सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का एक संक्षिप्त इतिहास। ध्वनि चमत्कार (एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के बारे में) बच्चों के लिए एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के बारे में एक कहानी

संगीत, सबसे पहले, ध्वनियाँ है। वे तेज़ और शांत, तेज़ और धीमे, लयबद्ध और इतने पर नहीं हो सकते...

लेकिन उनमें से प्रत्येक, प्रत्येक बजने वाला नोट एक निश्चित तरीके से संगीत सुनने वाले व्यक्ति की चेतना, उसकी मानसिक स्थिति को प्रभावित करता है। और यदि यह आर्केस्ट्रा संगीत है, तो यह निश्चित रूप से किसी को भी उदासीन नहीं छोड़ सकता!

आर्केस्ट्रा. आर्केस्ट्रा के प्रकार

ऑर्केस्ट्रा संगीतकारों का एक समूह है जो संगीत वाद्ययंत्र बजाते हैं, ऐसे कार्य जो विशेष रूप से इन वाद्ययंत्रों के लिए डिज़ाइन किए गए हैं।

और यह रचना क्या है, ऑर्केस्ट्रा में अलग-अलग संगीत संभावनाएं हैं: समय, गतिशीलता, अभिव्यक्ति के संदर्भ में।

ऑर्केस्ट्रा कितने प्रकार के होते हैं? इनमें से मुख्य हैं:

• सिम्फोनिक;
• वाद्य;
• लोक वाद्ययंत्रों का ऑर्केस्ट्रा;
• हवा;
• जैज़;
• जल्दी से आना।

एक सैन्य बैंड (सैन्य गीत प्रस्तुत करता है), एक स्कूल बैंड (जिसमें स्कूली बच्चे भी शामिल हैं) इत्यादि भी हैं।

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा

इस प्रकार के ऑर्केस्ट्रा में तार, पवन और ताल वाद्ययंत्र शामिल होते हैं।

एक छोटा सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा और एक बड़ा है।

माली वह है जो 18वीं सदी के आखिर और 19वीं सदी की शुरुआत के संगीतकारों का संगीत बजाता है। उनके प्रदर्शनों की सूची में आधुनिक विविधताएँ शामिल हो सकती हैं। एक बड़ा सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा अपनी संरचना में अधिक उपकरण जोड़कर एक छोटे से अलग होता है।

छोटे की संरचना में आवश्यक रूप से शामिल हैं:

• वायलिन;
• आल्टो;
• सेलो;
• डबल बेस;
• अलगोजा;
• सींग का;
• पाइप;
• टिमपनी;
• बांसुरी;
• शहनाई;
• ओबाउ.

बड़े में निम्नलिखित उपकरण शामिल हैं:

• बांसुरी;
• ओबोज़;
• शहनाई;
• contrabassoons

वैसे, इसमें प्रत्येक परिवार के अधिकतम 5 उपकरण शामिल हो सकते हैं। और अंदर भी बड़ा आर्केस्ट्रामौजूद हैं:

• सींग का;
• तुरही (बास, छोटा, ऑल्टो);
• ट्रॉम्बोन्स (टेनोर, टेनोरबास);
• नली।

और, ज़ाहिर है, ताल वाद्ययंत्र:

• टिमपनी;
• घंटियाँ;
• छोटा और बड़ा ढोल;
• त्रिकोण;
• तश्तरी;
• भारतीय टॉम-टॉम;
• वीणा;
• पियानो;
• वीणावादन.

छोटे ऑर्केस्ट्रा की एक विशेषता यह है कि इसमें लगभग 20 तार वाले वाद्ययंत्र होते हैं, जबकि एक बड़े ऑर्केस्ट्रा में लगभग 60 होते हैं।

कंडक्टर सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का निर्देशन करता है। वह ऑर्केस्ट्रा द्वारा किए गए कार्य की कलात्मक रूप से व्याख्या स्कोर की मदद से करता है - ऑर्केस्ट्रा के प्रत्येक उपकरण के सभी हिस्सों का एक संपूर्ण संगीत संकेतन।

वाद्य आर्केस्ट्रा

इस प्रकार का ऑर्केस्ट्रा अपने स्वरूप में भिन्न होता है क्योंकि इसमें कुछ समूहों के संगीत वाद्ययंत्रों की स्पष्ट संख्या नहीं होती है। और वह कोई भी संगीत प्रस्तुत कर सकता है (एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के विपरीत, जो विशेष रूप से शास्त्रीय संगीत प्रस्तुत करता है)।

कोई विशिष्ट प्रकार के वाद्य ऑर्केस्ट्रा नहीं हैं, लेकिन पारंपरिक रूप से उनमें विविध ऑर्केस्ट्रा, साथ ही आधुनिक प्रसंस्करण में क्लासिक्स का प्रदर्शन करने वाला ऑर्केस्ट्रा शामिल है।

के अनुसार ऐतिहासिक संदर्भ, वाद्य संगीतपीटर द ग्रेट के तहत ही रूस में सक्रिय रूप से विकास शुरू हुआ। बेशक, उस पर पश्चिमी प्रभाव था, लेकिन अब वह पहले की तरह उस तरह के प्रतिबंध के अधीन नहीं थी। और इससे पहले कि यह स्थिति आ गई थी कि न केवल बजाना, बल्कि संगीत वाद्ययंत्र जलाना भी मना था। चर्च का मानना ​​था कि उनके पास न तो आत्मा है और न ही हृदय, और इसलिए वे ईश्वर की महिमा नहीं कर सकते। और इसलिए वाद्य संगीत मुख्य रूप से आम लोगों के बीच विकसित हुआ।

वे एक वाद्य ऑर्केस्ट्रा में बांसुरी, लिरे, सिथारा, बांसुरी, तुरही, ओबो, टैम्बोरिन, ट्रॉम्बोन, पाइप, नोजल और अन्य संगीत वाद्ययंत्र बजाते हैं।

सबसे लोकप्रिय वाद्य आर्केस्ट्रा XX सदी - यह पॉल मौरिएट का ऑर्केस्ट्रा है।

वे इसके संचालक, नेता, व्यवस्थाकर्ता थे। उनके ऑर्केस्ट्रा ने 20वीं शताब्दी के कई लोकप्रिय संगीत कार्यों के साथ-साथ उनकी अपनी रचना भी प्रस्तुत की।

लोक आर्केस्ट्रा

ऐसे ऑर्केस्ट्रा में मुख्य वाद्ययंत्र लोक होते हैं।

उदाहरण के लिए, एक रूसी लोक ऑर्केस्ट्रा के लिए, सबसे विशिष्ट हैं: डोम्रास, बालिका, स्तोत्र, बटन अकॉर्डियन, हारमोनिका, ज़लेइका, बांसुरी, व्लादिमीर हॉर्न, टैम्बोरिन। इसके अलावा, ऐसे ऑर्केस्ट्रा के लिए अतिरिक्त संगीत वाद्ययंत्र बांसुरी और ओबो हैं।

एक लोक ऑर्केस्ट्रा पहली बार 19वीं सदी के अंत में सामने आया, जिसका आयोजन वी.वी. एंड्रीव। इस ऑर्केस्ट्रा ने बहुत दौरा किया और रूस और विदेशों में व्यापक लोकप्रियता हासिल की। और 20वीं सदी की शुरुआत में लोक आर्केस्ट्राहर जगह दिखाई देने लगा: क्लबों में, संस्कृति के महलों में, इत्यादि।

ब्रास बैंड

इस प्रकार के ऑर्केस्ट्रा से पता चलता है कि इसमें विभिन्न पवन और ताल वाद्ययंत्र शामिल हैं। यह छोटे, मध्यम और बड़े में आता है।

जैज़ ऑर्केस्ट्रा

इस तरह के एक अन्य ऑर्केस्ट्रा को जैज़ बैंड कहा जाता था।

इसमें ऐसे संगीत वाद्ययंत्र शामिल हैं: सैक्सोफोन, पियानो, बैंजो, गिटार, परकशन, तुरही, ट्रॉम्बोन, डबल बास, शहनाई।

सामान्य तौर पर, जैज़ संगीत में एक दिशा है जो अफ्रीकी लय और लोककथाओं के साथ-साथ यूरोपीय सद्भाव के प्रभाव में विकसित हुई है।

जैज़ पहली बार 20वीं सदी की शुरुआत में दक्षिणी संयुक्त राज्य अमेरिका में दिखाई दिया। और जल्द ही दुनिया के सभी देशों में फैल गया। घर पर, यह संगीत निर्देशन विकसित हुआ और नए द्वारा पूरक हुआ विशेषणिक विशेषताएंजो किसी न किसी क्षेत्र में प्रकट हुआ।

एक समय अमेरिका में, "जैज़" और "लोकप्रिय संगीत" शब्दों का अर्थ अर्थ एक ही था।

1920 के दशक में जैज़ ऑर्केस्ट्रा सक्रिय रूप से बनना शुरू हुआ। और वे 40 के दशक तक ऐसे ही बने रहे।

एक नियम के रूप में, प्रतिभागियों ने किशोरावस्था में ही इन संगीत समूहों में प्रवेश किया, अपने विशिष्ट भाग का प्रदर्शन किया - याद किया हुआ या नोट्स से।

1930 के दशक को जैज़ ऑर्केस्ट्रा के लिए महिमा का शिखर माना जाता है। उस समय के सबसे प्रसिद्ध जैज़ ऑर्केस्ट्रा के नेता थे: आर्टी शॉ, ग्लेन मिलर और अन्य। उनके संगीत कार्य उस समय हर जगह बजते थे: रेडियो पर, नृत्य क्लबों में इत्यादि।

आजकल जैज़ आर्केस्ट्रा और जैज़ शैली में लिखी धुनें भी बहुत लोकप्रिय हैं।

और यद्यपि संगीत आर्केस्ट्रा के और भी प्रकार हैं, लेख मुख्य पर चर्चा करता है।

ऑर्केस्ट्रा(ग्रीक ऑर्केस्ट्रा से) - वाद्य संगीतकारों की एक बड़ी टीम। चैम्बर कलाकारों की टुकड़ी के विपरीत, ऑर्केस्ट्रा में इसके कुछ संगीतकार समूह बनाकर एक सुर में बजाते हैं, यानी वे समान भूमिकाएँ बजाते हैं।
वाद्य कलाकारों के एक समूह द्वारा एक साथ संगीत बनाने का विचार प्राचीन काल से चला आ रहा है: यहां तक ​​कि प्राचीन मिस्र में भी, संगीतकारों के छोटे समूह विभिन्न छुट्टियों और अंत्येष्टि में एक साथ बजाते थे।
शब्द "ऑर्केस्ट्रा" ("ऑर्केस्ट्रा") प्राचीन ग्रीक थिएटर में मंच के सामने गोल मंच के नाम से आया है, जिसमें प्राचीन ग्रीक गाना बजानेवालों, किसी भी त्रासदी या कॉमेडी में भाग लेने वाले को रखा जाता था। पुनर्जागरण के दौरान और उसके बाद XVII सदी, ऑर्केस्ट्रा को ऑर्केस्ट्रा गड्ढे में बदल दिया गया और, तदनुसार, इसमें स्थित संगीतकारों के समूह को नाम दिया गया।
ऑर्केस्ट्रा के कई अलग-अलग प्रकार हैं: सैन्य पीतल और वुडविंड ऑर्केस्ट्रा, लोक वाद्ययंत्र ऑर्केस्ट्रा, स्ट्रिंग ऑर्केस्ट्रा। रचना में सबसे बड़ा और अपनी क्षमताओं में सबसे समृद्ध सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा है।

सिंफ़नीएक ऑर्केस्ट्रा कहा जाता है, जो वाद्ययंत्रों के कई विषम समूहों से बना होता है - तार, हवा और ताल का एक परिवार। ऐसे संघ का सिद्धांत यूरोप में विकसित हुआ है XVIII शतक। प्रारंभ में, सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में समूह शामिल थे झुके हुए वाद्ययंत्र, लकड़ी और पीतल के पवन वाद्ययंत्र, जो कुछ ताल संगीत वाद्ययंत्रों से जुड़े हुए थे। इसके बाद, इनमें से प्रत्येक समूह की संरचना का विस्तार और विविधता हुई। वर्तमान में, सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की कई किस्मों के बीच, छोटे और बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के बीच अंतर करने की प्रथा है। स्मॉल सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा मुख्य रूप से शास्त्रीय रचना (18वीं सदी के अंत - 19वीं सदी की शुरुआत, या आधुनिक पेस्टिच का संगीत बजाना) का एक ऑर्केस्ट्रा है। इसमें 2 बांसुरी (शायद ही कभी एक छोटी बांसुरी), 2 ओबो, 2 शहनाई, 2 बैसून, 2 (शायद ही कभी 4) सींग, कभी-कभी 2 तुरही और टिमपनी होते हैं। स्ट्रिंग समूह 20 से अधिक वाद्ययंत्र नहीं (5 प्रथम और 4 द्वितीय वायलिन, 4 वायला, 3 सेलो, 2 डबल बेस)। बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा (बीएसओ) में तांबे के समूह में अनिवार्य ट्रॉम्बोन शामिल हैं और इसमें कोई भी रचना हो सकती है। अक्सर लकड़ी के वाद्ययंत्र (बांसुरी, ओबो, शहनाई और बैसून) प्रत्येक परिवार के 5 वाद्य यंत्रों (कभी-कभी अधिक शहनाई) तक पहुंचते हैं और इसमें विभिन्न प्रकार (पिक एंड आल्टो बांसुरी, क्यूपिड ओबो और अंग्रेजी ओबो, छोटे, आल्टो और बास शहनाई, कॉन्ट्राबासून) शामिल होते हैं। तांबे के समूह में 8 हॉर्न (विशेष वैगनर ट्यूबस सहित), 5 तुरही (छोटे, अल्टो, बास सहित), 3-5 ट्रॉम्बोन (टेनर और टेनोरबास) और एक ट्यूबा शामिल हो सकते हैं। सैक्सोफोन अक्सर उपयोग किए जाते हैं (जैज़ ऑर्केस्ट्रा में, सभी 4 प्रकार)। स्ट्रिंग समूह 60 या अधिक उपकरणों तक पहुंचता है। तालवाद्य यंत्र असंख्य हैं (हालाँकि टिमपनी, घंटियाँ, छोटे और बड़े ड्रम, त्रिकोण, झांझ और भारतीय टैम-टॉम उनकी रीढ़ हैं), वीणा, पियानो, हार्पसीकोर्ड अक्सर उपयोग किए जाते हैं।
ऑर्केस्ट्रा की ध्वनि को स्पष्ट करने के लिए, मैं रिकॉर्डिंग का उपयोग करूंगा अंतिम संगीत कार्यक्रम"यूट्यूब सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा"। यह कॉन्सर्ट 2011 में ऑस्ट्रेलियाई शहर सिडनी में हुआ था। में रहनाइसे दुनिया भर में लाखों लोगों ने टेलीविजन पर देखा। यूट्यूब सिम्फनी संगीत के प्रति प्रेम को बढ़ावा देने और मानवता की विशाल रचनात्मक विविधता को प्रदर्शित करने के लिए समर्पित है।

संगीत कार्यक्रम में जाने-माने और कम-ज्ञात संगीतकारों की प्रसिद्ध और अल्प-ज्ञात रचनाएँ शामिल थीं।

यहाँ उसका कार्यक्रम है:

हेक्टर बर्लियोज़ - रोमन कार्निवल - ओवरचर, ऑप। 9 (एंड्रॉइड जोन्स की विशेषता - डिजिटल कलाकार)
मारिया चियोसी से मिलें
पर्सी ग्रिंगर - संक्षेप में - सुइट से एक प्लेटफार्म हेमलेट पर आगमन
जोहान सेबेस्टियन बाख
पाउलो कैलिगोपोलोस से मिलें - इलेक्ट्रिक गिटार और वायलिन
अल्बर्टो गिनास्टेरा - डेंज़ा डेल ट्रिगो (व्हीट डांस) और डेंज़ा फ़ाइनल (मालाम्बो) बैले एस्टानिया से (इलिच रिवास द्वारा संचालित)
वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट - "कैरो" घंटी "आइडल मियो" - तीन आवाजों में कैनन, K562 (वीडियो के माध्यम से सिडनी चिल्ड्रन्स क्वायर और सोप्रानो रेनी फ्लेमिंग की विशेषता)
शियोमारा मास से मिलें - ओबो
बेंजामिन ब्रिटन - द यंग पर्सन गाइड टू द ऑर्केस्ट्रा, ऑप. 34
विलियम बार्टन - कालकाडुंगा (विलियम बार्टन की विशेषता - डिडगेरिडू)
टिमोथी कांस्टेबल
रोमन रीडेल से मिलें - ट्रॉम्बोन
रिचर्ड स्ट्रॉस - वियना फिलहारमोनिक के लिए धूमधाम (सारा विलिस, हॉर्न, बर्लिन फिलहारमोनिकर और एडविन आउटवाटर द्वारा संचालित)
*प्रीमियर* मेसन बेट्स - मदरशिप (विशेष रूप से यूट्यूब सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा 2011 के लिए रचित)
सु चांग से मिलें
फ़ेलिक्स मेंडेलसोहन - ई माइनर, ऑप में वायलिन कॉन्सर्टो। 64 (अंतिम) (स्टीफन जैकीव की विशेषता और इलिच रिवास द्वारा संचालित)
ओज़गुर बास्किन - वायलिन से मिलें
कॉलिन जैकबसेन और सियामक अघाई - आरोही पक्षी - स्ट्रिंग ऑर्केस्ट्रा के लिए सुइट (कॉलिन जैकबसेन, वायलिन, और रिचर्ड टोगनेटी, वायलिन, और केन्सिया सिमोनोवा - रेत कलाकार)
स्टीफन ग्रिट्से से मिलें - वायलिन
इगोर स्ट्राविंस्की - द फायरबर्ड (इन्फर्नल डांस - बेर्स्यूज़ - फिनाले)
*एनकोर* फ्रांज शूबर्ट - रोसामुंडे (यूजीन इज़ोटोव - ओबो, और एंड्रयू मेरिनर - शहनाई)

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का इतिहास

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का गठन सदियों से किया गया है। इसका विकास कब काओपेरा और चर्च पहनावा की गहराई में हुआ। ऐसी टीमों में XV - XVII सदियों छोटे और विविध थे। इनमें ल्यूट, वायल, ओबोज़ के साथ बांसुरी, ट्रॉम्बोन, वीणा और ड्रम शामिल थे। धीरे-धीरे, तार वाले झुके हुए वाद्ययंत्रों ने प्रमुख स्थान हासिल कर लिया। वायलों का स्थान उनकी समृद्ध और अधिक मधुर ध्वनि वाले वायलिनों ने ले लिया। वापस शीर्ष पर XVIII वी वे पहले से ही ऑर्केस्ट्रा में सर्वोच्च स्थान पर हैं। एक अलग समूह और पवन वाद्ययंत्र (बांसुरी, ओबो, बेसून) एकजुट हो गए हैं। चर्च ऑर्केस्ट्रा से वे सिम्फनी तुरही और टिमपनी में बदल गए। हार्पसीकोर्ड वाद्ययंत्रों का एक अनिवार्य सदस्य था।
ऐसी रचना जे.एस. बाख, जी. हैंडेल, ए. विवाल्डी के लिए विशिष्ट थी।
बीच से XVIII वी सिम्फनी शैलियाँ विकसित होने लगती हैं और वाद्य संगीत कार्यक्रम. पॉलीफोनिक शैली से प्रस्थान ने संगीतकारों को समयबद्ध विविधता के लिए प्रयास करने के लिए प्रेरित किया, राहत को आर्केस्ट्रा की आवाज़ों से अलग कर दिया।
नये उपकरणों के कार्य बदल रहे हैं। अपनी कमजोर ध्वनि के कारण हार्पसीकोर्ड धीरे-धीरे अपनी अग्रणी भूमिका खोता जा रहा है। जल्द ही, संगीतकारों ने इसे पूरी तरह से त्याग दिया, मुख्य रूप से स्ट्रिंग और पवन समूह पर भरोसा करते हुए। अंत तक XVIII वी ऑर्केस्ट्रा की तथाकथित शास्त्रीय रचना का गठन किया गया था: लगभग 30 तार, 2 बांसुरी, 2 ओबो, 2 बेसून, 2 पाइप, 2-3 सींग और टिमपनी। शहनाई जल्द ही पीतल से जुड़ गई। जे हेडन, डब्ल्यू मोजार्ट ने ऐसी रचना के लिए लिखा था। एल बीथोवेन की प्रारंभिक रचनाओं में ऑर्केस्ट्रा ऐसा ही है। मेंउन्नीसवीं वी
ऑर्केस्ट्रा का विकास मुख्यतः दो दिशाओं में हुआ। एक ओर, रचना में वृद्धि करते हुए, इसे कई प्रकार के वाद्ययंत्रों से समृद्ध किया गया (रोमांटिक संगीतकारों की योग्यता, मुख्य रूप से बर्लियोज़, लिस्ट्ट, वैगनर, इसके लिए महान हैं), दूसरी ओर, ऑर्केस्ट्रा की आंतरिक क्षमताएं विकसित हुईं: ध्वनि के रंग साफ हो गए, बनावट साफ हो गई, अभिव्यंजक संसाधन अधिक किफायती हो गए (जैसे कि ग्लिंका, त्चिकोवस्की, रिमस्की-कोर्साकोव का ऑर्केस्ट्रा)। आर्केस्ट्रा पैलेट और बाद के कई संगीतकारों ने महत्वपूर्ण रूप से समृद्ध किया XIX - XX की पहली छमाही वी (आर. स्ट्रॉस, माहलर, डेब्यूसी, रवेल, स्ट्राविंस्की, बार्टोक, शोस्ताकोविच और अन्य)।

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की रचना

एक आधुनिक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में 4 मुख्य समूह होते हैं। ऑर्केस्ट्रा का आधार एक स्ट्रिंग समूह (वायलिन, वायलास, सेलो, डबल बेस) है। ज्यादातर मामलों में, तार ऑर्केस्ट्रा में मधुर शुरुआत के मुख्य वाहक होते हैं। तार बजाने वाले संगीतकारों की संख्या पूरे बैंड की लगभग 2/3 है। वुडविंड वाद्ययंत्रों के समूह में बांसुरी, ओबोज़, शहनाई, बेसून शामिल हैं। उनमें से प्रत्येक की आमतौर पर एक स्वतंत्र पार्टी होती है। समय की संतृप्ति, गतिशील गुणों और विभिन्न प्रकार की वादन तकनीकों में झुके हुए वाद्य यंत्रों में महान शक्ति, सघन ध्वनि, चमकीले रंगीन रंग होते हैं। ऑर्केस्ट्रा वाद्ययंत्रों का तीसरा समूह पीतल (सींग, तुरही, तुरही, तुरही) है। वे ऑर्केस्ट्रा में नए चमकीले रंग लाते हैं, इसकी गतिशील क्षमताओं को समृद्ध करते हैं, ध्वनि को शक्ति और चमक देते हैं, और बास और लयबद्ध समर्थन के रूप में भी काम करते हैं।
सभी अधिक मूल्यएक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में ताल वाद्य यंत्र प्राप्त करें। इनका मुख्य कार्य लयबद्धता है। इसके अलावा, वे एक विशेष ध्वनि और शोर पृष्ठभूमि बनाते हैं, रंग प्रभावों के साथ ऑर्केस्ट्रा पैलेट को पूरक और सजाते हैं। ध्वनि की प्रकृति के अनुसार, ड्रमों को 2 प्रकारों में विभाजित किया जाता है: कुछ में एक निश्चित पिच होती है (टिमपानी, घंटियाँ, ज़ाइलोफोन, घंटियाँ, आदि), अन्य में सटीक पिच की कमी होती है (त्रिकोण, टैम्बोरिन, छोटे और बड़े ड्रम, झांझ) . जो वाद्ययंत्र मुख्य समूहों में शामिल नहीं हैं उनमें वीणा की भूमिका सबसे महत्वपूर्ण है। कभी-कभी, संगीतकार ऑर्केस्ट्रा में सेलेस्टा, पियानो, सैक्सोफोन, ऑर्गन और अन्य वाद्ययंत्रों को शामिल करते हैं।
सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के वाद्ययंत्रों - स्ट्रिंग समूह, वुडविंड, ब्रास और पर्कशन के बारे में अधिक जानकारी यहां पाई जा सकती है। साइट.
मैं एक अन्य उपयोगी साइट, "चिल्ड्रन अबाउट म्यूजिक" को नजरअंदाज नहीं कर सकता, जिसे मैंने पोस्ट की तैयारी के दौरान खोजा था। इस बात से भयभीत होने की जरूरत नहीं है कि यह बच्चों के लिए एक साइट है। इसमें कुछ बहुत गंभीर बातें हैं, जिन्हें केवल सरल, अधिक समझने योग्य भाषा में बताया गया है। यहाँ जोड़नाउस पर। वैसे, इसमें एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के बारे में भी एक कहानी है।

अपने पूरे इतिहास में, हजारों-हजारों वर्षों में, मानव जाति ने संगीत वाद्ययंत्र बनाए हैं और उन्हें विभिन्न संयोजनों में संयोजित किया है। लेकिन लगभग चार सौ साल पहले ही वाद्ययंत्रों का ये संयोजन एक ऐसे रूप में विकसित हुआ जो पहले से ही आधुनिक ऑर्केस्ट्रा के करीब था।

पुराने दिनों में, जब संगीतकार वादन के लिए एकत्रित होते थे, तो वे आस-पास मौजूद सभी वाद्ययंत्रों का उपयोग करते थे। यदि वीणा पर तीन, वीणा पर दो और बाँसुरी पर दो वादक होते, तो वे इसी प्रकार बजाते थे। 16वीं शताब्दी की शुरुआत तक, एक युग जिसे पुनर्जागरण के नाम से जाना जाता था, शब्द "पहनावा" का उपयोग संगीतकारों के एक समूह, कभी-कभी गायकों को संदर्भित करने के लिए किया जाता था, जो एक साथ या "एक समूह में" संगीत प्रस्तुत करते थे।

संगीतकार प्रारंभिक पुनर्जागरणवे आम तौर पर यह निर्दिष्ट नहीं करते थे कि उन्होंने यह भाग किस उपकरण के लिए लिखा है। इसका मतलब यह था कि भागों को किसी भी उपलब्ध उपकरण पर बजाया जा सकता था। लेकिन इटली में 17वीं शताब्दी की शुरुआत में, संगीतकार क्लाउडियो मोंटेवेर्डी ने चुना कि उनके ओपेरा ऑर्फ़ियस (1607) के साथ कौन से वाद्ययंत्र होने चाहिए, और उन्होंने सटीक रूप से संकेत दिया कि किन वाद्ययंत्रों के हिस्से लिखे गए थे: विभिन्न आकारों के पंद्रह वायलिन, दो वायलिन, चार बांसुरी ( दो बड़े और दो मध्यम), दो ओबो, दो कॉर्नेट (लकड़ी के छोटे पाइप), चार तुरही, पांच ट्रॉम्बोन, एक वीणा, दो हार्पसीकोर्ड और तीन छोटे अंग।

जैसा देखा, " पुनर्जागरण ऑर्केस्ट्रा"मोंटेवेर्डी पहले से ही वैसा दिखता था जैसा हमने एक ऑर्केस्ट्रा की कल्पना की थी: वाद्ययंत्र समूहों में व्यवस्थित होते हैं, कई झुके हुए तार वाले वाद्ययंत्र होते हैं, एक महान विविधता।

अगली शताब्दी में (1700 तक, जे.एस. बाख के समय तक), ऑर्केस्ट्रा और भी अधिक विकसित हुआ। वायलिन परिवार (वायलिन, वायोला, सेलो और बास) ने उल्लंघनों का स्थान ले लिया, बारोक ऑर्केस्ट्रा में वायलिन परिवार पुनर्जागरण ऑर्केस्ट्रा में उल्लंघनों की तुलना में बहुत अधिक प्रतिनिधि था। बारोक ऑर्केस्ट्रा में संगीत का नेतृत्व कीबोर्ड द्वारा किया जाता था, संगीतकार जो हार्पसीकोर्ड या कभी-कभी अंग बजाते थे, नेता के रूप में कार्य करते थे। जब जे.एस. बाख एक ऑर्केस्ट्रा के साथ काम करते थे, तो वे ऑर्गन या हार्पसीकोर्ड पर बैठते थे और अपनी सीट से ऑर्केस्ट्रा का नेतृत्व करते थे।

बारोक युग में, एक संगीत संचालक कभी-कभी खड़े होकर ऑर्केस्ट्रा का नेतृत्व करता था, लेकिन यह अभी तक वह संचालन नहीं था जिसे हम अब जानते हैं। जीन-बैप्टिस्ट लूली, जो 1600 के दशक में फ्रांसीसी राजा के दरबार में संगीत के प्रभारी थे, अपने संगीतकारों के लिए फर्श पर एक लंबे डंडे से ताल बजाते थे, लेकिन एक दिन गलती से उनका पैर घायल हो गया, गैंग्रीन विकसित हो गया, और वह मर गया!

अगली 19वीं शताब्दी में, हेडन और बीथोवेन के समय में, ऑर्केस्ट्रा में और भी गहरे परिवर्तन हुए। तार वाले झुके हुए वाद्ययंत्र पहले से कहीं अधिक महत्वपूर्ण हो गए हैं, और कुंजीपटल उपकरणइसके विपरीत, वे छाया में चले गये। संगीतकारों ने एक विशिष्ट संगीत वाद्ययंत्र के लिए लिखना शुरू किया। इसका मतलब था प्रत्येक वाद्ययंत्र की आवाज को जानना, यह समझना कि किस प्रकार का संगीत बेहतर लगेगा और चुने हुए वाद्ययंत्र पर बजाना आसान होगा। संगीतकार अधिक समृद्ध और अधिक विविध ध्वनियाँ और स्वर उत्पन्न करने के लिए वाद्ययंत्रों के संयोजन में अधिक स्वतंत्र और यहां तक ​​कि साहसी भी हो गए हैं।

पहले वायलिन वादक (या संगतकार) ने अपनी कुर्सी से ऑर्केस्ट्रा के प्रदर्शन का निर्देशन किया, लेकिन कभी-कभी उसे इशारों से निर्देश देना पड़ता था, और बेहतर दिखने के लिए, उसने पहले एक ट्यूब में लपेटे हुए सफेद कागज की एक साधारण शीट का उपयोग किया। इससे आधुनिक कंडक्टर बैटन का उदय हुआ। 1800 के दशक की शुरुआत में, कार्ल मारिया वॉन वेबर और फेलिक्स मेंडेलसोहन जैसे संगीतकार-संचालक ऑर्केस्ट्रा के सामने केंद्र में एक मंच से संगीतकारों का नेतृत्व करने वाले पहले व्यक्ति थे।

जैसे-जैसे ऑर्केस्ट्रा बड़ा होता गया, सभी संगीतकार संगतकार को देख और उसका अनुसरण नहीं कर सके। 19वीं शताब्दी के अंत तक, ऑर्केस्ट्रा उस आकार और अनुपात तक पहुंच गया जिसे हम आज जानते हैं और यहां तक ​​कि आधुनिक से भी आगे निकल गया। बर्लियोज़ जैसे कुछ संगीतकारों ने केवल ऐसे विशाल आर्केस्ट्रा के लिए संगीत रचना शुरू की।

संगीत वाद्ययंत्रों के डिज़ाइन, निर्माण और गुणवत्ता में लगातार सुधार, निर्माण किया गया है नए संगीत वाद्ययंत्रजिसे ऑर्केस्ट्रा में अपना स्थान मिला, जैसे पिकोलो (पिककोलो) और तुरही। बर्लियोज़, वर्डी, वैगनर, महलर और रिचर्ड स्ट्रॉस सहित कई संगीतकार कंडक्टर बन गए। ऑर्केस्ट्रेशन के साथ उनके प्रयोग (प्रत्येक वाद्ययंत्र का सबसे लाभप्रद उपयोग करने के लिए ऑर्केस्ट्रा के वाद्ययंत्रों के बीच संगीत सामग्री वितरित करने की कला) ने 20वीं सदी का रास्ता दिखाया।

वैगनर और भी आगे बढ़ गए, उन्होंने एक बास तुरही का डिजाइन और निर्माण किया ( वैगनर तुरही), उसके अमर ओपेरा डेर रिंग देस निबेलुंगेन में एक नई, विशेष ध्वनि पेश करने के लिए बिगुल और तुरही के तत्वों का संयोजन। वह ऑर्केस्ट्रा को बेहतर ढंग से नियंत्रित करने के लिए दर्शकों से मुंह मोड़ने वाले पहले कंडक्टर भी थे। अपनी एक सिम्फनी में स्ट्रॉस ने लिखा अल्पाइन हॉर्न के लिए भाग, 12 फीट लंबा एक लकड़ी का लोक वाद्य यंत्र। अब अल्पाइन हॉर्न की जगह पाइप ने ले ली है। अर्नोल्ड स्कोनबर्ग ने 150 वाद्ययंत्रों के साथ ऑर्केस्ट्रा के लिए अपना काम "सॉन्ग्स गुर्रे" (गुरेलिडर) बनाया।

20वीं सदी स्वतंत्रता और ऑर्केस्ट्रा के साथ नए प्रयोगों की सदी थी। कंडक्टर पूरी तरह से व्यक्तिगत व्यक्ति बन गए और उनके बीच अपने स्वयं के सुपरस्टार उभरे। जिम्मेदारी कई गुना बढ़ी है, लेकिन दर्शकों की पहचान भी.

ऑर्केस्ट्रा का आधार वैसा ही था जैसा 19वीं सदी के अंत में था, और संगीतकार कभी-कभी अपने इच्छित प्रभाव के आधार पर वाद्ययंत्रों को जोड़ते या हटाते थे। कभी-कभी यह ताल वाद्य यंत्रों या वुडविंड और पीतल का एक अत्यंत विस्तारित समूह होता था। लेकिन ऑर्केस्ट्रा की संरचना निश्चित हो गई है और मूल रूप से स्थिर बनी हुई है: झुके हुए वाद्ययंत्रों का एक बड़ा समूह और पवन, ताल, वीणा और कीबोर्ड वाद्ययंत्रों के छोटे समूह।

इतने वर्षों के बाद भी, यह अभी भी काम करता है!

, सेलो , डबल बेस . अनुभवी संगीतकारों के हाथों में, कंडक्टर की इच्छा के अधीन एकत्रित होकर, वे एक संगीत वाद्ययंत्र बनाते हैं जो किसी भी संगीत सामग्री, किसी भी छवि, किसी भी विचार को ध्वनि के साथ व्यक्त और संप्रेषित करने में सक्षम है। ऑर्केस्ट्रा के वाद्ययंत्रों के कई संयोजन विविध ध्वनियों का लगभग एक अटूट सेट देते हैं - गड़गड़ाहट, बहरा कर देने वाली से लेकर बमुश्किल सुनाई देने योग्य तक, तेजी से कान काटने वाली से लेकर धीरे से नरम तक। और किसी भी जटिलता के बहु-कहानी वाले तार, और विषम मधुर आभूषणों के पैटर्न वाले और टेढ़े-मेढ़े जाल, और मकड़ी के जाले-पतले कपड़े, छोटे ध्वनि "शार्क" जब, के अनुसार आलंकारिक अभिव्यक्तिएस. एस. प्रोकोफ़िएव, "मानो वे ऑर्केस्ट्रा को धूल चटा रहे हों", और कई उपकरणों के शक्तिशाली एकसमान एक साथ एक ही ध्वनि बजाते हैं - यह सब ऑर्केस्ट्रा के अधीन है। ऑर्केस्ट्रा समूहों में से कोई भी - स्ट्रिंग, विंड, पर्कशन, प्लक्ड, कीबोर्ड - दूसरों से अलग होने और अपने स्वयं के संगीत कथन का नेतृत्व करने में सक्षम है जबकि अन्य चुप हैं; लेकिन वे सभी पूरी तरह से, आंशिक रूप से या व्यक्तिगत प्रतिनिधियों के रूप में, किसी अन्य समूह या उसके हिस्से के साथ विलय करके, एक जटिल इमारती मिश्र धातु बनाते हैं। दो शताब्दियों से अधिक समय से, संगीतकारों के सबसे प्रिय विचार, ध्वनियों की कला के इतिहास में सबसे उज्ज्वल मील के पत्थर, कल्पना, लेखन और कभी-कभी सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की व्यवस्था के साथ संगीत से जुड़े हुए हैं।

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के संगीत वाद्ययंत्रों की व्यवस्था।

हर कोई जो संगीत से प्यार करता है वह जे. हेडन, डब्ल्यू. , पी. आई. त्चैकोव्स्की, एन. ए. रिमस्की-कोर्साकोव, ए. पी. बोरोडिन। एम. पी. मुसॉर्स्की, एस. वी. राचमानिनोव, ए. , पेंटिंग, कल्पनाएँ, एक ऑर्केस्ट्रा के साथ वाद्य संगीत कार्यक्रम, और अंत में, कैंटटास, ओटोरियोस, ओपेरा और बैले एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए लिखे जाते हैं या इसकी भागीदारी शामिल होती है। उनके लिए लिखने की क्षमता संगीत रचना की कला का उच्चतम और सबसे जटिल क्षेत्र है, जिसके लिए गहन विशेष ज्ञान, व्यापक अनुभव, अभ्यास और सबसे महत्वपूर्ण - विशेष की आवश्यकता होती है। संगीत क्षमता, प्रतिभा, प्रतिभा।

एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के उद्भव और विकास का इतिहास पुराने के क्रमिक पुनर्गठन और नए उपकरणों के आविष्कार का इतिहास है, इसकी संरचना में वृद्धि, उपकरणों के संयोजन का उपयोग करने के तरीकों में सुधार का इतिहास है, अर्थात। संगीत विज्ञान के उस क्षेत्र का इतिहास जिसे ऑर्केस्ट्रेशन या इंस्ट्रुमेंटेशन कहा जाता है, और अंत में, सिम्फनी, ओपेरा, ऑरेटोरियो संगीत का इतिहास। ये सभी चार शब्द, "सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा" की अवधारणा के चार पक्ष, निकटता से संबंधित हैं। एक-दूसरे पर उनका प्रभाव विविध था और अब भी है।

प्राचीन ग्रीस में "ऑर्केस्ट्रा" शब्द का अर्थ थिएटर मंच के सामने एक अर्धवृत्ताकार क्षेत्र था, जहां गाना बजानेवालों का समूह स्थित था - एस्किलस, सोफोकल्स, यूरिपिड्स, अरिस्टोफेन्स के युग में नाटकीय प्रदर्शन में एक अनिवार्य भागीदार। 1702 के आसपास, इस शब्द ने पहली बार ओपेरा के साथ आने वाले वाद्ययंत्रवादियों के समूह के लिए एक छोटी सी जगह को दर्शाया था। चैम्बर संगीत में तथाकथित वाद्य समूह। XVIII सदी के मध्य में। ऑर्केस्ट्रा के इतिहास में एक निर्णायक अंतर पेश किया गया - एक बड़ा ऑर्केस्ट्रा छोटे चैम्बर संगीत - एक समूह का विरोध करता था। उस समय तक, चैम्बर संगीत और आर्केस्ट्रा संगीत के बीच कोई स्पष्ट रेखा नहीं खींची गई थी।

"सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा" की अवधारणा क्लासिकवाद के युग में दिखाई दी, जब के. वी. ग्लुक, एल. बोचेरिनी, हेडन, मोजार्ट रहते थे और काम करते थे। यह तब उत्पन्न हुआ जब संगीतकारों ने नोट्स में इस या उस आवाज, इस या उस संगीत पंक्ति को बजाने वाले प्रत्येक वाद्ययंत्र के नाम सटीक रूप से लिखना शुरू कर दिया। 17वीं सदी की शुरुआत में ही। के. मोंटेवेर्डी ने "ऑर्फ़ियस" में प्रत्येक संख्या से पहले केवल उन उपकरणों को सूचीबद्ध किया जो इसे निष्पादित कर सकते थे। किसे कौन सी लाइन पर खेलना चाहिए यह सवाल खुला रहा। इसलिए, 40 में से किसी में ओपेरा हाउसअपने मूल वेनिस में, ऑर्फ़ियस का एक प्रदर्शन दूसरे से भिन्न हो सकता है। जे.बी. लूली, संगीतकार, वायलिन वादक, कंडक्टर, संभवतः वाद्ययंत्रों के एक विशिष्ट सेट के लिए लिखने वाले पहले व्यक्ति थे, तथाकथित "24 वायलिन ऑफ़ द किंग" के लिए - लुई XIV के दरबार में गठित एक स्ट्रिंग समूह और जिसका नेतृत्व स्वयं लूली ने किया था . उसके पास स्ट्रिंग समूह की ऊपरी आवाज़ को ओबोज़ द्वारा समर्थित किया गया था, और निचली आवाज़ को बेसून द्वारा समर्थित किया गया था। पूर्ण रचना के विपरीत, बिना तार वाले ओबो और बेसून ने उनकी रचनाओं के मध्य खंड में भाग लिया।

17वीं शताब्दी के दौरान और 18वीं शताब्दी का पूर्वार्द्ध। ऑर्केस्ट्रा का प्रारंभिक आधार बनता है - स्ट्रिंग समूह। धीरे-धीरे, पवन परिवार के प्रतिनिधियों को जोड़ा जाता है - बांसुरी, ओबो और बेसून, और फिर सींग। उस समय अपनी अत्यधिक अपूर्णता के कारण शहनाई ने ऑर्केस्ट्रा में बहुत बाद में प्रवेश किया। एम. आई. ग्लिंका ने अपने "नोट्स ऑन इंस्ट्रुमेंटेशन" में शहनाई की ध्वनि को "हंस" कहा है। अभी तक पवन समूहबांसुरी, ओबोज़, शहनाई और सींग के भाग के रूप में (कुल दो) मोजार्ट के प्राग सिम्फनी में और उससे पहले उनके फ्रांसीसी समकालीन, एफ. गोसेक के साथ दिखाई देते हैं। हेडन की लंदन सिम्फनीज़ और एल बीथोवेन की शुरुआती सिम्फनीज़ में, दो तुरही दिखाई देते हैं, साथ ही टिमपनी भी। 19 वीं सदी में ऑर्केस्ट्रा में पवन समूह को और बढ़ाया गया है। आर्केस्ट्रा संगीत के इतिहास में पहली बार, एक पिककोलो बांसुरी, एक कॉन्ट्राबैसून और तीन ट्रॉम्बोन, जो पहले केवल ओपेरा में उपयोग किए जाते थे, बीथोवेन की 5वीं सिम्फनी के समापन में भाग लेते हैं। आर. वैगनर एक और ट्यूबा जोड़ते हैं और पाइपों की संख्या चार कर देते हैं। वैगनर मुख्य रूप से एक ओपेरा संगीतकार हैं, लेकिन साथ ही उन्हें सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का एक उत्कृष्ट सिम्फनीवादक और सुधारक माना जाता है।

XIX-XX सदियों के संगीतकारों की इच्छा। ध्वनि पैलेट को समृद्ध करने के लिए ऑर्केस्ट्रा में विशेष तकनीकी और समयबद्ध क्षमताओं वाले कई उपकरणों की शुरूआत हुई।

को देर से XIXवी ऑर्केस्ट्रा की रचना को प्रभावशाली और कभी-कभी विशाल अनुपात में लाया जाता है। इस प्रकार, महलर की 8वीं सिम्फनी को संयोग से "एक हजार प्रतिभागियों की सिम्फनी" नहीं कहा जाता है। आर. स्ट्रॉस के सिम्फोनिक कैनवस और ओपेरा में, पवन वाद्ययंत्रों की कई किस्में दिखाई देती हैं: ऑल्टो और बास बांसुरी, बैरिटोन ओबो (हेकेलफोन), छोटी शहनाई, कॉन्ट्राबास शहनाई, ऑल्टो और बास पाइप, आदि।

XX सदी में. ऑर्केस्ट्रा को मुख्य रूप से ताल वाद्ययंत्रों से भर दिया जाता है। इससे पहले, ऑर्केस्ट्रा के सामान्य सदस्य 2-3 टिमपनी, झांझ, बास और स्नेयर ड्रम, एक त्रिकोण, कम अक्सर एक टैम्बोरिन और टॉम-टॉम्स, घंटियाँ, एक जाइलोफोन होते थे। अब संगीतकार आर्केस्ट्रा घंटियों के एक सेट का उपयोग करते हैं जो एक रंगीन पैमाना, सेलेस्टा देता है। वे ऑर्केस्ट्रा में फ्लेक्सटोन, घंटियाँ, स्पैनिश कैस्टनेट, एक खड़खड़ाने वाला लकड़ी का बक्सा, एक खड़खड़ाहट, एक व्हिप-क्रैकर (इसका झटका एक शॉट की तरह है), एक सायरन, हवा और गरजने वाली मशीनें, यहां तक ​​​​कि एक कोकिला का गायन जैसे वाद्ययंत्र पेश करते हैं। एक विशेष रिकॉर्ड पर दर्ज किया गया (इसका उपयोग वी सिम्फनी कविताइतालवी संगीतकार ओ. रेस्पिघी "द पाइन्स ऑफ़ रोम")।

XX सदी के उत्तरार्ध में। जैज़ से लेकर सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा तक वाइब्राफोन, टॉमटॉम्स, बोंगो, संयुक्त जैसे ताल वाद्य यंत्र आते हैं ड्रम किट- "चार्ल्सटन" ("हाय-हैट"), मराकस के साथ।

जहां तक ​​स्ट्रिंग और पवन समूहों का सवाल है, उनका गठन मूल रूप से 1920 तक पूरा हो गया था। ऑर्केस्ट्रा में कभी-कभी सैक्सोफोन समूह के व्यक्तिगत प्रतिनिधि (विसे, रवेल, प्रोकोफिव के कार्यों में), एक ब्रास बैंड (त्चिकोवस्की और स्ट्राविंस्की के कॉर्नेट), हार्पसीकोर्ड, डोमरा और बालालिका, गिटार, मैंडोलिन, आदि शामिल होते हैं। संगीतकार तेजी से काम कर रहे हैं सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की आंशिक रचनाओं के लिए: अकेले तार के लिए, तार और पीतल के लिए, तार और टक्कर के बिना पवन समूह के लिए, टक्कर के साथ तार के लिए।

20वीं सदी के संगीतकार चैम्बर ऑर्केस्ट्रा के लिए ढेर सारा संगीत लिखें। इसमें 15-20 तार, एक-एक वुडविंड, एक या दो सींग, एक कलाकार के साथ एक ताल समूह, एक वीणा (इसके स्थान पर एक पियानो या हार्पसीकोर्ड हो सकता है) होते हैं। इनके साथ-साथ, एकल कलाकारों के समूह के लिए कार्य भी सामने आते हैं, जहां प्रत्येक किस्म (या उनमें से कुछ) से एक प्रतिनिधि होता है। ए. स्कोनबर्ग, ए. वेबर्न, स्ट्राविंस्की के सुइट "द स्टोरी ऑफ़ अ सोल्जर", सोवियत संगीतकारों की रचनाएँ - हमारे समकालीन एम. एस. वेनबर्ग, आर. लेखक तेजी से ऐसी रचनाओं की ओर रुख कर रहे हैं जो असामान्य हैं, या, जैसा कि वे कहते हैं, आपातकालीन हैं। उन्हें असामान्य, दुर्लभ ध्वनियों की आवश्यकता होती है, क्योंकि इसमें समय की भूमिका महत्वपूर्ण होती है समकालीन संगीतपहले जैसा कभी नहीं बढ़ा है।

फिर भी, हमेशा पुराने और नए और नवीनतम दोनों तरह के संगीत का प्रदर्शन करने का अवसर पाने के लिए, सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की रचना स्थिर रहती है। आधुनिक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा को बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा (लगभग 100 संगीतकार), मध्यम (70-75), छोटे (50-60) में विभाजित किया गया है। एक बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के आधार पर, प्रत्येक कार्य के लिए उसके प्रदर्शन के लिए आवश्यक रचना का चयन करना संभव है: ए.के. द्वारा "आठ रूसी लोक गीत" के लिए एक। » स्ट्राविंस्की या रवेल की उग्र बोलेरो।

मंच पर संगीतकार कैसे हैं? XVIII-XIX सदियों में। पहला वायलिन कंडक्टर के बाईं ओर बैठा था, और दूसरा दाईं ओर, वायलिन पहले वायलिन के पीछे बैठा था, और सेलो दूसरे के पीछे था। स्ट्रिंग समूह के पीछे, वे पंक्तियों में बैठे थे: वुडविंड समूह के सामने, और उसके पीछे पीतल समूह। डबल बेस पृष्ठभूमि में दायीं या बायीं ओर स्थित थे। शेष स्थान वीणा, सेलेस्टा, पियानो और तालवाद्य के लिए समर्पित था। हमारे देश में, संगीतकार 1945 में अमेरिकी कंडक्टर एल. स्टोकोव्स्की द्वारा शुरू की गई योजना के अनुसार बैठते हैं। इस योजना के अनुसार, कंडक्टर के दाईं ओर दूसरे वायलिन के बजाय सेलो को अग्रभूमि में रखा गया है; उनके पूर्व स्थान पर अब दूसरे वायलिन का कब्जा है।

एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का नेतृत्व एक कंडक्टर द्वारा किया जाता है। वह ऑर्केस्ट्रा के संगीतकारों को एकजुट करता है और रिहर्सल के दौरान और संगीत कार्यक्रम में अपनी प्रदर्शन योजना को साकार करने के लिए उनके सभी प्रयासों को निर्देशित करता है। आचरण एक विशेष रूप से डिजाइन किए गए हाथ आंदोलन प्रणाली पर आधारित है। कंडक्टर आमतौर पर अपने दाहिने हाथ में डंडा रखता है। इसमें सबसे अहम भूमिका उसका चेहरा, लुक, चेहरे के भाव निभाते हैं। कंडक्टर उच्च शिक्षित व्यक्ति होना चाहिए। उसे विभिन्न युगों और शैलियों के संगीत, ऑर्केस्ट्रा वाद्ययंत्रों और उनकी क्षमताओं का ज्ञान, एक तेज़ कान, संगीतकार के इरादे को गहराई से भेदने की क्षमता की आवश्यकता होती है। कलाकार की प्रतिभा को उसकी संगठनात्मक और शैक्षणिक क्षमताओं के साथ जोड़ा जाना चाहिए।

• पृष्ठभूमि
• आर्केस्ट्रा शैलियाँऔर रूप
• मैनहेम चैपल
• दरबारी संगीतकार

पृष्ठभूमि

प्राचीन काल से, लोग मानव मनोदशा पर संगीत वाद्ययंत्रों की ध्वनि के प्रभाव के बारे में जानते हैं: वीणा, वीणा, सीथारा, केमांचा या रीड बांसुरी के नरम लेकिन मधुर वादन से खुशी, प्रेम या शांति की भावनाएं पैदा होती हैं, और ध्वनि जानवरों के सींगों (उदाहरण के लिए, हिब्रू शॉफ़र्स) या धातु के पाइपों ने गंभीर और के उद्भव में योगदान दिया धार्मिक भावनाएँ. हॉर्न और तुरही के साथ ड्रम और अन्य तालवाद्यों ने भय से निपटने में मदद की और आक्रामकता और उग्रता को जागृत किया। यह लंबे समय से देखा गया है कि कई समान वाद्ययंत्रों को संयुक्त रूप से बजाने से न केवल ध्वनि की चमक बढ़ती है, बल्कि श्रोता पर मनोवैज्ञानिक प्रभाव भी पड़ता है - वही प्रभाव जो तब होता है जब बड़ी संख्या में लोग एक साथ एक ही राग गाते हैं। इसलिए, जहां भी लोग बसे, संगीतकारों के संघ धीरे-धीरे उभरने लगे, जो अपने वादन के साथ लड़ाई या सार्वजनिक समारोहों में शामिल होते थे: मंदिर में अनुष्ठान, विवाह, दफन, राज्याभिषेक, सैन्य परेड, महलों में मनोरंजन।

ऐसे संघों का सबसे पहला लिखित संदर्भ मूसा के पेंटाटेच और डेविड के भजनों में पाया जा सकता है: कुछ भजनों की शुरुआत में गायक मंडल के नेता से एक अपील है जिसमें स्पष्टीकरण दिया गया है कि किन उपकरणों का उपयोग किया जाना चाहिए यह या वह पाठ. मेसोपोटामिया और मिस्र के फिरौन, प्राचीन चीन और भारत, ग्रीस और रोम में संगीतकारों के समूह थे। त्रासदियों को प्रदर्शित करने की प्राचीन यूनानी परंपरा में, विशेष मंच होते थे जिन पर संगीतकार बैठते थे, जो वाद्ययंत्र बजाकर अभिनेताओं और नर्तकियों के प्रदर्शन के साथ होते थे। ऐसे मंच-ऊंचाइयों को "ऑर्केस्ट्रा" कहा जाता था। इसलिए "ऑर्केस्ट्रा" शब्द के आविष्कार का पेटेंट प्राचीन यूनानियों के पास है, हालांकि वास्तव में ऑर्केस्ट्रा बहुत पहले से मौजूद था।

बोस्कोरियल में एक रोमन विला से फ्रेस्को। 50-40 ई.पू इ।कला का महानगरीय संग्रहालय

पश्चिमी यूरोपीय संस्कृति में, ऑर्केस्ट्रा के रूप में संगीतकारों के संघ को तुरंत नहीं कहा जाने लगा। सबसे पहले, मध्य युग और पुनर्जागरण में, इसे चैपल कहा जाता था। यह नाम उस विशिष्ट स्थान से संबंधित था जहाँ संगीत प्रस्तुत किया जाता था। ऐसे चैपल पहले चर्च में थे, और फिर अदालत में। और वहाँ गाँव के चैपल भी थे, जिनमें शौकिया संगीतकार शामिल थे। ये चैपल व्यावहारिक रूप से एक सामूहिक घटना थे। और यद्यपि गाँव के कलाकारों और उनके वाद्ययंत्रों के स्तर की तुलना पेशेवर अदालत और मंदिर के चैपल से नहीं की जा सकती है, किसी को भी गाँव की परंपरा और बाद में शहरी लोक वाद्य संगीत के महान संगीतकारों और समग्र रूप से यूरोपीय संगीत संस्कृति पर प्रभाव को कम नहीं आंकना चाहिए। हेडन, बीथोवेन, शुबर्ट, वेबर, लिस्ज़्ट, त्चिकोवस्की, ब्रुकनर, महलर, बार्टोक, स्ट्राविंस्की, रवेल, लिगेटी का संगीत वस्तुतः लोक वाद्य संगीत-निर्माण की परंपराओं से निषेचित है।

अधिक प्राचीन संस्कृतियों की तरह, यूरोप में भी स्वर और वाद्य संगीत में कोई प्रारंभिक विभाजन नहीं था। प्रारंभिक मध्य युग से शुरू होकर, ईसाई चर्च हर चीज पर हावी था, और चर्च में वाद्य संगीत एक संगत के रूप में विकसित हुआ, सुसमाचार शब्द का समर्थन, जो हमेशा हावी रहा - आखिरकार, "शुरुआत में शब्द था।" इसलिए, प्रारंभिक चैपल वे लोग हैं जो गाते हैं और वे लोग जो गायकों का साथ देते हैं।

कुछ बिंदु पर, "ऑर्केस्ट्रा" शब्द प्रकट होता है। हालाँकि हर जगह एक ही समय पर नहीं। उदाहरण के लिए, जर्मनी में यह शब्द रोमांस देशों की तुलना में बहुत बाद में स्थापित किया गया था। इटली में, ऑर्केस्ट्रा का मतलब हमेशा संगीत के मुखर भाग के बजाय वाद्ययंत्र होता है। ऑर्केस्ट्रा शब्द सीधे तौर पर ग्रीक परंपरा से लिया गया था। ओपेरा शैली के आगमन के साथ, 16वीं-17वीं शताब्दी के अंत में इतालवी ऑर्केस्ट्रा का उदय हुआ। और इस शैली की असाधारण लोकप्रियता के कारण इस शब्द ने शीघ्र ही पूरी दुनिया पर विजय प्राप्त कर ली। इस प्रकार, यह कहना सुरक्षित है कि समकालीन आर्केस्ट्रा संगीत के दो स्रोत हैं: मंदिर और थिएटर।

क्रिसमस मास. लिम्बर्ग बंधुओं द्वारा ड्यूक ऑफ बेरी की शानदार पुस्तक के घंटों से लघुचित्र। 15th शताब्दीएमएस। 65/1284, फोल. 158आर/मुसी कोंडे/विकिमीडिया कॉमन्स

और जर्मनी में लंबे समय तक वे मध्ययुगीन-पुनरुद्धार नाम "चैपल" पर कायम रहे। 20वीं सदी तक, कई जर्मन कोर्ट ऑर्केस्ट्रा को चैपल कहा जाता था। आज दुनिया के सबसे प्राचीन ऑर्केस्ट्रा में से एक ड्रेसडेन में सैक्सन स्टेट (और अतीत में - सैक्सन कोर्ट) चैपल है। इसका इतिहास 400 वर्ष से भी अधिक पुराना है। वह सैक्सन इलेक्टर्स के दरबार में उपस्थित हुईं, जिन्होंने हमेशा सुंदरता की सराहना की और इस संबंध में अपने सभी पड़ोसियों से आगे थे। वहाँ अभी भी बर्लिन और वीमर राज्य चैपल हैं, साथ ही प्रसिद्ध मीनिंगन कोर्ट चैपल भी हैं, जिसमें रिचर्ड स्ट्रॉस ने एक बैंडमास्टर (वर्तमान में एक कंडक्टर) के रूप में शुरुआत की थी। वैसे, जर्मन शब्द "कपेलमिस्टर" (चैपल मास्टर) का उपयोग आज भी कभी-कभी संगीतकारों द्वारा "कंडक्टर" शब्द के समकक्ष के रूप में किया जाता है, लेकिन अधिक बार एक विडंबनापूर्ण, कभी-कभी नकारात्मक अर्थ में भी (एक शिल्पकार के अर्थ में, कलाकार नहीं)। और उन दिनों, इस शब्द को एक जटिल पेशे के नाम के रूप में सम्मान के साथ उच्चारित किया जाता था: "गाना बजानेवालों या ऑर्केस्ट्रा का नेता, जो संगीत भी बनाता है।" सच है, कुछ जर्मन ऑर्केस्ट्रा में इस शब्द को पद के पदनाम के रूप में संरक्षित किया गया है - उदाहरण के लिए, लीपज़िग गेवांडहॉस ऑर्केस्ट्रा में, मुख्य कंडक्टर को अभी भी गेवांडहॉस कपेलमिस्टर कहा जाता है।

XVII-XVIII सदियों: दरबार की सजावट के रूप में ऑर्केस्ट्रा

जीन बैप्टिस्ट लुली द्वारा रॉयल बैले ऑफ़ द नाइट में लुई XIV। हेनरी डी गिसेट द्वारा स्केच। 1653निर्माण में राजा ने उगते सूरज की भूमिका निभाई। विकिमीडिया कॉमन्स

पुनर्जागरण ऑर्केस्ट्रा, और बाद में बारोक ऑर्केस्ट्रा, ज्यादातर दरबारी या चर्च संबंधी थे। उनका उद्देश्य पूजा में साथ देना या सत्ता में बैठे लोगों को खुश करना और उनका मनोरंजन करना था। हालाँकि, कई सामंती शासकों में काफी विकसित सौंदर्य बोध था, और इसके अलावा, वे एक-दूसरे को दिखावा करना पसंद करते थे। किसी ने सेना का घमंड किया, किसी ने विचित्र वास्तुकला का, किसी ने बगीचे बनवाए, और किसी ने दरबारी थिएटर या ऑर्केस्ट्रा रखा।

उदाहरण के लिए, फ्रांसीसी राजा लुई XIV के पास दो ऐसे ऑर्केस्ट्रा थे: रॉयल अस्तबल का पहनावा, जिसमें हवा और ताल वाद्ययंत्र शामिल थे, और तथाकथित "राजा के 24 वायलिन", जिसका नेतृत्व किया गया था प्रसिद्ध संगीतकारजीन बैप्टिस्ट लूली, जिन्होंने मोलिरे के साथ भी सहयोग किया और इतिहास में फ्रेंच ओपेरा के निर्माता और पहले पेशेवर कंडक्टर के रूप में नीचे चले गए। बाद में, 1660 में राजशाही की बहाली के दौरान फ्रांस से लौटते हुए, अंग्रेजी राजा चार्ल्स द्वितीय (निष्पादित चार्ल्स प्रथम का पुत्र) ने फ्रांसीसी मॉडल के अनुसार रॉयल चैपल में अपने "24 किंग्स वायलिन" भी बनाए। रॉयल चैपल स्वयं 14वीं शताब्दी से अस्तित्व में है और एलिजाबेथ प्रथम के शासनकाल के दौरान अपने चरम पर पहुंच गया - इसके दरबार के आयोजक विलियम बर्ड और थॉमस टैलिस थे। और चार्ल्स द्वितीय के दरबार में, शानदार अंग्रेजी संगीतकार हेनरी पुरसेल ने वेस्टमिंस्टर एब्बे और रॉयल चैपल में ऑर्गेनिस्ट की स्थिति को मिलाकर सेवा की। 16वीं-17वीं शताब्दी में इंग्लैंड में ऑर्केस्ट्रा के लिए एक और विशिष्ट नाम था, आमतौर पर छोटा - "कंसोर्ट"। बाद के बारोक युग में, "कंसोर्ट" शब्द का प्रयोग बंद हो गया और इसके स्थान पर चैम्बर की अवधारणा, यानी "रूम" संगीत सामने आया।

रात के रॉयल बैले से योद्धा की पोशाक। हेनरी डी गिसेट द्वारा स्केच। 1653विकिमीडिया कॉमन्स

मनोरंजन के बारोक रूप बनते जा रहे थे देर से XVII- XVIII सदी की शुरुआत, अधिक से अधिक शानदार। और कम संख्या में उपकरणों के साथ प्रबंधन करना अब संभव नहीं था - ग्राहक "बड़े और अधिक महंगे" चाहते थे। हालाँकि, निश्चित रूप से, सब कुछ "शानदार संरक्षक" की उदारता पर निर्भर था। यदि बाख को अपने स्वामी को पत्र लिखने के लिए मजबूर किया गया, तो उन्हें प्रति वाद्य भाग में कम से कम दो या तीन वायलिन आवंटित करने के लिए राजी किया गया, फिर हैंडेल में, एक ही समय में, 24 ओबोइस्ट, 12 बैसूनिस्ट, 9 हॉर्न वादकों ने पहले प्रदर्शन में भाग लिया। "रॉयल फायरवर्क्स के लिए संगीत", 9 ट्रम्पेटर्स और 3 टिमपनी वादक (यानी 13 निर्धारित भागों के लिए 57 संगीतकार)। और 1784 में लंदन में हैंडेल के "मसीहा" के प्रदर्शन में, 525 लोगों ने भाग लिया (हालाँकि यह घटना बाद के युग की है, जब संगीत के लेखक अब जीवित नहीं थे)। अधिकांश बारोक लेखकों ने ओपेरा लिखे, और नाटकीय ओपेरा ऑर्केस्ट्रा हमेशा संगीतकारों के लिए एक प्रकार की रचनात्मक प्रयोगशाला रही है - असामान्य उपकरणों सहित सभी प्रकार के प्रयोगों के लिए एक जगह। इसलिए, उदाहरण के लिए, 17वीं शताब्दी की शुरुआत में, मोंटेवेर्डी ने अपने ओपेरा ऑर्फियो के ऑर्केस्ट्रा में एक ट्रॉम्बोन भाग पेश किया, जो इतिहास के सबसे पहले ओपेरा में से एक था, जिसमें नारकीय क्रोध को दर्शाया गया था।

फ्लोरेंटाइन कैमराटा (16वीं-17वीं शताब्दी के अंत) के समय से, किसी भी ऑर्केस्ट्रा में एक बेसो कंटिन्यू भाग होता था, जिसे संगीतकारों के एक पूरे समूह द्वारा बजाया जाता था और बास क्लीफ़ में एक पंक्ति में रिकॉर्ड किया जाता था। बेस लाइन के नीचे की संख्याएं कुछ हार्मोनिक अनुक्रमों को दर्शाती हैं - और कलाकारों को सभी संगीत बनावट और सजावट में सुधार करना होता है, यानी प्रत्येक प्रदर्शन के साथ नए सिरे से निर्माण करना होता है। हाँ, और रचना इस बात पर निर्भर करती थी कि किसी विशेष चैपल के पास कौन से उपकरण उपलब्ध थे। एक कुंजीपटल उपकरण की उपस्थिति, अक्सर हार्पसीकोर्ड, अनिवार्य थी। चर्च संगीतयह उपकरण प्रायः अंग था; एक तार वाला धनुष - सेलो, वायोला दा गाम्बा या वायलोन (आधुनिक डबल बास का अग्रदूत); एक तार वाला प्लक्ड ल्यूट या थोरबो। लेकिन ऐसा हुआ कि बैसो कंटिन्यू समूह में छह या सात लोग एक ही समय में बजाते थे, जिनमें कई हार्पसीकोर्ड भी शामिल थे (परसेल और रमेउ के पास तीन या चार थे)। 19वीं सदी में, ऑर्केस्ट्रा से कीबोर्ड और प्लक्ड उपकरण गायब हो गए, लेकिन 20वीं सदी में फिर से प्रकट हुए। और 1960 के दशक के बाद से, सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में दुनिया के लगभग किसी भी उपकरण का उपयोग करना संभव हो गया है - उपकरण के दृष्टिकोण में लगभग बारोक लचीलापन। इस प्रकार, हम मान सकते हैं कि बारोक ने आधुनिक ऑर्केस्ट्रा को जन्म दिया।

इंस्ट्रुमेंटेशन, संरचना, अंकन

सैन मिलन डे ला कोगोग्लिया के मठ की सूची में बीट ऑफ लीबन के सर्वनाश पर टिप्पणी से लघुचित्र। 900-950 बिब्लियोटेका डे सेराफिन एस्टेबनेज़ काल्डेरोन वाई डे सैन मिलन डे ला कोगोला

आधुनिक श्रोता के लिए "ऑर्केस्ट्रा" शब्द संभवतः बीथोवेन, त्चिकोवस्की या शोस्ताकोविच के संगीत के अंशों से जुड़ा है; उस विशाल स्मारकीय और साथ ही सहज ध्वनि के साथ, जो आधुनिक ऑर्केस्ट्रा सुनने से - लाइव और रिकॉर्डिंग में हमारी स्मृति में जमा हो गई थी। लेकिन आर्केस्ट्रा हमेशा इस तरह नहीं बजता था। प्राचीन आर्केस्ट्रा और आधुनिक आर्केस्ट्रा के बीच कई अंतरों में से मुख्य बात संगीतकारों द्वारा उपयोग किए जाने वाले वाद्ययंत्र हैं। विशेष रूप से, सभी वाद्ययंत्रों की ध्वनि आधुनिक वाद्ययंत्रों की तुलना में बहुत धीमी थी, क्योंकि जिन कमरों में संगीत बजाया जाता था वे (आम तौर पर) आधुनिक वाद्ययंत्रों की तुलना में बहुत छोटे थे। संगीत - कार्यक्रम का सभागृह. और कोई फैक्ट्री हॉर्न नहीं थे, कोई परमाणु टरबाइन नहीं थे, कोई आंतरिक दहन इंजन नहीं था, कोई सुपरसोनिक विमान नहीं था - मानव जीवन की सामान्य ध्वनि आज की तुलना में कई गुना शांत थी। इसकी तीव्रता अभी भी प्राकृतिक घटनाओं से मापी जाती थी: जंगली जानवरों की दहाड़, तूफान के दौरान गड़गड़ाहट, झरनों का शोर, पेड़ों के गिरने की आवाज या पहाड़ गिरने की गड़गड़ाहट, और एक मेले में शहर के चौराहे पर भीड़ की दहाड़ दिन। इसलिए, संगीत केवल प्रकृति के साथ ही चमक में प्रतिस्पर्धा कर सकता है।

तार वाले वाद्ययंत्रों पर जो तार बांधे जाते थे वे बैल की नस से बने होते थे (आजकल धातु के बने होते हैं), धनुष छोटे, हल्के और आकार में थोड़े अलग होते थे। इसके कारण, तारों की ध्वनि आज की तुलना में "गर्म" लेकिन कम "सुचारू" थी। लकड़ी का हवा उपकरणइसमें सभी आधुनिक वाल्व और अन्य तकनीकी उपकरण नहीं थे जो आपको अधिक आत्मविश्वास और सटीकता से खेलने की अनुमति देते हों। उस समय की वुडविंड लकड़ी की ध्वनि के मामले में अधिक व्यक्तिगत लगती थी, कभी-कभी कुछ हद तक बेसुरी (यह सब कलाकार के कौशल पर निर्भर करता था) और आधुनिक की तुलना में कई गुना शांत होती थी। पीतल के पवन वाद्य पूरी तरह से प्राकृतिक थे, यानी, वे केवल प्राकृतिक पैमाने की ध्वनियाँ उत्पन्न कर सकते थे, जो अक्सर केवल एक छोटी सी धूमधाम बजाने के लिए पर्याप्त होती थीं, लेकिन एक विस्तारित धुन नहीं। ड्रमों और टिमपनी पर जानवरों की खाल खींची जाती थी (यह प्रथा आज भी मौजूद है, हालाँकि प्लास्टिक की झिल्लियों वाले ताल वाद्य यंत्र बहुत पहले ही सामने आ चुके थे)।

ऑर्केस्ट्रा का क्रम आम तौर पर आज की तुलना में कम था - औसतन आधे स्वर से, और कभी-कभी पूरे स्वर से। लेकिन यहां भी कोई एक नियम नहीं था: लुई XIV के दरबार में पहले सप्तक (जिसके अनुसार ऑर्केस्ट्रा को पारंपरिक रूप से ट्यून किया जाता है) के लिए टोन प्रणाली हर्ट्ज़ पैमाने पर 392 थी। चार्ल्स द्वितीय के दरबार में, उन्होंने A को 400 से 408 हर्ट्ज़ तक ट्यून किया। उसी समय, मंदिरों में अंगों को अक्सर महल के कक्षों में खड़े हार्पसीकोर्ड की तुलना में ऊंचे स्वर में ट्यून किया जाता था (शायद यह हीटिंग के कारण था, क्योंकि शुष्क गर्मी से स्ट्रिंग वाद्ययंत्र धुन में उठते हैं, और, इसके विपरीत, कम हो जाते हैं) ठंड से; पवन उपकरणों की प्रवृत्ति अक्सर विपरीत होती है)। इसलिए, बाख के समय में, दो मुख्य प्रणालियाँ थीं: तथाकथित केमर-टन (आधुनिक "ट्यूनिंग कांटा" - इससे प्राप्त एक शब्द), यानी, "रूम सिस्टम", और ऑर्गेल-टन, यानी , "अंग प्रणाली" (उर्फ "कोरल टोन")। और ए के लिए कमरे की ट्यूनिंग 415 हर्ट्ज़ थी, जबकि ऑर्गन ट्यूनिंग हमेशा अधिक थी और कभी-कभी 465 हर्ट्ज़ तक पहुंच जाती थी। और अगर हम उनकी तुलना आधुनिक कॉन्सर्ट ट्यूनिंग (440 हर्ट्ज़) से करें, तो पहला आधा टोन कम निकलता है, और दूसरा आधुनिक से आधा टोन अधिक होता है। इसलिए, अंग प्रणाली को ध्यान में रखते हुए लिखे गए बाख के कुछ कैनटाट्स में, लेखक ने पवन उपकरणों के हिस्सों को तुरंत स्थानान्तरण में लिखा, यानी, गाना बजानेवालों और बासो सातत्य के हिस्से की तुलना में आधा कदम अधिक। यह इस तथ्य के कारण था कि पवन वाद्ययंत्र, जो मुख्य रूप से कोर्ट चैम्बर संगीत में उपयोग किए जाते थे, अंग की उच्च ट्यूनिंग के लिए अनुकूलित नहीं थे (बांसुरी और ओबो कैमरटोन से थोड़ा कम भी हो सकते थे, और इसलिए एक तीसरा भी था) - कम कैमरटोन).टोन). और अगर, यह जाने बिना, आज आप नोट्स से शाब्दिक रूप से इस तरह के कैंटाटा को बजाने की कोशिश करते हैं, तो आपको एक कर्कश ध्वनि मिलेगी जिसका लेखक ने इरादा नहीं किया था।

"फ़्लोटिंग" सिस्टम के साथ यह स्थिति दुनिया में द्वितीय विश्व युद्ध तक ही नहीं, बल्कि केवल यहीं तक बनी रही विभिन्न देश, लेकिन एक ही देश के विभिन्न शहरों में, प्रणालियाँ एक दूसरे से काफी भिन्न हो सकती हैं। 1859 में, फ्रांसीसी सरकार ने ए-435 हर्ट्ज़ की ट्यूनिंग को मंजूरी देने वाला एक कानून जारी करके ट्यूनिंग को मानकीकृत करने का पहला प्रयास किया, लेकिन अन्य देशों में ट्यूनिंग बेहद अलग बनी रही। और केवल 1955 में अंतरराष्ट्रीय संगठनमानकीकरण पर, 440 हर्ट्ज़ की कॉन्सर्ट ट्यूनिंग पर कानून आज तक अपनाया गया था।

हेनरिक इग्नाज़ बीबर। 1681 से उत्कीर्णनविकिमीडिया कॉमन्स

बैरोक और शास्त्रीय लेखकों ने स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों के लिए संगीत से संबंधित ट्यूनिंग के क्षेत्र में अन्य ऑपरेशन भी किए। हम "स्कोर्डेटुरा" नामक एक तकनीक के बारे में बात कर रहे हैं, यानी "स्ट्रिंग्स को ट्यून करना।" उसी समय, कुछ तार, जैसे वायलिन या वायलास, को वाद्ययंत्र के लिए एक अलग, असामान्य अंतराल पर ट्यून किया गया था। इसके लिए धन्यवाद, संगीतकार को रचना की कुंजी के आधार पर, बड़ी संख्या में खुले तारों का उपयोग करने का अवसर मिला, जिससे उपकरण की बेहतर प्रतिध्वनि हुई। लेकिन यह स्कोर्डेटुरा अक्सर वास्तविक ध्वनि में नहीं, बल्कि ट्रांसपोज़िशन में रिकॉर्ड किया गया था। इसलिए, उपकरण (और कलाकार) की प्रारंभिक तैयारी के बिना, ऐसी रचना को ठीक से निष्पादित करना असंभव है। स्कोर्डेटुरा का एक प्रसिद्ध उदाहरण हेनरिक इग्नाज़ बीबर का वायलिन सोनाटा रोज़री (मिस्ट्रीज़) (1676) का चक्र है।

पुनर्जागरण में और बारोक के प्रारंभिक चरण में, विधाओं की सीमा, और बाद में कुंजियाँ, जिनमें संगीतकार रचना कर सकते थे, एक प्राकृतिक बाधा द्वारा सीमित थी। इस अवरोध का नाम पाइथागोरस अल्पविराम है। महान यूनानी वैज्ञानिक पाइथागोरस पहले व्यक्ति थे जिन्होंने शुद्ध पांचवें के अनुसार उपकरणों को ट्यून करने का सुझाव दिया था - जो प्राकृतिक पैमाने के पहले अंतरालों में से एक था। लेकिन यह पता चला कि यदि आप इस तरह से तार वाले वाद्ययंत्रों को ट्यून करते हैं, तो पांचवें (चार सप्तक) के पूर्ण चक्र से गुजरने के बाद, सी-शार्प नोट सी में बहुत अधिक लगता है। और प्राचीन काल से, संगीतकारों और वैज्ञानिकों ने एक आदर्श उपकरण ट्यूनिंग प्रणाली खोजने की कोशिश की है, जिसमें प्राकृतिक पैमाने के इस प्राकृतिक दोष - इसकी असमानता - को दूर किया जा सके, जो सभी स्वरों के समान उपयोग की अनुमति देगा।

प्रत्येक युग की अपनी व्यवस्था प्रणालियाँ थीं। और प्रत्येक प्रणाली की अपनी विशेषताएं थीं, जो आधुनिक पियानो की ध्वनि के आदी हमारे कानों को झूठी लगती हैं। 19वीं शताब्दी की शुरुआत से, सभी कीबोर्ड उपकरणों को एक समान पैमाने पर ट्यून किया गया है, जो एक सप्तक को 12 बिल्कुल समान सेमीटोन में विभाजित करता है। सम ट्यूनिंग आधुनिक भावना के बहुत करीब एक समझौता है, जिसने पायथागॉरियन अल्पविराम की समस्या को एक बार और सभी के लिए हल करने की अनुमति दी, लेकिन शुद्ध तिहाई और पांचवें की ध्वनि की प्राकृतिक सुंदरता का त्याग किया। अर्थात्, आधुनिक पियानो द्वारा बजाया जाने वाला कोई भी अंतराल (सप्तक को छोड़कर) प्राकृतिक पैमाने से मेल नहीं खाता है। और देर से मध्य युग के बाद से मौजूद सभी कई ट्यूनिंग प्रणालियों में, एक निश्चित संख्या में शुद्ध अंतराल संरक्षित किए गए हैं, जिसके कारण सभी कुंजियों को एक तेज व्यक्तिगत ध्वनि प्राप्त हुई। अच्छे स्वभाव के आविष्कार के बाद भी (बाख का वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर देखें), जिसने हार्पसीकोर्ड या ऑर्गन पर सभी चाबियों का उपयोग करना संभव बना दिया, चाबियाँ अभी भी अपने व्यक्तिगत रंग को बरकरार रखती हैं। इसलिए बारोक संगीत के लिए मौलिक प्रभाव के सिद्धांत का उदय हुआ, जिसके अनुसार सभी संगीत अभिव्यक्ति का साधन- माधुर्य, सामंजस्य, लय, गति, बनावट और स्वर की पसंद स्वयं विशिष्ट भावनात्मक अवस्थाओं से अविभाज्य रूप से जुड़ी हुई है। इसके अलावा, उपयोग की जाने वाली टोन के आधार पर, वही टोनलिटी हो सकती है इस पलदेहाती, मासूम या कामुक, गंभीर रूप से शोकपूर्ण या राक्षसी रूप से डराने वाली ध्वनि के लिए निर्माण।

संगीतकार के लिए, 18वीं-19वीं शताब्दी के अंत तक एक कुंजी या दूसरी कुंजी का चुनाव भावनाओं के एक निश्चित समूह के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ था। इसके अलावा, यदि हेडन डी मेजर के लिए यह "राजसी धन्यवाद, उग्रवाद" जैसा लगता था, तो बीथोवेन के लिए यह "दर्द, पीड़ा या मार्च" जैसा लगता था। हेडन ने ई मेजर को "मृत्यु के विचार" से जोड़ा, और मोजार्ट के लिए इसका अर्थ "गंभीर, उदात्त पारगमन" था (ये सभी विशेषण स्वयं संगीतकारों के उद्धरण हैं)। इसलिए, प्रारंभिक संगीत प्रदर्शन करने वाले संगीतकारों के अनिवार्य गुणों में संगीत और सामान्य सांस्कृतिक ज्ञान की एक बहुआयामी प्रणाली है, जो भावनात्मक संरचना और "कोड" को पहचानना संभव बनाती है। विभिन्न रचनाएँविभिन्न लेखक, और साथ ही इसे खेल में तकनीकी रूप से लागू करने की क्षमता।

इसके अलावा, अंकन के साथ भी समस्याएं हैं: 17वीं-18वीं शताब्दी के संगीतकारों ने जानबूझकर काम के आगामी प्रदर्शन से संबंधित जानकारी का केवल एक हिस्सा दर्ज किया; वाक्यांश, सूक्ष्मता, अभिव्यक्ति, और विशेष रूप से उत्कृष्ट सजावट - बारोक सौंदर्यशास्त्र का एक अभिन्न अंग - यह सब संगीतकारों की स्वतंत्र पसंद पर छोड़ दिया गया था, जो इस प्रकार संगीतकार के सह-निर्माता बन गए, न कि केवल उनकी इच्छा के आज्ञाकारी निष्पादक। इसलिए, बारोक और प्रारंभिक शास्त्रीय संगीत का वास्तव में उत्कृष्ट प्रदर्शन पुराने वाद्ययंत्रयह आधुनिक वाद्ययंत्रों पर बाद के संगीत में महारत हासिल करने से कम (यदि अधिक नहीं तो) कठिन कार्य नहीं है। जब 60 साल पहले प्राचीन वाद्ययंत्र बजाने के पहले उत्साही ("प्रामाणिकवादी") सामने आए, तो उन्हें अक्सर अपने सहयोगियों के बीच शत्रुता का सामना करना पड़ा। यह आंशिक रूप से पारंपरिक स्कूल के संगीतकारों की जड़ता के कारण था, और आंशिक रूप से स्वयं संगीत प्रामाणिकता के अग्रदूतों के अपर्याप्त कौशल के कारण था। संगीत मंडलों में, हारे हुए लोगों के रूप में उनके प्रति एक प्रकार का कृपालु विडंबनापूर्ण रवैया था, जिन्हें "सूखे लकड़ी" (वुडविंड) या "जंग लगी स्क्रैप धातु" (ब्रासविंड) पर वादी नकली ब्लिटिंग प्रकाशित करने की तुलना में खुद के लिए बेहतर उपयोग नहीं मिला। और यह (निश्चित रूप से दुर्भाग्यपूर्ण) रवैया हाल तक जारी रहा, जब तक कि यह स्पष्ट नहीं हो गया कि प्राचीन वाद्ययंत्रों पर बजाने का स्तर पिछले दशकों में इतना बढ़ गया है कि, कम से कम बारोक और शुरुआती क्लासिक्स के क्षेत्र में, प्रामाणिकतावादियों ने लंबे समय तक पकड़ बना ली है और अधिक नीरस और भारी ध्वनि वाले आधुनिक ऑर्केस्ट्रा को पीछे छोड़ दिया।

आर्केस्ट्रा शैलियाँ और रूप

अपने परिवार के साथ पियरे माउचेरॉन के चित्र का टुकड़ा। लेखक अनजान है। 1563रिज्क्सम्यूजियम एम्स्टर्डम

जिस प्रकार "ऑर्केस्ट्रा" शब्द का हमेशा वह अर्थ नहीं होता जो हम आज उससे लेते हैं, उसी प्रकार "सिम्फनी" और "कॉन्सर्ट" शब्दों का मूल अर्थ थोड़ा अलग था, और केवल धीरे-धीरे, समय के साथ, उन्होंने अपने आधुनिक अर्थ प्राप्त कर लिए।

संगीत समारोह

"कॉन्सर्ट" शब्द की कई संभावित उत्पत्तियाँ हैं। आधुनिक व्युत्पत्ति का अनुवाद इटालियन कंसर्टेयर से "एक समझौते पर आना" या लैटिन कंसाइनर, कॉन्सिनो से "एक साथ गाना, प्रशंसा करना" है। एक अन्य संभावित अनुवाद लैटिन कंसर्टेयर से "विवाद, प्रतिस्पर्धा" है: व्यक्तिगत कलाकार (एकल कलाकार या एकल कलाकारों का एक समूह) एक टीम (ऑर्केस्ट्रा) के साथ संगीत में प्रतिस्पर्धा करते हैं। शुरुआती बारोक युग में, एक स्वर-वाद्य कार्य को अक्सर कंसर्टो कहा जाता था, बाद में इसे कैंटटा के रूप में जाना जाने लगा - लैटिन कैंटो, कैंटारे ("गाने के लिए") से। समय के साथ, संगीत कार्यक्रम विशुद्ध हो गए वाद्य शैली(हालाँकि 20वीं सदी के कार्यों में रेनहोल्ड ग्लेयर द्वारा कॉन्सर्टो फ़ॉर वॉयस एंड ऑर्केस्ट्रा जैसी दुर्लभ वस्तु भी पाई जा सकती है)। बारोक युगएक एकल संगीत कार्यक्रम (एक वाद्ययंत्र और उसके साथ ऑर्केस्ट्रा) और एक "बड़े संगीत कार्यक्रम" (कंसर्टो ग्रोसो) के बीच अंतर किया गया, जहां संगीत को एकल कलाकारों के एक छोटे समूह (कंसर्टिनो) और अधिक उपकरणों वाले एक समूह (रिपिएनो, यानी) के बीच स्थानांतरित किया गया था। , "भरना", "भरना")। रिपियेनो समूह के संगीतकारों को रिपियेनिस्ट कहा जाता था। ये रिपियेनिस्ट ही थे जो आधुनिक आर्केस्ट्रा वादकों के अग्रदूत बने। रिपिएनो के रूप में, केवल स्ट्रिंग वाद्ययंत्र शामिल थे, साथ ही बेसो कंटिन्यू भी। और एकल कलाकार बहुत भिन्न हो सकते हैं: वायलिन, सेलो, ओबो, रिकॉर्डर, बैसून, वायोला डी'अमोर, ल्यूट, मैंडोलिन, आदि।

कंसर्टो ग्रोसो दो प्रकार के थे: कंसर्टो दा चिएसा ("चर्च कॉन्सर्ट") और कॉन्सर्टो दा कैमरा ("चैंबर कॉन्सर्ट")। दोनों मुख्य रूप से आर्कान्जेलो कोरेली के कारण उपयोग में आए, जिन्होंने 12 संगीत कार्यक्रमों (1714) का एक चक्र तैयार किया। इस चक्र का हैंडेल पर गहरा प्रभाव पड़ा, जिन्होंने हमारे लिए दो कंसर्टो ग्रोसो चक्र छोड़े, जिन्हें इस शैली की उत्कृष्ट कृतियों के रूप में मान्यता मिली। बाख के ब्रैंडेनबर्ग कॉन्सर्टो में कंसर्टो ग्रोसो की स्पष्ट विशेषताएं भी हैं।

बारोक सोलो कॉन्सर्टो का उत्कर्ष एंटोनियो विवाल्डी के नाम से जुड़ा है, जिन्होंने अपने जीवन में स्ट्रिंग्स और बेसो कंटिन्यू के साथ विभिन्न वाद्ययंत्रों के लिए 500 से अधिक कॉन्सर्टो की रचना की (हालांकि उन्होंने 40 से अधिक ओपेरा भी लिखे, बड़ी संख्या में चर्च कोरल संगीत और वाद्य सिम्फनी)। गायन, एक नियम के रूप में, बारी-बारी से गति के साथ तीन भागों में होता था: तेज़ - धीमा - तेज़; यह संरचना वाद्य संगीत कार्यक्रम के बाद के नमूनों में प्रमुख हो गई - ठीक 21वीं सदी की शुरुआत तक। विवाल्डी की सबसे प्रसिद्ध रचना वायलिन और स्ट्रिंग ऑर्केस्ट्रा के लिए चक्र "द सीजन्स" (1725) थी, जिसमें प्रत्येक संगीत कार्यक्रम से पहले एक कविता होती है (शायद विवाल्डी ने खुद लिखी थी)। कविताएँ किसी विशेष मौसम की मुख्य मनोदशाओं और घटनाओं का वर्णन करती हैं, जो बाद में संगीत में ही समाहित हो जाती हैं। ये चार संगीत कार्यक्रम, जो हार्मनी और आविष्कार प्रतियोगिता नामक 12 संगीत कार्यक्रमों के एक बड़े चक्र का हिस्सा थे, आज कार्यक्रम संगीत के पहले उदाहरणों में से एक माने जाते हैं।

इस परंपरा को हैंडेल और बाख द्वारा जारी और विकसित किया गया था। इसके अलावा, हैंडेल ने अन्य चीजों के अलावा, 16 ऑर्गन कॉन्सर्टो की रचना की, और बाख ने, उस समय एक और दो वायलिन के लिए पारंपरिक कॉन्सर्टो के अलावा, हार्पसीकोर्ड के लिए भी कॉन्सर्टो लिखा, जो अब तक विशेष रूप से बेसो कंटिन्यू समूह का एक उपकरण था। . इसलिए बाख को आधुनिक पियानो कंसर्टो का जनक माना जा सकता है।

स्वर की समता

ग्रीक में सिम्फनी का अर्थ है "संगति", "संयुक्त ध्वनि"। प्राचीन ग्रीक और मध्ययुगीन परंपराओं में, सिम्फनी को सद्भाव की व्यंजना कहा जाता था (आज की संगीत भाषा में - व्यंजन), और हाल के दिनों में, विभिन्न संगीत वाद्ययंत्रों को सिम्फनी कहा जाने लगा, जैसे: डल्सीमर, हर्डी गुर्डी, स्पिनेट या कुंवारी. और केवल XVI-XVII सदियों के मोड़ पर "सिम्फनी" शब्द का इस्तेमाल आवाज़ों और वाद्ययंत्रों के लिए एक रचना के नाम के रूप में किया जाने लगा। इस तरह की सिम्फनी के शुरुआती उदाहरण लोदोविको ग्रॉसी दा वियाडाना (1610) की म्यूजिकल सिम्फनी, जियोवानी गैब्रिएली की सेक्रेड सिम्फनी (1615) और हेनरिक शूत्ज़ की सेक्रेड सिम्फनी (ऑप. 6, 1629, और ऑप. 10, 1649) हैं। सामान्य तौर पर, पूरे बारोक काल के दौरान, चर्च और धर्मनिरपेक्ष दोनों प्रकार की विभिन्न रचनाओं को सिम्फनी कहा जाता था। अक्सर, सिम्फनी एक बड़े चक्र का हिस्सा होती थीं। इतालवी ओपेरा सेरिया ("गंभीर ओपेरा") की शैली के आगमन के साथ, जो मुख्य रूप से स्कार्लट्टी के नाम से जुड़ा हुआ है, ओपेरा का वाद्य परिचय, जिसे ओवरचर भी कहा जाता है, को सिम्फनी कहा जाता था, आमतौर पर तीन खंडों में: तेज़ - तेज लेकिन धीमी गति से चलना। यानी, लंबे समय तक "सिम्फनी" और "ओवरचर" का मतलब एक ही चीज़ था। वैसे, इतालवी ओपेरा में, ओवरचर को सिम्फनी कहने की परंपरा 19वीं शताब्दी के मध्य तक जीवित रही (उदाहरण के लिए, वर्डी के शुरुआती ओपेरा देखें, नेबुचदनेस्सर)।

18वीं शताब्दी के बाद से, पूरे यूरोप में वाद्य बहु-भागीय सिम्फनी का फैशन उभरा है। दोनों में उन्होंने अहम भूमिका निभाई सार्वजनिक जीवनसाथ ही चर्च सेवाओं में भी। हालाँकि, सिम्फनी की उत्पत्ति और प्रदर्शन का मुख्य स्थान अभिजात वर्ग की संपत्ति थी। 18वीं शताब्दी के मध्य तक (पहली हेडन सिम्फनी के प्रकट होने का समय), यूरोप में सिम्फनी की रचना के तीन मुख्य केंद्र थे - मिलान, वियना और मैनहेम। यह इन तीन केंद्रों की गतिविधियों के लिए धन्यवाद था, लेकिन विशेष रूप से मैनहेम कोर्ट चैपल और इसके संगीतकारों के साथ-साथ जोसेफ हेडन के काम के कारण, सिम्फनी शैली ने उस समय यूरोप में अपना पहला फूल अनुभव किया।

मैनहेम चैपल

जान स्टैमिट्ज़विकिमीडिया कॉमन्स

चैपल, जो हीडलबर्ग में इलेक्टर चार्ल्स III फिलिप के तहत उभरा, और 1720 के बाद मैनहेम में अस्तित्व में रहा, को आधुनिक ऑर्केस्ट्रा का पहला प्रोटोटाइप माना जा सकता है। मैनहेम जाने से पहले भी, चैपल आसपास के किसी भी अन्य रियासतों की तुलना में अधिक संख्या में थे। मैनहेम में, यह और भी अधिक बढ़ गया, और उस समय के सबसे प्रतिभाशाली संगीतकारों की भागीदारी के कारण, प्रदर्शन की गुणवत्ता में भी काफी सुधार हुआ। 1741 से, गाना बजानेवालों का नेतृत्व चेक वायलिन वादक और संगीतकार जान स्टैमिट्ज़ ने किया था। इसी समय से हम मैनहेम स्कूल के निर्माण के बारे में बात कर सकते हैं। ऑर्केस्ट्रा में 30 तार वाले वाद्ययंत्र, युग्मित पवन वाद्ययंत्र शामिल थे: दो बांसुरी, दो ओबो, दो शहनाई (तब ऑर्केस्ट्रा में अभी भी दुर्लभ अतिथि), दो बेसून, दो से चार सींग, दो तुरही और टिमपनी - उस समय के लिए एक विशाल रचना। उदाहरण के लिए, प्रिंस एस्टरहाज़ी के चैपल में, जहां हेडन ने बैंडमास्टर के रूप में लगभग 30 वर्षों तक सेवा की, उनकी गतिविधि की शुरुआत में संगीतकारों की संख्या 13-16 लोगों से अधिक नहीं थी, काउंट मोरज़िन में, जिसके साथ हेडन ने एस्टरहाज़ी से पहले कई वर्षों तक सेवा की थी। और अपनी पहली सिम्फनी लिखी, वहां और भी अधिक संगीतकार थे। कम - वहां, उन वर्षों के हेडन के स्कोर को देखते हुए, बांसुरी भी नहीं थी। 1760 के दशक के अंत में, एस्टरहाज़ी चैपल 16-18 संगीतकारों तक बढ़ गया और 1780 के दशक के मध्य तक इसकी अधिकतम संख्या 24 संगीतकारों तक पहुंच गई। और मैनहेम में अकेले स्ट्रिंग्स के 30 लोग थे।

लेकिन मैनहेम सद्गुणों का मुख्य गुण उनकी मात्रा नहीं, बल्कि उस समय सामूहिक प्रदर्शन की अविश्वसनीय गुणवत्ता और सुसंगतता थी। जान स्टैमिट्ज़ और उनके बाद इस ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत लिखने वाले अन्य संगीतकारों ने अधिक से अधिक परिष्कृत, अब तक अनसुने प्रभावों को पाया जो तब से मैनहेम चैपल के नाम के साथ जुड़े हुए हैं: ध्वनि में संयुक्त वृद्धि (क्रेसेन्डो), ध्वनि का लुप्त होना (डिमिन्यूएन्डो), अचानक खेल का एक संयुक्त व्यवधान (सामान्य विराम), साथ ही विभिन्न संगीत आकृतियाँ, जैसे: मैनहेम रॉकेट (एक विघटित राग की आवाज़ के अनुसार राग का तेजी से बढ़ना), मैनहेम पक्षी ( एकल मार्ग में चहचहाते पक्षियों की नकल) या मैनहेम चरमोत्कर्ष (एक क्रैसेन्डो की तैयारी, और फिर निर्णायक क्षण में सभी वायु वाद्ययंत्रों का बजाना और कुछ तारों का सक्रिय-ऊर्जावान वादन बंद हो जाता है)। इनमें से कई प्रभावों को मैनहेम के युवा समकालीन मोजार्ट और बीथोवेन के कार्यों में अपना दूसरा जीवन मिला, और कुछ आज भी मौजूद हैं।

इसके अलावा, स्टैमिट्ज़ और उनके सहयोगियों ने धीरे-धीरे चार-भाग वाली सिम्फनी का आदर्श प्रकार पाया, जो चर्च सोनाटा और चैम्बर सोनाटा के बारोक प्रोटोटाइप के साथ-साथ इतालवी ओपेरा ओवरचर से प्राप्त हुआ था। अपने कई वर्षों के प्रयोगों के परिणामस्वरूप हेडन उसी चार भाग वाले चक्र पर आये। युवा मोजार्ट ने 1777 में मैनहेम का दौरा किया और वहां सुने गए संगीत और आर्केस्ट्रा वादन से बहुत प्रभावित हुए। स्टैमिट्ज़ की मृत्यु के बाद ऑर्केस्ट्रा का नेतृत्व करने वाले क्रिश्चियन कैनबिह के साथ, मोजार्ट की मैनहेम की यात्रा के बाद से व्यक्तिगत मित्रता थी।

दरबारी संगीतकार

दरबारी संगीतकारों की स्थिति, जिन्हें वेतन दिया जाता था, उस समय बहुत लाभप्रद थी, लेकिन, निश्चित रूप से, इसके लिए बहुत कुछ करना पड़ता था। उन्होंने बहुत कड़ी मेहनत की और उन्हें अपने गुरुओं की किसी भी संगीत संबंधी इच्छा को पूरा करना था। उन्हें सुबह तीन या चार बजे उठाया जा सकता था और बताया जा सकता था कि मालिक मनोरंजन संगीत चाहता है - किसी तरह का सेरेनेड सुनने के लिए। बेचारे संगीतकारों को हॉल में जाना पड़ा, लैंप लगाना पड़ा और बजाना पड़ा। बहुत बार संगीतकार सप्ताह में सात दिन काम करते थे - उत्पादन दर या 8 घंटे के कार्य दिवस जैसी अवधारणाएँ, निश्चित रूप से, उनके लिए मौजूद नहीं थीं (आधुनिक मानकों के अनुसार, एक आर्केस्ट्रा संगीतकार दिन में 6 घंटे से अधिक काम नहीं कर सकता है, जब किसी संगीत कार्यक्रम या नाट्य प्रदर्शन के लिए रिहर्सल की बात आती है)। हमें पूरा दिन खेलना था, इसलिए हमने पूरा दिन खेला। हालाँकि, मालिक संगीत प्रेमीगण, अक्सर यह समझा जाता है कि एक संगीतकार बिना ब्रेक के कई घंटों तक नहीं बजा सकता - उसे भोजन और आराम दोनों की आवश्यकता होती है।

निकोला मारिया रॉसी की एक पेंटिंग का विवरण। 1732ब्रिजमैन छवियाँ/फ़ोटोडोम

हेडन और प्रिंस एस्टरहाज़ी चैपल

किंवदंती है कि हेडन ने प्रसिद्ध फेयरवेल सिम्फनी लिखते हुए अपने गुरु एस्टरहाज़ी को वादा किए गए लेकिन भूले हुए आराम के बारे में संकेत दिया था। इसके समापन में, सभी संगीतकार बारी-बारी से खड़े हुए, मोमबत्तियाँ बुझाईं और चले गए - संकेत काफी समझ में आता है। और मालिक ने उन्हें समझा और उन्हें छुट्टियों पर जाने दिया - जो उनके बारे में अंतर्दृष्टि और हास्य की भावना वाले व्यक्ति के रूप में बताता है। भले ही यह काल्पनिक हो, यह उल्लेखनीय रूप से उस युग की भावना को व्यक्त करता है - अन्य समय में, अधिकारियों की गलतियों पर ऐसे संकेत संगीतकार को काफी महंगे पड़ सकते थे।

चूँकि हेडन के संरक्षक काफी शिक्षित लोग थे और संगीत के प्रति संवेदनशील थे, इसलिए वह इस तथ्य पर भरोसा कर सकते थे कि उनका कोई भी प्रयोग - चाहे वह छह या सात आंदोलनों में एक सिम्फनी हो या तथाकथित विकासात्मक प्रकरण में कुछ अविश्वसनीय तानवाला जटिलताएँ - नहीं होंगी निंदा के साथ प्राप्त किया गया। यह इसके विपरीत भी लगता है: रूप जितना अधिक जटिल और असामान्य था, उन्हें उतना ही अधिक पसंद आया।
फिर भी, हेडन प्रथम बने उत्कृष्ट संगीतकार, दरबारी के इस प्रतीत होने वाले सुविधाजनक, लेकिन सामान्य रूप से गुलाम अस्तित्व से मुक्त हो गया। जब निकोलस एस्टरहाज़ी की मृत्यु हो गई, तो उनके उत्तराधिकारी ने ऑर्केस्ट्रा को भंग कर दिया, हालांकि उन्होंने हेडन की उपाधि और बैंडमास्टर का (कम) वेतन बरकरार रखा। इस प्रकार, हेडन को अनजाने में अनिश्चितकालीन छुट्टी मिल गई और, इम्प्रेसारियो जोहान पीटर सॉलोमन के निमंत्रण का लाभ उठाते हुए, काफी अधिक उम्र में लंदन चले गए। वहां उन्होंने वास्तव में एक नई आर्केस्ट्रा शैली बनाई। उनका संगीत अधिक ठोस और सरल हो गया। प्रयोग रद्द कर दिए गए. यह व्यावसायिक आवश्यकता के कारण था: उन्होंने पाया कि आम अंग्रेजी जनता एस्टरहाज़ी एस्टेट के परिष्कृत श्रोताओं की तुलना में बहुत कम शिक्षित है - उसके लिए, आपको छोटा, स्पष्ट और अधिक संक्षिप्त रूप से लिखने की आवश्यकता है। जबकि एस्टरहाज़ी द्वारा लिखी गई प्रत्येक सिम्फनी अद्वितीय है, लंदन की सिम्फनी एक ही प्रकार की है। वे सभी विशेष रूप से चार भागों में लिखे गए थे (उस समय यह सिम्फनी का सबसे सामान्य रूप था, जो मैनहेम स्कूल और मोजार्ट के संगीतकारों द्वारा पहले से ही पूर्ण उपयोग में था): पहले भाग में अनिवार्य सोनाटा रूपक, अधिक या कम धीमा दूसरा भाग, मीनू और तेज़ समापन। ऑर्केस्ट्रा का प्रकार और संगीत रूप, साथ ही हेडन की अंतिम सिम्फनी में प्रयुक्त विषयों का तकनीकी विकास, पहले से ही बीथोवेन के लिए एक मॉडल बन गया।

18वीं - 19वीं सदी के अंत में: विनीज़ स्कूल और बीथोवेन

वियना में थिएटर एन डेर विएन का आंतरिक भाग। उत्कीर्णन. 19 वीं सदीब्रिगेमैन छवियाँ/फ़ोटोडोम

ऐसा हुआ कि हेडन ने मोजार्ट को पछाड़ दिया, जो उनसे 24 साल छोटा था, और बीथोवेन के करियर की शुरुआत हुई। हेडन ने अपना अधिकांश जीवन आज के हंगरी में काम किया, और अपने जीवन के अंत में उन्हें लंदन में तूफानी सफलता मिली, मोजार्ट साल्ज़बर्ग से थे, और बीथोवेन बॉन में पैदा हुए फ्लेमिंग थे। लेकिन संगीत के तीनों दिग्गजों के रचनात्मक रास्ते शहर से जुड़े थे, जिसने महारानी मारिया थेरेसा और फिर उनके बेटे सम्राट जोसेफ द्वितीय के शासनकाल के दौरान दुनिया की संगीत राजधानी का स्थान लिया - वियना के साथ। इस प्रकार, हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन का काम इतिहास में "विनीज़ शास्त्रीय शैली" के रूप में दर्ज हुआ। सच है, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि लेखक खुद को बिल्कुल भी "क्लासिक्स" नहीं मानते थे, और बीथोवेन खुद को एक क्रांतिकारी, अग्रणी और यहां तक ​​​​कि परंपराओं का विध्वंसक मानते थे। "शास्त्रीय शैली" की अवधारणा बहुत बाद के समय का आविष्कार है ( मध्य XIXशतक)। इस शैली की मुख्य विशेषताएं रूप और सामग्री की सामंजस्यपूर्ण एकता, बारोक अतिरेक की अनुपस्थिति में ध्वनि का संतुलन और संगीत वास्तुकला की प्राचीन सद्भावना हैं।

विनीज़ का ताज शास्त्रीय शैलीआर्केस्ट्रा संगीत के क्षेत्र में, हेडन की लंदन सिम्फनी, मोजार्ट की अंतिम सिम्फनी और बीथोवेन की सभी सिम्फनी पर विचार किया जाता है। हेडन और मोजार्ट की देर से सिम्फनी में, शास्त्रीय शैली का संगीत शब्दकोश और वाक्यविन्यास अंततः स्थापित किया गया था, साथ ही ऑर्केस्ट्रा की रचना, जो पहले से ही मैनहेम स्कूल में क्रिस्टलीकृत हो गई थी और अभी भी शास्त्रीय मानी जाती है: एक स्ट्रिंग समूह (में विभाजित) पहला और दूसरा वायलिन, वायला, सेलो और डबल बेस), एक जोड़ी रचना वुडविंड - आमतौर पर दो बांसुरी, दो ओबो, दो बेसून। हालाँकि, मोजार्ट के अंतिम कार्यों से शुरू होकर, शहनाई ने भी ऑर्केस्ट्रा में मजबूती से प्रवेश किया और खुद को स्थापित किया। शहनाई के प्रति मोजार्ट के जुनून ने ऑर्केस्ट्रा के पवन समूह के हिस्से के रूप में इस उपकरण के व्यापक वितरण में योगदान दिया। मोजार्ट ने 1778 में मैनहेम में स्टैमिट्ज़ की सिम्फनी में शहनाई सुनी और अपने पिता को एक पत्र में प्रशंसापूर्वक लिखा: "ओह, काश हमारे पास शहनाई होती!" - "हम" से तात्पर्य साल्ज़बर्ग कोर्ट चैपल से है, जिसने 1804 में ही शहनाई बजाई थी। हालाँकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि 1769 की शुरुआत में शहनाई का इस्तेमाल नियमित रूप से रियासत-आर्चबिशप्रिक सैन्य बैंड में किया जाता था।

आमतौर पर पहले से उल्लिखित वुडविंड में दो सींग जोड़े जाते थे, और कभी-कभी दो तुरही और टिमपनी, जो सेना से सिम्फोनिक संगीत में आते थे। लेकिन इन उपकरणों का उपयोग केवल सिम्फनी में किया जाता था, जिनकी कुंजियाँ प्राकृतिक पाइपों के उपयोग की अनुमति देती थीं, जो केवल कुछ ट्यूनिंग में मौजूद थीं, आमतौर पर डी या सी मेजर में; कभी-कभी जी मेजर में लिखी सिम्फनी में भी तुरही का उपयोग किया जाता था, लेकिन टिमपनी कभी नहीं। तुरही के साथ लेकिन टिमपनी के बिना ऐसी सिम्फनी का एक उदाहरण मोजार्ट की सिम्फनी नंबर 32 है। टिमपनी भाग को बाद में किसी अज्ञात व्यक्ति द्वारा स्कोर में जोड़ा गया और इसे अप्रामाणिक माना जाता है। यह माना जा सकता है कि टिमपनी के संबंध में जी मेजर के प्रति 18वीं शताब्दी के लेखकों की इस नापसंदगी को इस तथ्य से समझाया गया है कि बारोक टिमपनी (सुविधाजनक आधुनिक पैडल द्वारा नहीं, बल्कि मैनुअल टेंशन स्क्रू द्वारा ट्यून किया गया) के लिए, वे पारंपरिक रूप से केवल दो स्वरों से युक्त संगीत लिखा - टॉनिक (टोनलिटी की 1-वीं डिग्री) और डोमिनेंट्स (टोनलिटी की 5वीं डिग्री), जिन्हें इन नोट्स को बजाने वाले पाइपों का समर्थन करने के लिए बुलाया गया था, लेकिन कुंजी जी का मुख्य नोट प्रमुख था। टिमपनी पर ऊपरी सप्तक बहुत तेज़ लग रहा था, और निचले में - बहुत दबी हुई। इसलिए, उनकी असंगति के कारण जी मेजर में टिमपनी से बचा गया था।

अन्य सभी वाद्ययंत्रों को केवल ओपेरा और बैले में ही स्वीकार्य माना जाता था, और उनमें से कुछ चर्च में भी बजते थे (उदाहरण के लिए, रिक्विम में ट्रॉम्बोन और बैसेट हॉर्न, द मैजिक फ्लूट में ट्रॉम्बोन, बैसेट हॉर्न और पिककोलो, पर्कशन "जनिसरी" संगीत मोजार्ट के "डॉन जियोवानी" में "सेराग्लियो से अपहरण" या मैंडोलिन, बीथोवेन के बैले "द वर्क्स ऑफ प्रोमेथियस" में बैसेट हॉर्न और वीणा)।

बैसो कंटिन्यू धीरे-धीरे अनुपयोगी हो गया, पहले आर्केस्ट्रा संगीत से गायब हो गया, लेकिन कुछ समय के लिए ओपेरा में गायन के साथ बना रहा (द मैरिज ऑफ फिगारो, ऑल वीमेन डू इट और मोजार्ट के डॉन जियोवानी देखें, लेकिन बाद में भी - वी) प्रारंभिक XIXसेंचुरी, रॉसिनी और डोनिज़ेट्टी के कुछ कॉमिक ओपेरा में)।

यदि हेडन इस क्षेत्र के सबसे महान आविष्कारक के रूप में इतिहास में दर्ज हुए सिम्फोनिक संगीत, तब मोजार्ट ने अपने सिम्फनी की तुलना में अपने ओपेरा में ऑर्केस्ट्रा के साथ बहुत अधिक प्रयोग किए। उत्तरार्द्ध उस समय के मानदंडों के अनुपालन में अतुलनीय रूप से अधिक सख्त हैं। हालाँकि, निश्चित रूप से, अपवाद हैं: उदाहरण के लिए, प्राग या पेरिस सिम्फनी में कोई मीनू नहीं है, अर्थात, उनमें केवल तीन भाग होते हैं। यहां तक ​​कि जी मेजर में एक-आंदोलन सिम्फनी नंबर 32 भी है (हालांकि, यह इतालवी ओवरचर के मॉडल पर तीन खंडों में बनाया गया है, तेज - धीमा - तेज, यानी, यह पुराने, प्री-हेडनियन मानदंडों से मेल खाता है) . लेकिन दूसरी ओर, इस सिम्फनी में कम से कम चार हॉर्न शामिल हैं (वैसे, जी माइनर में सिम्फनी नंबर 25 में, साथ ही ओपेरा इडोमेनियो में भी)। शहनाई को सिम्फनी नंबर 39 में पेश किया गया है (इन वाद्ययंत्रों के लिए मोजार्ट के प्यार का उल्लेख पहले ही किया जा चुका है), लेकिन पारंपरिक ओबोज़ अनुपस्थित हैं। और सिम्फनी नंबर 40 भी दो संस्करणों में मौजूद है - शहनाई के साथ और उसके बिना।

औपचारिक मापदंडों के संदर्भ में, मोजार्ट अपनी अधिकांश सिम्फनी में मैनहेम और हेडनियन योजनाओं के अनुसार आगे बढ़ता है - बेशक, अपनी प्रतिभा की शक्ति से उन्हें गहरा और परिष्कृत करता है, लेकिन संरचनाओं या रचनाओं के स्तर पर कुछ भी आवश्यक बदलाव किए बिना। हालाँकि, अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, मोजार्ट ने अतीत के महान पॉलीफोनिस्ट - हैंडेल और बाख के काम का विस्तार से और गहराई से अध्ययन करना शुरू किया। इसके लिए धन्यवाद, उनके संगीत की बनावट विभिन्न प्रकार की पॉलीफोनिक चालों से समृद्ध होती जा रही है। बाख-प्रकार के फ्यूग्यू के साथ 18वीं सदी के उत्तरार्ध की सिम्फनी के विशिष्ट होमोफोनिक वेयरहाउस के संयोजन का एक शानदार उदाहरण मोजार्ट की आखिरी, 41वीं सिम्फनी "ज्यूपिटर" है। यह सबसे महत्वपूर्ण विकासात्मक पद्धति के रूप में पॉलीफोनी के पुनरुद्धार की शुरुआत करता है सिम्फोनिक शैली. सच है, मोजार्ट ने उसी रास्ते का अनुसरण किया जिसे दूसरों ने उससे पहले पीटा था: माइकल हेडन की दो सिम्फनी के फाइनल, नंबर 39 (1788) और 41 (1789), निश्चित रूप से मोजार्ट को ज्ञात है, फ़्यूग्यू रूप में भी लिखे गए थे।

लुडविग वान बीथोवेन का पोर्ट्रेट। जोसेफ कार्ल स्टीलर. 1820विकिमीडिया कॉमन्स

ऑर्केस्ट्रा के विकास में बीथोवेन की भूमिका विशेष है। उनका संगीत दो युगों का एक विशाल संयोजन है: शास्त्रीय और रोमांटिक। यदि प्रथम सिम्फनी (1800) में बीथोवेन हेडन का एक वफादार छात्र और अनुयायी है, और बैले द वर्क्स ऑफ प्रोमेथियस (1801) में वह ग्लुक की परंपराओं का उत्तराधिकारी है, तो तीसरे में, वीर सिम्फनी (1804) वहां है अधिक आधुनिक कुंजी में हेडन-मोजार्ट परंपरा का अंतिम और अपरिवर्तनीय पुनर्विचार है। दूसरी सिम्फनी (1802) बाह्य रूप से अभी भी अनुसरण करती है क्लासिक पैटर्न, लेकिन इसमें बहुत सारे नवाचार हैं, और उनमें से मुख्य है पारंपरिक मिनुएट को रफ-पीजेंट शेरज़ो (इतालवी में "मजाक") के साथ बदलना। तब से, आठवीं सिम्फनी के तीसरे आंदोलन के शीर्षक में "मिनुएट" शब्द के विडंबनापूर्ण उदासीन उपयोग को छोड़कर, बीथोवेन की सिम्फनी में मिनुएट नहीं पाए गए हैं - "एट द पेस ऑफ द मिनुएट" (द्वारा) आठवें की रचना का समय - 1812 - मिनट पहले से ही हर जगह अनुपयोगी हो गए थे, और बीथोवेन ने यहां शैली के इस संदर्भ को "एक मधुर लेकिन सुदूर अतीत" के संकेत के रूप में स्पष्ट रूप से उपयोग किया है)। लेकिन साथ ही गतिशील विरोधाभासों की प्रचुरता, और पहले आंदोलन के मुख्य विषय का सेलो और डबल बेस में सचेत हस्तांतरण, जबकि वायलिन उनके लिए संगतकारों के रूप में एक असामान्य भूमिका निभाते हैं, और सेलो और डबल बेस के कार्यों का बार-बार अलग होना (अर्थात, एक स्वतंत्र आवाज के रूप में डबल बेस की मुक्ति), और विस्तारित, चरम भागों में कोडा का विकास (व्यावहारिक रूप से दूसरे विकास में बदलना) नई शैली के सभी निशान हैं, जिसने अगले में अपना आश्चर्यजनक विकास पाया, तीसरी सिम्फनी.

साथ ही, दूसरी सिम्फनी बीथोवेन की लगभग सभी बाद की सिम्फनी, विशेष रूप से तीसरी और छठी, साथ ही नौवीं की शुरुआत को दर्शाती है। दूसरे के पहले भाग के परिचय में, एक डी-माइनर मोटिफ है जो नौवें के पहले भाग के मुख्य विषय के समान दो बूँदें है, और दूसरे के समापन का लिंकिंग भाग लगभग एक स्केच है समान उपकरण के साथ भी, उसी नौवें के समापन से "ओड टू जॉय"।

तीसरी सिम्फनी अब तक लिखी गई सभी सिम्फनी में सबसे लंबी और सबसे जटिल दोनों है, और संगीतमय भाषा, और सामग्री के सबसे गहन अध्ययन पर। इसमें उस समय के लिए अभूतपूर्व गतिशील विरोधाभास शामिल हैं (तीन पियानो से तीन किले तक!) और एक समान रूप से अभूतपूर्व, यहां तक ​​कि मोजार्ट की तुलना में, मूल उद्देश्यों के "सेलुलर परिवर्तन" पर काम करता है, जो न केवल प्रत्येक व्यक्तिगत आंदोलन में मौजूद है, लेकिन, जैसा कि यह था, पूरे चार-भाग वाले चक्र में व्याप्त है, जिससे एक एकल और अविभाज्य कथा की भावना पैदा होती है। वीर सिम्फनी अब वाद्य चक्र के विपरीत भागों का एक सामंजस्यपूर्ण अनुक्रम नहीं है, बल्कि एक पूरी तरह से नई शैली है, वास्तव में, संगीत के इतिहास में पहला सिम्फनी-उपन्यास है!

बीथोवेन द्वारा ऑर्केस्ट्रा का उपयोग केवल कलाप्रवीण नहीं है, यह वाद्ययंत्रवादियों को सीमा तक धकेलता है, और अक्सर प्रत्येक वाद्ययंत्र की बोधगम्य तकनीकी सीमाओं से परे चला जाता है। बीथोवेन का प्रसिद्ध वाक्यांश, एक बीथोवेन मार्ग की "असंभवता" के बारे में उनकी आलोचनात्मक टिप्पणी के जवाब में, कई बीथोवेन चौकड़ी के पहले कलाकार, वायलिन वादक और काउंट लिच्नोव्स्की चौकड़ी के नेता इग्नाज शुप्पानज़िग को संबोधित करते हुए, तकनीकी समस्याओं के प्रति संगीतकार के दृष्टिकोण को उल्लेखनीय रूप से चित्रित करता है। संगीत में: "जब आत्मा मुझसे बात करती है तो मुझे उसके दुर्भाग्यपूर्ण वायलिन की क्या परवाह है?" संगीत का विचार हमेशा पहले आता है, और उसके बाद ही उसे लागू करने के तरीके होने चाहिए। लेकिन साथ ही, बीथोवेन अपने समय के ऑर्केस्ट्रा की संभावनाओं से अच्छी तरह वाकिफ थे। वैसे, बीथोवेन के बहरेपन के नकारात्मक परिणामों के बारे में व्यापक रूप से प्रचलित राय, कथित तौर पर उनकी बाद की रचनाओं में परिलक्षित होती है और इसलिए सभी प्रकार के सुधारों के रूप में उनके स्कोर में बाद की घुसपैठ को उचित ठहराया जाता है, यह सिर्फ एक मिथक है। सुनने के लिए काफी है अच्छा प्रदर्शनयह सुनिश्चित करने के लिए कि उनमें कोई खामी नहीं है, बल्कि अपने समय के उपकरणों और उनकी क्षमताओं के विस्तृत ज्ञान के आधार पर, अपनी कला के प्रति एक उच्च आदर्शवादी, समझौता न करने वाला रवैया है, यह सुनिश्चित करने के लिए प्रामाणिक वाद्ययंत्रों पर उनकी देर से सिम्फनी या चौकड़ी। यदि बीथोवेन के पास आधुनिक तकनीकी क्षमताओं वाला एक आधुनिक ऑर्केस्ट्रा होता, तो वह निश्चित रूप से पूरी तरह से अलग तरीके से लिखते।

इंस्ट्रुमेंटेशन के संदर्भ में, अपनी पहली चार सिम्फनी में, बीथोवेन हेडन और मोजार्ट की बाद की सिम्फनी के मानकों पर खरा उतरा है। यद्यपि वीर सिम्फनी पारंपरिक दो के बजाय तीन सींगों का उपयोग करती है, या दुर्लभ लेकिन पारंपरिक रूप से स्वीकार्य चार का उपयोग करती है। यही है, बीथोवेन किसी भी परंपरा का पालन करने के बहुत पवित्र सिद्धांत पर सवाल उठाता है: उसे ऑर्केस्ट्रा में तीसरे सींग की आवाज की आवश्यकता होती है - और वह इसे पेश करता है।

और पहले से ही पांचवीं सिम्फनी (1808) में, बीथोवेन ने समापन में एक सैन्य (या नाटकीय) ऑर्केस्ट्रा के उपकरणों का परिचय दिया - एक पिककोलो बांसुरी, कॉन्ट्राबासून और ट्रॉम्बोन। वैसे, बीथोवेन से एक साल पहले, स्वीडिश संगीतकार जोआचिम निकोलस एगर्ट ने अपनी सिम्फनी इन ई फ्लैट मेजर (1807) में ट्रॉम्बोन का इस्तेमाल किया था, और तीनों आंदोलनों में, न कि केवल समापन में, जैसा कि बीथोवेन ने किया था। तो ट्रॉम्बोन के मामले में, हथेली महान संगीतकार के लिए नहीं है, बल्कि उनके बहुत कम प्रसिद्ध सहयोगी के लिए है।

छठी सिम्फनी (पास्टोरल) सिम्फनी के इतिहास में पहला कार्यक्रम चक्र है, जिसमें न केवल सिम्फनी, बल्कि प्रत्येक भाग, किसी प्रकार के आंतरिक कार्यक्रम के विवरण से पहले होता है - एक की भावनाओं का विवरण शहरवासी जो खुद को प्रकृति में पाता है। दरअसल, संगीत में प्रकृति का वर्णन बारोक काल से नया नहीं रहा है। लेकिन, विवाल्डी के द सीज़न्स और कार्यक्रम संगीत के अन्य बारोक उदाहरणों के विपरीत, बीथोवेन ध्वनि लेखन को अपने आप में एक लक्ष्य के रूप में नहीं देखते हैं। छठी सिम्फनी, उनके अपने शब्दों में, "एक पेंटिंग की तुलना में भावनाओं की अभिव्यक्ति है।" बीथोवेन के काम में देहाती सिम्फनी एकमात्र है जिसमें चार-भाग वाले सिम्फोनिक चक्र का उल्लंघन किया गया है: शिर्ज़ो के बाद चौथे आंदोलन द्वारा बिना किसी रुकावट के, मुक्त रूप में, द थंडरस्टॉर्म शीर्षक दिया गया है, और इसके बाद, बिना किसी रुकावट के, समापन भी किया गया है। अनुसरण करता है। इस प्रकार, इस सिम्फनी में पाँच गतियाँ हैं।

इस सिम्फनी के ऑर्केस्ट्रेशन के लिए बीथोवेन का दृष्टिकोण बेहद दिलचस्प है: पहले और दूसरे आंदोलनों में, वह सख्ती से केवल तार, वुडविंड और दो सींगों का उपयोग करता है। शेरज़ो में, दो तुरही उनसे जुड़े हुए हैं, द थंडरस्टॉर्म में टिमपनी, एक पिकोलो बांसुरी और दो ट्रॉम्बोन जुड़ते हैं, और समापन में टिमपनी और पिकोलो फिर से शांत हो जाते हैं, और तुरही और ट्रॉम्बोन अपने पारंपरिक धूमधाम समारोह को करना बंद कर देते हैं और सर्वेश्वरवादी स्तुतिगान के सामान्य पवन गायक मंडल में विलीन हो जाएँ।

ऑर्केस्ट्रेशन के क्षेत्र में बीथोवेन के प्रयोग की परिणति नौवीं सिम्फनी थी: इसके समापन में, न केवल पहले से उल्लेखित ट्रॉम्बोन, पिकोलो बांसुरी और कॉन्ट्राबैसून का उपयोग किया जाता है, बल्कि "तुर्की" पर्कशन का एक पूरा सेट भी होता है - एक बास ड्रम, एक झांझ और एक त्रिकोण, और सबसे महत्वपूर्ण - गाना बजानेवालों और एकल कलाकार! वैसे, नौवें के समापन में ट्रॉम्बोन को अक्सर कोरल भाग के प्रवर्धन के रूप में उपयोग किया जाता है, और यह पहले से ही चर्च और धर्मनिरपेक्ष ओटोरियो संगीत की परंपरा का संदर्भ है, विशेष रूप से इसके हेडनियन-मोजार्टियन अपवर्तन में (देखें) हेडन का क्रिएशन ऑफ द वर्ल्ड" या "द सीजन्स", मास बिफोर माइनर या मोजार्ट का रेक्विम), जिसका अर्थ है कि यह सिम्फनी सिम्फनी और आध्यात्मिक वक्तृता की शैली का एक संलयन है, जो केवल शिलर द्वारा एक काव्यात्मक, धर्मनिरपेक्ष पाठ पर लिखा गया है। नौवीं सिम्फनी का एक और प्रमुख औपचारिक नवाचार धीमी गति और शेरज़ो की पुनर्व्यवस्था थी। नौवां शिर्ज़ो, दूसरे स्थान पर होने के कारण, अब एक हर्षित कंट्रास्ट की भूमिका नहीं निभाता है जो समापन की शुरुआत करता है, बल्कि दुखद पहले भाग की एक कठोर और पूरी तरह से "सैन्यवादी" निरंतरता में बदल जाता है। और धीमा तीसरा आंदोलन सिम्फनी का दार्शनिक केंद्र बन जाता है, जो सुनहरे खंड के क्षेत्र पर पड़ता है - पहला, लेकिन किसी भी तरह से सिम्फोनिक संगीत के इतिहास में आखिरी मामला नहीं है।

नौवीं सिम्फनी (1824) के साथ, बीथोवेन एक नए युग में छलांग लगाता है। यह सबसे गंभीर सामाजिक परिवर्तनों की अवधि के साथ मेल खाता है - ज्ञानोदय से एक नए, औद्योगिक युग में अंतिम संक्रमण के साथ, जिसकी पहली घटना पिछली शताब्दी के अंत से 11 साल पहले हुई थी; विनीज़ शास्त्रीय स्कूल के सभी तीन प्रतिनिधियों द्वारा देखा गया एक कार्यक्रम। निःसंदेह, हम फ्रांसीसी क्रांति के बारे में बात कर रहे हैं।