दूरी में देखने की जापानी कला। क्राफ्ट्सगर्ल

Himeji जापान के सबसे पुराने किलों में से एक है।

प्राचीन काल की जापानी कला
जापानी संस्कृति ने विशेष प्राकृतिक और ऐतिहासिक परिस्थितियों में आकार लिया और विकसित हुआ। जापान समुद्र द्वारा धोए गए चार बड़े और कई छोटे द्वीपों पर स्थित है। पूर्व के बहुत किनारे पर होने के कारण, उसने समय-समय पर बढ़ते हुए अनुभव किया, फिर चीन और कोरिया जैसी मुख्य भूमि संस्कृतियों का प्रभाव फिर से लुप्त हो गया। बाहरी दुनिया के साथ बातचीत की अवधि जापानी इतिहास में सांस्कृतिक अलगाव की लंबी शताब्दियों (10 वीं से 14 वीं और 17 वीं से 19 वीं शताब्दी के मध्य तक) द्वारा प्रतिस्थापित की गई थी। बाद की परिस्थितियों ने कई अनूठी विशेषताओं के विकास और समेकन में योगदान दिया जापानी संस्कृतिसामान्य रूप से और विशेष रूप से कला में। पश्चिम की संस्कृति के साथ परिचित 16वीं शताब्दी में हुआ, जब मूल जापानी सभ्यता की मुख्य विशेषताएं पहले ही बन चुकी थीं। 1854 तक, जापान केवल एक बंदरगाह के माध्यम से चीन और हॉलैंड के साथ व्यापार करता था।

जापानी द्वीपों के प्राचीन निवासियों से - शिकारी और मछुआरे - पुरातात्विक उत्खनन के परिणामस्वरूप खोजी गई पत्थर की कुल्हाड़ियाँ, हार्पून, तीर-कमान और हाथ से बने चीनी मिट्टी के बर्तन, जो उन पर अंकित "जोमन" पैटर्न के कारण नाम प्राप्त करते हैं, जो का अर्थ है "रस्सी का निशान"। इसलिए, जापान में नवपाषाण संस्कृति को जोमोन भी कहा जाता है। साइबेरिया, पोलिनेशिया और बाद में कोरिया और चीन से आने वाले बसने वाले विभिन्न स्तरों पर खड़े थे सांस्कृतिक विकास. यह इस तथ्य की व्याख्या करता है कि नवपाषाण युग और कांस्य युग दोनों के स्मारक कुछ सांस्कृतिक परतों में पाए जाते हैं। जापानी भाषा अल्ताई समूह की भाषाओं के करीब है। जब संपर्कों के परिणामस्वरूप चीनी संस्कृतियाँओह, जापानी चीनी चित्रलिपि लेखन से परिचित हो गए, मौखिक जापानी भाषण देने के लिए चीनी चित्रलिपि को अनुकूलित करना बहुत कठिन हो गया।

जापानी संस्कृति की प्रारंभिक अवधि, जिसके बारे में विश्वसनीय डेटा संरक्षित किया गया है, को कोफुन्स (टीले) का युग कहा जाता है - दफन, जिसका जमीन का हिस्सा एक विशेषता आकार का एक मिट्टी का टीला था - एक चक्र और एक ट्रेपोज़ॉइड का संयोजन, एक कीहोल जैसा दिखता है, जो पृथ्वी और पानी के मिलन का प्रतीक है। वे काफी आकार के थे, वे पानी के साथ एक दोहरी खाई से घिरे थे, टीले के ऊपर घास उग आई थी, और टीले की भीतरी परिधि के साथ लोगों, जानवरों, नावों के मॉडल और घरों की खोखली मिट्टी की आकृतियाँ 30 सेमी से एक तक थीं। और डेढ़ मीटर ऊँचा। उन्हें "हनीवा" कहा जाता था। दफन कक्ष के अंदर बड़प्पन के मृत प्रतिनिधियों के साथ ताबूत थे, जहां अनुष्ठान की वस्तुएं रखी गई थीं: एक दर्पण, एक डोटाकू घंटी, जिसकी आवाज बुरी आत्माओं को डराने और देवताओं को आकर्षित करने वाली थी - टिलर के संरक्षक। यमातो राजाओं के अंत्येष्टि में हमेशा जेड पेंडेंट और तलवार जैसे शक्ति के ऐसे अनुष्ठान प्रतीक होते थे। यमातो कबीले के राजाओं को बाहर निकालने के लिए, इतिहास की शुरुआत की स्थापना की गई थी, देवताओं का पदानुक्रम निर्धारित किया गया था, देवता अमातरसु ("स्वर्ग से चमक रहा") को बाहर कर दिया गया था, जिसने सत्ता को स्थानांतरित कर दिया था जापानी द्वीपयमातो कबीले के राजा। नाम "निप्पॉन" या "निहोन", जिसका अर्थ है "उगते सूरज की भूमि", 7 वीं शताब्दी में दिखाई दिया। 608 में, चीन में अध्ययन के लिए यात्राएं शुरू हुईं, जो दो शताब्दियों से अधिक समय तक जारी रहीं।

डोटाकू - अनुष्ठान कांस्य घंटियाँ - सिलेंडर शीर्ष पर संकुचित होते हैं, घुंघराले किनारों के साथ चौड़े छोरों के साथ सबसे ऊपर होते हैं, जिनमें से दीवारों को ग्राफिक छवियों से भरे वर्गों में विभाजित किया जाता है।

जापानियों की विषम मान्यताएँ, जिनमें आदिम जीववाद और बुतपरस्ती की कई विशेषताएं हैं, शिंटो में परिलक्षित होती हैं। शिंटो ("देवताओं का मार्ग") अपने सार में प्रकृति की सार्वभौमिक आध्यात्मिकता के बारे में जापानी विचारों को दर्शाता है। अनगिनत संख्या में तथाकथित "कामी" (आत्माएं) दोनों चमत्कारी परिदृश्य वस्तुओं में मौजूद हैं, जैसे कि बिवा झील और फ़ूजी झील, और लोगों द्वारा बनाई गई वस्तुओं में - तलवारें, दर्पण, इसके आधार पर संपन्न जादुई गुण. शिंतो मंदिर को इसकी लकड़ी की संरचना की सादगी से अलग किया गया था: एक सिंगल-हॉल कमरा स्टिल्ट्स पर रखा गया था, जो चारों तरफ से एक बरामदे से घिरा हुआ था। शिंतो मंदिर का भीतरी भाग धुंधला और खाली था। विश्वासियों ने मंदिर में प्रवेश नहीं किया।

पारा काल (645-794 ई.)

नारा उस समय जापान की पहली राजधानी और एकमात्र शहर का नाम है। यह जापानी राज्य की स्थापना, बौद्ध धर्म की शुरूआत और बौद्ध कला के स्मारकों - मंदिरों, पैगोडा, बौद्ध देवताओं की विभिन्न मूर्तियों के निर्माण का समय था। इस अवधि के दौरान बौद्ध धर्म लोगों का इतना विश्वास नहीं था जितना कि अदालत की नीति की निरंतरता थी। बौद्ध धर्म के विभिन्न संप्रदायों ने दरबार में बहुत महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, बौद्ध मठों की भूमि जोत बढ़ी, दरबार में भिक्षुओं का बहुत प्रभाव था। बौद्ध मठ दिखाई देते हैं, जो एक आयताकार दीवार वाले क्षेत्र पर स्थित लकड़ी की इमारतों के समूह हैं। मुख्य द्वार के सामने चौड़ी गली, मंदिर के सामने का चौक और दूर से दिखाई देने वाला बहु-स्तरीय शिवालय विशेष महत्व का था। लकड़ी के मंदिरों को लाल लाह से चित्रित किया गया था, पत्थर की नींव पर उठाया गया था, और चौड़ी घुमावदार दोहरी छतें थीं - इरिमोया।

शुरुआती बौद्ध मंदिरों में असुकदेरा, होरीयुजी हैं, बाद का निर्माण 607 में तत्कालीन शासक क्राउन प्रिंस शोटोकू ताशी के इशारे पर शुरू किया गया था। मठ में 90 हजार वर्ग मीटर के क्षेत्र में स्थित 53 भवन शामिल थे। मंदिर का मुख दक्षिण की ओर है, मुख्य इमारतें उत्तर-दक्षिण अक्ष पर स्थित हैं, पवित्र क्षेत्र उत्तर है, धर्मोपदेश के लिए एक हॉल था - कोदो, कोंडो और एक पाँच-स्तरीय शिवालय। होरीयूजी में 265 मूर्तियाँ थीं, मुख्य मूर्तिकला छवि शाक्यमुनि की त्रिमूर्ति थी, जिसका प्रतिनिधित्व पंथ के संस्थापक की एक मूर्ति द्वारा किया गया था, जिसमें दो बोधिसत्व थे। 8वीं शताब्दी में बड़े मठों में पहले से ही मूर्तिकारों की कार्यशालाएँ थीं। बोधिसत्व कन्नन का पंथ फैला, जिसका नाम संस्कृत नाम अवलोकितेश्वर (दुनिया की आवाज़ पर ध्यान) का अनुवाद था। जीवित प्राणियों के लिए करुणा से भरा, एक बोधिसत्व उन लोगों की आवाज़ सुनने में सक्षम होता है जो पीड़ित हैं, चाहे वे कहीं भी हों। अवलोकितेश्वर का पंथ पश्चिमोत्तर भारत में उत्पन्न हुआ और चीन में फैल गया। लोटस सूत्र में, यह कहा गया था कि बोधिसत्व ने उन प्राणियों का रूप धारण कर लिया जो उन्हें बुलाते हैं। जापान में, कन्नन के पंथ के प्रसार के कारण बड़ी संख्या में उनकी छवियां दिखाई दीं - संत कन्नन नरक में मदद करते हैं, घोड़े के सिर के साथ कन्नन मवेशियों पर दया करते हैं, बुरी आत्माएं - असुरों को हजार से बचाया जाता है -हथियारबंद कन्नन, मछली पकड़ने के जंगल वाले कन्नन लोगों को बचाता है।

हियान काल (794-1185)

794 में राज्य की राजधानी को हेयान (अब क्योटो) शहर में स्थानांतरित कर दिया गया था। हियान काल के दौरान, एक परिष्कृत अदालती संस्कृति का विकास हुआ। एक जापानी शब्दांश बनाया गया था - काना (जाप। - एक उधार चित्रलिपि)। सबसे पहले, केवल महिलाओं ने इस लिपि का इस्तेमाल किया, जबकि आधिकारिक लिपि चीनी बनी रही। एक्स शताब्दी के दौरान। निजी प्रैक्टिस में महिलाओं के लेखन का इस्तेमाल होने लगा। ग्यारहवीं शताब्दी में। जापानी शास्त्रीय साहित्य का उत्कर्ष शुरू हुआ, इसका एक शानदार उदाहरण "जेनजी मोनोगेटारी" उपन्यास है, जिसे दरबारी महिला मुरासाकी शिकिबू ने बनाया है।

हियान की कला में, मुख्य स्थान पर उस समय चीन से आए गूढ़ संप्रदायों तेंदाई और शिंगोन की बौद्ध छवियों का कब्जा है, जिन्होंने सिखाया कि सभी जीवित प्राणियों में बुद्ध का सार है। आत्मा और शरीर को प्रशिक्षित करके, प्रतिज्ञाओं को पूरा करके, कोई भी कई पुनर्जन्मों की प्रक्रिया में बुद्ध के सार को प्राप्त करने में सक्षम होता है। इन संप्रदायों के मंदिरों को पहाड़ों और चट्टानी किनारों की चोटी पर बनाया गया था, उनमें चैपल को दो भागों में विभाजित किया गया था। अंदर, जहां पवित्र छवि स्थित थी, सामान्य विश्वासियों को अनुमति नहीं थी।

सत्तारूढ़ हलकों के लिए हीयान युग विलासिता का समय है। इस समय, आवासों के प्रकार शिंदेन का गठन किया गया था। गर्म जलवायु की दीवारें और परिस्थितियाँ पूंजी नहीं थीं और इसका कोई संदर्भ मूल्य नहीं था। उन्हें बहुत आसानी से अलग किया जा सकता है, ठंड के मौसम के लिए अधिक टिकाऊ लोगों द्वारा प्रतिस्थापित किया जा सकता है, या गर्म मौसम में पूरी तरह से हटा दिया जा सकता है। खिड़कियां भी नहीं थीं। कांच के बजाय, सफेद कागज जाली के फ्रेम पर फैला हुआ था, जिससे कमरे में एक मंद विसरित प्रकाश आ रहा था। छत के चौड़े कॉर्निस ने दीवारों को नमी और धूप से बचाया। आंतरिक भाग, स्थायी फर्नीचर से रहित, फिसलने वाली विभाजन की दीवारें थीं, जिसकी बदौलत इसे बनाना संभव था, या तो एक हॉल या कई छोटे अलग-थलग कमरे, फर्श को पुआल मैट से ढक दिया गया था - तातमी, एक ही आकार (180 बाय 90) सेमी)।

कन्फ्यूशियस और बौद्ध ग्रंथ हीयान काल के दौरान चीन से लाए गए थे। अक्सर उन्हें छवियों से सजाया जाता था। प्रारंभ में, जापानी कलाकारों ने चीनी "प्रसिद्ध स्थानों" की नकल की, लेकिन 10 वीं शताब्दी से शुरू हुई। परिदृश्य और रीति-रिवाजों की छवि की ओर मुड़ें स्वदेश. "यमातो-ए" पेंटिंग को डिज़ाइन किया गया है, जो जापानी कविता, लघु कथाओं, उपन्यासों या से विषयों का उपयोग करके चीनी पेंटिंग से अलग है लोक किंवदंतियाँ. पेंटिंग को यमातो क्षेत्र के नाम से मिला - होन्शु द्वीप के दक्षिण-पश्चिमी भाग, जहाँ जापान का राज्य बना था।
छवि अक्सर संबंधित पाठ के साथ चित्रण की एक स्क्रॉल का प्रतिनिधित्व करती है, जिसे हाथ से लिया गया था और संबंधित अनुभाग को पढ़ने के दौरान दाएं से बाएं तक घुमाया गया था, इसके बाद के चित्रण पर विचार किया गया था।

यमातो-ए पेंटिंग देर से हियान काल में चरम पर थी। इस समय, पेशेवर कलाकार दिखाई दिए जिन्होंने स्क्रीन, स्लाइडिंग विभाजन (शोजी) और स्क्रॉल - एमकिमोनो पर धर्मनिरपेक्ष विषयों पर चित्र बनाए। स्क्रॉल का सबसे पुराना जिंजी मोनोगेटरी है। एमाकिमैनो स्क्रॉल चित्र-कथाएँ थीं। मुरासाकी शिकिबु का प्रसिद्ध उपन्यास "जेनजी-मोनोगेटरी-एमकी" का स्क्रॉल आज तक जीवित है, जो चमकीले रंगों में अभिजात वर्ग के निष्क्रिय जीवन को दर्शाता है, यह सुलेख, साहित्य और पेंटिंग का एक संश्लेषण है। उपन्यास के 54 अध्यायों में से बचे हुए 19 में, एक भी कथानक नहीं है और दृष्टांतों में कार्रवाई के माध्यम से। अधिकांश चित्रित दृश्य अंदरूनी हिस्सों में होते हैं, जो कुछ भी दिखाई देता है वह ऊपर से दिखाया गया है, रेखाओं का एक भी लुप्त बिंदु नहीं है, आंकड़ों और वास्तुकला के बड़े पैमाने पर पत्राचार, सभी पात्रों के चेहरे समान हैं, केवल केशविन्यास और कपड़े अलग हैं . कलाकार के ध्यान का मुख्य विषय उपन्यास में होने वाली घटनाओं की भावनात्मक सामग्री का हस्तांतरण है, जो सभी को अच्छी तरह से पता था। मुख्य तकनीकें अंतरिक्ष का निर्माण और रंग संभावनाओं का उपयोग हैं। पात्रों की आंतरिक स्थिति और प्रत्येक दृश्य के वातावरण को व्यक्त करने के लिए, कलाकार के लिए यह महत्वपूर्ण है कि स्क्रॉल के निचले किनारे के संबंध में किस कोण पर विकर्ण रेखाएं निर्देशित की जाती हैं, जो संरचनाओं के बीम या कॉर्निस को दर्शाती हैं। पर्दे, या बरामदे के किनारे। भावनात्मक तनाव की डिग्री के आधार पर, यह कोण 30 से 54 डिग्री तक भिन्न होता है।

बोधिसत्व - कन्नन चीन, कोरिया और जापान में मुख्य रूप से महिला रूप में दिखाई देता है, हाथों में एक जग, एक विलो शाखा और एक लासो

अभिजात वर्ग के घरों में स्क्रीन और पर्दे पर विभाजन नहीं थे सर्वश्रेष्ठ कलाकारयमातो-ई के चित्रित चित्र। यमातो-ए पेंटिंग्स के साथ एकता थी साहित्यिक कार्य, जिन्हें स्क्रीन और पर्दे पर भी रखा गया था। X-XIII सदियों की कविता के संकलन में। 9वीं-10वीं शताब्दी के स्क्रीन पर लिखे छंद असामान्य नहीं हैं। ऐसी कविताओं की सबसे बड़ी संख्या "सुई-शू" संकलन में निहित है। जिस तरह कविता चार सीज़न के बारे में थी, उसी तरह स्क्रीन के लिए पेंटिंग थी। लोक गीतों के अनुरूप, काव्य सूत्रों की एक निश्चित प्रणाली विकसित हुई और फिर जापानी शास्त्रीय कविताओं का आधार बन गई। तो, वसंत का संकेत एक धुंधली धुंध, एक विलो पेड़, गर्मियों का संकेत - एक कोयल, सिकाडास, शरद ऋतु - लाल मेपल के पत्ते, एक हिरण, एक चाँद, सर्दियाँ - बर्फ और बेर के फूल थे।

क्योटो जापान का एक प्राचीन रत्न है।

भाषा में समनामों की प्रचुरता ने छंदों को कई अर्थ देना संभव बना दिया। विषयों और भूखंडों ने भावनात्मक अवस्थाओं के सभी रंगों की विविधता को व्यक्त करने के लिए, एक अत्यंत संक्षिप्त काव्यात्मक रूप (31 सिलेबल्स प्रति टंका) में, एक विस्तार या एक संकेत के माध्यम से इसे संभव बनाया। टेक्स्ट वाली स्क्रीन से बिना टेक्स्ट वाली स्क्रीन में धीरे-धीरे संक्रमण हुआ। इस प्रकार वास्तविक सचित्र शैली उपखंडों का विकास हुआ - शिकी-ए ("चार मौसमों के चित्र") और मेई-से-ए("प्रसिद्ध स्थानों के चित्र")।
ऐसे चित्रों की रचना चीनी चित्रकला की किसी भी श्रेणी के अनुरूप नहीं थी। प्रकृति और मनुष्य का सबसे बड़ा संलयन जापानी कला की विभिन्न विधाओं की विशेषता बन जाएगा।

कामाकुरा काल (1185-1333) और मुरोमाची काल (1333-1568)

12वीं शताब्दी के अंत में, राजधानी को फिर से स्थानांतरित कर दिया गया, खूनी नागरिक संघर्ष के परिणामस्वरूप देश में सत्ता मिनमोटो कबीले द्वारा जब्त कर ली गई, जिसका मुखिया राजधानी को कामकुरा के अपने निपटान में ले गया, जिसका नाम बन गया जापान के इतिहास में अगला चरण। समुराई का सैन्य वर्ग देश में सत्ता में आया, जिनमें से शोगुन आए - जापान के वास्तविक सैन्य शासक, सम्राट, जो नारा में बने रहे, ने सत्ता के केवल नाममात्र गुणों को बरकरार रखा। समुराई की अदालती संस्कृति के परिष्कार ने सादगी को प्राथमिकता दी। ज़ेन संप्रदाय के मठों में अब पैगोडा शामिल नहीं थे, मंदिर ग्रामीण झोपड़ियों के समान थे। XIII सदी के अंत से। ज़ेन संप्रदाय के सर्वेश्वरवादी विचारों के प्रभाव में, परिदृश्य किसी भी परिदृश्य वस्तुओं में बौद्ध देवताओं की उपस्थिति के विचार को मूर्त रूप देने लगा। कामाकुरा के मठों में, मिन्स्क पैट्रिआर्क के चित्रों की प्रतिमा विकसित हुई है: चेहरे की एक जोरदार विशेषता के साथ एक बैठा और शांत मुद्रा, टकटकी की कृत्रिम निद्रावस्था। ज़ेन संप्रदाय के प्रभाव में, मूर्तिकला पृष्ठभूमि में चला गया है, पेंटिंग, विशेष रूप से लैंडस्केप पेंटिंग, इस युग के लोगों के दृष्टिकोण को व्यक्त करती है।

मुरोमाची अवधि 1333 की घटनाओं के साथ शुरू होती है, जब होन्शु द्वीप के दक्षिण-पूर्वी क्षेत्रों के सामंती प्रभुओं ने कामकुरा पर कब्जा कर लिया और जला दिया, राजधानी हीयान को वापस कर दिया। यह आंतरिक कलह और सामंती कुलों के युद्धों का समय था। मुसीबतों के समय के लिए अग्रणी ज़ेन संप्रदाय के अनुयायियों का शिक्षण था कि, प्रकृति के साथ एकता प्राप्त करने के बाद, जीवन की कठिनाइयों के साथ समझौता किया जा सकता है और दुनिया के साथ एकता प्राप्त की जा सकती है। में प्रथम स्थान जापानी कलाज़ेन शिक्षण के प्रभाव में कि बुद्ध का "शरीर" प्रकृति है, लैंडस्केप पेंटिंग सामने आती है। बारहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। काली स्याही से पेंटिंग चीन से जापान में प्रवेश की। जापानी जो मुख्य रूप से इस तरह की पेंटिंग का अभ्यास करते थे, वे ज़ेन संप्रदाय के सदस्य थे। उन्होंने एक नई शैली बनाई जिसने नए पंथ (शिगाकु - चित्रकला और कविता का संयोजन) को समझाया। 15वीं और 16वीं शताब्दी - स्याही चित्रकला के अधिकतम उत्कर्ष का समय, जिसके प्रमुख गुरु सेशु टोयो (1420-1506) थे। इस शैली के समानांतर, यमातो-ए शैली भी अस्तित्व में थी।

सामाजिक-राजनीतिक संबंधों में परिवर्तन, जिसने सैन्य वर्ग को सामने लाया, 16वीं शताब्दी में भी सामने आया। वास्तुशिल्पीय शैली"सीन"। घर के पहले के सिंगल वॉल्यूम को अब स्लाइडिंग डोर (शोजी), स्लाइडिंग पार्टीशन (फुसुमा) की मदद से विभाजित किया गया है। कमरों में कक्षाओं के लिए एक विशेष स्थान दिखाई दिया - किताबों के लिए एक शेल्फ और एक विस्तृत खिड़की दासा और एक आला (टोकोनोमा) के साथ एक खिड़की जहां एक गुलदस्ता या सनकी आकार का एक पत्थर रखा गया था और एक ऊर्ध्वाधर स्क्रॉल लटका दिया गया था।

XVI सदी में। जापानी वास्तुकला के इतिहास में, चाय समारोह के सही संचालन की आवश्यकता के संबंध में चाय मंडप दिखाई देते हैं। बौद्ध भिक्षुओं द्वारा औषधि के रूप में कामाकुरा काल के दौरान चाय जापान में लाई गई थी। चाय की रस्म (चा-नो-यू) को ज़ेन भिक्षु मुराता शुको की पहल पर पेश किया गया था और इसके कार्यान्वयन के लिए एक विशेष विधि की आवश्यकता थी। तो ऐसा हुआ नया प्रकारस्थापत्य संरचना - चशित्सु (चाय समारोह के लिए मंडप), इसके रचनात्मक आधार पर यह एक आवासीय भवन के करीब था, और इसके कार्य में - एक बौद्ध मंदिर के लिए। चाय मंडप के समर्थन लकड़ी के थे, छत बांस या ईख से तैयार की गई थी। मैट के साथ पंक्तिबद्ध एक झोपड़ी के अंदर, एडोब की दीवारों के साथ 1.5 या 2 तातमी, विभिन्न स्तरों की छोटी खिड़कियां, एक लटकते हुए मोनोक्रोम परिदृश्य के साथ एक टोकोनोमा आला और फूलदान में एक फूल, एक चूल्हा, बर्तनों के लिए एक शेल्फ था।

मुरोमाची काल के दौरान, बागवानी की कला का विकास हुआ। जापानी उद्यान अलग हैं। छोटे उद्यान अक्सर मंदिरों में स्थित होते हैं या एक पारंपरिक घर से जुड़े होते हैं, उन्हें देखने के लिए डिज़ाइन किया गया है। बड़े भू-भाग वाले बगीचों को अंदर से देखने के लिए डिज़ाइन किया गया है।

कोंडो - (जाप। गोल्डन हॉल) - मुख्य मंदिरबौद्ध परिसर में चिह्न, मूर्तियाँ, भित्ति चित्र हैं

ज़ेन मंदिर उद्यान एक मोनोक्रोम लैंडस्केप स्क्रॉल के सिद्धांत के अनुसार बनाया गया था। कागज की एक शीट के बजाय, कलाकार ने मोटे पत्थरों, काई, पेड़ों और झाड़ियों के दाग और धोने के बजाय एक झील या कंकड़ से ढके एक मंच का उपयोग किया। धीरे-धीरे, बगीचे से फूल गायब हो गए, उन्हें काई और झाड़ियों से बदल दिया गया, पुलों के बजाय पत्थरों का इस्तेमाल किया जाने लगा। कुछ उद्यान परिदृश्य, पहाड़ी (सुकियामा) थे। Tsukiyama उद्यान चट्टानों, काई, पेड़ों, तालाबों जैसे प्राकृतिक तत्वों का एक संयोजन था, जिसके किनारे पर एक अनिवार्य मंडप था। सबसे पुराना लैंडस्केप गार्डन क्योटो में स्थित है और सोहोजी मठ के अंतर्गत आता है। सूखे बगीचों को "हिरणिवा" कहा जाता था, अर्थात। समतल। हिरनिवा एक "दार्शनिक" उद्यान है, क्योंकि उसने दर्शकों से एक विकसित कल्पना की मांग की थी। हिरनिवा उद्यान “पत्थर, रेत, कंकड़ से बचा हुआ था। एक दीवार से तीन तरफ से बंद, जो चारों ओर से घिरी हुई थी, उद्यान केवल चिंतन के लिए अभिप्रेत था। XV सदी के अंत में। Ryoanji मठ में सबसे प्रसिद्ध शुष्क उद्यानों में से एक बनाया। इसमें एक आयताकार बजरी क्षेत्र पर स्थित 15 पत्थर शामिल हैं। दैतोकूजी मठ के हिरानीवा उद्यान में, जिसे 1509 में बनाया गया था, प्रकृति को पत्थरों और कंकड़ की रचनाओं द्वारा दर्शाया गया है। बगीचे के कुछ हिस्सों में से एक को "शून्य का महासागर" कहा जाता था और इसमें एक आयताकार क्षेत्र के बीच में दो कम कंकड़ वाली पहाड़ियाँ होती हैं। बाग एक दूसरे के पूरक हो सकते हैं।

XV सदी के अंत में। सजावटी पेंटिंग कानो का कोर्ट स्कूल बनाया गया था। स्कूल के संस्थापक कानो मसानोबु (1434-1530) एक सैन्य वर्ग से आए थे, जो एक मान्यता प्राप्त अदालत पेशेवर कलाकार बन गए। उनके परिदृश्य में केवल अग्रभूमि थी, बाकी सब कुछ धूमिल धुंध से ढका हुआ था। छवि के एक विशेष विषय पर जोर कानो स्कूल की विशेषता बन जाएगा। कानो स्कूल के कलाकारों के काम में मुख्य स्थान पर सजावटी दीवार चित्रों और शैली पेंटिंग के साथ स्क्रीन का कब्जा था। स्थापत्य रूप के साथ दीवार पेंटिंग संश्लेषण का मुख्य घटक बन गई है और स्थापत्य स्थान के आलंकारिक अर्थ को प्रभावित करने का एक साधन है। बदले में, वास्तुशिल्प रूप की विशेषताओं को चित्रों के कुछ शैलीगत गुणों की आवश्यकता होती है, यही वजह है कि धीरे-धीरे एक नया शैलीगत कैनन बनाया गया, जिसे 19 वीं शताब्दी तक जापानी चित्रकला में संरक्षित किया गया था।

शिंदेन एक प्रकार की आवासीय इमारत है। योजना में आयताकार, एकल-हॉल मुख्य इमारत, इसके दक्षिणी अग्रभाग के साथ वर्ग का सामना करना पड़ रहा है, और पूर्व और पश्चिम से दीर्घाओं द्वारा तैयार किया गया है

मोमोयामा अवधि (1X73-1614)

और इस बार सामंती युद्धों का युग समाप्त हो गया, देश में सत्ता क्रमिक सैन्य तानाशाहों - ओडा नोबुनागा, तोयोतोमी हिदेयोशी और इयासु तोकुगावा के पास चली गई। यह शहरी विकास, धर्मनिरपेक्षता और संस्कृति के लोकतंत्रीकरण, नए मूल्य अभिविन्यासों की पैठ का समय था। पंथ वास्तुकला ने अपना पूर्व महत्व खो दिया है। जापान के नए शासकों ने भव्य महलों का निर्माण करके अपनी शक्ति घोषित की, जिसका निर्माण जापान में आग्नेयास्त्रों की उपस्थिति और युद्ध और रक्षा रणनीति में इसी परिवर्तन के कारण हुआ था। महल एक मौलिक रूप से नए प्रकार की जापानी वास्तुकला बन गया है। खाई और गार्ड और कोने के टावरों से घिरे महल के असममित रूप से स्थित क्षेत्र में एक केंद्रीय वर्ग और कई आंगन और कमरे, भूमिगत आश्रय और मार्ग शामिल थे। रहने वाले क्वार्टर महल के क्षेत्र में स्थित एक लकड़ी की इमारत में स्थित थे, जो सामाजिक पदानुक्रम को दर्शाते हुए आंतरिक अंतरिक्ष के सख्त पदानुक्रम के साथ थे। गोधूलि में डूबे हुए महल के अंदरूनी भाग सजावटी दीवार चित्रों के लिए सबसे उपयुक्त थे, आकार में भव्य, सुनहरे रंग की पृष्ठभूमि पर चमकीले रंगों से भरे हुए।

कानो ईटोकू (1543-1590)। भित्ति चित्र की एक नई शैली के निर्माता, जिसे सैन्य तानाशाहों का महिमामंडन करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। उन्होंने पहली बार बड़ी क्षैतिज सतहों पर एकल रचना के सिद्धांत को विकसित किया, रूपों को बड़ा किया, परित्याग किया छोटे भागन केवल सिल्हूट, बल्कि उनके रूपों की गतिशीलता को व्यक्त करने के लिए। ईटोकू को चित्र के सपाटपन को बढ़ाने, उसके सजावटी गुणों को बढ़ाने की इच्छा की विशेषता है। तो, खाली जगह के प्रतीक वाले स्थानों में सोने के पाउडर के मिश्रण के धब्बे होते हैं। रचना का स्थान गहराई में नहीं, बल्कि टकटकी के साथ प्रकट हुआ।
1576 में, बिवा झील के तट पर, एक विशाल सात मंजिला टॉवर के साथ एक अज्ञात अज्ञात महल बनाया गया था, जिसे तानाशाह ओडा नोबुनागा की शक्ति का प्रदर्शन करना था। महल की एक विशेषता न केवल आधिकारिक बल्कि निजी कक्षों की उपस्थिति थी। कमरों की मुख्य सजावट दीवार पेंटिंग थी, जिसे कानो ईटोकू द्वारा कमीशन किया गया था, जिन्होंने सहायकों के एक बड़े समूह के साथ तीन साल तक उन पर काम किया। आदेश के निष्पादन के साथ तानाशाह द्वारा हड़बड़ी में कानो ईटोकू ने एक संक्षिप्त कलात्मक भाषा का सहारा लेते हुए, चावल के भूसे से बने मोटे ब्रश का उपयोग करते हुए रूपों को बड़ा करना शुरू किया। मुख्य स्थान पर पेड़ों, फूलों, पक्षियों और जानवरों की छवि का कब्जा था। रंग योजना उज्ज्वल थी, कोई रंग की बारीकियां नहीं थीं।

टोकुगावा शोगुन के सत्ता में आने के बाद देश में सामाजिक स्थिति में बदलाव के कारण महल के निर्माण पर प्रतिबंध लगा दिया गया।
XVII सदी के पहले तीसरे के कलाकारों के काम में। नए गुण ग्रहण करने लगते हैं। चित्रकला में, संतुलित, शांत रचनाओं की इच्छा, सजावटी रूपों की वृद्धि, हियान युग की संस्कृति में रुचि और यमातो-ई के कार्य अधिक ध्यान देने योग्य हो गए। इस समय के कानो स्कूल की एक विशिष्ट विशेषता सजावट और बढ़ी हुई सजावट है। जब XVII सदी की दूसरी तिमाही में। महलों का निर्माण वर्जित था, स्क्रीन सजावटी पेंटिंग का मुख्य रूप बन गया। कानो ईटोकू की स्मारक ने सजावटी पेंटिंग छोड़ दी। कला ने एक व्यक्तिगत रंग प्राप्त किया जिसने इसके शैलीगत गुणों को प्रभावित किया। सजावटी पेंटिंग XVIIवी सबसे अधिक बार शास्त्रीय साहित्य के नायकों और विषयों से प्रेरित, आदिवासी अभिजात वर्ग के हितों की सीमा को दर्शाता है, और उभरते बुर्जुआ अभिजात वर्ग के दक्शुंड। पुरानी राजधानी - क्योटो में सजावटी पेंटिंग का विकास हुआ।

ओगाटा कोरिन कला के नए उपभोक्ताओं - शहरवासियों, व्यापारियों और कारीगरों के स्वाद के प्रवक्ता बन गए। नया प्रतिनिधिकानो स्कूल।

Emakimano एक क्षैतिज स्क्रॉल है जो कागज या रेशम से बना होता है जिसे अंत में एक लकड़ी के रोलर के साथ ब्रोकेड बॉर्डर के साथ तैयार किए गए आधार पर चिपकाया जाता है।

ओगाटा कोरिन (1658-1716) एक अमीर रेक की तरह रहते थे, लगातार "मजेदार जिलों" का दौरा करते थे। बर्बादी के बाद ही, जीविकोपार्जन की गंभीर आवश्यकता का सामना करते हुए, उन्होंने कपड़े और पेंटिंग बनाना शुरू किया। ओगाटा कोरिन चीनी मिट्टी की चीज़ें और लाख के बर्तन, पेंट किए हुए किमोनो और पंखे दोनों का काम करते थे। कैसे
मास्टर, उसने जानना शुरू किया पारंपरिक पेंटिंगऔर उसके तरीके। कोरिन ने हमेशा सघनता, रूपों के संतुलन के लिए प्रयास किया, मुख्य विशेषताएंरचनात्मक तरीके - कई कथानक रूपांकनों के विकास, उनके बार-बार दोहराए जाने और भिन्नता पर ध्यान केंद्रित करें। ओगाटा कोरिन के काम में पहली बार प्रकृति से काम दिखाई दिया। स्क्रीन की पेंटिंग "रेड एंड व्हाइट प्लम ट्री" में, कोरिन द्वारा लिया गया प्लॉट मोटिफ प्रारंभिक वसंत और जागृत प्रकृति की छवियों के साथ शास्त्रीय कविता में वापस जाता है। धारा के दोनों किनारों पर, एक सुनहरी पृष्ठभूमि पर, फूलों के पेड़ लिखे गए हैं: एक मोटा, घुमावदार ट्रंक और लगभग खड़ी शाखाओं के साथ, एक लाल बेर का पेड़ और दूसरा, केवल ट्रंक के पैर से संकेतित और तेजी से घुमावदार, मानो पानी में गिर रहा हो, और इसलिए अचानक सफेद फूलों से लदी एक शाखा ऊपर उठ गई।

चीड़ के पेड़ पर कानो ईटोकू बाज़। स्क्रीन। 16 वीं शताब्दी के अंत से विवरण।

ओगाटा केनज़न (1663-1743), अपने बड़े भाई ओगाटा कोरिन के विपरीत, अपनी युवावस्था से ही आध्यात्मिक मूल्यों की ओर आकर्षित थे, ज़ेन बौद्ध धर्म के अनुयायी थे, चीनी और जापानी जानते थे क्लासिक साहित्य, रंगमंच नोह, चाय की रस्म। निन्नाजी मंदिर से संबंधित क्षेत्र में, केनज़न को अपना सिरेमिक भट्ठा बनाने की अनुमति मिली, जिसने 1712 तक 13 वर्षों तक उत्पादों का उत्पादन किया। उन्होंने लाभप्रदता के लिए प्रयास नहीं किया, उन्हें अत्यधिक कलात्मक उत्पाद बनाने के विचार से निर्देशित किया गया था। . पहली बार, उन्होंने वॉल्यूमेट्रिक पेंटिंग में पारंपरिक इंक पेंटिंग तकनीकों का इस्तेमाल किया। केनज़न ने रंग का उपयोग करना शुरू किया, उन्होंने एक नम शार्क पर लिखा, झरझरा मिट्टी ने पेंट को अवशोषित कर लिया, जैसे स्याही पेंटिंग में कागज। अपने महान समकालीन कवि बाशो की तरह, जिन्होंने हाइकू की लोकप्रिय निम्न शैली को एक रहस्योद्घाटन में बदल दिया, ओगाटा केनज़न ने दिखाया कि साधारण सिरेमिक प्लेटें, कप, फूलदान दोनों उपयोगी वस्तुएँ हो सकती हैं और साथ ही साथ कला की काव्यात्मक कृतियाँ भी हो सकती हैं।

ईदो अवधि (1614-1868)

1615 में, समुराई को क्योटो से ईदो में फिर से बसाया गया। मारा, क्योटो और ओसाका में केंद्रित व्यापारियों, व्यापारियों और सूदखोरों के वर्ग का महत्व बढ़ गया। इनके प्रतिनिधियों के लिए सामाजिक समूहोंजीवन की एक धर्मनिरपेक्ष धारणा, सामंती नैतिकता के प्रभाव से खुद को मुक्त करने की इच्छा की विशेषता थी। पहली बार, कला दैनिक जीवन के विषयों को संबोधित करती है, जिसमें तथाकथित जीवन भी शामिल है। मजेदार पड़ोस - चाय घरों की दुनिया, काबुकी थिएटर, सूमो पहलवान। वुडकट्स की उपस्थिति संस्कृति के लोकतांत्रीकरण से जुड़ी हुई थी, क्योंकि उत्कीर्णन को संचलन, सस्तेपन और पहुंच की विशेषता है। बाद घरेलू पेंटिंगउत्कीर्णन उकीयो-ए (शाब्दिक रूप से - नश्वर परिवर्तनशील दुनिया) के रूप में जाना जाता है।

उत्कीर्णन के उत्पादन ने व्यापक दायरा प्राप्त किया है। Ukiyo-e ग्राफिक्स के विकास की प्रारंभिक अवधि हसीकावा मोरोनोबु (1618-1694) के नाम से जुड़ी हुई है, जिन्होंने चाय घरों के निवासियों, कारीगरों के जीवन के सरल दृश्यों को चित्रित किया, अलग-अलग समय पर घटनाओं का संयोजन, प्रत्येक से असंबंधित अन्य, एक उत्कीर्णन पर। उत्कीर्णन की पृष्ठभूमि सफेद रही, रेखाएँ स्पष्ट थीं। धीरे-धीरे, उत्कीर्णन के विषयों की सीमा का विस्तार हुआ, न केवल बाहरी, बल्कि पात्रों की आंतरिक दुनिया में भी रुचि गहरी होती गई। 1780-1790 में जापानी उत्कीर्णन। अपने उत्कर्ष में प्रवेश करता है। Suzuki Haranobu (1725-1770) ने सबसे पहले खुलासा करना शुरू किया भीतर की दुनियाइस तरह के उत्कीर्णन में नायक "एक बेर की शाखा को तोड़ते हुए सुंदरियां", "बर्फ से ढके बगीचे में प्रेमी"। वह रोलिंग तकनीक का उपयोग करने वाले पहले व्यक्ति थे, जो अंधेरे से हल्के स्वर में संक्रमण पैदा करता है, लाइनों की मोटाई और बनावट को बदलता है। उन्होंने असली रंगों की कभी परवाह नहीं की, उनके उत्कीर्णन में समुद्र गुलाबी है, आकाश रेतीला है, घास नीली है, सब कुछ सामान्य पर निर्भर करता है भावनात्मक मनोदशादृश्यों। उनकी सर्वश्रेष्ठ रचनाओं में से एक, "लवर्स प्लेइंग द सेम शमीसेन," जापानी कहावत से प्रेरित थी "अगर संगीत प्यार को बढ़ावा देता है, तो खेलो।"

टोकोनोमा - एक चाय घर के इंटीरियर में एक आला

कितागावा उतामारो (1753-1806) - एक उत्कृष्ट उकीयो-ए मास्टर। उनके काम की शुरुआत "द बुक ऑफ इंसेक्ट्स", "सॉन्ग्स ऑफ शेल्स" एल्बमों से हुई। महिलाओं के अपने अर्ध-लंबाई वाले बस्ट-लंबाई वाले चित्रों में, उतामारो पहली बार अभ्रक पाउडर का उपयोग करता है, जो झिलमिलाती पृष्ठभूमि बनाता है। एक सुंदर आकार और सिर के फिट के साथ उत्तम सौंदर्य उतामारो,
पतली गर्दन, छोटा मुँह, छोटी काली भौहें। श्रृंखला में "दस महिला पात्र"और" महिलाओं के दिन और घंटे "उन्होंने विभिन्न प्रकार की उपस्थिति और महिलाओं के चरित्र की पहचान करने की मांग की। 90 के दशक के उत्तरार्ध में। उटामारो में "मदर विद चाइल्ड" और "बॉल गेम" जैसे उत्कीर्णन में मातृत्व के विषय को संबोधित करते हैं, साथ ही वह त्रिपिटक और पॉलीप्टिक बनाते हैं ऐतिहासिक विषयों, अप्रत्यक्ष पदनाम का सहारा लेना (देश के नायकों को सुंदरियों के रूप में दर्शाया गया है)। तेशुसाई श्याराकु ने काबुकी थिएटर अभिनेताओं और सूमो पहलवानों के चित्रों की एक श्रृंखला बनाई। उन्होंने आम तौर पर स्वीकृत परंपराओं को त्याग दिया, जिससे उनकी मुख्य तकनीक विचित्र हो गई। यूकेयो-ए प्रिंट के विकास की तीसरी अवधि 1800-1868 में आती है। इस समय, जापानी कला पर डच और जर्मन नक़्क़ाशी का प्रभाव बढ़ गया। कलात्मक राजवंश उटगावा की रचनात्मकता के लिए, व्यक्तित्व की खोज की अस्वीकृति, औपचारिक लालित्य की इच्छा पात्र बन गए। उत्कीर्णन में परिदृश्य शैली का उत्कर्ष कटुशिका होकुसाई (1760-1849) के नाम से जुड़ा है। होकुसाई ने प्राचीन और आधुनिक जापानी कला का अध्ययन किया, चीन की कला को जाना और यूरोपीय उत्कीर्णन से परिचित हुए। लगभग 50 साल की उम्र तक, होकुसाई ने उक्यो-ए कलाकारों के पारंपरिक तरीके से काम किया। केवल मंगा एल्बम (रेखाचित्रों की एक पुस्तक) में, जिसका पहला खंड 1812 में प्रकाशित हुआ था, होकुसाई ने अपनी कला का क्षेत्र खोजा। अब उन्होंने रोजमर्रा के दृश्यों, परिदृश्यों, भीड़ को चित्रित किया।

जापान परिदृश्य उद्यान

70 साल की उम्र में, होकुसाई ने अपनी श्रृंखला "माउंट फ़ूजी के 36 दृश्य" बनाई, प्रत्येक उत्कीर्णन पर कलाकार माउंट फ़ूजी को दर्शाता है। परिदृश्य के साथ शैली विषय का संयोजन होकुसाई की एक विशेषता है। प्राचीन परिदृश्य चित्रकारों के विपरीत, होकुसाई पृथ्वी को नीचे से दिखाता है। साथ ही, वह "देश के झरने के माध्यम से यात्रा", "पुल", "बिग फूल", "फ़ूजी के 100 दृश्य" श्रृंखला बनाता है। होकुसाई चीजों को एक अप्रत्याशित कोण से व्यक्त कर सकता था। फ़ूजी उत्कीर्णन के 100 दृश्यों में, पहाड़ या तो रात के अंधेरे से निकलते हैं, एक दृष्टि की तरह, या बांस के डंठल के पीछे दिखाई देते हैं, या झील में परिलक्षित होते हैं। होकुसाई के अनुयायी एंडो हिरोशिगे (1797-1858) ने प्रकृति को बहुत अधिक वास्तविक रूप से चित्रित किया। पेशे से एक नदी एजेंट, उन्होंने अपनी श्रृंखला "53 टोकेडो स्टेशन", "8 व्यूज़ ऑफ़ लेक ओमी", "69 व्यूज़ ऑफ़ किशिकाइडो" का निर्माण करते हुए देश भर में बहुत यात्रा की। हिरोशिगे की कला यूरोपीय चित्रकला तक पहुंचती है, यूकेयो-ए उत्कीर्णन के दो सौ साल के सुनहरे दिनों को पूरा करती है।

आर्टेलिनो

कत्सुशिका होकुसाई (1760-1849) द्वारा द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा सबसे प्रसिद्ध प्रिंटों में से एक है और फ़ूजी श्रृंखला के छत्तीस दृश्यों की पहली शीट है। 1830 के दशक की शुरुआत में, एइजुडो पब्लिशिंग हाउस द्वारा नियुक्त कत्सुशिका होकुसाई ने 46 शीट्स (36 मुख्य और 10 अतिरिक्त) की एक श्रृंखला बनाना शुरू किया, और द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा एक उत्कीर्णन था जो पूरी श्रृंखला को खोलता है।

उत्कीर्णन के ऐसे संग्रह उस समय के शहरवासियों के लिए एक प्रकार की "आभासी यात्रा" के रूप में कार्य करते थे, जो जिज्ञासा को संतुष्ट करने का एक सुविधाजनक और सस्ता तरीका था। फ़ूजी जैसे प्रिंट की कीमत लगभग 20 महीने है - उस समय के जापानी भोजनालय में नूडल्स के दोगुने हिस्से के बराबर। हालाँकि, सफलता इतनी बड़ी थी कि 1838 तक होकुसाई की चादरों की कीमत लगभग 50 महीने हो गई थी, और गुरु की मृत्यु के बाद, अकेले वेव को 1000 से अधिक बार नए बोर्डों से पुनर्मुद्रित किया गया था।

हैरानी की बात है, पूरी श्रृंखला के घोषित विषय के बावजूद, द वेव में फ़ूजी एक माध्यमिक भूमिका निभाते हैं। इस उत्कीर्णन में मुख्य "चरित्र" एक लहर है, और अग्रभूमि में तत्वों के साथ एक आदमी के संघर्ष का एक नाटकीय दृश्य प्रकट होता है। फोम क्रेस्ट के किनारे एक शानदार क्रोधित दानव की मुड़ी हुई उंगलियों की तरह दिखते हैं, और नावों में मानव आकृतियों की निष्क्रियता और निष्क्रियता कोई संदेह नहीं छोड़ती है कि इस लड़ाई में कौन विजेता होगा। हालाँकि, यह टकराव नहीं है जो कि उत्कीर्णन की साजिश का निर्माण करता है।
उस क्षण को रोककर जिसके बाद नाव दुर्घटनाग्रस्त हो जाती है, होकुसाई दर्शक को ग्रे आकाश के खिलाफ एक पल के लिए फ़ूजी को देखने की अनुमति देता है, क्षितिज की ओर अंधेरा हो जाता है। हालांकि जापानी उत्कीर्णक पहले से ही यूरोपीय रैखिक और के सिद्धांतों से परिचित थे हवाई दृष्टिकोणउन्हें इस तकनीक की जरूरत महसूस नहीं हुई। अंधेरे पृष्ठभूमि, साथ ही फ़ूजी के लिए लहर के आंदोलन के माध्यम से नावों के साथ अग्रभूमि से आंख की लंबी यात्रा, आंख को आश्वस्त करती है कि समुद्र के विस्तार से पवित्र पर्वत हमसे अलग हो गया है।

तूफानी तत्वों के विपरीत, फ़ूजी तट से दूर स्थिरता और स्थिरता के प्रतीक के रूप में उगता है। विरोधाभासों की एकता और अन्योन्याश्रितता सुदूर पूर्व के विश्वदृष्टि में ब्रह्मांडीय व्यवस्था और पूर्ण सामंजस्य के विचार को रेखांकित करती है, और यह वह था जो उत्कीर्णन "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा" का मुख्य विषय बन गया, जिसने श्रृंखला को खोला। कटुशिका होकुसाई।

कितागावा उटामारो द्वारा "ब्यूटी नैनिवाया ओकिता", 1795-1796

कला संस्थान शिकागो

कितागावा उटामारो (1753-1806) को जापानी प्रिंट में महिला सौंदर्य का गायक कहा जा सकता है। Ukiyo ए: उन्होंने जापानी सुंदरियों की कई विहित छवियां बनाईं ( बिजिंगा) - चाय घरों के निवासी और जापान की राजधानी ईदो में प्रसिद्ध मनोरंजन क्वार्टर योशिवारा ईदो — 1868 तक टोक्यो का नाम।.

बिजिंगा उत्कीर्णन में, सब कुछ वैसा नहीं है जैसा आधुनिक दर्शक को लगता है। अमीर महिलाओं के कपड़े पहने हुए, एक नियम के रूप में, एक शर्मनाक शिल्प में लगे हुए थे और निम्न वर्ग के थे, और सुंदरियों के चित्रों के साथ उत्कीर्णन का खुले तौर पर विज्ञापन समारोह था। उसी समय, उत्कीर्णन ने लड़की की उपस्थिति का अंदाजा नहीं दिया, और हालांकि असाकुसा मंदिर के पास नानिवाया चाय घर से ओकिता को ईदो की पहली सुंदरता माना गया था, उत्कीर्णन में उसका चेहरा है पूरी तरह से व्यक्तित्व से रहित।

10वीं शताब्दी से, जापानी कला में स्त्री चित्र अतिसूक्ष्मवाद के कैनन के अधीन रहे हैं। "रेखा-आंख, हुक-नाक" - स्वागत hikime-कगिहानाकलाकार को केवल यह इंगित करने की अनुमति दी कि एक निश्चित महिला को चित्रित किया गया था: जापानी पारंपरिक संस्कृति में, शारीरिक सुंदरता के मुद्दे को अक्सर छोड़ दिया गया था। महान जन्म की महिलाओं में, "दिल की सुंदरता" और शिक्षा बहुत अधिक मूल्यवान थी, और हंसमुख तिमाहियों के निवासियों ने हर चीज में उच्चतम उदाहरणों की नकल करने का प्रयास किया। उतामारो के अनुसार, ओकिता वास्तव में सुंदर थी।

शीट "ब्यूटी नानिवाया ओकिता" 1795-1796 में "प्रसिद्ध सुंदरियों की तुलना छह अमर कवियों" की श्रृंखला में छपी थी, जिसमें 9 वीं शताब्दी के लेखकों में से एक ने प्रत्येक सुंदरता के अनुरूप था। ऊपरी बाएँ कोने में ओकिता के चित्र के साथ शीट पर अरिवारा नो नारीहिरा (825-880) की एक छवि है, जो जापान में सबसे प्रतिष्ठित कवियों में से एक है, जिनके उपन्यास इसे मोनोगेटरी को पारंपरिक रूप से जिम्मेदार ठहराया गया है। यह रईस रईस और प्रतिभाशाली कवि अपने प्रेम संबंधों के लिए भी प्रसिद्ध हुए, जिनमें से कुछ ने उपन्यास का आधार बनाया।

यह शीट तकनीक का एक अनूठा प्रयोग है नकल(तुलना) जापानी उत्कीर्णन में। एक आधिकारिक "प्रोटोटाइप" के गुणों को चित्रित सुंदरता में स्थानांतरित कर दिया जाता है, और सुरुचिपूर्ण शिष्टाचार, अतिथि को एक कप चाय परोसने वाले शांत चेहरे के साथ, पहले से ही दर्शक द्वारा कविता और प्रेम के कार्यों में कुशल महिला के रूप में पढ़ा जाता है। अरिवारा नो नारीहिरा के साथ तुलना वास्तव में ईदो सुंदरियों के बीच उनकी श्रेष्ठता की पहचान थी।

उसी समय, उत्मारो आश्चर्यजनक रूप से गेय छवि बनाता है। पत्ती पर गहरे और हल्के धब्बों को संतुलित करते हुए और रूप को मधुर, सुरुचिपूर्ण रेखाओं के साथ रेखांकित करते हुए, वह वास्तव में अनुग्रह और सद्भाव की एक आदर्श छवि बनाता है। "विज्ञापन" घटता है, और उतामारो द्वारा कब्जा की गई सुंदरता कालातीत रहती है।

ओगाटा कोरिन द्वारा स्क्रीन "इराइजेस", 1710s

विकिमीडिया कॉमन्स / नेज़ू संग्रहालय, टोक्यो

ओगाटा कोरिन (1658-1716) द्वारा 1710 के आसपास क्योटो में निशी होंगान-जी मंदिर के लिए छह-पैनल आईरिस स्क्रीन की एक जोड़ी - अब जापान का एक राष्ट्रीय खजाना - बनाया गया था।

16 वीं शताब्दी के बाद से, दीवार पैनलों और पेपर स्क्रीन पर पेंटिंग जापान में सजावटी कला की प्रमुख शैलियों में से एक बन गई है, और रिनपा कला विद्यालय के संस्थापक ओगाटा कोरिन इसके सबसे महान स्वामी थे।

जापानी इंटीरियर में स्क्रीन ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। विशाल महल परिसर संरचनात्मक रूप से एक साधारण जापानी के आवास से अलग नहीं थे: उनके पास लगभग कोई आंतरिक दीवार नहीं थी, और अंतरिक्ष तह स्क्रीन के साथ ज़ोन किया गया था। डेढ़ मीटर से थोड़ा अधिक ऊँचा, स्क्रीन सभी वर्गों की आम जापानी परंपरा के लिए फर्श पर रहने के लिए डिज़ाइन किया गया था। जापान में, 19 वीं शताब्दी तक उच्च कुर्सियों और तालिकाओं का उपयोग नहीं किया गया था, और स्क्रीन की ऊंचाई, साथ ही साथ इसकी पेंटिंग की संरचना, अपने घुटनों पर बैठे व्यक्ति को देखने के लिए डिज़ाइन की गई है। यह इस दृष्टिकोण के साथ है कि एक अद्भुत प्रभाव उत्पन्न होता है: irises बैठे व्यक्ति को घेरते हुए प्रतीत होते हैं - और एक व्यक्ति खुद को नदी के किनारे, फूलों से घिरा हुआ महसूस कर सकता है।

आइरिस को गैर-समोच्च तरीके से चित्रित किया गया है - गहरे नीले, बकाइन और बैंगनी स्वभाव के लगभग प्रभावशाली, चौड़े स्ट्रोक इस फूल की शानदार भव्यता को व्यक्त करते हैं। सुरम्य प्रभाव सोने की सुस्त झिलमिलाहट द्वारा बढ़ाया जाता है, जिसके खिलाफ irises को दर्शाया गया है। स्क्रीन फूलों के अलावा और कुछ नहीं दर्शाती हैं, लेकिन उनकी वृद्धि की कोणीय रेखा बताती है कि फूल नदी के घुमावदार रास्ते या लकड़ी के पुलों के ज़िगज़ैग के चारों ओर झुकते हैं। जापानियों के लिए स्क्रीन से एक पुल गायब देखना स्वाभाविक होगा, एक विशेष "आठ तख्तों का पुल" ( yatsuhashiसुनो)), शास्त्रीय जापानी साहित्य में irises से जुड़ा हुआ है। उपन्यास इसे मोनोगेटरी (9वीं शताब्दी) राजधानी से निष्कासित नायक की दुखद यात्रा का वर्णन करता है। यत्सुहाशी पुल के पास नदी तट पर आराम करने के लिए अपने रिटिन्यू के साथ बसने के बाद, नायक, जलन देखकर, अपने प्रिय को याद करता है और कविताएँ बनाता है:

कपड़ों में मेरी प्यारी
ग्रेस वहाँ, राजधानी में,
प्यार रह गया...
और मैं लालसा के साथ सोचता हूं कि कितना
मैं उससे बहुत दूर हूं... एनआई कोनराड द्वारा अनुवाद।

"तो वह मुड़ा, और सभी ने अपने सूखे चावल पर आँसू बहाए, ताकि यह नमी से भर जाए," कहानी के लेखक और गीतकार नायक, अरिवारा नो नरिहिरा कहते हैं।

एक शिक्षित जापानी के लिए, पुल और Ise monogatari द्वारा irises के बीच संबंध, irises और जुदा प्यार का विषय स्पष्ट था, और ओगाटा कोरिन वाचालता और चित्रण से बचता है। सजावटी पेंटिंग की मदद से, वह केवल प्रकाश, रंग और साहित्यिक अर्थों से भरा एक आदर्श स्थान बनाता है।

किंकाकुजी गोल्डन पवेलियन, क्योटो, 1397

येवगेन पोगोरीलोव / फ़्लिकर डॉट कॉम, 2006

स्वर्ण मंदिर जापान के प्रतीकों में से एक है, जिसे विडंबना यह है कि इसके निर्माण की तुलना में इसके विनाश से अधिक महिमामंडित किया गया था। 1950 में, रोकुओन्जी मठ, जिसकी यह इमारत है, के एक मानसिक रूप से अस्थिर साधु ने मठ की सतह पर खड़े एक तालाब में आग लगा दी।
मंडप 1950 में एक आग के दौरान, मंदिर लगभग नष्ट हो गया था। किंकाकू-जी में जीर्णोद्धार का काम 1955 में शुरू हुआ, 1987 तक पूरी तरह से पुनर्निर्माण पूरा हो गया, लेकिन पूरी तरह से खोई हुई आंतरिक सजावट की बहाली 2003 तक जारी रही।. उनके कृत्य के असली मकसद स्पष्ट नहीं थे, लेकिन लेखक युकियो मिशिमा की व्याख्या में इस मंदिर की अप्राप्य, लगभग रहस्यमय सुंदरता को दोष देना था। दरअसल, कई शताब्दियों तक किंकाकुजी को जापानी सुंदरता का प्रतीक माना जाता था।

1394 में, शोगुन आशिकागा योशिमित्सु (1358-1408), जिन्होंने लगभग पूरे जापान को अपनी इच्छा से अधीन कर लिया था, औपचारिक रूप से सेवानिवृत्त हो गए और उत्तरी क्योटो में एक उद्देश्य-निर्मित विला में बस गए। कृत्रिम झील क्योकोटी ("झील-दर्पण") पर तीन-स्तरीय इमारत ने विश्राम, पढ़ने और प्रार्थना के लिए एक अलग मंडप, एक प्रकार की धर्मशाला की भूमिका निभाई। इसमें शोगुन के चित्रों का संग्रह, एक पुस्तकालय और बौद्ध अवशेषों का संग्रह था। किनारे के पास पानी पर स्थित, किंकाकुजी का तट के साथ केवल नाव संचार था और क्योकोटी के चारों ओर बिखरे हुए पत्थरों और चीड़ के पेड़ों वाले कृत्रिम द्वीपों के समान द्वीप था। "आकाशीय द्वीप" का विचार चीनी पौराणिक कथाओं से उधार लिया गया था, जिसमें पेंगलाई द्वीप, अमर द्वीप, स्वर्गीय निवास की छवि के रूप में कार्य करता था। पानी में मंडप का प्रतिबिंब पहले से ही नश्वर दुनिया की भ्रामक प्रकृति के बारे में विचारों के साथ बौद्ध संघों को उद्घाटित करता है, जो बौद्ध सत्य की दुनिया के वैभव का केवल एक फीका प्रतिबिंब है।

हालांकि ये सभी पौराणिक संकेत काल्पनिक हैं, मंडप का स्थान इसे एक अद्भुत सामंजस्य और सामंजस्य प्रदान करता है। परावर्तन इमारत की स्क्वाटनेस को छुपाता है, जिससे यह लंबा और पतला हो जाता है; साथ ही, यह मंडप की ऊंचाई है जो इसे तालाब के किसी भी किनारे से हमेशा हरियाली की एक अंधेरे पृष्ठभूमि के खिलाफ देखना संभव बनाता है।

हालाँकि, यह पूरी तरह से स्पष्ट नहीं है कि यह मंडप कितना सुनहरा था मूल रूप. संभवतः, अशिकागा योशिमित्सु के तहत, यह वास्तव में सोने की पत्ती से ढका हुआ था और सुरक्षा करने वाली परतवार्निश। लेकिन अगर आप 19 वीं - 20 वीं सदी की शुरुआत और युकिओ मिशिमा की तस्वीरों पर विश्वास करते हैं, तो 20 वीं सदी के मध्य तक गिल्डिंग लगभग छिल गई थी और इसके अवशेष केवल इमारत के ऊपरी स्तर पर दिखाई दे रहे थे। इस समय, उन्होंने आत्मा को उजाड़ने के आकर्षण के साथ छुआ, समय के निशान, यहां तक ​​​​कि सबसे खूबसूरत चीजों के लिए भी। यह उदासीन आकर्षण सौंदर्य सिद्धांत के अनुरूप था सबीजापानी संस्कृति में अत्यधिक सम्मानित।

किसी न किसी रूप में इस भवन की शोभा सोने में बिल्कुल भी नहीं थी। किंकाकुजी के रूपों की उत्कृष्ट गंभीरता और परिदृश्य के साथ इसका त्रुटिहीन सामंजस्य इसे जापानी वास्तुकला की उत्कृष्ट कृतियों में से एक बनाता है।

करात्सु, XVI-XVII सदियों की शैली में बाउल "आइरिस"

डायने मार्टिन्यू /pinterest.com/मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क

शब्द meibutsu- नाम की कोई वस्तु। केवल इस कप का नाम वास्तव में बच गया है, क्योंकि न तो इसके निर्माण का सही समय और स्थान और न ही गुरु का नाम संरक्षित किया गया है। फिर भी, यह जापान के राष्ट्रीय खजाने में सूचीबद्ध है और राष्ट्रीय शैली में मिट्टी के पात्र के सबसे चमकीले उदाहरणों में से एक है।

16 वीं शताब्दी के अंत में, चाय समारोह चा कोई यू-परिष्कृत छोड़ दिया चीनी चीनी मिट्टी के बरतनऔर ग्लेज़ के साथ मिट्टी के पात्र कीमती सामग्री की याद दिलाते हैं। चाय के उस्तादों को उनकी शानदार सुंदरता बहुत कृत्रिम और स्पष्ट लगती थी। उत्तम और महंगी वस्तुएँ - कटोरे, पानी के बर्तन और चाय के कैडडीज़ - ज़ेन बौद्ध धर्म के लगभग तपस्वी आध्यात्मिक सिद्धांतों के अनुरूप नहीं थे, जिसकी भावना से चाय समारोह विकसित हुआ। चाय की कार्रवाई में एक वास्तविक क्रांति जापानी सिरेमिक के लिए अपील थी, उस समय बहुत सरल और कलाहीन थी जब जापान की कार्यशालाओं ने महाद्वीपीय मिट्टी के बर्तनों की तकनीकों में महारत हासिल करना शुरू ही किया था।

आइरिस बाउल का आकार सरल और अनियमित होता है। दीवारों की हल्की वक्रता, पूरे शरीर पर दिखाई देने वाले कुम्हार के डेंट कटोरे को लगभग भोली सहजता देते हैं। मिट्टी का टुकड़ा दरारों के एक नेटवर्क के साथ हल्के शीशे का आवरण के साथ कवर किया गया है - craquelure। सामने की ओर, जो चाय समारोह के दौरान अतिथि को संबोधित करता है, शीशा के नीचे एक परितारिका की एक छवि लगाई जाती है: ड्राइंग भोली है, लेकिन एक ऊर्जावान ब्रश के साथ निष्पादित की जाती है, ठीक उसी तरह जैसे कि एक आंदोलन में, ज़ेन की भावना में सुलेख। ऐसा लगता है कि रूप और सजावट दोनों ही अनायास और विशेष बलों के आवेदन के बिना बनाए जा सकते थे।

यह सहजता आदर्श को दर्शाती है वबी- सादगी और कलाहीनता, आध्यात्मिक स्वतंत्रता और सद्भाव की भावना को जन्म देना। ज़ेन बौद्ध धर्म के जापानी अनुयायियों के विचारों में किसी भी व्यक्ति या यहां तक ​​​​कि एक निर्जीव वस्तु में बुद्ध की प्रबुद्ध प्रकृति होती है, और निपुण प्रयासों का उद्देश्य इस प्रकृति को स्वयं और उसके आस-पास की दुनिया में खोजना है। चाय समारोह में उपयोग की जाने वाली चीजें, उनके सभी अनाड़ीपन के लिए, सच्चाई का गहरा अनुभव, हर पल की प्रासंगिकता, सबसे सामान्य रूपों में झाँकने और उनमें सच्ची सुंदरता देखने के लिए मजबूर होना चाहिए।

कटोरी की खुरदरी बनावट और इसकी सादगी के विपरीत एक छोटे से चिपके हुए सोने के लाह के साथ बहाली है (इस तकनीक को कहा जाता है kinsugi). बहाली 18वीं शताब्दी में की गई थी और जापानी चाय के उस्तादों ने चाय समारोह के लिए बर्तनों को जिस सम्मान के साथ व्यवहार किया था, उसे प्रदर्शित करता है। तो चाय समारोह प्रतिभागियों को आइरिस बाउल जैसी चीजों की असली सुंदरता की खोज करने का एक "रास्ता" प्रदान करता है। अस्पष्टता, गोपनीयता वाबी की सौंदर्यवादी अवधारणा और जापानी विश्वदृष्टि का एक महत्वपूर्ण हिस्सा बन गई है।

मोंक गैंडज़िन, नारा, 763 का पोर्ट्रेट

तोशोदाईजी, 2015

आठवीं शताब्दी में, मूर्तिकला युग की कलात्मक अभिव्यक्ति का मुख्य रूप बन गया, नारा युग (710-794), जो जापानी राज्य के गठन और बौद्ध धर्म की मजबूती से जुड़ा था। जापानी स्वामी पहले ही महाद्वीपीय तकनीकों और छवियों की शिक्षुता और अंधी नकल के चरण को पार कर चुके हैं और मूर्तिकला में अपने समय की भावना को स्वतंत्र रूप से और विशद रूप से व्यक्त करना शुरू कर दिया है। बौद्ध धर्म के अधिकार के प्रसार और वृद्धि ने बौद्ध मूर्तिकला चित्र की उपस्थिति का कारण बना।

इस शैली की उत्कृष्ट कृतियों में से एक 763 में बनाई गई गैंडज़िन का चित्र है। सूखी लाह की तकनीक में निर्मित (कपड़े से ढके लकड़ी के फ्रेम पर लाख की परतें बनाकर), लगभग आदमकद मूर्तिकला को वास्तविक रूप से चित्रित किया गया था, और मंदिर की सांझ में, गंजिन ध्यान की मुद्रा में बैठ गया "जैसे अगर जिंदा है ”। यह सजीवता ऐसे चित्रों का मुख्य पंथ कार्य था: शिक्षक को हमेशा नारा शहर में टोडाईजी मठ की दीवारों के भीतर रहना था और सबसे महत्वपूर्ण दिव्य सेवाओं में उपस्थित होना था।

बाद में, 11वीं-13वीं शताब्दी में, मूर्तिकलात्मक चित्र आदरणीय शिक्षकों की दुर्बलता, उनके धँसे हुए मुँह, ढीले गाल और गहरी झुर्रियों को दर्शाते हुए लगभग निर्दयी भ्रमवाद तक पहुँच गए। ये चित्र बौद्ध धर्म के अनुयायियों को जीवित आँखों से देखते हैं, रॉक क्रिस्टल और लकड़ी के साथ जड़े हुए हैं। लेकिन गैंडज़िन का चेहरा धुंधला लगता है, इसमें कोई स्पष्ट आकृति और स्पष्ट रूप नहीं हैं। आधी बंद और बिना पपड़ी वाली आंखों की पलकें सूजी हुई दिखाई देती हैं; तनावग्रस्त मुंह और गहरी नासोलाबियल फोल्ड ध्यान की एकाग्रता के बजाय आदतन सावधानी व्यक्त करते हैं।

इन सभी विशेषताओं से इस भिक्षु की नाटकीय जीवनी, अद्भुत तपस्या और त्रासदियों की कहानी का पता चलता है। नारा के सबसे बड़े मठ, टोडाईजी के अभिषेक समारोह के लिए एक चीनी बौद्ध भिक्षु गंजिन को जापान में आमंत्रित किया गया था। जहाज पर समुद्री लुटेरों ने कब्जा कर लिया था, बेशकीमती स्क्रॉल और बौद्ध मूर्तियां जो एक दूर के जापानी मंदिर के लिए थीं, आग में खो गईं, गंजिन ने अपना चेहरा जला लिया और अपनी दृष्टि खो दी। लेकिन उन्होंने सभ्यता के सुदूर सरहद पर उपदेश देने की इच्छा नहीं छोड़ी - अर्थात्, उस समय महाद्वीप द्वारा जापान को कैसे माना जाता था।

समुद्र को पार करने के कई और प्रयास उसी असफल तरीके से समाप्त हुए, और केवल पांचवें प्रयास में, पहले से ही मध्यम आयु वर्ग के, अंधे और बीमार गंजिन जापानी राजधानी नारा तक पहुँचते हैं।

जापान में, गंजिन ने लंबे समय तक बौद्ध कानून नहीं पढ़ाया: उनके जीवन की नाटकीय घटनाओं ने उनके स्वास्थ्य को कम कर दिया। लेकिन उनका अधिकार इतना अधिक था कि, शायद, उनकी मृत्यु से पहले ही उनकी मूर्ति बनाने का निर्णय लिया गया था। निस्संदेह, कलाकार-भिक्षुओं ने मूर्तिकला को मॉडल के जितना संभव हो उतना समानता देने की मांग की। लेकिन बचाने के लिए ऐसा नहीं किया गया उपस्थितिएक व्यक्ति का, लेकिन अपने व्यक्तिगत आध्यात्मिक अनुभव पर कब्जा करने के लिए, वह कठिन रास्ता जिससे गंजिन गुजरा और जिसे बौद्ध शिक्षण कहा जाता है।

दाइबुत्सू - टोडाईजी मंदिर, नारा के बड़े बुद्ध, 8वीं शताब्दी के मध्य में

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8वीं शताब्दी के मध्य में, जापान प्राकृतिक आपदाओं और महामारियों से पीड़ित था, और प्रभावशाली फुजिवारा परिवार की साज़िशों और विद्रोह ने सम्राट शोमू को नारा शहर की राजधानी से भागने के लिए मजबूर किया। निर्वासन में, उन्होंने बौद्ध शिक्षाओं के मार्ग का पालन करने की शपथ ली और 743 में देश के मुख्य मंदिर का निर्माण शुरू करने और एक विशाल की ढलाई का आदेश दिया। कांसे की मूर्तिबुद्ध वैरोचन (बुद्ध महान सूर्य या सभी रोशन प्रकाश)। इस देवता को बौद्ध शिक्षाओं के संस्थापक बुद्ध शाक्यमुनि का सार्वभौमिक अवतार माना जाता था, और उन्हें अशांति और विद्रोह की अवधि के दौरान सम्राट और पूरे देश की सुरक्षा का गारंटर बनना था।

काम 745 में शुरू हुआ और चीन की राजधानी लुओयांग के पास लोंगमेन गुफा मंदिरों में विशाल बुद्ध प्रतिमा पर आधारित था। नारा में मूर्ति, बुद्ध की किसी भी छवि की तरह, "बुद्ध के महान और छोटे लक्षण" दिखाने वाली थी। इस आइकनोग्राफिक कैनन में लम्बी कान की बाली शामिल थी, जो इस तथ्य की याद दिलाती है कि बुद्ध शाक्यमुनि एक राजसी परिवार से आए थे और बचपन से भारी झुमके पहने थे, उनके सिर के शीर्ष पर एक ऊँचाई (उष्णिशा), उनके माथे (कलश) पर एक बिंदी थी।

प्रतिमा की ऊंचाई 16 मीटर, चेहरे की चौड़ाई 5 मीटर, फैली हुई हथेली की लंबाई 3.7 मीटर और कलश मानव सिर से बड़ा था। निर्माण में 444 टन तांबा, 82 टन टिन और भारी मात्रा में सोना लगा, जिसकी खोज देश के उत्तर में विशेष रूप से की गई थी। मंदिर की सुरक्षा के लिए प्रतिमा के चारों ओर एक हॉल, दाइबुत्सुदेन बनाया गया था। इसके छोटे से स्थान में, थोड़ा झुके हुए बुद्ध की आकृति पूरे स्थान को भर देती है, बौद्ध धर्म के मुख्य सिद्धांतों में से एक को दर्शाती है - यह विचार कि देवता सर्वव्यापी और सर्वव्यापी है, यह सब कुछ गले लगाता है और भरता है। चेहरे की पारलौकिक शांति और देवता के हाथ का इशारा (मुद्रा, सुरक्षा देने का इशारा) बुद्ध की शांत भव्यता और शक्ति की भावना का पूरक है।

हालांकि, मूल मूर्ति के केवल कुछ टुकड़े ही आज बचे हैं: 12वीं और 16वीं शताब्दी में आग और युद्धों ने मूर्ति को भारी नुकसान पहुंचाया, और आधुनिक मूर्ति मुख्य रूप से 18वीं शताब्दी की ढलाई है। 18वीं सदी के जीर्णोद्धार के दौरान, कांस्य की आकृति अब सोने से ढकी नहीं थी। 8वीं शताब्दी में सम्राट शोमू के बौद्ध उत्साह ने व्यावहारिक रूप से राजकोष को खाली कर दिया और पहले से ही हैरान देश को लहूलुहान कर दिया, और बाद के शासक अब इस तरह के अत्यधिक खर्च को वहन नहीं कर सकते थे।

फिर भी, दाइबुत्सू का महत्व सोने में नहीं है और विश्वसनीय प्रामाणिकता में भी नहीं है - बौद्ध शिक्षाओं के इस तरह के भव्य अवतार का विचार एक ऐसे युग का स्मारक है जब जापानी स्मारक कलाएक वास्तविक उत्कर्ष का अनुभव किया, महाद्वीपीय मॉडल की अंधी नकल से खुद को मुक्त किया और अखंडता और अभिव्यक्ति हासिल की, जो बाद में खो गई।

जापान? यह कैसे विकसित हुआ? हम लेख में इन और अन्य सवालों के जवाब देंगे। जापानी संस्कृति का गठन एक ऐतिहासिक आंदोलन के परिणामस्वरूप हुआ था जो तब शुरू हुआ जब जापानी मुख्य भूमि से द्वीपसमूह में चले गए और जोमोन काल की सभ्यता का जन्म हुआ।

इन लोगों का वर्तमान ज्ञान यूरोप, एशिया (विशेष रूप से कोरिया और चीन) और से काफी प्रभावित था उत्तरी अमेरिका. जापानी संस्कृति के संकेतों में से एक तोकुगावा शोगुनेट के शासनकाल के दौरान अन्य सभी देशों से राज्य (सकोकू नीति) के पूर्ण अलगाव के युग में इसका लंबा विकास है, जो 19 वीं शताब्दी के मध्य तक चला - जापानी संस्कृति की शुरुआत मीजी युग।

प्रभाव

जापान की कलात्मक संस्कृति का विकास कैसे हुआ? सभ्यता देश के पृथक क्षेत्रीय स्थान, जलवायु और भौगोलिक विशेषताओं के साथ-साथ प्राकृतिक घटनाओं (आंधी और लगातार भूकंप) से काफी प्रभावित थी। यह एक जीवित प्राणी के रूप में प्रकृति के प्रति जनसंख्या के असाधारण रवैये में व्यक्त किया गया था। विशेषता राष्ट्रीय चरित्रजापानी ब्रह्मांड की वर्तमान सुंदरता की प्रशंसा करने की क्षमता है, जो एक छोटे से देश में कई प्रकार की कलाओं में व्यक्त की जाती है।

जापान की कलात्मक संस्कृति बौद्ध धर्म, शिंटोवाद और कन्फ्यूशीवाद के प्रभाव में बनाई गई थी। इन्हीं प्रवृत्तियों ने इसके आगे के विकास को प्रभावित किया।

प्राचीन समय

सहमत हूँ, जापान की कलात्मक संस्कृति शानदार है। शिंटोवाद की जड़ें प्राचीन काल में हैं। बौद्ध धर्म, हालांकि यह हमारे युग से पहले प्रकट हुआ था, पांचवीं शताब्दी से ही फैलना शुरू हुआ। हियान काल (8वीं-12वीं शताब्दी) को जापान के राज्य का स्वर्ण युग माना जाता है। इसी काल में इस देश की सुरम्य संस्कृति अपने उच्चतम शिखर पर पहुंच गई।

कन्फ्यूशीवाद 13वीं शताब्दी में प्रकट हुआ। इस अवस्था में कन्फ्यूशियस और बौद्ध धर्म के दर्शन में अलगाव हो गया था।

चित्रलिपि

जापान की कलात्मक संस्कृति की छवि एक अद्वितीय छंद में सन्निहित है, जिसे कहा जाता है। इस देश में, सुलेख की कला भी अत्यधिक विकसित है, जो कि किंवदंती के अनुसार, स्वर्गीय दिव्य छवियों से उत्पन्न हुई है। यह वे थे जिन्होंने लेखन में जान फूंक दी थी, इसलिए जनसंख्या वर्तनी में हर संकेत के प्रति दयालु है।

अफवाह यह है कि यह चित्रलिपि थी जिसने जापानी संस्कृति को दिया था, क्योंकि उत्कीर्णन के आसपास के चित्र उनसे प्रकट हुए थे। थोड़ी देर बाद, एक काम में चित्रकला और कविता के तत्वों का एक मजबूत संयोजन देखा जाने लगा।

यदि आप एक जापानी स्क्रॉल का अध्ययन करते हैं, तो आप पाएंगे कि कार्य में दो प्रकार के प्रतीक होते हैं। ये लेखन के संकेत हैं - मुहरें, कविताएँ, कोलोफ़ेन, साथ ही सुरम्य। वहीं, काबुकी थिएटर को काफी लोकप्रियता मिली। एक अलग प्रकार का रंगमंच - लेकिन - मुख्य रूप से सैन्य कर्मियों द्वारा पसंद किया जाता है। उनकी गंभीरता और क्रूरता का नंबर 1 पर गहरा प्रभाव था।

चित्रकारी

कई विशेषज्ञों द्वारा कलात्मक संस्कृति का अध्ययन किया गया है। इसके निर्माण में एक बड़ी भूमिका कैगा पेंटिंग द्वारा निभाई गई थी, जिसका जापानी में अर्थ ड्राइंग या पेंटिंग है। इस कला को राज्य की सबसे पुरानी प्रकार की पेंटिंग माना जाता है, जो बड़ी संख्या में समाधानों और रूपों से निर्धारित होती है।

इसमें प्रकृति का एक विशेष स्थान है, जो पवित्र सिद्धांत को निर्धारित करता है। सुमी-ए और यमातो-ए में चित्रकला का विभाजन दसवीं शताब्दी से अस्तित्व में है। पहली शैली चौदहवीं शताब्दी के करीब विकसित हुई। यह एक तरह का मोनोक्रोम वॉटरकलर है। यमातो-ई क्षैतिज रूप से मुड़े हुए स्क्रॉल हैं जो आमतौर पर साहित्य के कार्यों की सजावट में उपयोग किए जाते हैं।

थोड़ी देर बाद, 17 वीं शताब्दी में, देश में गोलियों पर छपाई दिखाई दी - ukiyo-e। परास्नातक ने काबुकी थिएटर के प्रसिद्ध अभिनेताओं, परिदृश्य, गीशा को चित्रित किया। 18वीं सदी में इस तरह की पेंटिंग का यूरोप की कला पर खासा प्रभाव था। उभरती हुई प्रवृत्ति को "जापानवाद" कहा जाता था। मध्य युग में, जापान की संस्कृति देश की सीमाओं से परे चली गई - इसका उपयोग दुनिया भर में स्टाइलिश और फैशनेबल अंदरूनी के डिजाइन में किया जाने लगा।

सुलेख

ओह, जापान की कलात्मक संस्कृति कितनी सुंदर है! प्रकृति के साथ सामंजस्य की समझ इसके प्रत्येक खंड में देखी जा सकती है। आधुनिक जापानी सुलेख क्या है? इसे शोडो ("सूचनाओं का तरीका") कहा जाता है। सुलेख, लेखन की तरह, एक अनिवार्य अनुशासन है। वैज्ञानिकों ने पाया है कि यह कला चीनी लेखन के साथ-साथ वहां आई थी।

वैसे तो प्राचीन काल में किसी व्यक्ति की संस्कृति का अंदाजा उसके सुलेख के स्तर से लगाया जाता था। आज, बड़ी संख्या में लेखन शैलियाँ हैं, और बौद्ध भिक्षुओं ने उन्हें विकसित किया।

मूर्ति

जापानी संस्कृति कैसे आई? हम मानव जीवन के इस क्षेत्र के विकास और प्रकारों का अधिक से अधिक विस्तार से अध्ययन करेंगे। मूर्तिकला जापान की सबसे पुरानी कला है। प्राचीन काल में इस देश के लोग मिट्टी के पात्र से मूर्तियाँ और व्यंजन बनाते थे। फिर लोगों ने कब्रों पर पकी हुई मिट्टी से बनी खनीव की मूर्तियाँ स्थापित करना शुरू किया।

आधुनिक जापानी संस्कृति में मूर्तिकला शिल्प का विकास राज्य में बौद्ध धर्म के प्रसार से जुड़ा है। जापानी स्मारकों के सबसे प्राचीन प्रतिनिधियों में से एक को ज़ेंको-जी मंदिर में रखी गई लकड़ी से बनी बुद्ध अमिताभ की मूर्ति माना जाता है।

मूर्तियां अक्सर बीम से बनाई जाती थीं, लेकिन वे बहुत समृद्ध दिखती थीं: कारीगरों ने उन्हें वार्निश, सोने और चमकीले रंगों से ढक दिया था।

origami

क्या आपको जापान की कलात्मक संस्कृति पसंद है? प्रकृति के साथ सामंजस्य की समझ एक अविस्मरणीय अनुभव लाएगी। अभिलक्षणिक विशेषताजापानी संस्कृति ओरिगेमी ("मुड़ा हुआ कागज") का अद्भुत उत्पाद बन गई है। इस कौशल की उत्पत्ति चीन से हुई है, जहां, वास्तव में, चर्मपत्र का आविष्कार किया गया था।

सबसे पहले, "मुड़ा हुआ कागज" धार्मिक समारोहों में इस्तेमाल किया गया था। इस कला का अध्ययन केवल उच्च वर्ग ही कर सकता था। लेकिन द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, ओरिगेमी ने रईसों के घरों को छोड़ दिया और पूरी पृथ्वी पर इसके प्रशंसक पाए।

इकेबाना

सभी को पता होना चाहिए कि पूर्व के देशों की कलात्मक संस्कृति क्या है। जापान ने इसके विकास में बहुत काम किया है। इस संस्कृति का एक अन्य घटक सुदंर देशइकेबाना ("जीवित फूल", "फूलों का नया जीवन") है। जापानी सौंदर्यशास्त्र और सादगी के प्रशंसक हैं। यह ठीक यही दो गुण हैं जो कार्यों में निवेशित हैं। वनस्पतियों के प्राकृतिक सौन्दर्य के लाभकारी उपयोग से चित्रों का परिष्कार प्राप्त होता है। इकेबाना, ओरिगेमी की तरह, एक धार्मिक समारोह के हिस्से के रूप में भी काम करता था।

लघुचित्र

शायद, बहुत से लोग पहले ही समझ चुके हैं कि प्राचीन चीन और जापान की कलात्मक संस्कृति आपस में घनिष्ठ रूप से जुड़ी हुई है। और बोन्साई क्या है? एक असली पेड़ की लगभग सटीक लघु प्रतिकृति तैयार करना एक जापानी अद्वितीय कौशल है।

जापान में, नेटसुक बनाना भी आम है - छोटी मूर्तियाँ जो एक प्रकार की चाबी का गुच्छा होती हैं। इस क्षमता में अक्सर ऐसी मूर्तियाँ जापानियों के कपड़ों से जुड़ी होती थीं, जिनमें जेब नहीं होती थी। उन्होंने न केवल इसे सजाया, बल्कि एक मूल काउंटरवेट के रूप में भी काम किया। चाबी के छल्ले एक चाबी, एक थैली, एक विकर टोकरी के रूप में बनाए गए थे।

पेंटिंग का इतिहास

प्राचीन जापान की कलात्मक संस्कृति बहुत से लोगों के लिए रुचिकर है। इस देश में चित्रकला की उत्पत्ति जापानी पुरापाषाण काल ​​के दौरान हुई और इस तरह से विकसित हुई:

• यमातो अवधि। असुका और कोफुन (चौथी-सातवीं शताब्दी) के समय, चित्रलिपि की शुरुआत के साथ, एक चीनी शैली के राज्य शासन का निर्माण और बौद्ध धर्म को लोकप्रिय बनाने के साथ, कला के कई कार्य चीन से जापान लाए गए थे। उसके बाद, उगते सूरज की भूमि में चीनी शैली के चित्रों का पुनरुत्पादन शुरू हुआ।
• नारा समय। छठी और सातवीं शताब्दी में। जापान में बौद्ध धर्म का विकास जारी रहा। इस संबंध में, धार्मिक चित्रकला फलने-फूलने लगी, जिसका उपयोग अभिजात वर्ग द्वारा निर्मित कई मंदिरों को सजाने के लिए किया जाता था। सामान्य तौर पर, नारा युग के दौरान, चित्रकला की तुलना में मूर्तिकला और कला के विकास में योगदान अधिक था। इस चक्र के शुरुआती चित्रों में शाक्यमुनि बुद्ध के जीवन को दर्शाते हुए नारा प्रान्त में होरीयू-जी मंदिर की आंतरिक दीवारों पर भित्ति चित्र शामिल हैं।
• हियान युग। जापानी चित्रकला में, 10 वीं शताब्दी से शुरू होकर, यमातो-ए की प्रवृत्ति प्रतिष्ठित है, जैसा कि हमने ऊपर लिखा है। इस तरह के चित्र क्षैतिज स्क्रॉल होते हैं जिनका उपयोग पुस्तकों को चित्रित करने के लिए किया जाता है।
• मुरोमाची का युग। XIV सदी में, सुपी-ए शैली (मोनोक्रोम वॉटरकलर) दिखाई दी, और XVII सदी की पहली छमाही में। कलाकारों ने बोर्डों पर उत्कीर्णन करना शुरू किया - ukiyo-e।
• अज़ुची-मोमोयामा युग की पेंटिंग मुरोमाची काल की पेंटिंग के ठीक विपरीत है। चांदी के व्यापक उपयोग के साथ उनकी एक बहुरंगी शैली है और इस अवधि के दौरान, महान प्रतिष्ठा और प्रसिद्धि का आनंद लिया शैक्षिक संस्थाकानो। इसके संस्थापक कानो ईटोकू थे, जिन्होंने अलग-अलग कमरों में छत और स्लाइडिंग दरवाजे पेंट किए। इस तरह के चित्र सैन्य बड़प्पन के महल और महलों को सुशोभित करते थे।
• माईजी युग। दूसरे से XIX का आधाशताब्दी, कला प्रतिस्पर्धी पारंपरिक और यूरोपीय शैलियों में विभाजित हो गई। माईजी युग के दौरान, अधिकारियों द्वारा आयोजित आधुनिकीकरण और यूरोपीयकरण की प्रक्रिया के माध्यम से जापान में महान सामाजिक और राजनीतिक परिवर्तन हुए। युवा होनहार कलाकारों को अध्ययन के लिए विदेश भेजा गया, और विदेशी कलाकार स्कूली कला कार्यक्रम बनाने के लिए जापान आए। जैसा कि हो सकता है, पश्चिमी कला शैली के बारे में जिज्ञासा के शुरुआती उछाल के बाद, पेंडुलम पीछे हट गया और जापानी पारंपरिक शैली का पुनर्जन्म हुआ। 1880 में, पश्चिमी कला प्रथाओं को आधिकारिक प्रदर्शनियों से प्रतिबंधित कर दिया गया और भारी आलोचना की गई।

कविता

प्राचीन जापान की कलात्मक संस्कृति का अभी भी अध्ययन किया जा रहा है। इसकी विशेषता बहुमुखी प्रतिभा है, कुछ सिंथेटिक्स, क्योंकि यह विभिन्न धर्मों के प्रभाव में बनाई गई थी। यह ज्ञात है कि जापानी शास्त्रीय कविता रोजमर्रा की जिंदगी से उभरी, इसके भीतर अभिनय किया, और इसकी यह पार्थिवता कुछ हद तक आज की कविता के पारंपरिक रूपों - तीन-पंक्ति हाइकू और पांच-पंक्ति टांका में संरक्षित थी, जो एक स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित हैं सामूहिक चरित्र। वैसे, यह ठीक यही गुण है जो उन्हें अभिजात्यवाद की ओर बढ़ने वाले "मुक्त छंद" से अलग करता है, जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में यूरोपीय कविता के प्रभाव में जापान में दिखाई दिया था।

क्या आपने देखा है कि जापान की कलात्मक संस्कृति के विकास के चरण बहुआयामी हैं? इस देश के समाज में कविता ने एक विशेष भूमिका निभाई। हाइकु सबसे प्रसिद्ध विधाओं में से एक है, आप इसके इतिहास से परिचित होकर ही इसे समझ सकते हैं।

यह पहली बार हियान युग में दिखाई दिया, रेंगा शैली के समान था, जो कवियों के लिए एक प्रकार का आउटलेट था जो वाह के विचारशील छंदों से विराम लेना चाहते थे। हाइकाई 16वीं शताब्दी में अपने आप में एक शैली के रूप में विकसित हुआ क्योंकि रेंगा बहुत गंभीर हो गया और हाइकू पर निर्भर हो गया बोल-चाल काऔर अभी भी विनोदी था।

बेशक, कई कार्यों में जापान की कलात्मक संस्कृति का संक्षेप में वर्णन किया गया है, लेकिन हम इसके बारे में अधिक विस्तार से बात करने की कोशिश करेंगे। यह ज्ञात है कि मध्य युग में सबसे प्रसिद्ध साहित्यिक जापानी शैलियों में से एक टंका ("लैकोनिक गीत") थी। ज्यादातर मामलों में, यह एक पाँच-पंक्ति है, जिसमें एक निश्चित संख्या में सिलेबल्स के साथ श्लोक की एक जोड़ी होती है: पहले श्लोक की तीन पंक्तियों में 5-7-5 शब्दांश और दूसरी की दो पंक्तियों में 7-7। सामग्री के लिए, टंका निम्नलिखित योजना का उपयोग करता है: पहला छंद एक विशिष्ट प्राकृतिक छवि का प्रतिनिधित्व करता है, और दूसरा एक व्यक्ति की भावना को दर्शाता है जो इस छवि को प्रतिध्वनित करता है:

• दूर पहाड़ों में
  लंबी पूंछ वाला तीतर ऊँघ रहा है -
  यह लंबी, लंबी रात
  क्या मैं अकेला सो सकता हूँ? ( काकीनोमोटो नो हिटोवारो, 8वीं शताब्दी की शुरुआत में, सनोविच द्वारा अनुवादित.)

जापानी नाटकीयता

कई लोग तर्क देते हैं कि चीन और जापान की कलात्मक संस्कृति मंत्रमुग्ध कर देने वाली है। क्या आपको प्रदर्शन कला पसंद है? उगते सूरज की भूमि के पारंपरिक नाट्यशास्त्र को जोरूरी (कठपुतली थियेटर), नोह थियेटर (क्योजन और योक्योकू), काबुकी थियेटर और शिंगेकी के नाट्यशास्त्र में विभाजित किया गया है। इस कला के रीति-रिवाजों में पांच बुनियादी नाट्य विधाएं शामिल हैं: क्योजेन नो, बुगाकू, काबुकी और बनराकू। ये पांचों परंपराएं आज भी मौजूद हैं। विशाल मतभेदों के बावजूद, वे सामान्य सौंदर्य सिद्धांतों से जुड़े हुए हैं जो जापानी कला को रेखांकित करते हैं। वैसे, जापान की नाटकीयता नंबर 1 के मंच पर उत्पन्न हुई थी।

काबुकी थियेटर 17वीं शताब्दी में प्रकट हुआ और 18वीं शताब्दी के अंत तक अपने चरमोत्कर्ष पर पहुंच गया। निर्दिष्ट अवधि में विकसित प्रदर्शन का रूप काबुकी के आधुनिक मंच पर संरक्षित है। इस थिएटर की प्रस्तुतियों, नो के चरणों के विपरीत, प्राचीन कला के प्रशंसकों के एक संकीर्ण दायरे पर केंद्रित, बड़े पैमाने पर दर्शकों के लिए डिज़ाइन की गई हैं। काबुकी कौशल की जड़ें कॉमेडियन के प्रदर्शन से उत्पन्न होती हैं - छोटे किराए के कलाकार, ऐसे दृश्य जिनमें नृत्य और गायन शामिल होता है। काबुकी के नाट्य कौशल ने जोरूरी और नहीं के तत्वों को अवशोषित किया।

काबुकी थिएटर की उपस्थिति क्योटो (1603) में बौद्ध अभयारण्य ओ-कुनी के कार्यकर्ता के नाम से जुड़ी है। ओ-कुनी ने धार्मिक नृत्यों के साथ मंच पर प्रदर्शन किया, जिसमें नेंबुत्सू-ओडोरी के लोक नृत्यों के आंदोलन शामिल थे। उनके प्रदर्शन को हास्य नाटकों के साथ जोड़ दिया गया। इस स्तर पर, प्रस्तुतियों को युजो-काबुकी (शिष्टाचारियों की काबुकी), ओ-कुनी-काबुकी या ओन्ना-काबुकी (महिलाओं काबुकी) कहा जाता था।

नक्काशी

पिछली शताब्दी में, यूरोपीय और फिर रूसियों ने उत्कीर्णन के माध्यम से जापानी कला की घटना का सामना किया। इस बीच, उगते सूरज की भूमि में, एक पेड़ पर ड्राइंग को पहले एक कौशल नहीं माना जाता था, हालांकि इसमें जन संस्कृति के सभी गुण थे - सस्तापन, उपलब्धता, संचलन। Ukiyo-e पारखी भूखंडों के अवतार और उनकी पसंद दोनों में उच्चतम समझदारी और सरलता प्राप्त करने में सक्षम थे।

Ukiyo-e एक विशेष कला विद्यालय था, इसलिए वह कई उत्कृष्ट उस्तादों को सामने लाने में सक्षम थी। इस प्रकार, हिसिकावा मोरोनोबु (1618-1694) का नाम प्लॉट उत्कीर्णन के विकास के प्रारंभिक चरण से जुड़ा है। 18 वीं शताब्दी के मध्य में, बहु-रंग उत्कीर्णन के पहले पारखी सुजुकी हारुनोबु ने बनाया। उनके काम के मुख्य उद्देश्य गेय दृश्य थे, जिसमें कार्रवाई पर ध्यान नहीं दिया गया था, बल्कि मनोदशाओं और भावनाओं के प्रसारण पर ध्यान दिया गया था: प्रेम, कोमलता, उदासी। हियान युग की उत्तम प्राचीन कला की तरह, उकियो-ए गुणी ने एक पुनर्निर्मित शहरी वातावरण में महिलाओं की उत्कृष्ट सुंदरता के असाधारण पंथ को पुनर्जीवित किया।

फर्क सिर्फ इतना था कि गर्वित हीयान अभिजात वर्ग के बजाय, प्रिंटों में ईदो के मनोरंजन जिलों से सुशोभित गीशा को चित्रित किया गया था। कलाकार उतामारो (1753-1806), शायद, चित्रकला के इतिहास में एक पेशेवर का एक अनूठा उदाहरण है, जिसने विभिन्न जीवन परिस्थितियों में विभिन्न पोज़ और परिधानों में महिलाओं को चित्रित करने के लिए अपनी रचना को पूरी तरह से समर्पित कर दिया। उनकी सबसे अच्छी कृतियों में से एक उत्कीर्णन "गीशा ओसामा" है, जो मॉस्को में पेंटिंग के पुश्किन संग्रहालय में रखी गई है। कलाकार ने असामान्य रूप से हावभाव और मनोदशा, चेहरे के भावों की एकता को व्यक्त किया।

मंगा और एनीम

कई कलाकार जापान की पेंटिंग का अध्ययन करने की कोशिश करते हैं। एनीम (जापानी एनीमेशन) क्या है? यह एक वयस्क दर्शक के प्रति अधिक अभ्यस्त होने के कारण अन्य एनीमेशन शैलियों से भिन्न है। यहाँ एक अस्पष्ट के लिए शैलियों में एक दोहरावदार विभाजन है लक्षित दर्शक. क्रशिंग का माप फिल्म देखने वाले का लिंग, आयु या मनोवैज्ञानिक चित्र है। बहुत बार, एनीमे जापानी मंगा कॉमिक्स का एक फिल्म रूपांतरण है, जिसे बहुत प्रसिद्धि भी मिली।

मंगा का मूल भाग एक वयस्क दर्शक के लिए डिज़ाइन किया गया है। 2002 के आंकड़ों के अनुसार, पूरे जापानी पुस्तक बाजार का लगभग 20% मंगा कॉमिक्स द्वारा कब्जा कर लिया गया था।

जापान भौगोलिक रूप से हमारे करीब है, लेकिन इसके बावजूद, लंबे समय तक पूरी दुनिया के लिए समझ से बाहर और दुर्गम बना रहा। आज हम इस देश के बारे में बहुत कुछ जानते हैं। एक लंबे स्वैच्छिक अलगाव ने इस तथ्य को जन्म दिया है कि इसकी संस्कृति अन्य राज्यों की संस्कृतियों से पूरी तरह अलग है।

बहुत समृद्ध इतिहास है; इसकी परंपरा व्यापक है, दुनिया में जापान की अनूठी स्थिति जापानी कलाकारों की प्रमुख शैलियों और तकनीकों को काफी हद तक प्रभावित करती है। ज्ञात तथ्यजापान सदियों से काफी अलग-थलग रहा है, यह न केवल भूगोल के कारण है, बल्कि अलगाव के लिए प्रमुख जापानी सांस्कृतिक प्रवृत्ति के कारण भी है जिसने देश के इतिहास को चिह्नित किया है। सदियों के दौरान जिसे हम "जापानी सभ्यता" कह सकते हैं, संस्कृति और कला दुनिया के बाकी हिस्सों से अलग विकसित हुई। और यह जापानी चित्रकला के अभ्यास में भी ध्यान देने योग्य है। उदाहरण के लिए, निहोंगा पेंटिंग्स जापानी पेंटिंग अभ्यास के प्रमुख हैं। यह एक हजार साल से अधिक की परंपरा पर आधारित है, और पेंटिंग आमतौर पर आपके (जापानी पेपर) या एगिना (रेशम) पर ब्रश से बनाई जाती हैं।

हालाँकि, जापानी कला और पेंटिंग विदेशी कलात्मक प्रथाओं से प्रभावित हैं। सबसे पहले, यह 16वीं शताब्दी में चीनी कला और चीनी चित्रकला और चीनी कला परंपरा थी जो कई मायनों में विशेष रूप से प्रभावशाली थी। 17वीं शताब्दी तक, जापानी चित्रकला भी पश्चिमी परंपराओं से प्रभावित थी। विशेष रूप से, पूर्व-युद्ध काल के दौरान, जो 1868 से 1945 तक चला, जापानी चित्रकला प्रभाववाद और यूरोपीय स्वच्छंदतावाद से प्रभावित थी। इसी समय, नए यूरोपीय कला आंदोलन भी जापानी से काफी प्रभावित थे कलात्मक तकनीकें. कला के इतिहास में, इस प्रभाव को "जापानवाद" के रूप में जाना जाता है, और यह प्रभाववादियों, क्यूबिस्टों और आधुनिकतावाद से जुड़े कलाकारों के लिए विशेष रूप से महत्वपूर्ण है।

जापानी चित्रकला के लंबे इतिहास को कई परंपराओं के संश्लेषण के रूप में देखा जा सकता है जो एक मान्यता प्राप्त जापानी सौंदर्यशास्त्र के हिस्से बनाते हैं। सबसे पहले, बौद्ध कला और चित्रकला विधियों के साथ-साथ धार्मिक चित्रकला ने जापानी चित्रों के सौंदर्यशास्त्र पर एक महत्वपूर्ण छाप छोड़ी है; चीनी साहित्यिक चित्रकला की परंपरा में परिदृश्य की जल-स्याही पेंटिंग एक अन्य महत्वपूर्ण तत्व है जिसे कई प्रसिद्ध जापानी चित्रों में मान्यता प्राप्त है; जानवरों और पौधों, विशेष रूप से पक्षियों और फूलों की पेंटिंग, जो आमतौर पर जापानी रचनाओं से जुड़ी होती है, जैसे कि परिदृश्य और दृश्य हैं रोजमर्रा की जिंदगी. अंत में, प्राचीन जापान के दर्शन और संस्कृति से सुंदरता के बारे में प्राचीन विचारों का जापानी चित्रकला पर बहुत प्रभाव पड़ा। वाबी, जिसका अर्थ है क्षणिक और कठोर सौंदर्य, सबी (प्राकृतिक पेटिना और उम्र बढ़ने की सुंदरता) और युगेन (गहरी अनुग्रह और सूक्ष्मता) अभी भी जापानी चित्रकला के अभ्यास में आदर्शों को प्रभावित करते हैं।

अंत में, यदि हम दस सबसे प्रसिद्ध जापानी कृतियों को चुनने पर ध्यान केंद्रित करते हैं, तो हमें यूकेयो-ए का उल्लेख करना चाहिए, जो जापान में कला की सबसे लोकप्रिय शैलियों में से एक है, भले ही यह प्रिंटमेकिंग से संबंधित हो। यह 17वीं से 19वीं शताब्दी तक जापानी कला पर हावी रहा, इस शैली से संबंधित कलाकारों ने सुंदर लड़कियों, काबुकी अभिनेताओं और सूमो पहलवानों के साथ-साथ इतिहास और लोक कथाओं, यात्रा के दृश्यों और परिदृश्य, वनस्पतियों जैसे विषयों के वुडकट और पेंटिंग का निर्माण किया। और जीव-जंतु और प्रेमकाव्य भी।

सूची बनाना हमेशा कठिन होता है सबसे अच्छी तस्वीरेंसे कलात्मक परंपराएं. कई अद्भुत कार्यों को बाहर रखा जाएगा; हालाँकि, इस सूची में दुनिया में सबसे अधिक पहचाने जाने वाले दस जापानी चित्रों को शामिल किया गया है। यह लेख केवल उन्नीसवीं शताब्दी से लेकर आज तक निर्मित चित्रों को प्रस्तुत करेगा।

जापानी चित्रकला का एक अत्यंत समृद्ध इतिहास है। सदियों से, जापानी कलाकारों ने बड़ी संख्या में अनूठी तकनीकों और शैलियों का विकास किया है जो कला की दुनिया में जापान का सबसे मूल्यवान योगदान है। इनमें से एक तकनीक सुमी-ई है। सुमी-ए का शाब्दिक अर्थ है "स्याही आरेखण", ब्रश-चित्रित रचनाओं की एक दुर्लभ सुंदरता बनाने के लिए सुलेख और स्याही पेंटिंग का संयोजन। यह सुंदरता विरोधाभासी है - प्राचीन अभी तक आधुनिक, सरल अभी तक जटिल, बोल्ड अभी तक दब्बू, निस्संदेह ज़ेन बौद्ध धर्म में कला के आध्यात्मिक आधार को दर्शाता है। बौद्ध पुजारी छठी शताब्दी में हार्ड स्याही ब्लॉक और बांस ब्रश चीन से जापान लाए और पिछली 14 शताब्दियों में, जापान ने स्याही पेंटिंग की एक समृद्ध विरासत विकसित की है।

नीचे स्क्रॉल करें और 10 जापानी पेंटिंग मास्टरपीस देखें

1. कत्सुशिका होकुसाई "मछुआरे की पत्नी का सपना"

सबसे प्रसिद्ध जापानी चित्रों में से एक द ड्रीम ऑफ़ द फिशरमैन वाइफ है। इसे 1814 में प्रसिद्ध कलाकार होकुसाई ने चित्रित किया था। सख्त परिभाषाओं के अनुसार, होकुसाई के इस अद्भुत काम को एक पेंटिंग नहीं माना जा सकता है, क्योंकि यह यंग पाइंस (किनो नो कोमात्सु) से उकीयो-ए वुडकट है, जो तीन-खंड वाली शुंगा किताब है। रचना में एक युवा अमा गोताखोर को ऑक्टोपस की एक जोड़ी के साथ यौन संबंध बनाते हुए दिखाया गया है। 19वीं और 20वीं सदी में यह छवि अत्यधिक प्रभावशाली थी। काम ने बाद के कलाकारों जैसे फेलिसियन रोप्स, अगस्टे रोडिन, लुइस ओकॉक, फर्नांड खनोफ और पाब्लो पिकासो को प्रभावित किया।

2. टेसाई तोमियोका "अबे नो नाकामारो चाँद को देखते हुए एक उदासीन कविता लिखता है"

टेसाई तोमिओका एक प्रसिद्ध जापानी कलाकार और सुलेखक का छद्म नाम है। उन्हें बुंजिंग परंपरा में अंतिम प्रमुख कलाकार और निहोंगा शैली के पहले प्रमुख कलाकारों में से एक माना जाता है। बुंजिंगा जापानी चित्रकला का एक स्कूल था जो ईदो काल के अंत में उन कलाकारों के बीच फला-फूला, जो खुद को साहित्यकार या बुद्धिजीवी मानते थे। टेसिया सहित इनमें से प्रत्येक कलाकार ने अपनी शैली और तकनीक विकसित की, लेकिन वे सभी चीनी कला और संस्कृति के बड़े प्रशंसक थे।

3. फुजिशिमा टेकजी "सनराइज ओवर द ईस्ट सी"

फुजिशिमा ताकेजी एक जापानी कलाकार थे, जिन्हें 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में योग (पश्चिमी शैली) कला आंदोलन में स्वच्छंदतावाद और प्रभाववाद के विकास में उनके काम के लिए जाना जाता था। 1905 में उन्होंने फ्रांस की यात्रा की, जहां वे उस समय के फ्रांसीसी आंदोलनों से प्रभावित थे, विशेष रूप से प्रभाववाद, जैसा कि उनकी 1932 की पेंटिंग सनराइज ओवर द ईस्ट सी में देखा जा सकता है।

4. कितागावा उतामारो "दस प्रकार के महिला चेहरे, हावी सुंदरियों का संग्रह"

कितागावा उटामारो एक प्रमुख जापानी कलाकार थे जिनका जन्म 1753 में हुआ था और उनकी मृत्यु 1806 में हुई थी। वह अब तक दस प्रकार की महिलाओं के चेहरे नामक श्रृंखला के लिए जाने जाते हैं। सत्तारूढ़ सुंदरियों, विषयों का संग्रह महान प्यारशास्त्रीय कविता" (कभी-कभी "वीमेन इन लव" कहा जाता है, जिसमें अलग-अलग उत्कीर्णन "नेकेड लव" और "पेंसिव लव") होते हैं। वह यूकेयो-ए वुडकट शैली से संबंधित सबसे महत्वपूर्ण कलाकारों में से एक है।

5. कवानाबे क्योसाई "टाइगर"

कवानाबे क्योसाई ईदो काल के सबसे प्रसिद्ध जापानी कलाकारों में से एक थे। उनकी कला 16 वीं शताब्दी के कानो चित्रकार तोहाकू से प्रभावित थी, जो पाउडर सोने की नाजुक पृष्ठभूमि के खिलाफ पूरी तरह स्याही में स्क्रीन पेंट करने के लिए अपने दिन का एकमात्र चित्रकार था। हालांकि क्योसाई को एक कार्टूनिस्ट के रूप में जाना जाता है, उन्होंने कुछ सबसे अधिक लिखा है प्रसिद्ध चित्रजापानी इतिहास में कला XIXशतक। "टाइगर" उन चित्रों में से एक है जिसे बनाने के लिए क्योसाई ने पानी के रंग और स्याही का इस्तेमाल किया था।

6. कावागुची झील से हिरोशी योशिदा फ़ूजी

हिरोशी योशिदा को शिन-हंगा शैली के प्रमुख आंकड़ों में से एक के रूप में जाना जाता है (शिन-हांगा 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में ताइशो और शोवा काल के दौरान जापान में एक कला आंदोलन है, जो पुनर्जीवित हुआ पारंपरिक कलाउक्यो-ए, जिसने ईदो और मीजी काल (XVII-XIX सदियों) में जड़ें जमा लीं। उन्हें पश्चिमी तेल चित्रकला की परंपरा में प्रशिक्षित किया गया था, जिसे मीजी काल के दौरान जापान में अपनाया गया था।

7. ताकाशी मुराकामी "727"

ताकाशी मुराकामी शायद हमारे समय के सबसे लोकप्रिय जापानी कलाकार हैं। उनका काम प्रमुख नीलामियों में खगोलीय कीमतों पर बिकता है, और उनका काम न केवल जापान में बल्कि विदेशों में भी कलाकारों की नई पीढ़ियों को प्रेरित कर रहा है। मुराकामी की कला में कई माध्यम शामिल हैं और आमतौर पर इसे सुपर-फ्लैट के रूप में वर्णित किया जाता है। उनका काम उनके रंग के उपयोग के लिए जाना जाता है, जिसमें जापानी पारंपरिक और लोकप्रिय संस्कृति से रूपांकनों को शामिल किया गया है। उनके चित्रों की सामग्री को अक्सर "प्यारा", "साइकेडेलिक" या "व्यंग्यात्मक" के रूप में वर्णित किया जाता है।

8. याओई कुसमा "कद्दू"

याओई कुसमा भी सबसे प्रसिद्ध जापानी कलाकारों में से एक हैं। वह पेंटिंग, कोलाज, स्कैट मूर्तिकला, प्रदर्शन कला, पर्यावरण कला और स्थापना सहित विभिन्न माध्यमों में काम करती है, जिनमें से अधिकांश साइकेडेलिक रंगों, दोहराव और पैटर्न में उनकी विषयगत रुचि प्रदर्शित करती हैं। इस महान कलाकार की सबसे प्रसिद्ध श्रृंखलाओं में से एक कद्दू श्रृंखला है। चमकीले पीले रंग में एक पोल्का-बिंदीदार नियमित लौकी एक जाल के खिलाफ दिखाया गया है। साथ में, ऐसे सभी तत्व एक दृश्य भाषा बनाते हैं जो कलाकार की शैली के लिए अचूक है, और श्रमसाध्य क्राफ्टिंग और पुनरुत्पादन के दशकों में विकसित और परिष्कृत किया गया है।

9. Tenmyoya Hisashi "जापानी आत्मा #14"

Tenmyoya Hisashi एक समकालीन जापानी कलाकार हैं जो अपने नव-निहोंगा चित्रों के लिए जाने जाते हैं। उन्होंने जापानी चित्रकला की पुरानी परंपरा के पुनरुद्धार में भाग लिया, जो आधुनिक जापानी चित्रकला के बिल्कुल विपरीत है। 2000 में, उन्होंने अपनी नई शैली बुटोहा भी बनाई, जो उनके चित्रों के माध्यम से एक आधिकारिक कला प्रणाली के प्रति दृढ़ दृष्टिकोण प्रदर्शित करती है। "जापानी स्पिरिट नंबर 14" को "बसारा" कलात्मक योजना के हिस्से के रूप में बनाया गया था, जापानी संस्कृति में युद्धरत राज्यों की अवधि के दौरान निचले अभिजात वर्ग के विद्रोही व्यवहार के रूप में व्याख्या की गई थी, ताकि अधिकारियों को एक आदर्श प्राप्त करने की क्षमता से वंचित किया जा सके। रसीले और शानदार कपड़े पहनना और आज़ादी से काम करना, जो उनके सामाजिक वर्ग के अनुरूप नहीं था।

10. कत्सुशिका होकुसाई "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा"

अंत में, द ग्रेट वेव ऑफ कनागावा शायद सबसे ज्यादा पहचाने जाने योग्य है जापानी पेंटिंगकभी लिखा। यह वास्तव में सबसे ज्यादा है प्रसिद्ध कार्यजापान में बनी कला। यह कनागावा प्रान्त के तट पर भारी लहरों को धमकी देने वाली नावों को दर्शाता है। हालांकि कभी-कभी सुनामी के लिए गलत, लहर, जैसा कि पेंटिंग के नाम से पता चलता है, सबसे अधिक संभावना केवल एक असामान्य रूप से उच्च ऊंचाई है। पेंटिंग यूकेयो-ए परंपरा में बनाई गई है।

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एक टिप्पणी:

जापान सुदूर पूर्व का सबसे छोटा देश है - 372 हजार वर्ग किलोमीटर। लेकिन जापान ने विश्व संस्कृति के इतिहास में जो योगदान दिया है, वह महान प्राचीन राज्यों के योगदान से कम नहीं है।

इस प्राचीन देश की कला की उत्पत्ति 8 वीं सहस्राब्दी ईसा पूर्व की है। लेकिन उनके कलात्मक जीवन के सभी क्षेत्रों में सबसे महत्वपूर्ण चरण वह अवधि थी जो छठी-सातवीं शताब्दी ईस्वी में शुरू हुई थी। और उन्नीसवीं सदी के मध्य तक जारी रहा। जापानी कला का विकास असमान रूप से आगे बढ़ा, लेकिन यह बहुत तेज बदलाव या तेज गिरावट नहीं जानता था।

जापानी कला विशेष प्राकृतिक और ऐतिहासिक परिस्थितियों में विकसित हुई। जापान चार बड़े द्वीपों (होन्शू, होक्काइडो, क्यूशू और शिकू) और कई छोटे द्वीपों पर स्थित है। लंबे समय तक यह अभेद्य था और बाहरी युद्धों को नहीं जानता था। मुख्य भूमि से जापान की निकटता ने प्राचीन काल में चीन और कोरिया के साथ संपर्क स्थापित करने को प्रभावित किया। इसने जापानी कला के विकास को गति दी।

जापानी मध्ययुगीन कला कोरियाई और चीनी संस्कृतियों के प्रभाव में बढ़ी। जापान ने चीनी लिपि और चीनी विश्वदृष्टि की विशेषताओं को अपनाया। बौद्ध धर्म जापान का राजकीय धर्म बन गया। लेकिन जापानियों ने चीनी विचारों को अपने तरीके से बदल दिया और उन्हें अपने जीवन के तरीके में ढाल लिया।

जापानी घर, जापानी इंटीरियर
जापानी घर अंदर से उतना ही स्पष्ट और सरल है जितना कि बाहर। इसे लगातार साफ रखा जाता था। फर्श, एक चमक के लिए पॉलिश, हल्के पुआल मैट - तातमी के साथ कवर किया गया था, कमरे को समान आयतों में विभाजित किया गया था। दरवाजे पर जूते उतार दिए जाते थे, अलमारी में सामान रख दिया जाता था, रहने वाले क्वार्टर से किचन अलग कर दिया जाता था। कमरों में, एक नियम के रूप में, कोई स्थायी चीजें नहीं थीं। उन्हें अंदर लाया गया और आवश्यकतानुसार ले जाया गया। लेकिन एक खाली कमरे में हर चीज, चाहे वह फूलदान में फूल हो, तस्वीर हो या लाह की मेज हो, ने ध्यान आकर्षित किया और एक विशेष अभिव्यक्ति प्राप्त की।

मध्ययुगीन जापान में सभी प्रकार की कलाएं घर, मंदिर, महल या महल के स्थान के डिजाइन से जुड़ी हैं। प्रत्येक ने दूसरे के पूरक के रूप में कार्य किया। उदाहरण के लिए, एक कुशलता से चयनित गुलदस्ता ने लैंडस्केप पेंटिंग में व्यक्त मूड को पूरक और सेट किया।

जापानी घर की सजावट में समान त्रुटिहीन सटीकता, सामग्री की समान भावना, सजावटी कला के उत्पादों में महसूस की गई थी। चाय समारोहों में बिना किसी कारण के, सबसे बड़े गहना के रूप में, हाथों से बने बर्तनों का उपयोग किया जाता था। इसकी नरम और असमान क्रॉक गीली मिट्टी को उकेरने वाली उंगलियों के निशान रखती है। गुलाबी-मोती, फ़िरोज़ा-बकाइन या ग्रे-नीले ग्लेज़ आकर्षक नहीं थे, लेकिन उन्होंने स्वयं प्रकृति की चमक महसूस की, जिसके साथ जापानी कला की हर वस्तु जुड़ी हुई है।

जापानी मिट्टी के बर्तन
बिना चमकता हुआ, हाथ से ढाला हुआ और कम तापमान पर पका हुआ, मिट्टी के बर्तन अन्य प्राचीन लोगों के मिट्टी के पात्र के समान थे। लेकिन उनके पास पहले से ही ऐसी विशेषताएं थीं जो जापानी संस्कृति के लिए अद्वितीय हैं। विभिन्न आकृतियों के जग और व्यंजनों के पैटर्न तूफान, समुद्र और अग्नि-श्वास पहाड़ों के तत्वों के बारे में विचारों को दर्शाते हैं। ऐसा लगता है कि इन उत्पादों की कल्पना प्रकृति से ही प्रेरित हुई है।

विशाल, उत्तल मिट्टी के बंडलों के एक अटक-ऑन पैटर्न के साथ लगभग एक मीटर ऊँचे गुड़ तक पहुँचते हुए या तो घुमावदार गोले, या शाखित प्रवाल भित्तियों, या शैवाल की उलझन, या ज्वालामुखियों के दांतेदार किनारों से मिलते जुलते हैं। ये राजसी और स्मारकीय फूलदान और कटोरे न केवल घरेलू, बल्कि अनुष्ठान के उद्देश्य से भी काम आते हैं। लेकिन पहली सहस्राब्दी ईसा पूर्व के मध्य में। कांसे की वस्तुएं उपयोग में आने लगीं और चीनी मिट्टी के बर्तनों ने अपना धार्मिक उद्देश्य खो दिया।

सिरेमिक के आगे, कलात्मक शिल्प के नए उत्पाद दिखाई दिए - हथियार, गहने, कांस्य घंटियाँ और दर्पण।

जापानी घरेलू सामान
9वीं से 12वीं शताब्दी ईस्वी में, सजावटी कलाओं में जापानी अभिजात वर्ग के स्वाद प्रकट हुए थे। चिकना, नमी प्रतिरोधी लाह आइटम, सोने और चांदी के पाउडर के साथ छिड़का हुआ, हल्का और सुरुचिपूर्ण, जैसे कि जापानी कमरों की धुंधलका को रोशन करना, और रोजमर्रा की वस्तुओं की एक विशाल श्रृंखला बनाई। लाह का उपयोग कटोरे और संदूक, संदूक और मेज, वाद्य यंत्र बनाने के लिए किया जाता था। मंदिर और रोजमर्रा की जिंदगी की हर छोटी चीज - भोजन के लिए चांदी की कटलरी, फूलों के फूलदान, अक्षरों के लिए पैटर्न वाले कागज, कशीदाकारी बेल्ट - ने दुनिया के लिए जापानियों के काव्यात्मक और भावनात्मक रवैये को प्रकट किया।

जापान पेंटिंग
स्मारकीय महल वास्तुकला के विकास के साथ, कोर्ट स्कूल के चित्रकारों की गतिविधि अधिक सक्रिय हो गई। कलाकारों को न केवल दीवारों की बड़ी सतहों को पेंट करना था, बल्कि मल्टी-फोल्ड पेपर फोल्डिंग स्क्रीन की भी, जिसने कमरे में पेंटिंग और पोर्टेबल विभाजन दोनों की भूमिका निभाई। प्रतिभाशाली कारीगरों के रचनात्मक तरीके की एक विशेषता एक दीवार पैनल या स्क्रीन के विशाल तल पर परिदृश्य के बड़े, बहुरंगी विवरण का चयन था।

फूलों, जड़ी-बूटियों, पेड़ों और पक्षियों की रचनाएँ, मोटे और रसीले धब्बों के साथ सुनहरी चमकदार पृष्ठभूमि पर कानो ईटोकू द्वारा की गई, ब्रह्मांड की शक्ति और भव्यता के बारे में सामान्यीकृत विचार। कानो स्कूल के प्रतिनिधि, प्राकृतिक रूपांकनों के साथ, 16 वीं शताब्दी के जापानी शहर के जीवन और जीवन को दर्शाते हुए चित्रों और नए विषयों में शामिल हैं।

महल के पर्दे पर मोनोक्रोम लैंडस्केप भी थे। लेकिन उनका एक बड़ा सजावटी प्रभाव है। सेशू के अनुयायी, हसेगावा तोहाकू (1539-1610) द्वारा चित्रित स्क्रीन ऐसी है। इसकी सफेद मैट सतह की व्याख्या चित्रकार द्वारा कोहरे के घने घूंघट के रूप में की जाती है, जिसमें से दृष्टि की तरह, पुराने पाइंस के सिल्हूट अचानक टूट जाते हैं। स्याही की कुछ बोल्ड बूँदों के साथ, तोहाकु एक पतझड़ के जंगल की एक काव्यात्मक तस्वीर बनाता है।

मोनोक्रोम लैंडस्केप स्क्रॉल, उनकी कोमल सुंदरता के साथ, महल के कक्षों की शैली से मेल नहीं खा सकते थे। लेकिन उन्होंने चशित्सु चाय मंडप के एक अनिवार्य हिस्से के रूप में अपना महत्व बरकरार रखा, जिसे आध्यात्मिक एकाग्रता और शांति के लिए डिजाइन किया गया था।

जापानी मास्टर्स द्वारा कला के कार्य न केवल प्राचीन शैलियों के प्रति वफादार रहते हैं, बल्कि उनमें हमेशा कुछ नया होता है जो कला के किसी अन्य कार्य में नहीं होता है। जापानी कला में क्लिच और टेम्प्लेट के लिए कोई जगह नहीं है। इसमें, जैसा कि प्रकृति में है, दो पूरी तरह से समान रचनाएँ नहीं हैं। और अब भी, जापानी मास्टर्स द्वारा कला के कार्यों को अन्य देशों की कला के कार्यों से भ्रमित नहीं किया जा सकता है। जापानी कला में समय धीमा हो गया है, लेकिन रुका नहीं है। जापानी कला में, प्राचीन काल की परंपराएँ आज तक जीवित हैं।