slike spørsmål taler om vekket nysgjerrighet – et fenomen som følger med humanismen. Humanisme betyr ikke bare glorifisering av alt menneskelig. Det betyr også ønsket om å trenge inn i tingenes essens, å avdekke universets mysterier. For Bosch ble dette ønsket malt i mørke toner, men det var et symptom på den mentale tørsten som fikk Leonardo da Vinci til å utforske alt – det vakre og det stygge. Leonardos kraftige intellekt oppfattet verden helhetlig og følte enhet i den. I Boschs sinn ble verden reflektert fragmentert, brutt i tusenvis av fragmenter som inngår i uforståelige forbindelser.

Men det er verdt å nevne de romantiske bevegelsene, det vil si de som er påvirket av den italienske Cinquecento, - de begynte å spre seg i Nederland på 1500-tallet. Originaliteten deres er veldig merkbar. Bildet av "klassisk nakenhet", vakkert blant italienerne, ble absolutt ikke gitt til nederlenderne og så til og med noe komisk ut, som "Neptune and Amphitrite" av Jan Gossaert, med sine praktfulle, oppblåste kropper. Nederlenderne hadde også sin egen provinsielle "manerisme".

La oss merke utviklingen av sjangrene for hverdags- og landskapsmaleri laget av nederlandske kunstnere på 1500-tallet. Deres utvikling ble lettet av det faktum at de bredeste kretsene, som hatet pavedømmet og det katolske presteskapet, i økende grad vendte seg bort fra katolisismen og krevde kirkereformer. Og reformene til Luther og Calvin inkluderte et element av ikonoklasme; interiøret i protestantiske kirker skulle være helt enkelt, bart - ingenting som den rike og spektakulære utsmykningen i katolske kirker. Religiøs kunst ble sterkt redusert i volum og sluttet å være en kult.

Begynte å vises rent sjangermalerier som skildrer kjøpmenn i butikker, pengevekslere på kontorer, bønder på markedet, kortspillere. Hverdagssjanger vokste ut av portretter og landskap - fra de landskapsbakgrunnene som var så elsket av de nederlandske mesterne. Bakgrunnene vokste, og det var bare et skritt igjen til det rene landskapet.

Imidlertid forløser den alt og konsentrerer det kolossale talentet til Pieter Bruegel. Han er inne høyeste grad hadde det som kalles nasjonal originalitet: alle de bemerkelsesverdige trekkene ved kunsten hans går tilbake til de opprinnelige nederlandske tradisjonene. Som ingen andre uttrykte Bruegel tidsånden og dens populære smak. Han er populær i alt: som utvilsomt en kunstner-tenker, tenker han aforistisk og metaforisk. Livsfilosofien i allegoriene hans er bitter, ironisk, men også modig. Bregels favoritttype komposisjon er et stort rom, som sett fra en topp, slik at folk ser små og skurrende ut i dalene, likevel er alt skrevet i detalj og tydelig. Fortellingen er vanligvis assosiert med folklore; Bruegel malte lignelsesmalerier.

Bruegel anvender typen romlig-landskapskomposisjon, vanlig blant nederlenderne, uten å fremheve hovedpersonene og hendelsene, på en slik måte at den avslører en hel livsfilosofi. Icarus fall er spesielt interessant her. Bruegels maleri skildrer et fredelig landskap ved kysten: en plogmann går bak en plog, en gjeter beiter sauer, en fisker sitter med en fiskestang, og skip seiler på sjøen. Hvor er Ikaros og hva har fallet hans med det å gjøre? Du må se nøye etter for å se patetiske bare ben som stikker opp av vannet i høyre hjørne. Ikaros falt ned fra himmelen, men ingen la engang merke til det. Det vanlige livet fortsetter som alltid. For en bonde, hans dyrkbare land, for en gjeter er flokken hans mye viktigere enn andres opp- og nedturer. Betydningen av ekstraordinære hendelser blir ikke oppdaget snart; samtidige legger ikke merke til det, fordypet i hverdagslige bekymringer.

Den kreative aktiviteten til Pieter Bregeil varte ikke lenge; han døde i 1569, litt over førti år gammel, og levde ikke for å se hendelsene under den nederlandske revolusjonen. Kort før sin død malte han maleriet «The Blind». Dette er den kraftigste sluttakkorden i Bregueils kunst, som kan tenkes som en symfoni gjennomsyret av ett enkelt tema. Kunstneren elsket sitt langmodige hjemland og kunne ikke tilgi sine landsmenn for én ting: passivitet, døvhet, blindhet, nedsenking i forfengelighet i dag og manglende evne til å bestige de fjelltoppene som gir innsikt i helheten, det enhetlige, det felles.

Konklusjon.

Temaet for renessansen er rikt og uuttømmelig. En slik kraftig bevegelse bestemte utviklingen av det hele Europeisk sivilisasjon i mange år. Vi gjorde bare et forsøk på å trenge inn i essensen av prosessene som foregår. For videre studier må vi gjenopprette den psykologiske stemningen til renessansemannen mer detaljert, lese datidens bøker og gå til kunstgallerier.

Nå, på slutten av 1900-tallet, kan det virke som om alt dette er ting fra svunne dager, antikken dekket med et tykt lag av støv, uten forskningsinteresse i vårt turbulente århundre, men uten å studere røttene, hvordan skal vi forstå hva mater stammen, hva holder kronen på forandringens vind?

Leonardo da Vinci

LEONARDO DA VINCI (15. april 1452, Vinci nær Firenze – 2. mai 1519, Cloux Castle, nær Amboise, Touraine, Frankrike), italiensk maler, skulptør, arkitekt, vitenskapsmann, ingeniør.

Ved å kombinere utviklingen av nye virkemidler for kunstnerisk språk med teoretiske generaliseringer, skapte Leonardo da Vinci et bilde av en person som møter de humanistiske idealene fra høyrenessansen. I maleriet "The Last Supper" (1495-1497, i refektoriet til klosteret Santa Maria delle Grazie i Milano), kommer det høye etiske innholdet til uttrykk i strenge komposisjonsmønstre, et klart system av gester og ansiktsuttrykk. tegn. Det humanistiske idealet om kvinnelig skjønnhet er nedfelt i portrettet av Mona Lisa (La Gioconda, ca. 1503). Tallrike oppdagelser, prosjekter, eksperimentelle studier innen matematikk, naturvitenskap og mekanikk. Han forsvarte den avgjørende betydningen av erfaring i kunnskap om naturen ( notatbøker og manuskripter, omtrent 7 tusen ark).

Leonardo ble født inn i familien til en velstående notarius. Han utviklet seg som en mester og studerte med Andrea del Verrocchio i 1467-1472. Arbeidsmetoder i datidens florentinske verksted, hvor kunstnerens arbeid var nært knyttet til tekniske eksperimenter, samt hans bekjentskap med astronomen P. Toscanelli bidro til fremveksten av unge Leonardos vitenskapelige interesser. I tidlige arbeider (hodet til en engel i Verrocchios "Dåp", etter 1470, "Annunciation", ca. 1474, begge i Uffizi, "Benois Madonna", ca. 1478, Hermitage) beriker tradisjonene til Quattrocento-maleriet, og understreker det glatte. volum av former med myk chiaroscuro, opplivende ansikter et tynt, knapt merkbart smil. I "The Adoration of the Magi" (1481-82, uferdig; undermaling i Uffizi) gjør han et religiøst bilde til et speil av forskjellige menneskelige følelser, og utvikler innovative tegnemetoder. Ved å registrere resultatene av utallige observasjoner i skisser, skisser og fullskalastudier (italiensk blyant, sølvblyant, sangvin, penn og andre teknikker), oppnår Leonardo sjelden skarphet når det gjelder å formidle ansiktsuttrykk (noen ganger ty til grotesk og karikatur), og strukturen og bevegelser av menneskekroppen fører i perfekt harmoni med komposisjonens dramaturgi.

I tjeneste for herskeren av Milano, Lodovico Moro (fra 1481), fungerer Leonardo som militæringeniør, hydraulikkingeniør og arrangør av hofffestligheter. I over 10 år har han jobbet med monumentet til Francesco Sforza, far til Lodovico Moro; Den naturlig store leiremodellen av monumentet, full av plastkraft, har ikke overlevd (den ble ødelagt under erobringen av Milano av franskmennene i 1500) og er kun kjent fra forberedende skisser.

Denne perioden markerte den kreative blomstringen til maleren Leonardo. I "Madonna of the Rocks" (1483-94, Louvre; andre versjon - 1487-1511, National Gallery, London), vises mesterens favoritt subtile chiaroscuro ("sfumato") som en ny glorie, som erstatter middelaldergloriene: denne er likeledes et guddommelig-menneskelig og naturlig mysterium, der den steinete grotten, som gjenspeiler Leonardos geologiske observasjoner, spiller en ikke mindre dramatisk rolle enn helgenfigurene i forgrunnen.

"Det siste måltid"

I spisesalen til klosteret Santa Maria delle Grazie, skaper Leonardo maleriet "The Last Supper" (1495-97; på grunn av det risikable eksperimentet som mesteren foretok ved å bruke olje blandet med tempera til fresken, har verket nådd oss i svært skadet form). Det høye religiøse og etiske innholdet i bildet, som representerer Kristi disiplers stormende, motstridende reaksjon på hans ord om det forestående sviket, kommer til uttrykk i klare matematiske lover i komposisjonen, og underkaster ikke bare det malte, men også det virkelige arkitektoniske. rom. Den klare scenelogikken til ansiktsuttrykk og gester, så vel som den spennende paradoksale, som alltid med Leonardo, kombinasjonen av streng rasjonalitet med et uforklarlig mysterium gjorde " siste måltid"Et av de mest betydningsfulle verkene i verdenskunstens historie.

Leonardo er også involvert i arkitektur og utvikler ulike versjoner av den "ideelle byen" og det sentrale kuppeltempelet. Mesteren tilbringer de følgende årene på konstant reise (Firenze - 1500-02, 1503-06, 1507; Mantua og Venezia - 1500; Milano - 1506, 1507-13; Roma - 1513-16). Fra 1517 bodde han i Frankrike, hvor han ble invitert av kong Frans I.

"Slaget ved Angyari". Mona Lisa (Portrett av Mona Lisa)

I Firenze jobber Leonardo med et maleri i Palazzo Vecchio ("Slaget ved Anghiari", 1503-1506; ikke ferdig og ikke bevart, kjent fra kopier fra papp, samt fra en nylig oppdaget skisse - privat samling, Japan ), som står ved opprinnelsen til kampsjangeren i moderne tids kunst; krigens dødelige raseri er legemliggjort her i rytternes vanvittige kamp.

I Leonardos mest kjente maleri, portrettet av Mona Lisa (den såkalte «La Gioconda», ca. 1503, Louvre), fremstår bildet av en velstående byboer som en mystisk personifisering av naturen som sådan, uten å miste sin rent feminine list. ; Komposisjonens indre betydning er gitt av det kosmisk majestetiske og samtidig alarmerende fremmedgjorte landskapet som smelter inn i en kald dis.

Sene malerier

Leonardos senere arbeider inkluderer: design for monumentet til marskalk Trivulzio (1508-1512), maleriet "St. Anne med Maria og barnet Kristus" (ca. 1500-1507, Louvre). Sistnevnte oppsummerer liksom søkene hans innen lys-luft-perspektiv, tonefarge (med en overvekt av kjølige, grønnaktige nyanser) og harmonisk pyramideformet komposisjon; samtidig er dette harmoni over avgrunnen, siden en gruppe hellige karakterer, sveiset sammen av familiens nærhet, presenteres på kanten av avgrunnen. Leonardos siste maleri, «Døperen Johannes» (ca. 1515-1517, ibid.) er fullt av erotisk tvetydighet: den unge Forerunneren ser her ikke ut som en hellig asket, men som en frister full av sensuell sjarm. I en serie tegninger som skildrer en universell katastrofe (syklus med "flommen", italiensk blyant, penn, ca. 1514-1516, Royal Library, Windsor), kombineres tanker om menneskets skrøpelighet og ubetydelighet før kraften til elementene med rasjonalistiske, forutse "virvel"-kosmologien til R. Descartes ideer om den sykliske naturen til naturlige prosesser.

"Avhandling om maleri"

Den viktigste kilden for å studere synspunktene til Leonardo da Vinci er notatbøkene og manuskriptene hans (ca. 7 tusen ark), skrevet på italiensk. Mesteren selv etterlot ikke en systematisk presentasjon av tankene sine. "Treatise on Painting", utarbeidet etter Leonardos død av hans student F. Melzi og som hadde en enorm innflytelse på kunstteorien, består av passasjer stort sett vilkårlig hentet fra konteksten til notatene hans. For Leonardo selv var kunst og vitenskap uløselig knyttet sammen. Ved å gi håndflaten i "kunsttvisten" til maleri som, etter hans mening, den mest intellektuelle formen for kreativitet, forsto mesteren det som et universelt språk (ligner på matematikk innen vitenskap), som legemliggjør hele mangfoldet av universet gjennom proporsjoner, perspektiv og chiaroscuro. "Maleri," skriver Leonardo, "er en vitenskap og naturens legitime datter ..., en slektning til Gud." Ved å studere naturen, erkjenner den perfekte kunstner-naturforsker derved det "guddommelige sinn" som er skjult under utseende natur. Ved å delta i kreativ konkurranse med dette guddommelige intelligente prinsippet, bekrefter kunstneren dermed sin likhet med den Høyeste Skaperen. Siden han «først har i sin sjel og deretter i sine hender» «alt som finnes i universet», er han også «en slags gud».

Leonardo er en vitenskapsmann. Tekniske prosjekter

Som vitenskapsmann og ingeniør beriket Leonardo da Vinci nesten alle datidens kunnskapsområder med innsiktsfulle observasjoner og gjetninger, og betraktet hans notater og tegninger som skisser for et gigantisk naturfilosofisk leksikon. Han var en fremtredende representant nytt, basert på naturvitenskapens eksperiment. Leonardo la spesielt vekt på mekanikk, kalte det "paradiset for matematiske vitenskaper" og så i det nøkkelen til universets hemmeligheter; han prøvde å bestemme koeffisientene for glidefriksjon, studerte motstanden til materialer og var lidenskapelig opptatt av hydraulikk. Tallrike hydrotekniske eksperimenter ble uttrykt i innovative design av kanaler og vanningssystemer. Leonardos lidenskap for modellering førte ham til forbløffende tekniske framsyn som var langt foran hans tid: slike er skisser av design for metallurgiske ovner og valseverk, vevemaskiner, trykking, trebearbeidingsmaskiner og andre maskiner, en ubåt og en tank, samt design. for flygende maskiner utviklet etter en grundig studie av flukt av fugler og fallskjerm

Optikk

Observasjonene samlet av Leonardo om påvirkningen av gjennomsiktige og gjennomskinnelige kropper på fargen på gjenstander, reflektert i maleriet hans, førte til etableringen av prinsippene for luftperspektiv i kunsten. Universaliteten til optiske lover ble assosiert for ham med ideen om universets homogenitet. Han var nær ved å lage et heliosentrisk system, og betraktet jorden som «et punkt i universet». Han studerte strukturen til det menneskelige øyet, og gjorde gjetninger om arten av kikkertsyn.

Anatomi, botanikk, paleontologi

I anatomiske studier, som oppsummerte resultatene av obduksjoner av lik, la han i detaljerte tegninger grunnlaget for moderne vitenskapelig illustrasjon. Når han studerte funksjonene til organer, betraktet han kroppen som et eksempel på "naturlig mekanikk." Han var den første som beskrev en rekke bein og nerver, og ga spesiell oppmerksomhet til problemene med embryologi og sammenlignende anatomi, og prøvde å introdusere den eksperimentelle metoden i biologi. Etter å ha etablert botanikk som en uavhengig disiplin, ga han klassiske beskrivelser bladarrangement, helio- og geotropisme, rottrykk og bevegelse av plantesaft. Han var en av grunnleggerne av paleontologi, og mente at fossiler funnet på fjelltopper motbeviser ideen om en "global flom."

Etter å ha avslørt idealet om renessansens "universelle menneske", ble Leonardo da Vinci tolket i etterfølgende tradisjon som den personen som tydeligst skisserte epokens kreative oppdrag. I russisk litteratur ble portrettet av Leonardo skapt av D. S. Merezhkovsky i romanen "Resurrected Gods" (1899-1900)

Malerier av Leonardo da Vinci:

"Jomfru og barn med barnet John "Mona Lisa" 1503 baptist og St. Anna “

“ Hodet til en ung kvinne "Madonna og barn"

“ siste måltid ” 1495-1497

Rafael Santi

RAFAEL SANTI (Raffaello Santi) (1483-1520), italiensk maler og arkitekt. Representant for høyrenessansen. Med klassisk klarhet og sublim spiritualitet legemliggjorde han renessansens livsbekreftende idealer. Tidlige verk (Madonna Conestabile, ca. 1502-03) er gjennomsyret av ynde og myk lyrikk. Han glorifiserte menneskets jordiske eksistens, harmonien mellom åndelige og fysiske krefter i maleriene av strofer (rom) i Vatikanet (1509-17), og oppnådde en upåklagelig følelse av proporsjoner, rytme, proporsjoner, eufoni av farger, enhet av figurer og majestetiske arkitektoniske bakgrunner. Tallrike bilder av Guds mor ("Sixtinske Madonna", ca. 1513), kunstneriske ensembler i maleriene til Villa Farnesina (1514-18) og loggiaene til Vatikanet (1519, med disipler). Portrettene skapte et ideelt bilde av en renessansemann ("B. Castiglione", 1514-15). Designet katedralen St. Peter, bygde Chigi-kapellet i kirken Santa Maria del Popolo (1512-20) i Roma.

RAFAEL (ekte navn Raffaello Santi) (26. eller 28. mars 1483, Urbino – 6. april 1520, Roma), italiensk kunstner og arkitekt. Sønn av kunstneren Giovanni Santi. I følge Vasari studerte han med Perugino. Han ble først nevnt som en selvstendig mester i 1500. I 1504-08 arbeidet han i Firenze. På slutten av 1508, på invitasjon av pave Julius II, flyttet han til Roma, hvor han sammen med Michelangelo tok en ledende plass blant kunstnerne som arbeidet ved hoffet til Julius II og hans etterfølger Leo X.

Allerede i de tidlige maleriene, malt før han flyttet til Firenze, ble Rafaels iboende harmoniske talent gjenspeilet, hans evne til å finne en upåklagelig harmoni av former, rytmer, farger, bevegelser, gester - og i slike småformatverk, nesten miniatyrer, som " Madonna Conestabile» (ca. 1502-03, Hermitage), «The Dream of a Knight» (ca. 1504, National Gallery, London), «The Three Graces» (Museum of Condé, Chantilly), «Saint George» (ca. 1504, National Gallery, Washington), og i et større format, "The Trolovelse of Mary" (1504, Brera, Milano).

florentinsk tid (1504-08)

Flyttingen spilte en stor rolle i Raphaels kreative utvikling. Av primær betydning for ham var kjennskap til metoden til Leonardo da Vinci. Etter Leonardo begynner han å jobbe mye fra livet, studere anatomi, bevegelsesmekanikk, komplekse positurer og vinkler, på jakt etter kompakte, rytmisk balanserte komposisjonsformler. I de siste florentinske verkene til Raphael (Entombment, 1507, Galleria Borghese, Roma; St. Catherine of Alexandria, ca. 1507-08, National Gallery, London) viser det seg en interesse for de komplekse formlene for dramatiske og agiterte bevegelser utviklet av Michelangelo .

Hovedtemaet for maleriet fra den florentinske perioden er Madonna og barn, som ikke mindre enn 10 verk er viet. Blant dem skiller det seg ut tre malerier som er like i komposisjonsdesign: "Madonna med gullfinken" (ca. 1506-07, Uffizi), "Madonna in Greenery" (1506, Kunsthistorisches Museum, Wien), "Den vakre gartneren" ( 1507, Louvre). Ved å variere det samme motivet i dem, og på bakgrunn av et idyllisk landskap skildrer en ung mor og små barn som leker ved føttene hennes - Kristus og døperen Johannes, forener han figurene med en stabil, harmonisk balansert rytme til komposisjonspyramiden, elsket av renessansens mestere.

Romertiden (1509–20)

Etter å ha flyttet til Roma, fikk den 26 år gamle mesteren stillingen som "kunstner av den apostoliske stol" og oppdraget med å male statsrommene til Vatikanpalasset, og fra 1514 ledet han byggingen av katedralen St. Peter, arbeider innen kirke- og palassarkitektur, ble i 1515 utnevnt til antikvitetskommissær, ansvarlig for studiet og beskyttelsen av fortidsminner og arkeologiske utgravninger.

Veggmalerier av Vatikanpalasset

Den sentrale plassen i arbeidet i denne perioden er okkupert av maleriene av statsrommene til Vatikanpalasset. Maleriene til Stanza della Segnatura (1509-11) er en av Rafaels mest perfekte kreasjoner. Majestetiske komposisjoner med flere figurer på veggene (forener fra 40 til 60 tegn) "Disputa" ("Tvist om nattverd"), "School of Athens", "Parnassus", "Foundation of the Canonical and sivil lov"og de tilsvarende fire allegoriske kvinnelige skikkelser hvelvene representerer teologi, filosofi, poesi og rettsvitenskap.

Uten å gjenta en eneste figur eller positur, ikke en eneste bevegelse, vever Raphael dem sammen med en fleksibel, fri, naturlig rytme, flytende fra figur til figur, fra en gruppe til en annen.

I den nærliggende strofen av Elidor (1512-14), i veggmaleriene ("Utdrivelsen av Elidor fra templet", "Apostelen Peters mirakuløse befrielse fra fengselet", "Messe i Bolsena", "Møte med pave Leo I with Attila") og bibelske scener på hvelvene Den plot-narrative og dramatiske begynnelsen dominerer, den patetiske spenningen av bevegelser, gester, komplekse kontraposter øker, og kontrastene mellom lys og skygge forsterkes. I «The Miraculous Escape of the Apostle Peter from Prison» formidler Raphael, med en billedmessig finesse som er uvanlig for en kunstner fra Sentral-Italia, de komplekse effektene av nattbelysning - den blendende utstrålingen rundt engelen, det kalde lyset fra månen, rødlig flamme av fakler og deres refleksjoner på pansringen til vaktene.

Blant de beste verkene til monumentalisten Rafael er også maleriene av hvelvene til Chigi-kapellet (ca. 1513-14, Santa Maria della Pace, Roma) bestilt av bankmannen og filantropen Agostino Chigi og fresken "The Triumph of Galatea" (ca. 1514-15) full av hedensk munterhet , Villa Farnesina, Roma).

Kartonger til billedvev med episoder fra historien til apostlene Peter og Paul (Victoria and Albert Museum, London), laget i 1515-16, er stilmessig nær strofemaleriene, men de viser allerede de første tegnene på utmattelsen av Rafaels utmattelse. klassisk stil - funksjoner av kald perfeksjon, lidenskap for de spektakulære, spektakulære positurene, overdrevne gester. Dette er enda mer karakteristisk for freskene til Vatikanet Stanza del Incendio (1514-17), laget av Rafaels tegninger av hans assistenter Giulio Romano og J.F. Penney. De rent dekorative maleriene utført av Raphaels assistenter basert på hans tegninger i Hall of Psyche i Villa Farnesina (ca. 1515-16) og i den s.k. Loggiaer av Rafael fra Vatikanpalasset (1518-19).

romerske madonnaer

I den romerske perioden vendte Raphael seg til bildet av Madonna mye sjeldnere, og fant en ny, dypere løsning. I Madonna della Sedia (ca. 1513, Pitti, Firenze), er den unge moren i klærne til en romersk allmue, lille døperen Johannes og Kristus bundet sammen av en sirkulær ramme (tondo); Det ser ut til at Madonna prøver å skjerme sønnen i armene hennes - en liten Titan med et barnslig alvorlig blikk. En ny, polyfonisk kompleks tolkning av bildet av Madonnaen fant sitt mest komplette uttrykk i en av Raphaels mest perfekte kreasjoner - altertavlen "Sistinske Madonna" (ca. 1513, Picture Gallery, Dresden).

Portretter

De første portrettene dateres tilbake til den florentinske perioden ("Agnolo Doni," ca. 1505, Pitti, Firenze; ​​"Maddalena Strozzi," ca. 1505, ibid.; "Donna Gravida," ca. 1505, ibid.). Men bare i Roma overvant Raphael tørrheten og noe stivhet i sine tidlige portretter. Blant de romerske verkene er portrettet av humanisten Baldassare Castiglione (ca. 1514-15, Louvre) og den s.k. «Donna Velata» er muligens en modell av «den sixtinske madonna» (ca. 1516, Pitti, Firenze), med sin edle og harmoniske struktur av bilder, komposisjonsbalanse, subtilitet og rikdom av fargevalg.

Arkitektoniske arbeider

Raphael satte et merkbart preg på italiensk arkitektur. Blant bygningene hans er den lille kirken San Eligio degli Orefici (grunnlagt ca. 1509) med sitt stramme interiør, Chigi-kapellet i kirken Santa Maria del Popolo (grunnlagt ca. 1512), hvis interiør er et eksempel på en enhet av arkitektonisk design og dekor som er sjelden selv for renessansen, designet av Raphael, - malerier, mosaikker, skulpturer og den uferdige Villa Madama.

Raphael hadde en enorm innflytelse på den påfølgende utviklingen av italiensk og europeisk maleri, og ble, sammen med antikkens mestere, det høyeste eksemplet på kunstnerisk perfeksjon.

Malerier av Rafael Santi:

"Nymph Galatea"

"Madonna og barn"

"Saint George kjemper mot dragen"

"Visjonen om profeten Jeserkiel" "Adam og Eva"

Michelangelo Buonarroti

MICHELANGELO Buonarroti (1475-1564), italiensk billedhugger, maler, arkitekt, poet. Med den største kraft uttrykte han høyrenessansens dypt menneskelige idealer, fulle av heroisk patos, samt den tragiske følelsen av krisen i det humanistiske verdensbildet under senrenessansen. Monumentalitet, plastisitet og drama av bilder, beundring for menneskelig skjønnhet dukket opp allerede i tidlige verk (“Kristi lamentation”, ca. 1497-98; “David”, 1501-04; papp “Battle of Kashin”, 1504-06). Maleriet av hvelvet til Det sixtinske kapell i Vatikanet (1508-12), statuen av "Moses" (1515-16) bekrefter menneskets fysiske og åndelige skjønnhet, dets grenseløse kreative muligheter. Tragiske notater forårsaket av krisen med renessanseidealer høres i ensemblet til Det nye sakristiet til San Lorenzo-kirken i Firenze (1520-34), i fresken "Den siste dommen" (1536-41) på alterveggen til det sixtinske kapell, i de senere versjonene av “The Lamentation of Christ” (ca. 1550-55), etc. Michelangelos arkitektur er dominert av det plastiske prinsippet, massenes dynamiske kontrast (Laurentian Library i Firenze, 1523-34 ). Fra 1546 ledet han byggingen av katedralen St. Peter, opprettelsen av ensemblet til Capitol i Roma. Michelangelos poesi utmerker seg ved sin dype tankegang og høye tragedie.

MICHELANGELO Buonarroti (1475, Caprese - 1564, Roma), italiensk skulptør, maler, arkitekt, poet, en av høyrenessansens ledende mestere.

Ungdom. Studieår

Han fikk sin grunnskoleutdanning ved latinskolen i Firenze. Han studerte maleri med Ghirlandaio og skulptur med Bertoldo di Giovanni ved kunstskolen grunnlagt av Lorenzo Medici i Medici-hagene. Han kopierte fresker av Giotto og Masaccio, studerte skulpturen til Donatello, og i 1494 i Bologna ble han kjent med verkene til Jacopo della Quercia. I huset til Lorenzo, der Michelangelo bodde i to år, ble han kjent med neoplatonismens filosofi, som senere hadde sterk innflytelse på hans verdensbilde og kreativitet. Tiltrekningen til monumental utvidelse av former var allerede tydelig i hans første verk - relieffene "Madonna of the Stairs" (ca. 1491, Casa Buonarroti, Firenze) og "Battle of the Centaurs" (ca. 1492, ibid.).

Første romerske periode (1496–1501)

I Roma fortsatte Michelangelo studien som ble startet i Medici-hagen antikk skulptur, som ble en av kildene til hans rike plastisitet. Den første romerske perioden inkluderer en antikk statue av Bacchus (ca. 1496, Nasjonalmuseet, Firenze) og skulpturgruppen "Pieta" (ca. 1498-99), som indikerer begynnelsen på mesterens kreative modenhet.

florentinsk tid (1501-06). David statue

Da han kom tilbake til Firenze i 1501, mottok Michelangelo en ordre fra regjeringen i republikken om å lage en 5,5 meter lang statue av David (1501-04, Accademia, Firenze). Installert på hovedtorget i Firenze ved siden av rådhuset til Palazzo Vecchio (nå erstattet av en kopi), var det ment å bli et symbol på republikkens frihet. Michelangelo avbildet David ikke som en skjør tenåring som tråkker på det avhuggede hodet til Goliat, slik mesterne på 1400-tallet gjorde, men som en vakker, atletisk kjempe i øyeblikket før slaget, full av selvtillit og formidabel styrke (samtiden kalte det terribilita - skremmende).

Samtidig, i 1501-05, arbeidet Michelangelo med en annen regjeringsordre - papp for fresken "Slaget ved Cascina", som sammen med Leonardo da Vincis maleri "Slaget ved Anghiari" skulle dekorere hallen til Palazzo Vecchio. Maleriene ble ikke utført, men en pappskisse av Michelangelo er bevart, som varsler dynamikken i positurer og gester i maleriet av det sixtinske taket.

Andre romerske periode (1505-16)

I 1505 kalte pave Julius II Michelangelo til Roma, og betrodde ham arbeidet med graven hans. Michelangelos prosjekt så for seg opprettelsen, i motsetning til veggmonterte gravsteiner som var tradisjonelle i Italia på den tiden, av et majestetisk, frittstående mausoleum, dekorert med 40 statuer større enn naturlig størrelse. Den raske avkjølingen av Julius II til denne planen og opphøret av finansieringen av arbeidet forårsaket en krangel mellom mesteren og paven og Michelangelos demonstrative avreise til Firenze i mars 1506. Han returnerte til Roma først i 1508, etter å ha mottatt fra Julius II en for å male Det sixtinske kapell.

Malerier av det sixtinske kapell

Freskene i det sixtinske tak (1508-12) er de mest ambisiøse av Michelangelos realiserte planer. Etter å ha avvist prosjektet som ble foreslått for ham med figurene til de 12 apostlene i sidedelene av hvelvet og med den dekorative fyllingen av hoveddelen, utviklet Michelangelo sitt eget program med malerier, som fortsatt forårsaker forskjellige tolkninger. Maleriet av det enorme hvelvet som dekker det enorme (40,93 x 13,41 m) pavekapellet inkluderer 9 store komposisjoner i hvelvspeilet om temaene i 1. Mosebok - fra "Verdens skapelse" til "flommen", 12 enorme figurer av sibyller og profeter i hvelvets sidebelter, syklusen «Kristi forfedre» i forskaling og lunetter, 4 komposisjoner i hjørneseil med temaet den mirakuløse utfrielsen av det jødiske folk. Dusinvis av majestetiske karakterer som bor i dette grandiose universet, utstyrt med et titanisk utseende og kolossal åndelig energi, viser et ekstraordinært vell av komplekse gester, positurer, kontrapostoer og vinkler gjennomsyret av kraftig bevegelse.

Gravstein til pave Julius II

Etter Julius IIs død (1513), begynte Michelangelo igjen arbeidet med gravsteinen sin, og skapte tre statuer i 1513-16 - "The Dying Slave", "The Rebellious Slave" (begge i Louvre) og "Moses". Det opprinnelige prosjektet, gjentatte ganger revidert av arvingene til Julius II, ble ikke implementert. I henhold til den sjette avtalen som ble inngått med dem, ble det i 1545 installert en to-lags gravstein i den romerske kirken San Pietro in Vincoli, som inkluderte "Moses" og 6 statuer laget på begynnelsen av 1540-tallet. i Michelangelos verksted.

Fire uferdige statuer av «slaver» (ca. 1520-36, Accademia, Firenze), opprinnelig ment for en grav, gir innsikt i Michelangelos kreative metode. I motsetning til samtidens skulptører bearbeidet han en marmorblokk ikke fra alle sider, men bare fra én, som om han hentet ut figurer fra steinens tykkelse; i diktene sine sier han gjentatte ganger at billedhuggeren bare frigir bildet som opprinnelig var skjult i steinen. Presentert i intenst dramatiske positurer ser «slavene» ut til å prøve å bryte ut av steinmassen som binder dem.

Medici kapell

I 1516 ga pave Leo X de' Medici Michelangelo i oppdrag å designe fasaden til kirken San Lorenzo i Firenze, bygget på 1400-tallet. Brunelleschi. Michelangelo ønsket å gjøre fasaden til denne sognekirken til Medici-familien til «et speil av hele Italia», men arbeidet ble stoppet på grunn av mangel på midler. I 1520 ga kardinal Giulio de' Medici, den fremtidige pave Clement VII, Michelangelo i oppdrag å forvandle det nye sakristiet til San Lorenzo-kirken til en grandiose grav for Medici-familien. Arbeidet med dette prosjektet, avbrutt av opprøret mot mediciene i 1527-30 (Michelangelo var en av lederne for det treårige forsvaret av det beleirede Firenze), ble ikke fullført da Michelangelo dro til Roma i 1534; Statuene han laget ble installert først i 1546.

Medici-kapellet er et komplekst arkitektonisk og skulpturelt ensemble, hvis figurative innhold har gitt opphav til ulike tolkninger. Statuene av hertugene Lorenzo og Giuliano de' Medici, som sitter i grunne nisjer på bakgrunn av arkitektonisk antikk dekorasjon og kledd i rustningen til romerske keisere, mangler portrettlikhet og symboliserer kanskje aktivt liv og kontemplativt liv. De grafisk lyse konturene av sarkofagen står i kontrast til plastkraften til de enorme statuene av dag og natt, morgen og kveld, som ligger på de skrånende lokkene til sarkofagen i smertefullt ubehagelige stillinger, som om de er klare til å gli av dem. Michelangelo uttrykte den dramatiske patosen til disse bildene i et kvad, skrevet av ham som på vegne av Night:

Det er søtt for meg å sove, og enda mer - å være en stein,

Når det er skam og kriminalitet rundt:

Å ikke føle, ikke se er en lettelse.

Hold kjeft, venn, hvorfor vekke meg? (Oversatt av A. Efros).

Laurentian bibliotek

I løpet av årene med arbeid i Firenze i 1520-34 utviklet stilen til arkitekten Michelangelo, preget av økt plastisitet og billedrikdom. Trappen til det Laurentianske bibliotek ble dristig og uventet utformet (prosjekt ca. 1523-34, utført etter at Michelangelo dro til Roma). En monumental marmortrapp, som nesten fullstendig fyller den enorme lobbyen, som starter rett ved terskelen til lesesalen i andre etasje, renner ut av døråpningen med en smal trapp med bratte trinn og utvider seg raskt, danner tre ermer, går ned akkurat like bratt; den dynamiske rytmen til de store marmortrinnene, rettet mot de som stiger opp i salen, oppfattes som en viss kraft som krever overvinnelse.

Tredje romertid. "Den siste dommen"

Michelangelos flytting til Roma i 1534 åpner den siste, dramatiske perioden av hans arbeid, som falt sammen med den generelle krisen i den florentinsk-romerske renessansen. Michelangelo nærmer seg kretsen til dikteren Vittoria Colonna; ideene om religiøs fornyelse som bekymret deltakerne i denne kretsen satte et dypt preg på hans verdensbilde i disse årene. I den kolossale (17 x 13,3 m) fresken "Den siste dommen" (1536-41) på alterveggen til Det sixtinske kapell, avviker Michelangelo fra tradisjonell ikonografi, og skildrer ikke øyeblikket for dommen, da de rettferdige allerede er skilt fra synderne, men dets begynnelse: Kristus straffer med en løftet hånd, han bringer ned det døende universet foran våre øyne. Hvis kilden til bevegelse i det sixtinske tak var titaniske menneskeskikkelser, blir de nå båret bort, som en virvelvind, av en ytre kraft som overgår dem; karakterene mister sin skjønnhet, deres titaniske kropper ser ut til å svelle med hauger av muskler, og forstyrrer harmonien i linjene; bevegelser og skjærende gester fulle av fortvilelse er disharmoniske; revet med av den generelle bevegelsen, kan de rettferdige ikke skilles fra syndere.

Ifølge Vasari, pave Paul IV på 1550-tallet. skulle slå ned fresken, men i stedet fikk kunstneren Daniele da Volterra i oppdrag å "kle på" helgenene eller dekke deres nakenhet med lendeklede (disse oppføringene ble delvis fjernet under restaureringen, som ble avsluttet i 1993).

Michelangelos siste malerier er også gjennomsyret av tragisk patos - freskene "The Crucifixion of the Apostle Peter" og "The Fall of Sauls" (1542-50, Paolina Chapel, Vatikanet). Generelt hadde Michelangelos sene maleri en avgjørende innflytelse på dannelsen av mannerisme.

Sene skulpturer. Poesi

Den dramatiske kompleksiteten til den figurative løsningen og det plastiske språket skiller Michelangelos sene skulpturverk: «Pieta med Nikodemus» (ca. 1547-55, Firenze-katedralen) og «Pieta Rondanini» (uferdig gruppe, ca. 1555-64, Castello Sforzesco).

I løpet av den siste romertiden ble de fleste av de nesten 200 diktene som har kommet ned til oss av Michelangelo skrevet, forskjellig filosofisk dybde tanker og intens uttrykksevne i språket.

Cathedral of St. Petra

I 1546 ble Michelangelo utnevnt til sjefsarkitekt for katedralen St. Peter, hvis konstruksjon ble påbegynt av Bramante, som ved sin død (1514) hadde reist fire gigantiske søyler og buer av det midterste korset, samt delvis ett av skipene. Under hans etterfølgere - Peruzzi, Raphael, Sangallo, som delvis gikk bort fra Bramantes plan, gjorde byggingen nesten ingen fremgang. Michelangelo vendte tilbake til Bramantes sentriske plan, og utvidet samtidig alle former og inndelinger, og ga dem plastisk kraft. Michelangelo klarte å fullføre i løpet av livet østlige del katedralen og vestibylen til en enorm (42 m i diameter) kuppel, reist etter hans død av Giacomo della Porta.

Capitol Ensemble

Michelangelos andre grandiose arkitektoniske prosjekt ble fullført først på 1600-tallet. Capitol Ensemble. Det inkluderer middelalderpalasset til senatorene (rådhuset), gjenoppbygd i henhold til design av Michelangelo, toppet med et tårn, og to majestetiske palasser til de konservative med identiske fasader, forent av den kraftige rytmen til pilastre. En antikk rytterstatue av Marcus Aurelius installert i sentrum av torget og en bred trapp som går ned til boligområdene i byen fullførte dette ensemblet, som koblet det nye Roma med de grandiose ruinene av det gamle Forum Romanum som ligger på den andre siden av Capitoline Hill.

Begravelse i Firenze

Til tross for gjentatte invitasjoner fra hertug Cosimo de' Medici, nektet Michelangelo å returnere til Firenze. Etter hans død ble kroppen hans i hemmelighet hentet fra Roma og høytidelig gravlagt i graven til de berømte florentinerne - Santa Croce-kirken.

Virker Michelangelo Buonarroti:

“ David ”

“ Separasjon av lys fra mørke ”

"Skapelsen av solen og månen"

Renessansen er en av de mest imponerende sidene i verdenskunstens historie. Det dekker omtrent tre århundrer (XIV - XVI århundrer). Sammenlignet med epoker fra den antikke verden (omtrent 5000 tusen år), middelalderen (omtrent 1000 år), ser renessansen ut til å være en veldig kort periode. Men når det gjelder antall strålende kunstverk, nyheten og motet til søkene til mesterne fra den tiden kunstnerisk arv Renessansen er ikke dårligere enn de tidligere stadiene i utviklingen av verdenskunsten.

Italia ble fødestedet til renessansen. Allerede på 1300-tallet, i skriftene til den store italienske humanistiske poeten Francesco Petrarch (1304-1374), dukket konseptet Rinascimento - renessanse (på fransk "renessanse") opp.

På denne tiden ble grunnlaget for moderne vitenskap lagt, høy level når litteraturen, som fikk tidligere enestående distribusjonsmuligheter med oppfinnelsen av trykkeriet av tyskeren Johann Gutenberg. På dette tidspunktet gjorde Christopher Columbus og Copernicus sine oppdagelser, de store italienerne Dante, Petrarch, den franske Francois Rabelais, forfatteren av romanen "Gargantua og Pantagruel", Michel Montaigne, skaperen av de berømte "Opplevelsene", skrev deres udødelige virker. Shakespeares tragedier og Cervantes' Don Quijote, slående i deres dybde av innsikt i menneskelig psykologi, kunnskap om hans lidenskaper og ambisjoner, ble skrevet under renessansen.

Det ideologiske grunnlaget for renessansekulturen er humanismens filosofiske retning (fra det latinske "humanus" - mennesket). Mennesket blir igjen «alle tings mål». Mottoet for renessansekunst kan hentes fra ordene som ble satt inn av den italienske humanisten fra 1400-tallet. Grev Pico della Mirandola i sin lovtale, i munnen til skaperguden, og henvendte seg til mennesket: "Jeg setter deg i sentrum av verden ..."

I motsetning til romansk og gotisk kultur, var middelalderkulturen i renessansen sekulær av natur, selv om hovedutvalget av emner forble knyttet til mytologiske og bibelske temaer. Renessansen kontrasterte verdensbildet til humanistene, som bekreftet verdien av mennesket, med kirkelige dogmer.

Et av grunnlagene for renessansekunsten er en ny forståelse av antikkens arv.

Humanismens idealer gjenspeiles også i arkitekturen: bygninger får et klart, harmonisk utseende, deres proporsjoner og skalaer tilsvarer en person.

Den sanne grunnleggeren av høyrenessansens kunst var den strålende florentineren Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardos manuskripter indikerer at han ikke bare var en stor maler og skulptør, men også en arkitekt, mekaniker, ingeniør, botaniker og anatom.

Som en multitalent var Leonardo da Vinci interessert i alt som omringet ham, og skrev ned inntrykkene hans i en notatbok som han alltid hadde med seg. "Når jeg hengir meg til en uslukkelig tørst etter kunnskap, drømmer jeg om å forstå opprinnelsen til mange naturskapninger," sa han om seg selv. Gjennom hele livet ser kunstneren på verden med alle mangfoldet av dens former som en skapelse av naturen, som har sitt eget "sinne sinn", og ber malere om å være formidlere mellom natur og kunst.