Hem › Bränslesystem › Innehållet i termen stilleben. Term och koncept inom skön konst

Innehållet i termen stilleben. Term och koncept inom skön konst

Vad är stilleben?

Stilleben är en genre av målning som skildrar den livlösa naturen. Genren har sitt ursprung på 1600-talet.

Stilleben är framför allt överraskande och intressant eftersom det får människor att se skönhet och harmoni i vardagliga, tråkiga saker som omger oss hela tiden, men som inte drar vår uppmärksamhet till sig själva.

Genren är inte så enkel som den verkar vid första anblicken: i de flesta av dessa målningar använder konstnärer allegori - de försöker berätta för människor något viktigt genom en viss uppsättning objekt, deras arrangemang, valda färger, den övergripande kompositionen, för att förmedla vad oroar dem, att berätta om sina känslor och tankar.

Trots den dystra översättningen "död natur", dukar är ofta fulla av ljusa färger, gläder betraktaren med sin originalitet och egenhet, väcker lusten att leva och beundra världen runt dem, att se skönheten i den.

Det finns många typer och underarter av stilleben, till exempel plottematisk, kreativ, pedagogisk och kreativ, pedagogisk. De är också uppdelade efter de använda färgerna, belysning, färg, prestationstid, plats, etc.

Grundarna av stilleben som en självständig genre var holländarna och flamländska konstnärer. Till en början dök målningarna upp i religiöst bruk. Också i en tid präglad av genrens ursprung blev målningar av dyster natur med en djup filosofisk betydelse och mörka toner, i mitten av kompositionen, som var dödskallar, ljus och några andra attribut, utbredd. Sedan, gradvis utvecklande, tog genren upp fler och fler nya riktningar och blev om och om igen mer och mer utbredd i alla kretsar av samhället. Blommor, böcker, grönsaker och frukter, skaldjur, rätter och andra hushållsartiklar - allt återspeglas i konsten. En av de mest kända artister Stilleben var Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Brize.

Cezanne, Paul. Stilleben med granatäpple och päron. 1885-1890
Cezanne, Paul. Stilleben med äpplen och apelsiner. 1895-1900

I Ryssland uppstod genren i början av 1700-talet, men ingen var seriöst engagerad i detta, det ansågs vara en "lägre" genre. I början av 1900-talet nådde stillebenmåleriet sin höjdpunkt; konstnärer skapade sina mästerverk, satte sig nya uppgifter och nådde outsägliga höjder i mästerskap, använde ovanliga tekniker, valde ut nya bilder. Ryskt stilleben, till skillnad från det västerländska, utvecklades inte gradvis, utan i en accelererad takt. Att skapa i denna genre, sådana ryska artister som K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov och många andra.

I. Levitan I. Levitan

Inom det moderna måleriet genomgår stilleben ett nytt uppsving och intar nu stadigt en fullvärdig plats bland andra genrer. visuella konsterna. Nu är det en av de mest eftertraktade riktningarna inom måleri. Med ett stort antal möjligheter till självförverkligande i kreativitet, målar konstnärer en mängd olika stilleben. Och tittare köper i sin tur tavlor, dekorerar sina interiörer med dem, livar upp sitt hem och ger det komfort och glädje. Museer fylls ständigt på med stilleben, fler och fler nya utställningar öppnar i olika städer och länder dit skaror av konstintresserade åskådare kommer. Flera århundraden senare, efter att ha passerat en lång fullfjädrad utvecklingsväg, är stilleben fortfarande relevant och har inte förlorat sin betydelse i världsmålning.

Stilleben i måleriet - bilder av statiska livlösa föremål kombinerade till en enda ensemble. Ett stilleben kan presenteras som en självständig duk, men ibland blir det en del av kompositionen av en genrescen eller en hel målning.

Vad är stilleben?

Sådan målning uttrycks i en persons subjektiva inställning till världen. Detta visar mästarens inneboende förståelse av skönhet, som blir förkroppsligandet offentliga värderingar och tidens estetiska ideal. Stilleben inom måleriet förvandlades gradvis till en separat betydelsefull genre. Denna process tog mer än hundra år, och varje ny generation av konstnärer förstod dukar och färg enligt tidens trender.

Stillebens roll i kompositionen av en målning är aldrig begränsad till enkel information, ett oavsiktligt tillägg till huvudinnehållet. Beroende på historiska förutsättningar och sociala krav kan föremål ta mer eller mindre aktiv del i att skapa en komposition eller en hotellbild och skymma ett eller annat mål. Stilleben i måleriet oberoende genre designad för att på ett tillförlitligt sätt förmedla skönheten i saker som omger en person varje dag.

Ibland får en enda detalj eller ett element plötsligt en djup innebörd, får sin egen mening och klang.

Berättelse

Som en gammal och vördad genre kände stilleben inom måleriet sina upp- och nedgångar. Svår, asketisk och minimalistisk hjälpte till att skapa odödliga monumentala generaliserade, höga heroiska bilder. Skulptörer med extraordinär uttrycksfullhet njöt av bilden av enskilda föremål. Typer av stilleben inom måleriet och alla möjliga klassificeringar har sitt ursprung under konsthistoriens bildande, även om dukarna fanns långt före skrivandet av den första läroboken.

Ikonmålningstraditioner och stilleben

I forntida rysk ikonmålning spelade de få saker som konstnären vågade införa i den strikta lakonismen av kanoniska verk en stor roll. De bidrar till manifestationen av allt omedelbart och demonstrerar uttrycket av känslor i ett verk ägnat åt en abstrakt eller mytologisk intrig.

Typer av stilleben i målning existerar separat från ikonmålningsverk, även om en strikt kanon inte förbjuder skildringen av vissa föremål som är inneboende i genren.

stilleben renässans

Verken från 1400- och 1500-talen spelar dock en viktig roll under renässansen. Målaren uppmärksammade först världen omkring honom, försökte bestämma betydelsen av varje element i mänsklighetens tjänst.

Modernt måleri, stilleben som en populär och älskad genre har sitt ursprung i Tricento-perioden. Husgeråd fick en viss adel och betydelse av ägaren de tjänade. På stora dukar ser ett stilleben som regel väldigt blygsamt och diskret ut - en glasburk med vatten, silvret i en elegant vas eller delikata liljor på tunna stjälkar som ofta hopkuras i ett mörkt hörn av bilden, som fattiga och bortglömda. släktingar.

Ändå fanns det i bilden av vackra och nära ting så mycket kärlek i poetisk form att modernt måleri, stillebenet och dess roll i det kikade redan skyggt fram genom luckorna i landskapen och genrescenernas tunga ridåer.

Avgörande ögonblick

Ämnen fick ett verkligt inslag i målningar och en ny innebörd på 1600-talet – en tid då stilleben med blommor rådde och dominerade. Måleri av detta slag har fått åtskilliga beundrare bland adeln och prästerskapet. I komplexa kompositioner med en uttalad litterär story scenerna fick sin plats tillsammans med huvudkaraktärerna. När man analyserar tidens verk är det lätt att se att stillebens viktiga roll manifesterades på liknande sätt i litteratur, teater och skulptur. Saker och ting började "agera" och "leva" i dessa verk - de visades som huvudkaraktärerna och demonstrerade de bästa och mest fördelaktiga aspekterna av föremål.

Konstföremål gjorda av hårt arbetande och begåvade hantverkare bär ett personligt avtryck av tankar, önskningar och böjelser. specifik person. målning är bäst psykologiska tester hjälpa till att spåra det psyko-emotionella tillståndet och uppnå inre harmoni och integritet.

Saker tjänar en person troget, antar hans entusiasm för hushållsartiklar och inspirerar ägare att köpa nya vackra, eleganta små saker.

flamländsk renässans

Gouachemålning, stilleben som genre folk inte omedelbart acceptera. Historien om uppkomsten, utvecklingen och det utbredda genomförandet av olika idéer och principer tjänar som en påminnelse om tankens ständiga utveckling. Stilleben blev känt och moderiktigt i mitten av 1600-talet. Genren började i Nederländerna, ljusa och festliga Flandern, där naturen i sig bidrar till skönhet och nöje.

Gouachemålning, stilleben blomstrade i en tid av storslagna förändringar, en fullständig förändring av politiska, sociala och religiösa institutioner.

flanderns ström

Den borgerliga riktningen för utvecklingen av Flandern var en nyhet och ett framsteg för hela Europa. Ändringar i politiska livet ledde till liknande innovationer inom kulturen - de horisonter som öppnade sig innan konstnärer var inte längre begränsade till religiösa förbud och stöddes inte av de relevanta traditionerna.

Stilleben blev flaggskeppet för den nya konsten, som förhärligade allt naturligt, ljust och vackert. Katolicismens strikta kanoner höll inte längre tillbaka målarnas fantasi och nyfikenhet, och därför började vetenskap och teknik utvecklas tillsammans med konsten.

Vanliga vardagliga saker och föremål, som tidigare ansetts som basala och ovärda att nämnas, steg plötsligt till föremål för nära studie. Dekorativ målning, stilleben och landskap har blivit en verklig spegel av livet - daglig rutin, kost, kultur, idéer om skönhet.

Genreegenskaper

Det var härifrån, från en medveten, djupgående studie av omvärlden, som separat genre hushållsmålning, landskap, stilleben.

Konsten, som fick vissa kanoner på 1600-talet, bestämde genrens huvudkvalitet. Målning, tillägnad världen saker, beskriver de grundläggande egenskaperna som är inneboende i föremålen som omger en person, visar mästarens och hans hypotetiska samtida attityd till det som visas, uttrycker naturen och fullständigheten av kunskap om verkligheten. Konstnären förmedlade med nödvändighet sakers materiella existens, deras volym, vikt, texturer, färger, det funktionella syftet med hushållsartiklar och deras viktiga koppling till mänsklig aktivitet.

Stillebens uppgifter och problem

Dekorativ målning, stilleben och inhemska scener absorberade erans nya trender - avvikelsen från kanonerna och det samtidiga bevarandet av bildens konservativa naturalism.

Stilleben från den revolutionära eran under borgarklassens fullständiga seger speglar konstnärens respekt för nya former det nationella livet landsmän, respekt för vanliga hantverkares arbete, beundran för vackra bilder skönhet.

Genrens problem och uppgifter som formulerades på 1600-talet diskuterades inte allmänt i Europaskolor förrän i mitten av 1800-talet. Samtidigt ställde konstnärerna ständigt nya och nya uppgifter till sig själva och fortsatte inte att mekaniskt reproducera färdiga kompositionslösningar och färgscheman.

Moderna dukar

Foton av stilleben för målning, beredda i moderna studior, visar tydligt skillnaden mellan uppfattningen av världen av en samtida och en person från medeltiden. Objektens dynamik överskrider idag alla tänkbara gränser, och objektens statik var normen för den tiden. Färgkombinationer från 1600-talet kännetecknas av ljusstyrka och renhet i färgen. Mättade nyanser passar harmoniskt in i kompositionen och betonar konstnärens idé och idé. Frånvaron av några kanoner på bästa sätt påverkade stillebenen på 1900- och 2000-talen och slog ibland fantasin med sin fulhet eller avsiktliga variation.

Metoder för att lösa stillebensproblem förändras snabbt varje decennium, metoder och tekniker hänger inte med fantasin hos erkända och inte så mästare.

Värdet av dagens målningar ligger i verklighetens uttryck genom samtida konstnärers ögon; genom förkroppsligandet på duken uppstår nya världar som kan berätta mycket om deras skapare för framtidens människor.

Impressionismens inflytande

Nästa milstolpe i stillebens historia var impressionismen. Hela riktningens utveckling återspeglades i kompositionerna genom färger, teknik och förståelse av rymden. Nyare romantik I årtusenden har livet överförts till duken som den är - snabba, ljusa drag och uttrycksfulla detaljer har blivit stilens hörnstenar.

Målning, stilleben samtida konstnärer Bär verkligen de inspirerande impressionisternas avtryck genom färg, sätt och bildtekniker.

Avsteg från klassicismens standardkanoner - tre planer, central komposition och historiska hjältar- lät konstnärerna utveckla sin egen uppfattning om färg och ljus, samt att demonstrera känslornas fria flykt för publiken på ett tillgängligt och visuellt sätt.

Impressionisternas huvudsakliga uppgifter - förändring målningsteknik och bildens psykologiska innehåll. Och idag, även om man känner till situationen för den eran, är det svårt att hitta det korrekta svaret på frågan om varför impressionistiska landskap, lika glada och osofistikerade som poesi, orsakade skarpt avslag och oförskämt förlöjligande från kräsna kritiker och en upplyst allmänhet.

Det impressionistiska måleriet passade inte in i det allmänt accepterade ramverket, så stilleben och landskap uppfattades som något vulgärt, ovärdigt att erkännas tillsammans med andra skräp av hög konst.

En konstutställning som blivit säregen missionsverksamhet för kända konstnärer på den tiden, kunde nå hjärtan och visa skönheten och nåden. Bilder av föremål och föremål av alla tillgängliga medel har blivit vardagsmat även inom murarna av formidabla institutioner som bara bekänner sig till principer klassisk konst. Stillebensmålningarnas triumftåg har inte upphört sedan slutet av 1800-talet, och mångfalden av genrer och tekniker gör det idag möjligt att inte vara rädd för några experiment med färg, texturer och material.

Stilleben, konstgenre

På 1800-talet stillebens öde bestämdes av måleriets ledande mästare, som arbetade i många genrer och involverade stillebenet i kampen estetiska synpunkter Och konstnärliga idéer(F. Goya i Spanien, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet i Frankrike). Bland 1800-talets mästare som specialiserat sig på denna genre sticker även A. Fantin-Latour (Frankrike) och W. Harnet (USA) ut. Den nya uppkomsten av stilleben förknippades med prestationerna av postimpressionistiska mästare, för vilka tingens värld blir ett av huvudteman (P. Cezanne, V. van Gogh). Sedan början av XX-talet. fortfarande livär ett slags kreativt laboratorium för måleri. I Frankrike följer fauvismens mästare (A. Matisse och andra) vägen för ökad identifiering av färgens och texturens emotionella och dekorativa uttrycksmöjligheter, och kubismens representanter (J. Braque, P. Picasso, X. Gris och andra), med hjälp av särdragen i stillebens konstnärliga och analytiska möjligheter, försöker etablera nya sätt att förmedla rum och form. Stilleben lockar också mästare i andra trender (A. Kanoldt i Tyskland, G. Morandi i Italien, S. Lukyan i Rumänien, B. Kubista och E. Filla i Tjeckien, etc.). Sociala trender i stilleben på 1900-talet representeras av verk av D. Rivera och D. Siqueiros i Mexiko, R. Guttuso i Italien.

I rysk konst fortfarande liv dök upp på 1700-talet. tillsammans med bekräftelsen av sekulär målning, som återspeglar tidens kognitiva patos och önskan att sanningsenligt och korrekt förmedla den objektiva världen ("tricks" av G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, etc.). Ytterligare utveckling Ryskt stilleben hade under en längre tid en episodisk karaktär. Dess en viss ökning under första hälften av XIX-talet. (F. P. Tolstoy, skola för A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) förknippas med önskan att se skönhet i det lilla och vanliga. Under andra hälften av XIX-talet. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan vände sig endast ibland till stilleben av skissartad karaktär; hjälpvärdet av stilleben i konstsystem Wanderers följde från sin idé om den dominerande rollen för den plottematiska bilden. Stillebenstudiens självständiga betydelse ökar i början av 1800- och 1900-talet. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Det ryska stillebenets storhetstid infaller i början av 1900-talet. Hans bästa exempel inkluderar impressionistiska verk av K. A. Korovin, I. E. Grabar; verk av konstnärerna i "Konstens värld" (A. Ya. Golovin och andra) som subtilt leker med tingens historiska och vardagliga karaktär; skarpt dekorativa bilder P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan och andra målare av Blue Rose-cirkeln; ljus, genomsyrad av fullheten av att vara stilleben av mästarna av "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Sovjetiskt stilleben, utvecklas i linje med konsten socialistisk realism berikad med nytt innehåll. På 20-30-talet. det inkluderar och filosofisk reflektion modernitet i verk vässade i komposition (K. S. Petrov-Vodkin), och tematiska "revolutionära" stilleben (F. S. Bogorodsky och andra), och försök att påtagligt återta "saken" som förkastats av de så kallade icke-objektiven genom experiment på fältet av färg och textur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), och en fullblods återskapande av den färgstarka rikedomen och mångfalden i den objektiva världen (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin och andra. ), som såväl som sökandet efter subtil färgharmoni, poetiseringen av tingens värld (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa, etc.). På 40-50-talet. P.V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich arbetar aktivt i stilleben. Bland stillebens herrar i unionsrepublikerna utmärker sig A. Akopyan i Armenien, T. F. Narimanbekov i Azerbajdzjan, L. Svemp och L. Endzelina i Lettland, N. I. Kormashov i Estland. Attraktionen till bildens ökade "objektivitet", estetiseringen av världen av saker som omger en person bestämde intresset för stilleben hos unga konstnärer från 70-talet och början av 80-talet. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, etc.).

Lit.: B. R. Vipper, Stillebens problem och utveckling. (Tingens liv), Kazan, 1922; Yu. I. Kuznetsov, Västeuropeiskt stilleben, L.-M., 1966; M. M. Rakova, ryskt stilleben sent XIX- början av 1900-talet, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pushkarev, Stilleben på ryska och sovjetisk målning. L., ; Yu Ya. Gerchuk, Living things, M., 1977; stilleben i Europeisk målning XVI - början av XX-talet. Catalogue, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l "antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Introduction to stilleben och blommålning, L., 1976; Ryan A., Still-life painting techniques, L. , 1978.

Främst målning. I stillebenet skildras bara vardagliga ting, d.v.s. vardagligt, vanligt saker, livlösa föremål. Det kan vara en annan mat, d.v.s. mat, fat, böcker, statyetter m.m. Allt levande, naturligt, naturligt blir livlöst, dött i ett stilleben (franska "nature morte" - bokstavligen "död natur") och likställs med saker. Så för att bli föremål för ett stilleben måste frukter och frukter plockas, djur och fåglar måste dödas, fiskar, marina djur måste fångas, blommor måste skäras. Saker i ett stilleben är målmedvetet grupperade i en enda miljö och bildar en värld av konstgjord verklighet, till viss del omvandlad av människan. Konstnären avbildar inte saker "från naturen", eftersom de är placerade i det inre, utan förkombinerar dem i enlighet med den semantiska och konstnärliga uppgiften.

I stilleben visas saker i ett stationärt tillstånd, de befinner sig i ett betingat tidlöst rum. Saker ges som om närbild, de ses på nära håll och betraktas i detalj. Kompositionen förstorar den lilla "storleken" på saker i ett stilleben, drar ut dem ur deras vanliga funktionella sammanhang. Att vara godtyckligt, medvetet arrangerat innehåller ett stilleben alltid ett visst meddelande, ett hemligt brev (kryptogram). Saker förvandlas till symboler. Innebörden av dessa symboler, innehållet i meddelanden är mycket olika, men oftast är de ideologiska och jämna filosofisk karaktär. Till exempel några "plotser" av holländska stilleben från 1600-talet. när denna genre nådde sin genrespecificitet och apogee. En av intrigen som har fått stor spridning är "vanitaz" (från latin - "förmåga"). I stilleben av denna typ är klockor ofta närvarande som symboler för den flyktiga, obönhörliga jordiska tiden, som ett emblem för övergående jordisk existens. Ett typiskt föremål är ofta en bild av en skalle. Till exempel, i Barthel Brain, är han avbildad i en nisch med ett papper och talesättet: "Inget skyddar mot döden, så lev som du skulle vilja dö." Skallen är omgiven av andra tecken på svaghet, till exempel majsöron (de Hem), lampor med ett brinnande eller utbränt ljus (Doe). För fåfänga jordiska nöjen ange Spelar kort, rökning av pipor (klass). Ofta finns det papperslappar, manuskript, tryckta upplagor med inskriptioner som "momento mori" ("minns döden"). Det finns många andra exempel på personifiering av reflektioner över meningen med mänsklig existens.

Stillebens historiska mångfald bestäms av att de framstår som en specifik manifestation konstnärliga stilar och nationella skolor i deras historiska utveckling.

Detta kan illustreras av exemplet med det ryska stilleben från 1700- och början av 1900-talet. 1700-talet typisk olika alternativ"tricks" med en naturalistisk effekt av illusorisk karaktär, till exempel imitation av böcker för "falska skåp". Sedan 1830 - ett avsteg från klassicismen, en poetisk uppfattning om vardagens privatliv (venetiansk). En annan linje är akademisk dekorativt stilleben(Khrutskij). I ett försök att förnya sig själv monumentaliserar akademismen stillebenet (Sverchkov), och den småborgerliga känslans salongskonst följer vägen för en smaklös kombination av dekorativitet av "vackra saker" och färgglada buketter med naturalism i tolkningen av detaljer (K) Makovskij). Realism 1800-talet särskiljer uppmärksamheten på kompositionernas naturlighet (Repin), den känslomässiga tolkningen av saker (Polenov), nationell karaktär (Surikov), till stämningens lyrik (Levitan). De ryska impressionisterna Korovins och Grabars stilleben kännetecknas av en "landskaps"-tolkning av föremål. Konstnärerna av The Blue Rose and The Golden Fleece (Kuznetsov, Saryan, Sapunov) kännetecknas av ett sug efter vanliga symboler ideal värld och vila. Representanter för "Jack of Diamonds" (Konchalovsky, Mashkov, Lentulov och andra), under inflytande av Cezannism, kubism och Lubok, försökte skapa monumentala bilder av saker.

I det ryska avantgardets konst blir stilleben ett bekvämt fält för experiment. Förblir inom "arketypen" av genren, bryter artisterna djärvt mot dess grundläggande kanoner. Saker går över sina gränser och upphör att vara lika med dem själva. De löser sig i ljus och färg, i strålning av energi, kondenserar till klumpar av materia och volymer, smulas sönder till många fragment av plan och ansikten. Bakom dessa experiment ligger författarnas önskan att i sina "objektiva" kompositioner uttrycka en idé om omvärlden och sin egen personlighet.

På 1900-talet det är en suddighet av gränserna för saker inne i stillebenet och en suddighet av gränserna för själva genren. Han närmar sig ofta landskapet, interiören, målningen. Och vice versa, i landskap, porträtt, finns det en tendens till "stilleben".

Karaktärisera stilleben som helhet ur en estetisk synvinkel, kan man hävda att sådana drag som betydelse, ökning av semantisk rang, tidlöshet, festlighet, glorifiering, exotism, monumentalitet, högtidlighet, pompa, dynamik, etc. tyder på att ledande estetisk kategori uppträder här sublim, ofta kombinerat med det vackra och dramatiska. Kategorierna komiska och tragiska är inte typiska för denna genre.

Evgeny Basin

Inledning……………………………………………………………………………………….5

Kapitel 1. Historisk referens genren "stilleben"…………………………………………6

1.1. Historien om stillebens utveckling…………………………………………6

1.2. Stilleben som målargenre…………………………………...12

Kapitel 2. Funktioner, sätt och medel för den valda genren…………………………..14

2.1. Egenskaper för den valda genren ………………………………..14

2.2. Föremål avbildade i stilleben……………………………….16

2.3. Kompositionsdrag av stilleben………………………….18

2.4.Färg i målning………………………………………………………………..20

Kapitel 3. Beskrivning av den teknik som valts för att skriva produktionen…………..24

3.1 Pastellhistoria………………………………………………………………..24

3.2 Pastellritningsteknik……………………………………………….25

Kapitel 4. Att arbeta med ett stilleben………………………………………………………………28

4.1. Arbetets framsteg ………………………………………………………………………….28

Slutsats ………………………………………………………………………………...29

Lista över referenser …………………………………………………...30

Ansökan

Introduktion

Konstens och måleriets huvuduppgift är att väcka det vackra i en person, få honom att tänka, känna, konstnärens uppgift är att fånga betraktarens uppmärksamhet, att väcka hos honom en känsla av tillhörighet till upplevelserna som uttrycks i bilden, att få honom att se på ett nytt sätt världen, att urskilja en extraordinär essens i välbekanta föremål.Konsten att stilleben har sin egen vackra och långa historia. Stilleben introducerar oss till världen som omger konstnären, gör det möjligt att se tillbaka för flera århundraden sedan, att känna empati med mästaren på hans favoritmotiv. kunskap om omvärlden. Under många århundraden har konstnärer försökt uttrycka sin förståelse för världen, deras tankar och intressen med hjälp av sakerna omkring dem, och varje skapare gör detta på sitt sätt, varje verk är individuellt. I vissa stilleben råder verkligheten, för andra skicklighet. Viktigare är målningens uttrycksfulla början. Varje målare har sin egen syn på världen.

Huvudkraven för detta terminspapperär:

Bekantskap med illustrationerna av de stora konstnärerna från det förflutna;

Kompositionssökning baserad på skisser;

Sök efter ett kompositionscentrum;

Strukturell konstruktion av stillebenföremål;

Överföring av färg och material;

Skapande av känslomässig uttrycksförmåga.

Kapitel 1. Historisk bakgrund av "stilleben"-genren

1.1. Historien om utvecklingen av stilleben

"Still liv" - det franska ordet betyder ordagrant "död natur". På holländska låter beteckningen på denna genre som stilleven d.v.s. " lugnt liv”, enligt många konstnärer och konstkritiker, är detta det mest korrekta uttrycket för genrens väsen, men sådan är traditionens styrka att det är ”stilleben” som är ett välkänt och rotat namn. Stilleben, som en självständig genre, uppstod i Flandern och Holland vid 1500- och 1600-talens skiftning och nådde snabbt enastående perfektion i överföringen av en mängd olika föremål. materiell värld. Processen att bli ett stilleben gick ungefär på samma sätt i många länder. Västeuropa. Perioderna av dess utveckling hade sin egen historiska bakgrund. Varje århundrade presenterade sina herrar av stilleben. Deras verk förkroppsligade tidens konstnärliga ideal, originaliteten och uttrycksfullheten hos de plastiska medel som är inneboende i en viss era och individuella målares individualitet. Bildandet av stilleben i Nederländerna präglades av två steg, till en början kunde det endast existera i form av en mer eller mindre oberoende bild på baksidan av bildens bildplan, eller i form av tillbehör på bilden. framsidan av bilden.

Nästa steg i bildandet av stillebengenren var verk där stilleben och religiösa teman bytte plats. Bilden av livlösa föremål fungerade som en del av en aktiv enda process av en persons omfattande behärskning av den verkliga världen, hans konstnärliga förståelse.

Han nådde en kraftfull blomning i Flandern och gick till historien under namnet flamländskt stilleben. Eran av dess storhetstid förknippades med namnen på de största konstnärerna i Flandern, inkluderade i konstens historia i Västeuropa: Frans Snyders och hans elev Jan Feit. En annan kraftfull skola av stilleben är känd som det "holländska stillebenet". Gemenskapen mellan folken i Holland och Flanderns historiska öden och enheten i den förflutna konsten, från vilken båda skolorna hämtade konstnärlig erfarenhet, gav upphov till många gemensamma drag i sin målning. Den mest lovande och progressiva typen av holländskt stilleben var "frukost"-genren som uppstod i Haarlem.

Inom genren stilleben (författarna till dessa verk var Haarlem-målarna Voplem Claes Heda och Pieter Claes) - skapade de en speciell typ av demokratisk holländsk version av "frukost". "Karaktärerna" i deras stilleben var ett fåtal och som regel mycket blygsamma till utseendet föremål för vardagens hushållsliv.

En mycket viktig prestation för Harlemmästarna av "frukostar" var upptäckten av ljus-luftmiljöns roll och en enda färgton som huvudmedlet för att förmedla en rik variation av texturkvaliteter hos saker och samtidigt , avslöjar enheten i den objektiva världen.

Om den fortsatta demokratiseringen av stillebengenren skedde en spridning av typen "köksstilleben", både i Flandern och i Holland. Ett kännetecken för denna variation i skildringen av föremål var stor uppmärksamhet på miljöns rumsliga egenskaper. I slutet av 1600-talet vinner dekorativa trender i det holländska stillebenet. Bredvid stilleben i Holland och Flandern intar det tyska stillebenet från 1600-talet en sekundär plats. Framgångarna för det tyska stillebenet på 1600-talet är nära förknippade med modern holländsk konst. I det tyska stillebenet på 1600-talet existerade två trender nästan utan beröring: naturalistiska och dekorativa.

stilleben i Italiensk målning var ojämförligt rikare och mer fullblods än tysk, även om den inte nådde vare sig flamländarnas makt eller holländarnas mångsidighet och djup. En ny kraftfull impuls till utvecklingen av stilleben i Italien gavs av Caravaggio. Han var en av de första stora mästarna som vände sig till genren rena stilleben och skapade en monumental, plastisk bild av "död natur".

Det italienska stillebenet på 1600-talet utvecklades på sitt eget sätt och fick så småningom ett antal egenskaper som skiljer det från andra nationella skolor.

Det spanska stilleben kännetecknas av sublim rigor och speciell betydelse av bilden av ting, vilket särskilt tydligt manifesteras i den spanska mästaren F. Zurbarans arbete.

MED sena XVIIårhundraden i det franska stillebenet triumferade hovkonstens dekorativa trender. Toppen av 1600-talets franska och västeuropeiska stilleben var verk av J.B.S. Chardin. Det präglades av rigoriteten och friheten i kompositionen, subtiliteten i färglösningar. Lite mer uppmärksamhet ägnades åt romantikens stilleben. Romantiken skapade inte ett ursprungligt betydelsefullt koncept av stilleben. Huvudämnet för det romantiska stillebenet var blommor och jakttroféer.

På 1600-talet bestämdes stillebens öde av måleriets ledande mästare, som arbetade inom många genrer och involverade stillebenet i kampen mellan estetiska åsikter och konstnärliga idéer. Så till exempel formulerade den franske realisten Gustave Courbet ett nytt koncept, som definierade stillebens direkta förhållande till naturen, och återställde på så sätt vitalitet, saftighet och djup till den.

Impressionisterna skapade sin egen komposition av stilleben och överförde till denna genre principen om plein air, utvecklad av dem inom landskapsområdet. Genom att i stilleben bara erkänna ljus och luft, förvandlade de föremål till en enkel bärare av ljus-luftreflexer.

Den nya uppkomsten av stilleben förknippades med prestationerna av postimpressionismens mästare, för vilka tingens värld blir ett av huvudteman som är karakteristiska för P. Cezannes och Van Goghs verk.

Sedan början av 1900-talet har stilleben blivit ett slags kreativt laboratorium för måleri. I Frankrike följer fomismens mästare A. Matisse och andra vägen för ökad identifiering av färgens och texturens emotionella, dekorativa och uttrycksfulla möjligheter, och kubismens representanter J. Braque, P. Picasso och andra, med hjälp av de konstnärliga och analytiska möjligheter som är inneboende i stillebens särdrag, strävar efter att godkänna nya sätt att förmedla rum och form. Stilleben lockar också mästare i andra rörelser.

I rysk konst dök stilleben upp på 1600-talet tillsammans med etableringen av sekulär målning, vilket speglar tidens kognitiva patos och önskan att sanningsenligt och korrekt förmedla den objektiva världen. Dessa stillebens uttrycksfullhet och illusoriska karaktär gav anledning att kalla dem "tricks". Den fortsatta utvecklingen av det ryska stillebenet under en lång tid var episodiskt. Dess uppgång under första hälften av 1800-talet, som präglades av sådana namn som F. P. Tolstoy, A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky, är förknippad med önskan att se skönhet i det lilla och vanliga.

Under andra hälften av 1800-talet började stilleben få sin semantiska kraft, men till en början bara i handlingsgångarna för kompositionen av P. Fedotov, V. Petrov, V. Makovsky, V. Polenov och andra målare demokratisk riktning. stilleben i genremålningar av denna krets av författare avslöjade och stärkte den sociala inriktningen av sina verk, präglade tiden.

Stillebenstudiens självständiga beslut ökar vid 1800- och 1900-talets början i verk av M. A. Vrubel och V. Borisov-Masutov. Det ryska stillebenets storhetstid infaller i början av 1900-talet. Konst kännetecknas av sökningar inom färg, form, rumslig konstruktion. Önskan att utöka bildspråkets möjligheter uppmuntrar konstnärer att vända sig till traditionerna i gammalryska och folkkonst, kultur i öst, klassiskt arv West, till det moderna franska måleriets prestationer.

De bästa exemplen från denna period inkluderar de impressionistiska verken av K. A. Korovin, I. E. Grabar; verk av konstnärer från "World of Arts" av A. Ya. Golovin och andra som just leker med sakers historiska och vardagliga natur; skarpt dekorativa P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan och andra målare av cirkeln " blå rosor» ljusa stilleben genomsyrade av tillvaronets fullhet av mästarna i "Jack of Diamonds" P.P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, A. V. Lentulov och andra.

På 1920- och 1930-talen inkluderade stilleben också en filosofisk förståelse av modernitet i K. S. Petrov-Vodkins verk, skärpt i komposition. De skiljer sig åt i originaliteten hos färg och perspektivkonstruktion. Objekt skrivs i dem inte från en synvinkel, utan från flera. En liknande teknik för att bygga utrymme utökas bildliga medel konstnär, hjälper till att förmedla formen och volymen på föremål och bidrar till en mer exakt visning av deras förhållande på planet. Stilleben tog en stor plats i Yu och Pimenovs verk. Ämnet i hans stilleben är försett med stor känslomässig uttrycksfullhet.

Berikad med nya teman, bilder och konstnärliga tekniker, ryska stilleben i början av 1900-talet utvecklades ovanligt snabbt: på ett och ett halvt decennium går det igenom en svår väg från impressionism till abstrakt formskapande, och spelar en stor roll i utvecklingen av vårt århundrades konst. Aldrig tidigare hade han intagit en så framträdande plats i den ryska måleriets historia.

Stilleben, så att säga, var förutbestämt att för många konstnärer, och faktiskt för det ryska måleriet i början av 1900-talet, bli ett slags laboratorium på jakt efter ett nytt bildspråk. Men naturligtvis förändrades inte bara måleriets så kallade formspråk, utan också dess innehåll, metod och principerna för dess figurativa system och på det hela taget berikades på sitt sätt.

Vi är skyldiga stilleben av denna tid en extraordinär utvidgning av dess gränser som fin genre. mänsklig personlighet av den svåra eran avslöjas i den mycket mångsidigt. I detta stilleben känner betraktaren inte bara detaljerna i ett visst sätt att leva, utan också de unika egenskaper som är inneboende i en viss individualitet. Den djupa essensen av fenomenet omvärlden avslöjas nu mer fullständigt4.