जापानी कला की प्रमुख कृतियों की महानता का रहस्य। जापान फीचर फिल्में आइज़ू लैकरवेयर

जापानी संस्कृति की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक के रूप में चाय समारोह (चानोयू) का गठन देश के लिए एक बहुत ही कठिन, परेशान समय में हुआ, जब आंतरिक खूनी युद्ध और सामंती कुलों के बीच झगड़ों ने लोगों के जीवन को असहनीय बना दिया था। चाय समारोह ज़ेन बौद्ध धर्म के सौंदर्यशास्त्र और दर्शन के प्रभाव में उत्पन्न हुआ और सौंदर्य की पूजा के साथ निराशा के मूड का मुकाबला करने की कोशिश की गई।

उन दिनों, सैन्य वर्ग के शासक और धनी व्यापारी, राजनीतिक और वाणिज्यिक चर्चाओं के लिए एकत्रित होकर, अक्सर चाय परोसने का अवसर लेते थे। एक शांत चाय के कमरे में आराम से बैठना, जीवन की चिंताओं और चिंताओं से अलग होना और ब्रेज़ियर पर पानी के उबलने की आवाज़ सुनना एक परिष्कृत आनंद माना जाता था। महान शिक्षक सेन-नो-रिकु ने चाय पीने को एक कला बना दिया। वह चाय समारोह की कला को विकसित करने में सक्षम थे, आंशिक रूप से उपरोक्त सामाजिक पृष्ठभूमि के कारण।

सेन नो रिक्यू द्वारा बनाया गया चाय का कमरा पहली नज़र में बहुत साधारण और बहुत छोटा भी लग रहा था। लेकिन इसकी योजना अत्यंत सावधानी से, सूक्ष्म बोधगम्यता के साथ, बिल्कुल अंत तक बनाई गई थी सबसे छोटा विवरण. इसे बर्फ-सफेद पारभासी जापानी कागज से ढके स्लाइडिंग दरवाजों से सजाया गया था। छत को बांस या छप्पर से तैयार किया गया था, और दीवारों की खुली बनावट को अत्यधिक महत्व दिया गया था। समर्थन ज्यादातर लकड़ी के थे, उनकी प्राकृतिक छाल बरकरार थी। चाय कक्ष के डिजाइन में एक आश्रम का प्रभाव पैदा करने के लिए, सभी बेकार सजावट और अत्यधिक सजावट को त्याग दिया गया।

आज, चाय समारोह सबसे मौलिक, अनूठी कला है। यह आध्यात्मिक और में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है सार्वजनिक जीवनकई सदियों से जापानी। समय के साथ, चाय समारोह की रस्म को रद्द कर दिया गया, कार्यों और व्यवहार का क्रम दिया गया। पहले से ही साधारण लकड़ी के द्वारों में प्रवेश करने के बाद, मेहमान एक विशेष दुनिया में डूब गए, अपने पीछे सब कुछ छोड़कर और मौन एकाग्रता में केवल कार्रवाई के नियमों का पालन किया।

शास्त्रीय चानोयु एक सख्ती से निर्धारित अनुष्ठान है जिसमें चाय मास्टर (चाय बनाने और डालने वाला व्यक्ति) और समारोह में अन्य प्रतिभागी भाग लेते हैं। मूलतः, एक चाय मास्टर एक पुजारी होता है जो चाय का कार्य करता है, बाकी लोग उसके साथ जुड़ते हैं। हर किसी के व्यवहार की अपनी विशिष्ट शैली होती है, जिसमें बैठने की मुद्रा और हर गतिविधि, चेहरे के हाव-भाव और बोलने के तरीके तक शामिल हैं।

चाय पीने के दौरान, बुद्धिमान भाषण दिए जाते हैं, कविताएँ पढ़ी जाती हैं, कला के कार्यों पर विचार किया जाता है। फूलों के गुलदस्ते और पेय बनाने के लिए विशेष बर्तनों का चयन प्रत्येक अवसर के लिए विशेष देखभाल के साथ किया जाता है।

वातावरण स्वयं उपयुक्त मूड बनाता है, जो आश्चर्यजनक रूप से सरल और मामूली है: एक तांबे का चायदानी, कप, एक बांस का स्टिरर, एक चाय भंडारण बॉक्स, आदि। जापानियों को चमकदार चमकदार वस्तुएं पसंद नहीं हैं, वे नीरसता से प्रभावित होते हैं। डी. तनिज़ाकी इस बारे में लिखते हैं: “यूरोपीय लोग चांदी, स्टील या निकल से बने टेबलवेयर का उपयोग करते हैं, इसे चमकदार चमक के लिए पॉलिश करते हैं, लेकिन हम ऐसी चमक बर्दाश्त नहीं कर सकते। हम चांदी की वस्तुओं का भी उपयोग करते हैं... लेकिन हम उन्हें चमकाने के लिए कभी पॉलिश नहीं करते। इसके विपरीत, हम खुश होते हैं जब यह चमक वस्तुओं की सतह से उतर जाती है, जब वे नुस्खे का स्पर्श प्राप्त कर लेती हैं, जब वे समय के साथ गहरे रंग की हो जाती हैं... हम उन चीजों से प्यार करते हैं जिन पर मानव मांस, तेल की कालिख, अपक्षय और बारिश की सूजन के निशान होते हैं। चाय समारोह की सभी वस्तुओं पर समय की छाप है, लेकिन सभी बेदाग साफ हैं। गोधूलि, सन्नाटा, सबसे सरल चायदानी, चाय डालने के लिए एक लकड़ी का चम्मच, एक खुरदुरा चीनी मिट्टी का कप - यह सब उपस्थित लोगों को मंत्रमुग्ध कर देता है।

चाय घर के इंटीरियर में सबसे महत्वपूर्ण तत्व एक आला है - टोकोनोमा। इसमें आमतौर पर एक पेंटिंग या सुलेख शिलालेख और फूलों का गुलदस्ता, धूप के साथ एक धूपदानी वाला एक स्क्रॉल होता है। टोकोनोमा प्रवेश द्वार के सामने स्थित है और तुरंत मेहमानों का ध्यान आकर्षित करता है। टोकोनामा स्क्रॉल को बहुत सावधानी से चुना गया है और यह समारोह के दौरान चर्चा का एक अनिवार्य विषय है। यह ज़ेन बौद्ध शैली में और इतनी पुरातन सुलेख के साथ लिखा गया है कि बहुत कम लोग ही इसका अर्थ समझ सकते हैं, उदाहरण के लिए: "बांस हरा है, और फूल लाल हैं", "चीज़ें चीज़ें हैं, और यह सुंदर है" !" या "पानी तो पानी है।" उपस्थित लोगों को इन कहावतों का अर्थ समझाया जाता है, बाहरी रूप से सरल, लेकिन साथ ही साथ बहुत गहरे दार्शनिक रूप से। कभी-कभी इन विचारों को हाइकु के काव्यात्मक रूप में व्यक्त किया जाता है, कभी-कभी वे "वाबी" के सिद्धांत के अनुपालन में, एक नियम के रूप में, पुराने मास्टर की पेंटिंग में परिलक्षित होते हैं।

जापान में, चाय समारोह के कई रूप हैं, लेकिन केवल कुछ ही सख्ती से स्थापित हैं: रात की चाय, सूर्योदय की चाय, सुबह की चाय, दोपहर की चाय, शाम की चाय, विशेष चाय।

रात की चाय की शुरुआत चाँद से होती है। मेहमान लगभग साढ़े ग्यारह बजे आते हैं और सुबह लगभग चार बजे चले जाते हैं। आमतौर पर, पाउडर वाली चाय बनाई जाती है, जिसे मेहमानों के सामने तैयार किया जाता है: पत्तियों को नसों से मुक्त किया जाता है और मोर्टार में पीसकर पाउडर बना दिया जाता है। यह चाय बहुत कड़क होती है, इसे खाली पेट नहीं पिया जाता। इसलिए, सबसे पहले, मेहमानों को थोड़ा अलग भोजन दिया जाता है। चाय सुबह सूर्योदय के समय लगभग तीन या चार बजे पी जाती है। मेहमान छह बजे तक एक ही समय पर रुकते हैं। गर्म मौसम में सुबह की चाय का चलन है, मेहमान सुबह छह बजे इकट्ठा होते हैं। दोपहर की चाय आमतौर पर केवल 1 बजे के आसपास केक के साथ परोसी जाती है। शाम की चाय लगभग 6 बजे शुरू होती है। किसी भी विशेष अवसर पर एक विशेष चाय पार्टी (रिन्जित्या-नोयु) की व्यवस्था की जाती है: दोस्तों के साथ मुलाकात, छुट्टियां, बदलते मौसम आदि।

जापानियों के अनुसार, चाय समारोह सादगी, स्वाभाविकता, साफ-सुथरापन लाता है। बेशक यह सच है, लेकिन चाय समारोह में और भी बहुत कुछ है। लोगों को एक सुस्थापित अनुष्ठान से परिचित कराते हुए, यह उन्हें सख्त आदेश और सामाजिक नियमों की बिना शर्त पूर्ति का आदी बनाता है। चाय समारोह राष्ट्रीय भावनाओं की खेती के लिए सबसे महत्वपूर्ण आधारों में से एक है।

आधुनिक जापानी कला परिदृश्य पूरी तरह से वैश्वीकृत प्रतीत होता है। कलाकार टोक्यो और न्यूयॉर्क के बीच यात्रा करते हैं, लगभग सभी ने यूरोपीय या अमेरिकी शिक्षा प्राप्त की है, वे अंग्रेजी में अंतरराष्ट्रीय कला में अपने काम के बारे में बात करते हैं। हालाँकि, यह तस्वीर पूरी नहीं है।

राष्ट्रीय आकार और रुझान जापान द्वारा विश्व बाज़ार में पेश की जाने वाली सबसे अधिक मांग वाली वस्तुओं में से एक साबित हो रहे हैं। कलात्मक विचारऔर काम करता है.

विमान संचालन. कैसे सुपरफ्लैट अमेरिकी गीक संस्कृति और पारंपरिक जापानी पेंटिंग को जोड़ता है

ताकाशी मुराकामी. "तांग टैन बो"

यदि पश्चिमी दुनिया में लगभग सभी के लिए (शायद सबसे उत्साही उत्तर-आधुनिक सिद्धांतकारों को छोड़कर) उच्च और जन संस्कृति के बीच की सीमा समस्याग्रस्त होने के बावजूद अभी भी प्रासंगिक बनी हुई है, तो जापान में ये दुनिया पूरी तरह से मिश्रित हैं।

इसका एक उदाहरण ताकाशी मुराकामी हैं, जो दुनिया की सर्वश्रेष्ठ गैलरी और स्ट्रीमिंग प्रोडक्शन में प्रदर्शनियों को सफलतापूर्वक जोड़ते हैं।

मुराकामी प्रदर्शनी के दौरे की रिकॉर्डिंग "धीमी बारिश होगी"

हालाँकि, लोकप्रिय संस्कृति के साथ मुराकामी का रिश्ता - और जापान के लिए यह मुख्य रूप से मंगा और एनीमे प्रशंसकों (ओटाकू) की संस्कृति है - अधिक जटिल है। दार्शनिक हिरोकी अज़ुमा एक प्रामाणिक जापानी घटना के रूप में ओटाकू की समझ की आलोचना करते हैं। ओटाकू खुद को 17वीं-19वीं शताब्दी के ईदो काल की परंपराओं से सीधे जुड़ा हुआ मानते हैं - अलगाववाद का युग और आधुनिकीकरण की अस्वीकृति। अज़ुमा का दावा है कि ओटाकू आंदोलन मंगा, एनीमेशन, ग्राफिक उपन्यासों पर आधारित है। कंप्यूटर गेम- अमेरिकी संस्कृति के आयात के परिणामस्वरूप युद्ध के बाद के अमेरिकी कब्जे के संदर्भ में ही उत्पन्न हो सकता था। मुराकामी और उनके अनुयायियों की कला ने पॉप कला तकनीकों के साथ ओटाकू को पुनर्जीवित किया और परंपरा की प्रामाणिकता के राष्ट्रवादी मिथक को खारिज कर दिया। यह "जापानीकृत अमेरिकी संस्कृति के पुनः अमेरिकीकरण" का प्रतिनिधित्व करता है।

कला इतिहास के दृष्टिकोण से, सुपरफ़्लैट शुरुआती के सबसे करीब है जापानी पेंटिंगउकियो-ए. इस परंपरा में सबसे प्रसिद्ध कार्य उत्कीर्णन है " एक बड़ी लहरकनागावा में" कात्सुशिकी होकुसाई (1823-1831) द्वारा।

पश्चिमी आधुनिकतावाद के लिए, जापानी चित्रकला की खोज एक सफलता थी। इसने चित्र को एक विमान के रूप में देखना संभव बना दिया और इसकी इस विशिष्टता को दूर करने का नहीं, बल्कि इसके साथ काम करने का प्रयास किया।

कात्सुशिकी होकुसाई। "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा"

प्रदर्शन के अग्रदूत. 1950 के दशक की जापानी कला का आज क्या मतलब है?

अकीरा कानायामा और काज़ुओ शिरागा की रचनात्मक प्रक्रिया का दस्तावेज़ीकरण

सुपरफ्लैट ने 2000 के दशक में ही आकार लिया। लेकिन विश्व कला के लिए महत्वपूर्ण कलात्मक गतिविधियाँ जापान में बहुत पहले शुरू हुईं - और पश्चिम की तुलना में भी पहले।

कला में प्रदर्शनात्मक मोड़ पिछली सदी के 60 और 70 के दशक के अंत में आया। जापान में, प्रदर्शन पचास के दशक में दिखाई दिया।

पहली बार, गुटाई समूह ने अपना ध्यान आत्मनिर्भर वस्तुओं के निर्माण से हटाकर उनके उत्पादन की प्रक्रिया पर केंद्रित कर दिया है। यहां से - एक अल्पकालिक घटना के पक्ष में कला वस्तु के परित्याग की ओर एक कदम।

हालाँकि गुटाई के व्यक्तिगत कलाकार (और बीस वर्षों में उनमें से 59 थे) अंतरराष्ट्रीय संदर्भ में सक्रिय रूप से मौजूद थे, जापानी को अपनी सामूहिक गतिविधि के रूप में समझते थे युद्धोत्तर कलाआम तौर पर पश्चिम में हाल ही में शुरू हुआ। 2013 में न्यूयॉर्क और लॉस एंजिल्स, टोक्यो 1955-1970 में छोटी दीर्घाओं में कई प्रदर्शनियों के साथ उछाल आया: एमओएमए में न्यू अवंत-गार्डे, और विशाल ऐतिहासिक पूर्वव्यापी गुटाई: गुगेनहेम संग्रहालय में शानदार खेल का मैदान। जापानी कला का मास्को आयात इस प्रवृत्ति की लगभग विलंबित निरंतरता प्रतीत होता है।

सदामासा मोटोनागा। गुगेनहाइम संग्रहालय में कार्य (जल)।

यह आश्चर्यजनक है कि ये पूर्वव्यापी प्रदर्शनियाँ कितनी आधुनिक दिखती हैं। उदाहरण के लिए, गुगेनहेम संग्रहालय में प्रदर्शनी का केंद्रीय उद्देश्य सदामासा मोटोनागा द्वारा कार्य (जल) का पुनर्निर्माण है, जिसमें संग्रहालय रोटुंडा के स्तर रंगीन पानी के साथ पॉलीथीन पाइप से जुड़े हुए हैं। वे उन ब्रश स्ट्रोक की याद दिलाते हैं जिन्हें कैनवास से फाड़ दिया गया है और "ठोसता" पर गुटाई के केंद्रीय फोकस का उदाहरण देते हैं (से अनुवादित) जापानी नामसमूह), उन वस्तुओं की भौतिकता जिनके साथ कलाकार काम करता है।

गुटाई के कई सदस्यों ने शास्त्रीय निहोंगा पेंटिंग से संबंधित शिक्षा प्राप्त की, कई लोग ज़ेन बौद्ध धर्म के धार्मिक संदर्भ, इसकी विशिष्ट जापानी सुलेख से जीवनी रूप से जुड़े हुए हैं। उन सभी को प्राचीन परंपराओं के प्रति एक नया, प्रक्रियात्मक या सहभागी दृष्टिकोण मिला। काज़ुओ शिरागा ने वीडियोटेप किया है कि कैसे वह अपने पैरों से रौशेनबर्ग विरोधी मोनोक्रोम बनाते हैं, और यहां तक ​​कि सार्वजनिक रूप से पेंटिंग भी बनाई है।

मिनोरू योशिदा ने जापानी प्रिंट के फूलों को साइकेडेलिक वस्तुओं में बदल दिया - इसका एक उदाहरण उभयलिंगी फूल है, जो दुनिया की पहली गतिज (चलती) मूर्तियों में से एक है।

गुगेनहाइम संग्रहालय में प्रदर्शनी के क्यूरेटर इन कार्यों के राजनीतिक महत्व के बारे में बात करते हैं:

"गुटाई ने सामाजिक निष्क्रियता और अनुरूपता का मुकाबला करने के तरीकों के रूप में स्वतंत्र व्यक्तिगत कार्रवाई, दर्शकों की अपेक्षाओं को ध्वस्त करने और यहां तक ​​कि मूर्खता के महत्व को प्रदर्शित किया, जिसने दशकों से एक सैन्यवादी सरकार को बड़े पैमाने पर प्रभाव हासिल करने, चीन पर आक्रमण करने और फिर द्वितीय विश्व युद्ध में शामिल हों।"

अच्छा और बुद्धिमान. 1960 के दशक में कलाकार जापान छोड़कर अमेरिका क्यों चले गए?

युद्ध के बाद जापान में गुटाई नियम का अपवाद था। अवंत-गार्डे समूह हाशिए पर रहे, कला जगत सख्ती से पदानुक्रमित था। मान्यता प्राप्त करने का मुख्य तरीका शास्त्रीय कलाकारों के मान्यता प्राप्त संघों द्वारा आयोजित प्रतियोगिताओं में भाग लेना था। इसलिए, कई लोगों ने पश्चिम जाकर अंग्रेजी भाषा की कला प्रणाली में एकीकृत होना पसंद किया।

यह महिलाओं के लिए विशेष रूप से कठिन था। यहां तक ​​कि प्रगतिशील गुटाई में भी उनकी उपस्थिति का हिस्सा पांचवें हिस्से तक भी नहीं पहुंच पाया। हम पारंपरिक संस्थानों के बारे में क्या कह सकते हैं, जिन तक पहुंच के लिए विशेष शिक्षा की आवश्यकता होती है। साठ के दशक तक, लड़कियों ने पहले ही इसका अधिकार हासिल कर लिया था, हालाँकि, कला सीखना (यदि यह सजावटी के बारे में नहीं था, जो कौशल सेट का हिस्सा था) रयोसाई केनबो- एक अच्छी पत्नी और एक बुद्धिमान माँ) व्यवसाय को लेकर सामाजिक रूप से निराश थी।

योको ओनो। कटा हुआ टुकड़ा

टोक्यो से संयुक्त राज्य अमेरिका में पांच शक्तिशाली जापानी महिला कलाकारों के प्रवास की कहानी मिदोरी योशिमोटो के अध्ययन "इनटू परफॉर्मेंस: जापानी महिला कलाकार इन न्यूयॉर्क" का विषय थी। यायोई कुसामा, ताकाको सैतो, मीको शियोमी और शिगेको कुबोटा ने अपने करियर की शुरुआत में न्यूयॉर्क जाने का फैसला किया और वहां जापानी कला की परंपराओं के आधुनिकीकरण सहित काम किया। केवल योको ओनो अमेरिका में पली-बढ़ीं - लेकिन उन्होंने जानबूझकर जापान लौटने से इनकार कर दिया, 1962-1964 में अपने छोटे प्रवास के दौरान टोक्यो के कलात्मक पदानुक्रम से उनका मोहभंग हो गया था।

ओनो न केवल जॉन लेनन की पत्नी के रूप में, बल्कि महिला शरीर के वस्तुकरण के लिए समर्पित प्रोटो-नारीवादी प्रदर्शनों के लेखक के रूप में भी पांचों में सबसे प्रसिद्ध हो गईं। कट पीस इट, जिसमें दर्शक कलाकार के कपड़ों के टुकड़े काट सकते हैं, और "प्रदर्शन की दादी" मरीना अब्रामोविक की "रिदम 0" के बीच स्पष्ट समानताएं हैं।

छोटे पैरों पर. लेखक का अभिनय प्रशिक्षण तदाशी सुजुकी कैसे पास करें

ओनो और गुटाई के मामले में, लेखकों से अलग उनके काम के तरीके और विषय अंतरराष्ट्रीय स्तर पर महत्वपूर्ण हो गए। निर्यात के अन्य रूप भी हैं - जब कलाकार के कार्यों को अंतर्राष्ट्रीय क्षेत्र में रुचि के साथ माना जाता है, लेकिन इसकी विशिष्टता के कारण वास्तविक पद्धति का उधार नहीं लिया जाता है। सबसे चौंकाने वाला मामला तदाशी सुजुकी की अभिनय प्रशिक्षण प्रणाली है।

सुजुकी थिएटर को रूस में भी पसंद किया जाता है - और यह आश्चर्य की बात नहीं है। पिछली बारवह 2016 में यूरिपिड्स के ग्रंथों पर आधारित "द ट्रोजन वुमेन" के प्रदर्शन के साथ हमारे साथ थे, और 2000 के दशक में वह शेक्सपियर और चेखव की प्रस्तुतियों के साथ कई बार आए। सुज़ुकी ने नाटकों की कार्रवाई को वर्तमान जापानी संदर्भ में स्थानांतरित कर दिया और ग्रंथों की गैर-स्पष्ट व्याख्याओं की पेशकश की: उन्होंने इवानोव में यहूदी विरोधी भावना की खोज की और इसकी तुलना चीनियों के प्रति जापानियों के तिरस्कारपूर्ण रवैये से की, किंग लियर की कार्रवाई को स्थानांतरित कर दिया। एक जापानी पागलखाना.

सुज़ुकी ने रूसी थिएटर स्कूल के विरोध में अपना सिस्टम बनाया। में देर से XIXशताब्दी, तथाकथित मीजी काल के दौरान, आधुनिकीकरण कर रहे शाही जापान ने विपक्षी आंदोलनों के उदय का अनुभव किया। इसका परिणाम पहले से बेहद बंद संस्कृति का बड़े पैमाने पर पश्चिमीकरण था। आयातित रूपों में स्टैनिस्लावस्की प्रणाली थी, जो अभी भी जापान (और रूस में) में मुख्य निर्देशकीय विधियों में से एक है।

सुजुकी व्यायाम

साठ के दशक में, जब सुज़ुकी ने अपना करियर शुरू किया, तो यह थीसिस अधिक से अधिक फैल रही थी कि उनकी शारीरिक विशेषताओं के कारण, जापानी अभिनेता पश्चिमी ग्रंथों की भूमिकाओं के आदी नहीं हो सकते थे जो तत्कालीन प्रदर्शनों की सूची में थे। युवा निर्देशक सबसे ठोस विकल्प पेश करने में कामयाब रहे।

सुज़ुकी की व्यायाम प्रणाली, जिसे लेग ग्रामर कहा जाता है, में बैठने के दर्जनों तरीके और यहां तक ​​कि खड़े होने और चलने के कई तरीके शामिल हैं।

उनके अभिनेता आमतौर पर नंगे पैर खेलते हैं और गुरुत्वाकर्षण के केंद्र को कम करके, जितना संभव हो सके जमीन से कसकर बांधे हुए, भारी लगते हैं। सुजुकी उन्हें और विदेशी कलाकारों को आधुनिक उपकरणों से भरे प्राचीन जापानी घरों में टोगा गांव में अपनी तकनीक सिखाती है। उनकी मंडली साल में केवल लगभग 70 प्रस्तुतियाँ देती है, और बाकी समय वह लगभग गाँव छोड़े बिना और व्यक्तिगत मामलों के लिए समय नहीं होने पर रहते हैं - केवल काम करते हैं।

टोगा सेंटर 1970 के दशक में सामने आया और इसे निदेशक के अनुरोध पर विश्व प्रसिद्ध वास्तुकार अराता इसोज़का द्वारा डिजाइन किया गया था। सुज़ुकी की व्यवस्था पितृसत्तात्मक और रूढ़िवादी लग सकती है, लेकिन वह स्वयं विकेंद्रीकरण के आधुनिक संदर्भ में टोगा के बारे में बात करते हैं। 2000 के दशक के मध्य में भी, सुजुकी ने राजधानी से क्षेत्रों में कला निर्यात करने और स्थानीय उत्पादन बिंदुओं को व्यवस्थित करने के महत्व को समझा। निर्देशक के अनुसार, जापान का नाटकीय मानचित्र कई मायनों में रूसी जैसा दिखता है - कला टोक्यो और कई छोटे केंद्रों में केंद्रित है। रूसी थिएटर को एक ऐसी कंपनी से भी लाभ होगा जो नियमित रूप से छोटे शहरों में दौरे पर जाती है और राजधानी से दूर स्थित है।

टोगा में SCOT कंपनी केंद्र

फूलों की पगडंडियाँ. आधुनिक रंगमंच ने नोह और काबुकी प्रणालियों में किस संसाधन की खोज की?

सुज़ुकी पद्धति दो प्राचीन जापानी परंपराओं से विकसित हुई है - लेकिन काबुकी से भी। ऐसा नहीं है कि इस प्रकार के रंगमंच को अक्सर चलने की कला के रूप में जाना जाता है, बल्कि अधिक स्पष्ट विवरण में भी। सुजुकी अक्सर पुरुषों द्वारा सभी भूमिकाओं के प्रदर्शन के बारे में नियम का पालन करती है, विशिष्ट स्थानिक समाधानों का उपयोग करती है, उदाहरण के लिए, काबुकी नमूने के हनामिची ("फूलों का पथ") - मंच से सभागार की गहराई तक फैला हुआ एक मंच। वह फूलों और स्क्रॉल जैसे काफी पहचाने जाने योग्य प्रतीकों का भी उपयोग करता है।

निःसंदेह, वैश्विक दुनिया में चर्चा हैजापानियों को अपने राष्ट्रीय रूपों का उपयोग करने के विशेषाधिकार के बारे में।

हमारे समय के सबसे महत्वपूर्ण निर्देशकों में से एक, अमेरिकी रॉबर्ट विल्सन का थिएटर, लेकिन से उधार लेकर बनाया गया था।

वह न केवल मुखौटे और मेकअप का उपयोग करता है जो जापान के बड़े पैमाने पर दर्शकों को याद दिलाता है, बल्कि आंदोलन की अधिकतम मंदी और हावभाव की आत्मनिर्भर अभिव्यक्ति के आधार पर अभिनय के तरीके भी उधार लेता है। अल्ट्रा-आधुनिक प्रकाश स्कोर और न्यूनतम संगीत (विल्सन के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक फिलिप ग्लास के ओपेरा आइंस्टीन ऑन द बीच का निर्माण है) के साथ पारंपरिक और अनुष्ठानिक रूपों का संयोजन, विल्सन मूल रूप से उत्पत्ति और प्रासंगिकता के संश्लेषण का उत्पादन करता है जिसके लिए अधिकांश आधुनिक कला प्रयास करती है .

रॉबर्ट विल्सन. "आइंस्टीन ऑन द बीच"

नो और काबुकी से एक स्तंभ विकसित हुआ समकालीन नृत्य- बुटो, शाब्दिक अनुवाद - अंधेरे का नृत्य। 1959 में कोरियोग्राफर काज़ुओ ओनो और तात्सुमी हिजिकाता द्वारा आविष्कार किया गया था, जिन्होंने पैरों पर गुरुत्वाकर्षण और एकाग्रता के निम्न केंद्र को भी चित्रित किया था, बुटोह दर्दनाक युद्ध के अनुभवों से शारीरिक आयाम में प्रतिबिंब लाने के बारे में था।

“उन्होंने शरीर को बीमार, ढहता हुआ, यहां तक ​​कि विकराल, राक्षसी दिखाया।<…>चालें या तो धीमी होती हैं, या जानबूझकर तेज़, विस्फोटक होती हैं। इसके लिए, एक विशेष तकनीक का उपयोग किया जाता है, जब कंकाल की हड्डी के लीवर के कारण मुख्य मांसपेशियों को शामिल किए बिना आंदोलन किया जाता है, "नृत्य इतिहासकार इरिना सिरोटकिना ने शरीर की मुक्ति के इतिहास में बुटोह को लिखा है, जोड़ता है यह बैले मानकता से प्रस्थान के साथ है। वह बुटोह की तुलना 20वीं सदी की शुरुआत के नर्तकियों और कोरियोग्राफरों - इसाडोरा डंकन, मार्था ग्राहम, मैरी विगमैन की प्रथाओं से करती है, और बाद के "उत्तर आधुनिक" नृत्य पर प्रभाव की बात करती है।

बुटोह परंपरा के आधुनिक उत्तराधिकारी कत्सुरा काना के नृत्य का एक अंश

आज, बुटोह अपने मूल रूप में एक अवंत-गार्डे अभ्यास नहीं है, बल्कि एक ऐतिहासिक पुनर्निर्माण है।

हालाँकि, ओनो, हिजिकाटा और उनके अनुयायियों द्वारा विकसित आंदोलन शब्दावली आधुनिक कोरियोग्राफरों के लिए एक महत्वपूर्ण संसाधन बनी हुई है। पश्चिम में, इसका उपयोग दिमित्रिस पापियोअनौ, एंटोन एडासिंस्की और यहां तक ​​कि द वीकेंड के "बेलोंग टू द वर्ल्ड" के वीडियो में भी किया जाता है। जापान में, बुटोह परंपरा के उत्तराधिकारी, उदाहरण के लिए, सबुरो तेशीगवारा हैं, जो अक्टूबर में रूस आएंगे। हालाँकि वह स्वयं अंधेरे के नृत्य के साथ समानता से इनकार करते हैं, आलोचकों को काफी पहचानने योग्य संकेत मिलते हैं: एक प्रतीत होता है कि हड्डी रहित शरीर, नाजुकता, नीरव कदम। सच है, उन्हें पहले से ही उत्तर-आधुनिकतावादी कोरियोग्राफी के संदर्भ में रखा गया है - इसकी उच्च गति, दौड़, उत्तर-औद्योगिक शोर संगीत के साथ काम।

सबुरो तेशीगवारा. कायापलट

स्थानीय रूप से वैश्विक. समकालीन जापानी कला पश्चिमी कला के समान कैसे है?

तेशिगवारा और उनके कई सहयोगियों की कृतियाँ सर्वश्रेष्ठ पश्चिमी समकालीन नृत्य उत्सवों के कार्यक्रमों में व्यवस्थित रूप से फिट बैठती हैं। यदि आप जापानी थिएटर के सबसे बड़े वार्षिक शो - फेस्टिवल/टोक्यो में दिखाए गए प्रदर्शनों और प्रदर्शनों के विवरण पर नज़र डालें, तो यूरोपीय रुझानों से मूलभूत अंतरों को नोटिस करना मुश्किल होगा।

केंद्रीय विषयों में से एक साइट-विशिष्टता है - जापानी कलाकार टोक्यो के स्थानों का पता लगाते हैं, जिसमें गगनचुंबी इमारतों के रूप में पूंजीवाद के झुरमुटों से लेकर ओटाकू एकाग्रता के सीमांत क्षेत्रों तक शामिल हैं।

एक अन्य विषय अंतरपीढ़ीगत गलतफहमी का अध्ययन है, विभिन्न उम्र के लोगों की लाइव मीटिंग और संगठित संचार के स्थान के रूप में थिएटर। तोशिका ओकाडा और अकीरा तनयामा द्वारा उन्हें समर्पित परियोजनाओं को प्रदर्शन कला के प्रमुख यूरोपीय त्योहारों में से एक में लगातार कई वर्षों तक वियना में लाया गया था। 2000 के दशक के अंत तक मंच पर वृत्तचित्र सामग्री और व्यक्तिगत कहानियों के हस्तांतरण में कुछ भी नया नहीं था, लेकिन वियना महोत्सव के क्यूरेटर ने इन परियोजनाओं को दूसरे के साथ लाइव, पॉइंट-टू-पॉइंट संपर्क के अवसर के रूप में जनता के सामने प्रस्तुत किया। संस्कृति।

एक अन्य मुख्य लाइन दर्दनाक अनुभव के माध्यम से काम करना है। जापानियों के लिए, यह गुलाग या नरसंहार से नहीं, बल्कि हिरोशिमा और नागासाकी पर बमबारी से जुड़ा है। थिएटर उन्हें लगातार संदर्भित करता है, लेकिन सभी आधुनिक जापानी संस्कृति की उत्पत्ति के क्षण के रूप में परमाणु विस्फोटों के बारे में सबसे शक्तिशाली बयान अभी भी ताकाशी मुराकामी का है।

प्रदर्शनी के लिए "लिटिल बॉय: द आर्ट्स ऑफ़ जापानज़ एक्सप्लोडिंग सबकल्चर"

"लिटिल बॉय: द आर्ट्स ऑफ़ जापानज़ एक्सप्लोडिंग सबकल्चर" 2005 में न्यूयॉर्क में दिखाए गए उनके क्यूरेटेड प्रोजेक्ट का शीर्षक है। "लिटिल बॉय" - रूसी में "बेबी" - 1945 में जापान पर गिराए गए बमों में से एक का नाम। प्रमुख चित्रकारों से सैकड़ों मंगा कॉमिक्स, विशिष्ट पुराने खिलौने, गॉडज़िला से हैलो किट्टी तक प्रसिद्ध एनीमे से प्रेरित माल का संग्रह करते हुए, मुराकामी ने संग्रहालय क्षेत्र में क्यूटनेस - कावई - की एकाग्रता को सीमा तक बढ़ा दिया है। उसी समय, उन्होंने एनिमेशन का एक चयन लॉन्च किया, जिसमें विस्फोटों, नंगी धरती और नष्ट हुए शहरों की तस्वीरें केंद्रीय छवियां बन गईं।

यह विरोध अभिघातजन्य तनाव विकार से निपटने के तरीके के रूप में जापानी संस्कृति के शिशुकरण के बारे में पहला बड़ा बयान था।

अब यह निष्कर्ष पहले से ही स्पष्ट प्रतीत होता है। इनुहिको योमोटा द्वारा कावई का एक अकादमिक अध्ययन इस पर बनाया गया है।

बाद के दर्दनाक ट्रिगर भी हैं। सबसे महत्वपूर्ण में से - 11 मार्च, 2011 की घटनाएँ, भूकंप और सुनामी जिसके कारण फुकुशिमा परमाणु ऊर्जा संयंत्र में एक बड़ी दुर्घटना हुई। फेस्टिवल/टोक्यो-2018 में, छह प्रदर्शनों का एक पूरा कार्यक्रम प्राकृतिक और तकनीकी आपदा के परिणामों को समझने के लिए समर्पित था; वे सोल्यंका में प्रस्तुत कार्यों में से एक का विषय भी बन गए। यह उदाहरण स्पष्ट रूप से दर्शाता है कि शस्त्रागार महत्वपूर्ण तरीकेपश्चिमी और जापानी कला मौलिक रूप से भिन्न नहीं हैं। हारुयुकी इशी ने तीन टेलीविजन सेटों का एक इंस्टालेशन बनाया है जो भूकंप के बारे में टेलीविजन कार्यक्रमों से उच्च गति से संपादित और लूप किए गए फुटेज को लूप करता है।

क्यूरेटर बताते हैं, "यह काम 111 वीडियो से बना है, जिसे कलाकार हर दिन समाचारों में देखता था, जब तक कि वह जो कुछ भी देखता था उसे काल्पनिक नहीं माना जाता था।" "न्यू जापान" एक अभिव्यंजक उदाहरण है कि कैसे कला राष्ट्रीय मिथकों के आधार पर व्याख्या का विरोध नहीं करती है, लेकिन साथ ही आलोचनात्मक दृष्टियह पाया गया कि वही व्याख्या किसी भी मूल की कला के लिए प्रासंगिक हो सकती है। क्यूरेटर लाओ त्ज़ु के उद्धरणों का सहारा लेते हुए चिंतन को जापानी परंपरा का आधार बताते हैं। साथ ही, जैसे कि कोष्ठक से बाहर निकलते हुए कि लगभग सभी समकालीन कला "पर्यवेक्षक प्रभाव" (जैसा कि प्रदर्शनी कहा जाता है) पर केंद्रित है - चाहे परिचित घटनाओं की धारणा के लिए नए संदर्भ बनाने के रूप में या बढ़ाने में इस प्रकार पर्याप्त धारणा की संभावना का प्रश्न।

इमेजिनेटेड कम्युनिटीज़ - वीडियो कलाकार हारुयुकी इशी का एक और काम

खेल

हालाँकि, किसी को यह नहीं सोचना चाहिए कि 2010 का जापान प्रगतिशीलता का केंद्र है।

अच्छी पुरानी परंपरावाद की आदतें और प्राच्यवादी विदेशीवाद के प्रति प्रेम अभी तक समाप्त नहीं हुआ है। "द थिएटर ऑफ़ वर्जिन्स" रूसी रूढ़िवादी पत्रिका "पीटीजे" में जापानी थिएटर "तकराज़ुका" के बारे में एक प्रशंसनीय लेख का शीर्षक है। तकराज़ुका 19वीं शताब्दी के अंत में इसी नाम के एक सुदूर शहर में पर्यटकों को आकर्षित करने के लिए एक व्यावसायिक परियोजना के रूप में सामने आया, जो गलती से एक निजी रेलवे का टर्मिनस बन गया। थिएटर में केवल अविवाहित लड़कियाँ ही खेलती हैं, जो रेलवे के मालिक के अनुसार, पुरुष दर्शकों को शहर की ओर आकर्षित करने वाली थी। आज, तकराज़ुका एक उद्योग के रूप में कार्य करता है - अपने स्वयं के टीवी चैनल के साथ संगीत कार्यक्रम, यहां तक ​​कि स्थानीय मनोरंजन पार्क भी। लेकिन केवल अविवाहित लड़कियों को ही मंडली में शामिल होने का अधिकार है - आशा करते हैं कि वे कम से कम कौमार्य की जाँच नहीं करेंगी।

हालाँकि, तकराज़ुका क्योटो के तोजी डीलक्स क्लब की तुलना में फीका है, जिसे जापानी थिएटर भी कहते हैं। वे देखते हुए बिल्कुल जंगली दिखते हैं विवरणन्यू यॉर्कर स्तंभकार इयान बुरुमा, स्ट्रिपटीज़ शो: मंच पर कई नग्न लड़कियां जननांगों के प्रदर्शन को एक सार्वजनिक अनुष्ठान में बदल देती हैं।

कई कलात्मक प्रथाओं की तरह, यह शो प्राचीन किंवदंतियों पर आधारित है (एक मोमबत्ती और एक आवर्धक कांच की मदद से, दर्शकों में से पुरुष बारी-बारी से "देवी माँ अमातरसु के रहस्यों" की खोज कर सकते हैं), और लेखक को खुद याद दिलाया गया था नोह परंपरा का.

खोज पश्चिमी समकक्ष"तकराज़ुकी" और तोजी के लिए हम इसे पाठक पर छोड़ देंगे - उन्हें ढूंढना मुश्किल नहीं है। हम केवल इस बात पर ध्यान देते हैं कि आधुनिक कला का एक महत्वपूर्ण हिस्सा उत्पीड़न की ऐसी प्रथाओं का मुकाबला करने के लिए निर्देशित है - पश्चिमी और जापानी दोनों, सुपरफ्लैट से लेकर बुटोह नृत्य तक।

इस लेख के साथ, मैं जापानी ललित कला के इतिहास पर लेखों की एक श्रृंखला शुरू करता हूँ। ये पोस्ट मुख्य रूप से हेयान काल से शुरू होने वाली पेंटिंग पर केंद्रित होंगी, और यह लेख एक परिचय है और 8वीं शताब्दी तक कला के विकास का वर्णन करता है।

जोमोन काल
जापानी संस्कृतिइसकी जड़ें बहुत प्राचीन हैं - सबसे प्रारंभिक खोज 10वीं सहस्राब्दी ईसा पूर्व की है। इ। लेकिन आधिकारिक तौर पर जोमोन काल की शुरुआत 4500 ईसा पूर्व मानी जाती है। इ। इस अवधि के बारे में नेकोकिट बहुत अच्छी पोस्ट लिखी.
जोमोन मिट्टी के बर्तनों की विशिष्टता यह है कि आमतौर पर विकास के साथ-साथ मिट्टी के बर्तनों की उपस्थिति भी होती है कृषिनवपाषाण काल ​​की शुरुआत का संकेत देता है। हालाँकि, मेसोलिथिक युग में भी, कृषि के आगमन से कई हजार साल पहले, जोमन शिकारी-संग्रहकर्ताओं ने एक जटिल आकार के मिट्टी के बर्तन बनाए थे।

मिट्टी के बर्तनों की बहुत प्रारंभिक उपस्थिति के बावजूद, जोमोन युग के लोगों ने तकनीक बहुत धीरे-धीरे विकसित की और पाषाण युग के स्तर पर ही बने रहे।

मध्य जोमोन काल (2500-1500 ईसा पूर्व) के दौरान, चीनी मिट्टी की मूर्तियाँ दिखाई दीं। लेकिन मध्य और उत्तर (1000-300 ईसा पूर्व) दोनों कालों में वे अमूर्त और अत्यधिक शैलीबद्ध बने रहे।

एबिसुडा, ताजिरी-चो, मियागी.एच से। 36.0.
जोमन काल, 1000-400 ई.पू.
टोक्यो राष्ट्रीय संग्रहालय

वैसे, यूफोलॉजिस्ट का मानना ​​है कि ये एलियंस की तस्वीरें हैं। इन मूर्तियों में वे अपने चेहरे पर स्पेससूट, चश्मा और ऑक्सीजन मास्क देखते हैं, और वे "सूट" पर सर्पिल की छवियों को आकाशगंगाओं के मानचित्र मानते हैं।

यायोई काल
यायोई एक छोटी अवधि है जापानी इतिहास 300 ईसा पूर्व से 300 ईस्वी तक चला, जिसमें जापानी समाज में सबसे नाटकीय सांस्कृतिक परिवर्तन हुए। इस अवधि के दौरान, जो जनजातियाँ मुख्य भूमि से आईं और विस्थापित हुईं स्वदेशी लोगजापानी द्वीप अपनी संस्कृति और चावल की खेती और कांस्य प्रसंस्करण जैसी नई तकनीकें लाए। फिर, यायोई काल की अधिकांश कला और तकनीक कोरिया और चीन से आयात की गई थी।

कोफुन काल
300 से 500 वर्षों के बीच, आदिवासी नेताओं को "कोफुन" नामक टीलों में दफनाया गया था। इस काल को इसी नाम से पुकारा जाता है।

जिन चीज़ों की मृतकों को आवश्यकता हो सकती थी उन्हें कब्रों में रखा गया था। ये हैं भोजन, उपकरण और हथियार, गहने, मिट्टी के बर्तन, दर्पण और सबसे दिलचस्प - मिट्टी की मूर्तियाँ जिन्हें "हनीवा" कहा जाता है।

कोकाई, ओइज़ुमी-माची, गुनमा.एच.68.5 से।
कोफुन काल, छठी शताब्दी।
टोक्यो राष्ट्रीय संग्रहालय

मूर्तियों का सटीक उद्देश्य अज्ञात है, लेकिन वे कोफुन युग के सभी कब्रिस्तानों में पाए जाते हैं। इन छोटी मूर्तियों से कोई कल्पना कर सकता है कि उस समय लोग कैसे रहते थे, क्योंकि लोगों को औजारों और हथियारों के साथ और कभी-कभी घरों के बगल में चित्रित किया गया है।

चीनी परंपराओं से प्रभावित होने के कारण इन मूर्तियों में केवल स्थानीय कला में निहित स्वतंत्र तत्व हैं।

महिला नर्तक, पश्चिमी हान राजवंश (206 ई.पू.-9 ई.पू.), दूसरी शताब्दी ई.पू.
चीन
मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट, एनवाई

कोफुन काल के दौरान, मूर्तियाँ अधिक परिष्कृत और अधिक से अधिक भिन्न हो गईं। ये सैनिकों, शिकारियों, गायकों, नर्तकों आदि की छवियां हैं।

नोहारा, कोनन-माची, सैतामा से। वर्तमान एच. 64.2, 57.3।
कोफुन काल, छठी शताब्दी।
टोक्यो राष्ट्रीय संग्रहालय

इन मूर्तियों की एक और खासियत है. हनिवा न केवल प्रतिनिधित्व करते हैं सामाजिक कार्यलेकिन आकृति का मूड भी। उदाहरण के लिए, एक योद्धा के चेहरे पर कठोर भाव होते हैं। और किसानों के चेहरों पर भारी मुस्कान आ गई।

इज़ुका-चो, ओटा-शि, गुनमा.एच से। 130.5.
कोफुन काल, छठी शताब्दी।
टोक्यो राष्ट्रीय संग्रहालय

असुका काल
यायोई काल से, जापानी कला कोरियाई या चीनी कला से अविभाज्य रही है। यह सातवीं और आठवीं शताब्दी में सबसे अधिक ध्यान देने योग्य हो जाता है, जब जापानी कला तेजी से विभिन्न दृश्य शैलियों में विकसित होने लगी।

6वीं शताब्दी में, जापानी समाज में कार्डिनल परिवर्तन हुए: यामातो के पहले जापानी राज्य ने अंततः आकार लिया, और साथ ही, 552 में, बौद्ध धर्म जापान में आया, अपने साथ बौद्ध मूर्तिकला और एक मंदिर की अवधारणा लेकर आया, जिससे इसकी उपस्थिति हुई। जापान में मंदिरों की संख्या - शिंटो के साथ-साथ बौद्ध भी।
शिंटो मंदिरों ने अन्न भंडारों की वास्तुकला का अनुसरण किया (प्रारंभिक शिंटो मंदिर अन्न भंडार थे जहां फसल उत्सव आयोजित किए जाते थे। अनुष्ठान दावतों के दौरान, लोगों का मानना ​​था कि देवता उनके साथ दावत कर रहे थे।)
शिंटो देवता मुख्य रूप से प्राकृतिक शक्तियां हैं, इसलिए इन मंदिरों की वास्तुकला नदियों और जंगलों जैसी प्रकृति के साथ एकीकृत है। ये समझना ज़रूरी है. शिंटो वास्तुकला में, मानव निर्मित संरचनाएं प्राकृतिक दुनिया का विस्तार थीं।

पहला बौद्ध मंदिर, शितेनोजी, केवल 593 में ओसाका में बनाया गया था। ये शुरुआती मंदिर कोरियाई बौद्ध मंदिरों की नकल थे, जिनमें तीन इमारतों और एक ढके हुए गलियारे से घिरा एक केंद्रीय शिवालय शामिल था।

बौद्ध धर्म के प्रसार ने जापान और कोरिया के बीच चीन के साथ संपर्क और जापानी संस्कृति में चीनी संस्कृति के एकीकरण की सुविधा प्रदान की।

शुभ दोपहर, प्रिय पाठकों! मैं जापान के बारे में उन फीचर फिल्मों का चयन जारी रखता हूं जिन्हें मैं देखने की सलाह देता हूं। फिल्में, किताबों की तरह, आपको उगते सूरज के देश के निवासियों की जीवनशैली, मानसिकता और संस्कृति को जानने की अनुमति देती हैं।

जापान कला फ़िल्में:

1. सम्राट, जापान और संयुक्त राज्य अमेरिका के बीच एक संयुक्त फिल्म, 2012 में रिलीज़ हुई, शैली - सैन्य इतिहास, पिटर वेबर द्वारा निर्देशित। फिल्म द्वितीय विश्व युद्ध के बाद जापान में हुई घटनाओं को दिखाती है, जब अमेरिकी सैनिक व्यवस्था बहाल करने, युद्ध अपराधियों को गिरफ्तार करने और जापान के विकास के भविष्य के पाठ्यक्रम को निर्धारित करने के लिए जापान पहुंचे थे। स्थिति का दृश्य एक अमेरिकी जनरल की आंखों से दिखाया गया है जो युद्ध से पहले एक जापानी लड़की से प्यार करता था। उन्हें युद्ध छेड़ने में जापान के सम्राट हिरोहितो के अपराध की डिग्री निर्धारित करने की आवश्यकता थी।

यह फिल्म ऐतिहासिक दृष्टिकोण से दिलचस्प है, क्योंकि यह उस समय की वास्तविक घटनाओं को दिखाती है। और जापान को न केवल एक आक्रामक देश के रूप में, बल्कि एक प्रभावित देश के रूप में भी प्रस्तुत किया जाता है - शहर पूरी तरह से नष्ट हो गए और जला दिए गए, परमाणु बमों के विस्फोट में सैकड़ों हजारों लोग जल गए।

2. शिनसेंगुमी, जिस वर्ष 1969 में यह फिल्म बनी थी, जापान में बनी थी, जिसका निर्देशन तदाशी सवाशिमा ने किया था।

फिल्म दिखाती है पिछले साल काटोकुगावा शोगुनेट का शासनकाल। जब टोकुगावा कबीले के अंतिम शोगुन की रक्षा के लिए स्वतंत्र समुराई (रोनिन) के एक समूह से एक छोटी टुकड़ी का गठन किया गया, तो यह स्व-घोषित पुलिस की तथाकथित टुकड़ी थी। हताश और बहादुर समुराई की इस सैन्य टुकड़ी का नेतृत्व जन्म से किसान कोंडो इसामी ने किया था। यह टुकड़ी आमने-सामने की लड़ाई में अपनी नायाब सैन्य निपुणता और शाही शक्ति पर शोगुनेट की जीत के विचारों के लिए प्रसिद्ध थी।

उसी विषय पर, आप एक वृत्तचित्र पा सकते हैं जो उस समय की घटनाओं को पुनर्स्थापित करता है और शिंसेंगुमी टुकड़ी और उसके कमांडर कोंडो इसामी के कार्यों का एक वस्तुनिष्ठ मूल्यांकन देता है। फिल्म पर आधारित है ऐतिहासिक घटनाओंऔर फीचर फिल्म व्यावहारिक रूप से वृत्तचित्र फिल्म के सार को नहीं बदलती है।

3. छिपा हुआ ब्लेड, जापान में निर्मित, 2004 में रिलीज़ हुई, योजी यामादा द्वारा निर्देशित। फिल्म का जॉनर ड्रामा, मेलोड्रामा है। फिल्म में घटित होता है उन्नीसवीं सदी के मध्य मेंजापान के उत्तर-पश्चिमी तट पर उनासाकू की छोटी रियासत में सदी। इस अवधि के दौरान, देश में महान परिवर्तन हुए, समुराई ने पश्चिमी तरीके से पुनर्निर्माण किया और आग्नेयास्त्रों और युद्ध के नए तरीकों में महारत हासिल की। जीवन के पुराने तरीके और हर नई चीज के बीच संघर्ष शुरू हो जाता है जो जापानियों के जीवन पर तेजी से कब्जा कर रहा है।

एक पुरुष और एक महिला के बीच संबंधों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, एक समुराई की छवि विनीत रूप से दिखाई जाती है, जिसमें सम्मान, गरिमा और ईमानदारी के नियमों का कड़ाई से पालन होता है। इस फिल्म को देखने के बाद आप एक बार फिर इस नतीजे पर पहुंचते हैं कि यह धारणा गलत है कि समुराई एक उग्रवादी वर्ग है। फ़िल्म के नायक के शब्दों में, "एक समुराई के लिए, किसी व्यक्ति को मारना उतना ही कठिन है जितना किसी और को मारना।"

4.मेरा बरसात के दिनों में, प्रोडक्शन जापान 2009, नाटक शैली। फिल्म एनजो-कसाई करती स्कूली छात्राओं की जिंदगी को दिखाती है। जब मुख्य पात्र एक युवा व्यक्ति, एक इतिहास शिक्षक, से मिलता है तो सब कुछ बदल जाता है। यह रोमांटिक फिल्म उनके बीच संबंधों के विकास के बारे में बताती है। बहुत प्यारी और मर्मस्पर्शी फिल्म.

5. एक विशेष स्तर पर प्यार- प्रोडक्शन जापान, फ़िल्म निर्देशक नाओतो कुमाज़ावा, रिलीज़ का वर्ष 2014, मेलोड्रामा शैली।

यह सब हाई स्कूल में शुरू होता है, कुरुरुकी यूनी एक हाई स्कूल की छात्रा है, होशियार है, अंग्रेजी को छोड़कर सभी विषयों में उसके उच्च अंक हैं। वह उद्देश्यपूर्ण और चतुर है, सभी भावनाओं को अपने अंदर छिपाती है और इसलिए बहुत अकेली है।

एक युवा अंग्रेजी शिक्षक, सकुराई, यूनी की दैनिक कक्षाएं सौंपता है। उसने ऐसा क्यों किया? कुकुरुकी को भाषा सिखाने की इच्छा या लड़की को उसके खोल से बाहर निकालने की इच्छा। लेकिन जो भी हो, अतिरिक्त कक्षाएं अंग्रेजी भाषाऐसा परिणाम आया जिसकी किसी को उम्मीद नहीं थी। फिल्म सुंदर है, सभी क्रियाएं न्यूनतम शब्दों और भावनाओं के खेल के साथ इत्मीनान से की गई हैं, खूबसूरत अभिनेता, शांत संगीत संगत. किशोर महिला दर्शकों के लिए डिज़ाइन किया गया। थोड़ा तंग लग सकता है.

6. मैं तुम्हें गले लगाना चाहता हूं- प्रोडक्शन जापान, फ़िल्म निर्देशक अकिहिको शियोटो, रिलीज़ का वर्ष 2014।

यह युवक मसामी और लड़की त्सुकासा के रिश्ते की दुखद और मार्मिक कहानी पर आधारित है सच्ची घटनाएँ. यह फिल्म होक्काइडो द्वीप पर घटित होती है। एक दिन, युवा बास्केटबॉल खिलाड़ियों का एक समूह जिम में आता है, जिसे उसी समय विकलांग लोगों के एक समूह द्वारा आरक्षित किया गया था। इस घटना ने टैक्सी ड्राइवर मसामी को, जो स्कूल के समय से ही बास्केटबॉल खेल रहा है, त्सुकासा से मिलने का मौका दिया, जो एक कार दुर्घटना के परिणामस्वरूप विकलांग हो गया था।

त्सुकासा को किसी अमान्य की तरह व्यवहार किया जाना पसंद नहीं है। दुर्घटना के गंभीर परिणामों से बचकर और धीरे-धीरे जीवन में लौटकर वह मजबूत हो गई। मसामी, बदले में, एक दयालु और सज्जन व्यक्ति हैं। उनके रिश्ते को दोनों तरफ के माता-पिता समझ नहीं पाए, लेकिन इसके बावजूद युवा मिलते रहे। यह महसूस करते हुए कि युवा लोगों के ईमानदार माता-पिता के रिश्ते को भी त्सुकासा से प्यार हो गया। व्हीलचेयर पर बैठे एक खूबसूरत युवक और लड़की की शानदार शादी हुई, लेकिन जिंदगी का अपना तरीका होता है...

आर्टेलिनो

कात्सुशिका होकुसाई (1760-1849) द्वारा लिखित द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा सबसे प्रसिद्ध प्रिंटों में से एक है और फ़ूजी श्रृंखला के छत्तीस दृश्यों की पहली शीट है। 1830 के दशक की शुरुआत में, ईजुडो पब्लिशिंग हाउस द्वारा नियुक्त कात्सुशिका होकुसाई ने 46 शीट (36 मुख्य और 10 अतिरिक्त) की एक श्रृंखला बनाना शुरू किया, और द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा एक उत्कीर्णन था जो पूरी श्रृंखला को खोलता है।

उत्कीर्णन के ऐसे संग्रह उस समय के नगरवासियों के लिए एक प्रकार के " आभासी यात्रा”, जिज्ञासा को संतुष्ट करने का एक तरीका - सुविधाजनक और सस्ता। फ़ूजी जैसे प्रिंट की कीमत लगभग 20 महीने थी - जो उस समय के जापानी भोजनालय में नूडल्स के दोगुने हिस्से के बराबर थी। हालाँकि, सफलता इतनी शानदार थी कि 1838 तक होकुसाई की शीट की लागत लगभग 50 मोन तक बढ़ गई थी, और मास्टर की मृत्यु के बाद, अकेले वेव को 1000 से अधिक बार नए बोर्डों से पुनर्मुद्रित किया गया था।

यह आश्चर्य की बात है कि, पूरी श्रृंखला के घोषित विषय के बावजूद, द वेव में फ़ूजी जैसा खेलता है छोटी भूमिका. अध्यक्ष " अभिनेता”इस उत्कीर्णन पर एक लहर है, और अग्रभूमि में तत्वों के साथ एक आदमी के संघर्ष का एक नाटकीय दृश्य सामने आता है। फोम शिखा के किनारे एक शानदार क्रोधित दानव की मुड़ी हुई उंगलियों की तरह दिखते हैं, और नावों में मानव आकृतियों की चेहराविहीनता और निष्क्रियता इसमें कोई संदेह नहीं छोड़ती है कि इस लड़ाई में विजेता कौन होगा। हालाँकि, यह वह टकराव नहीं है जो संघर्ष है जो उत्कीर्णन की साजिश बनाता है।
उस क्षण को रोककर जिसके बाद नावें दुर्घटनाग्रस्त हो गईं, होकुसाई दर्शकों को फ़ूजी को एक पल के लिए भूरे आकाश के नीचे, क्षितिज की ओर अंधेरा होते हुए देखने की अनुमति देता है। हालाँकि जापानी उत्कीर्णक पहले से ही यूरोपीय रैखिक और के सिद्धांतों से परिचित थे हवाई परिप्रेक्ष्यउन्हें इस तकनीक की जरूरत महसूस नहीं हुई. अँधेरी पृष्ठभूमि, साथ ही टकटकी की लंबी यात्रा अग्रभूमिफ़ूजी की ओर लहर की गति के माध्यम से नावों के साथ, आंखों को विश्वास दिलाएं कि पवित्र पर्वत समुद्र के विस्तार से हमसे अलग हो गया है।

तूफानी तत्वों के विपरीत, फ़ूजी स्थिरता और निरंतरता के प्रतीक के रूप में किनारे से बहुत दूर उगता है। विरोधों की एकता और अन्योन्याश्रयता विश्वदृष्टि में ब्रह्मांडीय व्यवस्था और पूर्ण सामंजस्य के विचार को रेखांकित करती है सुदूर पूर्व, और यह वे थे जो उत्कीर्णन "द ग्रेट वेव ऑफ कनागावा" का मुख्य विषय बन गए, जो कटुशिका होकुसाई द्वारा श्रृंखला की शुरुआत करता है।

कितागावा उटामारो द्वारा "ब्यूटी नानिवाया ओकिता", 1795-1796

शिकागो का कला संस्थान

कितागावा उतामारो (1753-1806) को उचित ही गायक कहा जा सकता है महिला सौंदर्यजापानी प्रिंट में Ukiyo ए: उन्होंने जापानी सुंदरियों की कई विहित छवियां बनाईं ( बिजिंगा) - जापान की राजधानी ईदो में चाय घरों और प्रसिद्ध मनोरंजन क्वार्टर योशिवारा के निवासी ईदो — 1868 से पहले टोक्यो का नाम..

बिजिंगा उत्कीर्णन में, सब कुछ वैसा नहीं है जैसा आधुनिक दर्शक को दिखता है। अमीर कपड़े पहनने वाली कुलीन महिलाएं, एक नियम के रूप में, शर्मनाक शिल्प में लगी हुई थीं और निम्न वर्ग से संबंधित थीं, और सुंदरियों के चित्रों के साथ उत्कीर्णन का खुले तौर पर विज्ञापन समारोह था। उसी समय, उत्कीर्णन ने लड़की की उपस्थिति का अंदाजा नहीं दिया, और हालांकि असाकुसा मंदिर के पास नानिवाया चाय घर की ओकिता को एदो की पहली सुंदरता माना जाता था, उत्कीर्णन में उसका चेहरा है व्यक्तित्व से पूर्णतः रहित।

जापानी में महिला चित्र ललित कला 10वीं शताब्दी से, वे अतिसूक्ष्मवाद के सिद्धांत के अधीन रहे हैं। "लाइन-आई, हुक-नाक" - तकनीक हिकिमे-कगिहानाकलाकार को केवल यह इंगित करने की अनुमति दी गई कि एक निश्चित महिला को चित्रित किया गया है: जापानी में पारंपरिक संस्कृतिशारीरिक सुंदरता का प्रश्न अक्सर छोड़ दिया जाता था। महिलाओं में महान जन्म"हृदय की सुंदरता" और शिक्षा को बहुत अधिक महत्व दिया जाता था, और खुशहाल इलाकों के निवासी हर चीज में उच्चतम मानकों का अनुकरण करने का प्रयास करते थे। उटामारो के मुताबिक, ओकिता वाकई खूबसूरत थी।

शीट "ब्यूटी नानिवाया ओकिता" 1795-1796 में "प्रसिद्ध सुंदरियों की तुलना छह अमर कवियों से की गई" श्रृंखला में छपी थी, जिसमें 9वीं शताब्दी के लेखकों में से एक ने प्रत्येक सुंदरता का वर्णन किया था। ऊपरी बाएँ कोने में ओकिता के चित्र वाली शीट पर अरिवारा नो नारिहिरा (825-880) की छवि है, जो जापान के सबसे सम्मानित कवियों में से एक हैं, जिनके लिए पारंपरिक रूप से इसे मोनोगेटरी उपन्यास का श्रेय दिया जाता है। यह महान रईस और प्रतिभाशाली कवि अपने प्रेम संबंधों के लिए भी प्रसिद्ध हुए, जिनमें से कुछ ने उपन्यास का आधार बनाया।

यह शीट तकनीक का एक अनोखा प्रयोग है mitate(तुलना) जापानी उत्कीर्णन में। एक आधिकारिक "प्रोटोटाइप" के गुणों को चित्रित सुंदरता में स्थानांतरित कर दिया जाता है, और एक शांत चेहरे के साथ मेहमान को चाय का कप परोसने वाली सुरुचिपूर्ण वेश्या को दर्शक पहले से ही कविता और प्रेम के कार्यों में कुशल महिला के रूप में पढ़ते हैं। अरिवारा नो नारिहिरा के साथ तुलना वास्तव में एदो सुंदरियों के बीच उसकी श्रेष्ठता की पहचान थी।

उसी समय, उतामारो आश्चर्यजनक रूप से गीतात्मक छवि बनाता है। पत्ती पर गहरे और हल्के धब्बों को संतुलित करते हुए और मधुर, सुंदर रेखाओं के साथ रूप को रेखांकित करते हुए, वह वास्तव में अनुग्रह और सद्भाव की एक आदर्श छवि बनाता है। "विज्ञापन" कम हो गया है, और उटामारो द्वारा पकड़ी गई सुंदरता कालातीत बनी हुई है।

ओगाटा कोरिन द्वारा स्क्रीन "इराइजेस", 1710

विकिमीडिया कॉमन्स / नेज़ू संग्रहालय, टोक्यो

छह-पैनल आईरिस स्क्रीन की एक जोड़ी - जो अब जापान का राष्ट्रीय खजाना है - क्योटो में निशि होंगान-जी मंदिर के लिए 1710 के आसपास ओगाटा कोरिन (1658-1716) द्वारा बनाई गई थी।

16वीं शताब्दी के बाद से, दीवार पैनलों और पेपर स्क्रीन पर पेंटिंग अग्रणी शैलियों में से एक बन गई है। सजावटी कलाजापान, और रिम्पा कला विद्यालय के संस्थापक ओगाटा कोरिन, इसके महानतम उस्तादों में से एक थे।

जापानी इंटीरियर में स्क्रीन ने एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। विशाल महल परिसर संरचनात्मक रूप से एक साधारण जापानी के आवासों से अलग नहीं था: उनमें लगभग कोई आंतरिक दीवारें नहीं थीं, और अंतरिक्ष को तह स्क्रीन के साथ ज़ोन किया गया था। डेढ़ मीटर से थोड़ी अधिक ऊंची, स्क्रीन सभी वर्गों की सामान्य जापानी परंपरा के अनुसार फर्श पर रहने के लिए डिज़ाइन की गई थी। जापान में, 19वीं शताब्दी तक ऊंची कुर्सियों और मेजों का उपयोग नहीं किया जाता था, और स्क्रीन की ऊंचाई, साथ ही इसकी पेंटिंग की संरचना, घुटनों पर बैठे व्यक्ति के दृश्य के लिए डिज़ाइन की गई है। यह इस दृष्टिकोण से है कि एक अद्भुत प्रभाव उत्पन्न होता है: irises बैठे हुए व्यक्ति को घेरने लगते हैं - और एक व्यक्ति खुद को नदी के तट पर, फूलों से घिरा हुआ महसूस कर सकता है।

आईरिस को गैर-समोच्च तरीके से चित्रित किया जाता है - लगभग प्रभावशाली, गहरे नीले, बकाइन और बैंगनी रंग के चौड़े स्ट्रोक इस फूल की शानदार भव्यता को व्यक्त करते हैं। सुरम्य प्रभाव को सोने की मंद चमक से बढ़ाया जाता है, जिसके विपरीत आईरिस को चित्रित किया गया है। स्क्रीन पर फूलों के अलावा और कुछ नहीं दर्शाया गया है, लेकिन उनकी विकास की कोणीय रेखा से पता चलता है कि फूल नदी के घुमावदार रास्ते या लकड़ी के पुलों के टेढ़े-मेढ़े मोड़ पर झुकते हैं। जापानियों के लिए स्क्रीन से एक पुल गायब देखना स्वाभाविक होगा, एक विशेष "आठ तख्तों का पुल" ( यत्सुहाशी), शास्त्रीय में irises के साथ जुड़ा हुआ है जापानी साहित्य. इसे मोनोगेटरी (9वीं शताब्दी) उपन्यास में राजधानी से निष्कासित एक नायक की दुखद यात्रा का वर्णन किया गया है। अपने अनुचर के साथ यत्सुहाशी पुल के पास नदी तट पर आराम करने के बाद, नायक, आँखों की पुतलियों को देखकर, अपने प्रिय को याद करता है और कविताएँ लिखता है:

मेरे प्रियतम वस्त्रों में
शोभायमान वहाँ, राजधानी में,
प्यार बाकी है...
और कितनी हसरत से सोचता हूँ
मैं उससे बहुत दूर हूं... एन.आई. कोनराड द्वारा अनुवाद।

"तो उसने मोड़ा, और सभी ने अपने सूखे चावल पर आँसू बहाए, ताकि वह नमी से फूल जाए," लेखक जोड़ता है और गीतात्मक नायककहानी सुनाना, अरिवारा नो नारिहिरा।

एक शिक्षित जापानी के लिए, ब्रिज द्वारा आईरिस और इसे मोनोगटारी, आईरिस और अलग हुए प्यार के विषय के बीच संबंध स्पष्ट था, और ओगाटा कोरिन वाचालता और चित्रण से बचते हैं। सजावटी पेंटिंग की मदद से, वह केवल प्रकाश, रंग और साहित्यिक अर्थों से भरा एक आदर्श स्थान बनाता है।

किंकाकुजी गोल्डन पवेलियन, क्योटो, 1397

येवगेन पोगोरीलोव / फ़्लिकर.कॉम, 2006

स्वर्ण मंदिर जापान के प्रतीकों में से एक है, विडंबना यह है कि इसके निर्माण की तुलना में इसके विनाश से अधिक महिमामंडित किया गया था। 1950 में, रोकुओन्जी मठ, जिसकी यह इमारत है, के एक मानसिक रूप से अस्थिर भिक्षु ने इसकी सतह पर खड़े एक तालाब में आग लगा दी।
मंडप 1950 में आग लगने के दौरान मंदिर लगभग नष्ट हो गया था। किंकाकु-जी में पुनर्स्थापना का काम 1955 में शुरू हुआ, 1987 तक समग्र रूप से पुनर्निर्माण पूरा हो गया, लेकिन पूरी तरह से खोई हुई आंतरिक सजावट की बहाली 2003 तक जारी रही।. उनके कृत्य का असली उद्देश्य अस्पष्ट रहा, लेकिन लेखक युकिओ मिशिमा की व्याख्या में, इस मंदिर की अप्राप्य, लगभग रहस्यमय सुंदरता को दोष दिया गया था। दरअसल, कई शताब्दियों तक किंकाकुजी को जापानी सुंदरता का प्रतीक माना जाता था।

1394 में, शोगुन अशिकागा योशिमित्सु (1358-1408), जिसने लगभग पूरे जापान को अपनी इच्छा के अधीन कर लिया, औपचारिक रूप से सेवानिवृत्त हो गया और उत्तरी क्योटो में एक विशेष रूप से निर्मित विला में बस गया। कृत्रिम झील क्योकोटी ("झील-मिरर") पर तीन-स्तरीय इमारत ने एक प्रकार के आश्रम, विश्राम, पढ़ने और प्रार्थना के लिए एक एकांत मंडप की भूमिका निभाई। इसमें शोगुन के चित्रों का संग्रह, एक पुस्तकालय और बौद्ध अवशेषों का संग्रह शामिल था। तट के पास पानी पर स्थित, किंकाकुजी का किनारे के साथ केवल नाव संचार था और क्योकोटी के चारों ओर बिखरे हुए पत्थरों और देवदार के पेड़ों के साथ कृत्रिम द्वीपों के समान द्वीप था। "आकाशीय द्वीप" का विचार चीनी पौराणिक कथाओं से उधार लिया गया था, जिसमें स्वर्गीय निवासपेंगलाई द्वीप, अमरों के द्वीप के रूप में कार्य किया। पानी में मंडप का प्रतिबिंब पहले से ही नश्वर दुनिया की भ्रामक प्रकृति के बारे में विचारों के साथ बौद्ध संघों को उजागर करता है, जो बौद्ध सत्य की दुनिया के वैभव का केवल एक हल्का प्रतिबिंब है।

हालाँकि ये सभी पौराणिक अर्थ काल्पनिक हैं, मंडप का स्थान इसे एक अद्भुत सामंजस्य और सामंजस्य प्रदान करता है। परावर्तन इमारत के टेढ़े-मेढ़ेपन को छिपा देता है, जिससे वह ऊंची और पतली हो जाती है; साथ ही, यह मंडप की ऊंचाई है जो इसे तालाब के किसी भी किनारे से हमेशा हरियाली की अंधेरी पृष्ठभूमि में देखना संभव बनाती है।

हालाँकि, यह पूरी तरह से स्पष्ट नहीं है कि यह मंडप अपने मूल स्वरूप में कितना सुनहरा था। संभवतः, आशिकागा योशिमित्सु के तहत, यह वास्तव में सोने की पत्ती और वार्निश की एक सुरक्षात्मक परत से ढका हुआ था। लेकिन अगर आप 19वीं - 20वीं सदी की शुरुआत और युकिओ मिशिमा की तस्वीरों पर विश्वास करते हैं, तो 20वीं सदी के मध्य तक सोने का पानी लगभग छिल चुका था और इसके अवशेष केवल इमारत के ऊपरी स्तर पर दिखाई दे रहे थे। इस समय, उन्होंने आत्मा को सूनेपन के आकर्षण, समय के निशान, यहां तक ​​​​कि सबसे खूबसूरत चीजों के लिए भी अनुभवहीन बना दिया। यह उदासी भरा आकर्षण सौन्दर्यात्मक सिद्धांत के अनुरूप था सबीजापानी संस्कृति में अत्यधिक पूजनीय।

किसी न किसी रूप में, इस इमारत की शोभा बिल्कुल भी सोने में नहीं थी। किंकाकुजी के रूपों की उत्कृष्ट गंभीरता और परिदृश्य के साथ इसका त्रुटिहीन सामंजस्य इसे जापानी वास्तुकला की उत्कृष्ट कृतियों में से एक बनाता है।

करात्सु की शैली में बाउल "आइरिस", XVI-XVII सदियों

डायने मार्टिनो /pinterest.com/मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क

शब्द meibutsu- एक नाम वाली चीज़। केवल इस कप का नाम ही वास्तव में बच गया है, क्योंकि न तो इसके निर्माण का सही समय और स्थान, न ही स्वामी का नाम संरक्षित किया गया है। फिर भी, इसे जापान के राष्ट्रीय खजाने के रूप में वर्गीकृत किया गया है और यह एक है स्पष्ट उदाहरणराष्ट्रीय शैली में चीनी मिट्टी की चीज़ें।

16वीं शताब्दी के अंत में, चाय समारोह चा कोई यू-कीमती सामग्रियों की याद दिलाने वाले ग्लेज़ के साथ बढ़िया चीनी चीनी मिट्टी के बरतन और चीनी मिट्टी की चीज़ें छोड़ दी गईं। उनकी शानदार सुंदरता चाय मालिकों को बहुत अधिक कृत्रिम और स्पष्ट लग रही थी। उत्तम और महंगी वस्तुएँ - कटोरे, पानी के बर्तन और चाय की कैडियाँ - ज़ेन बौद्ध धर्म के लगभग तपस्वी आध्यात्मिक सिद्धांतों के अनुरूप नहीं थीं, जिनकी भावना से चाय समारोह विकसित हुआ था। चाय के क्षेत्र में एक वास्तविक क्रांति जापानी चीनी मिट्टी की अपील थी, जो उस समय बहुत सरल और कलाहीन थी जब जापान की कार्यशालाओं ने महाद्वीपीय मिट्टी के बर्तनों की प्रौद्योगिकियों में महारत हासिल करना शुरू कर दिया था।

आइरिस बाउल का आकार सरल और अनियमित है। दीवारों की हल्की वक्रता, पूरे शरीर पर दिखाई देने वाले कुम्हार के डेंट कटोरे को लगभग सहज सहजता प्रदान करते हैं। मिट्टी का टुकड़ा दरारों के जाल के साथ हल्के शीशे से ढका हुआ है - क्रेक्वेलर। सामने की तरफ, जो चाय समारोह के दौरान अतिथि को संबोधित करता है, शीशे के नीचे एक परितारिका की छवि लगाई गई है: चित्र भोला है, लेकिन एक ऊर्जावान ब्रश के साथ निष्पादित किया गया है, बिल्कुल, जैसे कि एक आंदोलन में, ज़ेन की भावना में सुलेख। ऐसा लगता है कि रूप और सजावट दोनों अनायास और विशेष बल के प्रयोग के बिना बनाई जा सकती थीं।

यह सहजता आदर्श को दर्शाती है वाबी- सादगी और कलाहीनता, आध्यात्मिक स्वतंत्रता और सद्भाव की भावना को जन्म देती है। ज़ेन बौद्ध धर्म के जापानी अनुयायियों के विचारों में किसी भी व्यक्ति या यहां तक ​​कि एक निर्जीव वस्तु में बुद्ध की प्रबुद्ध प्रकृति है, और निपुण के प्रयासों का उद्देश्य इस प्रकृति को अपने और अपने आसपास की दुनिया में खोजना है। चाय समारोह में उपयोग की जाने वाली चीजें, अपनी सारी अनाड़ीपन के बावजूद, सच्चाई का गहरा अनुभव, हर पल की प्रासंगिकता, सबसे सामान्य रूपों में झाँकने और उनमें सच्ची सुंदरता देखने के लिए मजबूर होनी चाहिए थीं।

कटोरे की खुरदुरी बनावट और इसकी सादगी के विपरीत एक छोटे से चिपके हुए सोने के लाह के साथ बहाली है (इस तकनीक को कहा जाता है) किंत्सुगी). पुनर्स्थापन 18वीं शताब्दी में किया गया था और यह उस श्रद्धा को दर्शाता है जिसके साथ जापानी चाय मालिकों ने चाय समारोह के लिए बर्तनों की देखभाल की थी। इसलिए चाय समारोह प्रतिभागियों को आइरिस बाउल जैसी चीज़ों की वास्तविक सुंदरता की खोज करने का "रास्ता" प्रदान करता है। निहितार्थ, गोपनीयता वाबी की सौंदर्यवादी अवधारणा का आधार और जापानी विश्वदृष्टि का एक महत्वपूर्ण हिस्सा बन गई है।

भिक्षु गैंडज़िन का चित्र, नारा, 763

तोशोदाईजी, 2015

आठवीं शताब्दी में, मूर्तिकला युग की कलात्मक अभिव्यक्ति का मुख्य रूप बन गई, नारा युग (710-794), जो जापानी राज्य के गठन और बौद्ध धर्म की मजबूती से जुड़ा था। जापानी स्वामी पहले ही महाद्वीपीय तकनीकों और छवियों की प्रशिक्षुता और अंधानुकरण के चरण को पार कर चुके हैं और मूर्तिकला में अपने समय की भावना को स्वतंत्र रूप से और स्पष्ट रूप से व्यक्त करना शुरू कर चुके हैं। बौद्ध धर्म के अधिकार के प्रसार और विकास के कारण बौद्ध मूर्तिकला चित्र का उदय हुआ।

इस शैली की उत्कृष्ट कृतियों में से एक गैंडज़िन का चित्र है, जिसे 763 में बनाया गया था। सूखी लाह की तकनीक में (कपड़े से ढके लकड़ी के फ्रेम पर लाह की परतें बनाकर) बनाई गई, लगभग आदमकद मूर्ति को वास्तविक रूप से चित्रित किया गया था, और मंदिर के गोधूलि में, गंजिन ध्यान की मुद्रा में बैठे थे। यदि जीवित है” यह सजीवता ऐसे चित्रों का मुख्य पंथ कार्य था: शिक्षक को हमेशा नारा शहर में टोडाईजी मठ की दीवारों के भीतर रहना पड़ता था और सबसे महत्वपूर्ण दिव्य सेवाओं में उपस्थित रहना पड़ता था।

बाद में, 11वीं-13वीं शताब्दी में, मूर्तिकला चित्र लगभग निर्दयी भ्रमवाद तक पहुँच गए, जिसमें आदरणीय शिक्षकों की वृद्धावस्था, उनके धँसे हुए मुँह, झुके हुए गाल और गहरी झुर्रियों को दर्शाया गया। रॉक क्रिस्टल और लकड़ी से जड़े ये चित्र बौद्ध धर्म के अनुयायियों को जीवित आँखों से देखते हैं। लेकिन गैंडज़िन का चेहरा धुंधला लगता है, इसमें कोई स्पष्ट रूपरेखा और स्पष्ट रूप नहीं हैं। आधी बंद और बिना परत वाली आंखों की पलकें सूजी हुई दिखाई देती हैं; तनावपूर्ण मुँह और गहरी नासोलैबियल सिलवटें ध्यान की एकाग्रता के बजाय आदतन सावधानी व्यक्त करती हैं।

इन सभी विशेषताओं से इस भिक्षु की नाटकीय जीवनी, अद्भुत तप और त्रासदियों की कहानी का पता चलता है। गंजिन, एक चीनी बौद्ध भिक्षु, को नारा के सबसे बड़े मठ, तोडाईजी के अभिषेक समारोह के लिए जापान में आमंत्रित किया गया था। जहाज पर समुद्री डाकुओं ने कब्ज़ा कर लिया, अमूल्य स्क्रॉल और बौद्ध मूर्तियाँ, जो एक दूर के जापानी मंदिर के लिए बनाई गई थीं, आग में नष्ट हो गईं, गंजिन का चेहरा जल गया और उसकी दृष्टि चली गई। लेकिन उन्होंने सभ्यता के सुदूर बाहरी इलाके में प्रचार करने की इच्छा नहीं छोड़ी - अर्थात्, उस समय महाद्वीप द्वारा जापान को कैसे समझा जाता था।

समुद्र पार करने के कई और प्रयास उसी असफल तरीके से समाप्त हुए, और केवल पांचवें प्रयास में, पहले से ही मध्यम आयु वर्ग का, अंधा और बीमार गंजिन जापानी राजधानी नारा तक पहुंच गया।

जापान में, गंजिन ने लंबे समय तक बौद्ध कानून नहीं पढ़ाया: उनके जीवन की नाटकीय घटनाओं ने उनके स्वास्थ्य को कमजोर कर दिया। लेकिन उनका अधिकार इतना ऊँचा था कि, शायद, उनकी मृत्यु से पहले ही, उनकी मूर्ति बनाने का निर्णय लिया गया था। निस्संदेह, कलाकार-भिक्षुओं ने मूर्तिकला को यथासंभव मॉडल से समानता देने की कोशिश की। लेकिन बचाने के लिए ऐसा नहीं किया गया उपस्थितिएक व्यक्ति का, लेकिन उसके व्यक्तिगत आध्यात्मिक अनुभव को पकड़ने के लिए, वह कठिन रास्ता जिससे गंजिन गुजरा और जिसे बौद्ध शिक्षण कहते हैं।

दाइबुत्सु - टोडाइजी मंदिर, नारा का बड़ा बुद्ध, 8वीं शताब्दी के मध्य में

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8वीं शताब्दी के मध्य में, जापान प्राकृतिक आपदाओं और महामारी से पीड़ित था, और प्रभावशाली फुजिवारा परिवार की साज़िशों और उनके द्वारा उठाए गए विद्रोह ने सम्राट शोमू को राजधानी, नारा शहर से भागने के लिए मजबूर किया। निर्वासन में, उन्होंने बौद्ध शिक्षाओं के मार्ग पर चलने की कसम खाई और 743 में देश के मुख्य मंदिर का निर्माण शुरू करने और एक विशाल मंदिर का निर्माण शुरू करने का आदेश दिया। कांसे की मूर्तिबुद्ध वैरोचन (बुद्ध महान सूर्य या सर्व प्रकाशित प्रकाश)। इस देवता को बौद्ध शिक्षाओं के संस्थापक बुद्ध शाक्यमुनि का सार्वभौमिक अवतार माना जाता था, और अशांति और विद्रोह की अवधि के दौरान सम्राट और पूरे देश की सुरक्षा का गारंटर बनना था।

काम 745 में शुरू हुआ और चीनी राजधानी लुओयांग के पास लॉन्गमेन गुफा मंदिरों में विशाल बुद्ध प्रतिमा पर आधारित था। नारा की मूर्ति, बुद्ध की किसी भी छवि की तरह, "बुद्ध के महान और छोटे लक्षण" दिखाने वाली थी। इस प्रतीकात्मक कैनन में लम्बी ईयरलोब शामिल हैं, जो इस तथ्य की याद दिलाती हैं कि बुद्ध शाक्यमुनि एक राजसी परिवार से आते थे और बचपन से भारी बालियां पहनते थे, उनके सिर के शीर्ष पर एक ऊंचाई (उष्णिशा), उनके माथे पर एक बिंदी (कलश)।

मूर्ति की ऊंचाई 16 मीटर, चेहरे की चौड़ाई 5 मीटर, फैली हुई हथेली की लंबाई 3.7 मीटर और कलश बड़ा था। मानव सिर. निर्माण में 444 टन तांबा, 82 टन टिन और भारी मात्रा में सोना लगा, जिसकी खोज विशेष रूप से देश के उत्तर में की गई थी। मंदिर की सुरक्षा के लिए मूर्ति के चारों ओर एक हॉल, दाइबुत्सुडेन बनाया गया था। इसके छोटे से स्थान में, थोड़ा झुका हुआ बुद्ध का चित्र पूरे स्थान को भर देता है, जो बौद्ध धर्म के मुख्य सिद्धांतों में से एक को दर्शाता है - यह विचार कि देवता सर्वव्यापी और सर्वव्यापी है, यह हर चीज को गले लगाता है और भर देता है। चेहरे की अलौकिक शांति और देवता के हाथ का इशारा (मुद्रा, सुरक्षा देने का इशारा) बुद्ध की शांत भव्यता और शक्ति की भावना को पूरक करता है।

हालाँकि, आज मूल प्रतिमा के कुछ ही टुकड़े बचे हैं: आग और युद्धों ने XII और में प्रतिमा को भारी क्षति पहुंचाई। XVI सदियों, और आधुनिक मूर्ति ज्यादातर 18वीं सदी की ढलाई का प्रतिनिधित्व करती है। 18वीं सदी के जीर्णोद्धार के दौरान, कांस्य प्रतिमा अब सोने से ढकी नहीं थी। 8वीं शताब्दी में सम्राट शोमू के बौद्ध उत्साह ने व्यावहारिक रूप से राजकोष को खाली कर दिया और पहले से ही सदमे में डूबे देश को लहूलुहान कर दिया, और बाद के शासक अब इस तरह के अत्यधिक खर्च को बर्दाश्त नहीं कर सकते थे।

फिर भी, दाइबुत्सु का महत्व सोने में नहीं है और विश्वसनीय प्रामाणिकता में भी नहीं - बौद्ध शिक्षाओं के ऐसे भव्य अवतार का विचार उस युग का एक स्मारक है जब जापानी स्मारकीय कलाएक वास्तविक उत्कर्ष का अनुभव किया, खुद को महाद्वीपीय मॉडलों की अंधी नकल से मुक्त किया और अखंडता और अभिव्यक्ति हासिल की, जो बाद में खो गई।