Claude Monet vannhage ved Giverny maleri. Åpne venstremenyen til Giverny

Vi beundret utsikten han sang. Med ærbødighet så på Rouen-katedralen. Vi kunne ikke stikke innom Giverny, hvor mesteren bodde i 43 år – nøyaktig halvparten av livet. Andre halvdel - han ble født i 1840, døde i 1926, og slo seg ned i Giverny i 1883.
Hele naturen gledet seg med oss ​​den dagen - etter de grå, overskyede dagene i Normandie, oversvømmet solen sjenerøst hele området, som om den husket hvilke vitser den spilte med artisten, og ga ham ikke mer enn 40 minutter til å jobbe med en av seriene av malerier. Lovene for jordens sirkulasjon rundt stjernen endret belysningen etter så kort tid at Monet måtte flytte fra ett lerret til et annet, hver gang skiftende farger.

For å komme til maestroens hus må du gå gjennom landsbyen Giverny. Først av alt befinner en beundrer av Monets talent seg i en enorm hage. Den ble knust mange år etter mesterens død, da et museum ble åpnet i Giverny. En gang var det bare en eng her, det er bevart et lite område fra den. Med de veldig kjente høystakkene. Dette er det første vi så i Giverny.

Claude Monet "Høystakk ved Giverny"

Hagen i Giverny er delt inn i små seksjoner, de er adskilt fra hverandre med bosketter eller hekker.

Plantene i hver av avdelingene er tematisk utvalgt - de er i harmoni med hverandre enten i aroma eller i farge. Det er grener med roser, i andre samles bare hvite blomster.

Eller bare blå, eller bare rød. Alle planter er gruppert etter årstidene. De endres avhengig av tidspunktet for blomstring, så med tidlig vår før sen høst hagen blomstrer og dufter.

Giverny er bokstavelig talt nedsenket i grøntområder. Mens du går til Monets husmuseum, tuner du ufrivillig inn på bølgen av enhet med naturen, som den store impresjonisten uttrykte med all styrke av sitt talent.

En imponerende kø ved kassen forsvant i løpet av få minutter – organiserte grupper har egen inngang, og det var ikke så veldig mange «ville» som oss.

Når du nærmer deg huset, ser du først og fremst et polykromt hav av blomster på en grønn bakgrunn. Den ønsker å svømme og bade, inhalere, absorbere, absorbere, trekke inn jordens nåde. Du fryser av beundring over at all mangfoldet av flora er plassert og satt på en strengt definert måte. Den er underlagt den kunstneriske logikken til Claude Monet selv - ja, det er akkurat slik hagen hans skal se ut og ingenting annet, det stemmer og det er veldig vakkert!

Til å begynne med blir selve mesterens hus oppfattet som en integrert del av hagen, som lever i naturlige sykluser.

Jeg har veldig lyst til å fylle opp, "svøm til du er blå i ansiktet" i Monets hage, men jeg må gå til husmuseet - søndag morgen, mindre enn 100 km fra Paris og snart kan det bli en ekte " demonstrasjon". Vi har noen minutter til å se på huset hvor kunstneren tilbrakte så mange år med sin andre kone Alice og barn - hans og Camilles sønner, og barna til Alice Oshede fra deres første ekteskap, de hadde ikke felles barn, men der var en familieforening av barna deres - den eldste sønnen til kunstneren, Jean Monnet, giftet seg med datteren til Alice Blanche Hoschede.

Claude Monet House Museum

Merkelig nok var dette huset den andre rosa bygningen med grønne skodder som Monet bodde i, den første var i Argenteuil (Argenteuil). Det ble en annen bolig for mesteren, hvor hagen ble skilt fra huset med jernbanen, det samme var i Vetheuil. Den franske statsministeren Georges Clemenceau sa en gang: "Han har til og med en jernbane i hagen sin!"

Først leide familien ganske enkelt dette ene passende huset i Giverny. Da Claude (jeg vil virkelig sette et mellomnavn 🙂) Monet kjøpte det, så huset annerledes ut. Godset ble kalt ganske interessant - "eplepressens hus." En eplepressemaskin sto i nærheten. I samsvar med sin smak utvidet mesteren huset i begge retninger, tilpasset behovene stor familie og for dine profesjonelle behov. En liten låve like ved ble knyttet til huset og ble kunstnerens første atelier. Og selv om Monet hovedsakelig jobbet i friluft, fullførte han lerretene i studio, og beholdt dem til og med. Over dette studioet var rommet hans. Mesteren okkuperte fullstendig hele venstre halvdel av huset - her kunne han jobbe, slappe av, ta imot gjester.

En smal terrasse strekker seg langs hele fasaden. Nå kan du komme deg inn i huset gjennom hovedinngangen, akkurat som på Monets tid. Den ble brukt av alle husstander, venner og gjester.

Det er ytterligere to sidedører, de har også utsikt over hagen. Hvis han umiddelbart ville komme inn i verkstedet sitt, gikk han inn i huset gjennom døren til venstre. Den høyre døren var beregnet på tjenere, den fører direkte til kjøkkenet.

Fasaden til Claude Monets hus er veldig enkel, men utsikten bedrar! Som ofte skjer, skjuler det seg bak en elegant fasade en svært middelmådig setting med et forlatt bibliotek, elendige sengetepper og malerier som ikke berører sjelen. Dette har ingenting med Monets hus å gjøre! Her, tvert imot, bak husets beskjedne utseende avsløres en fantastisk atmosfære, man kan nesten ikke forestille seg noe mer sjarmerende. Vi går opp trappene og jeg kjenner at pusten blir tatt fra muligheten til å berøre en annen verden – fargenes verden og den innbydende atmosfæren av enkel komfort. Spisestuen, den blå stuen tar deg med til England, så føler du plutselig rent franske trekk, og ekte Japan hersker rundt deg! Dette kan bare være huset til en kunstner! Alice brakte klassiske toner til atmosfæren, men fargene er Claude Monets fortjeneste, hans ord var alltid det siste og avgjørende. Noen ganger, når mesteren dro på jakt etter nye arter, skrev Alice til ham at hun hadde endret noe på soverommet sitt og var veldig fornøyd med resultatet. Mannens svar var alltid ganske kaldt: "Vent til jeg kommer tilbake, vi må se hva som har skjedd."

Hjemmebesøk starter med blå stue. I gamle dager ble det kalt den lilla (mauve) salongen eller den blå salongen. Den blå fargen på rommet ble valgt av mesteren selv. Impresjonisten la til sin egen komposisjon til de klassiske blåfargene, på grunn av dette har den en spesiell sjarm. Mesteren valgte fargen ikke bare i Alices stue, men også i alle rom i huset.

Interiøret i rommet er designet i fransk stil på 1800-tallet. Stuen er liten i størrelse og var beregnet på husets elskerinne, Alice. Her brukte hun vanligvis tid på å brodere, hun likte å sitte med barna. Men noen ganger hendte det at mange gjester stimlet sammen nettopp i den blå salongen. Dette skjedde når Monet jobbet i studioet sitt eller mediterte på soverommet, eller fanget de siste strålene fra solnedgangen mens han jobbet i friluft. Her ventet gjestene på verten, pratet, drakk te. I fuktig høstdager vann til te ble varmet opp i en stor samovar.

Alice hvilte ofte her med lukkede øyne. Da Claude Monet dro for skisser, nevnte han i brev til kona ofte at han ventet, ikke kunne vente til han endelig kunne pakke ut sine nye lerreter og undersøke dem sammen med sin kone. Den lyse, mettede blåen på veggene og møblene er overraskende kombinert med japanske trykk. Her hang de fleste graveringene av mesterens betydelige samling.

Japanske trykk i Monets hus.

Tradisjonelle japanske graveringer er trykk laget av treplanker. Klisjeene deres ble først skåret på skiver av kirsebær- eller pæretre. De har blitt ekstremt populære i Japan på grunn av deres relativt lave pris og masseproduksjon. På 1800-tallet ble japansk gravering også ført bort i Europa.

Hiroshige Asakusa Rice Fiels under Festival of the Cock

Monet samlet dem lidenskapelig i 50 år og samlet 231 graveringer. Det er generelt akseptert at mesteren kjøpte den første graveringen på begynnelsen av 1870-tallet i Holland. Men det er også kjent at Monet hadde sett slike tegninger før. Han innrømmet selv det en gang, tilbake i Le Havre, da han skulket skoletimer, så så jeg japanske graveringer brakt fra øst av handelsskip som fulgte til Tyskland, Holland, England og Amerika. Det var da den fremtidige grunnleggeren av impresjonismen møtte de første bildene av lav kvalitet, de ble solgt i kystbutikken i Le Havre, Monets hjemby. Hvilken av graveringene som dukket opp først i samlingen hans, vil nå ingen si.

Hokusai "Godt vær med sørlig vind" - en av de 36 utsiktene over Mount Fuji fra Claude Mont-samlingen

Maestro samlet ikke bare omhyggelig samlingen sin, han ga gjerne bort bilder. Monet kjøpte stadig hundrevis av dem og skilte seg også lett med mange. «Liker du japanske trykk? Velg noen for deg selv!» - nå og da hørt i huset til Monet. Mesterens barn og stesønner presenterte sjenerøst japanske graveringer.

Temaene for tegningene han samlet tilsvarte kunstnerens mangfoldige interesser - natur, teater, musikk, landlig liv, botanikk, entomologi, hverdagsscener. Han elsket å se dem rundt seg og han innrømmet selv at disse tegningene inspirerer ham veldig.

Graveringer pryder veggene i alle rommene i Monet-huset, de er også i gangrommet, som fungerte som et pantry.

Fra den blå stua går vi til spiskammers. Noen ganger er det vanskelig å forstå logikken i organiseringen av rommet. Hvorfor kommer de for eksempel inn i pantryet fra stua, og ikke fra kjøkkenet? Det er bare det at huset ikke har en korridor som forbinder alle rommene, noen av dem kan være en gjennomgang. For enkelhets skyld var det pantryet som ble bindeleddet mellom andre rom.

Selv til tross for denne rollen har spiskammeret blitt en viktig del av interiøret. Dette bevises av flere graveringer på veggen. De skildrer handelsskip med flagg flagrende i vinden, de frakter varer fra Yokohama til østkysten og tilbake. I en annen gravering ser vi kvinner i kimonoer og krinoliner ved bodene til utenlandske kjøpmenn i Yokohama. Graveringer i blåtoner passer her godt sammen med garderoben - hovedmøblet.

Skapet var låst med en nøkkel, som alltid ble oppbevart av husets elskerinne. Og bare hun oppdaget rikdommen til eksotiske land - Bourbon-vanilje, muskat og nellik fra Cayenne, kanel fra Ceylon og pepper levert fra Nederlandsk Øst-India. Krydder var ganske sjeldne og veldig dyre på den tiden. Aromaene av javansk kaffe og Ceylon-te kom fra skapet i bambusstil. Kinesisk te inn sent XIXårhundrer ennå ikke har blitt drukket, det dukket opp i Europa først på begynnelsen av det 20. århundre. All denne rikdommen lå i jernbokser, esker, skrin fra de beste parisiske mestere. De holdt her engelsk te, og olivenolje fra Aix, og foie gras fra. Det er skuffer i skapet og låser er også innebygd i hver av dem.

Pantryet er et kjølerom, det var ikke spesielt oppvarmet slik at mat kunne lagres, hovedsakelig egg og te. På Monets tid ble det spist mye flere egg enn nå. Det er to oppbevaringsbokser festet på veggen, de har plass til 116 stk. Monet-familien kjøpte ikke egg, de hadde sitt eget hønsehus på gården. Selv om verken Alice eller spesielt Claude Monet noen gang oppfattet livet i Giverny som provinsielt. Fra landsbyboere de var adskilt av en stor hage og et høyt gjerde. Men etter hvert ble de kjent med flere lokale familier. Det gikk imidlertid mye tid før hønene begynte å legge, kua begynte å gi nok melk og bær dukket opp på ripsbuskene.

Gå til først verksted, og senere - Monets stue. Gjennom sørvinduet strømmer lyset som en elv inn i masterens stue, og karnappvinduet mot øst hjelper også på god belysning. Men slik belysning er slett ikke egnet, i kunstnerens verksted skal vinduene vende mot nord! På grunn av første etasje var det umulig å ordne vinduer mot nord i dette rommet, og helt fra begynnelsen visste Monet at atelieret hans ikke ville bli her lenge, han ville plukke opp et bedre rom.

Og slik ble det, senere ble hans første verksted en stue. Selv om det forble et arbeidsrom, som vekslet med familie og vennlige samtaler, fikk Monet og Alice her mange besøkende, venner, gjester, kunsthandlere, kritikere, samlere. Her var det to skrivebord- ham og Alice. Begge var i aktiv korrespondanse, begge skrev mye og hver dag. Under det store vinduet står en cubansk sekretær i mahogni. Stoler, et salongbord, et musikkbord, en bokhylle i renessansestil fylt til fulle av bøker, en sofa, to kinesiske vaser - alt har vært bevart her siden Monets tid. Store vaser ble vanligvis fylt med blomster av samme sort, de ble plassert i hele stuen. Persiske tepper ga et snev av eleganse til rommet.

Reproduksjonene av Monets malerier på veggene tar besøkende tilbake til kunstnerens tid, fordi mesteren elsket å beholde lerreter som minnet ham om hvert trinn i karrieren. Riktignok er originalene, som tidligere prydet veggene i stuen, nå utstilt i Paris, på Monet Marmottan-museet. Tidligere var det verk som Monet ikke kunne skille seg fra. Noen ganger, allerede solgte malerier, kjøpte han tilbake, så solgte han igjen og igjen byttet eller kjøpte.

Han fikk knapt endene til å møtes da han for 50 franc tilbød å kjøpe lerretet «Veteuil in the Fog», skrevet i 1879, til Jean-Baptiste Faure. Det virket for Tom som om bildet var for hvitt, fargene var for knappe, og generelt var det umulig å fastslå hva som fortsatt var avbildet på lerretet. En dag, mange år senere, kom Faure til Giverny og så dette bildet på veggen i dette aller første verkstedet til mesteren og viste genuin interesse for det. Monet svarte gjesten at dette maleriet ikke lenger var til salgs for enhver pris og minnet Faure om omstendighetene han allerede hadde sett Vetheuil i tåken. Den flaue Faure fant flere gode grunner til å forlate Giverny så fort som mulig.

Her, som ellers i huset, er den opprinnelige atmosfæren bevart og dette skaper en følelse av tilstedeværelse av en mester. Han er virkelig usynlig her. Selv om i stedet for en levende mester, ble bysten hans av Paul Paulin installert i det første studioet. Bysten minner om at Monet ble en legende i løpet av hans levetid. Riktignok måtte han vente på anerkjennelse, det kom til artisten først i en alder av 50.

Claude Monet i sin første stue

Som mesteren forventet, ble det snart bygget et annet, mer komfortabelt verksted, det lå separat i den vestlige delen av hagen. For å gjøre dette måtte de bryte ned bygningene som sto der, og så snart Monet kjøpte et rosa hus, rev han alt overflødig uten å nøle og ble til slutt eier av et ekte verksted, hvor alt var tilrettelagt for arbeid, det var nok plass og et stort vindu mot nord! Det andre verkstedet ble mesterens helligdom, hvor ingen forstyrret ham under arbeidet hans.

Jeg kan ikke si om dette verkstedet er bevart, boken sier ikke noe om dette og det vises ikke for turister.

Soverom K. Monet plassert rett over hans første studio-stue. For å komme til kunstnerens soverom, må du gå tilbake til pantryet igjen. Derfra fører en veldig bratt trapp opp - dette er den eneste veien til masterens hvilerom. I dager med fortvilelse, tvil, dårlig humør og sykdom unngikk mesteren ethvert samfunn, også de som stod ham nærmest. Noen ganger forlot han ikke soverommet sitt på flere dager, gikk opp og ned, gikk ikke ned til middag, og mat ble brakt til ham her. Stillhet innhyllet huset på slike dager. Selv i spisestuen var det ingen stemmer hvis eieren ikke var i den.

På soverommet finner vi en ganske enkel seng hvor kunstneren sov og hvor han hvilte i en Bose 5. desember 1926. Veggene på rommet hans er hvite, på Monets tid var det fortsatt en sekretær fra Ludvig XIVs tid og to kommoder. Møblene var godt hundre år gamle allerede i mesterens levetid, de ble laget på slutten av 1700-tallet.

Fra hver av tre vinduer Soverommene har fantastisk utsikt til hagen. To av dem er orientert mot sør og en - mot vest.

Men hovedskatten på Monets soverom var malerier. Samlingen okkuperte også veggene på badet, og fortsatte inn på soverommet til Alice. Det var tre lerreter, 12 verk, ni lerreter, fem - Berthe Morisot, flere -, tre malerier av Camille Pissarro, det var Alfred Sisley, et sjølandskap av Albert Marquet. Samlingene ble supplert med pastellene til Morisot, Edouard Manet, Paul Signac og til og med et par skulpturer av Auguste Rodin.

Alice sitt soverom ligger ved siden av Monets rom. Som det var vanlig i adelens hjem på den tiden, sov ektemannen og kona på separate soverom. De kobles gjennom døren på badet.

Det veldig enkle rommet til kunstnerens andre kone er dekorert med japanske trykk som viser kvinner. Dette er et av få rom i huset med vinduer mot gaten, altså mot nord. På rommet hennes kan du forestille deg hvor trangt huset egentlig er. Fra soveromsvinduet hennes kunne Madame Monet se barna leke i den andre enden av eiendommen.

Helt øverst i hovedtrappen er det en liten bod for klesvask. Og langs den faller vi inn spisestue. Dette er kanskje det mest spennende rommet i Monets hus. Hvor mange kjendiser har hun sett i løpet av livet!

På Monets tid betydde en invitasjon til middag at gjestene strengt og betingelsesløst gikk med på alle husets uforanderlige tradisjoner. Dette betyr at hvis gjesten ikke er en gourmet, så er han i det minste en kjenner av haute cuisine. Han må like alt japansk. Gjestene er pålagt å kjenne den strenge rutinen til huset, hvor alt levde i samsvar med eierens arbeidsrytme, og med verdighet for å adlyde reglene og disiplinen, som var nær benediktineren. Den daglige rutinen var streng og urokkelig. Selv å gå gjennom huset og hagen fulgte en nøye utarbeidet rute.

Monet utvidet spisestuen betydelig på bekostning av det tidligere kjøkkenet, den ble stor og lys, med franske vinduer med utsikt over verandaen. I den viktorianske tiden var mørke og dystre interiørtoner på moten. Mesteren ga liten oppmerksomhet til mote og bestemte seg for å gi spisestuen to nyanser av gult. De vibrerende okerfargene fremhevet blåheten til keramikken fra Rouen og Delft i skjenken. Gulvet er dekket med sjakkfliser - mønsteret er skapt av hvite og mørkerøde paneler, denne kombinasjonen var veldig elsket på den tiden. Tak, vegger og møbler er malt i to nyanser av gult. 12 personer satt fritt ved et stort bord, men noen ganger var det også duket til 16 personer.

Spisestuen, som i seg selv så ut som et kunstgalleri, samlet hele familien, deres venner og æresgjester, inkludert gjester fra Japan som Mr. Kuroki Hayashi (Kurokis Hayashi). En gul linduk ble alltid lagt ut på bordet, vanligvis satte de en japansk fajanseservice, som ble kalt " kirsebærtre” eller hvit porselensservice med brede gule kanter med blå kant. Organzagardiner, også farget gule, ble delt for bedre belysning. To speil ble plassert overfor hverandre. Den ene var dekorert med et blått fajanse blomsterstativ fra Rouen, det andre hadde et grått og blått japansk blomsterstativ, i form av en åpen vifte, med en stor vase i bunnen.

Veggene i spisestuen er fylt med japanske trykk, som Monet valgte ut i henhold til fargesansen. Samlingen hans inkluderte verk av de beste japanske mesterne - Hokusai, Hiroshige, Utamaro.

For enkelhets skyld, ved siden av spisestuen er kjøkken- det siste rommet som kan sees i huset. Monet bestemte det i blått. Denne fargen harmonerte godt med den gule tonen i spisestuen. Hvis døren til neste rom ble åpnet, så gjestene en godt egnet blå farge for gul.

Utsikt til kjøkkenet fra den gule spisestuen

Dette var nok et brudd på de allment aksepterte reglene fra århundreskiftet, da kun kokken og hans assistenter regjerte på kjøkkenet og tjenere kom for å spise. Det er interessant at eieren aldri kom inn på kjøkkenet, og besøkte det bare en gang da han tenkte over dekorasjonen av dette rommet. Han bestemte at den bleke kongeblå ble godt mottatt av den rike blå, som mesteren brukte overalt i rommenes indre. Denne fargeskalaen tilførte rommet enda mer lys med to vinduer med utsikt over verandaen og et fransk vindu, som, som de fleste vinduer i huset, kikket inn i hagen.

Veggene på kjøkkenet er ferdig med blå Rouen-fliser. De betalte mye penger for det, fordi kobolt ble tilsatt for å gi det farge og produksjonsprosessen var veldig kostbar. Ikke bare veggene, men også gulvet og taket på kjøkkenet, samt bordet, stolene, isboksen, saltbøssene, skapene er malt i en farge. På den tiden ble fargen blå antatt å fremme hygiene og også frastøte insekter, spesielt fluer. De blå møblene på veggene og skapene på kjøkkenet understreker utstrålingen til kobberredskaper, en stor samling av disse er plassert på veggene.

Det er ikke overraskende at i en familie på 10 spilte mat en viktig rolle, og kjøkkenet ble ansett som et fristed. Tross alt var det nødvendig å gi frokost, lunsj og middag hver dag, ikke bare til husstandsmedlemmer, men også til gjester og tjenere. Her var alt underlagt formålet med rommet. Hver dag, i varme og kulde, ble det fyrt opp en stor komfyr på kjøkkenet med kull eller ved. En diger gryte med kobberlokk er innebygd og det var alltid varmt vann i huset.

Hver dag banket en bonde på et lite vindu med utsikt over gaten og kunngjorde at han hadde levert bestillingen på grønnsaker og frukt mottatt dagen før. Trinn ved siden av vinduet førte til en enorm kjeller hvor bedervelig mat ble lagret, og is ble levert fra nærliggende Vernon.

Kjøkkenet forlot knapt kokkenes fritid. Stadig var det nødvendig å kutte, smuldre, forstyrre, hogge. Og så - å vaske, rengjøre, polere en rekke kobbersausbåter, gryter, tekanner til neste gang, som aldri ble liggende.

Som andre steder tjenestegjorde flere kokker, noen ganger hele dynastier, i Monets hus. For eksempel ga Karolina og Melanie navn til oppskriftene de fant opp. Og den mest kjente kokken til Giverny var Margaret. Hun begynte å jobbe i huset som jente. Så introduserte hun Monet for sin forlovede, Paul. Og for at Margaret ikke skulle forlate hjemmet, tok Monet Paul med på jobb. Margaret ble værende på stillingen selv etter maestroens død, til 1939. I sjeldne øyeblikk av avslapning likte Margaret å sitte i en lav stol uten håndtak og bla i en oppskriftsbok, hvor hun hentet inspirasjon, som sin mester fra japanske trykk. Noen ganger stirret hun bare ut i hagen, der to kirsebærblomster blomstret i hvitt og mykt rosa. Da hun forlot Giverny og kom tilbake til hjemlandet Berry, husket hun: «Arbeidet i Giverny var veldig hardt, men når jeg jobbet, var det alltid to japanske trær foran meg.»

Omvisningen i huset slutter her. Vi flytter til Normandiehagen eller Clos Normand og deretter til Vannhagen.

Fotografering er forbudt i museet. Men jeg la merke til at i kunstnerens første verksted-atelier alle besøkende tar bilder, tok jeg også noen bilder.
Resten av bildene er hentet fra nettsiden til Claude Monet House Museum.
Basert på boken av Cdaire Joyes "Claude Monet at Giverny. En omvisning og historie om huset og hagen", Stipa, Montreuil (Seine-Saint-Denis), 2010

Et pittoresk sted ligger 80 kilometer nord for Paris Giverny (Giverny). Hundretusenvis av turister fra hele verden, hundretusener av mennesker som ikke er likegyldige til skjønnhet, valfarter hit. En impresjonistisk kunstner bodde og arbeidet her i førti-tre år. Claude Monet.

I 1883 kjøpte kunstneren et hus i denne landsbyen, hvor han slo seg ned med hele sin store familie. Monet idoliserte naturen. Han var glad i hagearbeid, kjøpte bøker og fattet stor interesse for landet i nærheten av sitt nye hjem.

Kunstneren utvekslet frø med andre gartnere, drev en aktiv korrespondanse med barnehager.For lokale bønder var "urbane" et uvanlig syn. Kunstneren unngikk ikke noe skittent arbeid i hagen, lokalbefolkningen respekterte ham veldig.

Monet-familien på tur i hagen (kunstneren til høyre)

Édouard Manet "Monet-familien i hagen"

Monet hjemme hos ham i Giverny

Til å begynne med okkuperte huset og det omkringliggende landet ikke mer enn 1 hektar. Men etter 10 år, da Monets økonomiske forhold gikk bra, kjøpte han en annen tomt, som ble skilt fra den gamle ved jernbanen. Senere ble den erstattet med en veibunn for biler, så Monets territorium forble delt.

Takket være kunstnerisk talent og flid, ble det som pleide å være en grønnsakshage i nærheten av huset, takket være Monet, til en ekte feiring av farger, lys og skjønnhet. Han plantet alt med forskjellige slags blomster og planter.

Kunstneren var så glad i planter og blomster (som betyr en overflod av farger under blomstringen!) at da han fikk en omfangsrik katalog med blomsterfrø, brukte han ikke mye tid på å studere den og bestilte alt! Roser, liljer, blåregn, tulipaner, tusenfryd, solsikker, gladioler, asters - alt dette møtte øynene til Monet-familien og deres gjester.

Men den andre delen av hagen, bak motorveien, vekker spesiell oppmerksomhet og ærefrykt blant besøkende. Dette er den såkalte vannhagen. Du kan komme dit gjennom en tunnel. Alle som kommer hit fryser ufrivillig, holder pusten, ser mesterverket skapt av den store kunstneren, gjenkjenner handlingene til hans verdensberømte malerier.

Claude Monet "Hvite vannliljer"

Claude Monet "Waters"

Claude Monet "Vann. Grønn refleksjon, venstre side”

Han drenerte myrlandet, dannet dammer og kanaler, og ledet dyktig vannet i Epte-elven inn i dem.
Bredden av dammen var dekorert med en rekke planter - bringebær, kristtorn, japansk sakura, anemoner, peoner og mange andre. Hovedattraksjonen i hagen er den japanske broen, sammenvevd med blåregn, som rett og slett ikke kan unngå å gjenkjenne elskere av kunstnerens arbeid. Og viktigst av alt, Monet bestilte frøene til nymfer (vannliljer) fra Japan og dekorerte vannoverflaten til dammen med dem. Nymfeer av forskjellige varianter ble plantet i dammen, gråtvider, bambus, iris, rhododendron og roser ble plantet langs bredden.

Hagen til Monet ble hans muse og hans hovedbeskjeftigelse. Claude Monet skrev om vannliljer:

«Jeg plantet dem for glede, uten engang å tenke på at jeg skulle skrive dem. Og plutselig, uventet, kom åpenbaringen av min fantastiske, fantastiske dam til meg. Jeg tok paletten, og fra den tiden av hadde jeg nesten aldri en annen modell.»

Maleteknikken til denne kunstneren er annerledes ved at han ikke blandet maling. Og han plasserte dem side ved side eller lagde den ene oppå den andre med separate slag. Monets favorittmåte å jobbe i serier tillot ham ikke å ignorere de minste nyansene av farge, lys - siden hver nyanse av naturtilstanden kunne dedikeres til et eget lerret. Japansk bro? - 18 alternativer. Dam med hvite vannliljer? - 13 malerier. Vannliljer? - 48 malerier. Og listen kan fortsette og fortsette...

Claude Monet "Vannliljer og japansk bro"

I 1916, da han allerede var 76 år gammel, bygde han et romslig studio til høyre for hovedhuset, som ble kalt "Water Lily Studio". Her realiserte kunstneren sin siste grandiose idé - han skapte paneler som skildrer vannliljer, som dannet et sirkulært panorama på omtrent 70 m i omkrets.

Disse maleriene donerte han til Frankrike, og de ble plassert i en spesialbygd paviljong, som ligger i utkanten av Tuileries-hagen, hvor den åpner ut mot Place de la Concorde. Hvis du ser på paviljongen ovenfra, ser den ut som en åttefigur. I to ovale rom forbundet med en overligger er det hengt opp malerier som viser en dam i Giverny: seks eller åtte lerreter. I hovedsak er dette et bilde som formidler endringer i naturen i løpet av dagen som er utilgjengelige for det vanlige øyet.

Kunstkritikere sier at maleriet her har nådd en slik perfeksjon at det visket ut grensen mellom realisme og abstrakt kunst. Claude Monet stoppet akkurat øyeblikket, fordi alt forsvinner, men ingenting forsvinner, og livet er alltid en forventning. neste dag. Det var en livstriumf for Claude Monets arbeid.

Claude Monet "Vannliljer (skyer)"

Claude Monet "Dammen med vannliljer og iris"

Claude Monet hentet inspirasjon fra vannhagen i 20 år. Monet skrev:

"... åpenbaringen av min fantastiske, fantastiske dam kom til meg. Jeg tok paletten, og siden den gang har jeg nesten aldri hatt en annen modell.

Han skapte først malerier i natura, de ga refleksjoner i dammens vannoverflate, og deretter overførte kunstneren dem til lerreter. Da han stod opp hver dag klokken fem om morgenen, kom han hit og malte uansett vær og årstid. Her skapte han mer enn hundre malerier. Dette er veldig overraskende for et geni, men Claude Monet var en veldig glad person. Han oppnådde anerkjennelse i løpet av livet, elsket og ble elsket, gjorde det han elsket.

"Jeg er god for ingenting annet enn maling og hagearbeid."
Claude Monet

Monet viet nesten tretti år av sitt lange liv til favorittemnene sine. Den berømte impresjonisten døde i Giverny i 1926 i en alder av 86 år. Etter kunstnerens død i 1926 tok datteren Blanche seg av huset. Men under andre verdenskrig forfalt det. Senere i 1966 overleverte Monets sønn godset til akademiet kunst, som umiddelbart startet restaureringen av huset, og deretter hagen.

Claude Monets hage ble restaurert etter en lang periode med forsømmelse takket være generøsiteten til amerikanske og franske lånetakere, og var viden kjent på begynnelsen av århundret. Georges Clemenceau, som kjente kunstneren fra møtetiden i den parisiske kafeen "Gerbois" og eide en av landsbyhus ikke langt fra Giverny, ble så slått av denne begivenheten at han til og med dedikerte en liten brosjyre til den, der han skrev:

"Hagen til Claude Monet kan betraktes som et av verkene hans, der kunstneren mirakuløst realiserte ideen om å transformere naturen i henhold til lovene om lysmaleri. Verkstedet hans var ikke begrenset av vegger, det gikk ut i friluft, hvor fargepaletter var spredt overalt, trente øyet og tilfredsstilte den umettelige appetitten til netthinnen, klar til å oppfatte livets minste flagre.»

Nå får Giverny besøk av mer enn en halv million mennesker i året. Franskmennene planlegger å søke om å få med Claude Monets husmuseum og hagen i Giverny på UNESCOs verdensarvliste.

Veibeskrivelse til Monets hage:

Frankrike, Giverny (80 km nord for Paris langs motorveien A13).
Hagen er åpen for besøkende alle dager unntatt mandag fra 9.30 til 18.00 (billettsalget avsluttes en halvtime før stengetid).

Kostnaden for inngangsbilletter:

Voksne: 9 euro
Barn fra 7 år og studenter: 5 euro
Barn under 7: gratis
Deaktivert: 4 euro

Parkering: gratis

Husk at hvis du vil se maleriene til kunstneren, må du gå til Orsay-museet, Orangerie-museet og hundre andre museer i verden, siden det ikke er noen malerier av kunstneren her.

Claude Monets hage i Giverny kan med rette kalles et ekte kunstverk, som du kan beundre uendelig. Den rolige landsbyen Giverny ville ha forblitt en rolig pittoresk provins, hvis ikke den impresjonistiske kunstneren som gikk forbi med tog og ble forelsket i den lokale skjønnheten.

Takket være Claude Monet kommer turister hit hvert år som virkelig ønsker å bli kjent med alle severdighetene på eiendommen til det store geniet.

Claude Monet la stor vekt på lyset, dets nyanser og skyggespillet og virkelig idoliserte natur. Han kjøpte et enkelt bondehus i Giverny i 1883. Der skulle hans store familie bodd - hans kone Alice, hennes barn fra hennes første ekteskap og deres felles barn.

Monet var så vanvittig forelsket i blomster at han plantet et helt drivhus av forskjellige varianter på stedet hans. Alt opprøret av farger, spill av lys og skygge, unike landskap nedsenket i grøntområder ble reflektert i kunstnerens malerier, som han malte med spesiell kjærlighet. Litt senere, på stedet bak huset, organiserte Monet en hage ved vannet, hvor hovedattraksjonen var vannliljer som blomstret hele året. Kunstneren likte spesielt å tegne dem.

Nesten hver dag, fra fem om morgenen, tilbrakte kunstneren tid i denne hagen, og overførte all den omkringliggende skjønnheten til lerretene sine. Det var på dette tidspunktet kreasjonene til Claude Monet ble høyt verdsatt av fansen. Kunst og han har vunnet popularitet. Mange medarbeidere til den store kunstneren kom for å beundre den blomstrende hagen, Giverny ble assosiert med stort navn Monet.

Impresjonisten levde et langt og lykkelig liv, og etterlot seg unike kunstverk. I dag kan alle komme inn i Monets eiendom. Roser vokser fortsatt der og fortryller med den guddommelige aromaen, hvite vannliljer flyter i dammen, og impresjonismens udødelige ånd flyr i luften.

Levende malerier av Claude Monet

Elena Tyapkina

"Når du ser Claude Monet i hagen sin, begynner du å forstå hvordan en så stor gartner kunne bli en så stor kunstner," skriver den symbolistiske poeten Gustave Kahn etter sin reise til Giverny, en pittoresk landsby nær Paris.
- Monet "flott gartner"? Poeten tok feil: Monet er en stor impresjonist som malte bilder hele livet!
Men nei, Kahn hadde rett: hele livet - 43 år! Monet skapte en hage.

Han elsket alltid blomster og malte dem alltid. Og i 1883, etter å ha bosatt seg i Giverny, ble han gartner. Absorbert av kjærligheten til planter, skaper han først en Normandie og deretter en fantastisk vannhage. Hagen blir ikke født umiddelbart - Monet prøver, søker, eksperimenterer hele tiden. På reisene finner han plantene han trenger: fra Rouen sender han åkersennep og to «små morsomme nasturtiums», og fra Norge lover han barna å ta med seg «noen spesielle planter» fra nordlandet.

Han samler bøker om hagebruk, og fremfor alt setter andre pris på oversettelsen av den berømte "Illustrated History of Horticulture" av George Nichols; abonnerer på nesten alle blader om blomster og hager; samler kataloger over frø, spesielt interessert i nye produkter.
På turer vender kunstneren stadig tilbake til Giverny i tankene sine. Han spør kona Alice om hvordan hagen er, bekymrer seg for plantene, gir råd om hvordan han best kan ta vare på drivhusdyrene. Er det noen blomster igjen i hagen? Jeg vil at krysantemumene skal være bevart der når jeg kommer tilbake. Hvis det er frost, kutt dem i vakre buketter ”(fra et brev fra 1885).

Dag etter dag, år etter år, skapte Monet tålmodig hagen sin. Utseendet til kunstneren og hendene til gartneren hjalp ham med å gjøre en vanlig eiendom med frukttrær til et levende bilde, der naturens skjønnhet og variasjon blir formidlet gjennom fargekombinasjoner og former. I Monets hage var det ingenting overflødig, tilfeldig, det var ingen blind samling - bare harmoni.

Hagen ble en fortsettelse av verkstedet hans. Ubønnhørlig på jakt etter perfeksjon, skapte Monet først et blomstermaleri i en hage og overførte det deretter til lerret. I i fjor livet trengte han ikke lenger å forlate Giverny - han malte en hage. Kunstneren beveget seg på en liten båt langs "smugene" i vannhagen, malte, malte, malte ... en pukkelryggbro, en vannflate med trær, blåregn og vannliljer reflektert i den.

Slik dukket det opp en lyrisk serie malerier under det generelle navnet "Vannliljer". "Det tok lang tid," skrev Monet, "før jeg kunne forstå vannliljene mine. Jeg plantet dem for glede, uten engang å tenke på at jeg skulle skrive dem. Og plutselig, uventet, kom åpenbaringen av min fantastiske, fantastiske dam til meg. Jeg tok paletten, og siden den gang har jeg nesten aldri hatt en annen modell.Oppfattelse av levende natur kommer ikke til oss umiddelbart.

Monets fantastiske hage

Men ingenting av dette kunne ha skjedd: myndighetene tillot ikke kunstneren å arrangere en vannhage på lenge, i frykt for at nymfene, en ukjent blomst på den tiden, ville forgifte vannet i Epte-elven ...

Og dessverre, vi vil ikke se mye: ekstremt krevende av seg selv, Monet brente mange skisser og allerede ferdige malerier uten å angre. «Vet at jeg er oppslukt av arbeidet mitt. Landskap av vann og refleksjoner har blitt en besettelse. Dette er utenfor min senile styrke, men jeg vil ha tid til å fange det jeg føler. Jeg ødelegger dem og begynner på nytt," skrev han til biografen Gustave Geffroy i 1908.

Mesterens viktigste arbeid var en serie enorme "Dekorative paneler med vannliljer": "Himmelen og horisontlinjen vises bare i refleksjon. I disse panelene er en verden i stadig endring; verden er uforståelig, men den ser ut til å trenge gjennom oss. Og denne evige fornyende verden så ut til å oppløses på overflaten av en dam med vannliljer.

I sine fallende år tilsto Monet overfor Georges Clemenceau: «Hvis du skriver verden rundt oss mange ganger, begynner du å bedre oppfatte virkeligheten, eller det lille vi er i stand til å forstå. Jeg forstår bildene av universet for å vitne om det jeg ser med børsten min.

Etter kunstnerens død ble hagen hans glemt i lang tid. Skapelsen, som Monet skapte for halve livet med en slik omsorg og slik kjærlighet, vokste gradvis vilt. Heldigvis bestemte det franske kunstakademiet seg for å restaurere hagen. Fra små fragmenter spredt rundt i verden: skisser, fotografier, bestillingsskjemaer som Monet laget i barnehager, essays av journalister, prøvde de igjen å skape et helhetlig bilde. Restaureringen tok tre år, og i 1980 vendte besøkende tilbake til stiene i hagen. Igjen, fordi Monet aldri var en eneboer og gledet seg oppriktig over noen gjest.

Hagen dekket et område på rundt to dekar og ble delt av en vei i to deler. Den i nærheten av huset - den øvre eller blomsterhagen - ble arrangert på stedet for en grønnsakshage. Dette er en "herregård i Normandie", designet i tradisjonell fransk stil. Den sentrale bakgaten er dekorert med jernbuer, som klatreroser klatrer på. Roser vikler seg rundt rekkverket rundt huset. Hagens plass er delt inn i blomsterbed, hvor blomsterkratt i forskjellige høyder skaper volum. De strenge rette linjene i smugene står i kontrast til det brokete teppet av blomster som dufter hele året. Hver sesong har et spesielt fargevalg. Om våren - en overflod av påskeliljer og tulipaner, deretter blomstrer rhododendron, syriner, blåregn. Senere blir hagen til et ekte hav av iris, kunstneren elsket dem spesielt. Stien omkranset av iris er avbildet på kjent maleri Kunstnerhagen i Giverny. Iris erstattes av peoner, dagliljer, liljer, valmuer. På høyden av sommeren blomstrer blåklokker, snapdragons, morning glory, akelei, salvie og selvfølgelig roser i alle nyanser og fasonger. Og i september kommer tiden for dahliaer, mallows, asters og krysantemum, stiene er okkupert av nasturtium. Dette er et ekte kongerike av blomster og farger!

I 1893, 10 år etter ankomsten til Giverny, kjøpte Monet en tomt ved siden av eiendommen sin på den andre siden av jernbanen og gjorde den om til en dam "med vannplanter for underholdning og rekreasjon for øynene, samt en tomt for maling." Da Monet planla vannhagen, fulgte rådet fra en japansk gartner som hadde besøkt Giverny en stund. Japanske motiver merkes tydelig her, innflytelsen fra tradisjonell orientalsk filosofi om kontemplasjon av naturen. I 1895 bygger Monet den berømte japanske broen, som ser ut til å ha migrert til hagen fra en gravering av Hokusai. Kinesiske ginkgo-trær og japanske frukttrær skilte seg ut blant den vanlige vegetasjonen i hagen; en tett skog av bambuskratt strakte seg langs trange smug. Dammen var tykt foret med bregner, asalea og frodige rosebusker. Vannet ble varmet opp noen steder, og der blomstret luksuriøse tropiske vannliljer. "Her og der, på overflaten av vannet, blomster av vannliljer med et karmosinrødt hjerte, hvite i kantene, røde som jordbær ... og på avstand noen likheter stemorsblomster tett sammen, som i et flytende blomsterbed, og som møll sprer de sine polerte blåaktige vinger over den gjennomsiktige skråningen til denne vannblomsterhagen; og en himmelsk blomsterhage også...» - skrev Marcel Proust.

Den lille landsbyen Giverny dukket opp på kartene for mer enn tusen år siden, men er hovedsakelig kjent som stedet der den verdensberømte impresjonisten Claude Monet bodde i 43 år og hvor et stort antall av maleriene hans ble skapt. Bare 80 km skiller dette pittoreske stedet fra Paris. Takket være tilstedeværelsen av en berømt mester i løpet av hans levetid, ble den iøynefallende landsbyen et fristed og hvilested for mange kunstnere.

Matisse, Cezanne, Renoir, Pissarro pleide å gå langs gatene i Giverny.

Hvordan komme seg dit

Det mest romantiske er å skynde seg til Giverny på egenhånd. Toget fra Paris Saint-Lazare går til Vernon, hvor det vanligvis står en buss som venter for å ta deg de resterende 6 km til Monets hage. Du kan leie en sykkel for 12 EUR på Café du Chemin de Fer, rett overfor stasjonen. Denne korte stien kan også dekkes til fots: vi krysser elven og tar deretter til høyre inn på D5-veien. Vær forsiktig: når du kommer til Giverny, ta til venstre ved veiskillet, ellers må du gå rundt i hagen.

Med bil vil reisen fra Paris ta omtrent en time. Ta A13 mot Vernon/Giverny til avkjørsel 14.

Prisene på siden er for august 2018.

Søk etter fly til Paris (nærmeste flyplass til Giverny)

Claude Monets hage

I tillegg til å være Monets hjem og kreative verksted som kunstner, er den vakre landsbyen den beste illustrasjonen på hans enestående ferdigheter som landskapsdesigner og hagebruker. Tross alt var det viddene til Giverny som ble et blankt lerret der kunstneren eksperimenterte med varianter av roser, hyasinter, iris, kombinerte stive bregner og frodige peoner, satte i gang falmede forglemmigei med saftige valmuer. Og det var landskapene i denne hagen som dannet grunnlaget de beste fungerer Monet.

Nå kommer beundrere av Monets verk hit fra hele verden for å se med egne øyne en dam med vannliljer og en japansk blondebro kastet over en dam. Kunstneren jobbet også med denne delen av hagen med egne hender, og skapte møysommelig for seg selv en inspirasjonskilde for de neste 20 årene. Her skapte han kjente verk"Rock of the Aiguille and Porte d'Aval", "Mannport Gate in Etretat", "Rocks in Belle-Ile", "Rocks in Etretat", "Hack in Giverny", "Vanan Lilies".

Monets herregård i Giverny

Etter kunstnerens død ga sønnen Michel eiendommen til Kunstakademiet. Dens ansatte opprettholder fortsatt nøye utseendet til huset og hagen i den formen eieren forlot dem, og gjør dette stedet til husmuseet til den franske impresjonistiske maleren (Musée Claude Monet).

Innvendig finner du ikke Monets verk, men huset malt i lyse farger er fylt med dagligdagse detaljer fra mesterens liv, og salen er det berømte Water Lily-atelier, dekorert med reproduksjoner av Monets verk. Den beste tiden å besøke hagen er mai og juni, når blåregn rhododendron begynner å blomstre rundt dammen.

Praktisk informasjon

Adresse: Giverny, Rue Claude Monet, 65-75. Den offisielle nettsiden til eiendommen (tilgjengelig på fransk, engelsk og japansk).

Åpningstider: daglig fra april til november, fra 9:30 til 18:00.

Inngang: 9,50 EUR (voksne), 5,50 EUR (barn over 7 år og studenter), barn under 7 år kommer inn gratis.

Populære hotell i Giverny

Severdigheter i Giverny

Å gå rundt i omgivelsene til den normanniske landsbyen er en mulighet til å se på verden gjennom Monets øyne, det er umulig å være likegyldig til de myke grønne åsene, duftende lundene, steinhusene omgitt av velkuttede tregjerder, modige iris som gå gjennom veistøvet, hvor de vil, og ikke hvor menneskehånden befaler. Og med en gang vil jeg ta en blyant, penn, pensel, kamera og fange den fortryllende skjønnheten til et enkelt landlig landskap.

Museum for impresjonisme

I tillegg til Monet-familien, har Giverny andre attraksjoner, som Museum of Impressionism, laget for å være vertskap for midlertidige utstillinger og installasjoner av impresjonistiske kunstnere. Det hender at til og med Monets verk blir stilt ut i salene hans. Forresten, ganske nylig ble denne bygningen kalt Museum of American Art og spesialiserte seg i arbeidet til amerikanske kunstnere, men det ble besluttet å flytte de geografiske grensene for kunst som feide over hele verden.

Museet er åpent fra begynnelsen av april til slutten av oktober. Forresten, salg av kombinerte billetter tilbys, noe som gir en rabatt når du besøker flere attraksjoner i Giverny. Adresse: Giverny, rue Claude Monet, 99. For mer informasjon om åpningstider og billettrabatter, besøk museets hjemmeside (på engelsk).

Kafe

Du kan ta et hyggelig pusterom ved å se på hus nummer 81 i Claude Monet-gaten, hvor det tidligere hotellet har skjermet seg, og i dag den nydelige restauranten Hotel Baudy. Dette stedet er en ekte legende: Cezanne, Renoir, Sisley, Rodin drakk en gang kaffe ved bordene på denne kafeen, og på slutten av 1800-tallet bodde bare kunstnere i de øverste etasjene på hotellet. "Hotellet for amerikanske kunstnere" bevarte til og med en rekke malerier og skisser av nå kjente mestere, som gjestene betalte vertinnen for overnatting med. Nå kan du smake på fransk mat ved å betale 25-30 EUR for lunsj.

Monets familiehvelv

Ved siden av kirken St. Radegunde ligger Monets familiegravsted. Den gamle kirken er et landlig, upretensiøst tempel slående med sin antikke og spesielle atmosfære. I denne kirken giftet Monet seg for andre gang, og ble senere gravlagt i familiens familiehvelv. Den eldste gaten i landsbyen, rue aux Juifs, i middelalderdelen av Giverny, er gjennomsyret av en spesiell sjarm, noe de gamle bygningene og ruinene av et middelalderkloster viser.

• Hvor du skal bo: Utgangspunktet for å reise rundt i hovedstaden i Frankrike, er det best å velge direkte

Kjører du 80 km nord for Paris, kan du komme deg til det pittoreske stedet Giverny. Denne landsbyen er kjent for det faktum at Claude Monet bodde og jobbet her i førti-tre år. Etter å ha bosatt seg i landsbyen i 1883, ble kunstneren så revet med av hagearbeid at det nesten ikke var noe på lerretene hans bortsett fra utsikten over favoritthagen hans og valmuefeltet, som ligger i utkanten av landsbyen.

Til å begynne med besto Monets hage bare av territoriet ved siden av huset (ca. 1 hektar). Her skar kunstneren først og fremst ned en dyster bakgate av graner og sypresser. Men det ble igjen høye stubber som klatreroser så klatret på. Men snart ble krypene så store at de lukket seg og dannet en hvelvet blomstrende tunnel som førte fra porten til huset.

Selvfølgelig kollapset stubbene over tid, og nå er rosene støttet av metallstøtter. Dette stedet kan sees i Mesterens malerier: perspektivet til smug, der det er frodige blomster til venstre, høyre og over, og på stien under deres tynne, åpne skygger.

Området foran huset, som var synlig fra vinduene, gjorde kunstneren om til en blomsterpalett, blandet og matchet maling. I Monets hage er et broket duftende teppe av blomster delt inn i rette stier, som maling i en boks.

Monet malte blomster og malte med blomster. Han er sann talentfull person var både en fremragende kunstner og en fremragende landskapsdesigner. Han tok en stor interesse for hagearbeid veldig seriøst, kjøpte spesielle bøker og blader, korresponderte med planteskoler, byttet frø med andre blomsterdyrkere.

Andre artister besøkte ofte Monet i Giverny. Matisse, Cezanne, Renoir, Pissarro og andre har vært her. Da han visste om eierens lidenskap for blomster, ga venner ham planter som gave. Dermed fikk Monet for eksempel trelignende peoner hentet fra Japan.

På dette tidspunktet er Claude Monet i ferd med å bli berømt. Maleteknikken til denne kunstneren er annerledes ved at han ikke blandet maling.

Og han plasserte dem side ved side eller lagde den ene oppå den andre med separate slag. Livet til Claude Monet flyter rolig og behagelig, hans familie og elskede kone er i nærheten, maleriene er godt kjøpt, kunstneren gjør entusiastisk det han elsker.

I 1993 kjøpte Monet en tomt med myrlendt land ved siden av hans, men som lå på den andre siden av jernbanen. Det var en liten bekk her. På dette stedet skapte kunstneren, med støtte fra lokale myndigheter, en dam, først liten og deretter forstørret. Nymfeer av forskjellige varianter ble plantet i dammen, gråtvider, bambus, iris, rhododendron og roser ble plantet langs bredden.

Det er flere broer over dammen, som har en veldig svingete kystlinje. Den mest kjente og største av dem er den japanske broen, sammenflettet med blåregn.

Monet malte ham spesielt ofte.

Monets vannhage er påfallende forskjellig fra området rundt, den er skjult bak trærne. Hit kommer du kun gjennom en tunnel lagt under veien.

Alle som kommer hit fryser ufrivillig, holder pusten, ser mesterverket skapt av den store kunstneren, gjenkjenner handlingene til hans verdensberømte malerier.

Claude Monet hentet inspirasjon fra vannhagen i 20 år. Monet skrev: «... åpenbaringen av min fantastiske, fantastiske dam kom til meg. Jeg tok paletten, og siden den gang har jeg nesten aldri hatt en annen modell.

Han skapte først malerier i natura, de ga refleksjoner i dammens vannoverflate, og deretter overførte kunstneren dem til lerreter. Da han stod opp hver dag klokken fem om morgenen, kom han hit og malte uansett vær og årstid.

Her skapte han mer enn hundre malerier. På dette tidspunktet begynte Monet å miste synet ... Det ble stadig vanskeligere for ham å skille og skrive små detaljer. Kunstnerens malerier er gradvis i endring. Detaljer og nyanser er erstattet av store malingsstrøk som viser lys og skyggespill.

Men selv i malerier malt på denne måten, gjetter vi umiskjennelig kjente plott. Kostnadene for malerier fortsetter å stige ... Claude Monet døde i sitt hjem i Giverny i 1926.

Stedatteren hans Blanche tok seg av hagen. Dessverre, under andre verdenskrig, falt hagen i forfall. I 1966 overlot kunstnerens sønn Michel Monet eiendommen til Kunstakademiet, som umiddelbart startet restaureringen av huset, og deretter hagen. Nå besøkes godset i Giverny årlig av en halv million mennesker.

Claude Monet levde et stort lykkelig liv. Han klarte å gjøre det han elsket, å kombinere maling og hagearbeid, å leve i overflod. Han var veldig glad i sitt personlige liv, han elsket og ble elsket. Monet ble berømt i løpet av sin levetid, noe som er sjeldent for artister. Og nå over hele verden er han fortsatt en av de mest kjente og elskede artistene. Og vi er spesielt glade for at denne enestående personen ikke bare stor maler, men også vår kollega og lærer, Master of Landscape Art.

Giverny på lerretene til Claude Monet

Biografi om Claude Monet (1840-1926)

Utdannelsen til Claude Oscar Monet begynte i Normandie-byen Le Havre, hvor familien flyttet fra Paris i 1845, da unge Claude var bare fem år gammel. I Le Havre åpnet faren Claude-Auguste sammen med svogeren Jacques Lecadre en butikk som solgte skipsutstyr og dagligvarer, mens familien slo seg ned i Faubourg Sainte-Adresse ved kysten.

Etter å ha lært å tegne på egen hånd, fikk fjorten år gamle Monet betydelig erfaring ved å tegne morsomme karikaturer av de mest kjente menneskene i Le Havre. Disse første verkene, fylt med velvillig humor, laget i blyant og kull, vakte veldig tidlig oppmerksomheten til innbyggerne i byen til Monet. Den unge artisten har en "klientell", alle vil ha karikaturen sin, og han selger dem for en pris på ti til tjue franc. I løpet av denne perioden er Monet engasjert i å tegne under veiledning av en student av David Jacques-Francois Auchard, som underviser ved høgskolen der han studerer, og blir kjent med arbeidet til landskapsmaleren Eugene Boudin, som skiller seg fra sine samtidige i at han skriver om naturen. Til å begynne med var Monet, som mange andre innbyggere i byen, kritisk til Boudins metode, men etter å ha møtt kunstneren personlig, sluttet han seg til ham og begynte også å male utendørs - som et resultat fascinerte naturen ham som maler for livet.

Kommunikasjon med Boudin bekrefter den unge Monet i hans besluttsomhet om å for alvor engasjere seg i maleri; og for dette er det best å flytte til den franske hovedstaden, hvor de mest betydningsfulle kunstakademiene er konsentrert.

Monet hadde en forståelsesfull tante, og hun overbeviste faren om å la sønnen forlate familiebutikken i Le Havre og tilbringe et prøveår, 1859, i Paris. Etter å ha samlet inn sparepengene fra salg av karikaturer, dro Monet til Paris, etter å ha sikret seg flere anbefalingsbrev fra samlere og kunstelskere som beskyttet Boudin og hadde forbindelser med kunstneren Constant Troyon i hovedstaden.

I mai 1859 flyttet Monet til hovedstaden og studerte en tid ved Academy of Suisse og kommuniserte med Eugene Delacroix og Gustave Courbet. Samtidig møtte den unge mannen Camille Pissarro, og sammen med ham besøkte han ofte Brassrey de Martyr ("Martyrenes taverna"), hvor realister, ledet av Courbet, samles og hvor han tilfeldigvis også møter Baudelaire. Monet besøker Paris-salongene, besøker Louvre og skriver lange brev til Boudin med en detaljert rapport. På salongene har han muligheten til å lære og sette pris på arbeidet til Troyon, en representant for Barbizon-skolen for landskapsmaleri, som også inkluderte Corot, Rousseau og Daubigny. Monet rådfører seg med Troyon om sitt eget maleri, og kunstneren anbefaler at han går inn i verkstedet til Thomas Couture for å lære å tegne. Men Monet var fremmed for den akademiske måten å male Couture på, og i motsetning til rådene fra Troyon, fortsetter han å jobbe i verkstedene til slike kunstnere som Arno Gauthier, Charles Mongineau, Charles Jacques. På dette stadiet blir Monet også kjent med maleri fra naturen av Daubigny, hvis uttalte naturalisme så å si kaster en bro fra Barbizon-skolen til impresjonisme.

Høsten 1860 ble Monet innkalt til militærtjeneste og sendt til tjeneste i Algerie, hvor han tilbrakte to år. Han minner om at denne perioden av livet hans førte med seg oppdagelsen av nye farger og lyseffekter, noe som avgjørende påvirket dannelsen av hans kunstneriske oppfatning. På slutten av sitt andre år i Alger blir han sendt tilbake til Frankrike på grunn av sykdom. I Le Havre møter Monet Boudin igjen og møter nederlandsk kunstner Johann Jonkind, som de umiddelbart blir gode venner med. På slutten av sommeren, når Monet allerede er nær bedring, bestemmer faren hans, i frykt for sønnens helsetilstand, å betale den som skal erstatte ham med militærtjeneste, og godtar også å hjelpe til med videre maletimer.

I november 1862 vendte Monet tilbake til Paris, hvor han etter råd fra en slektning, den akademiske kunstneren Tulmush, arbeidet en tid i verkstedet til Gleyre, hvor han møtte kunstnerne Renoir, Basil og Sisley, som veldig snart ble hans nære venner.

I denne forbindelse hadde arbeidet til Manet, som stilte ut sin "Luncheon on the Grass" i 1863 på Salon des Les Misérables, stor innflytelse på ham. Kontroversen startet av pressen og tilhengere av akademisk kunst i forbindelse med dette bildet, som skildrer en naken ung kvinne mot bakgrunnen av en storslått skog i selskap med to menn som med klærne tydeligvis tilhører det moderne borgerlige samfunnet, ga mat til livlige diskusjoner blant unge artister: Monet deltok også i dem. Det var i disse årene, under heftige debatter på kafeene til Gerbois, at Manet med sine malerier ble et symbol på fornyelsen av maleriet og den åndelige lederen for en gruppe kunstnere senere kjent som "impresjonistene".

Samtidig malte Monet og hans kamerater i Gleyres verksted ofte fra naturen i skogen i Fontainebleau, og sommeren 1864 reiste han til Honfleur i selskap med Boudin, Jonkind og Basil og slo seg ned med sistnevnte i Saint-Simeon , et favorittsted for artister.

I 1865 stilte han ut for første gang på Salongen, og hans to sjølandskap ha beskjeden suksess. Monet drar til Chailly, hvor han slår seg ned på Golden Lion Hotel og jobber med en rekke studier for Luncheon on the Grass, som alle er varianter av det berømte maleriet av Manet, utstilt på Salon des Les Misérables i 1863. Basile og Camille Donsier, som senere ble hans livspartner, poserer på bildet. Skissene er av stor interesse for Courbet, som spesielt kom til Chailly for å følge prosessen med fødselen til dette maleriet, laget i naturen.

Gustave Courbet og tegneserieskaperen Honore Daumier var virkelig idolene til kunstnere langt fra offisielt anerkjent maleri. Verkene til begge – det er nok å minne om Courbets «Artist's Workshop» og Daumiers «Third Class Carriage» – sjokkerte offisielle kretser med sin realisme, så vel som valget av emner som ble ansett som vulgære og uverdige å skildre på lerret. Begge sto ved opprinnelsen til realismen - en trend som involverte ikke bare sammenslåing med naturen og landskapsmaleriet i friluft, men også søken etter uttrykksfulle midler for den kunstneriske legemliggjøringen av virkeligheten, der hver person, uavhengig av sosial status, spiller en rolle. Det er forståelig at Monet beundret Courbet og studerte teknikken hans med interesse, spesielt bruken av mørk bakgrunn.

I maleriet "Camille in Green" - et portrett av Monets venn i full høyde, skrevet i 1866 - kunstneren hyller utvilsomt maleteknikk Courbet. Det er dette verket som er utstilt på Salongen i 1866 og får positive anmeldelser fra kritikere; han begynner å bli snakket om i pressen, og ekkoene av suksessen hans når Le Havre, og lar ham gjenvinne respekten til familien sin. På den tiden jobbet kunstneren i Ville d'Avre, hvor han fra livet malte et stort lerret «Kvinner i hagen»; for alle fire kvinnelige figurer poserer en modell, Camille. Dette maleriet, kjøpt av Basil, ble avvist av juryen til 1867-salongen.

Denne gangen var veldig vanskelig for Monet, som manglet ekstremt penger, konstant forfulgt av kreditorer og til og med prøvde å begå selvmord. Kunstneren må hele tiden bevege seg fra sted til sted, enten til Le Havre, så til Sainte-Adresse, så til Paris, hvor han maler fantastiske bylandskap. Så drar han igjen til Normandie, til Etretat, hvor han får hjelp av kjøpmannen Godibert, som, i troen på ham, kjøper flere malerier og forsyner ham med et hus i 1869 i Saint-Michel de Bougival, en landsby ved bredden av byen. Seine noen kilometer mot nordvest fra Paris.

Auguste Renoir besøker ham ofte i Saint-Michel, og kunstnerne begynner å jobbe sammen om de samme emnene. På dette stadiet blir naturen det egentlige studieobjektet. Her, ikke langt fra Paris, mellom Chatou og Bougival, ved bredden av en av grenene til Seinen, finner kunstnerne det mest fargerike hjørnet, det mest egnet for å studere gjenskinn og refleksjoner på vannet - en liten restaurant og en tilstøtende badeplass, søndagshvileplass for velstående parisere. Oppmerksomheten til kunstneren tiltrekkes først og fremst av flyktige effekter i en stadig skiftende natur; denne orienteringen i seg selv blir Monets kreative trosbekjennelse, som han forblir trofast til i de påfølgende årene.

Fra deres felles kreative aktivitet er født kjente utsikter bad og en restaurant, kjent som "frosken". Dette bildet, i likhet med terrassen ved Sainte-Adresse malt to år tidligere, vitner om Monets innflytelse på maleriet. orientalsk kunst, som spredte seg i Frankrike i andre halvdel av århundret i forbindelse med at man begynte å samle japansk grafikk. I japansk kunst oppdaget Monet og hans samtidige lovende nye muligheter for å reprodusere verden rundt i harmoni med "stemningen".

Det er på grunnlag av Monets maleri at man mest fruktbart kan utforske alle kompleksitetene i forholdet mellom impresjonisme og japansk innflytelse. Har vært en ivrig fan hele livet Japansk kunst. Det ble sagt at på veggene i huset hans i Argenteuil, da han bodde der på 70-tallet, hang japanske fans; i hans siste hus, i Giverny, oppbevares fortsatt en omfattende samling av japanske graveringer, samlet av ham gjennom årene av arbeidet hans; og i 1892 skrev Edmond de Goncourt i dagboken sin at han ofte møtte Monet på Galerie Bint, et senter for handel med orientalske verk.

I japanske tresnitt oppdaget han komposisjonseffektene som oppnås ved en skarp forkorting og en dramatisk kant av komposisjonen med en ramme. I sine nedadgående år sa han til hertugen de Trevize: «Hos japanske kunstnere satte vi i Vesten først og fremst pris på motet som de rammer inn motivene sine med. Disse menneskene lærte oss en ny komposisjon. Det er ingen tvil om det." Verkene hans tilhører virkelig en ny type komposisjon. I 1867 malte han The Terrace at Sainte-Adresse, som han kalte sin " kinesisk maleri med flagg. Det er virkelig en slående komposisjon - med en øvre vinkel og uten senter. Den brede havflaten er oversådd med seilbåter i forskjellige størrelser - det er omtrent tretti av dem; sammen med en himmelstripe delt inn i overskyede og skyfrie deler, er halvparten av komposisjonen okkupert av selve terrassen, hvor vi ser mange lyse gladioler og nasturtiums, og variasjonen av farger forsterkes av to litt asymmetrisk plasserte flagg på begge sider av terrassen.

Prosessen med å danne et nytt kunstnerisk språk bør også vurderes i sammenheng med fremgangen Vitenskap XIXårhundre og dets siste prestasjoner, spesielt forskningen til forskere som Eugène Chevreul, innen optikk og fargekontraster, som ble utbredt i Frankrike i andre halvdel av århundret. Basert på observasjonen av det fysiske fenomenet persepsjon, har forskere fastslått at syn er et resultat av samspillet mellom elementene som oppfattes av øyet, og at fargen på et objekt avhenger av materialet det er laget av, av nærheten til andre gjenstander og lyskvaliteten. Disse prinsippene, sammen med åpenbaringene fra japansk kunst, hadde en sterk innflytelse på Monet, Renoir og alle kunstnere som foretrekker å male utendørs. Vi ser spor av disse prinsippene i den impresjonistiske maleteknikken: de rene fargene i solspekteret er lagt direkte på lerretet, og ikke blandet på paletten.

I juni 1870 fant ekteskapet til Monet og Camille Donsier sted, som ble fulgt av Gustave Courbet. De unge flytter til Normandie, til Trouville, hvor de blir fanget av begynnelsen av den fransk-prøyssiske krigen. Monet, som er republikaner, ønsker ikke å kjempe for imperiet og søker under dette påskuddet tilflukt i England.

I London møter han Daubigny og Pissarro, som han jobber med med utsikt over Themsen og tåkene i Hyde Park. For tåkeeffekter var det vanskelig å velge riktig tidspunkt. Vinteren 1870-1871 i London er den verste på et århundre. Tilstedeværelsen av tåke merkes spesielt i Monets syn på parlamentet, åpnet bare et år tidligere, Green Park, Hyde Park og London Pool. Selv elsket han London-tåken, som han tilsto for Rene Gimpel: «Jeg liker London mer enn den engelske landsbygda. Ja, jeg elsker London. Det er som en messe, som et ensemble, og likevel så enkelt. Min favoritt er London-tåken. Hvordan kunne engelske kunstnere fra det nittende århundre male husene sine murstein for murstein? I maleriene sine avbildet de til og med murstein som de ikke en gang kunne se. Jeg elsker London bare om vinteren. Om sommeren er byen bra for sine parker, men dette er ingenting sammenlignet med vinter- og vintertåke: uten tåke ville ikke London vært en vakker by. Tåken gir den en fantastisk skala. Under sitt mystiske deksel blir monotone, massive kvartaler grandiose. Deretter kom han gjentatte ganger til London og skrev flere London-landskap enn noen av de kjente kunstnerne.

I London jobbet både Monet og Pissarro hardt. År senere (i 1906) skrev Pissarro til den engelske kritikeren Winford Dew-Hirst (den gang arbeidet med en bok om impresjonistene): «Monet og jeg var glad i London-landskapet. Monet jobbet i parker, og jeg, som bodde i Lower Norwood, på den tiden en sjarmerende forstad, jobbet med effektene av tåke, snø og vår. Vi skrev fra naturen. Vi besøkte også museer. Selvfølgelig ble vi imponert over akvarellene og maleriene av Turner og Constable, Old Cromes lerreter. Vi beundret Gainsborough, Lawrence, Reynolds og andre, men vi ble spesielt slått av landskapsmalere som delte vårt syn på friluftsliv, lys og flyktige effekter. Blant samtidskunstnere vi var interessert i Watts og Rossetti.

Daubigny introduserer Monet for den franske kunsthandleren Paul Durand-Ruel. Mens han bodde i London, åpnet Durand-Ruel et galleri på Bond Street. Dette møtet viste seg å være veldig viktig, siden det var Durand-Ruel som behandlet arbeidet til Monet og andre kunstnere fra den fremtidige impresjonistgruppen med tillit og interesse, og hjalp dem med å organisere utstillinger og selge malerier. Med unntak av den andre utstillingen, i 1871, representerte Durand-Ruel impresjonistene på alle utstillingene til Society of French Artists. Verkene til Pissarro og Monet ble utstilt ofte, og prisantydningen for dem indikerte hvordan Durand-Ruel selv verdsatte dem. På en utstilling i 1872 ble Pissarros syn på Norwood og Sydenham verdsatt til 25 guineas, og året etter ble Monets «Parliament House» solgt for 30 guineas.

Monet og Pissarro sendte inn arbeidet sitt til Royal Academys sommerutstilling, men, som Pissarro bedrøvelig sa: "Selvfølgelig ble vi avvist." Det må ha vært takket være Durand-Ruel at maleriene deres ble stilt ut på den franske delen av den internasjonale utstillingen i South Kensington i 1871, men til tross for mange kommentarer om utstillingen i pressen, gikk de ubemerket hen.

I 1871 får Monet vite om farens død og drar til Frankrike. På veien besøker han Holland, hvor han, forbløffet over landskapets prakt, stopper opp en stund og maler flere malerier med vindmøller som reflekteres i det rolige vannet i kanalene.

Takket være Manet, som han nå har et sterkt vennskap med, befinner han seg i Argenteuil ved bredden av Seinen, et hus med en hage hvor han kan dyrke blomster, som til slutt ble kunstnerens virkelige lidenskap.

Renoir besøkte ham ofte: på den tiden ble de veldig nærme, den felles billedopplevelsen påvirket ikke bare utviklingen av deres individuelle malerstil, men også dannelsen av impresjonisme generelt. Sommeren 1873 viste seg å være luksuriøs. De malte ofte de samme landskapene, og oppnådde fantastiske lys- og fargeeffekter med små, pulserende strøk, som om de ble brukt på lerretet fra en sprøytepistol. Aldri igjen vil arbeidet deres bli så like. I 1913, da to av deres arbeider om samme emne - ender som svømmer i en dam - ble stilt ut i Durand-Ruel-galleriet, kunne ingen av dem identifisere maleriet hans. I hagen til Monets hus i Argenteuil malte de hverandre på jobben. Renoir avbildet vennen sin mot bakgrunnen av en masse flerfargede georginer, hvis lyse farger forsterkes av det gule og grått i husene i bakgrunnen. Husene er også satt i gang av gløden fra lette skyer, knapt berørt av kveldssolens gule lys. Denne idylliske perioden av deres felles lidenskap for lys og fargeeffekter Monet formidlet med spesiell glans i et bilde som skildrer fasaden til huset hans: Camille, stående ved døren, og en liten figur av Jean på plattformen, i en stråhatt med en bøyle i hånden. I likhet med Renoir-maleriet er det malt i lette, dirrende strøk, men det er en skarp forskjell mellom det detaljerte bladverket og den nesten overfladiske tolkningen av andre detaljer: Camille-figuren og de blå blomsterpottene plassert foran huset.

Den sommeren var usedvanlig fruktbar for begge artistene, og for Monet var den påfølgende vinteren ikke mindre fruktbar. Aldri før hadde de blitt grepet av et så sterkt behov for å uttrykke i kunstneriske termer det de så i øyeblikket, for å forvandle virkeligheten av deres visuelle opplevelse til lyse, rene farger.

På den tiden ble også kunstnerens økonomiske situasjon betydelig forbedret: den farslige arven og medgiften til Camilles kone gir Monets familie en viss velstand. Som før fortsetter han fra tid til annen å reise til Normandie.

I 1872, i Le Havre, skrev Monet "Impression. Soloppgang ”- en utsikt over havnen i Le Havre, presentert senere på den første utstillingen til impresjonistene. Her frigjorde kunstneren seg tilsynelatende endelig fra den allment aksepterte ideen om bildeobjektet som et visst volum og viet seg helt til å formidle atmosfærens øyeblikkelige tilstand i blå og rosa-oransje toner. Faktisk ser alt ut til å bli uhåndgripelig: Le Havre-brygga og skip smelter sammen med flekker på himmelen og refleksjon i vannet, og silhuettene av fiskere og båter i forgrunnen er bare mørke flekker laget med flere intense strøk. Avvisningen av akademisk teknikk, maling i friluft og valg av uvanlige emner ble oppfattet med fiendtlighet av datidens kritikere. Louis Leroy, forfatteren av en rasende artikkel som dukket opp i Sharivari-magasinet, brukte for første gang, i forbindelse med dette spesielle maleriet, begrepet "impresjonisme" som en definisjon av en ny trend innen maleri.

Men hvem er disse «utvalgte og kunnskapsrike kjennerne» som kjøper verkene til impresjonistene? Den første var den italienske grev Armand Doria (1824-1896), i trekk og væremåte, ifølge vennen Degas, som minner om Tintoretto. På utstillingen kjøpte han Cezanne's House of the Hanged Man for 300 franc. Han forble en konstant beskytter av Renoir: etter hans død, da samlingen ble solgt, viste det seg å være ti Renoir-malerier i den. "Inntrykk. Sunrise" ble kjøpt av Georges de Bellio, en homøopatisk lege opprinnelig fra Romania; Pissarro fortsatte å henvende seg til ham for å få råd når barna hans var syke, eller ba ham kjøpe et maleri når han trengte det. Monet henvendte seg også stadig til ham for å få hjelp, spesielt i følgende brev: «Det er umulig å forestille seg hvor ulykkelig jeg er. Når som helst kan de komme for å beskrive tingene mine. Og dette er akkurat på den tiden da jeg hadde et håp om å forbedre mine saker. Kastet ut på gaten, uten noen midler, vil jeg være villig til å finne enhver jobb som kommer min vei. Dette vil være et forferdelig slag. Jeg vil ikke engang tenke på det. Jeg gjør et siste forsøk. Hadde jeg hatt 500 franc, ville jeg blitt frelst. Jeg har 25 malerier igjen. For dette beløpet er jeg klar til å gi dem til deg. Ved å ta disse lerretene vil du redde dem.» De Bellio kjøpte i tillegg åtte malerier fra Renoir, samt flere malerier fra Sisley, Morisot, Pissarro og Degas.

Monet hadde også en annen rik beskytter - Louis-Joachim Godiber (1812-1878), en Havre-forretningsmann og amatørkunstner som bodde i et nybygd slott i Montivilliers. I 1868 kjøpte han flere av kunstnerens malerier fra kreditorer, og samme år og året etter betalte han Monet vedlikehold. Han bestilte ham også flere portretter av familiemedlemmer. Kjøpte malerier av Monet og en annen lokal tycoon Oscar Schmitz. Opprinnelig fra Sveits drev han et stort bomullsbedrift i Le Havre. Men den mest betydningsfulle av Monets beskyttere i første halvdel av livet hans var Ernest Gauschede (1838-1890), som han senere ble nært knyttet til livslinjen. Denne direktøren for et av de store varehusene som vokste opp i Paris under det andre imperiet bodde i Maugeron, i et imponerende renessanseherskapshus. Der holdt han en samling malerier, som inkluderte seks verk av Manet, tretten av Sisley, ni av Pissarro, seks av Degas og minst seksten verk av Monet, som han i 1876 bestilte en serie dekorative malerier til hjemmet sitt.

Etter å ha reist til Holland igjen, returnerer Monet til Argenteuil. Der møter Monet kunstneren og samleren Gustave Caillebotte, de blir gode venner. I Argenteuil utstyrer Monet, etter Daubignys eksempel, et flytende verksted for å skrive direkte på Seinen. Han er fortsatt lidenskapelig opptatt av gjenskinn på vann, og i samarbeid med Renoir, Sisley og Manet utvikler og foredler han en teknikk som lar ham forstå lyseffekter raskere enn lysendringene. Den 24. april 1874 åpner en utstilling av Anonymous Society of Artists av malere, skulptører, gravører i studioet til fotografen Nadar på Boulevard des Capuchins i Paris; Monet, Degas, Cezanne, Berthe Morisot, Renoir, Pissarro og mange andre kunstnere med ulike stilistiske trender er utstilt der, forent av et lidenskapelig ønske om å ta avstand fra det offisielle maleriet som presenteres på salongene. Utstillingen ble kritisert i pressen, og publikum reagerte negativt på den; de utstilte verkene, spesielt maleriene av en gruppe kunstnere nær Monet, var for nye og uforståelige for beundrere av akademisk maleri, som alltid ble skapt i verkstedet og antok at kunst ikke er noe mer enn ønsket om å idealisere, forbedre virkeligheten i navnet til den klassiske kulturens kanoner.

Den andre utstillingen av gruppen, organisert i Durand-Ruels verksted i 1876, møtte heller ikke kritisk forståelse. Monet stilte deretter ut atten av verkene sine, inkludert maleriet "Japanese Woman". Emile Zola, som alltid sympatiserte med impresjonistene, anerkjente etter denne utstillingen Monet som den ubestridte lederen av gruppen. Etter utstillingens fiasko var det mulig å selge malerier med store vanskeligheter, prisene var ekstremt lave, og en periode med materielle vanskeligheter begynte igjen for Monet. Om sommeren, da han kom tilbake til Argenteuil, møtte han finansmannen og samleren Ernest Goshede.

På senhøsten vender Monet tilbake til Paris med et ønske om å male utsikt over vinterbyen gjennom et tåkeslør og bestemmer seg for å gjøre Saint-Lazare-stasjonen til hans objekt. Med tillatelse fra direktøren jernbaner han befinner seg på stasjonen og jobber hele dagen lang, som et resultat av dette lager han et halvt dusin lerreter, deretter anskaffet av kjøpmannen Paul Durand-Ruel.

I mellomtiden holdes utstillinger av en gruppe kunstnere, nå kjent som impresjonistene, ganske regelmessig. Den tredje fant sted i 1877, den fjerde - i 1879, men offentligheten er fortsatt fiendtlig mot denne retningen, og den økonomiske situasjonen til Monet, igjen beleiret av kreditorer, virker håpløs. Det er på grunn av dette han blir tvunget til å flytte familien fra Argenteuil til Vetheuil, hvor han bor sammen med ekteparet Goshede og maler flere storslåtte landskap med utsikt over omgivelsene.

I 1879 dør Camilla, etter lang tids sykdom, bare trettito år gammel. «I morges klokken halv elleve, etter uutholdelige lidelser, roet min stakkars kone seg. Jeg er i en fryktelig deprimert tilstand, helt alene med mine uheldige barn. Jeg skriver til deg med en forespørsel om å gjøre meg en tjeneste til: kan du løse inn en medaljong fra Mont des Pitiers (pantelånerbutikken i Paris) som jeg sender deg et depositum for. Denne tingen var kjær for min kone, og da jeg tok farvel med henne, vil jeg gjerne sette denne medaljen på halsen hennes, "skrev Monet til sin velgjører, Georges de Bellio.

I 1879 maler Monet et vakkert portrett av sin elskede kvinne. Et år senere sender Monet to lerreter til salongen, men bare ett av dem blir akseptert av juryen. Dette er den siste offisielle utstillingen Monet deltar i.

I juni samme år åpner en utstilling med atten malerier av Monet i salen til magasinet «Vi Modern» («Modern Life»), eid av forleggeren og samleren Georges Charpentier. Det gir artisten etterlengtet suksess i pressen. Og salget av malerier fra denne utstillingen lar Monet forbedre sin økonomiske situasjon.

Han oppnådde etter hvert at han kunne gjøre hva han ville uten å tenke på å selge maleriene sine. Fra og med hans personlige utstilling på Georges Petit i 1880, utvidet kretsen til lånetakerne hans. Hans inntekt fra Durand-Ruel i 1881 var 20 000 franc; i tillegg tjente han på salg av arbeidet sitt privat og gjennom andre forhandlere.

Han går for å skrive i Fécamp, i Normandie, hvor naturen, havet og den spesielle atmosfæren i dette landet tiltrekker ham. Der jobber han, bosatt enten i Dieppe, eller i Pourville, eller i Etretat, og skaper en rekke storslåtte landskap.

I mellomtiden skjer det visse endringer i impresjonistgruppen, og en splittelse er under oppsikt. Renoir deltok allerede i 1878 ikke i den fjerde utstillingen til impresjonistene, og mente at han burde prøve å gå tilbake til den offisielle veien, og derfor stille ut verkene sine på Salongen. Monet prøver selv å gjøre det samme i 1880, og i 1881 deltar han ikke i den sjette utstillingen til gruppen, men deltar i stedet på den syvende, som ble holdt i 1882.

I 1883 dør Manet, hans død faller symbolsk sammen med oppløsningen av gruppen. I 1886 fant impresjonistenes åttende og siste utstilling offisielt sted, men Renoir, Monet, Sisley deltok ikke i den; men Georges Seurat og Paul Signac erklærte seg. representanter for en ny trend - den såkalte pointillismen. I denne perioden reiser Monet, som flyttet med Gauchede-familien til den lille byen Giverny tilbake i 1883, til Italia, til Bordighera, hvor han beundrer lysets prakt, og deltar i utstillinger organisert i Paris av kjøpmannen Georges Petit. Reisene hans til Normandie, til Etretat stopper ikke; der møter han Guy de Maupassant. I 1888 jobber Monet i Antibes. Takket være interessen til Theo van Gogh – eieren av galleriet og broren til kunstneren – klarer han å stille ut i to parisiske gallerier med tilbakeholden støtte fra kritikere.

Året etter oppnår Monet endelig reell og varig suksess: i Petit Gallery, samtidig med en utstilling med verk av billedhuggeren Auguste Rodin, organiseres en retrospektiv utstilling av Monet, som presenterer hundre og førtifem av hans verk fra 1864 til 1889. Monet blir en kjent og respektert maler.

Etter utstillingen arrangert i 1886 av Durand-Ruel i New York, ble amerikanerne interessert i Monets kreasjoner. Resultatet ble utmerket. I 1887 nådde Monets totale inntekt 44 tusen, og i 1891 brakte Durand-Ruel og firmaet "Busso og Valadon" ham rundt 100 tusen franc. I perioden fra 1898 til 1912 svingte inntekten hans rundt tallet 200 tusen.

Velstanden han så desperat drømte om i ungdommen ble endelig oppnådd, og han utnyttet den godt, og skapte for seg selv en citadell av økonomisk og mental fred. Aldri før i kunsthistorien har et kunstnernavn vært så nært knyttet til hans hjem. Denne citadellet hadde også fysiske parametere. I 1883 begynte han å leie et hus i Giverny av en normannisk grunneier (eieren selv flyttet for å bo i landsbyen Vernoy), og Monet bodde i dette huset i førti-tre år, til han døde i 1926. For kunstens verden har huset og hagen i Giverny, i disse årene og frem til i dag, samme betydning som Assisi for tilhengerne av St. Frans. Konstant omgitt av en støyende skare av adopterte barn og omsorgen til en kjærlig, men gretten kone, opprettholdt Monet forhold til en enorm vennekrets: kunstnere og forfattere.

Traveler Monet, i motsetning til andre impresjonister, var en ivrig. Han reiste til Norge, hvor hans adoptivsønn Jacques bodde; reiste til Venezia, til Antibes, til Holland, til Sveits, flere ganger til London. I Frankrike besøkte han Petit-Dal på Normandiekysten, hvor broren hadde sitt hus; Belle-Ile, Noirmoutier, Creuse-dalen i Sentralmassivet; til slutt Rouen, hvor han tilbrakte flere dager. Fra alle disse stedene tok han med seg en haug med skisser, som han fullførte i Giverny. Han reiste til Paris ganske ofte - det var godt å reise ikke langt: enten til teatret eller til operaen, hvor han med glede lyttet til Boris Godunov, og senere beundret Diaghilevs russiske ballett, som han satte stor pris på. Han fulgte nøye med på de pågående utstillingene, spesielt de der Van Gon, Seurat, Gauguin deltok, samt Vuillard og Bonnard, som kom til ham i Giverny. Monet leste mye, og interesserte seg spesielt for Michelets enorme "History of France", kjent for ham siden barndommen og nærende sterk følelse patriotisme i mange av verkene hans. Han leste flittig moderne forfattere: Flaubert, Ibsen, Goncourt, Mallarme, Tolstoj og Ruskin.Han holdt en solid samling bøker om hagearbeid.

Monet brukte mye arbeid på miljøet sitt, og gjorde et falleferdig normannisk hus til et ideelt sted å bo. Julie Manet, datter av Berthe Morisot og Eugène Manet, som besøkte det i 1893, kort tid etter noen endringer utført av Monet, skrev i sin sjarmerende dagbok over inntrykk: «Siden vår siste tur til Giverny har huset endret seg merkbart. Over verkstedet ordnet M. Monet for seg et soverom med store vinduer og dører, med parkett av harpiksholdig furu. Mange malerier henger i dette rommet, inkludert Isabelle Combing Her Hair, Gabriel ved bassenget, Cocotte in a Hat, en pastell som viser mamma, en pastell av onkel Edward, en veldig attraktiv naken av Mr. Renoir, malerier av Pissarro, etc.

Men hagen virket enda mer fantastisk: den uttrykte ikke bare personligheten til Monet, men var også et landemerke i seg selv. Nesten hele livet bodde Monet i hus med hage, og i Argenteille og i Veteil, og han fanget dem absolutt i maleriene sine. Han ble oppfordret til å ta opp hagearbeid av Caillebotte, som hadde en fantastisk hage i Petit-Genville og som korresponderte med ham om spesielle saker. Det var fruktbare tider for gartnere. Nye planter ble importert til Europa fra Amerika og Fjernøsten. På 1880-tallet oppsto en ny mulighet for de som ikke hadde tilgang til planteskoler til å bestille frø på posten: denne nye virksomheten blomstret. Monet samlet ivrig kataloger med frø, og "ordnet" hagene sine som et pittoresk bilde. I notatene hans laget på Argenteuil, for eksempel, er det gitt et øyeblikksbilde av fordelingen av farger for syv rader med roser: lilla, hvit, rød, lilla, gul, krem, rosa.

Da han for første gang ankom Giverny, så han ved huset bare en vanlig hage, typisk for en fransk landsby. Monet begynte umiddelbart å lage det på nytt: først og fremst ga han det geometri ved å plante spesifikke "hage"-blomster: marshmallows, georginer, roser, nasturtiums, gladioler; han plantet dem i en slik rekkefølge at blomstringen fortsatte nesten hele året. Hagen dekket omtrent to mål, og en del av den lå på andre siden av veien. Like ved var en liten dam; Monet kjøpte det, sammen med det omkringliggende landet, i 1893. Etter å ha fått tillatelse fra de lokale myndighetene, gjorde han den om til en vannhage, og slapp vann fra den nærliggende elven Epte gjennom slusene inn i den. Rundt dammen plantet han blomster og busker: noen av den lokale opprinnelsen - bringebær, peoner, kristtorn, poppel; del av eksotiske planter - japanske kirsebær, rosa og hvite anemoner. De to hagene var bevisst i motsetning til hverandre. Den som var ved huset beholdt det tradisjonelle franske utseendet: med smug flettet inn med krypende planter; stier som går i rett vinkel på hverandre, med trinn som fører fra en del av hagen til en annen. Hagen som spredte seg over veien og rundt dammen var bevisst eksotisk og romantisk. Da Monet planla det, fulgte Monet rådene fra en japansk gartner som hadde besøkt Giverny en stund: Kinesisk ginkgo, japanske frukttrær, bambus, en japansk bro, som om den var migrert hit fra Hokusais gravering, skilte seg ut blant den beskjedne vanlige vegetasjonen. Vannliljer fløt i dammen, og hagen var oversådd med en labyrint av svingete og kryssende stier.

"Mitt vakreste arbeid er hagen min," sa Monet. Og samtidige var enige med ham. Proust beskrev denne hagen veldig nøyaktig: «Dette er ikke en hage til en gammel blomsterhandler, men snarere en hage til en kolorist, hvis jeg kan kalle det det, en hage hvor hele blomstene ikke er en skapelse av naturen, siden de er plantet på en slik måte at bare blomster av harmoniserende nyanser vil blomstre samtidig. , og skaper et endeløst felt med blått eller rosa."

Octave Mirbeau, en forfatter og kritiker som aldri sparte på epitet, gir denne eiendommen Full beskrivelse: «Om våren, mot et bakteppe av blomstrende frukttrær, hever iris sine virvlende kronblader, utsmykket med hvite, rosa, lilla, gule og blå frills med brune striper og lilla flekker. Om sommeren faller nasturtiums i forskjellige nyanser og safranfargede Californiavalmuer i blendende klynger på begge sider av den sandede stien. Magisk fantastiske, fabelaktige valmuer vokser i brede blomsterbed, og tetter til visnende iris. En fantastisk kombinasjon av farger, mange bleke nyanser; en storslått symfoni av hvite, rosa, gule, syriner, med skudd av lyse kjøtttoner, mot hvilke appelsiner eksploderer, sprut av kobberflamme spruter ut, røde flekker blør og glitrer, syriner raser, tunger av svart og lilla brannflukt.

Monet sa at han brukte mesteparten av inntekten sin på hagen. Men dette er bare en beskjeden overdrivelse. Han beholdt en gartner og fem arbeidere, og var selv hele tiden engasjert i arbeid for å forbedre og utvide hagen.

Når han henvendte seg til prefekturen for å få tillatelse til å gjenoppbygge dammen, skrev Monet at dette var nødvendig "av hensyn til en fest for øynene og motivene for å male." Faktisk fungerte Giverny og dens hager ikke bare som motiver for maleriet hans; de ga ham en slags base for å gjennomføre prosjektet som skulle bli hans livsverk, og som denne hagen viste seg å være toppen av.

I 1892 gifter Monet seg endelig med Alice, som han har vært forelsket i i mange år. Samtidig skrev Monet "Hacks" - den første store serien med malerier, der kunstneren prøver å fange nyansene ved å belyse høystakker på lerretet. endres avhengig av tid på døgnet og været. Han arbeider samtidig på flere lerreter, og beveger seg fra det ene til det andre i samsvar med de nye lyseffektene. Denne serien var en stor suksess og påvirket mange artister på den tiden betydelig.

Monet vender tilbake til opplevelsen av Haystacks i en ny serie - Poplars, hvor trær på bredden av elven Epte også er avbildet på forskjellige tider av dagen. Mens han jobber med Poplars, går Monet hver gang til stedet med flere staffeli og stiller dem opp på rad for raskt å flytte fra den ene til den andre avhengig av belysningen. I tillegg ønsker han denne gangen å uttrykke sin egen visjon i maleriene, og han gjør det i løpet av få minutter, og konkurrerer i fart med naturen.

Før han avslutter serien, får Monet vite at poplene skal kuttes ned og selges. For å fullføre jobben tar han kontakt med kjøperen og tilbyr ham en pengerefusjon for å utsette fellingen. Denne serien, som ble stilt ut på Galerie Durand-Ruel i 1892, ble også en stor suksess, men enda mer entusiastisk var den store serien «Rouen Cathedral», som Monet arbeidet med fra 1892 til 1894. Han viste konsekvent endringen i belysning fra daggry til kveldsskumring, og malte femti visninger av den majestetiske gotiske fasaden, oppløst, dematerialisert i lys. Han skriver fortere og raskere, og legger raskt prikkede streker på lerretet.

I februar 1895 reiste han til Norge, til Sandviken ved Oslo, hvor han malte fjorder, Kolsaas og utsikt over bygda han bor i. Denne syklusen av vinterlandskap minner stilmessig om verk malt rundt 1870. Året etter foretar Monet en skikkelig pilegrimsreise til stedene han malte tidligere år; og Pourville, Dieppe, Varezhenville går igjen tilbake til lerretene hans.

I 1897 blir samlingen til Gustave Caillebotte, som døde i 1894, eiendom av nasjonale museer, og mange verk av impresjonistene havner til slutt i statlige samlinger. Om sommeren stilles tjue malerier av Monet ut på den andre Veneziabiennalen.

Høsten 1899, i Giverny, begynner han vannliljesyklusen, som han skal jobbe med til sin død. Begynnelsen av det nye århundret finner Monet i London; kunstneren maler igjen parlamentet og en rekke malerier forent av ett motiv - tåke. Fra 1900 til 1904 reiste Monet ofte til Storbritannia og stilte i 1904 ut trettisyv utsikt over Themsen på Durand-Ruel Gallery. Om sommeren vender han tilbake til vannliljene og deltar i februar året etter med femtifem verk i en stor utstilling av impresjonistene organisert av Durand-Ruel i London.

I 1908 legger Monet ut på sin nest siste reise: han reiser med sin kone til Venezia på invitasjon fra Curtis-familien, en amerikansk venn av kunstneren John Singer Sargent, hvor han bor i Palazzo Barbaro på Canal Grande. Monet bestemmer seg for å bli lenger i byen for å jobbe, og slår seg ned på Britannia Hotel i to måneder. Han er så fascinert av atmosfæren i Venezia, lyseffektene, refleksjonene av vannet og refleksjonene av monumentene i det, at han kommer dit igjen året etter. Til en arkitekt som under et intervju uttalte at "Dogepalasset kan defineres som et eksempel på en impresjonist i stedet for gotisk arkitektur”, - svarte Monet: “Arkitekten som unnfanget dette palasset var den første impresjonisten. Han skapte det flytende på vannet, steg opp fra vannet, skinnende i luften i Venezia, akkurat som en impresjonistisk maler legger skinnende strøk på lerretet for å formidle en følelse av atmosfæren. Når jeg jobbet med dette bildet, ønsket jeg å male nøyaktig atmosfæren til Venezia. Palasset som dukket opp i komposisjonen min var bare et påskudd for å skildre atmosfæren. Tross alt er hele Venezia nedsenket i denne atmosfæren. Flyter i denne atmosfæren. Dette er impresjonisme i stein.» Tilbake til Frankrike fortsetter han å jobbe i verkstedet med malerier fra den venetianske perioden, som vil bli utstilt først i 1912, et år etter døden til hans kone Alice, i Bernheim Jr. Gallery. Utstillingen ble innledet av en artikkel av Octave Mirbeau.

Fra 1908 begynte kunstnerens syn å bli dårligere; nå vier han all sin oppmerksomhet til hagen og fortsetter å jobbe med Water Lilies-serien, startet tilbake i 1890. Etter å ha avledet vannet i en liten sideelv til elven Epte, Rue, som rant gjennom landet hans, laget Monet en liten dam i Giverny. På speiloverflaten til reservoaret som ble oppnådd på denne måten, dyrket han vannliljer, og plantet piler og forskjellige eksotiske planter rundt. For å fullføre prosjektet ble det bygget en trebro over dammen, ideen om denne var inspirert av orientalske graveringer. Kunstneren har alltid vært fascinert av blomster og refleksjoner på vannet, men dette prosjektet har utvilsomt påvirket innflytelsen japansk kultur, som har spredt seg i Europa siden midten av århundret og er svært interessert i Monet og hans samtid. Dette fantastiske hjørnet av hagen er dedikert til de siste store verkene til Monet, en sliten kunstner hvis synsproblemer blir mer og mer alvorlige med årene.

I 1914 døde hans eldste sønn Jean. Monet føler seg mer og mer alene. men fortsetter å jobbe, oppmuntret av Georges Clemenceau og Octave Mirbeau, som ofte kommer for å besøke en venn.

Takket være tilstedeværelsen til Monet, blir Giverny en slags koloni av kunstnere, først og fremst amerikanske, men Monet selv foretrekker å lede lukket bilde livet, og forsikrer at han ikke har noen "oppskrift" for unge mennesker, noe som betyr at han ikke kan lære noen noe. Han tilbringer all sin tid i hagen – og skriver, skriver. Den progressive forverringen av synet hans lar ham ikke lenger overføre lyseffekter med samme nøyaktighet som før. Noen ganger, hvis lerretet virker mislykket for ham, ødelegger Monet arbeidet hans i raseri. Og likevel fortsetter han å male, og på grunn av synsproblemer utvikler han en ny tilnærming til å male for seg selv.

For så mange års arbeid i Giverny var hvert hjørne av hagen til enhver tid på dagen innprentet i hans sinn. Og Monet syntes det ville være interessant å skrive en rekke inntrykk av helheten, og ikke fra livet, men i verkstedet. I denne forbindelse bestemte han seg for å bygge et nytt stort verksted på eiendommen hans. Byggingen av de nye lokalene ble fullført i 1916: Verkstedet var 25 meter langt, 15 meter bredt og taket var to tredjedeler laget av glass. Der begynner Monet å jobbe. Han maler på lerreter som måler fire ganger to meter og skaper fantastiske verk som i et kompleks formidler inntrykkene fra kongeriket han skapte, og igjen og igjen fanger morgentåker, solnedganger, skumring og nattemørke på lerretet.

I 1918, i anledning våpenhvilen, bestemmer han seg for å donere en ny serie til staten. Hans venn Georges Clemenceau, som da var statsminister, ønsker å skaffe Monet prestisjetunge lokaler, nemlig Orangeri-paviljongen i Tuileriehagen. Men Monet er fortsatt ikke fornøyd med arbeidet sitt, og med den utholdenhet som er karakteristisk for hans holdning til maleri, fortsetter han å jobbe til 1926, året for hans død. I tillegg til en serie på åtte paneler donert til staten, plassert i den ovale hallen i Orangeriet i 1927, malte Monet mange andre verk i denne perioden, som ble funnet etter kunstnerens død i verkstedet hans i Giverny og er nå i Marmottan-museet i Paris. Noen av dem, ikke datert, men utvilsomt knyttet til den siste perioden med kreativitet, på en måte som nærmer seg de avantgardistiske estetiske strømningene fra begynnelsen av århundret, spesielt ekspresjonismen.

Faktisk tar Monet til det ekstreme prosessen med dematerialisering, som allerede er skissert i en rekke katedraler. Det går ikke bare utover stilistikken til impresjonismen, men foregriper kanskje på noen måter det kunstneriske språket i non-figurativt maleri fra perioden etter andre verdenskrig.

Biografien er basert på nettstedet www.centre.smr.ru