Orgelmusik. Die schönsten Orgeln der Welt (Beschreibung und Foto) Deutsche Orgelschule

Es wurden auch tragbare Handgeräte hergestellt. Ein solches Instrument wurde um den Hals gehängt. Mit einer Hand pumpte der Performer die Luft auf, mit der anderen spielte er unkomplizierte Melodien.

Mit der Erfindung der Zungenpfeifen wurden kleine Tischorgeln nur mit Zungenregistern gebaut. Sie riefen Insignien. Aufgrund des scharfen Klangs wurde das Regal gerne bei Prozessionen zur Unterstützung des Chores eingesetzt.

Verschiedene Vertreter einer umfangreichen Orgelfamilie, die sich in der Musikpraxis der damaligen Zeit verbreitete, waren die materielle Basis, auf deren Grundlage sie entstand mögliche Entwicklung besondere Orgelkreativität und -leistung. Jedoch, lange Zeit Musik für Orgeln unterschied sich in ihrem Stil nicht von der für seine Tastenzeitgenossen geschaffenen (Cembalo, Clavichord, Clavicembalo, Virginela) und wurde mit ihr unter dem gemeinsamen Namen - Musik für das Clavier - vereint. Über einen langen Zeitraum kristallisierten sich nach und nach eigenständige Orgel- und Cembalostile heraus. Auch J. S. Bach enthält in einer unter dem allgemeinen Titel „Klavierübungen“ veröffentlichten Sammlung Stücke für Orgel und Cembalo. Allerdings, wie die Entwicklung große Formen Chorpolyphonie in der Kirchenmusik und dem Vordringen polyphoner Techniken in den weltlichen mehrstimmigen Gesang wurde bereits im 15. Jahrhundert die Sphäre der Orgel immer deutlicher spürbar. Es gibt Orgeltabulaturen mit Stücken verschiedener Komponisten. Neue Orgeln werden gebaut. 1490 wurde eine zweite Orgel in der Kathedrale von St. Markus in Venedig. Kirchenbauten mit ihrer sonoren Akustik waren bester Platz für den Bau großer Orgeln und das Publikum aus Gemeindemitgliedern verschiedener sozialer Gruppen und Positionen zwangen sie zu lebendiger Vorstellungskraft und Gewissheit Musikalische Formen bei der Erstellung von Orgelwerken.

Der Pariser Verleger Pierre Attenyan gibt die ersten Musiksammlungen heraus. Vier davon enthalten Lieder und Tänze, drei enthalten ein liturgisches Repertoire für Orgel und Spinett – das ist eine Bearbeitung von Chorteilen von Messen, Präludien usw.

In der Renaissance beginnt die Bildung nationaler Orgelschulen, die auf der Grundlage der Aktivitäten herausragender Organisten ihrer Zeit entstehen. Der älteste von ihnen ist der Dichter und Komponist von Florenz, der Vertreter der italienischen Ars Nova Francesco Landino (1325-1397). „Göttlicher Francesco“, „Cieco degli Organi“ („blinder Organist“) – so nannten ihn seine Zeitgenossen. Francesco, der Sohn des Künstlers, der als Kind sein Augenlicht verlor, wurde ein Dichter, der 1364 mit einem Lorbeerkranz aus der Hand Petrarcas gekrönt wurde, und ein begnadeter Improvisator an der Orgel. In der Kirche San Lorenzo spielte er geistliche Musik auf einer großen Orgel. Am herzoglichen Hof musizierte Francesco Landino auf einem tragbaren Gerät, spielte weltliche Stücke und begleitete Sänger. Nach Landino wurde Antonio Squacialuppi (gest. ca. 1471), der berühmte italienische Organist des 15. Jahrhunderts, in Italien am berühmtesten. Von seinen Kompositionen ist nichts erhalten, außer einer Sammlung von Werken anderer Komponisten, die er veröffentlichte.

Die besten Persönlichkeiten der Orgelkultur der Renaissance wurden von Deutschland nominiert. Dies sind die Komponisten Konrad Paumann (1410-1475), Heinrich Isaac (1450-1517), Paul Hofheimer (1459-1537), Arnold Schlick (ca. 1455-1525).

Unter ihnen sticht die Figur des berühmten Nürnberger Organisten Konrad Paumann hervor. groß musikalisches Talent und sein außergewöhnliches Gedächtnis ermöglichten es Pauman, der von Geburt an blind war, das Spielen von Orgel, Laute, Geige, Flöte und anderen Instrumenten zu meistern. Häufige Reisen außerhalb Nürnbergs bringen Pauman weitreichenden Ruhm: Mit 37 Jahren wird er herausragende Persönlichkeit v Heimatort. In Anerkennung seiner musikalischen Verdienste wurde er zum Ritter geschlagen. Diese Tatsache ist besonders bedeutsam, weil Pauman von unten kam. Später wurde der Orgel des Erzherzogs Sigismund in Innsbruck, Raoul Hofheimer, zum Ritter geschlagen.

Berühmt historische Tatsache zeugt von der großen Wertschätzung, die die Organisten dieser Zeit genoss: Einige von ihnen wurden zu Bürgermeistern gewählt, und die Übernahme des Amtes des Stadtorganisten wurde von einem prachtvollen Festakt begleitet. Bereits im hohen Alter wurde Paumann vom Hoforganisten Herzog Albrechts III. nach München eingeladen. In der Münchner Frauenkirche, wo Paumann die berühmte Orgel spielte, blieb ein Grabstein erhalten, der den großen Organisten mit einem tragbaren Instrument darstellte.

Die kreative Tätigkeit von Pauman erhielt auch historische Bedeutung. Sein Hauptwerk Fundamentum Organisandi (1452-1455) war das erste Manual für Orgelspiel und die Technik instrumentaler Arrangements. Es enthält eine große Anzahl von Bearbeitungen weltlicher und geistlicher Lieder. Erstmals werden Beispiele genannt instrumentale Interpretation Gesangsmelodien mit Hilfe der sogenannten Färbung (melodische Färbung der Hauptmelodie). Die Vorgaben von Paumann wurden vom Heidelberger Organisten Arnold Schlick in seinem Werk „Der Spiegel der Orgelbauer und Organisten“ fortgeführt und ergänzt. Die Arbeiten von Pauman und Schlick zeugen vom wachsenden Wunsch nach einem „theoretischen Verständnis der auf dem Gebiet der Orgelkultur ablaufenden Prozesse.

In der Mitte des 16. Jahrhunderts die Venezianer Komponistenschule, deren Gründer der Flame Adrian Willart (gest. 1562) war. Die Orgelmusik dieser Schule wird am besten durch die Werke von Andrea Gabrieli (1510-1586) und besonders durch seinen Schüler und Neffen Giovanni Gabrieli (1557-1612) repräsentiert. Schrieb Vokal- und Instrumentalmusik in einer Vielzahl von Genres, beide Gabriels auf dem Gebiet Orgelmusik bevorzugte polyphone Formen von Canzona und Ricercar. Bei J. Gabrieli finden wir aller Wahrscheinlichkeit nach das erste Beispiel einer Quintfuge mit Zwischenspielen, die er dennoch traditionell ricercar nennt.

Claudio Merulo (1533-1604), ein herausragender Organist und Cembalist aus Brescia, ist bekannt für seine Orgeltoccaten, Ricercars und Canzonen, die den Einfluss der Tradition bezeugen Chormusik zum Orgelstil. 1557 wurde der junge Musiker als zweiter Organist der St. Mark und betrat die Galaxie der Komponisten der venezianischen Schule.

Blütezeit Kirchenmusik in England unter König Heinrich VIII. brachte die Gründung der englischen Orgelschule mit sich. In den 1540er und 1550er Jahren trat der Organist und Komponist John Merbeck (gest. 1585) in den Vordergrund. Die Geschichte hat die Namen von Organisten und Komponisten – seinen Zeitgenossen – bewahrt. Dies sind Christoph Tee (gest. 1572), Robert White (gest. 1574), Thomas Tallis (gest. 1585).

Der Klassiker der französischen Orgelmusik ist Jean Titluz (1563-1633). Er war ein berühmter konzertierender Organist und Autor von Sammlungen von Orgelstücken. Im Vorwort zu seinen Werken schreibt J. Titluz, sein Ziel sei es gewesen, eine Orgel mit zwei Manualen und einem Pedal zur getrennten, klaren Ausführung der Polyphonie, insbesondere bei Stimmenkreuzung, zu verbreiten.

Weit, in die Tiefe der Jahrhunderte reichen die Traditionen des Orgelspiels in Spanien. Es gibt Hinweise darauf, dass die Universität von Salamanca um 1254 einen Orgelmeister benötigte. Die Namen der Organisten des XIV-XV Jahrhunderts sind bekannt. Unter ihnen sind nicht nur Spanier, sondern auch Vertreter von Organisten anderer Nationalitäten. Auch vor dem Hintergrund des allgemeinen Aufblühens musikalische Kultur Das Spanien des 16. Jahrhunderts zeichnet sich durch Errungenschaften auf dem Gebiet der Orgelmusik aus. Der herausragende Theoretiker Juan Bermudo (1510 – gestorben nach 1555) schrieb eine große Abhandlung – „Das Buch, das zum Studium der Musikinstrumente aufruft“ („Libro llamado declaracion de instrumentos musicales“, 1549-1555), insbesondere über Keyboards.

Die Spitzenexemplare sind Werke von Antonio de Cabezon (1510-1566), einem blinden Cembalisten und Hoforganisten des spanischen Königs Philipp II. Cabezon begleitete den König auf Reisen und reiste durch Italien, England und die Niederlande. Unter seinen Schriften bedeutsamer Ort, wie die von Pauman, sind mit Werken pädagogischer Natur besetzt. Von den musikalischen Werken von Cabezon war Tiento am anziehendsten (aus dem spanischen Tiento - „Berührung“ oder „Blindenstab“). Dies sind große polyphone Stücke, die in ihrer Form dem Ricercar und der alten Fuge ähneln. Neben Tiento in den Werken des Spanischen Komponisten des XVI Jahrhunderts waren kleine Stücke wie Präludien beliebt. Sie wurden Verso oder Versiglio genannt – ein Begriff, der der Sphäre der Poesie entlehnt ist (verso – verse).

Die erhaltene polnische Orgeltabulatur des Klosters St. Geist in Krakau (1548), Jan aus Lublin (1548) und andere geben einen Eindruck von der Orgelmusik Polens im 16. Jahrhundert mit ihrem eher ausgeprägten Nationalkolorit. Die Namen einer Reihe von Komponisten des 16. Jahrhunderts sind bekannt. Dies sind Mikolay aus Krakau, Marcin Leopolita, Vaclav aus Szamotul und andere.

Gleichzeitig war der Höhenflug der europäischen Orgelkultur während der Renaissance von Zeiten schwerer Prüfungen begleitet. Die in den Ländern Westeuropas so weit verbreitete Orgel wurde immer wieder aus der Kirche verbannt. Die turbulenten Ereignisse antifeudaler Aufstände und Kriege nahmen damals oft die Form eines religiösen Kampfes gegen die katholische Kirche und das Papsttum an. Der Protestantismus widersetzte sich nicht nur den ideologischen, politischen, theologischen und organisatorischen Positionen des Katholizismus, sondern auch allen äußeren Erscheinungsformen des katholischen Kultes. Alles, was der Anbetung Glanz und Erhabenheit verlieh, wurde verfolgt. Statuen wurden zerstört, Ikonen zerstört, mehrstimmige Messen durch einfache Chormelodien ersetzt, statt lateinischer Texte eine Landessprache in den Gottesdienst eingeführt. Ein grausames Schicksal ereilte die Orgel. So wurde in England das wundervolle Instrument der Westminster Abbey völlig zerstört und seine Pfeifen aus einer teuren Metalllegierung wurden in einer Taverne für einen Krug Bier verkauft. Der Dreißigjährige Krieg in Deutschland führte zur Verarmung des Landes, zu zahlreichen Zerstörungen und zum Niedergang der Musikkultur. In Klöstern und Kathedralen beschränkten sie sich darauf, lutherische Gesänge zu singen, die von der gesamten Gemeinde vorgetragen wurden. Gleichzeitig wurde in dieser Zeit ein intonatorisch neuer Stil entwickelt, der im Schaffen von J. S. Bach kulminierte. F. Engels schrieb: „Luther hat geputzt Augiasstall nicht nur Kirchen, sondern auch deutsche Sprache, schuf moderne deutsche Prosa und komponierte Text und Melodie jenes siegessicheren Chorals, der zur „Marseillaise des 16. Jahrhunderts“ wurde. (Engels F. Dialektik der Natur. Einführung. M., 1950, S. 4).

In der Orgelmusik begegnet man seit langem Arrangements von gregorianischen Choralmelodien. Grundlage solcher Bearbeitungen im Schaffen deutscher Komponisten sind nun die Melodien protestantischer Chorlieder. Das Genre des Chorvorspiels, der Chorphantasie und der Chorvariationen entwickelt sich weit.

DAS GOLDENE ZEITALTER DER ORGELMUSIK

Drei Komponisten waren Ende des 16. Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts die bedeutendsten Persönlichkeiten der europäischen Orgelkultur: der Niederländer Jan Peterson Sweelinck, der Italiener Girolamo Frescobaldi und der Deutsche Samuel Scheidt. Zweifellos ist das Werk von Heinrich Schütz (1585–1672), dem Schöpfer der Kirchenmusik, auf der Grundlage von Nationalkultur, Bachs größter Vorgänger im Bereich der Kantaten-Oratorien-Genres. Sweelinck (1562-1621) war auf seinem Gebiet der Erbe der niederländischen polyphonen Schule, die ab dem 15. Jahrhundert die Dominanz des vokalen Chorstils behauptete. Sweelincks kreative und performative Aktivitäten fanden in Amsterdam statt. Als Kirchenorganist komponierte er Chorkultmusik. Als bemerkenswerter Interpret individualisiert Sweelinck zunehmend die Orgelstimme und fügt ihr virtuose Elemente hinzu. In der Amsterdamer Kirche arrangiert er unabhängige Orgelkonzerte und verwandelt das Kirchengebäude in einen Saal zur Förderung neuer Formen des Musizierens. Sweelinck spielt seine Toccaten, Capriccios, die berühmte chromatische Fantasie. Auf dem Cembalo und einer kleinen positiven Orgel spielt er mit Variationen über Volksmelodien und Arrangements von Volksliedern und -tänzen. Viele berühmte norddeutsche Organisten studierten bei Sweelinck: Melchior Schild, Heinrich Scheidemann, Jakob Praetorius und andere. Unter seinen Schülern sehen wir den größten Meister der deutschen Orgelmusik der ersten Stunde Hälfte XVII Jahrhundert von Samuel Scheidt.

Samuel Scheidt (1587-1654) - der Gründer der Mitteldeutschen Orgelschule (der Onkel von J. S. Bach gehörte an - Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel und andere). Er wirkte in Halle, war Komponist und Lehrer, Hof- und Kirchenorganist, Kapellmeister, fungierte als Stadtkapellmeister. Sein größtes Werk war die dreibändige „Neue Tabulatur“ (1614–1653) für Orgel und Klavier, die Toccaten, Fugen, Variationen über Melodien von Chorälen und Volksliedern, Fantasien usw. Berühmt wurde Scheidt vor allem als Meister der Variationsform und als Autor verschiedener Chorarrangements.

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In fünf Konzerten des Festivals treten auf der Mariinsky-Bühne fünf bewährte, etablierte, durchaus erfolgreiche und bekannte (auch russische) Organisten aus verschiedenen Ländern auf: Günther Rost (Deutschland), Lada Labzina (Russland), Maxim Patel (Frankreich) , David Briggs (Großbritannien), Thierry Eskesh (Frankreich). Das Festival wird dem Andenken an den herausragenden russischen Organisten gewidmet, ehemaliger Cheforganist (seit 2008) Mariinsky-Theater und der künstlerische Leiter des Mariinsky-Orgelfestivals Oleg Kinyaev, der im Sommer 2014 plötzlich starb. Es werden Werke von Komponisten des 18.-20. Jahrhunderts, eigene Transkriptionen und Originalkompositionen von ausführenden Organisten und Improvisationen aufgeführt.

24. Oktober. Günther Rost

Günter Rost ist ein Organist, der seit frühester Jugend aktiv konzertiert.Aus seiner auf der Website des Mariinsky-Theaters veröffentlichten Biografie können Sie entnehmen, dass Günther im Alter von 16 Jahren alle Orgelwerke von J.-S.Bach aufführte – u guter Start für einen Organisten. Dann folgten Studienjahre, Siege bei Wettbewerben und die ersten Gehversuche als Lehrer. Heute ist Rost ein gefragter Lehrer, Spezialist auf dem Gebiet des Orgelbaus, Konzert- und Aufnahmeorganist (zu seinen Leistungen gehört die Einspielung aller Orgelwerke des großen tschechischen Orgelkomponisten Petr Eben).

Auf dem Konzertprogramm stehen Werke von Johann Sebastian Bach (Präludium und Fuge in e-moll, BWV 548, Französische Suite Nr. 6, BWV 817), Felix Mendelssohn (Orgelsonaten Nr. 3 A-Dur und Nr. 5 D-Dur). aus dem Zyklus „Sechs Orgelsonaten“ op. 65), Louis Vierne (Orgelsymphonie Nr. 6, op. 59). Wenn bei Bachs Kompositionen alles mehr oder weniger klar ist, dann lässt sich zu den übrigen Stücken etwas sagen. Sonaten von Mendelssohn zum Beispiel (1844-1845) gehören zu den späteren Werken des Komponisten, der nicht nur ein begabter Pianist, sondern auch ein begabter Organist war. Diese Sonaten spiegelten Mendelssohns Erfahrung als Organist, Improvisator und Orgelkomponist wider. Sonate Nr. 3 basiert auf Martin Luthers Choral „Aus tiefer Not schrei ich zu dir“.

Die letzte der Orgelsymphonien, die Sechste (op. 1930) von Louis Vierne, einem herausragenden Organisten, Komponisten und Pädagogen, der einen wesentlichen Beitrag zum Orgelspiel und zur Orgelliteratur des 20. Jahrhunderts geleistet hat, gehört zu den Spitzenwerken des Meisters. Ausgereift, klangvoll, reich an Harmonien, erfinderisch in Rhythmus und Struktur, fantasievoll und virtuos verspricht die Sechste Orgelsymphonie Mittelpunkt und Zierde des Programms von Günter Rost zu werden.

der 25. Oktober. Lada Labzina

Die Organistin aus Tatarstan, Lada Labzina, die (seit 1996) an der Abteilung für Orgel und Cembalo des Kasaner Staatlichen Konservatoriums arbeitet, gibt oft Konzerte in Russland und im Ausland, darunter bei verschiedenen Festivals und Wettbewerben (internationale Wettbewerbe, benannt nach F. Liszt; M Tariverdiev, Festivals „Renommierte Orgel“, „Jazz auf einer großen Orgel“ usw.). Das Repertoire des Musikers ist umfangreich und umfasst die Musik der meisten verschiedene Epochen- von Werken der Barockzeit bis hin zu Bearbeitungen von Jazzstandards.

Beim Konzert des Mariinsky Festivals zeigt Lada Labzina eine Palette von Werken unterschiedlicher Stilrichtungen, von denen viele weithin bekannt sind. Orgelwerke und Transkriptionen von I.-S. Bach (Choralpräludium BWV 662, Präludium und Fuge in C-Dur, BWV 547), F. Liszt (Präludium und Fuge über ein Thema von VACH), S. Franck (Präludium, Fuge und Variation), N. Rimsky-Korsakov (The Sea and Sinbadov ship“, I part aus der symphonischen Suite „Scheherazade“, op. 35; Orgeltranskription von L. Labzina), M. Tariverdiev (Konzert für Orgel Nr. 1, „Cassandra“; übrigens zweistimmig aus dieser Arbeit aufgeführt von L. Labzina finden Sie im YouTube-Videodienst), Volker Brautigam (Volker Brautigam, Deutscher Komponist, Organist und Dirigent, geboren 1939 — „Drei Chorsätze in Jazz-Stil“), Krzysztof Sadowski (geb. 1936, polnischer Jazzpianist, Organist und Komponist – Two Jazz Pieces), Dave Brubeck (berühmter Amerikaner Jazzpianist, einer der führenden Köpfe der Cool-Jazz-Richtung - Präludium aus der Suite "Jazz on pointe" ["Punkte auf Jazz"], Transkription von L. Labzina), Dezhe Antalffy-Zsiross (1885-1945, Dezső Antalffy-Zsiross, Ungarisch Komponist und Organist - "Sketches for Negro Spiritual Chants"). Das abwechslungsreiche Programm ermöglicht es der Organistin, das gesamte „Arsenal“ der Aufführung zu präsentieren und ihr Talent aus verschiedenen Blickwinkeln zu zeigen.

26. Oktober. Maxim Patel

Maxime Patel - Französischer Organist, Pianist, Improvisator, Autor Musikalische Kompositionen, Absolventin der Konservatorien von Lyon und Grenoble. Patels Sammlung umfasst Aufnahmen (einschließlich Uraufführungen) einer Reihe interessanter Orgelmusik von nicht so populären französischen Komponisten (Jeanne Demessier, Naji Hakim und andere).

Das St. Petersburger Konzert wird drei Etüden aus dem Zyklus „Sechs Etüden“ op.5 von Jeanne Demessieux („Terzen“, „Sexten“, „Oktaven“) enthalten, die zu den besten Leistungen von Patel gehören (nicht so künstlerisch, aber virtuos, diese Konzertetüden erfordern vom Organisten eine bemerkenswerte Aufführungstechnik), ebenso wie Domenico Scarlatti (drei Sonaten - K96, K113, K461 und die berühmte "Katzenfuge" g-moll K30), J.-S. Bach (Triosonate für Orgel Nr. 6 BWV 530), F. Liszt (Funérailles [Trauerzug aus dem Zyklus Poetische und religiöse Harmonien]; Transkription von Jeanne Demesieux), Marcel Dupré (The World Waiting for the Savior, I part of die "Passionssymphonie", op. 23), Roland Falcinelli (1920-2006, französischer Organist, Lehrer, Komponist, Gewinner des Rom-Preises - "Scaramuccia", Etüdengedicht), Pierre Labric (geb. 1921, französischer Organist, Lehrer, Komponist, Schüler von J. Demesieux - „Allegro“).

28. Oktober. David Briggs

Als vielseitiger Organist, der Musik aus den unterschiedlichsten Epochen und Genres spielt (der Musiker ist als Autor zahlreicher Orgeltranskriptionen bekannt), ist der Brite David Briggs (geb. 1962) heute einer der besten englischen Organisten und sicherlich der geselligste von ihnen. Briggs ist auch als ausgezeichneter Improvisator bekannt – eine Eigenschaft, die heute nicht mehr alle Organisten besitzen (wir erinnern uns, dass die Fähigkeit zur Improvisation früher eine notwendige Fähigkeit für einen Organisten war) und wird oft als Komponist aufgeführt (Briggs ist Autor einer Reihe von Musikkompositionen hauptsächlich für die Orgel, aber nicht nur).

Das Konzertprogramm des Orgelfestivals umfasst The Appearance of the Eternal Church, ein relativ frühes (1932) Stück des großen französischen Komponisten Olivier Messiaen, Three Choral Preludes (BWV 654, BWV 686, BWV 671) von J.-S. Bach (ohne Bachs Werke beim Festival schafft es nur T. Eskesh im Abschlusskonzert), die berühmte „Pavane“ von M. Ravel (Transkription für Orgel) und fast eine halbe Stunde Symphonisches Gedicht„Tod und Erleuchtung“ von Richard Strauss (Orgeltranskription von David Briggs, und das mag angesichts der großen Erfahrung von Briggs in Bezug auf alle Arten von Arrangements, einschließlich symphonischer Musik, ziemlich interessant klingen).

30. Oktober. Thierry Escaes

Der meistbetitelte Musiker des Festivals, Thierry Escais (geb. 1965), scheint keiner Vorstellung zu bedürfen: Dieser Musiker gehört zum Pantheon der besten Organisten der Welt und ist nicht nur als Interpret, sondern auch als bekannt ein Komponist, Autor von mehreren Dutzend Werken (angeblich mehr als 100, darunter mindestens zehn des Konzertgenres, ein Ballett, eine Messe und eine Symphonie). Als Organist ist Eskesh an den renommiertesten Orten der Welt aufgetreten und hat bereits eine ziemlich große Diskographie, die weiter wächst; Der Organist Eskesh hat Werke von Komponisten wie P. Eben, J. Brahms, C. Gounod, J.-S. Bach, V.-A. Mozart, S. Franck, Ch. Tournemire, M. Dyurufle, K. Saint-Saens, J. Guillou, M. Dupre, A. Jolivet und natürlich die Werke von Escais selbst.

Keine dieser Kompositionen wurde jedoch zum Konzert in St. Petersburg gebracht: Die Aufführung wird Improvisationen zu The Phantom of the Opera (1925) enthalten, einem amerikanischen Stummfilm, der auf Horror basiert berühmter Roman Gaston Leroux und beliebter Schauspieler seiner Zeit von Lon Chaney in Hauptrolle. Die musikalische Wiederbeschallung (oder Urbeschallung) alter Filme durch moderne akademische Musik ist heute ein ziemlich verbreitetes Phänomen, und dieses Genre hat sich möglicherweise noch nicht erschöpft. Übrigens hat die Mode für diese Art von Aktivität Russland vor einigen Jahren erreicht (russische Zuhörer konnten die Musik einheimischer Autoren für die alten Filme „Der andalusische Hund“, „Das Kabinett von Dr. Caligari“ usw. kennenlernen. ). Dass eine Orgel „furchtbar“ klingen kann, wissen wir zumindest aus den Orgelwerken von O. Messiaen, K. Sorabji oder J. Xenakis (die Neugierigen können wir auf das sehr farbenprächtige Stück des letzten „Gmeeoorh“, 1974 verweisen): beliebig Schroffe polyphone Dissonanzen, auf dem „Forte“ an der Orgel aufgenommen, können universelle Dimensionen erreichen und den Zuhörer dazu bringen, aus dem Saal zu rennen, kopfüber und über die Reihen zu springen, was bedeutet, dass Eskesh nur die notwendigen „Zutaten“ aufheben muss dass all die "Pappschrecke" des alten Stummfilms nicht belächelt, sondern in neuen Farben erblüht und erschreckt werden, und Klangbilder von wuchtigen Orgelharmonien den Zuhörer umhüllen und ihm bis unter die Haut dringen, das Herz höher schlagen lassen, mit die Eskesh, ein erfahrener Organist und Improvisator, perfekt bewältigen muss; allerdings scheint in diesem Zusammenhang die Bezeichnung des Konzerts „6+“ nicht ganz angemessen: Vielleicht ist Eskeshs Konzert nicht so Der beste Platz mit Kindern zu besuchen, obwohl wer weiß…

Der brillante deutsche Komponist Johann Sebastian Bach wurde am 31. März 1685 in Eeyenakh (Deutschland) geboren. in der Familie eines Erbmusikers I. A. Bach. Schon früh sang der Junge im Chor, studierte Geige bei seinem Vater, nach dessen Tod zog er zu seinem Bruder nach Ohrdruf, dann nach Lüneburg.

Während des Schulbesuchs trat der junge Mann in den Chor und das Orchester ein, studierte Musikalische Werke, der sie für sich umschrieb, reiste nach Hamburg, um dem berühmten Organisten I.A. Reinken. Aber auch nach dem Abitur (1703), dem Beginn einer selbständigen Tätigkeit als Geiger in Weimar und dann als Organist in Arnstadt, studierte Bach weiter. Beurlaubt begab er sich zu Fuß nach Lübeck, um sich das Stück des prominentesten Komponisten und Organisten D. Buxtehude anzuhören.

Durch die Verbesserung des Orgelspiels erreichte Bach unübertroffene künstlerische Höhen, wurde weithin als Organist und Kenner der Orgel bekannt - er wurde eingeladen, Musik aufzuführen und erhielt neue und aktualisierte Orgeln. 1717 erklärte sich Bach bereit, nach Dresden zu kommen, um an einem Wettbewerb mit dem französischen Organisten L. Marchand teilzunehmen, der den Wettbewerb jedoch mied und die Stadt heimlich verließ. Bach musizierte allein vor dem König und seinen Höflingen und begeisterte das Publikum.

In Arnstadt, Mühlhausen (1707–1708) und Weimar (1708–1717) die musikalische Kreativität Bach, die ersten Experimente wurden bereits in Ohrdruf gemacht. Im Laufe der Jahre wurden viele Kompositionen für Orgel, Klavier und Gesang (Kantate) geschrieben. Ende 1717 zog Bach nach Köthen und übernahm die Stelle des Kapellmeisters der fürstlichen Kapelle.

Die Köthener Lebenszeit Bachs (1717-1723) zeichnet sich durch die breiteste kompositorische Bandbreite aus Instrumentalmusik. Präludien, Fugen, Toccaten, Fantasien, Sonaten, Partiten, Suiten, Inventionen für Cembalo, für Violine (solo), Violoncello (solo), für dieselben Instrumente mit Clavier, für Orchester, die berühmte Sammlung "Das Wohltemperierte Klavier" ( erster Band - 24 Präludien und Fugen), Violinkonzerte, 6 Brandenburgische Konzerte für Orchester, Kantaten, Johannes-Passion geschrieben in Köthen - etwa 170 Stücke.

1722 übernahm Bach die Stelle des Kantors (Regent und Lehrer) an der Kirche St. Thoma in Leipzig. Hier wurde die "Passion nach Johannes" aufgeführt - eine von die größten Geschöpfe Bach.

In den Leipziger Jahren entstanden etwa 250 Kantaten (mehr als 180 sind erhalten), Motetten, Hochamt, Matthäuspassion, Markuspassion (verschollen), Weihnachtsoratorien, Osteroratorien, Ouvertüren für Orchester, Präludien und Fugen, darunter der zweite Band das Wohltemperierte Klavier, eine Orgelsonate, Klavierkonzerte und vieles mehr. Bach leitete Chor, Orchester, spielte Orgel, leistete viel pädagogische Arbeit an der Thomaskirche. Auch seine Söhne studierten bei ihm und wurden später zu berühmten Komponisten, Organisten und Cembalisten, die den Ruhm ihres Vaters zeitweilig in den Schatten stellten.

Während des Lebens von Bach und in der zweiten Hälfte des XVIII Jahrhunderts. nur wenige seiner Werke waren bekannt. Die Wiederbelebung von Bachs Erbe ist mit dem Namen F. Mendelssohn verbunden, der die Matthäus-Passion 1829, 100 Jahre nach ihrer Uraufführung, aufführte. Bachs Werke wurden veröffentlicht, aufgeführt und erlangten weltweite Berühmtheit.

Bachs Musik ist durchdrungen von den Ideen des Humanismus, dem tiefsten Mitgefühl für den leidenden Menschen, der Hoffnung auf eine bessere Zukunft. Nationalität, in Anlehnung an die hohen klassischen Traditionen von Deutsch, Italienisch, französische Kunst inspirierte Bach, schuf den Boden, auf dem seine erstaunlich reiche Kreativität gedieh. Jubel und Leid, Freude und Leid, Erhabenheit und Verwirrung – all das ist Bachs Musik eigen. Die emotionalen Erfahrungen der Komponistin fanden in ihr eine so wahrheitsgetreue Verkörperung, dass sie nicht altert, neue Generationen finden in ihr etwas, was ihren Gefühlen und Sehnsüchten entspricht.In Bachs Musik hat die Kunst der Polyphonie (polyphones Lager der Musik) die höchste Vollendung erreicht.