„Nächte. Debussy

Debussy. "Nächtliche"

"Wolken"

Orchesterbesetzung: 2 Flöten, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 4 Hörner, Pauken, Harfe, Streicher.

"Feierlichkeiten"

Orchesterbesetzung: 3 Flöten, Piccolo, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 3 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, Tuba, 2 Harfen, Pauken, Kleine Trommel (entfernt), Becken, Streicher.

"Sirenen"

Orchesterbesetzung: 3 Flöten, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 3 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 2 Harfen, Streicher; Frauenchor (8 Soprane und 8 Mezzosopranistinnen).

Geschichte der Schöpfung

Noch nicht vollendet sein erstes reifes sinfonisches Werk“ Nachmittag eines Fauns“, konzipierte Debussy 1894 „Nocturnes“. Am 22. September schrieb er in einem Brief: „Ich arbeite an drei Nocturnes für Solovioline und Orchester; das Orchester des ersten wird durch Streicher repräsentiert, das zweite durch Flöten, vier Hörner, drei Pfeifen und zwei Harfen; das Orchester der dritten verbindet beides. Im Allgemeinen ist dies eine Suche nach verschiedenen Kombinationen, die dieselbe Farbe ergeben kann, wie beispielsweise beim Malen einer Studie in Grautönen. Dieser Brief ist an Eugène Ysaye gerichtet, den berühmten belgischen Geiger, Gründer des Streichquartetts, der im Vorjahr als erster das Debussy-Quartett spielte. 1896 behauptete der Komponist, dass die „Nocturnes“ speziell für Izaya geschaffen wurden – „die Person, die ich liebe und bewundere … Nur er kann sie aufführen. Wenn Apollo selbst mich danach fragen würde, würde ich ihn ablehnen! Allerdings schon drin nächstes Jahr Die Idee ändert sich, und seit drei Jahren arbeitet Debussy an drei „Nocturnes“. Symphonieorchester.

Über deren Vollendung berichtet er in einem Brief vom 5. Januar 1900 und schreibt an gleicher Stelle: „Mademoiselle Lily Texier änderte ihren dissonanten Namen in die viel harmonischere Lily Debussy … Sie ist unglaublich blond, schön, wie in Legenden, und fügt zu diesen Gaben hinzu, dass sie keineswegs im „modernen Stil“ ist. Sie liebt Musik ... nur nach ihrer Vorstellung ist ihr Lieblingslied Round Dance, wo wir redenüber einen kleinen Grenadier mit rotem Gesicht und einem Hut auf der einen Seite. Die Frau des Komponisten war Model, die Tochter eines kleinen Angestellten aus der Provinz, für die er 1898 eine Leidenschaft entzündete, die ihn im folgenden Jahr fast in den Selbstmord trieb, als Rosalie beschloss, sich von ihm zu trennen.

Die Uraufführung von „Nocturnes“, die am 9. Dezember 1900 in Paris bei den Lamoureux-Konzerten stattfand, war nicht vollständig: Dann erklangen unter der Leitung von Camille Chevillard nur noch „Clouds“ und „Festivities“, dazu kamen „Sirens“. ihnen ein Jahr später, am 27. Dezember 1901 . Diese Praxis der getrennten Aufführung wurde ein Jahrhundert später beibehalten - das letzte "Nocturne" (mit Chor) erklingt viel seltener.

Das Nocturnes-Programm ist von Debussy selbst bekannt:

Der Titel "Nocturnes" hat eine allgemeinere und vor allem dekorativere Bedeutung. Hier geht es nicht um die übliche Form des Nocturnes, sondern um alles, was dieses Wort aus Lichteindruck und -empfindung enthält.

"Clouds" ist ein bewegungsloses Bild des Himmels mit grauen Wolken, die langsam und melancholisch schweben und schmelzen; Wenn sie sich zurückziehen, erlöschen sie, sanft mit weißem Licht getönt.

"Celebrations" ist eine Bewegung, ein tanzender Rhythmus der Atmosphäre mit plötzlichen Lichtexplosionen, es ist auch eine Episode einer Prozession (blendende und phantasievolle Vision), die durch den Feiertag geht und mit ihm verschmilzt; aber der Hintergrund bleibt die ganze Zeit - das ist ein Feiertag, das ist eine Mischung aus Musik mit leuchtendem Staub, der Teil des Gesamtrhythmus ist.

„Sirens“ ist das Meer und sein unendlich abwechslungsreicher Rhythmus; zwischen den vom Mond versilberten Wellen erhebt sich, bröckelt vor Lachen und der geheimnisvolle Gesang der Sirenen verschwindet.

Gleichzeitig sind die Erklärungen anderer Autoren erhalten geblieben. In Bezug auf Wolken sagte Debussy seinen Freunden, es sei „ein Blick von einer Brücke auf Wolken, die von einem Gewitter getrieben werden; die Bewegung eines Dampfschiffs auf der Seine, dessen Pfeifen durch ein kurzes chromatisches Thema eines Englischhorns nachempfunden wird. "Feierlichkeiten" erwecken "die Erinnerung an die früheren Vergnügungen der Menschen im Bois de Boulogne, beleuchtet und überflutet von einer Menschenmenge; Das Trompetentrio ist die Musik der republikanischen Garde, die die Morgendämmerung spielt." Einer anderen Version zufolge spiegeln sich hier die Eindrücke des Treffens des russischen Kaisers Nikolaus II. im Jahr 1896 mit Parisern wider.

Viele Parallelen ergeben sich zu den Gemälden französischer impressionistischer Künstler, die es liebten, fließende Luft, den Glanz von Meereswellen und die Buntheit der festlichen Menge zu malen. Der Titel „Nocturnes“ selbst entstand aus dem Namen der Landschaften des englischen Präraffaeliten-Künstlers James Whistler, für die sich der Komponist in jungen Jahren interessierte, als er nach seinem Abschluss am Konservatorium mit dem Rom-Preis in Italien lebte , in der Villa Medici (1885-1886). Diese Leidenschaft hielt bis an sein Lebensende an. Die Wände seines Zimmers waren mit Farbreproduktionen von Whistlers Gemälden geschmückt. Andererseits, Französische Kritiker schrieb, dass die drei „Nocturnes“ von Debussy eine Tonaufnahme von drei Elementen seien: Luft, Feuer und Wasser, oder ein Ausdruck von drei Zuständen – Kontemplation, Aktion und Verzückung.

Musik

« Wolken“ sind mit dünnen impressionistischen Farben eines kleinen Orchesters bemalt (es werden nur Hörner aus Kupfer verwendet). Der unsichere, düstere Hintergrund wird durch das gemessene Wiegen der Holzbläser erzeugt, die ausgefallene, gleitende Harmonien bilden. Die eigentümliche Klangfarbe des Englischhorns verstärkt die modale Ungewöhnlichkeit des kurzen Hauptmotivs. Im Mittelteil, wo die Harfe zum ersten Mal einsetzt, hellt sich die Farbe auf. Zusammen mit der Flöte führt sie ein pentatonisches Thema wie mit Luft gesättigt in die Oktave; es wird von Solovioline, Bratsche, Cello wiederholt. Dann kehrt die düstere Melodie des Englischhorns zurück, Echos anderer Motive steigen auf – und alles scheint wie schmelzende Wolken in die Ferne zu schweben.

« Feierlichkeiten» bilden einen scharfen Kontrast - die Musik ist ungestüm, voller Licht und Bewegung. Der fliegende Klang von Saiten- und Holzinstrumenten wird von sonoren Ausrufen der Blechbläser, Tremolo-Pauken und spektakulären Glissandi der Harfen unterbrochen. Ein neues Bild: Auf dem gleichen tänzerischen Hintergrund der Saiten-Oboe führt ein inbrünstiges Thema, das von anderen Blasinstrumenten in einer Oktave aufgegriffen wird. Plötzlich geht alles kaputt. Von weitem nähert sich eine Prozession (drei Trompeten mit Dämpfern). Die bisher stille kleine Trommel (in der Ferne) und tiefe Blechbläser setzen ein und bauen sich zu einem ohrenbetäubenden Höhepunkt des Tutti auf. Dann kehren leichte Passagen des ersten Themas zurück und andere Motive flackern, bis die Klänge des Festivals verklingen.

IN " Sirenen"wieder, wie in "Clouds", dominiert langsames Tempo, aber die Stimmung hier ist nicht Dämmerung, sondern von Licht erhellt. Leise plätschert die Brandung, Wellen laufen heran, und in diesem Plätschern kann man die verführerischen Stimmen der Sirenen erkennen; wiederholte Akkorde ohne kleine Gruppenwörter Frauenchor ergänzen den Klang des Orchesters mit einer weiteren skurrilen Farbe. Die kleinsten Motive zweier Töne variieren, wachsen, verflechten sich polyphon. Sie wiederholen die Themen der vorherigen Nocturnes. Im Mittelteil werden die Stimmen der Sirenen eindringlicher, ihre Melodie ausgedehnter. Die Variante an den Trompeten nähert sich unerwartet dem Thema des Englischhorns aus Clouds, und die Ähnlichkeit ist noch stärker im Appell dieser Instrumente. Am Ende verstummt der Gesang der Sirenen, während die Wolken schmelzen und die Geräusche des Festivals in der Ferne verschwinden.

A. Königsberg

MKOU "Novousmanskaya-Sekundarschule Nr. 4"

Musikstunde

in der 7. Klasse

Sinfonisches Gemälde "Celebrations" von C. Debussy.

Instrumentalkonzert.

MKOU "Novousmanskaya-Sekundarschule Nr. 4"

Makukhina Marina Nikolajewna

Mit. Neuer Usmann

Jahr 2014

Thema des Unterrichts: Sinfonisches Bild "Celebrations" von C. Debussy.

FOLIE 1

Zweck dieser Lektion:

Bereicherung der kulturellen u Spirituelle Welt Kinder, durch das musikalische, literarische und künstlerische Erbe der Völker der Welt.

Aufgaben:

Mit Hilfe Informationstechnologien offenbaren die Vielfalt und den Reichtum der Kultur der Völker.

Entwicklung vielseitiger Interessen in verschiedenen Bereichen der Kunst, Erziehung der Liebe und des Respekts für Musikalisches, Literarisches u künstlerisches Erbe anderen Völkern, um die Grundlagen für die ästhetische Wahrnehmung des sie umgebenden Lebens zu legen.

Bereicherung der geistigen Welt der Kinder. Bildung ihres musikalischen, künstlerischen und ästhetischen Geschmacks.

FOLIE 2

Unterrichtsplan:

Nr. p / p

Etappen des Unterrichts

Zeit, mind.

Zeit organisieren

Vorbereitung auf die aktive und bewusste Aufnahme von neuem Material.

Bildung von Wissen. Präsentation von neuem Material, sowohl musikalisch als auch literarisch

Praktische Arbeit

Festigung neuen Wissens

Lied „Orange Summer“

Zusammenfassend

FOLIE 3

Lehrer: Leute, was seht ihr auf dem Bildschirm?

Schüler: Rahmen

Lehrer: Was ist der Zweck dieses Rahmens?

Schüler: Das ist ein Bilderrahmen.

Lehrer: Wie kann man die Bilder anders nennen?

Schüler: Malen

Lehrer: Was kann man Malerei und Musik nennen?

Schüler: Kunst.

Lehrer: Bitte geben Sie eine Definition: Was ist Kunst?

Schüler: Kunst ist der Prozess und das Ergebnis eines sinnvollen Ausdrucks von Gefühlen in einem Bild.

Kunst ist eine der Formen des gesellschaftlichen Bewusstseins, ein integraler Bestandteil...

Musik ist zu sehen und Kunst zu hören. Die Malerei wird ausdrücken, was mit Worten nicht gesagt werden kann, wird die subtilsten Schattierungen der menschlichen Seele offenbaren. Lehrer: Also kann unsere Lektion nicht nur Musik genannt werden?

FOLIE 4

Schüler: "Malerische Musik"

FOLIE 5

Ziele und Zielsetzungen; Schaffen Sie eine Atmosphäre des Engagements und des Interesses im Klassenzimmer. Entwickeln Sie die Fähigkeiten der ganzheitlichen musikalischen Analyse. Bitten Sie die Kinder, ihre Stimmung anhand der gehörten Musik auszudrücken. Betonen Sie Intonationen, um das Bild der Arbeit zu enthüllen. Kreativität wecken.

Bei den Schülern eine emotional bewusste Wahrnehmung des musikalischen Bildes zu formen.

Lehrer: Musik hat verschiedene Richtungen. Welche MUSIKSTIL kennst du?

Studenten:

1 Volksmusik

2 Sakrale Musik

3 Inder klassische Musik

4 Arabische klassische Musik

5 Europäische klassische Musik

6 Lateinamerikanische Musik

7 Blues

8 R&B

9 Jazz

10 Land

12 Elektronische Musik

13 Felsen

14 Pop

15 Rap (Hip-Hop)

16. Folklore

17. Klassik usw.

FOLIE 6

Anhören der Musik "Celebrations" - Claude Debussy

FOLIE 7

Lehrer: Wer kennt dieses Werk und den Autor7

Schüler: „Celebrations“ von Claude Debussy

Lehrer: Achille-Claude Debussy - Französischer Komponist, Musikkritiker.

1872, im Alter von zehn Jahren, trat Claude in das Pariser Konservatorium ein. In der Klavierklasse studierte er mit berühmter Pianist und Lehrer Albert Marmontel in der elementaren Solfeggio-Klasse - mit dem bedeutenden Traditionalisten Albert Lavignac, und Cesar Franck selbst unterrichtete ihn im Orgelspiel. Debussy studierte ziemlich erfolgreich am Konservatorium, obwohl er als Student mit nichts Besonderem glänzte. Erst 1877 würdigten die Professoren Debussys Klaviertalent und verliehen ihm einen zweiten Preis für die Aufführung von Schumanns Sonate.

Debussy begann erst im Dezember 1880 mit einem systematischen Kompositionsstudium bei einem Professor, einem Mitglied der Akademie der Schönen Künste, Ernest Guiraud. Sechs Monate bevor er in Guiros Klasse eintrat, reiste Debussy als Heimpianist und Musiklehrer in der Familie der wohlhabenden russischen Philanthropin Nadezhda von Meck in die Schweiz und nach Italien. Debussy verbrachte die Sommer 1881 und 1882 in der Nähe von Moskau auf ihrem Gut Pleschtschejewo. Der Kontakt zur Familie von Meck und der Aufenthalt in Russland wirkten sich positiv auf die Entwicklung des jungen Musikers aus. In ihrem Haus lernte Debussy die neue russische Musik von Tschaikowsky, Borodin, Balakirev und ihnen nahestehenden Komponisten kennen.

FOLIE 8

Debussys Komposition „Moonlight“ strahlt vor Liebe. Claude Debussy liebte allgemein das Licht des silbernen Erdtrabanten. Er schrieb besser in mondhellen Nächten.

Der Komponist N. Ya. Moskovsky schrieb über Debussys Werk: „... In den Momenten, in denen er (Debussy) es unternimmt, seine Wahrnehmung der Natur festzuhalten, geschieht etwas Unfassbares: Eine Person verschwindet wie aufgelöst oder verwandelt sich in ein schwer fassbares Staubkorn , und herrscht über alles wie die ewige, unveränderliche, unveränderliche, reine und stille, alles verzehrende Natur selbst, all diese stillen, gleitenden "Wolken", sanften Überflutungen und Höhen von "Wellenspielen", Rascheln und Rauschen von "Frühlingsreigen". ", sanftes Flüstern und träges Seufzen des Windes, der mit dem Meer spricht - Ist das nicht der wahre Atem der Natur! Und ist der Künstler, der die Natur in Klängen nachbildet, nicht ein großer Künstler, ein außergewöhnlicher Dichter?

Seine Musik basiert auf visuellen Bildern, gefüllt mit Hell-Dunkel-Spielen, transparenten, wie schwerelosen Farben, die das Gefühl von Klangflecken erzeugen.

Der Einfluss der Malerei auf Komponisten war so groß, dass er vielen seiner Kompositionen zugeordnete Namen gab Bildende Kunst: "Drucke", "Skizzen" usw. Das Verständnis, wie ein Orchester malerische Bilder zeichnen kann, kam C. Debussy vor allem durch den russischen Komponisten N. Rimsky-Korsakov.

Debussy war nicht nur einer der bedeutendsten französischen Komponisten, sondern auch eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der Musik an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert; seine Musik repräsentiert eine Übergangsform von spätromantischer Musik zur Moderne in der Musik des 20. Jahrhunderts.

Lehrer: Leute, welche anderen Komponisten kennt ihr:

Schüler: Tschaikowsky, Liszt, Glinka, Bach, Beethoven, Chopin, Mozart, Schostakowitsch, Schnittke und andere.

Lehrer? Was weißt du Musikalische Werke?

Schüler: "Schwanensee", "Der Nussknacker", die Leningrader Symphonie - "Der Einmarsch der Nazis während des Großen Vaterländischer Krieg“, „Mondschein“, „Jahreszeiten“. "Walzer" und andere.

Lehrer: Können Sie Musik definieren?

Schüler: Musik ist Rhythmus, Klang, Tempo… Musik braucht die Seele.

FOLIE 9

Hören Sie die Musik „Moonlight“ von Claude Debussy

FOLIE 10 - 16

Lehrer: Als Sie Musik gehört haben, haben Sie sich etwas vorgestellt? Vielleicht haben Sie Farben, Lacke oder etwas anderes gesehen?

Die Antworten sind vielfältig. Von warmen bis zu den kältesten Tönen, von Weiß bis Schwarz.

Lehrer: Leute, kann alles, was wir gerade gehört haben, dargestellt werden?

Studenten: Ja.

Lehrer: JETZT MACHEN WIR EIN WENIG PRAKTISCHE ARBEIT. Stellen Sie dar, was Sie jetzt GEHÖRT haben. Teilen wir uns in drei Gruppen auf. Einige arbeiten mit Gouache. Andere arbeiten mit Tinte und Faden. Wieder andere arbeiten mit farbigem Papier, Karton und Kleber. Lass uns zur Arbeit gehen.

Arbeitsschutz.

FOLIE 17

Melodeklamation von Gedichten zur Musik von C. Debussy

"Im Mondlicht"

In Momenten der Traurigkeit in der Stunde der Nacht

Müde von Widrigkeiten

Nicht in der Eitelkeit weltlicher Freuden,

In Frieden suchst du Glück.

Vergessen, mit der Stille verschmelzen,

Alles Irdische wegwerfen

Allein mit Traurigkeit allein

Sprich mit Luna.

Luna, dafür liebe ich dich

Was ist nur im Mondlicht

Ich vergesse den Winter

Und ich denke an Lethe.

Henker meiner Gedanken

Streng, aber schön - der Mond!

Ich, sie ansehend,

Ich verliere den Verstand.

Der Mond stört und zieht an,

Und im Mondlicht schmelzend,

Ich ruhe mich von Sorgen aus

Die Vergangenheit vergessen.

Die Nachtleuchte amüsiert den Blick

Ich bin betrunken von Träumen

Und im Stoff der Träume Mondlicht

Es strömt ein, verschlingt sich -

Zu einem dünnen Schleier weben

Aus schwereloser Spitze...

Lärm. Türen knarren.

Ich blieb wieder stecken, fand mich nicht.

"Mondlicht"

Wladimir Wodnew

Gib mir einen Mondstein

Gib mir Mondlicht!

Leicht wahrnehmbare Striche

Ich zeichne Mondlicht

Was sich seit Jahrhunderten auf dem Boden ergießt

Derjenige, der allen Planeten am nächsten ist.

Lass es schon mehr als einmal gesungen werden,

Aber immer noch winkend

Und fesselt alle Dichter

Die blasse Farbe ihrer Wangen.

Nur wenn wir alleine sind

(Bereits mehr als einmal überprüft!) -

Die Stimmung wird steigen

Das Licht ihrer kalten Augen.

Und von Schlaflosigkeit getrieben

Künstler und Dichter zugleich

Zeichnen Sie für Ihre Geliebte

Silbernes Mondlicht.

Es gibt kein besseres Geschenk

In der Nacht eines kurzen Frühlings

Sternenhimmel unter dem Bogen -

Der Blick des bezaubernden Mondes...

"NACHTMOND"

Und wieder ersetzt der Abend die Nacht,

Dunkelheit umgibt die Welt

Und der Pfad des Himmels beginnt

Nachtwanderer Mond.

Von Jahr zu Jahr die gleiche Straße widerhallend,

Sie erhellt schwach die Dunkelheit,

Und ihr Licht wird nur von wenigen verstanden,

Wer könnte die Schönheit der Natur begreifen.

Das Licht des Mondes ist schwach, aber wir sind es nicht wert

Ihre Unschuldige für diese Sünde zu beschuldigen,

Dunkle irdische Nacht, aber immer noch,

Darin kann man ohne den Mond überhaupt nichts sehen.

Wir haben uns so daran gewöhnt, dass wir aufgehört haben

Ihre himmlische Kampagne zur Beachtung

Nur die Auserwählten, die in der Ferne mit ihnen rufen,

Sie hörte nie auf zu staunen.

Und da ist etwas im Mondlicht,

Das konnte ich nicht verstehen

Kein Wunder, dass Liebhaber so sehr lieben

Verabredungen im Mondschein.

FOLIE 18 - 19

Lehrer:

Und um zehn und um sieben und um fünf

Alle Kinder lieben es zu malen.

Und jeder zieht mutig

Alles, was ihn interessiert.

Alles ist interessant:

Ferner Raum, naher Wald,

Blumen, Autos, Märchen, Tänze...

Lass uns alles zeichnen!

Es gäbe Farben

Ja, ein Stück Papier auf dem Tisch

Ja, Frieden in der Familie und auf Erden.

FOLIE 20 - 21

Lehrer: Lass uns ein Quiz machen. Finden wir die richtige Antwort heraus.

Lehrer: Leute, jetzt würde ich gerne wissen: Was habt ihr heute Neues im Unterricht gelernt?

Antworten der Schüler.

Lehrer: Kannst du das Lied sehen?

Studenten: Ja.

Lehrer: Was ist Penny?

FOLIE 22

Schüler: Ein Lied ist eine Brücke zwischen Poesie und Musik.

FOLIE 23 - 31

Lehrer: Lassen Sie uns mit Ihnen ein wenig aufwärmen. Und wir werden unsere Stunde mit einem wunderbaren Lied beenden. "Orangener Planet"

Zusammenfassend.

FOLIE 32

Lehrer: Danke für die Lektion.

Claude Achille Debussy wurde am 22. August 1862 in Saint-Germain bei Paris geboren. Seine Eltern – Kleinbürger – liebten Musik, waren aber weit entfernt von echter professioneller Kunst. Zufällige musikalische Eindrücke aus der frühen Kindheit trugen wenig dazu bei künstlerische Entwicklung zukünftiger Komponist. Am auffälligsten waren seltene Opernbesuche. Erst im Alter von neun Jahren begann Debussy Klavier spielen zu lernen. Auf Drängen eines ihrer Familie nahestehenden Pianisten, der Claudes außergewöhnliche Fähigkeiten erkannte, schickten ihn seine Eltern 1873 an das Pariser Konservatorium.

Die fleißigen Studien der ersten Jahre brachten Debussy die jährlichen Solfeggio-Preise ein. In den Solfeggio- und Korrepetitionsklassen zeigte er sein Interesse an neuen harmonischen Wendungen, abwechslungsreichen und komplexen Rhythmen.

Debussys Talent entwickelte sich außerordentlich schnell. Bereits in seiner Studienzeit zeichnete sich sein Spiel durch inneren Gehalt, Emotionalität, seltene Vielfalt und Reichhaltigkeit der Klangpalette aus. Aber die Originalität seines Aufführungsstils, ohne modische äußere Virtuosität und Brillanz, fand weder bei den Konservatoriumslehrern noch bei seinen Kollegen die gebührende Anerkennung. Erstmals wurde sein Talent erst 1877 für die Aufführung von Schumanns Sonate ausgezeichnet.

Die ersten ernsthaften Auseinandersetzungen mit den bestehenden Methoden des Konservatoriumsunterrichts gab es bei Debussy in der Harmonieklasse. Nur der Komponist E. Guiraud, bei dem Debussy Komposition studierte, war wirklich von den Bestrebungen seines Schülers durchdrungen und entdeckte ihre Ähnlichkeit in künstlerischen und ästhetischen Ansichten und musikalischen Vorlieben.

Nachts

"Wolken"

Orchesterbesetzung: 2 Flöten, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 4 Hörner, Pauken, Harfe, Streicher.

"Feierlichkeiten"

Orchesterbesetzung: 3 Flöten, Piccolo, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 3 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaunen, Tuba, 2 Harfen, Pauken, Kleine Trommel (entfernt), Becken, Streicher.

"Sirenen"

Orchesterbesetzung: 3 Flöten, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 3 Fagotte, 4 Hörner, 3 Trompeten, 2 Harfen, Streicher; Frauenchor (8 Soprane und 8 Mezzosopranistinnen).

Geschichte der Schöpfung

Nachdem er sein erstes reifes symphonisches Werk The Afternoon of a Faun noch nicht vollendet hatte, konzipierte Debussy 1894 Nocturnes. Am 22. September schrieb er in einem Brief: „Ich arbeite an drei Nocturnes für Solovioline und Orchester; das Orchester des ersten wird durch Streicher repräsentiert, das zweite durch Flöten, vier Hörner, drei Pfeifen und zwei Harfen; das Orchester der dritten verbindet beides. Im Allgemeinen ist dies eine Suche nach verschiedenen Kombinationen, die dieselbe Farbe ergeben kann, wie beispielsweise beim Malen einer Studie in Grautönen. Dieser Brief ist an Eugène Ysaye gerichtet, den berühmten belgischen Geiger, Gründer des Streichquartetts, der im Vorjahr als erster das Debussy-Quartett spielte. 1896 behauptete der Komponist, dass die „Nocturnes“ speziell für Izaya geschaffen wurden – „die Person, die ich liebe und bewundere … Nur er kann sie aufführen. Wenn Apollo selbst mich danach fragen würde, würde ich ihn ablehnen! Im nächsten Jahr ändert sich die Idee jedoch, und seit drei Jahren arbeitet Debussy an drei „Nocturnes“ für ein Symphonieorchester.

Über deren Vollendung berichtet er in einem Brief vom 5. Januar 1900 und schreibt an gleicher Stelle: „Mademoiselle Lily Texier änderte ihren dissonanten Namen in die viel harmonischere Lily Debussy … Sie ist unglaublich blond, schön, wie in Legenden, und fügt zu diesen Gaben hinzu, dass sie keineswegs im „modernen Stil“ ist. Sie liebt Musik ... nur ihrer Fantasie nach ist ihr Lieblingslied ein Reigen, in dem es um einen kleinen Grenadier mit rotem Gesicht und einem Hut auf der einen Seite geht. Die Frau des Komponisten war Model, die Tochter eines kleinen Angestellten aus der Provinz, für die er 1898 eine Leidenschaft entzündete, die ihn im folgenden Jahr fast in den Selbstmord trieb, als Rosalie beschloss, sich von ihm zu trennen.

Die Uraufführung von „Nocturnes“, die am 9. Dezember 1900 in Paris bei den Lamoureux-Konzerten stattfand, war nicht vollständig: Dann erklangen unter der Leitung von Camille Chevillard nur noch „Clouds“ und „Festivities“, dazu kamen „Sirens“. ihnen ein Jahr später, am 27. Dezember 1901 . Diese Praxis der getrennten Aufführung wurde ein Jahrhundert später beibehalten - das letzte "Nocturne" (mit Chor) erklingt viel seltener.

Das Nocturnes-Programm ist von Debussy selbst bekannt:

Der Titel "Nocturnes" hat eine allgemeinere und vor allem dekorativere Bedeutung. Hier geht es nicht um die übliche Form des Nocturnes, sondern um alles, was dieses Wort aus Lichteindruck und -empfindung enthält.

"Clouds" ist ein bewegungsloses Bild des Himmels mit grauen Wolken, die langsam und melancholisch schweben und schmelzen; Wenn sie sich zurückziehen, erlöschen sie, sanft mit weißem Licht getönt.

"Celebrations" ist eine Bewegung, ein tanzender Rhythmus der Atmosphäre mit plötzlichen Lichtexplosionen, es ist auch eine Episode einer Prozession (blendende und phantasievolle Vision), die durch den Feiertag geht und mit ihm verschmilzt; aber der Hintergrund bleibt die ganze Zeit - das ist ein Feiertag, das ist eine Mischung aus Musik mit leuchtendem Staub, der Teil des Gesamtrhythmus ist.

„Sirens“ ist das Meer und sein unendlich abwechslungsreicher Rhythmus; zwischen den vom Mond versilberten Wellen erhebt sich, bröckelt vor Lachen und der geheimnisvolle Gesang der Sirenen verschwindet.

Gleichzeitig sind die Erklärungen anderer Autoren erhalten geblieben. In Bezug auf Wolken sagte Debussy seinen Freunden, es sei „ein Blick von einer Brücke auf Wolken, die von einem Gewitter getrieben werden; die Bewegung eines Dampfschiffs auf der Seine, dessen Pfeifen durch ein kurzes chromatisches Thema eines Englischhorns nachempfunden wird. "Feierlichkeiten" erwecken "die Erinnerung an die früheren Vergnügungen der Menschen im Bois de Boulogne, beleuchtet und überflutet von einer Menschenmenge; Das Trompetentrio ist die Musik der republikanischen Garde, die die Morgendämmerung spielt." Einer anderen Version zufolge spiegeln sich hier die Eindrücke des Treffens des russischen Kaisers Nikolaus II. im Jahr 1896 mit Parisern wider.

Viele Parallelen ergeben sich zu den Gemälden französischer impressionistischer Künstler, die es liebten, fließende Luft, den Glanz von Meereswellen und die Buntheit der festlichen Menge zu malen. Der Titel „Nocturnes“ selbst entstand aus dem Namen der Landschaften des englischen Präraffaeliten-Künstlers James Whistler, für die sich der Komponist in jungen Jahren interessierte, als er nach seinem Abschluss am Konservatorium mit dem Rom-Preis in Italien lebte , in der Villa Medici (1885-1886). Diese Leidenschaft hielt bis an sein Lebensende an. Die Wände seines Zimmers waren mit Farbreproduktionen von Whistlers Gemälden geschmückt. Andererseits schrieben französische Kritiker, die drei „Nocturnes“ von Debussy seien eine Tonaufnahme dreier Elemente: Luft, Feuer und Wasser, oder ein Ausdruck dreier Zustände – Kontemplation, Aktion und Verzückung.

Musik

« Wolken“ sind mit dünnen impressionistischen Farben eines kleinen Orchesters bemalt (es werden nur Hörner aus Kupfer verwendet). Der unsichere, düstere Hintergrund wird durch das gemessene Wiegen der Holzbläser erzeugt, die ausgefallene, gleitende Harmonien bilden. Die eigentümliche Klangfarbe des Englischhorns verstärkt die modale Ungewöhnlichkeit des kurzen Hauptmotivs. Im Mittelteil, wo die Harfe zum ersten Mal einsetzt, hellt sich die Farbe auf. Zusammen mit der Flöte führt sie ein pentatonisches Thema wie mit Luft gesättigt in die Oktave; es wird von Solovioline, Bratsche, Cello wiederholt. Dann kehrt die düstere Melodie des Englischhorns zurück, Echos anderer Motive steigen auf – und alles scheint wie schmelzende Wolken in die Ferne zu schweben.

« Feierlichkeiten» bilden einen scharfen Kontrast - die Musik ist ungestüm, voller Licht und Bewegung. Fluggeräusch von Streichern u Holzwerkzeuge unterbrochen von sonoren Ausrufen der Blechbläser, Tremolo-Pauken und spektakulären Harfen-Glissandi. Ein neues Bild: Auf dem gleichen tänzerischen Hintergrund der Saiten-Oboe führt ein inbrünstiges Thema, das von anderen Blasinstrumenten in einer Oktave aufgegriffen wird. Plötzlich geht alles kaputt. Von weitem nähert sich eine Prozession (drei Trompeten mit Dämpfern). Die bisher stille kleine Trommel (in der Ferne) und tiefe Blechbläser setzen ein und bauen sich zu einem ohrenbetäubenden Höhepunkt des Tutti auf. Dann kehren leichte Passagen des ersten Themas zurück und andere Motive flackern, bis die Klänge des Festivals verklingen.

IN " Sirenen„Auch hier herrscht wie in den Clouds ein langsames Tempo, aber die Stimmung ist hier nicht dämmrig, sondern von Licht erhellt. Leise plätschert die Brandung, Wellen laufen heran, und in diesem Plätschern kann man die verführerischen Stimmen der Sirenen erkennen; Wiederholte Akkorde ohne Worte eines kleinen Frauenchors ergänzen den Klang des Orchesters mit einer weiteren skurrilen Farbe. Die kleinsten Motive zweier Töne variieren, wachsen, verflechten sich polyphon. Sie wiederholen die Themen der vorherigen Nocturnes. Im Mittelteil werden die Stimmen der Sirenen eindringlicher, ihre Melodie ausgedehnter. Die Variante an den Trompeten nähert sich unerwartet dem Thema des Englischhorns aus Clouds, und die Ähnlichkeit ist noch stärker im Appell dieser Instrumente. Am Ende verstummt der Gesang der Sirenen, während die Wolken schmelzen und die Geräusche des Festivals in der Ferne verschwinden.

A. Königsberg

Prélude à l „Après-Midi d“ un faune

Orchesterbesetzung: 3 Flöten, 2 Oboen, Englischhorn, 2 Klarinetten, 2 Fagotte, 4 Hörner, antike Becken, 2 Harfen, Streicher.

Geschichte der Schöpfung

Der Nachmittag eines Fauns ist Debussys erstes symphonisches Werk, in dem sein individueller impressionistischer Stil perfekt zum Ausdruck kommt; es ist inspiriert von der gleichnamigen Ekloge von Stéphane Mallarmé (1842-1898). Der französische Dichter, Oberhaupt der symbolistischen Schule, der junge Dichter und impressionistische Künstler um sich vereinte, schrieb dieses lange Gedicht über eine alte mythologische Handlung in den Jahren 1865-1866 (es wurde 10 Jahre später veröffentlicht), möglicherweise inspiriert von einem Gemälde von der französische Künstler des 18. Jahrhunderts Boucher von der London National Gallery. Mallarmes poetischer Stil - bewusst komplex, unverständlich, allegorisch - zeichnet sich gleichzeitig durch die sinnliche Helligkeit der Bilder, die Eleganz des Geschmacks, die raffinierte und freudige Wahrnehmung des Lebens aus. Mallarme selbst verglich seine Poesie mit Musik: Er strebte danach, dass seine auf bestimmte Weise arrangierten Sätze auf den Leser poetisch wirken wie die Klänge der Musik auf den Zuhörer.

Die Ekloge "Nachmittag eines Fauns" war für den berühmten französischen Schauspieler Coquelin Sr. bestimmt - zum Rezitieren, illustriert durch Tänze. Debussy, der 1886 mit der Ekloge bekannt wurde, beschloss, die Lesung durch eine dreiteilige Komposition zu ergänzen: Präludium, Zwischenspiel und Finale (Paraphrase). Allerdings erschöpfte sich der Sinn des Gedichts bereits im Vorspiel vollständig, ohne dass es einer Fortsetzung bedarf. Als Mallarme es zum ersten Mal in der Darbietung des Autors am Klavier hörte, war er begeistert: „Ich habe so etwas nicht erwartet! Diese Musik setzt die Stimmung meines Gedichts fort und ergänzt es lebendiger als Farben.

Das erhaltene Programm stammt wahrscheinlich von Debussy: „Die Musik dieses Präludiums ist eine sehr freie Illustration von Mallarmes schönem Gedicht. Es erhebt keineswegs den Anspruch, eine Synthese des Gedichts zu sein. Vielmehr sind es aufeinanderfolgende Landschaften, zwischen denen die Sehnsüchte und Träume eines Fauns in der Nachmittagshitze schweben. Dann, erschöpft von der Verfolgung schüchtern flüchtender Nymphen, gibt er sich einem lieblichen Schlaf hin, voll von endlich verwirklichten Träumen von der Fülle der Besessenheit in einer allumfassenden Natur.

Und in einem Brief, den er ein Jahr nach der Vollendung von The Afternoon of a Faun (1894) schrieb, erklärte Debussy das Prinzip seiner Programmierung in einem scherzhaften Ton: „Dies ist der allgemeine Eindruck des Gedichts, denn wenn Sie versuchten, genauer zu folgen die Musik würde ersticken wie ein Droschkenpferd, das mit einem reinrassigen Pferd um den Hauptpreis wetteifert."

Die Uraufführung fand am 22. Dezember 1894 in Paris in einem Konzert statt Nationale Gesellschaft unter der Regie von Gustave Doré. Wie sich der Dirigent später erinnerte, spürte er schon während der Aufführung plötzlich, dass die Zuhörer von dieser Musik völlig gefesselt waren, und unmittelbar nach dem Ende wurde sie noch einmal gespielt. Dies war Debussys erster wirklicher Erfolg.

1912 zur Musik von "Afternoon of a Faun" in Pariser Theater Chatelet wurde ein Einakter-Ballett inszeniert. Der Choreograf und Darsteller der Rolle des Fauns war der berühmte russische Tänzer Vaslav Nijinsky, der den Komponisten überhaupt nicht mochte, der Nijinsky ein junges wildes und bösartiges Genie nannte.

Musik

Das Flötensolo führt sofort sowohl in die ferne Welt der hellen pastoralen Antike als auch in die Welt von Debussys Musik ein, die so typisch für den Komponisten ist. Chromatisierte sinnliche Melodie entfaltet sich frei improvisatorisch in den Schilfklangfarben hoher Holzblasinstrumente. Das Glissando der Harfen und der Appell der Waldhörner, die einzigen Blechbläser, die im Präludium verwendet werden, verleihen der Musik eine besondere Note. Im Mittelteil erscheint ein breiteres, melodiöses Thema, wie von der Sonne beleuchtet, im satten Tutti-Klang. Wenn sie bei der Solovioline innehält, kehrt die Flötenmelodie der Flöte vor dem Hintergrund der überfließenden Harfe wieder zurück. Seine Darstellung wird von kurzen neckischen Motiven unterbrochen. Die Musik bekommt, laut Definition des Autors, den Charakter „noch größerer Mattigkeit“, die Brillanz wird durch die Einbeziehung antiker Platten gesteigert. Ihr Pianissimo vor dem Hintergrund von Harfenharmonien und Pizzicato tiefer Streicher vervollständigt das Werk – als hätte sich eine schöne Vision in einem leichten Mittagsnebel aufgelöst.

Bereits in den ersten Vokalkompositionen von Debussy aus den späten 1870er und frühen 1880er Jahren („Wonderful Evening“ nach Paul Bourget und besonders „Mandoline“ nach Paul Verlaine) zeigte sich die Originalität seines Talents.

Noch vor seinem Abschluss am Konservatorium unternahm Debussy seine erste Auslandsreise nach Westeuropa auf Einladung des russischen Philanthropen N.F. von Meck, der viele Jahre eng mit P. I. Tschaikowsky befreundet war. 1881 kam Debussy als Pianist nach Russland, um an von Mecks Hauskonzerten teilzunehmen. Diese erste Reise nach Russland (danach reiste er noch zweimal dorthin - 1882 und 1913) weckte das große Interesse des Komponisten an der russischen Musik, das bis zu seinem Lebensende nicht nachließ.

Nach drei Sommersaisonen drehte seine Schülerin Sonya (fünfzehn Jahre alt) den Kopf. Er bat ihre Mutter um Erlaubnis, sie zu heiraten - Nadezhda Filaretovna Frolovskaya von Meck ... Und er wurde sofort sehr freundlich gebeten, Wien zu verlassen, wo sie sich in diesem Moment befanden.

Als er nach Paris zurückkehrte, stellte sich heraus, dass sein Herz und sein Talent reif für Gefühle für Madame Vanier waren, die den Typus der „Frau seines Lebens“ definierte: Sie war älter als er, Musikerin und regierte ungewöhnlich attraktiv Haus.

Er traf sie und begann, sie in den Gesangskursen von Madame Moreau-Sainty zu begleiten, in denen Gounod der Vorsitzende war.

Seit 1883 begann Debussy als Komponist an Wettbewerben um den Großen Preis von Rom teilzunehmen. Im folgenden Jahr wurde er ihr für die Kantate „ Verlorene Sohn". Dieser Aufsatz, geschrieben unter dem Einfluss der Franzosen Lyrische Oper Sie zeichnet sich durch die wahre Dramatik einzelner Szenen aus. Debussys Aufenthalt in Italien (1885-1887) erwies sich für ihn als fruchtbar: Er lernte die alte italienische Chormusik des 16. Jahrhunderts und gleichzeitig das Werk Wagners kennen.

Gleichzeitig war die Zeit von Debussys Aufenthalt in Italien durch einen scharfen Zusammenstoß mit den offiziellen künstlerischen Kreisen Frankreichs gekennzeichnet. Die Berichte der Preisträger vor der Akademie wurden in Form von Arbeiten präsentiert, die in Paris von einer speziellen Jury geprüft wurden. Rezensionen der Werke des Komponisten – die symphonische Ode „Zuleima“, die symphonische Suite „Spring“ und die Kantate „The Chosen One“ – entdeckten diesmal eine unüberbrückbare Kluft zwischen Debussys innovativen Bestrebungen und der Trägheit, die in den größten herrschte künstlerische Institution Frankreich. Debussy drückte seinen Wunsch nach Innovation in einem Brief an einen Freund in Paris deutlich aus: „Ich kann meine Musik nicht in allzu korrekte Rahmen schließen ... Ich möchte daran arbeiten, ein originelles Werk zu schaffen, und nicht die ganze Zeit auf dasselbe zurückfallen Wege .. .“ Nach seiner Rückkehr aus Italien nach Paris bricht Debussy endgültig mit der Akademie. Zu diesem Zeitpunkt hatten sich die Gefühle für Madame Vanier erheblich abgekühlt.

Der Wunsch, neuen Trends in der Kunst näher zu kommen, der Wunsch, ihre Verbindungen und Bekanntschaften in der Kunstwelt auszubauen, führte Debussy Ende der 1880er Jahre zurück in den Salon eines bedeutenden französischen Dichters des späten 19. Jahrhunderts und des ideologischen Führers der Symbolisten - Stefan Mallarmé. Hier traf Debussy Schriftsteller und Dichter, deren Werke die Grundlage vieler seiner in den 1880er und 1890er Jahren entstandenen Vokalkompositionen bildeten. Unter ihnen stechen hervor: "Mandoline", "Arietta", "Belgische Landschaften", "Aquarelle", "Mondschein" nach den Worten von Paul Verlaine, "Songs of Bilitis" nach den Worten von Pierre Louis, "Five Poems" zum Worte des größten französischen Dichters der 1850er bis 1860er Jahre von Charles Baudelaire (insbesondere Balcony, Evening Harmonies, At the Fountain) und anderen.

Die klare Präferenz gegeben Vokalmusik in der ersten Schaffensperiode, ist weitgehend der Leidenschaft des Komponisten für symbolistische Poesie zu verdanken. In den meisten Werken dieser Jahre versucht Debussy jedoch, sowohl symbolistische Unsicherheit als auch Understatement in der Ausdrucksweise seiner Gedanken zu vermeiden.

Die 1890er Jahre - die erste Periode von Debussys kreativer Blüte auf dem Gebiet nicht nur des Gesangs, sondern auch des Klaviers ("Bergamas Suite", "Little Suite" für Klavier zu vier Händen), der Kammermusik (Streichquartett) und besonders symphonische Musik. Zu diesem Zeitpunkt zwei der bedeutendsten symphonische Werke- Präludium "Nachmittag eines Fauns" und "Nocturnes".

Das Vorspiel „Afternoon of a Faun“ entstand 1892 nach einem Gedicht von Stéphane Mallarmé. Mallarmes Werk zog den Komponisten vor allem durch die helle Bildhaftigkeit eines Fabelwesens an, das an einem heißen Tag von schönen Nymphen träumt.

Im Vorspiel gibt es, wie in Mallarmés Gedicht, keine ausgearbeitete Handlung, keine dynamische Entwicklung der Handlung. Im Kern der Komposition liegt im Wesentlichen ein melodisches Bild der „Müdigkeit“, das auf „schleichenden“ chromatischen Intonationen aufgebaut ist. Debussy verwendet für seine orchestrale Inkarnation fast immer dieselbe spezifische instrumentale Klangfarbe – eine Flöte in einem tiefen Register.

Die gesamte symphonische Entwicklung des Präludiums läuft darauf hinaus, die Textur der Präsentation des Themas und seiner Orchestrierung zu variieren. Die statische Entwicklung ist durch die Natur des Bildes selbst gerechtfertigt.

Die Züge von Debussys reifem Stil zeigten sich in diesem Werk vor allem in der Orchestrierung. Die extreme Differenzierung von Orchestergruppen und Teilen einzelner Instrumente innerhalb von Gruppen ermöglicht es, Orchesterfarben zu kombinieren und feinste Nuancen zu erzeugen. Viele der Errungenschaften des Orchestersatzes in diesem Werk wurden später typisch für die meisten symphonischen Werke Debussys.

Erst nach der Aufführung von „Faun“ 1894 sprach der Komponist Debussy in weiten Musikkreisen in Paris. Aber die Isolation und gewisse Einschränkungen des künstlerischen Umfelds, dem Debussy angehörte, sowie der originelle Stil seiner Kompositionen verhinderten, dass die Musik des Komponisten auf der Konzertbühne erschien.

Selbst ein so herausragendes sinfonisches Werk von Debussy wie der Nocturnes-Zyklus, entstanden 1897-1899, wurde mit Zurückhaltung aufgenommen. In „Nocturnes“ manifestierte sich Debussys Wunsch nach lebensnahen künstlerischen Bildern. Zum ersten Mal in Debussys symphonischem Werk erhielten eine lebendige Genremalerei (zweiter Teil der Nocturnes - "Celebrations") und farbenreiche Naturbilder (erster Teil - "Clouds") eine lebendige musikalische Verkörperung.

In den 1890er Jahren arbeitete Debussy an seiner einzigen vollendeten Oper Pelléas et Mélisande. Der Komponist suchte lange nach einer Handlung in seiner Nähe und entschied sich schließlich für das Drama des belgischen Symbolisten Maurice Maeterlinck „Pelléas et Mélisande“. Die Handlung dieser Arbeit zog Debussy nach seinen Worten durch die Tatsache an, dass darin "die Charaktere nicht streiten, sondern Leben und Schicksal ertragen". Die Fülle an Subtext ermöglichte es dem Komponisten, sein Motto zu erfüllen: "Musik beginnt, wo das Wort machtlos ist."

Debussy bewahrte in der Oper eines der Hauptmerkmale vieler Dramen von Maeterlinck – den fatalen Untergang der Charaktere vor der unvermeidlichen fatalen Auflösung, dem Unglauben einer Person an ihr eigenes Glück. Debussy gelang es bis zu einem gewissen Grad, den hoffnungslos pessimistischen Ton des Dramas mit subtiler und zurückhaltender Lyrik, Aufrichtigkeit und Wahrhaftigkeit in der musikalischen Verkörperung der wahren Tragödie von Liebe und Eifersucht zu mildern.

Die Neuartigkeit des Stils der Oper ist größtenteils darauf zurückzuführen, dass sie eingeschrieben ist Prosatext. Die Gesangspartien von Debussys Oper verkörpern die subtilen Nuancen der französischen Umgangssprache. Die melodische Entwicklung der Oper ist eine ausdrucksstarke melodisch-deklamatorische Linie. Selbst in den dramatischen Höhepunktepisoden der Oper gibt es keinen signifikanten emotionalen Aufschwung in der Melodielinie. Es gibt eine Reihe von Szenen in der Oper, in denen Debussy es geschafft hat, eine komplexe und reiche Bandbreite menschlicher Erfahrungen zu vermitteln: die Szene mit dem Ring am Brunnen im zweiten Akt, die Szene mit Mélisandes Haaren im dritten, die Szene am Brunnen im vierten und die Szene von Mélisandes Tod im fünften Akt.

Die Uraufführung der Oper fand am 30. April 1902 im Theater " Komische Oper". Trotz der großartigen Aufführung hatte die Oper keinen wirklichen Erfolg bei einem breiten Publikum. Die Kritik war generell unfreundlich und erlaubte sich nach den ersten Auftritten scharfe und rüde Angriffe. Nur wenige bedeutende Musiker haben die Vorzüge dieser Arbeit erkannt.

Zu der Zeit, als Pelléas inszeniert wurde, fanden bedeutende Ereignisse in Debussys Leben statt. Am 19. Oktober 1899 heiratet er Lily Texier. Ihre Vereinigung wird nur fünf Jahre dauern. Und 1901 begann er seine Karriere als professioneller Musikkritiker. Dies trug zur Bildung von Debussys ästhetischen Ansichten, seinen künstlerischen Kriterien bei. Seine ästhetischen Prinzipien und Ansichten kommen in Debussys Artikeln und seinem Buch äußerst klar zum Ausdruck. Er sieht die Quelle der Musik in der Natur: "Musik ist der Natur am nächsten ..." "Nur Musiker haben das Privileg, die Poesie von Tag und Nacht, Erde und Himmel zu umarmen - die Atmosphäre und den Rhythmus des majestätischen Bebens der Natur nachzubilden. "

Debussys Stil wurde stark von den Werken bedeutender russischer Komponisten beeinflusst - Borodin, Balakirev und insbesondere Mussorgsky und Rimsky-Korsakov. Debussy war am meisten beeindruckt von der Brillanz und Bildhaftigkeit von Rimsky-Korsakovs Orchestersatz.

Aber Debussy nahm nur bestimmte Aspekte des Stils und der Methode der größten russischen Künstler wahr. Die demokratischen und sozial anklagenden Tendenzen in Mussorgskys Werk waren ihm fremd. Debussy war weit entfernt von den zutiefst humanen und philosophisch bedeutsamen Handlungen von Rimski-Korsakows Opern, von der ständigen und untrennbaren Verbindung zwischen dem Werk dieser Komponisten und volkstümlichen Ursprüngen.

1905 heiratete Debussy ein zweites Mal. Sie war im gleichen Alter wie Claude Achille, verheiratet mit Sigismund Bardak, einem Pariser Bankier. „Madame Bardak hatte die Verführungskraft einiger weltlicher Frauen zu Beginn des Jahrhunderts“, schrieb eine ihrer Freundinnen über sie.

Debussy studierte Komposition bei ihrem Sohn und begleitete bald Madame Bardac, die seine Romanzen aufführte. „Das ist eine träge Ekstase“ … und gleichzeitig ein Blitzeinschlag mit all seinen Folgen. Bald haben sie ein hübsches Mädchen, Claude - Emme.

Der Beginn des Jahrhunderts ist die höchste Stufe im Schaffen des Komponisten. Die von Debussy in dieser Zeit geschaffenen Werke sprechen von neuen Trends in der Kreativität und vor allem von Debussys Abkehr von der Ästhetik des Symbolismus. Immer mehr zieht es den Komponisten zu Genreszenen, musikalische Porträts und Naturbilder. Neben neuen Themen und Handlungen tauchen in seiner Arbeit Merkmale eines neuen Stils auf. Beweise dafür sind Klavierwerke, als „Ein Abend in Grenada“ (1902), „Gärten im Regen“ (1902), „Insel der Freude“ (1904). In diesen Werken findet Debussy eine starke Verbindung zu den nationalen Ursprüngen der Musik.

Unter den symphonischen Kompositionen, die Debussy in diesen Jahren schuf, ragen „Sea“ (1903-1905) und „Images“ (1909) hervor, zu denen auch das berühmte „Iberia“ gehört.

Die klangliche Orchesterpalette, die modale Originalität und andere Merkmale von "Iberia" erfreuten viele Komponisten. „Debussy, der Spanien nicht wirklich kannte, hat spontan, würde ich sagen, unbewusst spanische Musik geschaffen, die den Neid so vieler anderer wecken könnte, die das Land kennen gut genug..." - schrieb der berühmte spanische Komponist Falla. Er glaubte, wenn Claude Debussy „Spanien als Grundlage benutzte, um eine der schönsten Facetten seiner Arbeit zu enthüllen, dann hat er dafür so großzügig bezahlt, dass Spanien jetzt in seiner Schuld steht“.

„Wenn ich unter all den Werken von Debussy“, so der Komponist Honegger, „eine Partitur heraussuchen müsste, damit sich jemand, der sie vorher noch gar nicht kannte, anhand ihrer Beispiele ein Bild von seiner Musik machen kann, ich würde dafür das Triptychon „Meer“ nehmen. . Dies ist meiner Meinung nach das typischste Werk, in dem sich die Individualität des Autors am vollständigsten einprägt. Ob die Musik selbst gut oder schlecht ist, ist der springende Punkt der Frage. Und Debussy ist brillant. Alles in seinem „Meer“ ist inspiriert: alles bis in die kleinsten Orchestrierungsstriche – jeder Ton, jede Klangfarbe – alles ist durchdacht, erfühlt und trägt zur emotionalen Lebendigkeit bei, die dieses Klanggewebe vollbringt. „Meer“ ist ein wahres Wunder der impressionistischen Kunst…“

Das letzte Jahrzehnt in Debussys Leben ist bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs von unaufhörlicher schöpferischer und darstellerischer Tätigkeit geprägt. Konzertreisen als Dirigent nach Österreich-Ungarn brachten den Komponisten ins Ausland. 1913 wurde es in Russland besonders positiv aufgenommen. Konzerte in St. Petersburg und Moskau waren ein großer Erfolg. Debussys persönlicher Kontakt zu vielen russischen Musikern verstärkte seine Verbundenheit mit der russischen Musikkultur zusätzlich.

Besonders groß sind die künstlerischen Leistungen von Debussy im letzten Jahrzehnt seines Lebens Klavierwerk: "Children's Corner" (1906-1908), "Toy Box" (1910), vierundzwanzig Präludien (1910 und 1913), "Six Antique Epigraphs" in four hands (1914), zwölf Etüden (1915).

Die Klaviersuite „Children's Corner“ ist Debussys Tochter gewidmet. Der Wunsch, in der Musik die Welt durch die Augen eines Kindes in den ihm vertrauten Bildern zu offenbaren - strenger Lehrer, Puppen, ein kleiner Hirte, ein Spielzeugelefant - lässt Debussy sowohl alltägliche Tanz- und Liedgenres als auch professionelle Musikgenres in einer grotesken, karikierten Form verwenden.

Debussys zwölf Etüden sind verbunden mit seinen langwierigen Experimenten auf dem Gebiet des Klavierstils, der Suche nach neuen Techniken und Ausdrucksmitteln. Aber auch in diesen Werken strebt er danach, nicht nur rein virtuose, sondern auch klangliche Probleme zu lösen.

Zwei Notizbücher seiner Präludien für Klavier sollten als würdiger Abschluss des gesamten Schaffenswegs von Debussy angesehen werden. Hier konzentrieren sich gleichsam die charakteristischsten und typischsten Aspekte des künstlerischen Weltbildes, kreative Methode und Stil des Komponisten. Der Zyklus vervollständigte im Wesentlichen die Entwicklung dieser Gattung in der westeuropäischen Musik, deren bedeutendste Erscheinungen bisher die Präludien von Bach und Chopin waren.

Bei Debussy fasst dieses Genre seine zusammen kreative Weise und ist eine Art Enzyklopädie aller charakteristischsten und typischsten auf dem Gebiet des musikalischen Inhalts, des Kreises der poetischen Bilder und des Stils des Komponisten.

Der Beginn des Krieges ließ bei Debussy patriotische Gefühle aufkommen. In gedruckten Statements nennt er sich mit Nachdruck: „Claude Debussy – französischer Musiker“. Ganze Linie Werke dieser vom Patriotismus inspirierten Jahre. Seine Hauptaufgabe ... er betrachtete das Singen der Schönheit im Gegensatz zu den schrecklichen Kriegshandlungen, die die Körper und Seelen der Menschen verkrüppelten und die Werte der Kultur zerstörten. Debussy war durch den Krieg tief deprimiert. Seit 1915 war der Komponist schwer krank, was auch seine Arbeit beeinträchtigte. Bis zu seinen letzten Lebenstagen – er starb am 26. März 1918 bei der Bombardierung von Paris durch die Deutschen – hörte Debussy trotz schwerer Krankheit nicht mit seiner kreativen Suche auf.

Der musikalische Impressionismus hat als Vorläufer vor allem den Impressionismus in französische Malerei. Sie haben nicht nur gemeinsame Wurzeln, sondern auch Ursache-Wirkungs-Beziehungen. Und der Hauptimpressionist in der Musik, Claude Debussy, und besonders Eric Satie, sein Freund und Vorgänger auf diesem Weg, und Maurice Ravel, der die Nachfolge von Debussy antrat, suchten und fanden nicht nur Analogien, sondern auch Ausdrucksmittel in den Werken von Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes und Henri de Toulouse-Lautrec.

Der Begriff „Impressionismus“ selbst ist in Bezug auf Musik betont konditional und spekulativ (insbesondere Claude Debussy selbst hat dagegen immer wieder Einwände erhoben, ohne jedoch eine Gegenleistung zu erbringen). Es ist klar, dass die mit dem Sehen verbundenen Mittel der Malerei und die meist auf dem Hören beruhenden Mittel der Tonkunst nur mit Hilfe spezieller, subtiler assoziativer Parallelen miteinander verbunden werden können, die nur im Kopf existieren. Vereinfacht gesagt haben das vage Bild von Paris „im Herbstregen“ und die gleichen Geräusche, „gedämpft durch das Geräusch fallender Tropfen“, an sich die Eigenschaft eines künstlerischen Bildes, aber nicht eines wirklichen Mechanismus. Direkte Analogien zwischen den Mitteln der Malerei und der Musik sind nur durch möglich Persönlichkeit des Komponisten die den persönlichen Einfluss von Künstlern oder ihren Gemälden erfahren haben. Wenn ein Künstler oder Komponist solche Zusammenhänge verneint oder nicht erkennt, dann wird es zumindest schwierig, darüber zu sprechen. Wir haben jedoch Geständnisse als ein wichtiges Artefakt und, (was das wichtigste ist) die Werke der Hauptfiguren des musikalischen Impressionismus selbst. Es war Erik Satie, der diese Idee klarer als die anderen zum Ausdruck brachte und sich ständig darauf konzentrierte, wie viel er Künstlern in seiner Arbeit verdankt. Er zog Debussy mit der Originalität seines Denkens, seines unabhängigen, rüden Charakters und seines bissigen Witzes an sich, der keine Autoritäten verschonte. Auch Satie interessierte Debussy mit seinen innovativen Klavier- und Gesangskompositionen, die in einer kühnen, wenn auch nicht ganz professionellen Handschrift geschrieben waren. Hier unten sind die Worte, mit denen Satie 1891 seinen neu gefundenen Freund Debussy ansprach und ihn dazu veranlasste, mit der Bildung eines neuen Stils fortzufahren:

Puvis de Chavannes (1879) "Mädchen am Meeresufer" (Lieblingsbild von Sati in seiner Jugend)

Als ich Debussy kennenlernte, war er voll von Mussorgsky und suchte beharrlich nach Wegen, die nicht so leicht zu finden sind. In dieser Hinsicht habe ich ihn längst übertroffen. Ich wurde weder durch den römischen Preis noch durch andere belastet, denn ich war wie Adam (aus dem Paradies), der niemals irgendwelche Preise erhielt - definitiv faul!…

Damals schrieb ich „Der Sohn der Sterne“ nach einem Libretto von Péladan und erklärte Debussy die Notwendigkeit, dass sich der Franzose vom Einfluss Wagnerscher Prinzipien befreit, die nicht unseren natürlichen Bestrebungen entsprechen. Ich habe auch gesagt, dass ich, obwohl ich keineswegs ein Anti-Wagnerist bin, dennoch der Meinung bin, dass wir unsere eigene Musik haben sollten und möglichst ohne „deutschen Sauerkraut“. Aber warum nicht die gleichen visuellen Mittel für diese Zwecke verwenden, die wir bei Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec und anderen sehen? Warum diese Mittel nicht in die Musik umwandeln? Es gibt nichts einfacheres. Ist das nicht wahre Ausdruckskraft?

- (Erik Satie, "Claude Debussy", Paris, 1923).

Aber wenn Satie seinen transparenten und geizigen Impressionismus von der symbolischen Malerei von Puvis de Chavannes ableitete, dann erlebte Debussy (durch denselben Satie) den kreativen Einfluss der radikaleren Impressionisten Claude Monet und Camille Pissarro.

Es reicht aus, nur die Namen der auffälligsten Werke von Debussy oder Ravel aufzulisten, um ein vollständiges Bild der Auswirkungen sowohl der visuellen Bilder als auch der Landschaften impressionistischer Künstler auf ihre Arbeit zu erhalten. So schrieb Debussy in den ersten zehn Jahren "Wolken", "Drucke" (von denen die bildlichste eine aquarellierte Tonskizze - "Gärten im Regen"), "Bilder" (von denen das erste eines der Meisterwerke von Der Klavierimpressionismus „Spiegelungen auf dem Wasser“ weckt direkte Assoziationen mit dem berühmten Gemälde von Claude Monet "Impression: Sonnenaufgang")… Von berühmter Ausdruck Mallarme studierte impressionistische Komponisten "Höre das Licht", vermitteln in Klängen die Bewegung des Wassers, das Schwanken des Blattwerks, den Atem des Windes und die Brechung der Sonnenstrahlen in der Abendluft. Die symphonische Suite „The Sea from Dawn to Noon“ fasst Debussys Landschaftsskizzen adäquat zusammen.

Trotz seiner oft beworbenen persönlichen Ablehnung des Begriffs „Impressionismus“ hat sich Claude Debussy immer wieder als echter impressionistischer Künstler ausgesprochen. Als er über das früheste seiner berühmten Orchesterwerke, Nocturnes, sprach, gab Debussy zu, dass ihm die Idee des ersten von ihnen (Wolken) an einem der bewölkten Tage in den Sinn kam, als er von der Pont de la auf die Seine blickte Concorde ... Nun, was die Prozession im zweiten Teil ("Celebrations") betrifft, diese Idee wurde von Debussy geboren: "... während er die in der Ferne vorbeiziehende Reiterabteilung von Soldaten der Republikanischen Garde betrachtete, deren Helme darunter funkelten die Strahlen der untergehenden Sonne ... in goldenen Staubwolken“. In ähnlicher Weise können die Werke von Maurice Ravel als eine Art materieller Beweis für direkte Verbindungen von der Malerei zur Musik dienen, die innerhalb der impressionistischen Bewegung existierten. Das berühmte klangbildliche „Wasserspiel“, der Stückzyklus „Reflexionen“, die Klaviersammlung „Rustle of the Night“ – diese Liste ist noch lange nicht vollständig und lässt sich fortführen. Sati steht wie immer etwas abseits, eines der Werke, die man in dieser Hinsicht vielleicht nennen kann, ist „The Heroic Prelude to the Gates of Heaven“.

Die umgebende Welt in der Musik des Impressionismus wird durch ein Vergrößerungsglas subtiler psychologischer Reflexionen enthüllt, subtile Empfindungen, die aus der Betrachtung geringfügiger Veränderungen entstehen, die um sie herum stattfinden. Diese Merkmale machen den Impressionismus mit einer anderen künstlerischen Bewegung verwandt, die parallel existierte - der literarischen Symbolik. Eric Satie wandte sich als erster den Werken von Josephine Péladan zu. Wenig später fanden die Werke von Verlaine, Mallarme, Louis und vor allem Maeterlinck direkte Umsetzung in der Musik von Debussy, Ravel und einigen ihrer Anhänger.

Ramon Casas (1891) "Geldmühle" (Impressionistisches Gemälde mit der Figur der Satie)

Trotz der offensichtlichen Neuartigkeit der Musiksprache stellt der Impressionismus oft einige Ausdruckstechniken wieder her, die für die Kunst der früheren Zeit charakteristisch waren, insbesondere die Musik französischer Cembalisten des 18. Jahrhunderts, der Rokoko-Ära. Man erinnere sich nur an berühmte Bilderspiele von Couperin und Rameau wie „Windmühlen“ oder „Die Henne“.

In den 1880er Jahren, bevor er Eric Satie und sein Werk kennenlernte, war Debussy von Richard Wagners Werk fasziniert und stand ganz auf seiner Spur Musikalische Ästhetik. Nach der Begegnung mit Satie und seit der Entstehung seiner ersten impressionistischen Werke bewegte sich Debussy mit überraschender Schärfe zu den Positionen des militanten Anti-Wagnerismus. Dieser Übergang war so plötzlich und abrupt, dass einer von Debussys engen Freunden (und Biographen), der berühmte Musikwissenschaftler Émile Vuyermeaux, seine Verwirrung direkt zum Ausdruck brachte:

Debussys Anti-Wagnerismus ist bar jeder Größe und Noblesse. Es ist nicht zu verstehen, wie ein junger Musiker, dessen ganze Jugend vom Tristan-Rausch berauscht ist und der in der Bildung seiner Sprache, in der Entdeckung einer endlosen Melodie dieser innovativen Partitur zweifellos so viel verdankt, verächtlich lächerlich macht das Genie, das ihm so viel gegeben hat!

- (Emile Vuillermoz, „Claude Debussy“, Genf, 1957.)

Gleichzeitig erwähnte Vuyermeaux, der innerlich durch Beziehungen persönlicher Feindseligkeit und Feindschaft mit Eric Satie verbunden war, ihn nicht ausdrücklich und veröffentlichte ihn als das fehlende Glied in der Schöpfung vollständiges Bild. In der Tat, die französische Kunst am Ende des 19. Jahrhunderts, zermalmt von Wagnerschen Musikdramen, setzte sich durch den Impressionismus durch. Gerade dieser Umstand (und der zwischen den drei Kriegen mit Deutschland gewachsene Nationalismus) machte es lange Zeit schwierig, über den direkten Einfluss von Richards Stil und Ästhetik zu sprechen.

Das zweite „Nocturne“ – „Celebrations“ – sticht unter anderen Werken von Debussy mit einem hellen Genregeschmack heraus. In dem Bemühen, die Musik von „Celebrations“ näher an eine Live-Szene heranzubringen Volksleben der komponist wandte sich alltagsmusikgattungen zu. Auf der kontrastierenden Gegenüberstellung der beiden musikalischen Hauptbilder – Tanz und Marsch – baut die dreiteilige Komposition „Celebrations“ auf (im Gegensatz zu „Clouds“).

Der schrittweise und dynamische Einsatz dieser Bilder verleiht der Komposition eine spezifischere programmatische Bedeutung. Der Komponist schreibt im Vorwort: „Celebrations“ ist eine Bewegung, ein Tanzrhythmus der Atmosphäre mit plötzlichen Lichtexplosionen, es ist auch eine Episode einer Prozession (eine schillernde und phantasievolle Vision), die durch den Feiertag geht und mit ihm verschmilzt; aber der Hintergrund bleibt die ganze Zeit - das ist ein Feiertag; es ist eine mischung aus musik mit leuchtendem staub, der teil des gesamtrhythmus ist.

Von den ersten Takten an entsteht ein Gefühl der Festlichkeit durch einen federnden, energischen Rhythmus: (der eine Art rhythmisches Skelett des gesamten zweiten Teils der Nocturnes darstellt), die charakteristischen Quart-Quinten-Konsonanzen der Violinen setzen an ff in einem hohen Register, die dem Beginn des Satzes eine helle, sonnige Farbe verleihen.

Vor diesem farbenfrohen Hintergrund erscheint das Hauptthema des ersten Teils von „Celebrations“, das an eine Tarantella erinnert. Seine Melodie baut auf einer schrittweisen Bewegung mit zahlreichen Referenzklängen auf, aber der für die Tarantella typische Triolenrhythmus und das schnelle Tempo verleihen der Bewegung des Themas Leichtigkeit und Schnelligkeit:

Debussy bedient sich bei seiner Offenlegung nicht der Techniken der melodischen Entwicklung (der Rhythmus und die Umrisse des Themas ändern sich im Laufe des Satzes fast nicht), sondern greift stattdessen auf eine Art Variation zurück, in der jede nachfolgende Umsetzung des Themas anvertraut wird neue Instrumente, begleitet von einer anderen harmonischen Färbung.

Die Vorliebe des Komponisten für "reine" Klangfarben weicht diesmal subtil abgemischten Orchesterfarben (der Klang des Themas am Englischhorn mit Klarinette wird durch das Klimpern auf Flöten mit Oboen, dann auf Celli mit Fagotten ersetzt). In harmonischer Begleitung erscheinen Dur-Dreiklänge entfernter Tonarten und Ketten von Nicht-Akkorden (ähnlich einem dicht überlagerten Pinselstrich auf einer Malleinwand). In einer der Aufführungen des Themas basiert sein melodisches Muster auf der Ganztonleiter, was ihm eine neue modale Schattierung (erweiterter Modus) verleiht, die von Debussy oft in Kombination mit Dur und Moll verwendet wird.

Während des gesamten ersten Teils von "Celebrations" episodisch musikalische Bilder(zum Beispiel für eine Oboe auf zwei Tönen - la Und Vor). Aber eine von ihnen, intonatorisch verwandt mit der Tarantella und gleichzeitig figurativ und rhythmisch von ihr kontrastierend, nimmt gegen Ende des Satzes allmählich eine immer dominantere Stellung ein. Der klare punktierte Rhythmus des neuen Themas verleiht dem gesamten Schlussteil des ersten Teils von „Celebrations“ einen dynamischen und willensstarken Charakter:

Debussy vertraut fast die gesamte Umsetzung dieses Themas Holzblasinstrumenten an, doch am Ende des ersten Teils setzt die Streichergruppe des Orchesters ein, die bisher hauptsächlich die Begleitrolle übernommen hat. Ihre Einleitung gibt dem neuen Bild einen signifikanten Ausdruck und bereitet die krönende Episode des gesamten ersten Teils vor.

Eine für Debussy seltene lange Dynamiksteigerung am Ende des ersten Teils der „Celebrations“, die durch die allmähliche Verbindung aller neuen Instrumente (außer Blechbläsern und Schlagzeug) erreicht wird, eine zunehmende Wirbelwindbewegung, erweckt den Eindruck eines spontan entstehenden Massentanz.

Interessant ist, dass im Moment des Höhepunkts wieder der triolische Rhythmus und der intonatorische Kern des ersten Themas, der Tarantella, dominieren. Aber diese Top-Folge des Ganzen musikalisches Bild der erste Satz endet etwas impressionistisch. Das Gefühl einer klar zum Ausdruck gebrachten Fertigstellung des Teils entsteht nicht. Sie mündet direkt, ohne Zäsuren, in den Mittelteil der Feste.

Der größte, fast theatralische Kontrast (äußerst selten bei Debussy) liegt bei den Nocturnes gerade im abrupten Übergang zum zweiten Teil der Festlichkeiten – dem Marsch. Die ungestüme Bewegung der Tarantella wird durch einen gemessenen und sich langsam bewegenden Ostinato-Quintenbass im Marschrhythmus ersetzt. Das Hauptthema des Marsches erklingt erstmals bei drei Trompeten mit Dämpfern (wie hinter den Kulissen):

Der Effekt einer allmählich herannahenden "Prozession" entsteht durch eine Steigerung der Klangfülle und eine Veränderung des Orchesters

Präsentation und Harmonie. Die Orchestrierung dieses Teils der "Nocturnes" beinhaltet neue Instrumente - Trompeten, Posaunen, Tuba, Pauken, kleine Trommel, Becken - und es herrscht eine viel konsequentere und strengere Logik der Orchesterentwicklung als in "Clouds" (das Thema wird zuerst aufgeführt von Trompeten mit Dämpfern, dann von der gesamten Gruppe von Holzbläsern und am Höhepunkt von Trompeten mit Posaunen).

Dieser ganze Teil der „Celebrations“ zeichnet sich durch eine für Debussy überraschende harmonische Entwicklung in Spannung und Integrität aus (zentriert um die Tonarten Des-Dur und A-Dur). Es entsteht durch die langfristige Akkumulation von modaler Instabilität mit Hilfe zahlreicher elliptischer Umdrehungen, die über einen langen Zeitraum des Orgelpunkts und des langen Fehlens des Tonikums der Haupttonart aufrechterhalten werden.

In der harmonischen Abdeckung des Themas des Marsches verwendet Debussy satte Farben: Ketten von Septakkorden und ihre Appelle in verschiedenen Tonarten, zu denen auch der Ostinato-Bass gehört Eine Wohnung oder sol-scharf.

Im Moment der kulminierenden Entwicklung des Mittelteils der „Celebrations“, wenn das Thema des Marsches grandios und feierlich ist. Trompeten und Posaunen werden von Pauken, Militärtrommeln und Becken begleitet, Streichinstrumente haben eine Tarantella in Form einer Art polyphonen Untertons. Der Umzug nimmt allmählich den Charakter einer festlichen Feier an, prickelnder Spaß, und plötzlich, ebenso unerwartet wie beim Übergang zum Mittelteil, bricht die Durchführung abrupt ab, und wieder ein Tarantella-Thema, weich in seinen Konturen und Klang zwei Flöten, Töne.

Vom Moment seines Erscheinens an beginnt eine intensive Vorbereitung der Reprise, während der das Thema der Tarantella nach und nach den Marsch ersetzt. Seine Klangfülle wächst, die harmonische Begleitung wird reicher und vielfältiger (einschließlich Nonchords verschiedener Tonarten). Sogar das Thema des Marsches, das im Moment des zweiten Höhepunkts des Mittelsatzes von den Trompeten aufgetaucht ist, bekommt einen rammenden (schnellen) Rhythmus. Nun sind alle Voraussetzungen für den Beginn des dritten, reprisen Teils von „Celebrations“ geschaffen.

Dieser Abschnitt der Form enthält, ebenso wie in „The Clouds“, fast alle melodischen Bilder des Teils des Zyklus und ist extrem komprimiert. Die Reprise erzeugt zusammen mit der Coda den Lieblingseffekt des Komponisten, die Prozession zu „löschen“. Fast alle Themen von „Celebrations“ ziehen hier vorbei, aber nur als Echos. Die Hauptthemen von "Celebrations" - die Tarantella und der Marsch - erfahren am Ende des Satzes besonders große Veränderungen. Der erste, gegen Ende der Coda, erinnert nur an sich selbst mit individuellen Intonationen und dem Triolen-Begleitrhythmus von Cellos mit Kontrabässen, der zweite mit dem von einer Militärtrommel angeschlagenen Marschrhythmus pp und kurze Tertsovy-Trompeten mit Dämpfern, die wie ein entferntes Signal klingen.

Sirenen

Das dritte "Nocturne" - " Sirenen“- steht in der poetischen Gestaltung „Clouds“ nahe. In der literarischen Erklärung dazu werden nur malerische Landschaftsmotive und das darin eingeführte Element offenbart. Märchen Fiktion(diese Kombination ähnelt vage der „Versunkenen Kathedrale“): „Sirens“ ist das Meer und sein unendlich vielfältiger Rhythmus; zwischen den vom Mond versilberten Wellen erhebt sich, bröckelt vor Lachen und der geheimnisvolle Gesang der Sirenen verschwindet.

Die ganze kreative Vorstellungskraft des Komponisten in diesem Bild ist nicht darauf gerichtet, ein helles melodisches Bild zu schaffen, das die Grundlage des gesamten Satzes oder seines Abschnitts bilden würde, sondern auf den Versuch, mittels Musik die reichsten Lichteffekte und Kombinationen von Farbkombinationen zu vermitteln entstehen auf See unter verschiedenen Lichtverhältnissen.

Das dritte „Nocturne“ ist in seiner Darstellung und Entwicklung ebenso statisch wie „Clouds“. Der Mangel an hellen und kontrastierenden melodischen Bildern darin wird teilweise durch die koloristische Instrumentierung wettgemacht, an der der Frauenchor (acht Soprane und acht Mezzosopranistinnen) teilnimmt und mit geschlossenem Mund singt. Diese eigentümliche und erstaunlich schöne Klangfarbe wird vom Komponisten während des gesamten Satzes verwendet, nicht so sehr als melodische Funktion, sondern als harmonischer und orchestraler "Hintergrund" (ähnlich der Verwendung Saitengruppe in den Wolken"). Aber diese neue, ungewöhnliche Orchesterfarbe spielt hier die ausdrucksstarke Hauptrolle, indem sie ein illusorisches, fantastisches Bild der Sirenen schafft, deren Gesang wie aus der Tiefe eines ruhigen Meeres kommt, das in unendlich vielen Schattierungen schimmert.

Impressionismus in der Musik

Ende des 19. Jahrhunderts tauchte in Frankreich ein neuer Trend auf, der als "Impressionismus" bezeichnet wurde. Dieses aus dem Französischen übersetzte Wort bedeutet „Eindruck“. Der Impressionismus entstand unter Künstlern.

In den 70er Jahren erschienen verschiedene Pariser Ausstellungen originale Gemälde C. Monet, C. Pissarro, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley. Ihre Kunst unterschied sich stark von den glatten und gesichtslosen Werken akademischer Maler.

Die Impressionisten kamen aus ihren Werkstätten in die freie Luft, lernten das Spiel der lebendigen Farben der Natur wiederzugeben, das Funkeln der Sonnenstrahlen, den bunten Glanz auf der Wasseroberfläche, die Vielfalt der festlichen Menge. Sie verwendeten eine spezielle Technik von Punktstrichen, die aus der Nähe chaotisch wirkten und aus der Ferne ein echtes Gefühl eines lebendigen Farbspiels aufkommen ließen. Die Frische eines sofortigen Eindrucks in ihren Leinwänden wurde mit der Subtilität psychologischer Stimmungen kombiniert.

Später, in den 80er und 90er Jahren, fanden die Ideen des Impressionismus ihren Ausdruck in der französischen Musik. Zwei Komponisten – C. Debussy und M. Ravel – repräsentieren am deutlichsten den Impressionismus in der Musik. In ihren Skizzenstücken für Klavier und Orchester kommen die Empfindungen, die die Betrachtung der Natur hervorruft, auf besondere Weise zum Ausdruck. Das Rauschen der Meeresbrandung, das Plätschern des Baches, das Rauschen des Waldes, das morgendliche Zwitschern der Vögel verschmelzen in ihren Werken mit den persönlichen Erfahrungen des Musiker-Poeten, der in die Schönheit der umgebenden Welt verliebt ist.

Achille-Claude Debussy gilt als Begründer des musikalischen Impressionismus, der alle Aspekte des Komponierens bereicherte – Harmonie, Melodie, Orchestrierung, Form. Gleichzeitig nahm er die Ideen der neuen französischen Malerei und Poesie auf.

Claude Debussy

Claude Debussy ist einer der bedeutendsten französischen Komponisten, der die Entwicklung der Musik des 20. Jahrhunderts, sowohl der Klassik als auch des Jazz, beeinflusst hat.

Debussy lebte und arbeitete in Paris, als diese Stadt das Mekka der intellektuellen und künstlerischen Welt war. Die fesselnde und farbenfrohe Musik des Komponisten trug wesentlich zur Entwicklung der französischen Kunst bei.

Biografie

Achille-Claude Debussy wurde 1862 in Saint-Germain-en-Laye, etwas westlich von Paris, geboren. Sein Vater Manuel war ein friedlicher Ladenbesitzer, aber nachdem er in eine große Stadt gezogen war, stürzte er in die dramatischen Ereignisse von 1870-1871, als infolge von Deutsch-Französischer Krieg Es gab einen Aufstand gegen die Regierung. Manuel schloss sich den Rebellen an und wurde eingesperrt. In der Zwischenzeit nahm der junge Claude Unterricht bei Madame Mote de Fleurville und sicherte sich eine Stelle am Pariser Konservatorium.

Neuer Trend in der Musik

Nach einer so bitteren Erfahrung erwies sich Debussy als einer der talentiertesten Studenten des Pariser Konservatoriums. Debussy war auch ein sogenannter "Revolutionär", der die Lehrer oft mit seinen neuen Vorstellungen von Harmonie und Form schockierte. Aus den gleichen Gründen war er ein großer Bewunderer der Arbeit des großen russischen Komponisten Modest Petrovich Mussorgsky - ein Hasser der Routine, für den es keine Autoritäten in der Musik gab, und er achtete wenig auf die Regeln der musikalischen Grammatik und suchte für seinen neuen Musikstil.

Während der Studienjahre am Pariser Konservatorium lernte Debussy Nadezhda von Meck kennen, eine berühmte russische Millionärin und Philanthropin, eine enge Freundin von Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky, auf deren Einladung er 1879 seine erste Auslandsreise nach Westeuropa unternahm. Zusammen mit von Meck besuchten sie Florenz, Venedig, Rom und Wien. Nach Reisen durch Europa unternahm Debussy seine erste Reise nach Russland, wo er bei „Heimkonzerten“ von Meck auftrat. Hier lernte er erstmals die Werke so großer Komponisten wie Tschaikowsky, Borodin, Rimski-Korsakow, Mussorgski kennen. Nach seiner Rückkehr nach Paris setzte Debussy sein Studium am Konservatorium fort.

Bald erhielt er den lang ersehnten Prix de Rome für die Kantate The Prodigal Son und studierte zwei Jahre in der Hauptstadt Italiens. Dort lernte er Liszt kennen und hörte zum ersten Mal Wagners Oper. Auf der Weltausstellung 1889 in Paris weckten die Klänge des javanischen Gamelans sein Interesse an exotischer Musik. Diese Musik war wahnsinnig weit von der westlichen Tradition entfernt. Die östliche Pentatonik oder fünfstufige Tonleiter, die sich von der in der westlichen Musik verwendeten Tonleiter unterscheidet, zog Debussy alle an. Aus dieser ungewöhnlichen Quelle schöpfte er viel und schuf seine erstaunliche und wunderbare neue Musiksprache.

Diese und andere Erfahrungen prägten Debussys eigenen Stil. Zwei Schlüssel funktioniert: The Afternoon of a Faun, geschrieben 1894, und die Oper Pelléas et Melisande (1902), bewiesen seine volle Reife als Komponist und eröffneten eine neue Richtung in der Musik.

Konstellation von Talenten

Paris in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts war ein Paradies für kubistische Künstler und symbolistische Dichter, und die Diaghilev Ballets Russes zogen eine ganze Konstellation brillanter Komponisten, Kostümdesigner, Dekorateure, Tänzer und Choreografen an. Dies ist der Tänzer-Choreograf Vatslav Nijinsky, der berühmte russische Bass Fjodor Schaljapin, der Komponist Igor Strawinsky.

In dieser Welt gab es einen Platz für Debussy. Seine erstaunlichen symphonischen Skizzen „Das Meer“, seine wunderbarsten Präludien-Notizbücher und Notizbücher „Bilder“ für Klavier, seine Lieder und Romanzen – all dies spricht für die außergewöhnliche Originalität, die sein Werk von anderen Komponisten unterscheidet.

Nach stürmische Jugend In erster Ehe heiratete er 1904 die Sängerin Emma Bardak und wurde Vater einer Tochter, Claude-Emma (Shusha), die er verehrte.

Ironie des Schicksals

Es entstand der unendlich sanfte und raffinierte Musikstil von Debussy lange Zeit. Er war bereits in den Dreißigern, als er sein erstes bedeutendes Werk fertigstellte, das Präludium „Der Nachmittag eines Fauns“, inspiriert von einem Gedicht seines Freundes, des symbolistischen Schriftstellers Stéphane Mallarmé. Das Werk wurde 1894 in Paris uraufgeführt. Während der Proben nahm Debussy ständig Änderungen an der Partitur vor, und nach der Uraufführung hatte er wahrscheinlich viel zu tun.

Ruhm erlangen

Trotz aller Schwierigkeiten und der Tatsache, dass das Präludium am Ende eines langen und langwierigen Programms aufgeführt wurde, hatte das Publikum das Gefühl, etwas erstaunlich Neues in Form, Harmonie und Instrumentalfarbe zu hören, und verlangte sofort nach einer Zugabe des Stück. Von diesem Moment an wurde der Name des Komponisten Debussy jedem bekannt.

Obszöner Satyr

1912 beschloss der große russische Impresario Sergei Diaghilev, ein Ballett zur Musik von The Afternoon of a Faun zu zeigen, das von dem berühmten Vaslav Nijinsky choreografiert und aufgeführt wurde. Die erotische Darstellung des Bildes eines Fauns oder Satire sorgte in der Gesellschaft für einige Skandale. Debussy, von Natur aus ein verschlossener und bescheidener Mensch, war wütend und verlegen über das, was passiert war. Aber all dies fügte dem Werk nur Ruhm hinzu, wodurch es an die Spitze der Komponisten rückte. zeitgenössische Musik, und Ballett gewann einen festen Platz im klassischen Repertoire der Welt.

Mit Kriegsbeginn

Das geistige Leben von Paris wurde durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs 1914 erschüttert. Zu diesem Zeitpunkt war Debussy bereits schwer an Krebs erkrankt. Aber er schuf immer noch ein neues herausragende Musik wie Klavieretüden. Der Kriegsbeginn löste bei Debussy ein Aufwallen patriotischer Gefühle aus, in der Presse bezeichnete er sich mit Nachdruck als „französischen Musiker“. Er starb 1918 in Paris während der Bombardierung der Stadt durch die Deutschen, nur wenige Monate vor dem endgültigen Sieg der Alliierten.

Klänge von Musik

Nocturne (Nocturne), übersetzt aus dem Französischen - Nacht.

Im 18. Jahrhundert. - ein Zyklus kleiner Stücke (eine Art Suite) für ein Ensemble von Blasinstrumenten oder in Kombination mit Streichern. Sie wurden abends aufgeführt, nachts im Freien (wie eine Serenade). Das sind die Nocturnes von W. Mozart, Michael Haydn.

Aus dem neunzehnten Jahrhundert - ein Musikstück melodiöser, meist lyrischer, verträumter Natur, wie inspiriert von der Stille der Nacht, Nachtbildern. Das Nocturne ist in einem langsamen oder gemäßigten Tempo geschrieben. Der Mittelteil kontrastiert manchmal mit seinem lebhafteren Tempo und unruhigen Charakter. Die Gattung Nocturne als Klavierstück wurde von Field geschaffen (seine ersten Nocturnes wurden 1814 veröffentlicht). Dieses Genre wurde von F. Chopin weit entwickelt. Nocturne ist auch für andere Instrumente geschrieben, sowie für ein Ensemble, ein Orchester. Das Nocturne findet sich auch in der Vokalmusik.

"Nächtliche"

Debussy vollendete Anfang des 20. Jahrhunderts drei symphonische Werke, die zusammen Nocturnes genannt werden. Den Namen entlehnte er dem Künstler James McNeill Whistler, von dem er ein Fan war. Einige Stiche und Gemälde des Künstlers wurden nur "Nocturnes" genannt.

In dieser Musik agierte der Komponist als echter Impressionist, der nach besonderen Klangmitteln, Entwicklungsmethoden, Orchestrierungen suchte, um die unmittelbaren Empfindungen zu vermitteln, die durch die Betrachtung der Natur, die emotionalen Zustände der Menschen verursacht werden.

Der Komponist selbst schrieb in einer Erklärung zur Nocturnes-Suite, dass dieser Name eine rein „dekorative“ Bedeutung habe: „Wir sprechen nicht von der üblichen Form eines Nocturnes, sondern von allem, was dieses Wort enthält, von Impressionen bis hin zu besonderem Licht Empfindungen.“ Debussy gab einmal zu, dass der natürliche Antrieb für die Entstehung der Nocturnes seine eigenen Eindrücke vom zeitgenössischen Paris waren.

Die Suite besteht aus drei Teilen - "Clouds", "Celebrations", "Sirens". Jeder Teil der Suite hat sein eigenes Programm, das vom Komponisten geschrieben wurde.

"Wolken"

Das Triptychon „Nocturnes“ beginnt mit dem Orchesterstück „Clouds“. Die Idee, das Werk des Komponisten auf diese Weise zu benennen, wurde nicht nur von den realen Wolken inspiriert, die er beobachtete, als er auf einer der Pariser Brücken stand, sondern auch von Turners Album, das aus 79 Wolkenstudien besteht. In ihnen vermittelte der Künstler die unterschiedlichsten Schattierungen des wolkigen Himmels. Die Skizzen klangen wie Musik und schimmerten in den unerwartetsten, subtilsten Farbkombinationen. All dies wurde in der Musik von Claude Debussy lebendig.

„Wolken“, erklärte der Komponist, „ist ein Bild eines bewegungslosen Himmels mit langsam und melancholisch vorbeiziehenden Wolken, die in grauer Qual davonschweben, sanft mit weißem Licht getönt.“

Wenn wir „Clouds“ von Debussy hören, scheinen wir uns über dem Fluss zu befinden und in den monotonen, trüben, bedeckten Himmel zu blicken. Aber in dieser Monotonie gibt es eine Masse von Farben, Schattierungen, Überläufen, sofortigen Veränderungen.

Debussy wollte in der Musik „den langsamen und feierlichen Marsch der Wolken über den Himmel“ widerspiegeln. Das gewundene Thema der Holzbläser malt ein schönes, aber melancholisches Bild des Himmels. Bratsche, Flöte, Harfe und Englischhorn – klanglich tiefer und dunkler mit der Oboe verwandt – alle Instrumente fügen dem Gesamtbild ihre eigene klangliche Färbung hinzu. Musik in Dynamik übersteigt das Klavier nur geringfügig und löst sich am Ende vollständig auf, als würden Wolken am Himmel verschwinden.

"Feierlichkeiten"

Die ruhigen Klänge des ersten Teils werden durch ein Farbenfest des nächsten Stücks „Celebrations“ ersetzt.

Das Stück ist vom Komponisten als Szene aufgebaut, in der zwei Musik Genre- Tanz und Marsch. Im Vorwort dazu schreibt der Komponist: „Celebrations“ ist eine Bewegung, ein Tanzrhythmus der Atmosphäre mit plötzlichen Lichtexplosionen, es ist auch eine Episode einer Prozession ... die durch einen Feiertag geht und mit ihm verschmilzt, aber der hintergrund bleibt die ganze zeit - das ist ein urlaub ... das ist eine musikmischung mit leuchtendem staub, der teil des gesamtrhythmus ist. Die Verbindung zwischen Malerei und Musik war offensichtlich.

Die helle Bildhaftigkeit des literarischen Programms spiegelt sich in der malerischen Musik von „Celebrations“ wider. Die Zuhörer tauchen ein in eine Welt voller Klangkontraste, komplizierter Harmonien und dem Spiel instrumentaler Klangfarben des Orchesters. Die Meisterschaft des Komponisten manifestiert sich in seiner erstaunlichen Gabe der symphonischen Entwicklung.

Festivities“ sind mit schillernden Orchesterfarben gefüllt. Die helle rhythmische Einführung der Streicher zeichnet ein lebhaftes Bild des Feiertags. Im Mittelteil ertönt das Herannahen der Parade, begleitet von Blechbläsern und Holzbläsern, dann steigert sich allmählich der Klang des gesamten Orchesters und ergießt sich in eine Kulmination. Aber jetzt verschwindet dieser Moment, die Aufregung vergeht, und wir hören nur noch ein leises Flüstern der letzten Töne der Melodie.

In "Celebrations" stellte er Bilder von Volksvergnügungen im Bois de Boulogne dar.

"Sirenen"

Das dritte Stück des Triptychons "Nocturnes" - "Sirens", für Orchester mit Frauenchor.

„Das ist das Meer und seine zahllosen Rhythmen“, verriet der Komponist selbst das Programm, „dann, inmitten der vom Mond versilberten Wellen, erhebt sich der geheimnisvolle Gesang der Sirenen, zerbröselt vor Lachen und verklingt.“

Viele poetische Zeilen sind diesen Fabelwesen gewidmet - Vögeln mit den Köpfen schöner Mädchen. Schon Homer hat sie in seiner unsterblichen Odyssee beschrieben.

Mit bezaubernden Stimmen lockten Sirenen Reisende auf die Insel, und ihre Schiffe starben an Küstenriffen, und jetzt können wir ihren Gesang hören. Der Frauenchor singt – singt mit geschlossenen Mündern. Es gibt keine Worte – nur Klänge, die wie aus dem Spiel der Wellen geboren, in der Luft schwebend, sobald sie auftauchen, verschwinden und wiedergeboren werden. Nicht einmal Melodien, sondern nur ein Hauch davon, wie Striche auf den Leinwänden impressionistischer Künstler. Und so verschmelzen diese Klangflitter zu einer farbigen Harmonie, in der nichts Überflüssiges, Zufälliges ist.