Warum sollte ich nach der Natur zeichnen und nicht nach Fotos? Zu offene klassische Gemälde, die jeden Akt in der Weltmalerei verwirren können

Wir sind Schuldzuweisungen gewohnt moderne Kunst aus Mangel an Ideen und einem Hang zur Pornografie. Aber sind die unschuldigen alt klassische Gemälde, eine Herzensangelegenheit von Ästheten und Kennern der Keuschheit? Bei näherer Betrachtung zwischen den Leinwänden berühmte Genies In der Malerei finden Sie Meisterwerke mit offenen Handlungen, die moderne, weltgewandte Kenner von "Erdbeeren" zum Erröten bringen können. (Achtung! Nackt).

"Leda und der Schwan"

Wenn wir über die unbescheidenste klassische Handlung sprechen, wird der alten Geschichte über die Nähe des Gottes Zeus und der schönen Leda die wohlverdiente Palme gegeben. Der Legende nach erschien dem Mädchen inkognito ein Bewohner des Olymps in Gestalt eines Schwans, schaffte es aber dennoch, eine Beziehung mit ihr einzugehen und sogar Nachkommen zu haben.

Im vergangenen Jahrtausend haben sich nur die Faulen nicht verpflichtet, die Szene des Geschlechtsverkehrs einer Schönheit mit einem Vogel darzustellen. Dieses Schicksal ging nicht vorüber und die Großen - die Handlung, die die Zähne auf die Kante stellte, wurde von Boucher, Michelangelo und sogar Leonardo ausgenutzt. François Boucher bot 1740 die unanständigste Interpretation der Geschichte an, indem er anatomische Merkmale demonstrierte, die üblicherweise schamhaft drapiert werden.

Zuvor bot der große Michelangelo seine Vision der Situation an, der, obwohl er übermäßige Details vermied, dennoch nicht widerstehen konnte und das Paar direkt während des unnatürlichen Geschlechtsverkehrs zwischen den Arten darstellte.

Vor diesem Hintergrund scheint das Gemälde von Leonardo da Vinci nur eine Illustration von Puschkins Märchen für Schulkinder zu sein. niedrigere Noten. Auf seiner Leinwand ist schon alles passiert und Leda sieht gelangweilt zu, wie aus den von ihr gelegten Eiern völlig gesunde einjährige Babys schlüpfen.

Auf uns wirkt diese idyllische Szene ganz anständig, war es aber nicht immer. Die Gemälde der Renaissance-Meister wurden zu Beginn des 18. Jahrhunderts von der greisen Mätresse Ludwigs XIV., der Marquise de Maintenon, als unanständig zerstört. Heute können wir all diese Ausschweifungen nur dank späterer Kopien sehen.

"Verlassene Puppe"

Die französische Künstlerin Suzanne Valadon arbeitete zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Sie ist als Autorin vieler bekannt Wundervolle Bilder, meist die Schönheit verherrlichend Weiblicher Körper im Alltäglichsten Lebenssituationen. Trotz der Fülle nackter Körper auf den Leinwänden des Künstlers löst nur eine von Valadons Kreationen ernsthafte Kontroversen unter Moralisten aus.

Das heutige Gemälde „Abandoned Doll“ könnte der Autor bringen ernsthafte Probleme mit Pädophilen, aber Valadon hatte das Glück, 1938 zu sterben, dank dessen wir ihre Kreation als Klassiker betrachten können. Das Bild zeigt eine sehr junge Frau, nackt, mit Brüsten, die sich zu bilden beginnen, und einer kindlichen Frisur mit Schleife.

Die Geschichte hat keine Beschreibung dieser Leinwand für die Nachwelt bewahrt, aber es ist allgemein anerkannt, dass sie den Abschied von der Kindheit darstellt. Eine Frau mit einem Handtuch ist höchstwahrscheinlich eine Bordellbesitzerin, und ein Kind wird auf ein Treffen mit dem ersten Kunden in ihrem Leben vorbereitet. Den Namen des Bildes gab eine am Boden liegende Puppe, die offensichtlich ein gebrochenes Schicksal symbolisierte. Es gibt jedoch gutmütige Leute, die behaupten, dass eine Mutter dargestellt wird, die ihre Tochter im Teenageralter nach dem Baden abwischt.

"Der Raub der Töchter des Leukippos"

Der große Niederländer Peter Paul Rubens, bekannt für seine wunderschönen Gemälde mit schwerfälligen Schönheiten, präsentierte 1618 dem Publikum sein Werk „Der Raub der Töchter des Leukippos“. Auf den ersten Blick gibt es zwischen den Helden des Bildes eine entfernte Schlägerei ohne sexuelle Untertöne.

Aber für diejenigen, die sich auskennen griechischer Mythosüber die Dioskuren-Brüder ist es ganz offensichtlich, dass nackte Blondinen überhaupt nicht in der Stimmung für Witze sind. Der zweite Titel des Meisterwerks "Der Raub der Töchter des Leukippos" gibt die Handlung auf dem Bild genauer wieder.

In der antiken Geschichte entführten die Söhne von Zeus und Leda (siehe die Geschichte ihrer seltsamen Geburt oben), Castor und Pollux, die Töchter von König Leukippos Gilaira und Phoebe und missbrauchten sie nach der guten alten Tradition, die ihr Vater hinterlassen hatte. Es endete alles schlecht - alle starben.

„Mönch im Maisfeld“

Wenn Sie etwas von Rubens und Boucher erwarten können, dann überraschte Rembrandt, zurückhaltend und anfällig für religiöse Themen. Obwohl seine kleine, aber meisterhaft ausgeführte Zeichnung "Ein Mönch im Kornfeld" im Prinzip immer noch das spirituelle Thema widerspiegelt.

In der Mitte der Komposition sind ein katholischer Mönch und eine gewisse Dame dargestellt, die irgendwo zwischen Ackerland in einer Missionarsstellung der Sünde frönen. Die Pikante der Handlung liegt nicht einmal darin, dass der Mönch sein Keuschheitsgelübde verletzt, sondern in dem Mann, der sich von links mit einer Sichel nähert, dank der der Abend bald aufhören wird, träge zu sein.

"Die Unklugheit von Kandavlus"

Ein Gemälde von William Etty mit dem bescheiden neutralen Titel The Indiscretion of Candaules zeigt eine völlig unanständige Geschichte aus Herodots Geschichte. Der vollständige Titel dieses 1830 gemalten Gemäldes offenbart die ganze Zweideutigkeit der darauf abgebildeten Szene: "Kandavl, König von Lydien, zeigt seine Frau Giga heimlich einem seiner Diener, als sie sich ins Bett legt."

Es ist schwer zu sagen, warum der „Vater der Geschichte“ beschlossen hat, diese halbpornografische Geschichte in seiner Arbeit zu beschreiben, aber dank ihr haben wir den Begriff Candaulismus bekommen, der selbst von erfahrenen Sexologen schwer auszusprechen ist. Die Essenz dieser sexuellen Abweichung ist die Notwendigkeit, Ihren nackten Partner Fremden zu zeigen.

Es ist ein solcher Moment, dass Etty auf dem Bild abgebildet ist. König Kandavl beschloss, seine Frau Nisa heimlich dem Leibwächter Giga zu zeigen, aber sein Plan wurde von einer Frau enthüllt. Nisa forderte Giga auf, entweder sie oder ihren perversen Ehemann zu töten, woraufhin Kandavl direkt in seinem Schlafzimmer zynisch abgeschlachtet wurde.

"Avignon-Mädchen"

Aus Leinwand "Avignon-Mädchen"» brillanter Künstler Pablo Picasso beginnt seinen Übergang zum Kubismus. Es ist bekannt, dass die Entstehung des Gemäldes des Künstlers von Paul Cezanne mit seinem Werk "Bathers" inspiriert wurde. Ursprünglich nannte Picasso das Gemälde "Philosophisches Bordell" und viele glauben, dass der Maestro eine Szene aus ihm darstellte Bordell im Gotischen Viertel von Barcelona.

Das Gemälde zeigt fünf nackte Damen, die in frechen Posen auf ihre Kunden warten. Wir haben lange überlegt, ob wir dieses Werk in die Liste der würzigen Gemälde aufnehmen sollen. Einfach gesagt, wenn die auf der Leinwand abgebildeten geometrischen Huren unbescheidene Fantasien in Ihnen wecken, dann haben wir schlechte Nachrichten für Sie. Aber man kann die Worte des Liedes nicht wegwerfen, und die Handlung des Bildes für 1907 ist immer noch sehr trotzig.

"Arabischer Konkubinenmarkt"

Ein hervorragendes Gemälde des französischen Klassikers Jean-Leon Gerome aus dem Jahr 1866 zeigt eine Szene auf einem östlichen Sklavenmarkt. Eine Gruppe von Männern in reicher Kleidung fragt nach dem Preis einer nackten Sklavin und prüft anscheinend die Richtigkeit ihres Bisses.

Jerome selbst wusste zweifellos viel über die Sklavenmärkte und ihre Stammgäste, da er den Osten verehrte und auf der Suche nach Inspiration mehr als einmal in diese Gegenden reiste. Zeitgenossen gefunden "Arabischer Sklavenmarkt"„Ein sehr trotziges Werk und nannte das Bild eine Hymne auf die lustvolle Herrschaft eines Mannes über eine Frau.

"Toller Masturbator"

Der große Surrealist Salvador Dali verehrte unanständige Gemälde, und nur die Schreibweise seiner Bilder, die die Handlung merklich verzerrt, rettet uns vor seiner Erotomanie. Hier mit Arbeit "Toller Masturbator„Nicht alles ist so klar. Außerdem hätte ohne den Titel niemand verstanden, worum es bei diesem schönen Bild geht.

Aber wie dem auch sei, es gibt eine klar zum Ausdruck gebrachte sexuelle Konnotation in dieser Leinwand. Das Gesicht der Frau auf der rechten Seite des Bildes, das fast auf dem männlichen Codpiece ruht, irritierte Dalis Zeitgenossen und sorgte sogar für Verurteilung. Nun, niemand weiß, was der Meister des Surrealismus in der Mitte der Leinwand dargestellt hat - vielleicht ist dort die ungezügelteste Ausschweifung im Gange.

"Der Ursprung der Welt"

Das 1866 von Gustave Courbet geschaffene Bild mit einer einfachen Alltagshandlung wurde wegen zu großer anatomischer Genauigkeit seit mehr als 130 Jahren nicht mehr ausgestellt. Außerdem wird diesem Bild auch heute noch, wo es im Prinzip schwierig ist, Museumsbesucher zu überraschen, eine eigene Wache zugeteilt.

2013 erschienen gute Nachrichten in den Medien - der zweite Teil des Bildes wurde gefunden, auf dem das Gesicht des Modells sichtbar ist. Ein gründliches Studium der Biographie des Autors und seines inneren Kreises ermöglichte es, die Identität der Dame herauszufinden. So entpuppte sich der unrasierte Schritt als Eigentum von Joanna Hiffernan, der Geliebten eines der besten Schüler von Courbet, James Whistler. Hier ist so Berührende Geschichte Wiedervereinigungen.

Das sind bei weitem nicht die einzigen in der Geschichte der Malerei – die Klassiker liebten es schon immer, so etwas zu verpacken, ganz im Sinne unserer befreiten Zeit.

Gefallen? Möchten Sie über Updates informiert werden? Abonnieren Sie unsere

Nackt während der gesamten Existenz bildende Kunst nahm darin einen besonderen Platz ein. Dies geschieht aus mehreren Gründen, auf die wir im folgenden Artikel hinweisen werden. Es ist sofort hervorzuheben, dass hier Gemälde berühmter Künstler präsentiert und beschrieben werden. Sowjetische Künstler. Einige der Namen der Künstler sind Ihnen vielleicht bekannt, andere sind eine echte Entdeckung für Sie, und Sie möchten ihre Arbeit besser kennenlernen.

Yuri Raksha - Traum

Aktmalerei hat es wie die Bildhauerei zu allen Zeiten und in fast allen Ländern gegeben. Dies liegt daran, dass diese Art von Bild praktisch grundlegend ist. Jeder Künstler weiß genau, dass das Bild Nacktheit ist die Grundlage der Grundlagen in der Erforschung der menschlichen Struktur. Bevor Sie lernen, wie man eine Person in Kleidung, in jeder Form, Pose und Umgebung richtig darstellt, müssen Sie lernen, wie man sie völlig nackt zeichnet. Hinter diesem Prozess lernt der unerfahrene Künstler, die richtigen Proportionen des menschlichen Körpers sowie seine verschiedenen Teile und Nuancen darzustellen.

Zinaida Serebryakova - Badende

Im Gegensatz zu den Urteilen derer, für die Malerei nur da ist schöne Bilder, die nackte Natur ist keineswegs geschaffen, um die niederen Begierden des Menschen zu wecken. Solche Malerei repräsentiert oder besingt sogar die Schönheit des menschlichen Körpers, seine Perfektion, die außergewöhnliche Schöpfung der Natur oder höhere Mächte. Oft porträtieren Künstler ihre Figuren geradezu nackt, um ihre Natürlichkeit und Natürlichkeit, ihre Zugehörigkeit zur Natur oder gar zur göttlichen Welt zu zeigen. Ein ganz anderer Effekt, weniger signifikant, wird beobachtet, wenn die gleichen Charaktere in schöne Kleider gekleidet sind, da Objekte, die von Menschenhand geschaffen wurden, den Charakter aus der Natürlichkeit reißen.

Alexander Deineka - Badegäste

Die nackte Natur war auch den Künstlern inhärent Sowjetzeit. In den Tagen der UdSSR schufen Künstler auch Gemälde mit nackten Frauen, und dies galt nie als vulgär, weil professionell, ernsthaft und hohe Kunst das ist kaum akzeptabel. Beim Erstellen eines Bildes erhält der Künstler mehr reine und tiefe Ideen, als nur den Wunsch des Betrachters zu amüsieren, etwas Verbotenes zu sehen. Hier können Sie eine Reihe von Werken sowjetischer Künstler sehen, um das Talent und die Professionalität der Maler der jüngeren Vergangenheit zu würdigen.

Alexander Gerasimov - Sowjetisches öffentliches Bad A. Zavyalov - Modelle auf dem Hintergrund von Vorhängen
A. Olchowitsch - Akt Alexander Samokhvalov - Akt

Alexander Deineka - Modell V. Arakcheev - Sitzende Frau Wladimir Stoscharow - Bad. Waschende Frau Michael von Gott - Nackt Ilya Mashkov - Nackt

Entgegen einiger Klischees, Sowjetische Kunst hat sich auch vor dem Hintergrund der Mehrheit nie durch besonderen Puritanismus ausgezeichnet westliche Länder. Ein Mädchen war nicht zu faul, in ihrer Zeitschrift typische Beispiele des sowjetischen Akts in Malerei und Grafik aus der Zeit von 1918 bis 1969 zu sammeln.Ungefähr kann eine solche Auswahl auf sowjetische Fotografie, Kino, Skulptur und monumentale Kunst getroffen werden.

Original entnommen aus catrina_burana in Akt Natur in der sowjetischen bildenden Kunst. Teil III. 1950-1969

In den 1950er und 60er Jahren blieb der sozialistische Realismus der Haupttrend in der sowjetischen Kunst. Und wie in den 30er und 40er Jahren musste die Darstellung von Nacktheit ihren Regeln entsprechen. Die Anzahl der Situationen, in denen eine solche Natur glänzen konnte, war begrenzt: ein Fluss- oder Meeresufer, ein Badehaus, eine Dusche, ein Bad und natürlich eine Künstlerwerkstatt. Aber schon in den 40er Jahren tauchte eine gewisse Themenvielfalt im Aktthema auf, noch deutlicher in der Malerei und Grafik der 50er und insbesondere der 1960er Jahre. Hier ist beispielsweise das Thema „Morgen“. Anscheinend glaubte man, dass ein sowjetisches Mädchen oder eine sowjetische Frau es gut machen könnte, morgens aufzuwachen, sich oben ohne zu zeigen oder sogar in dem, was ihre Mutter geboren hat.

1950. N. Sergejewa. Guten Morgen

1950. A Sawjalow. Modelle vor dem Hintergrund von Vorhängen

1950. In Arakcheev. Sitzende Frau.

1950. Wl Lebedew. Aktmodell

1950er bei Dmitrijewski. Nackt

1953. Wsewolod Solodow. Modell

Und jetzt - Wasserprozeduren! Strand, Sauna, Schwimmer, Badegäste.
1950. N Jeremenko. Auf dem Sand

1950er B Scholochow. Bad

1950er T Eremina. Schwimmer
seltsames Bild Oder besser gesagt, sein Name. Nun, auf der rechten Seite, sicher, Schwimmer. Es gibt Zweifel, wer in der Mitte ist: Es scheint mir immer noch, dass dies ein Schwimmer ist. Nun, und links in Riemen und mit nacktem Hintern - na ja, definitiv kein Schwimmer ...

Und hier ist Alexander Deineka mit seinen mutigen Models, wo wären wir ohne sie!
1951. A. Deineka. Skizze zum Gemälde "Badende"

1952. A. Deineka. Badegäste

1951. A. Deineka. Modell

1952. A. Deineka. Modell

1953. Deineka. Liegendes Modell

1953. Deineka. Liegen mit einem Ball
Die letzten beiden, vor allem der ohne Ball – nicht so beeindruckende Erleichterung. Und der kleine Mann ist nichts, nur ein bisschen kurzbeinig.
1955. Deineka. Nackter Sitter
Mehrere Gemälde des Künstlers Andrei Goncharov.
1952. Andrej Gontscharow. Akt auf lila Hintergrund

1952. Andrej Gontscharow. Sitzender Akt

1954. A. Gontscharow. Liegender Akt mit Tulpen

1955. A. Goncharov Akt auf Rot liegend

1956. A. Goncharov Akt auf einem gestreiften

1958. A. Gontscharow. Aktmodell
Und jetzt gibt es bereits eine Vielzahl von Plots. Die Handlung von Pimenov ist, obwohl sie mit dem Baden verbunden ist, nicht ganz normal, während die Handlung von Glazunov voller Erotik ist.
1955. Juri Pimenow. Wintertag

1956. Ilja Glasunow. Morgen
Ein paar weitere Studiomodelle von 1957-58. Die erste und dritte - zum Neid von Deineka!
1957. A. Olchowitsch. Nackt

1957. Michael von Gott. Nackt

1958. A. Samochwalow. Nackt

1958. R. Podobedow. sitzendes Modell
Hier bringt A. Sukhorukih noch mehr Abwechslung in die Nacktszenen. Sowohl "Midday Sun" als auch "Morning" sind voller Romantik...
1958. A. Suchorukich. Mittagssonne

1960. A. Suchorukich. Morgen
Auch die Badeszene ist nicht ganz typisch. In der Mitte der Komposition - eine Frau oder ein Mädchen - kann man es hinter dem Laken nicht sehen - aus irgendeinem Grund blockiert genau dieses Laken das Mädchen, das ihre Hand ausstreckt, anscheinend nach Kleidung. Zum Beispiel blockiere ich dich, während du dich anziehst. Aber hier ist das Geheimnis: Von wem? Vom Ufer aus sieht man alles, was der Künstler ausspioniert! Und von der Seite des Sees - offensichtlich ist niemand da, und andere sind nicht sehr schüchtern, der rechte sitzt in einem kompletten Negligé ... Geheimnisvolles Bild.
1958. Tschernyschew. Baden am See
Morgen wieder. Nun ja, es ist unmöglich, ein solches Bild als "liegendes Modell" zu bezeichnen, es ist zu schmerzhaft in einer frivolen Pose, und so - nun, die Dame ist aufgewacht, nun, gestreckt - was ist los?
1959. L. Astafjew. Morgen

Ein weiteres nautisches Thema. Überhaupt nicht Deinekin-Formen kommen in Mode ...
Zwei Zeichnungen des Künstlers Grigory Gordon. Auch das lesende Mädchen ist in jenen Jahren ein beliebter Plot. Nun, Sie können in dieser Form lesen, ob es zum Beispiel heiß ist.
1960. G. Gordon. Mädchen mit einem Buch

1959. G. Gordon. sitzendes Mädchen
Drei weitere Gemälde zum Thema Wasser.
1960. Wladimir Stoscharow. Bad. Waschende Frau

1960er Fedor Samusev. Nach dem Bad
Mehrere Atelierakte. Die Modelle von Urusevsky und Reznikova sind schon ziemlich dünn ...
1960. Gennadi Troschkin. Nackt

1960. R. Podobedow. junges Modell

1960. SP. Urusevsky. Aktmodell

1961. Evgenia Reznikowa. Modell Lisa
Die Helden der Gemälde von V. Kholuyev sind leicht erkennbar. Sie haben etwas Marionettenhaftes. Die Themenwelt ist Standard: nackt im Studio, Meer, Morgen.
1960er V. Kholuev. Liegender Akt

1960er V. Kholuev. Nackt

1960er V. Kholuev. aus dem Meer geboren

1960er V. Kholuev. Morgen

1962. W. Cholujew. Nackt
"Spring Morning" von A. Sukhorukikh, obwohl es zwei typische Handlungen kombiniert - Morgen und Baden, aber hier ist die Nacktheit der Heldin zweitrangig; dieses "nackt" ist nicht um des "nackens willen" sondern ein ziemliches genrebild.
1962. A. Suchorukich. Frühlingsmorgen
Dann schauen wir: und Studios und Strände und ein anderes Mädchen mit einem Buch ... Die 60er Jahre brachten ein Echo der Freiheit, die Aufhebung vieler Verbote, und je weiter, desto mehr Freiheit wird sowohl in der Handlung als auch in der Aufführung spürbar. Darüber hinaus ist leicht zu erkennen, dass beeindruckende Formen fast nie zu finden sind.
1962. Wladimir Lapovok. In einer Werkstatt

1962. M. Samsonow. Nackt

1963. S. Solowjow. nacktes Mädchen

1964. A. Samochwalow. Am Strand

1964. W. Skrjabin. Nackt

1965. A. Suchorukih. Mädchen mit einem Buch

1966. A. Suchorukih. Im Atelier des Künstlers

1965. N. Ovchinnikov. Abendliche Melodie

1966. Antonow. Badehaus im Dorf Titovo. Schwestern

1966. Teterin. Nackt

1967. Kaparushkin. sibirisch

1967. A. Suchanow. In einer Werkstatt
Nun, das ist eine ziemlich frivole Geschichte. Reines BDSM. Typ beim gucken erwischt...
1967. A. Tarasenko. Bestrafung
Nicht schwimmen, wohlgemerkt, sondern einfach nur relaxen. Ein Mädchen mit Hut ging in den Bergen spazieren, sie war müde. zog sich aus und setzte sich auf einen Kiesel ...
1967. V. Chaus. Ausruhen

1968. Wladimir Lapovok. Schlafen

1968. Mai Miturich. Nackt
Und dieses Bild - im Allgemeinen am Rande. Entweder Schulkinder oder Studenten kamen einfach so zur Bank, wo sie, nach dem Vorhandensein von Brücken zu urteilen, nicht nur gehen, sondern sich auch komplett ausziehen, Farben mit Staffeleien herausnehmen - und sich gegenseitig zeichnen!
1969. M. Tolokonnikowa. Auf Skizzen

1969. J. Raksha. August

1969. J. Raksha. Traum
Nicht die meisten schlechte Zeit, es scheint mir, das waren die 1960er Jahre ...

Habe eine neue mit Bildern:

Ein Kommentar.
"Haken:
* Die Künstler sind aufrichtig und vollkommen Handwerker, Papageien. Aber beide können nicht von der Natur abstrahieren*
Hier, so scheint es mir, gibt es einen subtilen Punkt ... was wird als "freundlich" angesehen?
Ich erinnere mich an Nabokovs Aussage (ich werde sie jetzt nicht genau zitieren, aber die allgemeine Bedeutung) ... stellen Sie sich vor, dass eine bestimmte „Natur“ - sagen wir, eine ländliche Landschaft - von drei Personen beobachtet wird - einem besuchenden Stadtbewohner, der fast sieht zum ersten Mal lebende Gräser und Bäume, einen einheimischen Bauern, der an diesen Orten aufgewachsen ist, auf dem Land arbeitet, Pilze im Wald sammelt, den er kennt, usw.
und ein Wissenschaftler-Naturforscher, ein Kenner der Natur, für den eine Wiese oder ein Wald in sind der höchste Grad differenzierte biologische Gemeinschaften, in denen er auch viele verschiedene spezifische Pflanzen, Insekten, Tiere sieht, aber er sieht nicht nur sie, sondern auch zahlreiche die kompliziertesten Verbindungen, weder dem Städter noch dem Bauern unbekannt ...
es scheint, dass wir die gleiche Realität, die Natur, haben, aber tatsächlich ist eine solche "Realität" eine Abstraktion ... je nach Grad der Immersion, Aufmerksamkeit, Erkenntnis - für jede Person sind dies völlig unterschiedliche Realitäten, und ihre Gemeinsamkeit tut es die primitivsten Schemata nicht weiter ausdehnen, wie „das Gras ist grün“, „Blätter am Baum“ ...
und der Künstler sieht "die Natur" schließlich auch mit ganz anderen Augen als der Laie (hier schreibe ich mich ruhig in solche hin - mehr als einmal musste ich damit umgehen persönliche Erfahrung wie viel detaillierter und subtiler die Künstler sehen) - er merkt und betont vieles in Formen und Farben, und zwar schon in jener Brechung, konkret und individuell, in der seine Kunst gefordert ist ...
diese. der begriff „natur“ scheint mir sehr schwankend im üblichen sinne, der hineingesteckt wird …“

Antworten.
I. Bildende Künstler.
Das Nabokov-Beispiel betrachtet Verschiedene Optionen Interpretation der Natur, je nachdem, welche Art von Verschmelzung von Beobachtungen und Ideen in einer bestimmten Person gebildet wird.
Wenn wir es weiter fassen, dann ist die Interpretation der Natur ihre Reflexion durch den Künstler in den Werken. Reflexionen, in denen Hauptrolle spielen die Emotionen, Beobachtungen und Darstellungen des Künstlers. Aber diese Rolle kann in zwei direkt entgegengesetzten Richtungen gespielt werden.
In einem, dem besten von ihnen, gibt es emotionale Reaktionen auf eine Art Natur oder scharfe Beobachtungen einiger ihrer Eigenschaften. Und hier werden Live-Interpretationen der Natur erhalten (Impressionisten und übrigens gute Tiermaler).
Im anderen, schlimmeren Fall, wird die Interpretation zur Reaktion eines natürlichen Motivs auf eine Emotion oder auf bereits vorhandene Ideen im Kopf des Künstlers. Sie sagen über solche Malerei: „Sie schreiben nicht live, sondern nach der Idee“ oder sie nennen es imitativ, illustrativ, literarisch. Beispiele: Deutsche Romantiker, russische Wanderer, französische Symbolisten usw. Allerdings ist das Malen „nach Darstellung“ in manchen Fällen vielleicht nicht illustrativ, sondern trägt die Tendenz, die Totalität irgendeiner Technik in sich. Zum Beispiel wurden die Pointillisten (Seurat, Signac) im Gegensatz zu den Impressionisten, die ihre Experimente mit der Fixierung einiger lebendiger Momente der optischen Naturwahrnehmung begonnen hatten, bald zu Geiseln der entwickelten Methode.

Es ist interessant festzustellen, dass Illustriertheit innerhalb des Genres der Illustration vollkommen angemessen und gerechtfertigt sein kann – was wir mit Freude in einer Reihe von Beiträgen aus dem Kinderzimmer sehen konnten Buchgrafik. Aber manche Künstler, die dazu neigen, die dekorativen Qualitäten einer illustrativen Komposition zu steigern, rütteln an den Grenzen des Genres und bringen die Komposition teilweise in den Bereich abstrakter malerischer und plastischer Aufgaben, dh jenseits der Grenzen jeglicher Naturinterpretation.
Zwei Beispiele dazu:

Tatjana Mavrina. Rostow. 1965
(Reproduktion aus dem Livejournal von O. Bukharov)

Lew Bakst. Porträt von Vaslav Nijinsky als Faun (im choreografischen Gemälde " Nachmittagsruhe Faun“ zur Musik von Claude Debussy). 1912.
Wadsworth Atheneum, Hartford

Obwohl sich streng genommen weder Mavrina noch Bakst jemals auf das Gebiet der Staffeleimalerei als solche bewegt haben, entsprach dieser Übergang wohl nicht ihrer Begabung für angewandte Kunst.

II.
Aber zurück zum Anfang. Künstler können nicht nur "Bilder" sein. Die Natur nicht nur auf die eine oder andere Weise widerspiegeln (interpretieren). Einige von ihnen können völlig frei damit umgehen und das Thema der Arbeit nicht Natur, sondern etwas Substanzielleres machen. Durch die Deformation und Transformation der visuell-natürlichen Objektform.

Die Deformierung einer objektiven Form ist keine Art der Interpretation oder schärferen Konkretisierung, sondern ein Werkzeug, um einen außernatürlichen Inhalt durch die Natur auszudrücken, etwas, das mit natürlichen Mitteln im Allgemeinen nicht zu vermitteln ist. Dieser Inhalt sind in der Tat Dinge philosophischer Natur: Natur und Akte menschliches Bewusstsein, ein ungewöhnlicher Lebenslauf, den man Sein nennt ... All diese Dinge werden von Künstlern allein in der Sprache der gegenständlichen Form sehr „gelungen“ illustriert. Andere Künstler versuchen mit viel größerer Mühe, diese Dinge jedes Mal aufs Neue mit fast der gleichen objektiven Formsprache zu schaffen.

Geschichte Europäische Malerei hat, könnte man sagen, klassische Schule solche philosophische Schöpfung in künstlerische Kreativität: Kunstikonen. Diese Schule entwickelte viele Kanons für Kompositionen neutestamentlicher und alttestamentlicher Szenen, in denen im Allgemeinen objektive Formen, die einigen (bei weitem nicht so forcierten wie bei den Kubisten) Deformationen und Transformationen unterliegen, zum Ausdruck des Sichtbaren und Unsichtbaren werden , symbolische Welt. Aber auch diese wunderbare Schule ist der „Sünde der Veranschaulichung“ nicht entgangen. Je fester der Kanon in die Praxis eingeführt wurde, desto mehr tendierte diese Praxis dazu, bestimmte Beispiele der Aufführung dieses Kanons äußerlich nachzuahmen (das ist dasselbe, als ob Musiker aufgefordert würden, beispielsweise Bach ausschließlich in den Interpretationen von Gould zu spielen, und Chopin in den Interpretationen von Horowitz; obwohl es verständlich ist, dass der Kanon nur aus Noten besteht und die Musik irgendwo „zwischen den Noten“ liegt). Darüber hinaus kann jede Handlung eines Symbols in gewöhnliches Bewusstsein wird als Illustration der Heiligen Schrift wahrgenommen, und auch die Geistlichkeit selbst war nicht abgeneigt, Ikonen als "Bücher für Analphabeten" zu bezeichnen. Das Malen von Bildern „unter Rublev“ oder „unter Dionysius“ verschärfte also nur die illustrative Haltung gegenüber kanonischen Formen und trug zur Verschlechterung der Ikonenmalerei bei.

Es gibt jedoch einen bekannten Standpunkt, dass die Ikone überhaupt keine Kunst ist. Betrachten Sie daher Beispiele kreative Arbeit Maler mit dem Thema Form beginnen wir doch nicht mit einer Ikone, sondern mit einem Werk eines dieser Kunst nahestehenden Meisters, El Greco.

El Greco. Johannes der Täufer. OK. 1600
Puschkin-Museum

Ich habe diese Arbeit schon irgendwie beschrieben, ich habe auf die Beine von Johannes dem Täufer geachtet: Wenn Sie sie ansehen, können Sie sehen, dass sie deutlich nach rechts „umfallen“. Und gleichzeitig ist der Torso stabil, monumental - auf der Mittelachse des Bildfeldes angeordnet und in den Kreis des sich aus den Wolken öffnenden Himmels (links - fast geometrisch korrekt) eingeschrieben. Eine nach rechts aufsteigende Säule aus verdichteten Wolken, die Johns Oberkörper sozusagen „stützen“, gleicht kompositorisch die „Blockade“ der Figur nach rechts aus, „stößt“ Johns Schulter gewissermaßen ab und biegt sich elastisch nach links oben , vervollständigt diesen Ausgleich. Und diese elastische, kraftvolle Bewegung der Wolken ist ein leichtes und irgendwie verklärtes Echo der freien Neigung von Johns Kopf nach links.

Der Grad der Transformation von Johns Beinen ist maximal für alle anderen Details dieses Bildes, und diese Transformation ist eine der bedeutendsten, die ich in Bezug auf die gezeigte natürliche Objektform in der Malerei gesehen habe. Es drückt klar das Wesen von Johannes dem Täufer aus. Und die Tatsache, dass im übertragenen Sinne nicht die Beine den Oberkörper stützen, sondern im Gegenteil der Oberkörper der gesamten Figur des Johannes Stabilität und Monumentalität verleiht - das bringt die Idee zum Ausdruck dieses Bild. Johannes der Mensch geht einen wahrlich unglaublichen Weg vom Alten zum Neuen Testament, einen Weg, der auf irdischer, natürlicher Weise – also mit natürlichen Füßen – nicht gegangen werden könnte. Daher erfährt ihre objektive Form eine auf den ersten Blick so auffallende, seltsame Deformation; und daher ruht die Figur Johannes des Täufers nicht auf seinen Füßen und der Erde, sondern erhält eine Stabilität von unnatürlicher, überirdischer Qualität, die sich vor dem Hintergrund des Himmels manifestiert und von ihm ausgeht.
Diese Entscheidung manifestierte sowohl die kreative Freiheit von El Greco als auch seine völlig individuelle Denkweise: Niemand hat vorher oder nachher so geschrieben - schließlich ist dies am Rande der Hässlichkeit!
Um Sie nicht zu langweilen, nur noch zwei Beispiele.

Amedeo Modigliani. Porträt von Leopold Survage. 1918
Hm. 61,5x46. Ateneum-Museum, Helsinki

Hier ist ein Künstler, für den es selbstverständlich ist, sich nach El Greco zu bewegen - Modigliani. Auch ein großer Meister nicht der Interpretation, sondern der Transformation der Natur. Und wie sein kretisch-spanischer Vorgänger zeichnete er gerne vertikale Formen. Und was für lange Schlangen! Dies ist keine Art von Verlangen „zum Erhabenen“, das in einer Pose ausgedrückt wird, die Pose selbst sagt nichts aus. Doch bei aller Formgewalt wird hier eine Sehnsucht nach dem Transzendenten eingestellt. Und wie intensiv die warmen, fast heißen Farben von Gesicht und Hals in der kalten Umgebung von Schwarz, Blau und Graublau klingen, holt das Bild des abgebildeten Künstlers aus dem äußerlich friedlichen Zustand des säkularen Alltags in den Raum der Vorahnung Form voller kontrastierender Spannung.

Nur ein Detail erinnert hier teilweise an die Mittel der vordergründigen illustrativen Symbolik: das Motiv eines Auges ohne Pupille. Modigliani entwickelte dieses Motiv in verschiedenen Kombinationen ständig weiter, und offenbar war es für seine Malerei kein entliehenes Element, sondern eine Art organische Zugehörigkeit. Es gibt jedoch einen Maler, der solche auch nur kleinen Möglichkeiten einer mehrdeutigen Wahrnehmung der Bildform grundsätzlich vermied. Dieser „antiillustrative“ Künstler war Cezanne.

Nachdem er am Anfang seines übergeben wurde kreative Weise ein Segment einiger Abweichung in den Bereich symbolischer Interpretationen der objektiven Form ("Ouvertüre zu Tannhäuser", siehe:), in reife Jahre er konzentrierte sich ganz darauf, das Innere zu enthüllen, natürliches Leben was wir normalerweise Natur nennen: eine Landschaft, eine Person, ein Objekt. Und das hat er verraten Innenleben auf die schwierigste und direkteste Weise: wahrhaftig mit Farben auf Leinwand zu komponieren, was sein Auge in der Natur sah. Aber Tatsache ist, dass Cezannes Auge alles Überflüssige, was ein gewöhnlicher Blick in die Natur bringt, aus seinem Gesichtsfeld entfernen konnte. Die ganze Trägheit der alltäglichen Wahrnehmung.

Cézanne. Pfirsiche und Birnen. OK. 1895
Hm. 61x90. Puschkin-Museum

Was ist Naturalismus? (Eigenschaften)

Was ist der Unterschied zwischen Naturalismus und Atmosphäre?

Ein weiterer wichtiger Unterschied ist der Unterschied zwischen Naturalismus und Atmosphäre. Landschaftsmalerei kann sehr atmosphärisch sein, ohne naturalistisch zu sein. Dies liegt normalerweise daran, dass sich der Künstler darauf konzentriert hat, die Stimmung und nicht die visuellen Details zu vermitteln. gute Beispiele: Notturno in Blau und Silber – Chelsea(1871, Tate Collection, London) von Whistler and Eindruck, Sonnenaufgang(1873, Musee Marmottan, Paris) von Claude Monet. Keines dieser Gemälde hat genügend Details, um naturalistisch zu sein. Vergleichen Sie mit Bildern: Atelier des Künstlers(1870, Musée d'Orsay) von Frédéric Bazille; Max Schmidt in einem Schädel(1871, Metropolitan Museum of Art) von Thomas Eakins; Musikunterricht (1877, Kunstgalerie Guildhall, London) Frederic Leighton; Tepidarium (1881, Lever Art Gallery, UK) von Laurence Alma-Tadema; Krankes Mädchen (1881, Nationalgallerie, Oslo) von Christian Krogh: das alles sind hervorragende Beispiele für Naturalismus, völlig ohne Atmosphäre.

Eine Beschreibung des französischen Impressionismus finden Sie unter Merkmale der impressionistischen Malerei 1870–1910.

Was ist der Unterschied zwischen Naturalismus und Idealismus?

In der Malerei ist Idealismus das Konzept, das am besten auf die Figurenmalerei anwendbar ist, und bezieht sich auf die Tradition, eine "perfekte" Figur zu schaffen - mit einem attraktiven Gesicht, perfektem Haar, guter Körperform und ohne äußere Mängel. Selten, wenn überhaupt, zum Zeichnen oder Malen nach dem Leben, wäre diese Art der idealisierten Darstellung für Altarbilder und andere Formen großformatiger religiöser Kunst geeignet, die die meisten Aufträge ausmachten, die Werkstätten und Ateliers in erhielten altes Europa. Im Wesentlichen ein "künstlicher" Malstil, hatte er keine Ähnlichkeit mit dem Naturalismus von, sagen wir, Caravaggio, der normalerweise gewöhnliche Straßenmenschen als Vorbilder für seine besondere biblische Kunst verwendete. Der Idealismus blieb der Stil, der an den großen Kunstakademien bis mindestens zum 19. Jahrhundert gelehrt wurde, als er schließlich durch einen naturalistischeren Stil ersetzt wurde, der auf realen Modellen und Freilichtmalerei im Freien basierte.

Zwei Arten von Naturalismus: Landschaft und figurativ

Wie aus den obigen Beispielen ersichtlich ist, sind es nicht nur ländliche Außenszenen, die den Naturalismus veranschaulichen, auch Porträts und Genrezeichnungen von Menschen können hervorragende Beispiele sein.

Der Begriff Naturalismus kommt jedoch vom Wort "Natur", und daher ist das häufigste Genre für Naturalismus die Landschaftsmalerei - ein Genre, das durch das Werk von John Constable veranschaulicht wird, das der anglo-schweizerische Maler Henry Fuseli für so realistisch hielt, dass er es immer sah ihr fühlte er sich von Mantel und Regenschirm zu einem Spaziergang gerufen.

Allerdings sind nicht alle Landschaftsbilder naturalistisch, insbesondere dort, wo die Subjektivität des Künstlers eindringt. Zum Beispiel erschuf der gespenstisch religiöse Künstler John Martin seine gespenstischen apokalyptischen Landschaften, um die Macht Gottes zu veranschaulichen. Der romantische deutsche Künstler Caspar David Friedrich füllte seine malerische Aussichten Symbolik und emotionale Romantik. Viele von Turners Landschaften sind kaum mehr als expressionistische Experimente in der Darstellung von Licht, während Cezanne Dutzende von Ansichten von Montaigne Sainte-Victoire malte und die natürliche Präzision für seine Favoriten opferte. geometrische Formen und feine Balance. Keiner dieser Künstler gehört der Schule der Naturforscher an, weil es ihnen weniger um die Darstellung der Natur als vielmehr um die Selbstdarstellung geht.

Naturalismus in der Zeichnung

Seit der Antike hat die Kunstgeschichte mehrere große Fortschritte in der realistischen Zeichnung und Ölmalerei erlebt. Giotto, einer der frühen Pioniere des Naturalismus, schuf eine Reihe von Revolutionären volumetrische Zahlen für Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua. Siehe zum Beispiel The Betrayal of Christ (The Kiss of Judas) (1305) und Lamentation of Christ (1305). Leonardo da Vinci beherrschte die Kunst des Sfumato, um in Werken wie der Mona Lisa (1506, Louvre, Paris) auffallend realistische Gesichter zu schaffen. Michelangelo nutzte sein einzigartiges Talent als Bildhauer, um in seinen Fresken in der Sixtinischen Kapelle (1508-12; und 1536-41) eine Vielzahl von bildhauerischen Figuren zu schaffen. Caravaggio verblüffte Rom mit seiner naturalistischen Malerei, indem er Bilder verwendete, die Menschen nachempfunden waren, die direkt von der Straße rekrutiert wurden. Seine realen Figuren waren ideal für die katholische Kunst der Gegenreformation des Barock. Im goldenen Zeitalter der niederländischen realistischen Genremalerei führten Künstler wie Jan Vermeer (häusliche Genremalerei, innen und außen), Pieter de Hooch (Höfe), Samuel van Hoogstraten (häusliche Innenräume) und Emanuel de Witte (architektonische Kirchenräume) an der Stil präziser Naturalismus, der figurative, alltägliche und soziale Objekte umfasste. In jüngerer Zeit, im 19. Jahrhundert, schufen russische Künstler zahlreiche Meisterwerke des malerischen Naturalismus in fast allen Genres. Beispiele für diese Arbeiten: „Hochzeit des Majors“ (1848, Tretjakow-Galerie, Moskau) Pavel Fedotov; Reparatur Eisenbahn (1874, Tretjakow) Konstantin Savitsky; „Porträt von Prinzessin Sofya Alekseevna im Nowodewitschi-Kloster“ (1879, Tretjakow) und „Antwort der zaporizhischen Kosaken an Sultan Mahmud IV“ (1891, Russisches Museum, St. Petersburg) von Ilja Repin; Gelächter („Heil, König der Juden!“)(1882, Russisches Museum) von Ivan Kramskoy; Christus und der Sünder(1887, Russisches Museum) Vasily Polenov.

Geschichte und Entwicklung des Naturalismus (ca. 500 v. Chr. - 1800)

Es sind zwei bezaubernde Beispiele des Naturalismus entstanden von einem deutschen Künstler Dürer: „Junger Hase“ (1502) und „Großes Grasstück“ (1503), beide in der Albertina, Wien.

Russische Wanderer (Wanderer) (um 1863-90)
1863 von einer Gruppe junger Künstler der Kaiserlichen Akademie der Künste in St. Petersburg gegründet, reisten die Wanderers durch Russland, um Landschaften zu malen und zu malen Genrebilder. Zu den führenden Mitgliedern gehörten Ivan Kramskoy (1837–1887), Nikolai Ge (1831–1894),