Cavaleiro com a mão no peito El Greco. Retrato de um cavalheiro com a mão no peito
O cavaleiro da mão no peito"Cavaleiro com a mão no peito"- pintura Artista espanhol El Greco, escrito em Toledo por volta de 1580. Mais conhecido por sua série de retratos sociais de caballeros desconhecidos em túnicas pretas e cortadores brancos contra um fundo escuro. Atualmente armazenado no Prado.
A pose de caballero pode significar fazer um juramento, ou mostrar confiança ao concluir um contrato, ou nobre nascimento personagem, ou mesmo um sinal condicionado secreto. Uma espada e um medalhão dourados indicam riqueza e pertencimento à alta sociedade. A aparência do personagem é típica de um nobre da Idade de Ouro espanhola. Durante a restauração da pintura, descobriu-se que inicialmente o fundo não era preto, mas sim cinza claro, mas com o tempo a pintura escureceu. A riqueza de tons nas roupas escuras indica a influência da escola veneziana de pintura em El Greco.
Anteriormente, acreditava-se que “O Cavaleiro com a Mão no Peito” era um retrato de Cervantes, mas agora a maioria dos historiadores da arte está inclinada a acreditar que o retrato retrata Juan de Silva y Ribera, terceiro Marquês de Montemayor e alcalde do Alcázar de Toledo. O crítico de arte Alex Burghart e o artista Robert Shrive admitem a possibilidade de que este seja um autorretrato do artista.
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Notas
Trecho caracterizando o Cavaleiro com a mão no peito
“Pelo contrário, parece que está tudo bem, ma prima”, disse Pierre com aquele hábito de brincadeira que Pierre, que sempre suportou constrangido o seu papel de benfeitor diante da princesa, adquiriu para si em relação a ela.- Sim, é bom... bom bem-estar! Hoje Varvara Ivanovna me contou como nossas tropas são diferentes. Você certamente pode atribuir isso à honra. E o povo se rebelou completamente, deixou de ouvir; Minha garota começou a ser rude também. Em breve eles começarão a nos bater também. Você não pode andar nas ruas. E o mais importante, os franceses estarão aqui amanhã, o que podemos esperar! “Uma coisa peço, meu primo”, disse a princesa, “ordene que me levem para São Petersburgo: seja o que for, não posso viver sob o domínio de Bonaparte”.
- Vamos, ma prima, de onde você tira suas informações? Contra…
- Não vou me submeter ao seu Napoleão. Outros querem... Se você não quer fazer...
- Sim, farei, vou encomendar agora.
A princesa estava aparentemente irritada por não haver ninguém com quem ficar zangada. Ela se sentou em uma cadeira, sussurrando alguma coisa.
“Mas isso está sendo transmitido a você incorretamente”, disse Pierre. “Tudo está tranquilo na cidade e não há perigo.” Eu estava lendo agora mesmo...” Pierre mostrou os pôsteres à princesa. – O conde escreve que responde com a vida que o inimigo não estará em Moscou.
“Oh, esse seu conde”, a princesa falou com raiva, “é um hipócrita, um vilão que incitou o povo à rebelião”. Não foi ele quem escreveu naqueles cartazes estúpidos que quem quer que fosse, arraste-o pela crista até à saída (e que estúpido)! Quem o tomar, diz ele, terá honra e glória. Então fiquei bastante feliz. Varvara Ivanovna disse que seu povo quase a matou porque ela falava francês...
“Sim, é isso... Você leva tudo muito a sério”, disse Pierre e começou a jogar paciência.
Apesar de a paciência ter dado certo, Pierre não foi para o exército, mas permaneceu na Moscou vazia, ainda na mesma ansiedade, indecisão, medo e ao mesmo tempo alegria, esperando algo terrível.
No dia seguinte, a princesa partiu à noite, e seu administrador-chefe veio até Pierre com a notícia de que o dinheiro que ele precisava para equipar o regimento não poderia ser obtido a menos que uma propriedade fosse vendida. O gerente geral geralmente dizia a Pierre que todos esses empreendimentos do regimento deveriam arruiná-lo. Pierre teve dificuldade em esconder o sorriso ao ouvir as palavras do gerente.
“Bem, venda”, disse ele. - O que posso fazer, não posso recusar agora!
Svetlana Obukhova
Quase não restam evidências sobre a vida do cretense Domenico Theotokopouli, o artista que conquistou a Toledo espanhola com o nome de El Greco, ou seja, o grego. As “loucuras” de seu personagem e sua estranha maneira pictórica surpreenderam muitos e os forçaram a pegar a caneta - mas apenas algumas cartas sobreviveram. Um deles contém os seguintes versos: “... o tempo estava lindo, o sol da primavera brilhava suavemente. Deu alegria a todos e a cidade parecia festiva. Qual foi a minha surpresa quando entrei no estúdio de El Greco e vi que as venezianas das janelas estavam fechadas e por isso era difícil ver o que estava ao redor. O próprio El Greco estava sentado num banquinho, sem fazer nada, mas acordado. Ele não queria sair comigo, pois, segundo ele, a luz do sol interferia na sua luz interior...”
Quase não restam evidências sobre o homem Domenico, apenas ecos: que ele viveu em grande estilo, manteve uma rica biblioteca, leu muitos filósofos e também processou clientes (eles o amavam, mas na maioria das vezes não o entendiam), morreu quase em pobreza - como os finos raios da luz do dia que rompem as frestas das “venezianas fechadas” de sua vida. Mas não distraem do principal - da luz interior que preenche as pinturas do artista El Greco. Principalmente retratos.
Não há paisagens que se abram atrás do retratado, não há abundância de detalhes que atraiam o olhar curioso. Até o nome do herói costuma ser deixado de fora. Porque tudo isso impediria você de ver o rosto. E olhos, profundos, escuros, olhando diretamente para você. É difícil se desvencilhar deles, e se você se forçar, é para ver o gesto e parar novamente no pensamento.
Trata-se do “Retrato de um Cavaleiro com a Mão no Peito” (1577-1579), pintado pelo mestre logo após sua mudança para Toledo. Este retrato é reconhecido como um dos melhores da pintura espanhola do século XVI. O Outlander El Greco criou "imagens vívidas vida espanhola e história”, que captam “verdadeiros seres vivos, combinando em si tudo o que deve ser admirado no nosso povo, tudo o que é heróico e indomável, com aquelas propriedades opostas que não podem deixar de se refletir sem destruir a sua própria essência” (A. Segovia). Os aristocratas das antigas famílias de Toledo tornaram-se os verdadeiros heróis de El Greco, ele os viu Luz interior- a sua nobreza e dignidade, a fidelidade ao dever, a inteligência, o refinamento dos costumes, a coragem, a contenção externa e o impulso interno, a força do coração, que sabe pelo que vive e morre...
Dia após dia, os visitantes da Galeria do Prado param diante do hidalgo desconhecido, surpresos, com as palavras: “Como vivo...” Quem é ele, este cavaleiro? Por que ele abre seu coração com tanta sinceridade? Por que seus olhos são tão atraentes? E esse gesto de juramento? E o punho da espada?.. Talvez destas questões tenha nascido a lenda de que a pessoa retratada no retrato é outro grande espanhol: Miguel de Cervantes. Um guerreiro e escritor que contou ao mundo a história de um cavaleiro de imagem triste, a quem foi dado o mesmo dom divino de El Greco - ver as pessoas como deveriam ser, ver a sua luz interior...
E outras pinturas do Museu do Prado em l'Hermitage...
El Greco "Cristo Abraçando a Cruz" 1600 - 1605
Retratado tendo como pano de fundo um céu tempestuoso típico de El Greco, Cristo abraça a cruz com suas mãos graciosas, olhando para cima com calma condenação. A pintura foi um grande sucesso e muitas versões dela foram criadas na oficina de El Greco.
El Greco "Sagrada Família com Santa Ana e o pequeno João Batista" c. 1600 - 1605
O período tardio da obra de El Greco é caracterizado pelo uso de cores penetrantes e flashes; o espaço está completamente preenchido por figuras que obscurecem o horizonte. As formas pintadas com pinceladas vibrantes perdem a materialidade. O pequeno João Batista chama o espectador ao silêncio para não perturbar a paz do menino Cristo...
Velasquez - Retrato de Filipe IV Retrato do Rei Filipe IV. 1653-1657
Noções básicas de retrato psicológico em Arte europeia fundada pelo pintor espanhol Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Ele nasceu em uma família nobre e pobre de Sevilha e estudou com Herrera, o Velho e Pacheco. Em 1622 ele veio pela primeira vez para Madrid. No sentido prático, esta viagem não teve muito sucesso - Velázquez não encontrou um lugar digno para si. Ele esperava encontrar o jovem rei Filipe IV, mas o encontro não aconteceu. No entanto, rumores sobre o jovem artista chegaram à corte e já no ano seguinte, 1623, o primeiro ministro, duque de Olivares (também natural de Sevilha), convidou Velázquez a Madrid para pintar um retrato do rei. Esta obra, que não chegou até nós, causou uma impressão tão agradável no monarca que ele imediatamente ofereceu a Velázquez o cargo de artista da corte. Logo as coisas evoluíram muito bem entre o rei e Velázquez. relações amigáveis, o que não era muito típico da ordem que reinava na corte espanhola. O rei que governou o maior império do mundo não era considerado um homem, mas uma divindade, e o artista nem podia contar com nobres privilégios porque ganhava a vida trabalhando. Enquanto isso, Filipe ordenou que doravante apenas Velázquez pintasse seus retratos. O grande monarca foi surpreendentemente generoso e apoiou Velázquez. O ateliê do artista ficava nos aposentos reais, onde foi instalada uma cadeira para Sua Majestade. O rei, que tinha a chave da oficina, vinha aqui quase todos os dias para observar o trabalho do artista. Durante o serviço real, de 1623 a 1660, Velázquez pintou cerca de uma dúzia de retratos de seu suserano. Destas, pouco mais de 10 pinturas chegaram até nós. Assim, em média, Velázquez pintava seu suserano aproximadamente uma vez a cada três anos. Pintar retratos do rei era tarefa de Velázquez, e ele fez o trabalho perfeitamente. Graças a isso, temos um conjunto de obras único a seu modo: nos retratos de Velázquez podemos ver caminho da vida Rei Filipe tão claramente como mais tarde se tornou habitual apenas na era da fotografia. A evolução é claramente visível nas pinturas do artista. Em primeiro lugar, o próprio rei muda, 18 anos no primeiro retrato e 50 anos no último; o seu rosto traz a marca da idade e das mudanças espirituais. Em segundo lugar, a percepção do artista sobre o seu modelo se aprofunda, passando de superficial a perspicaz. Com o tempo, a forma como o modelo é apresentado muda e técnicas artísticas. Os modos de Velázquez se transformam sob a influência de seus próprios crescimento criativo, bem como sob a influência das modernas tradições nacionais e estrangeiras. Este retrato abaixo do peito retrata Filipe IV contra um fundo escuro, vestindo roupas pretas com colarinho branco que destaca claramente o rosto do monarca. Velázquez evita o luxo ostentoso no retrato do rei e mostra " rosto humano» monarca sem qualquer bajulação ou astúcia cortês. Sentimos claramente que quem nos olha da tela está infeliz, últimos anos O reinado não foi fácil para o rei. Este é um homem que conheceu a decepção, mas, ao mesmo tempo, um homem cuja carne está repleta de uma grandeza inata, que nada pode abalar. Outro grande artista, espanhol até à medula - Pablo Ruiz Picasso diz o seguinte sobre a imagem do rei espanhol: “não podemos imaginar outro Filipe IV que não seja aquele criado por Velázquez...”
"Retrato do Rei Filipe IV" (c. 1653 - 1657)
Um de últimos retratos monarca. É interessante notar que não há aqui um único elemento que fale do status real da pessoa retratada. Velázquez serviu Filipe IV por quase quarenta anos - de 1623 até sua morte, pintando retratos do rei e de sua família, grandes telas para a Coleção Real.
Diego Velázquez "Retrato do Bobo Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644
Diego Velázquez "Retrato da Rainha Mariana da Áustria" 1652-1653
Ticiano (Tiziano Vecellio) "Vênus com Cupido e o Organista" 1555
O músico toca sentado aos pés de Vênus e admirando o corpo nu da deusa, brincando distraidamente com o Cupido. Alguns viam esta pintura como uma obra puramente erótica, enquanto outros a percebiam simbolicamente - como uma alegoria de sentimentos, onde a visão e a audição atuam como ferramentas para o conhecimento da beleza e da harmonia. Ticiano escreveu cinco versões deste tema.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Maria Madalena Penitente" 1583
Após a sua conversão, Maria Madalena dedicou a sua vida ao arrependimento e à oração, afastando-se do mundo. Nesta pintura ela é retratada olhando para o céu e banhada em luz divina. A pintura é pintada em cores escuras e espessas, características do estilo de Veronese no período tardio de sua obra. Antes de entrar nas Coleções Reais Espanholas, a obra pertenceu a para o rei inglês Carlos I (executado em 1649)
Anthony Van Dyck "Retrato de um homem com alaúde" 1622-1632
Anthony Van Dyck deve sua fama justamente ao gênero do retrato, que na hierarquia Pintura europeia ocupava uma posição bastante baixa. No entanto, por esta altura, uma tradição de retratos já se tinha desenvolvido na Flandres. Van Dyck pintou centenas de retratos, vários autorretratos e tornou-se um dos criadores do estilo de retrato cerimonial no século XVII. Nos retratos de seus contemporâneos, ele mostrou seu mundo intelectual, emocional, vida espiritual e caráter humano vivo.
O modelo tradicional para este retrato é Jacob Gautier, alaúde da corte inglesa de 1617 a 1647, mas a presença da espada e, em maior medida, as características estilísticas da obra indicam que ela deve ser muito anterior a Van. A viagem de Dyck a Londres, que põe em dúvida esta teoria. A presença de um instrumento musical não significa necessariamente que o modelo fosse músico. Como símbolo, os instrumentos musicais eram frequentemente representados em retratos como uma indicação da sofisticação intelectual e da sensibilidade do sujeito.
Juan Bautista Maino "Adoração dos Pastores" 1612-1614
Uma das obras-primas de Maino. Na coleção Ermida Estadual Há outra versão desta história escrita por Maino. O artista nasceu em Pastrana (Guadalajara) e viveu em Roma de 1604 a 1610. Esta obra, escrita no seu regresso à Espanha, mostra a influência de Caravaggio e Orazio Gentileschi. Em 1613, Maino tornou-se membro da Ordem Dominicana, e a pintura foi incluída no ciclo de retábulos do Mosteiro de São Pedro Mártir, em Toledo.
Georges de Latour "O músico cego com um Hurdy-Hurdy" aprox. 1625-1630
Latour retrata um velho músico cego tocando um realejo, e ele repetiu esse enredo várias vezes. O artista, que trabalhou sob a influência do estilo de Caravaggio, reproduz com entusiasmo os detalhes - o padrão que decora um instrumento musical, as rugas do rosto de um cego, seus cabelos.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseu Libertando Andromeda" Aprox. 1639-1640
Francisco de Goya "Retrato de Fernando VII" 1814-1815
Após a derrota de Napoleão em 1814, Fernando VII voltou ao trono espanhol. O retrato mostra-o com uma túnica real forrada de arminho, com um cetro e as ordens de Carlos III e o Velocino de Ouro.
Fernando VII, que governou o país até 1833, fundou o Museu do Prado em 1819.
Francisco de Goya "Maria de Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, esposa do primeiro diretor do Prado, foi uma das mulheres mais veneradas da Espanha do seu tempo.
No retrato de 1805, Goya retratou a Marquesa como a musa da poesia lírica, Euterpe, reclinada num sofá e segurando uma lira na mão esquerda. A escolha desta imagem particular deve-se à paixão da marquesa pela poesia.
Francisco Goya - "Outono (Colheita da Uva)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - “Colheita da Uva” fragmento
Entre 1775 e 1792, Goya criou sete séries de tapeçarias de papelão para os palácios do Escorial e do Prado, nos arredores de Madrid. Esta pintura em particular pertence à série das estações e foi destinada à sala de jantar do Príncipe das Astúrias no Prado. Goya retratou o enredo clássico como uma cena cotidiana, que reflete a natureza da relação entre as diferentes classes - a pintura retrata os donos de uma vinha com o filho e a empregada.
Francisco Goya "Retrato do General José de Urrutia" (c. 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - um dos mais proeminentes líderes militares espanhóis e o único oficial do exército de origem não aristocrática no século XVIII que alcançou o posto de capitão-general - é retratado com a Ordem de São Jorge, que foi concedido a ele pela imperatriz russa Catarina, a Grande, por sua participação na captura de Ochakov durante a campanha da Crimeia em 1789.
Peter Paul Rubens "Retrato de Maria de Médici". OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) era filha do Grão-Duque da Toscana Francesco I. Em 1600 tornou-se esposa do rei francês Henrique IV. A partir de 1610 ela foi regente de seu filho, o futuro rei Luís XIII. Ela encomendou uma série de obras a Rubens glorificando a si mesma e a seu falecido marido. O retrato mostra a Rainha com cocar de viúva e fundo inacabado.
Domenico Tintoretto "Mulher expondo os seios" Aprox. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Retrato de Félix Máximo Lopez, primeiro organista da Capela Real" 1820
Pintor neoclássico espanhol, que manteve traços do estilo rococó. López foi considerado um dos melhores retratistas de sua época, perdendo apenas para Francisco de Goya. Começou a estudar pintura em Valência aos 13 anos e, em quatro anos, ganhou vários primeiros prémios na Academia de San Carlos, o que lhe valeu uma bolsa para estudar na prestigiada Academia Real da capital. belas-Artes São Fernando. Após concluir os estudos, Lopez trabalhou vários anos na oficina de Mariano Salvador Maella, seu professor. Em 1814, após a ocupação francesa, Lopez já estava bastante bem artista famoso, portanto, o rei espanhol Fernando VII convocou-o a Madrid e nomeou-o artista oficial da corte, apesar de o “primeiro artista real” da época ter sido o próprio Francisco Goya. Vicente Lopez foi um artista prolífico, pintou pinturas sobre temas religiosos, alegóricos, históricos e mitológicos, mas, acima de tudo, foi, claro, um retratista. Durante sua longa carreira pintou retratos de quase todos pessoa famosa na Espanha na primeira metade do século XIX.
Este retrato do primeiro organista da capela real e do famoso músico e compositor foi pintado pouco antes da morte do artista e foi concluído por seu filho mais velho, Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Retrato de Maria Luísa de Parma, Princesa das Astúrias" 1766
Juan Sanchez Cotan "Natureza morta com caça, legumes e frutas" 1602
Don Diego de Acedo estava na corte desde 1635. Além do “serviço de bufão”, ele servia como mensageiro real e era responsável pelo selo do rei. Aparentemente, os livros, papéis e instrumentos de escrita retratados na imagem falam dessas atividades. Acredita-se que o retrato tenha sido pintado em Fraga, província de Huesca, durante a viagem de Filipe IV a Aragão, na qual esteve acompanhado por Diego de Acedo. Ao fundo ergue-se o pico Malicios da serra de Guadarrama.
Hieronymus Bosch "Extração da Pedra da Loucura" c. 1490
A cena satírica com figuras sobre fundo paisagístico retrata uma operação para retirar a “pedra da estupidez”. Inscrição fonte gótica diz: "Mestre, remova rapidamente a pedra. Meu nome é Lubbert Das." Lubbert é um substantivo comum que denota ignorância e simplicidade. Um cirurgião com um cocar em forma de funil invertido, simbolizando a ignorância, “retira” uma pedra (nenúfar) da cabeça de um paciente crédulo e exige dele um pagamento generoso. Naquela época, os simplórios acreditavam que uma pedra na cabeça era a culpada por sua estupidez. Foi disso que os charlatões se aproveitaram.
Rafael (Raffaello Santi) "A Sagrada Família com um Cordeiro" 1507
Maria ajuda o pequeno Cristo a sentar-se no cordeiro - símbolo cristão a vindoura Paixão de Cristo e S. Joseph está observando-os. O quadro foi pintado em Florença, onde o artista estudou a obra de Leonardo da Vinci, influenciado por suas composições com a Sagrada Família. No Museu do Prado esta é a única obra de Rafael pintada no período inicial.
Albrecht Durer "Retrato de um Homem Desconhecido" Aprox. 1521
O retrato pertence a período tardio A criatividade de Dürer. Escrito de maneira semelhante ao estilo Artistas holandeses. Um chapéu de aba larga chama a atenção para o rosto do retratado; a luz que incide da esquerda concentra a atenção do espectador nele. O segundo foco de atenção no retrato são as mãos, principalmente a esquerda, nas quais o desconhecido segura um pergaminho - aparentemente explicando sua posição social.
Rogier van der Weyden "Lamentação" Aprox. 1450
O modelo foi o tríptico do altar do mosteiro de Miraflores (guardado na galeria de arte de Berlim), criado por Van der Weyden antes de 1444 e repetido com algumas diferenças. Nesta versão, com a parte superior acrescentada em época desconhecida, Maria, Cristo, São Pedro. John e o doador (cliente da pintura) - membro da família Broers - são retratados no mesmo espaço. A artista transmite de forma expressiva a dor da Mãe de Deus, apertando contra o peito o corpo do filho morto. O grupo trágico à esquerda contrasta com a figura do doador, separado por uma pedra. Ele está em um estado de concentração orante. Naquela época, os clientes muitas vezes pediam para se retratarem em pinturas. Mas suas imagens sempre foram secundárias – em algum lugar no fundo, no meio da multidão, etc. Aqui o doador é representado em primeiro plano, mas é separado do grupo principal pela pedra e pela cor.
Alonso Cano "Cristo Morto apoiado por um anjo" c. 1646 - 1652
Contra o pano de fundo de uma paisagem crepuscular, um anjo sustenta o corpo sem vida de Cristo. A invulgar iconografia desta pintura explica-se pelo facto de estar associada não a textos evangélicos, mas ao chamado Cristo de São Pedro. Gregório. Segundo a lenda, o Papa Gregório, o Grande, teve uma visão do Cristo morto apoiado por dois anjos. Kano interpretou essa trama de maneira diferente - apenas um anjo sustenta o corpo imóvel de Cristo.
Bartolome Esteban Murillo "Nossa Senhora do Rosário" Aprox. 1650 -1655
A obra de Bartolome Esteban Murillo encerra a época de ouro da pintura espanhola. As obras de Murillo são impecavelmente precisas na composição, ricas e harmoniosas nas cores e belas no sentido mais elevado da palavra. Seus sentimentos são sempre sinceros e delicados, mas nas pinturas de Murillo não existe mais aquela força espiritual e profundidade que é tão chocante nas obras de seus contemporâneos mais velhos. A vida do artista está ligada à sua Sevilha natal, embora tenha visitado Madrid e outras cidades. Tendo estudado com o pintor local Juan del Castillo (1584-1640), Murillo trabalhou extensivamente sob encomenda de mosteiros e templos. Em 1660 tornou-se presidente da Academia de Belas Artes de Sevilha.
Com suas pinturas de temas religiosos, Murillo procurou trazer conforto e tranquilidade. Não é por acaso que muitas vezes pintou a imagem da Mãe de Deus. A imagem de Maria passou de pintura em pintura na forma de uma linda jovem com traços faciais regulares e olhar calmo. Sua aparência inocente deveria evocar um sentimento de doce ternura no espectador. Nesta pintura, Bartolome Murillo retratou Nossa Senhora e Jesus com um rosário, rosário católico tradicional, cuja oração foi dada grande importância na época do artista. Nesta obra ainda são perceptíveis os traços do naturalismo que prevaleciam nas obras dos representantes da escola sevilhana da primeira metade do século XVII, mas o estilo de pintura de Murillo já é mais livre do que nas suas primeiras obras. Esta liberdade é especialmente evidente na representação do véu da Virgem Maria. A artista utiliza luz forte para realçar as figuras contra um fundo escuro e criar um contraste entre os tons delicados do rosto da Virgem Maria e do corpo do menino Cristo e as sombras profundas nas dobras dos tecidos.
Na Andaluzia do século XVII, a imagem da Virgem com o Menino era particularmente procurada. Murillo, cujo vida criativa aconteceu em Sevilha, pintou muitos desses quadros, imbuídos de ternura. Neste caso, a Mãe de Deus é representada com um rosário. E aqui, como em primeiros anos de sua obra, o artista permanece fiel à sua paixão pelos contrastes de luz e sombra.
Bartolome Esteban Murillo "O Bom Pastor" 1655-1660
A imagem está imbuída de profundo lirismo e gentileza. O título é tirado do Evangelho de João: “Eu sou o bom pastor”. Isto sugere que a pintura retrata Cristo, embora em uma idade muito precoce. Tudo no filme de Murillo é lindo e simples. O artista adorava pintar crianças e colocou todo esse amor na beleza da imagem desse menino-Deus. Nas décadas de 1660-1670, durante o apogeu de suas habilidades pictóricas, Murillo procurou poetizar seus personagens e foi frequentemente acusado de algum sentimentalismo em suas imagens e de sua beleza deliberada. No entanto, essas censuras não são inteiramente justas. A criança retratada na pintura ainda pode ser vista hoje tanto em Sevilha como nas aldeias vizinhas. E foi precisamente nisso que se manifestou a orientação democrática do trabalho da artista - ao equiparar a beleza de Nossa Senhora à beleza das mulheres espanholas comuns, e a beleza do seu filho, o pequeno Cristo, à beleza dos meninos de rua.
Alonso Sanchez Coelho “Retrato das Infantes Isabella Clara Eugenia e Catalina Micaela” 1575
O retrato mostra a princesa, de oito e nove anos, segurando uma coroa de flores. Sánchez Coelho pintou retratos de infantas - as queridas filhas do rei Filipe II e da sua terceira esposa, Isabella Valois - desde muito cedo. Todos os retratos são feitos de acordo com os cânones de um retrato da corte - meninas com roupas magníficas e expressões faciais impassíveis.
Anton Rafael Mengs. Retrato do rei Carlos III. 1767
Carlos III foi considerado talvez o único monarca verdadeiramente esclarecido na história da Espanha. Foi ele quem fundou o Museu do Prado em 1785, inicialmente como museu de história natural. Carlos III sonhou que o Museu do Prado, juntamente com o vizinho jardins botânicos se tornará um centro de educação científica.
Tendo subido ao trono, começou a realizar sérias reformas políticas e económicas, de que o país tanto precisava naquela época. No entanto, os seus esforços foram em vão - o seu filho Carlos IV não partilhava das opiniões progressistas do seu pai e, após a morte de Carlos III, as reformas terminaram.
Este retrato é absolutamente típico da sua época. A cada detalhe, o artista chama a atenção para a posição ocupada pelo modelo: manto debruado de arminho, cruz de Malta incrustada de joias, armadura brilhante - atributos indispensáveis da grandeza real. Cortinas exuberantes e pilastras (um elemento da arquitetura clássica) são o cenário tradicional para esses retratos.
Mas já neste retrato surpreende a forma como o rosto da modelo é apresentado. Mengs não faz nenhuma tentativa de afinar o nariz bulboso do rei ou suavizar as rugas de suas bochechas enrugadas. Graças à máxima individualidade, esta pintura cria um sentido de vida que os antecessores de Mengs não conseguiram alcançar. O retrato faz sentir simpatia por Carlos III, que está pronto para “mostrar” a sua aparência imperfeita.
Antoine Watteau "Festa no Parque" ca. 1713 - 1716
Esta cena encantadora é um exemplo típico das "férias galantes" de Watteau. Nevoeiro leve, borrando os contornos, a estátua de Netuno quase escondida na folhagem acima da fonte e a cor dourada desbotada - tudo isso transmite uma atmosfera de prazer agudo, mas fugaz.
A pintura pertenceu a Isabella Farnese, a segunda esposa do rei Filipe V.
Antonio Carnicero "Subindo o balão de ar quente em Aranjuez" c. 1784
A pintura foi encomendada pelo Duque e pela Duquesa de Haussouin e capta o espírito do Iluminismo, que despertou interesse pelas conquistas progresso científico. Retrata-se um acontecimento real: em 1784, nos Jardins Reais de Aranjuez, na presença do monarca, membros da sua família e cortesãos, foi realizado um voo de balão de ar quente. Antonio Carnicero era conhecido por suas belas cenas de gênero, e esta pintura é uma de suas obras mais ambiciosas.
José de Madrazo y Agudo "Amor Celestial e Amor Terrestre" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Cordeiro de Deus" 1635-1640
Um cordeiro está deitado sobre uma mesa cinza, destacando-se nitidamente contra o fundo escuro na luz brilhante e nítida. Qualquer pessoa do século XVII o teria reconhecido imediatamente como o “cordeiro de Deus” e teria entendido que se tratava de uma alusão ao auto-sacrifício de Cristo. A lã do cordeiro é maravilhosamente trabalhada e parece tão macia que é difícil tirar os olhos do animal e ter vontade de tocá-lo.
Juan Pantoja de la Cruz "Retrato da Rainha Isabel de Valois" c. 1604-1608
Pantoja de la Cruz pintou este retrato, repetindo a obra de Sofonisba Angishola - o original queimado no palácio em 1604. A artista apenas acrescentou ao traje da rainha uma capa feita de pele de marmota.
Sofonisba Angishola foi uma artista de Cremona que trabalhou na corte espanhola. Este foi o primeiro retrato da jovem rainha de uma série da artista. A pintura foi pintada de forma próxima ao espanhol, mas em cores mais quentes e claras.
Jean Rann "Retrato de Carlos III quando criança" 1723
Luis Melendez "Natureza morta com caixa de doces, pretzel e outros itens" 1770
O maior mestre do espanhol natureza morta XVIII c., Luis Melendez nasceu na Itália, na família de um artista miniaturista das Astúrias. Em 1717, a família mudou-se para Madrid, onde o jovem ingressou no departamento preparatório da Academia de San Fernando, e conquistou o primeiro lugar entre os alunos mais talentosos. Porém, em 1747 foi forçado a deixar a Academia, seguindo o pai, que dela foi expulso em consequência do conflito. Nesse período, Meléndez visita novamente a Itália. Ajudando inicialmente o pai, tornou-se miniaturista e, ao regressar da Itália, foi convidado por Fernando VI para ilustrar livros na Capela Real de Madrid. No gênero de natureza morta, ao qual o artista recorreu no início da década de 1760, surgiu uma nova faceta de sua obra.
Esta natureza morta foi pintada em período maduro criatividade do artista. Nessa época, artigos de luxo e pratarias apareciam em suas composições. Mas, mesmo assim, o artista ainda segue seus ideais e trabalha na linha tradição de gênero. A tangibilidade material de cada um dos objetos pintados na tela nos faz relembrar os melhores exemplos de natureza morta na arte mundial. O vidro transparente tangível do vidro é refletido na superfície fosca e brilhante do vaso prateado. Um pretzel macio em um guardanapo branco que parece cheirar a pão recém-assado. O gargalo de uma garrafa selada brilha fracamente. Um garfo prateado se projeta um pouco além da borda da mesa iluminada. Na composição desta natureza morta não há disposição ascética de objetos em uma fileira, característica, por exemplo, das naturezas mortas de Zurbaran. Talvez tenha algo em comum com as amostras holandesas. Mas o tom é mais escuro, há menos objetos e a composição é mais simples.
Juan de Arellano "Cesta de Flores" 1670
Artista barroco espanhol, especializado na representação de arranjos florais, nascido em Santorcas em 1614. No início estudou no ateliê de um artista já desconhecido, mas aos 16 anos mudou-se para Madrid, onde estudou com Juan de Solis, artista que realizava encomendas para a Rainha Isabel. Juan de Arellano viveu muito tempo com pequenas encomendas, inclusive pinturas murais, até que decidiu se concentrar exclusivamente na pintura de flores e se tornou um mestre insuperável na área. Acredita-se que o mestre começou copiando obras de outros artistas, principalmente italianos; as naturezas-mortas flamengas acrescentaram elegância e rigor ao seu estilo. Mais tarde, ele adicionou suas próprias ideias composicionais e uma paleta de cores característica a essa combinação.
A composição bastante simples desta natureza morta é característica de Arellano. As cores puras e intensas das plantas destacam-se contra um fundo acastanhado neutro devido à iluminação intensa.
Svetlana Obukhova
Quase não restam evidências sobre a vida do cretense Domenico Theotokopouli, o artista que conquistou a Toledo espanhola com o nome de El Greco, ou seja, o grego. As “loucuras” de seu personagem e sua estranha maneira pictórica surpreenderam muitos e os forçaram a pegar a caneta - mas apenas algumas cartas sobreviveram. Um deles contém os seguintes versos: “... o tempo estava lindo, o sol da primavera brilhava suavemente. Deu alegria a todos e a cidade parecia festiva. Qual foi a minha surpresa quando entrei no estúdio de El Greco e vi que as venezianas das janelas estavam fechadas e por isso era difícil ver o que estava ao redor. O próprio El Greco estava sentado num banquinho, sem fazer nada, mas acordado. Ele não queria sair comigo, pois, segundo ele, a luz do sol interferia na sua luz interior...”
Quase não restam evidências sobre o homem Domenico, apenas ecos: que ele viveu em grande estilo, manteve uma rica biblioteca, leu muitos filósofos e também processou clientes (eles o amavam, mas na maioria das vezes não o entendiam), morreu quase em pobreza - como os finos raios da luz do dia que rompem as frestas das “venezianas fechadas” de sua vida. Mas não distraem do principal - da luz interior que preenche as pinturas do artista El Greco. Principalmente retratos.
Não há paisagens que se abram atrás do retratado, não há abundância de detalhes que atraiam o olhar curioso. Até o nome do herói costuma ser deixado de fora. Porque tudo isso impediria você de ver o rosto. E olhos, profundos, escuros, olhando diretamente para você. É difícil se desvencilhar deles, e se você se forçar, é para ver o gesto e parar novamente no pensamento.
Trata-se do “Retrato de um Cavaleiro com a Mão no Peito” (1577-1579), pintado pelo mestre logo após sua mudança para Toledo. Este retrato é reconhecido como um dos melhores da pintura espanhola do século XVI. O estranho El Greco criou “imagens vivas da vida e da história espanhola”, que captam “verdadeiros seres vivos, combinando em si tudo o que se pode admirar no nosso povo, tudo o que é heróico e indomável, com aquelas qualidades opostas que não podem deixar de ser refletidas, sem destruir a sua própria essência” (A. Segovia). Os aristocratas das antigas famílias de Toledo tornaram-se os verdadeiros heróis de El Greco, ele viu sua luz interior - sua nobreza e dignidade, fidelidade ao dever, inteligência, refinamento de maneiras, coragem, contenção externa e impulso interno, força do coração, que sabe pelo que vive e morre.
Dia após dia, os visitantes da Galeria do Prado param diante do hidalgo desconhecido, surpresos, com as palavras: “Como vivo...” Quem é ele, este cavaleiro? Por que ele abre seu coração com tanta sinceridade? Por que seus olhos são tão atraentes? E esse gesto de juramento? E o punho da espada?.. Talvez destas questões tenha nascido a lenda de que a pessoa retratada no retrato é outro grande espanhol: Miguel de Cervantes. Um guerreiro e escritor que contou ao mundo a história de um cavaleiro de imagem triste, a quem foi dado o mesmo dom divino de El Greco - ver as pessoas como deveriam ser, ver a sua luz interior...
E outras pinturas do Museu do Prado em l'Hermitage...
El Greco "Cristo Abraçando a Cruz" 1600 - 1605
Retratado tendo como pano de fundo um céu tempestuoso típico de El Greco, Cristo abraça a cruz com suas mãos graciosas, olhando para cima com calma condenação. A pintura foi um grande sucesso e muitas versões dela foram criadas na oficina de El Greco.
El Greco "Sagrada Família com Santa Ana e o pequeno João Batista" c. 1600 - 1605
O período tardio da obra de El Greco é caracterizado pelo uso de cores penetrantes e flashes; o espaço está completamente preenchido por figuras que obscurecem o horizonte. As formas pintadas com pinceladas vibrantes perdem a materialidade. O pequeno João Batista chama o espectador ao silêncio para não perturbar a paz do menino Cristo...
Velasquez - Retrato de Filipe IV Retrato do Rei Filipe IV. 1653-1657
As bases do retrato psicológico na arte europeia foram lançadas pelo pintor espanhol Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Ele nasceu em uma família nobre e pobre de Sevilha e estudou com Herrera, o Velho e Pacheco. Em 1622 ele veio pela primeira vez para Madrid. No sentido prático, esta viagem não teve muito sucesso - Velázquez não encontrou um lugar digno para si. Ele esperava encontrar o jovem rei Filipe IV, mas o encontro não aconteceu. No entanto, rumores sobre o jovem artista chegaram à corte e já no ano seguinte, 1623, o primeiro ministro, duque de Olivares (também natural de Sevilha), convidou Velázquez a Madrid para pintar um retrato do rei. Esta obra, que não chegou até nós, causou uma impressão tão agradável no monarca que ele imediatamente ofereceu a Velázquez o cargo de artista da corte. Logo se desenvolveram relações bastante amistosas entre o rei e Velázquez, o que não era muito típico da ordem que reinava na corte espanhola. O rei, que governava o maior império do mundo, era considerado não um homem, mas uma divindade, e o artista não podia nem contar com privilégios nobres, pois ganhava a vida com o trabalho. Enquanto isso, Filipe ordenou que doravante apenas Velázquez pintasse seus retratos. O grande monarca foi surpreendentemente generoso e apoiou Velázquez. O ateliê do artista ficava nos aposentos reais, onde foi instalada uma cadeira para Sua Majestade. O rei, que tinha a chave da oficina, vinha aqui quase todos os dias para observar o trabalho do artista. Durante o serviço real, de 1623 a 1660, Velázquez pintou cerca de uma dúzia de retratos de seu suserano. Destas, pouco mais de 10 pinturas chegaram até nós. Assim, em média, Velázquez pintava seu suserano aproximadamente uma vez a cada três anos. Pintar retratos do rei era tarefa de Velázquez, e ele fez o trabalho perfeitamente. Graças a isso, temos um conjunto de obras único à sua maneira: os retratos de Velázquez traçam a trajetória de vida do rei Filipe de forma tão clara, que mais tarde se tornou um costume apenas na era da fotografia. A evolução é claramente visível nas pinturas do artista. Em primeiro lugar, o próprio rei muda, 18 anos no primeiro retrato e 50 anos no último; o seu rosto traz a marca da idade e das mudanças espirituais. Em segundo lugar, a percepção do artista sobre o seu modelo se aprofunda, passando de superficial a perspicaz. Com o tempo, a forma como o modelo é apresentado e as técnicas artísticas mudam. A maneira de Velázquez se transforma sob a influência de seu próprio crescimento criativo, bem como sob a influência das modernas tradições nacionais e estrangeiras. Este retrato abaixo do peito retrata Filipe IV contra um fundo escuro, vestindo roupas pretas com colarinho branco que destaca claramente o rosto do monarca. Velázquez evita a ostentação no retrato do rei e mostra o "rosto humano" do monarca sem qualquer bajulação ou astúcia cortês. Sentimos claramente que quem nos olha da tela está infeliz, os últimos anos do seu reinado não foram fáceis para o rei. Este é um homem que conheceu a decepção, mas, ao mesmo tempo, um homem cuja carne está repleta de uma grandeza inata, que nada pode abalar. Outro grande artista, totalmente espanhol, Pablo Ruiz Picasso, diz o seguinte sobre a imagem do rei espanhol: “não podemos imaginar outro Filipe IV que não seja aquele criado por Velázquez...”
"Retrato do Rei Filipe IV" (c. 1653 - 1657)
Um dos últimos retratos do monarca. É interessante notar que não há aqui um único elemento que fale do status real da pessoa retratada. Velázquez serviu Filipe IV por quase quarenta anos - de 1623 até sua morte, pintando retratos do rei e de sua família, grandes telas para a Coleção Real.
Diego Velázquez "Retrato do Bobo Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644
Diego Velázquez "Retrato da Rainha Mariana da Áustria" 1652-1653
Ticiano (Tiziano Vecellio) "Vênus com Cupido e o Organista" 1555
O músico toca sentado aos pés de Vênus e admirando o corpo nu da deusa, brincando distraidamente com o Cupido. Alguns viam esta pintura como uma obra puramente erótica, enquanto outros a percebiam simbolicamente - como uma alegoria de sentimentos, onde a visão e a audição atuam como ferramentas para o conhecimento da beleza e da harmonia. Ticiano escreveu cinco versões deste tema.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Maria Madalena Penitente" 1583
Após a sua conversão, Maria Madalena dedicou a sua vida ao arrependimento e à oração, afastando-se do mundo. Nesta pintura ela é retratada olhando para o céu e banhada pela luz divina. A pintura é pintada em cores escuras e espessas, características do estilo de Veronese no período tardio de sua obra. Antes de entrar nas Coleções Reais Espanholas, a obra pertenceu ao rei inglês Carlos I (executada em 1649)
Anthony Van Dyck "Retrato de um homem com alaúde" 1622-1632
Anthony Van Dyck deve a sua fama precisamente ao género do retrato, que ocupava uma posição bastante inferior na hierarquia da pintura europeia. No entanto, por esta altura, uma tradição de retratos já se tinha desenvolvido na Flandres. Van Dyck pintou centenas de retratos, vários autorretratos e tornou-se um dos criadores do estilo de retrato cerimonial no século XVII. Nos retratos de seus contemporâneos, ele mostrou seu mundo intelectual, emocional, vida espiritual e caráter humano vivo.
O modelo tradicional para este retrato é Jacob Gautier, alaúde da corte inglesa de 1617 a 1647, mas a presença da espada e, em maior medida, as características estilísticas da obra indicam que ela deve ser muito anterior a Van. A viagem de Dyck a Londres, que põe em dúvida esta teoria. A presença de um instrumento musical não significa necessariamente que o modelo fosse músico. Como símbolo, os instrumentos musicais eram frequentemente representados em retratos como uma indicação da sofisticação intelectual e da sensibilidade do sujeito.
Juan Bautista Maino "Adoração dos Pastores" 1612-1614
Uma das obras-primas de Maino. A coleção do State Hermitage contém outra versão desta história, escrita por Maino. O artista nasceu em Pastrana (Guadalajara) e viveu em Roma de 1604 a 1610. Esta obra, escrita no seu regresso à Espanha, mostra a influência de Caravaggio e Orazio Gentileschi. Em 1613, Maino tornou-se membro da Ordem Dominicana, e a pintura foi incluída no ciclo de retábulos do Mosteiro de São Pedro Mártir, em Toledo.
Georges de Latour "O músico cego com um Hurdy-Hurdy" aprox. 1625-1630
Latour retrata um velho músico cego tocando um realejo, e ele repetiu esse enredo várias vezes. O artista, que trabalhou sob a influência do estilo de Caravaggio, reproduz com entusiasmo os detalhes - o padrão que decora um instrumento musical, as rugas do rosto de um cego, seus cabelos.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseu Libertando Andromeda" Aprox. 1639-1640
Francisco de Goya "Retrato de Fernando VII" 1814-1815
Após a derrota de Napoleão em 1814, Fernando VII voltou ao trono espanhol. O retrato mostra-o com uma túnica real forrada de arminho, com um cetro e as ordens de Carlos III e o Velocino de Ouro.
Fernando VII, que governou o país até 1833, fundou o Museu do Prado em 1819.
Francisco de Goya "Maria de Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, esposa do primeiro diretor do Prado, foi uma das mulheres mais veneradas da Espanha do seu tempo.
No retrato de 1805, Goya retratou a Marquesa como a musa da poesia lírica, Euterpe, reclinada num sofá e segurando uma lira na mão esquerda. A escolha desta imagem particular deve-se à paixão da marquesa pela poesia.
Francisco Goya - "Outono (Colheita da Uva)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - “Colheita da Uva” fragmento
Entre 1775 e 1792, Goya criou sete séries de tapeçarias de papelão para os palácios do Escorial e do Prado, nos arredores de Madrid. Esta pintura em particular pertence à série das estações e foi destinada à sala de jantar do Príncipe das Astúrias no Prado. Goya retratou o enredo clássico como uma cena cotidiana, que reflete a natureza da relação entre as diferentes classes - a pintura retrata os donos de uma vinha com o filho e a empregada.
Francisco Goya "Retrato do General José de Urrutia" (c. 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - um dos mais proeminentes líderes militares espanhóis e o único oficial do exército de origem não aristocrática no século XVIII que alcançou o posto de capitão-general - é retratado com a Ordem de São Jorge, que foi concedido a ele pela imperatriz russa Catarina, a Grande, por sua participação na captura de Ochakov durante a campanha da Crimeia em 1789.
Peter Paul Rubens "Retrato de Maria de Médici". OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) era filha do Grão-Duque da Toscana Francesco I. Em 1600 tornou-se esposa do rei francês Henrique IV. A partir de 1610 ela foi regente de seu filho, o futuro rei Luís XIII. Ela encomendou uma série de obras a Rubens glorificando a si mesma e a seu falecido marido. O retrato mostra a Rainha com cocar de viúva e fundo inacabado.
Domenico Tintoretto "Mulher expondo os seios" Aprox. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Retrato de Félix Máximo Lopez, primeiro organista da Capela Real" 1820
Pintor neoclássico espanhol, que manteve traços do estilo rococó. López foi considerado um dos melhores retratistas de sua época, perdendo apenas para Francisco de Goya. Começou a estudar pintura em Valência aos 13 anos e em quatro anos ganhou vários primeiros prémios na Academia de San Carlos, o que lhe valeu uma bolsa para estudar na prestigiada Academia Real de Belas Artes de San Fernando da capital. Após concluir os estudos, Lopez trabalhou vários anos na oficina de Mariano Salvador Maella, seu professor. Em 1814, após a ocupação francesa, López já era um artista conhecido, pelo que o rei espanhol Fernando VII convocou-o a Madrid e nomeou-o artista oficial da corte, apesar de o “primeiro artista real” da época ter sido Francisco O próprio Goya. Vicente Lopez foi um artista prolífico, pintou pinturas sobre temas religiosos, alegóricos, históricos e mitológicos, mas, acima de tudo, foi, claro, um retratista. Durante a sua longa carreira, pintou retratos de quase todas as pessoas famosas da Espanha na primeira metade do século XIX.
Este retrato do primeiro organista da capela real e do famoso músico e compositor foi pintado pouco antes da morte do artista e foi concluído por seu filho mais velho, Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Retrato de Maria Luísa de Parma, Princesa das Astúrias" 1766
Juan Sanchez Cotan "Natureza morta com caça, legumes e frutas" 1602
Don Diego de Acedo estava na corte desde 1635. Além do “serviço de bufão”, ele servia como mensageiro real e era responsável pelo selo do rei. Aparentemente, os livros, papéis e instrumentos de escrita retratados na imagem falam dessas atividades. Acredita-se que o retrato tenha sido pintado em Fraga, província de Huesca, durante a viagem de Filipe IV a Aragão, na qual esteve acompanhado por Diego de Acedo. Ao fundo ergue-se o pico Malicios da serra de Guadarrama.
Hieronymus Bosch "Extração da Pedra da Loucura" c. 1490
A cena satírica com figuras sobre fundo paisagístico retrata uma operação para retirar a “pedra da estupidez”. A inscrição em fonte gótica diz: "Mestre, remova rapidamente a pedra. Meu nome é Lubbert Das." Lubbert é um substantivo comum que denota ignorância e simplicidade. Um cirurgião com um cocar em forma de funil invertido, simbolizando a ignorância, “retira” uma pedra (nenúfar) da cabeça de um paciente crédulo e exige dele um pagamento generoso. Naquela época, os simplórios acreditavam que uma pedra na cabeça era a culpada por sua estupidez. Foi disso que os charlatões se aproveitaram.
Rafael (Raffaello Santi) "A Sagrada Família com um Cordeiro" 1507
Maria ajuda o pequeno Cristo a sentar-se sobre o cordeiro - um símbolo cristão da vindoura Paixão de Cristo, e São Pedro. Joseph está observando-os. O quadro foi pintado em Florença, onde o artista estudou a obra de Leonardo da Vinci, influenciado por suas composições com a Sagrada Família. No Museu do Prado esta é a única obra de Rafael pintada no período inicial.
Albrecht Durer "Retrato de um Homem Desconhecido" Aprox. 1521
O retrato pertence ao período tardio da obra de Dürer. Pintado de maneira semelhante ao estilo dos artistas holandeses. Um chapéu de aba larga chama a atenção para o rosto do retratado; a luz que incide da esquerda concentra a atenção do espectador nele. O segundo foco de atenção no retrato são as mãos, principalmente a esquerda, nas quais o desconhecido segura um pergaminho - aparentemente explicando sua posição social.
Rogier van der Weyden "Lamentação" Aprox. 1450
O modelo foi o tríptico do altar do mosteiro de Miraflores (guardado na galeria de arte de Berlim), criado por Van der Weyden antes de 1444 e repetido com algumas diferenças. Nesta versão, com a parte superior acrescentada em época desconhecida, Maria, Cristo, São Pedro. John e o doador (cliente da pintura) - membro da família Broers - são retratados no mesmo espaço. A artista transmite de forma expressiva a dor da Mãe de Deus, apertando contra o peito o corpo do filho morto. O grupo trágico à esquerda contrasta com a figura do doador, separado por uma pedra. Ele está em um estado de concentração orante. Naquela época, os clientes muitas vezes pediam para se retratarem em pinturas. Mas suas imagens sempre foram secundárias – em algum lugar no fundo, no meio da multidão, etc. Aqui o doador é representado em primeiro plano, mas é separado do grupo principal pela pedra e pela cor.
Alonso Cano "Cristo Morto apoiado por um anjo" c. 1646 - 1652
Contra o pano de fundo de uma paisagem crepuscular, um anjo sustenta o corpo sem vida de Cristo. A invulgar iconografia desta pintura explica-se pelo facto de estar associada não a textos evangélicos, mas ao chamado Cristo de São Pedro. Gregório. Segundo a lenda, o Papa Gregório, o Grande, teve uma visão do Cristo morto apoiado por dois anjos. Kano interpretou essa trama de maneira diferente - apenas um anjo sustenta o corpo imóvel de Cristo.
Bartolome Esteban Murillo "Nossa Senhora do Rosário" Aprox. 1650 -1655
A obra de Bartolome Esteban Murillo encerra a época de ouro da pintura espanhola. As obras de Murillo são impecavelmente precisas na composição, ricas e harmoniosas nas cores e belas no sentido mais elevado da palavra. Seus sentimentos são sempre sinceros e delicados, mas nas pinturas de Murillo não existe mais aquela força espiritual e profundidade que é tão chocante nas obras de seus contemporâneos mais velhos. A vida do artista está ligada à sua Sevilha natal, embora tenha visitado Madrid e outras cidades. Tendo estudado com o pintor local Juan del Castillo (1584-1640), Murillo trabalhou extensivamente sob encomenda de mosteiros e templos. Em 1660 tornou-se presidente da Academia de Belas Artes de Sevilha.
Com suas pinturas de temas religiosos, Murillo procurou trazer conforto e tranquilidade. Não é por acaso que muitas vezes pintou a imagem da Mãe de Deus. A imagem de Maria passou de pintura em pintura na forma de uma linda jovem com traços faciais regulares e olhar calmo. Sua aparência inocente deveria evocar um sentimento de doce ternura no espectador. Nesta pintura, Bartolome Murillo retratou Nossa Senhora e Jesus com o rosário, o tradicional rosário católico, cuja oração teve grande importância na época do artista. Nesta obra ainda são perceptíveis os traços do naturalismo que prevaleciam nas obras dos representantes da escola sevilhana da primeira metade do século XVII, mas o estilo de pintura de Murillo já é mais livre do que nas suas primeiras obras. Esta liberdade é especialmente evidente na representação do véu da Virgem Maria. A artista utiliza luz forte para realçar as figuras contra um fundo escuro e criar um contraste entre os tons delicados do rosto da Virgem Maria e do corpo do menino Cristo e as sombras profundas nas dobras dos tecidos.
Na Andaluzia do século XVII, a imagem da Virgem com o Menino era particularmente procurada. Murillo, cuja vida criativa passou em Sevilha, pintou muitas dessas pinturas, imbuídas de ternura. Neste caso, a Mãe de Deus é representada com um rosário. E aqui, como nos primeiros anos de seu trabalho, o artista permanece fiel à sua paixão pelos contrastes de luz e sombra.
Bartolome Esteban Murillo "O Bom Pastor" 1655-1660
A imagem está imbuída de profundo lirismo e gentileza. O título é tirado do Evangelho de João: “Eu sou o bom pastor”. Isto sugere que a pintura retrata Cristo, embora em uma idade muito precoce. Tudo no filme de Murillo é lindo e simples. O artista adorava pintar crianças e colocou todo esse amor na beleza da imagem desse menino-Deus. Nas décadas de 1660-1670, durante o apogeu de suas habilidades pictóricas, Murillo procurou poetizar seus personagens e foi frequentemente acusado de algum sentimentalismo em suas imagens e de sua beleza deliberada. No entanto, essas censuras não são inteiramente justas. A criança retratada na pintura ainda pode ser vista hoje tanto em Sevilha como nas aldeias vizinhas. E foi precisamente nisso que se manifestou a orientação democrática do trabalho da artista - ao equiparar a beleza de Nossa Senhora à beleza das mulheres espanholas comuns, e a beleza do seu filho, o pequeno Cristo, à beleza dos meninos de rua.
Alonso Sanchez Coelho “Retrato das Infantes Isabella Clara Eugenia e Catalina Micaela” 1575
O retrato mostra a princesa, de oito e nove anos, segurando uma coroa de flores. Sánchez Coelho pintou retratos de infantas - as queridas filhas do rei Filipe II e da sua terceira esposa, Isabella Valois - desde muito cedo. Todos os retratos são feitos de acordo com os cânones de um retrato da corte - meninas com roupas magníficas e expressões faciais impassíveis.
Anton Rafael Mengs. Retrato do rei Carlos III. 1767
Carlos III foi considerado talvez o único monarca verdadeiramente esclarecido na história da Espanha. Foi ele quem fundou o Museu do Prado em 1785, inicialmente como museu de história natural. Carlos III sonhou que o Museu do Prado, juntamente com os jardins botânicos próximos, se tornassem um centro de educação científica.
Tendo subido ao trono, começou a realizar sérias reformas políticas e económicas, de que o país tanto precisava naquela época. No entanto, os seus esforços foram em vão - o seu filho Carlos IV não partilhava das opiniões progressistas do seu pai e, após a morte de Carlos III, as reformas terminaram.
Este retrato é absolutamente típico da sua época. A cada detalhe, o artista chama a atenção para a posição ocupada pelo modelo: manto debruado de arminho, cruz de Malta incrustada de joias, armadura brilhante - atributos indispensáveis da grandeza real. Cortinas exuberantes e pilastras (um elemento da arquitetura clássica) são o cenário tradicional para esses retratos.
Mas já neste retrato surpreende a forma como o rosto da modelo é apresentado. Mengs não faz nenhuma tentativa de afinar o nariz bulboso do rei ou suavizar as rugas de suas bochechas enrugadas. Graças à máxima individualidade, esta pintura cria um sentido de vida que os antecessores de Mengs não conseguiram alcançar. O retrato faz sentir simpatia por Carlos III, que está pronto para “mostrar” a sua aparência imperfeita.
Antoine Watteau "Festa no Parque" ca. 1713 - 1716
Esta cena encantadora é um exemplo típico das "férias galantes" de Watteau. Uma leve neblina borrando os contornos, uma estátua de Netuno quase escondida na folhagem acima da fonte e uma cor dourada desbotada - tudo isso transmite uma atmosfera de prazer agudo, mas fugaz.
A pintura pertenceu a Isabella Farnese, a segunda esposa do rei Filipe V.
Antonio Carnicero "Subindo o balão de ar quente em Aranjuez" c. 1784
A pintura foi encomendada pelo Duque e pela Duquesa de Haussouin e capta o espírito do Iluminismo, que despertou o interesse pelas conquistas do progresso científico. Retrata-se um acontecimento real: em 1784, nos Jardins Reais de Aranjuez, na presença do monarca, membros da sua família e cortesãos, foi realizado um voo de balão de ar quente. Antonio Carnicero era conhecido por suas belas cenas de gênero, e esta pintura é uma de suas obras mais ambiciosas.
José de Madrazo y Agudo "Amor Celestial e Amor Terrestre" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Cordeiro de Deus" 1635-1640
Um cordeiro está deitado sobre uma mesa cinza, destacando-se nitidamente contra o fundo escuro na luz brilhante e nítida. Qualquer pessoa do século XVII o teria reconhecido imediatamente como o “cordeiro de Deus” e teria entendido que se tratava de uma alusão ao auto-sacrifício de Cristo. A lã do cordeiro é maravilhosamente trabalhada e parece tão macia que é difícil tirar os olhos do animal e ter vontade de tocá-lo.
Juan Pantoja de la Cruz "Retrato da Rainha Isabel de Valois" c. 1604-1608
Pantoja de la Cruz pintou este retrato, repetindo a obra de Sofonisba Angishola - o original queimado no palácio em 1604. A artista apenas acrescentou ao traje da rainha uma capa feita de pele de marmota.
Sofonisba Angishola foi uma artista de Cremona que trabalhou na corte espanhola. Este foi o primeiro retrato da jovem rainha de uma série da artista. A pintura foi pintada de forma próxima ao espanhol, mas em cores mais quentes e claras.
Jean Rann "Retrato de Carlos III quando criança" 1723
Luis Melendez "Natureza morta com caixa de doces, pretzel e outros itens" 1770
Maior mestre da natureza morta espanhola do século XVIII, Luis Melendez nasceu na Itália, na família de um artista miniaturista das Astúrias. Em 1717, a família mudou-se para Madrid, onde o jovem ingressou no departamento preparatório da Academia de San Fernando, e conquistou o primeiro lugar entre os alunos mais talentosos. Porém, em 1747 foi forçado a deixar a Academia, seguindo o pai, que dela foi expulso em consequência do conflito. Nesse período, Meléndez visita novamente a Itália. Ajudando inicialmente o pai, tornou-se miniaturista e, ao regressar da Itália, foi convidado por Fernando VI para ilustrar livros na Capela Real de Madrid. No gênero de natureza morta, ao qual o artista recorreu no início da década de 1760, surgiu uma nova faceta de sua obra.
Esta natureza morta foi pintada durante a maturidade do artista. Nessa época, artigos de luxo e pratarias apareciam em suas composições. Mas, mesmo assim, o artista continua fiel aos seus ideais e trabalha alinhado com a tradição do gênero. A tangibilidade material de cada um dos objetos pintados na tela nos faz relembrar os melhores exemplos de natureza morta na arte mundial. O vidro transparente tangível do vidro é refletido na superfície fosca e brilhante do vaso prateado. Um pretzel macio em um guardanapo branco que parece cheirar a pão recém-assado. O gargalo de uma garrafa selada brilha fracamente. Um garfo prateado se projeta um pouco além da borda da mesa iluminada. Na composição desta natureza morta não há disposição ascética de objetos em uma fileira, característica, por exemplo, das naturezas mortas de Zurbaran. Talvez tenha algo em comum com as amostras holandesas. Mas o tom é mais escuro, há menos objetos e a composição é mais simples.
Juan de Arellano "Cesta de Flores" 1670
Artista barroco espanhol, especializado na representação de arranjos florais, nascido em Santorcas em 1614. No início estudou no ateliê de um artista já desconhecido, mas aos 16 anos mudou-se para Madrid, onde estudou com Juan de Solis, artista que realizava encomendas para a Rainha Isabel. Juan de Arellano viveu muito tempo com pequenas encomendas, inclusive pinturas murais, até que decidiu se concentrar exclusivamente na pintura de flores e se tornou um mestre insuperável na área. Acredita-se que o mestre começou copiando obras de outros artistas, principalmente italianos; as naturezas-mortas flamengas acrescentaram elegância e rigor ao seu estilo. Mais tarde, ele adicionou suas próprias ideias composicionais e uma paleta de cores característica a essa combinação.
A composição bastante simples desta natureza morta é característica de Arellano. As cores puras e intensas das plantas destacam-se contra um fundo acastanhado neutro devido à iluminação intensa.
Talvez um dos primeiros retratos de El Greco criados na Espanha seja o chamado “Retrato de um Cavaleiro com a Mão no Peito” (c. 1577-1579). Isso é evidenciado, em primeiro lugar, por um estilo de pintura mais tradicional e escuro, construído em tons de tons acastanhados com uma pincelada densa e suave. É típica uma neutralidade psicológica de interpretação, que mais tarde dará lugar a uma caracterização muito mais ativa.
Esse retrato famoso El Greco representa, por assim dizer, a imagem de um nobre de sua época elevada ao quadro do cânone. Elegante, muito calmo, com a mão direita no peito em gesto de juramento ou convicção, o desconhecido caballero encarna a característica da aristocracia espanhola sociedade vai, ou seja, a expressão em aparência equanimidade, moderação, dignidade.
O punho da espada de Toledo é um detalhe eloqüente de sua aparência rígida, um terno preto decorado com gola alta e punhos de renda branca como a neve. Antonina Vallantin observa com razão que esse tipo de espanhol penetrou nos palcos e já vivia nas páginas dos romances, mas para ser retratado teve que esperar a chegada de El Greco a Toledo.
O retrato, no entanto, tem inconsistência interna, uma vez que o aspecto ideal da imagem não corresponde exatamente à personalidade da pessoa retratada - retrata-se uma natureza pouco significativa. A impressão é dada pela estrutura pictórica da tela, onde o rosto e a mão com um arranjo simbólico de dedos emergem do fundo escuro como pontos claros; A beleza preciosa da renda fina e cintilante e do punho de uma espada, como se estivesse suspensa no ar, adquire fragilidade especial. O distanciamento do olhar do caballero, dotado do olhar estranho típico de Elgrek, realça a expressividade da imagem.
Homem no espelho da arte: gênero retrato
Retrato(Retrato francês) - uma imagem de uma pessoa específica ou grupo de pessoas. O gênero retrato se difundiu na antiguidade na escultura, e depois na pintura e na gráfica. Mas semelhança externa esta não é a única coisa que um artista deve transmitir. É muito mais importante quando o mestre transfere a essência interior de uma pessoa para a tela e transmite a atmosfera do tempo. Distinguirporta da frente E câmara retratos. Existem retratosdobra E grupo. Destinam-se a decorar salas de aparato, a enaltecer certas pessoas e a preservar a memória de pessoas unidas por laços profissionais, espirituais e familiares. Categoria especialequivale a auto-retrato, em que o artista se retrata.
Qualquer um dos retratos pode ser atribuído a um retrato psicológico ou
a um personagem-retrato ou a um retrato-biografia.
A arte ajuda a conhecer uma pessoa. Não só para ver sua aparência externa
rosto, mas também para compreender sua essência, caráter, humor, etc.
sempre realista. Afinal, seu principal objetivo é o reconhecimento do retratadohá uma pessoa nisso. Contudo, geralmente a tarefa do artista não é precisamentecopiando funcionalidades externas modelos, não uma imitação da natureza, mas uma “recriação pictórica” da imagem de uma pessoa. Não é por acaso que surge o desejoapenas se reconheça no retrato e talvez até descubra algo novo nele mesmo.
O espectador transmite involuntariamente a atitude do artista em relação ao modelo. Importante
é tudo o que expressa emoções, atitude perante a vida, perante as pessoas: expressões faciais
rosto representado, expressão dos olhos, linha dos lábios, giro da cabeça, postura,
gesto.
Muitas vezes interpretamos uma obra da perspectiva de uma pessoa hoje
dia, atribuímos ao personagem traços completamente inusitados para sua época, ou seja, nos esforçamos para compreender o desconhecido através do conhecido.
Também é muito importante mostrar a posição social do retratado, para criar uma imagem típica de um representante de uma determinada época.
Como gênero, o retrato apareceu há vários milhares de anos na arte antiga. Entre os afrescos do famoso Palácio de Cnossos, encontrados por arqueólogos durante escavações na ilha de Creta, está linha inteira imagens pictóricas de mulheres relacionadas a Século XVI AC. Embora os pesquisadores tenham chamado essas imagens de “damas da corte”, não sabemos quem os mestres cretenses tentavam mostrar - deusas, sacerdotisas ou nobres damas vestidas com vestidos elegantes.
"Parisiense". Afresco do Palácio de Cnossos, século XVI a.C.
O retrato mais famoso de uma jovem, chamada de “Mulher Parisiense” pelos cientistas. Vemos diante de nós uma imagem de perfil (de acordo com as tradições da arte da época) de uma jovem, muito sedutora e que não descura a cosmética, como evidenciam os olhos, delineados em contorno escuro, e lábios pintados de cores vivas.
Os artistas que criaram retratos a fresco de seus contemporâneos não se aprofundaram nas características dos modelos, e a semelhança externa nessas imagens é muito relativa.
Ideias religiosas no Antigo Egito associadas ao culto
morto, determinou o desejo de transmitir uma semelhança de retrato na imagem escultórica de uma pessoa: a alma do falecido tinha que encontrar o seu recipiente.
No início do século XX. arqueólogos descobriram um retrato maravilhoso da Rainha Nefertiti para todo o mundo.
Criado em Século XIV AC e.,esta imagem surpreende pela suavidade das linhas do perfil, pela graça do pescoço flexível, pela leveza arejada e pelas transições fluidas dos traços irregulares, mas encantadores, do rosto de uma mulher.
Nefertiti não era apenas a rainha do Egito, ela era reverenciada como uma deusa. A mais famosa e talvez a mais bela das esposas dos faraós egípcios vivia com o marido coroado em um enorme e luxuoso palácio na margem oriental do Nilo.
Em arte Grécia antiga um lugar especial é ocupado por imagens generalizadas e idealizadas de heróis ou deuses. Na fusão do espiritual e do físicoartistas e escultores viram a personificaçãobeleza e harmonia do homem. 
No seu famoso “Discoball”, do escultor do século V. AC e Miron busca, antes de tudo, transmitir uma sensação de movimento com estabilidade e monumentalidade das linhas do corpo, sem focar a atenção do público nas características do rosto. 
A estátua de Afrodite, a deusa do amor e da beleza, esculpida pelo escultor Praxíteles no século IV, exala ternura e calor especiais. AC. para um templo na ilha de Creta. Não há grandeza divina nesta imagem, a imagem respiraincrível paz e castidade. 
O retrato de Caracalla capta a imagem de um homem forte, malvado e criminoso. Sobrancelhas tricotadas, testa enrugada, olhar desconfiado e semicerrado e lábios sensuais surpreendem pela força das características. Uma cabeça forte assenta num pescoço grosso e musculoso. Cachos de cabelo íngremes são pressionados firmemente contra a cabeça e enfatizam seu formato redondo. Não apresentam caráter decorativo, como no período anterior. Transmite-se uma ligeira assimetria do rosto: o olho direito é menor e colocado abaixo do esquerdo, a linha da boca é inclinada. O escultor que criou este retrato possuía toda a riqueza das técnicas virtuosas de processamento do mármore; toda a sua habilidade visava criar uma obra que transmitisse com a máxima expressividade as características físicas e mentais da personalidade de Caracalla.
O retrato romano está associado ao culto aos antepassados, ao desejo de preservar a sua aparência para a posteridade. Isso contribuiu para o desenvolvimento de retratos realistas. Ele se distingue pelas características individuais de uma pessoa: grandeza,
restrição ou crueldade e despotismo, espiritualidade ou arrogância.
O apogeu do gênero retrato começou no Renascimento, quando o principal valor do mundo passou a ser uma pessoa ativa e decidida, capaz de mudar este mundo e ir contra as adversidades. No século XV, os artistas começaram a criar retratos independentes, que mostravam modelos tendo como pano de fundo paisagens panorâmicas majestosas.
B. Pinturicchio. “Retrato de um menino” Galeria de Arte, Dresda
Pinturicchio (Pinturicchio) (c. 1454-1513) Pintor italiano do início da Renascença, conhecido principalmente por seus afrescos notáveis.
Este é o “Retrato de um Menino” de B. Pinturicchio. Porém, a presença de fragmentos da natureza nos retratos não cria integridade, unidade da pessoa e do mundo que a rodeia, a pessoa retratada parece obscurecer a paisagem natural. Só nos retratos do século XVI surge a harmonia, uma espécie de microcosmo
A arte do retrato da Renascença parece combinar
testamentos da Antiguidade e da Idade Média. Parece solene novamente
um hino a um homem poderoso com sua aparência física única, mundo espiritual, traços individuais de caráter e temperamento.
Um reconhecido mestre do gênero retrato foi o artista alemão Albrecht Durer, cujos autorretratos ainda encantam o espectador e servem de exemplo para os artistas.
Em "Autorretrato" Albrecht Dürer(1471-1528) o desejo é adivinhado artista para encontrar um idealizado herói. Imagens de gênios universais do século XVI, mestres da Alta Era Renascença - Leonardo da Vinci e Rafael Santi - personifica o homem ideal da época.
Michelangelo de Caravaggio(1573-1610) “Tocador de alaúde” italiano São Petersburgo, Museu Estatal Hermitage
Entre as famosas obras-primas de retratos da época está “O Tocador de Alaúde” Michelangelo de Caravaggio(1573-1610), em que o artista desenvolve um motivo retirado da vida quotidiana real.
El Greco(1541-1614) Espanha. Retrato de um homem com a mão no peito
No final do século XVI na obra do artista espanhol El Greco
(1541-1614) surge novo tipo um retrato que transmitea concentração interna habitual de uma pessoa, a intensidade de suavida espiritual, absorção na própria mundo interior. Para isso, o artista utiliza contrastes de iluminação nítidos, originaiscor, movimentos bruscos ou poses congeladas. Espiritualidade e beleza única os pálidos e alongados que ele capturou são diferentesrostos com enormes olhos escuros e aparentemente sem fundo.EM Século XVII O retrato íntimo (de câmara) ocupava um lugar importante na pintura europeia, cujo objetivo era mostrar o estado de espírito de uma pessoa, os seus sentimentos e emoções. O artista holandês Rembrandt, que pintou muitas imagens comoventes, tornou-se um mestre reconhecido neste tipo de retrato.
“Retrato de uma velha senhora” (1654) está imbuído de sentimento sincero. Estas obras são apresentadas ao espectador pessoas comuns que não têm ancestrais nobres nem riqueza. Mas para Rembrandt, que abriu uma nova página na história do gênero retrato, era importante transmitir a bondade espiritual de sua modelo, suas qualidades verdadeiramente humanas.
No século XVII o principal critério de arte torna-se mundo material, percebido através dos sentidos. No retrato, a imitação da realidade substituiu a incompreensibilidade e a inexplicabilidade das manifestações mentais de uma pessoa e dos seus diversos impulsos espirituais. O charme do veludo macio e da seda arejada, da pele fofa e do vidro frágil, do couro macio e fosco e do metal duro brilhante é transmitido neste momento com a mais alta habilidade.
Retratos do Grande Holandês Rembrandt(1606-1669) não são sem razão considerados o auge da arte do retrato. Eles receberam legitimamente o nome de retratos-biografias. Rembrandt foi chamado de poeta do sofrimento e da compaixão. Pessoas modestas, necessitadas, esquecidas por todos lhe são próximas e queridas. A artista trata os “humilhados e insultados” com amor especial. Pela natureza de sua criatividade, ele é comparado a F. Dostoiévski. Seus retratos-biografias refletem o destino complexo, cheio de adversidades e privações das pessoas comuns, que, apesar das severas provações que se abateram sobre elas, não perderam dignidade humana e calor.
Mal cruzou o limiar que separa o século XVII. a partir do XVIII, veremos nos retratos uma raça de gente diferente, diferente dos seus antecessores. A cultura aristocrática cortês trouxe à tona o estilo rococó com suas imagens sofisticadas, sedutoras, cuidadosamente lânguidas e sonhadoramente distraídas.
Desenhando retratos de artistas Antônio Watteau(1684-1721), François Boucher(1703-1770) e outros são leves, ágeis, sua cor é repleta de matizes graciosos e caracteriza-se por uma combinação de meios-tons requintados.
Diapositivo 27 A. Watteau. (1684-1721) Mezeten
Pintura das épocas Rococó e Neoclássica.
Pintura Pintor francês Antoine Watteau "Mezzeten". No período 1712-1720, Watteau interessou-se pela pintura de cenas de vida teatral. Watteau utilizou esboços de poses, gestos e expressões faciais dos atores de que gostava, que fez no teatro, que se tornou para ele um refúgio de sentimentos vivos. A imagem romântica e melancólica do herói do teatro de feiras, um ator fazendo uma serenata, no filme “Mezzeten” está repleta de poesia de amor.
Monumento a Pedro I do escultor francês Étienne Maurice Falconet
A busca pelo heróico, significativo e monumental na arte está ligada ao século XVIII. com o tempo das mudanças revolucionárias. Um dos engenhosos retratos escultóricos da arte mundial é o monumento
Pedro I Escultor francês Étienne Maurice Falconet(1716-1791), erguido em São Petersburgo em 1765-1782 Ele pretende ser a imagem de um gênio e criador. A energia indomável, enfatizada pelo movimento rápido do cavalo e do cavaleiro, expressa-se no gesto imperioso de uma mão estendida, na coragem aberta um rosto com destemor, vontade, clareza de espírito.
Século XIX introduziu a variabilidade dos gostos artísticos e a relatividade do conceito de beleza na arte do retrato. As buscas inovadoras na pintura dirigem-se agora para uma aproximação com a realidade, para a procura da diversidade das imagens.
Eugène Delacroix(1798-1863). Retrato de F. Chopin
No período do romantismo, o retrato é percebido como uma imagem do “eu” interior de uma pessoa dotada de livre arbítrio. O verdadeiro pathos romântico aparece no retrato de F. Chopin feito pelos franceses
artista romântico Eugène Delacroix(1798-1863).
Diante de nós está um verdadeiro retrato psicológico, transmitindo a paixão, o ardor da natureza do compositor, sua essência interior. A imagem está repleta de movimentos rápidos e dramáticos. Este efeito é conseguido girando a figura de Chopin, o colorido intenso da imagem, o claro-escuro contrastante, os traços rápidos e intensos,
A estrutura artística do retrato de Delacroix está em consonância com a música do Estudo
Mi maior para piano de Chopin. Atrás dele há uma imagem real - sobre-
tempos da Pátria. Afinal, um dia, quando seu aluno favorito estava tocando este estudo,
Chopin ergueu as mãos com a exclamação: “Oh, minha pátria!”
A melodia de Chopin, genuína e poderosa, foi o seu principal meio de expressão, a sua linguagem. O poder de sua melodia está em sua força
impacto no ouvinte. É como um pensamento em desenvolvimento, que se assemelha ao desenrolar do enredo de uma história ou ao conteúdo de uma história historicamente importante.
as mensagens.
Na arte do retrato dos séculos XX-XXI. Convencionalmente, duas direções podem ser distinguidas. Um deles dá continuidade às tradições clássicas da arte realista, glorificando a beleza e a grandeza do Homem, o outro procura novas formas abstratas e formas de expressar o seu mundo interior.
Representantes dos movimentos modernistas surgidos no século XX também se voltaram para o gênero retrato. O famoso nos deixou muitos retratos Artista francês Pablo Picasso. A partir dessas obras pode-se traçar como o trabalho do mestre se desenvolveu a partir do chamado. período azul ao cubismo.
Slide 32 Picasso (1881-1973) "Retrato de Ambroise Vollard."
As ideias do cubismo analítico encontraram sua concretização original na obra “Retrato de Ambroise Vollard” de Picasso.
Tarefas criativas
Encontre aqueles retratos sobre os quais estamos falando sobre No texto. Compare-os entre si, identifique características semelhantes e diferentes. Dê sua própria interpretação de suas imagens.
Quais retratos você classificaria como arte clássica tradicional e quais você classificaria como arte abstrata? Dê razões para sua opinião.
Compare a linguagem de diferentes direções pintura de retrato. Determine a expressividade das linhas, cor, cor, ritmo, composição de cada uma delas.
Ouvir composições musicais. Combine os retratos com as obras que estão em consonância com as imagens neles capturadas.
Tarefa artística e criativa
Preparar álbum, jornal, almanaque, apresentação em computador (opcional) sobre o tema “O gênero do retrato na cultura de diferentes épocas”.
Inclui informações sobre artistas, escultores, artistas gráficos, bem como poemas, passagens em prosa, fragmentos obras musicais, em consonância com as imagens da sua galeria de retratos.
