वाद्य और सिम्फोनिक संगीत का प्रदर्शन करने वाले आर्केस्ट्रा के प्रकार। सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के बारे में सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के बारे में

दूर-दूर तक गड़गड़ाहट सुनाई देती है। यहाँ यह अधिक से अधिक जोर से गरजता है, बिजली चमकती है, बारिश शुरू हो जाती है, बारिश की आवाज तेज हो जाती है। लेकिन तूफान धीरे-धीरे थम गया, सूरज निकल आया और बारिश की बूंदें उसकी किरणों के नीचे चमकने लगीं।
बीथोवेन की छठी सिम्फनी बजती है।
सुनना! थंडर का प्रतिनिधित्व टिमपनी द्वारा किया जाता है। बारिश की आवाज डबल बेस और सेलो द्वारा प्रेषित होती है। वायलिन और बांसुरी इस तरह बजती है कि ऐसा लगता है जैसे हवा उग्र रूप से गरज रही हो।
ऑर्केस्ट्रा सिम्फनी करता है।

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा। उसे बुलाया गया है ध्वनि चमत्कार: यह विभिन्न प्रकार की ध्वनियों को संप्रेषित कर सकता है।
एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में, एक नियम के रूप में, सौ से अधिक उपकरण होते हैं। संगीतकार सख्ती से बैठते हैं निश्चित आदेश. इससे कंडक्टर के लिए ऑर्केस्ट्रा को नियंत्रित करना आसान हो जाता है।
अग्रभूमि में तार वाले यंत्र हैं। वे, जैसा कि थे, संगीत के ताने-बाने के आधार को बुनते हैं, जिस पर अन्य वाद्ययंत्र अपनी ध्वनि के साथ रंग-रंग लगाते हैं: बांसुरी, ओबोज़, शहनाई, बेससून, तुरही, सींग, ट्रॉम्बोन्स और पर्क्यूशन - ड्रम, टिमपनी, झांझ।
आप सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के मुख्य उपकरणों को तस्वीरों में देख सकते हैं। कभी-कभी संगीतकार ऐसे उपकरणों का परिचय देता है जो आमतौर पर सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का हिस्सा नहीं होते हैं। यह एक अंग, एक पियानो, घंटियाँ, तंबूरा, कास्टनेट हो सकता है।
आपने अराम खाचटुरियन के बैले "गायने" से "कृपाण नृत्य" सुना होगा। इस नृत्य में मुख्य धुनों में से एक सैक्सोफोन द्वारा किया जाता है। पहली बार, सैक्सोफोन ने केवल 19वीं शताब्दी में सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में प्रवेश किया, और तब से इसे अक्सर सिम्फोनिक कार्यों में सुना जाता है।

कई सदियों पहले संगीत वाद्ययंत्र दिखाई दिए। उनमें से सबसे पुराने टक्कर - ड्रम, टॉम-टॉम्स, टिमपनी - पहले से ही आदिम लोगों के बीच थे। बेशक, उपकरण समय के साथ बदलते हैं। इसलिए आधुनिक टिमपनी अपने पूर्वजों से बहुत अलग हैं। यदि पहले यह किसी जानवर की खाल से ढकी हुई लोहे की कड़ाही थी, तो अब टिमपनी तांबे से बनी होती है, प्लास्टिक से कसी जाती है, और पेंच बनाए जाते हैं जो उन्हें ठीक-ठाक करने की अनुमति देते हैं।
एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में, टक्कर आधार है संगीतमय ताल. उनका उपयोग गड़गड़ाहट, बारिश, गन सल्वोस, परेड में सैनिकों के एकमात्र मार्च आदि को चित्रित करने के लिए भी किया जाता है। वे ऑर्केस्ट्रा की आवाज़ को शक्ति और शक्ति देते हैं।
कुछ लोग सोचते हैं कि तालवाद्य बजाना बिल्कुल भी मुश्किल नहीं है। मारो, कहो, झांझ जहां आवश्यक हो - और यही है। वास्तव में, इस तरह के सरल प्रतीत होने वाले वाद्य यंत्र को बजाने के लिए बहुत कौशल की आवश्यकता होती है। झांझ की आवाज अलग होती है। यह इस बात पर निर्भर करता है कि आपने उन्हें कितना जोर से मारा। उनकी आवाज दोनों तेज और पत्तियों की सरसराहट के समान हो सकती है। कुछ कार्यों में, झांझ एकल भागों का प्रदर्शन करते हैं। उदाहरण के लिए, त्चैकोव्स्की के ओवरचर-फंतासी "रोमियो एंड जूलियट" में वे एक संगीत का नेतृत्व करते हैं जो दो परिवारों - मोंटेग्यूस और कैप्यूलेट्स की शत्रुता को व्यक्त करता है।

झांझ को अक्सर टिमपनी समझ लिया जाता है। लेकिन टिमपनी को पूरी तरह से अलग तरीके से बजाया जाता है, उन्हें महसूस की गई छड़ियों से टकराते हुए।
शायद आप पवन यंत्रों से सबसे अधिक परिचित हैं। उनमें से कई आपने शायद देखे और सुने होंगे कि वे कैसे आवाज करते हैं।
परियों की कहानियों और किंवदंतियों से, हम कभी-कभी उपकरणों की उत्पत्ति का इतिहास सीखते हैं। तो, एक प्राचीन ग्रीक मिथक में कहा गया है कि जंगलों और खेतों के देवता, चरवाहों के संरक्षक संत, पान को अप्सरा सिरिंक्स से प्यार हो गया। पान बहुत डरावना था - खुरों और सींगों के साथ, ऊन से ढका हुआ। सुंदर अप्सरा, उससे भागकर, मदद के लिए नदी देवता की ओर मुड़ी। और उसने सिरिंक्स को ईख में बदल दिया। उससे पान ने मधुर ध्वनि वाली बाँसुरी बनाई।
चरवाहा का रीड पाइप सबसे पहला वाद्य यंत्र है। इस पाइप के परपोते बांसुरी, बासून, शहनाई और ओबोज हैं। ये उपकरण दिखने में एक दूसरे से भिन्न होते हैं, और वे अलग तरह से ध्वनि करते हैं।
आमतौर पर ऑर्केस्ट्रा में उनके पीछे पृष्ठभूमि में पीतल के वाद्य यंत्र होते हैं।
बहुत समय पहले, लोगों ने देखा कि यदि आप जानवरों के गोले या सींग में फूंक मारते हैं, तो वे संगीतमय ध्वनियाँ निकाल सकते हैं। फिर उन्होंने धातु से सींग और गोले जैसे उपकरण बनाने शुरू किए। जैसा कि आप उन्हें तस्वीर में देखते हैं, उन्हें बनने में कई साल लग गए।
ऑर्केस्ट्रा में कई पीतल के वाद्य यंत्र भी होते हैं। ये टब, और सींग, और ट्रंबोन हैं। उनमें से सबसे बड़ा टुबा है। यह बास-गायन यंत्र एक वास्तविक विशाल है।
अब पाइप देखिए। वह सींग से बहुत मिलती-जुलती है। एक बार, तुरही ने योद्धाओं को युद्ध में बुलाया, छुट्टियां खोलीं। और ऑर्केस्ट्रा में, उसे पहली बार साधारण सिग्नल भागों के साथ सौंपा गया था। लेकिन फिर मुखपत्र में सुधार हुआ, और तुरही को एक एकल वाद्य के रूप में अधिक से अधिक बार इस्तेमाल किया जाने लगा। P. I. Tchaikovsky के बैले "स्वान लेक" में एक "नियति नृत्य" है। ध्यान दें कि तुरही कितनी शानदार है।

और यदि सभी पीतल के वाद्य एक साथ बजते हैं, तो आपको एक शक्तिशाली और राजसी राग मिलता है।
लेकिन सबसे ज्यादा ऑर्केस्ट्रा में स्ट्रिंग उपकरण. अकेले कई दर्जन वायलिन हैं, और दूसरे वायलिन, सेलो और डबल बेस भी हैं।
तार वाले वाद्ययंत्र सबसे महत्वपूर्ण हैं। वे मुख्य राग का प्रदर्शन करते हुए ऑर्केस्ट्रा का नेतृत्व करते हैं।
वायलिन को आर्केस्ट्रा की रानी कहा जाता है। वायलिन के लिए कई विशेष संगीत कार्यक्रम लिखे गए हैं। आपने निश्चित रूप से महान वायलिन वादक पगनीनी के बारे में सुना होगा। इस जादूगर-संगीतकार के हाथों में, छोटा, सुंदर वायलिन पूरे ऑर्केस्ट्रा की तरह बजता था।
वायलिन का जन्म इटली के क्रेमोना शहर में हुआ था। सर्वश्रेष्ठ इतालवी मास्टर्स अमती, ग्वारनेली, स्ट्राडिवरी और रूसी आई। बटोव, ए। लेमन के वायलिन को आज तक नायाब माना जाता है।
अब आप सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के वाद्य यंत्रों के बारे में कुछ जान गए हैं। जब आप संगीत सुनते हैं, तो उपकरणों को "आवाज से" अलग करने का प्रयास करें।
बेशक, इसे तुरंत करना मुश्किल हो सकता है। लेकिन याद रखें कि आपने पढ़ना कैसे सीखा, आपने छोटी, सरल किताबों से कैसे शुरुआत की और फिर बड़े हुए, अधिक से अधिक सीखा और गंभीर, स्मार्ट किताबें पढ़ना शुरू किया।
संगीत को भी समझने की जरूरत है। यदि आप स्वयं नहीं खेलते हैं, तो इसे अधिक बार सुनने का प्रयास करें, और संगीत आपके रहस्यों को, इसकी जादुई और शानदार दुनिया को प्रकट करेगा।

मरीना रज़ेवा
NOD "सिम्फोनिक ऑर्केस्ट्रा" का सारांश

पाठ सारांश

« सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा»

5-6 साल के बच्चों के लिए

तैयार: संगीत निर्देशक

रज़ेवा मरीना अनातोलिवना

टीकोवो 2015

लक्ष्य: पूर्वस्कूली बच्चों को शास्त्रीय संगीत से परिचित कराना

कार्य। बच्चों में उनके आसपास की दुनिया की एक सौंदर्य बोध बनाने के लिए।

संगीत संस्कृति में संलग्न हैं।

संगीत की धारणा की आवश्यकता बनाने के लिए।

संज्ञानात्मक और रचनात्मक क्षमताओं का विकास करें।

शब्दावली समृद्ध करें।

शैक्षिक क्षेत्र - "कलात्मक और सौंदर्य शिक्षा"

संगठन का स्वरूप - टीम वर्कबच्चों के साथ शिक्षक।

बच्चों की गतिविधि का प्रकार: संज्ञानात्मक, संचारी, संगीतमय और कलात्मक।

सामग्री और उपकरण: संगीत केंद्रसंगीत सुनने के लिए, बच्चों के संगीत वाद्ययंत्र, प्रस्तुति।

प्रारंभिक काम: संगीत कक्षाओं में, बच्चों को बुनियादी उपकरणों से परिचित होना चाहिए सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा, उनकी वास्तविक ध्वनि, लयबद्ध रंग। भेद उपकरण समूह: स्ट्रिंग्स, विंड, पर्क्यूशन, सिंगल्स।

सॉफ्टवेयर सामग्री।

1. वाद्य यंत्रों की ध्वनि की विशेषताओं के बारे में बच्चों के ज्ञान का विस्तार करें।

2. वाद्य यंत्रों की ध्वनि सुनने की रुचि, इच्छा पैदा करना।

3. डीएमआई कौशल विकसित करना जारी रखें (बच्चों के संगीत वाद्ययंत्र)

4. बच्चों की समयबद्ध सुनवाई विकसित करें।

नियोजित परिणाम।

के बारे में विचारों का गठन सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा.

उपकरणों की ध्वनि को अलग करने की क्षमता को मजबूत करना सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा.

डीएमआई पर खेल में सक्रिय भाग लें।

प्रदर्शन में संगीत को देखने की आवश्यकता महसूस करें सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा.

पाठ्यक्रम प्रगति।

बच्चे हॉल में प्रवेश करते हैं और संगीत और लयबद्ध आंदोलनों के सामान्य परिसर का प्रदर्शन करते हैं, फिर शांति से कुर्सियों पर जाते हैं।

श्री। मंत्रों से बच्चों का अभिवादन करें "नमस्ते!", लेखक…

श्री। स्क्रीन पर बच्चों का ध्यान खींचता है, जहां बच्चे संगीतकारों का एक बड़ा समूह देखते हैं।

श्री। दोस्तों इस फोटो में आप क्या देख रहे हैं।

बच्चों के उत्तर।

श्री। हाँ यह आर्केस्ट्रा - संगीतकारों का एक समूहजो संगीत का एक ही टुकड़ा एक साथ बजाते हैं। प्रत्येक संगीतकार स्वरों के अनुसार अपनी भूमिका निभाता है, जिसे स्वर कहते हैं। स्कोर विशेष स्टैंड - कंसोल पर खड़े होते हैं।

अब मैं आपको एक पहेली देना चाहता हूं। इसका अंदाजा लगाने की कोशिश करें।

वह आर्केस्ट्रा का संचालन करता है,

लोगों के लिए खुशी लाता है।

बस छड़ी घुमाओ

संगीत बजने लगेगा।

वह डॉक्टर या ड्राइवर नहीं है।

यह कौन है? (कंडक्टर)

बच्चे। कंडक्टर।

श्री। को ऑर्केस्ट्रासामंजस्यपूर्ण और सामंजस्यपूर्ण लग रहा था - यह कंडक्टर द्वारा नियंत्रित किया जाता है। वह संगीतकारों के सामने खड़ा है। कंडक्टर बना सकता है आर्केस्ट्रा खेलते हैं और तेजी से, और धीरे-धीरे, और चुपचाप, और जोर से - जैसा आप चाहें! लेकिन वह एक शब्द भी नहीं बोलते हैं। वह केवल अपने मैजिक कंडक्टर के बैटन का उपयोग करता है। कंडक्टर के सामने मोटे, मोटे नोट हैं, जिसमें सभी संगीतकारों के हिस्से चित्रित हैं। ऐसे नोटों को क्लैवियर कहा जाता है।

वायलिन एक 4-स्ट्रिंग वाला झुका हुआ वाद्य यंत्र है, जो अपने परिवार में सबसे ज्यादा बजता है और सबसे महत्वपूर्ण है ऑर्केस्ट्रा.

वायलनचेलो - बड़ा वायलिनजो कि बैठकर बजाया जाता है। सेलो की समृद्ध कम ध्वनि है।

डबल बास - ध्वनि में सबसे कम और आकार में सबसे बड़ा (2 मीटर तक)स्ट्रिंग परिवार के बीच झुके हुए वाद्य यंत्र. इसे खड़े होकर या किसी विशेष कुर्सी पर रखकर बजाया जाता है। यह बास फाउंडेशन है (बुनियाद)कुल ऑर्केस्ट्रा.

बांसुरी वाद्य यंत्रों के समूह से संबंधित है। लेकिन आधुनिक बांसुरी बहुत ही कम लकड़ी से बनी होती हैं, अधिक बार धातु की, कभी-कभी प्लास्टिक और कांच की। पवन परिवार में सबसे गुणी और तकनीकी रूप से मोबाइल उपकरण। बांसुरी अक्सर सौंपी जाती है आर्केस्ट्रा एकल.

श्री। दोस्तों, वाद्य यंत्रों को वायु वाद्य क्यों कहा जाता है?

बच्चों के उत्तर।

श्री। हाँ, वे वास्तव में उड़ाते हैं। यह कहना अधिक सही होगा कि वायु वाद्य यंत्र तब बजते हैं जब उनमें हवा डाली जाती है।

और अब तुम पीतल की तुरही देखते और सुनते हो। तुरही की उच्च स्पष्ट ध्वनि होती है, जो धूमधाम के लिए बहुत उपयुक्त होती है। धूमधाम का उपयोग संकेत देने के लिए किया जाता है - उत्सव समारोह, सैन्य परेड में गंभीर या युद्ध जैसा।

आपके सामने एक ट्रॉम्बोन है। ट्रॉम्बोन एक मेलोडिक की तुलना में एक बेस लाइन अधिक बजाता है। यह एक जंगम बैकस्टेज की उपस्थिति से अन्य पीतल के उपकरणों से भिन्न होता है, जिसे आगे और पीछे ले जाकर संगीतकार वाद्य की ध्वनि को बदल देता है।

फ्रेंच हॉर्न - हॉर्न। मूल रूप से एक शिकार सींग से उतरा। सींग नरम और अभिव्यंजक या कठोर और खरोंच हो सकता है।

श्री। तालवाद्य यंत्रों के नाम लिखिए।

बच्चे। ड्रम, टैम्बोरिन, मराकस, त्रिकोण, मेटलोफोन, कैस्टनेट, घंटियाँ, झुनझुने, घंटियाँ।

श्री। सही बात है दोस्तों। तालवाद्य के बहुत सारे वाद्य यंत्र हैं, लेकिन उनमें से सभी में काम नहीं कर सकते हैं सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा.

स्लाइड पर दिखाई देने वाले टूल का नाम बताएं।

ड्रम, झांझ, जाइलोफोन।

स्लाइड 14.15।

साथ ही, दोस्तों, ऑर्केस्ट्राएकल यंत्रों का प्रयोग किया जाता है। और आपको पता होना चाहिए और नाम

उन्हें सही ढंग से।

बच्चे। पियानो। वीणा।

श्री। सही। यह एक कॉन्सर्ट ग्रैंड पियानो और सबसे पुराना वाद्य यंत्र है - वीणा।

और आप लोग किसी बड़े संगीतकार की तरह महसूस करना चाहते हैं ऑर्केस्ट्रा? फिर मेरा सुझाव है कि आप अपने वाद्य यंत्र लें और संगीत का एक बहुत ही सुंदर टुकड़ा बजाएं।

प्रदर्शन "तुर्की शैली में रोण्डो"- डब्ल्यू मोजार्ट या

"शरारती पोल्का"- ए फिलिपेंको।

श्री। धन्यवाद दोस्तों। मुझे यह पसंद है।

और आप लोग क्या सोचते हैं, बालिका या सैक्सोफोन जैसे वाद्य यंत्रों को बजाया जा सकता है ऑर्केस्ट्रा. और किसमें? तथ्य यह है कि ये उपकरण दूसरे का हिस्सा हैं आर्केस्ट्रा.

इन दृष्टांतों को ध्यान से देखें। के अलावा सिम्फनी ऑर्केस्ट्राअन्य प्रकार हैं आर्केस्ट्रा: पीतल, लोक, पॉप, जैज। वे उपकरणों की संरचना और संगीतकारों की संख्या में भिन्न होते हैं। में सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा, औसतन लगभग 60-70 लोग, लेकिन कभी-कभी - 100 या अधिक। संगीतकारों को एक निश्चित क्रम में व्यवस्थित किया जाता है। वे लय में समान उपकरणों के समूहों में संयुक्त होते हैं।:

स्ट्रिंग, वुडविंड, पीतल और पर्क्यूशन। एक ही समूह के संगीतकार एक-दूसरे को बेहतर ढंग से सुनने के लिए अगल-बगल बैठते हैं। और वह एक सुसंगत ध्वनि बनाता है।

और अब, मैं आपको खेल खेलने के लिए आमंत्रित करना चाहता हूं।

टूल को जानें।

स्लाइड 17, 18, 19।

श्री। हमारे पास आपके साथ बहुत अच्छा समय था। क्या आपको यह पसंद आया? का नाम क्या है ऑर्केस्ट्राआज हम किससे मिले? आपको कौन सा वाद्य यंत्र पसंद आया? (बच्चे एक-एक करके उत्तर देते हैं). मैंने आपके लिए एक पहेली के साथ कार्ड तैयार किए हैं जिन्हें आप माँ या पिताजी के साथ हल करने का प्रयास करेंगे और अनुमान लगाएंगे। (सिल्हूट के पीछे - डॉट्स).

कृपया मेरे पास आएं, मैं धन्यवाद देना चाहता हूं और अलविदा कहना चाहता हूं (बच्चे अपनी आँखें बंद कर लेते हैं, संगीत निर्देशक अपना सिर सहलाते हैं)

• पृष्ठभूमि
• आर्केस्ट्रा शैलियोंऔर रूप
• मैनहेम चैपल
• दरबारी संगीतकार

पृष्ठभूमि

प्राचीन काल से, लोग मानव मनोदशा पर वाद्य यंत्रों की ध्वनि के प्रभाव के बारे में जानते हैं: वीणा, वीणा, सिटहारा, केमांचा या ईख की बांसुरी की कोमल लेकिन मधुर वादन ने आनंद, प्रेम या शांति की भावना पैदा की और ध्वनि जानवरों के सींग (उदाहरण के लिए, हिब्रू शॉफ़र्स) या धातु के पाइपों ने गंभीर और धार्मिक भावनाओं के उद्भव में योगदान दिया। ड्रम और अन्य ताल, सींग और तुरही के साथ जोड़ा गया, भय से निपटने में मदद करता है और आक्रामकता और उग्रवाद को जगाता है। यह लंबे समय से देखा गया है कि कई समान वाद्ययंत्रों के संयुक्त वादन से न केवल ध्वनि की चमक बढ़ती है, बल्कि श्रोता पर मनोवैज्ञानिक प्रभाव भी पड़ता है - वही प्रभाव तब होता है जब बड़ी संख्या में लोग एक साथ एक ही धुन गाते हैं। इसलिए, जहाँ भी लोग बसे, संगीतकारों के संघ धीरे-धीरे उभरने लगे, उनके खेल के साथ लड़ाई या सार्वजनिक आयोजन: मंदिर में अनुष्ठान, विवाह, दफन, राज्याभिषेक, सैन्य परेड, महलों में मनोरंजन।

इस तरह के संघों का पहला लिखित संदर्भ मूसा के पेंटाटेच और डेविड के भजनों में पाया जा सकता है: कुछ भजनों की शुरुआत में गाना बजानेवालों के नेता से अपील की जाती है कि किन उपकरणों का साथ दिया जाए यह या वह पाठ। प्राचीन चीन और भारत, ग्रीस और रोम में मेसोपोटामिया और मिस्र के फिरौन में संगीतकारों के समूह थे। त्रासदियों के प्रदर्शन की प्राचीन ग्रीक परंपरा में, विशेष मंच थे जिन पर संगीतकार बैठते थे, साथ ही वाद्ययंत्र बजाकर अभिनेताओं और नर्तकियों के प्रदर्शन के साथ। ऐसे मंच-उन्नयन "ऑर्केस्ट्रा" कहलाते थे। इसलिए "ऑर्केस्ट्रा" शब्द के आविष्कार का पेटेंट प्राचीन यूनानियों के पास है, हालांकि वास्तव में ऑर्केस्ट्रा बहुत पहले मौजूद थे।

बोस्कोरियल में एक रोमन विला से फ्रेस्को। 50-40 ई.पू इ।कला का महानगरीय संग्रहालय

में पश्चिमी यूरोपीय संस्कृतिऑर्केस्ट्रा द्वारा संगीतकारों के जुड़ाव को तुरंत नहीं बुलाया जाने लगा। सबसे पहले, मध्य युग और पुनर्जागरण में, इसे चैपल कहा जाता था। यह नाम एक विशिष्ट स्थान से संबंधित था जहां संगीत का प्रदर्शन किया गया था। इस तरह के चैपल पहले चर्च और फिर कोर्ट में थे। और शौकिया संगीतकारों से मिलकर गाँव के चैपल भी थे। ये चैपल व्यावहारिक रूप से एक सामूहिक घटना थी। और यद्यपि ग्रामीण कलाकारों और उनके वाद्ययंत्रों के स्तर की तुलना पेशेवर अदालत और मंदिर चैपल से नहीं की जा सकती, लेकिन किसी को भी महान संगीतकारों और यूरोपीय संगीत पर गांव की परंपरा और बाद में शहरी लोक वाद्य संगीत के प्रभाव को कम नहीं समझना चाहिए। संगीत संस्कृतिआम तौर पर। हेडन, बीथोवेन, शूबर्ट, वेबर, लिस्केट, त्चिकोवस्की, ब्रुकनर, माहलर, बार्टोक, स्ट्राविंस्की, रेवेल, लिगेटी का संगीत वस्तुतः लोक वाद्य संगीत-निर्माण की परंपराओं से निषेचित है।

साथ ही साथ अधिक प्राचीन संस्कृतियों में, यूरोप में स्वर और वाद्य संगीत में कोई प्रारंभिक विभाजन नहीं था। प्रारंभिक मध्य युग के बाद से, सब कुछ का प्रभुत्व रहा है ईसाई चर्च, ए वाद्य संगीतचर्च में यह एक संगत के रूप में विकसित हुआ, सुसमाचार शब्द के लिए समर्थन, जो हमेशा हावी रहा - आखिरकार, "शुरुआत में शब्द था।" इसलिए, शुरुआती चैपल दोनों लोग हैं जो गाते हैं और जो लोग गायकों के साथ हैं।

किसी बिंदु पर, "ऑर्केस्ट्रा" शब्द प्रकट होता है। हालांकि एक ही समय में हर जगह नहीं। जर्मनी में, उदाहरण के लिए, यह शब्द रोमांस देशों की तुलना में बहुत बाद में स्थापित किया गया था। इटली में, ऑर्केस्ट्रा का अर्थ हमेशा संगीत के मुखर भाग के बजाय वाद्य यंत्र होता है। ऑर्केस्ट्रा शब्द ग्रीक परंपरा से सीधे उधार लिया गया था। ओपेरा शैली के आगमन के साथ, 16 वीं -17 वीं शताब्दी के मोड़ पर इतालवी ऑर्केस्ट्रा का उदय हुआ। और इस शैली की असाधारण लोकप्रियता के कारण, इस शब्द ने जल्दी ही पूरी दुनिया को जीत लिया। इस प्रकार, यह कहना सुरक्षित है कि समकालीन आर्केस्ट्रा संगीत के दो स्रोत हैं: मंदिर और रंगमंच।

क्रिसमस मास। लिम्बर्ग बंधुओं द्वारा बेरी के ड्यूक ऑफ द मैग्नीफिसेंट बुक ऑफ आवर्स का लघु चित्र। 15th शताब्दीएमएस। 65/1284, फोल। 158r / Musee Conde / विकिमीडिया कॉमन्स

और जर्मनी में कब कामध्ययुगीन-पुनरुद्धार नाम "चैपल" पर आयोजित किया गया। 20वीं सदी तक, कई जर्मन कोर्ट आर्केस्ट्रा को चैपल कहा जाता था। आज दुनिया के सबसे प्राचीन ऑर्केस्ट्रा में से एक ड्रेसडेन में सैक्सन स्टेट (और अतीत में - सैक्सन कोर्ट) चैपल है। इसका इतिहास 400 साल से भी पुराना है। वह सैक्सन इलेक्टर्स के दरबार में उपस्थित हुईं, जिन्होंने हमेशा सुंदर की सराहना की और इस संबंध में अपने सभी पड़ोसियों से आगे थे। अभी भी बर्लिन और वीमर स्टेट चैपल हैं, साथ ही प्रसिद्ध मीनिंगन कोर्ट चैपल भी हैं, जिसमें रिचर्ड स्ट्रॉस ने एक बैंडमास्टर (वर्तमान में एक कंडक्टर) के रूप में शुरुआत की थी। वैसे, जर्मन शब्द "कपेलमिस्टर" (चैपल मास्टर) आज भी कभी-कभी संगीतकारों द्वारा "कंडक्टर" शब्द के समकक्ष के रूप में उपयोग किया जाता है, लेकिन अधिक बार एक विडंबनापूर्ण, कभी-कभी नकारात्मक अर्थ में भी (एक शिल्पकार के अर्थ में) कलाकार नहीं)। और उन दिनों, इस शब्द को एक जटिल पेशे के नाम के रूप में सम्मान के साथ उच्चारित किया गया था: "गाना बजानेवालों या ऑर्केस्ट्रा का नेता, जो संगीत भी बनाता है।" सच है, कुछ जर्मन ऑर्केस्ट्रा में इस शब्द को स्थिति के पदनाम के रूप में संरक्षित किया गया है - उदाहरण के लिए, लीपज़िग गेवांडहॉस ऑर्केस्ट्रा में, मुख्य कंडक्टर को अभी भी गेवांडहॉस कपेलमिस्टर कहा जाता है।

XVII-XVIII सदियों: आर्केस्ट्रा एक अदालत की सजावट के रूप में

जीन बैप्टिस्ट लूली द्वारा रॉयल बैले ऑफ द नाइट में लुई XIV। हेनरी डी गिसेट द्वारा स्केच। 1653निर्माण में, राजा ने उगते सूरज की भूमिका निभाई। विकिमीडिया कॉमन्स

पुनर्जागरण आर्केस्ट्रा, और बाद में बैरोक ऑर्केस्ट्रा, ज्यादातर कोर्ट या सनकी थे। उनका उद्देश्य पूजा में साथ देना या सत्ता में बैठे लोगों को खुश करना और उनका मनोरंजन करना था। हालाँकि, कई सामंती शासकों में काफी विकसित सौंदर्य बोध था, और इसके अलावा, वे एक-दूसरे को दिखावा करना पसंद करते थे। किसी ने सेना का घमंड किया, किसी ने - विचित्र वास्तुकला का, किसी ने बागों का निर्माण किया, और किसी ने कोर्ट थिएटर या आर्केस्ट्रा रखा।

उदाहरण के लिए, फ्रांसीसी राजा लुई XIV के पास दो ऐसे ऑर्केस्ट्रा थे: रॉयल अस्तबल का पहनावा, जिसमें हवा और ताल वाद्य यंत्र शामिल थे, और तथाकथित "राजा के 24 वायलिन", जिनके नेतृत्व में प्रसिद्ध संगीतकारजीन बैप्टिस्ट लुली, जिन्होंने मोलिरे के साथ भी सहयोग किया और इतिहास में निर्माता के रूप में नीचे गए फ्रेंच ओपेराऔर पहले पेशेवर कंडक्टर। बाद में, 1660 में राजशाही की बहाली के दौरान फ्रांस से लौटने वाले अंग्रेजी राजा चार्ल्स द्वितीय (निष्पादित चार्ल्स I के बेटे) ने भी फ्रांसीसी मॉडल के अनुसार रॉयल चैपल में अपने "24 किंग्स वायलिन" बनाए। रॉयल चैपल स्वयं 14 वीं शताब्दी से अस्तित्व में है और एलिजाबेथ I के शासनकाल के दौरान अपने चरम पर पहुंच गया - इसके दरबारी विलियम बर्ड और थॉमस टालिस थे। और चार्ल्स द्वितीय के दरबार में, शानदार अंग्रेजी संगीतकार हेनरी पुरसेल ने वेस्टमिंस्टर एब्बे और रॉयल चैपल में आयोजक की स्थिति को मिलाकर सेवा की। इंग्लैंड में XVI-XVII सदियों में ऑर्केस्ट्रा के लिए एक और विशिष्ट नाम था, आमतौर पर एक छोटा - "कंसोर्ट"। बाद के बारोक युग में, "कंसोर्ट" शब्द अप्रचलित हो गया, और कक्ष की अवधारणा, अर्थात् "कमरा" संगीत इसके बजाय प्रकट हुआ।

से योद्धा पोशाक " रॉयल बैलेरात।" हेनरी डी गिसेट द्वारा स्केच। 1653विकिमीडिया कॉमन्स

मनोरंजन के बारोक रूप बनते जा रहे थे देर से XVII- XVIII सदी की शुरुआत, अधिक से अधिक शानदार। और कम संख्या में उपकरणों के साथ प्रबंधन करना संभव नहीं था - ग्राहक "बड़ा और अधिक महंगा" चाहते थे। हालाँकि, निश्चित रूप से, सब कुछ "शानदार संरक्षक" की उदारता पर निर्भर करता था। यदि बाख को अपने आकाओं को पत्र लिखने के लिए मजबूर किया गया था, तो उन्हें प्रति वाद्य भाग में कम से कम दो या तीन वायलिन आवंटित करने के लिए राजी किया गया था, फिर हैंडेल में, उसी समय, 24 ओबिस्ट, 12 बेसूनिस्ट, 9 हॉर्न वादकों ने पहले प्रदर्शन में भाग लिया। "म्यूजिक फॉर द रॉयल फायरवर्क्स", 9 तुरही बजाने वाले और 3 टिमपनी वादक (अर्थात् 13 निर्धारित भागों के लिए 57 संगीतकार)। और 1784 में लंदन में हैंडेल के "मसीहा" के प्रदर्शन में 525 लोगों ने भाग लिया (हालाँकि यह घटना अधिक से संबंधित है) देर युगजब संगीत के लेखक जीवित नहीं थे)। अधिकांश बारोक लेखकों ने ओपेरा लिखा, और नाट्य ओपेरा ऑर्केस्ट्रा हमेशा संगीतकारों के लिए एक प्रकार की रचनात्मक प्रयोगशाला रही है - असामान्य उपकरणों सहित सभी प्रकार के प्रयोगों के लिए एक जगह। इसलिए, उदाहरण के लिए, मोंटेवेर्डी अभी भी अंदर है प्रारंभिक XVIIसदी में, उन्होंने अपने ओपेरा ऑर्फियस के ऑर्केस्ट्रा में पेश किया, जो इतिहास के सबसे पहले ओपेरा में से एक है, एक ट्रॉम्बोन भाग जो राक्षसी रोष का प्रतिनिधित्व करता है।

फ्लोरेंटाइन कैमरटा (16 वीं -17 वीं शताब्दी की बारी) के समय से, किसी भी ऑर्केस्ट्रा में एक बासो निरंतर भाग था, जिसे संगीतकारों के एक पूरे समूह द्वारा बजाया गया था और बास फांक में एक पंक्ति में दर्ज किया गया था। बास लाइन के नीचे की संख्या कुछ हार्मोनिक अनुक्रमों को दर्शाती है - और कलाकारों को सभी संगीत बनावट और सजावट में सुधार करना था, अर्थात प्रत्येक प्रदर्शन के साथ नए सिरे से बनाना था। हां, और किसी विशेष चैपल के निपटान में कौन से उपकरण थे, इसके आधार पर रचना भिन्न होती है। एक कुंजीपटल उपकरण की उपस्थिति, अक्सर हार्पसीकोर्ड, अनिवार्य थी। चर्च संगीतयह उपकरण प्रायः अंग था; एक तार वाला धनुष - सेलो, वायोला दा गाम्बा या वायोलोन (आधुनिक डबल बास का अग्रदूत); एक तार वाला प्लक किया हुआ ल्यूट या थोरबो। लेकिन ऐसा हुआ कि बासो निरंतर समूह में छह या सात लोग एक ही समय में बजाते थे, जिसमें कई हार्पसीकोर्ड भी शामिल थे (पर्ससेल और रामेउ में उनमें से तीन या चार थे)। 19वीं शताब्दी में, कीबोर्ड और प्लक किए गए उपकरण आर्केस्ट्रा से गायब हो गए, लेकिन 20 वीं शताब्दी में फिर से प्रकट हुए। और 1960 के दशक के बाद से, सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में दुनिया के लगभग किसी भी उपकरण का उपयोग करना संभव हो गया है - इंस्ट्रूमेंटेशन के दृष्टिकोण में लगभग बारोक लचीलापन। इस प्रकार, हम विचार कर सकते हैं कि बारोक ने आधुनिक आर्केस्ट्रा को जन्म दिया।

इंस्ट्रूमेंटेशन, संरचना, अंकन

सैन मिलन डे ला कोगोग्लिया के मठ की सूची में लीबन के बीट के सर्वनाश पर टिप्पणी से लघु। 900-950 बिब्लियोटेका डे सेराफिन एस्टेबनेज़ काल्डेरोन वाई डी सैन मिलन डे ला कोगोला

आधुनिक श्रोता के लिए "ऑर्केस्ट्रा" शब्द सबसे अधिक संभावना बीथोवेन, त्चिकोवस्की या शोस्ताकोविच के संगीत के अंशों से जुड़ा है; उस बड़े पैमाने पर स्मारक और एक ही समय में चिकनी ध्वनि के साथ, जो हमारी स्मृति में आधुनिक आर्केस्ट्रा को सुनने से - लाइव और रिकॉर्डिंग में जमा किया गया था। लेकिन आर्केस्ट्रा हमेशा ऐसे नहीं बजते थे। प्राचीन ऑर्केस्ट्रा और आधुनिक ऑर्केस्ट्रा के बीच कई अंतरों में, मुख्य बात संगीतकारों द्वारा उपयोग किए जाने वाले उपकरण हैं। विशेष रूप से, सभी उपकरण आधुनिक उपकरणों की तुलना में बहुत शांत लगते थे, क्योंकि जिन कमरों में संगीत बजाया जाता था, वे (आमतौर पर) आधुनिक कॉन्सर्ट हॉल की तुलना में बहुत छोटे थे। और कोई फैक्ट्री हॉर्न नहीं था, कोई परमाणु टर्बाइन नहीं था, कोई आंतरिक दहन इंजन नहीं था, कोई सुपरसोनिक विमान नहीं था - मानव जीवन की सामान्य ध्वनि आज की तुलना में कई गुना शांत थी। इसकी तीव्रता को अभी भी प्राकृतिक घटनाओं से मापा जाता था: जंगली जानवरों की दहाड़, आंधी के दौरान गड़गड़ाहट, झरनों का शोर, गिरने वाले पेड़ों की दरार या पहाड़ गिरने की गड़गड़ाहट, और मेले में शहर के चौक में भीड़ की दहाड़ दिन। इसलिए, संगीत केवल प्रकृति के साथ ही चमक में प्रतिस्पर्धा कर सकता था।

तंतु वाद्य यंत्रों पर जो तार पिरोए जाते थे वे बैल सिन्यू (आज के धातु के बने होते हैं) से बने होते थे, धनुष छोटे, हल्के और आकार में थोड़े अलग होते थे। इसके कारण, तार की आवाज़ "गर्म" थी, लेकिन आज की तुलना में कम "चिकनी" थी। वुडविंड उपकरणों में सभी आधुनिक वाल्व और अन्य तकनीकी उपकरण नहीं थे जो उन्हें अधिक आत्मविश्वास और सटीक रूप से खेलने की अनुमति देते थे। उस समय के वाद्यवृत्त समय के संदर्भ में अधिक व्यक्तिगत लगते थे, कभी-कभी कुछ हद तक धुन से बाहर (यह सब कलाकार के कौशल पर निर्भर करता था) और कई बार आधुनिक लोगों की तुलना में शांत। पीतल के वाद्य यंत्र पूरी तरह से प्राकृतिक थे, अर्थात, वे केवल एक प्राकृतिक पैमाने की ध्वनि उत्पन्न कर सकते थे, जो अक्सर केवल एक छोटी धूमधाम बजाने के लिए पर्याप्त थे, लेकिन एक विस्तारित राग नहीं। ड्रम और टिमपनी पर जानवरों की खाल खिंची हुई थी (यह प्रथा आज भी मौजूद है, हालांकि प्लास्टिक की झिल्लियों वाले टक्कर उपकरण लंबे समय से दिखाई देते हैं)।

ऑर्केस्ट्रा का क्रम आम तौर पर आज की तुलना में कम था - औसतन आधे स्वर से, और कभी-कभी पूरे स्वर से। लेकिन यहां एक भी नियम नहीं था: लुई XIV के दरबार में पहले सप्तक (जिसके अनुसार ऑर्केस्ट्रा को पारंपरिक रूप से ट्यून किया जाता है) के लिए टोन सिस्टम हर्ट्ज पैमाने पर 392 था। चार्ल्स द्वितीय के दरबार में, उन्होंने ए को 400 से 408 हर्ट्ज तक ट्यून किया। उसी समय, मंदिरों में अंगों को अक्सर महल के कक्षों में खड़े हार्पसीकोर्ड्स की तुलना में एक उच्च स्वर में बांधा जाता था (शायद यह हीटिंग के कारण था, क्योंकि स्ट्रिंग वाद्ययंत्र शुष्क गर्मी से धुन में उठते हैं, और इसके विपरीत, घटते हैं ठंड से; वायु वाद्य यंत्रों में अक्सर विपरीत प्रवृत्ति होती है)। इसलिए, बाख के समय में, दो मुख्य प्रणालियाँ थीं: तथाकथित कम्मर-टन (आधुनिक "ट्यूनिंग कांटा" - एक शब्द जो इससे निकला है), वह है, "रूम सिस्टम", और ऑर्गेल-टन, जो कि है , "ऑर्गन सिस्टम" (उर्फ "कोरल टोन")। और ए के लिए कमरा ट्यूनिंग 415 हर्ट्ज था, जबकि अंग ट्यूनिंग हमेशा उच्च थी और कभी-कभी 465 हर्ट्ज तक पहुंच गई थी। और अगर हम उनकी तुलना आधुनिक कॉन्सर्ट ट्यूनिंग (440 हर्ट्ज़) से करते हैं, तो पहला वाला आधा टोन कम निकलता है, और दूसरा वाला आधुनिक से आधा टोन अधिक होता है। इसलिए, बाख के कुछ छावनी में, अंग प्रणाली को ध्यान में रखते हुए लिखा गया है, लेखक ने पवन उपकरणों के हिस्सों को तुरंत स्थानान्तरण में लिखा है, जो गाना बजानेवालों और बेसो निरंतर के भाग से आधा कदम अधिक है। यह इस तथ्य के कारण था कि हवा के उपकरण, जो मुख्य रूप से कोर्ट चैंबर संगीत में उपयोग किए जाते थे, अंग के उच्च ट्यूनिंग के अनुकूल नहीं थे (बांसुरी और ओबोज़ कैमरटोन की तुलना में थोड़ा कम हो सकते हैं, और इसलिए एक तीसरा भी था - कम कैमरटोन)। स्वर)। और अगर, इसे जाने बिना, आज आप नोटों से शाब्दिक रूप से इस तरह के कैंटटा को बजाने की कोशिश करते हैं, तो आपको एक कर्कशता मिलेगी, जिसका लेखक ने इरादा नहीं किया था।

"फ्लोटिंग" सिस्टम के साथ यह स्थिति दुनिया में द्वितीय विश्व युद्ध तक बनी रही, न कि केवल में विभिन्न देश, लेकिन एक ही देश के विभिन्न शहरों में, सिस्टम एक दूसरे से काफी भिन्न हो सकते हैं। 1859 में, फ्रांसीसी सरकार ने ए - 435 हर्ट्ज के ट्यूनिंग को मंजूरी देने वाला कानून जारी करके ट्यूनिंग को मानकीकृत करने का पहला प्रयास किया, लेकिन अन्य देशों में ट्यूनिंग बेहद अलग रही। और केवल 1955 में अंतरराष्ट्रीय संगठनमानकीकरण पर, आज तक 440 हर्ट्ज के कॉन्सर्ट ट्यूनिंग पर कानून को अपनाया गया है।

हेनरिक इग्नाज़ बीबर। 1681 से उत्कीर्णनविकिमीडिया कॉमन्स

बैरोक और शास्त्रीय लेखकों ने ट्यूनिंग के क्षेत्र में स्ट्रिंग उपकरणों के लिए संगीत से संबंधित अन्य कार्यों को भी अंजाम दिया। इसके बारे में"स्कॉर्डेटुरा" नामक एक तकनीक के बारे में, जो कि "स्ट्रिंग ट्यूनिंग" है। उसी समय, कुछ स्ट्रिंग्स, जैसे कि वायलिन या वायलस, को वाद्ययंत्र के लिए एक अलग, असामान्य अंतराल पर ट्यून किया गया था। इसके लिए धन्यवाद, संगीतकार को रचना की कुंजी के आधार पर, बड़ी संख्या में खुले तारों का उपयोग करने का अवसर मिला, जिससे उपकरण की बेहतर प्रतिध्वनि हुई। लेकिन यह स्कोर्डेटुरा अक्सर वास्तविक ध्वनि में नहीं, बल्कि पारदर्शिता में दर्ज किया गया था। इसलिए, उपकरण (और कलाकार) की प्रारंभिक तैयारी के बिना, ऐसी रचना ठीक से प्रदर्शन करना असंभव है। स्कोर्डेटुरा का एक प्रसिद्ध उदाहरण हेनरिक इग्नाज़ बीबर का वायलिन सोनटास रोज़री (रहस्य) (1676) का चक्र है।

पुनर्जागरण में और बारोक के शुरुआती चरण में, मोड की श्रेणी, और बाद में कुंजी, जिसमें संगीतकार रचना कर सकते थे, एक प्राकृतिक बाधा द्वारा सीमित थी। इस अवरोध का नाम पायथागॉरियन कॉमा है। महान ग्रीक वैज्ञानिक पाइथागोरस ने सबसे पहले शुद्ध पांचवें के अनुसार ट्यूनिंग उपकरणों का सुझाव दिया था - प्राकृतिक पैमाने के पहले अंतरालों में से एक। लेकिन यह पता चला कि यदि आप इस तरह से तार वाले उपकरणों को ट्यून करते हैं, तो पांचवें (चार सप्तक) के पूर्ण चक्र से गुजरने के बाद, सी-शार्प नोट सी में बहुत अधिक लगता है। और प्राचीन काल से, संगीतकारों और वैज्ञानिकों ने एक आदर्श उपकरण ट्यूनिंग प्रणाली खोजने की कोशिश की है, जिसमें प्राकृतिक पैमाने के इस प्राकृतिक दोष - इसकी असमानता - को दूर किया जा सके, जो सभी स्वरों के समान उपयोग की अनुमति देगा।

प्रत्येक युग की व्यवस्था की अपनी व्यवस्था थी। और प्रत्येक प्रणाली की अपनी विशेषताएं थीं, जो आधुनिक पियानो की आवाज़ के आदी हमारे कानों को झूठी लगती हैं। 19वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद से, सभी कीबोर्ड उपकरणों को एक समान पैमाने पर ट्यून किया गया है, जो एक सप्तक को 12 पूरी तरह से समान सेमीटोन में विभाजित करता है। एक समान निर्माण बहुत करीब है आधुनिक आत्माएक समझौता जिसने पायथागॉरियन अल्पविराम की समस्या को एक बार और सभी के लिए हल करना संभव बना दिया, लेकिन शुद्ध तिहाई और पांचवें की ध्वनि की प्राकृतिक सुंदरता का त्याग कर दिया। यही है, आधुनिक पियानो द्वारा बजाया जाने वाला कोई भी अंतराल (ऑक्टेव को छोड़कर) प्राकृतिक पैमाने से मेल नहीं खाता है। और आदेश की सभी असंख्य प्रणालियों में जो अस्तित्व में थीं देर से मध्य युग, एक निश्चित संख्या में शुद्ध अंतराल संरक्षित किए गए थे, जिसके कारण सभी चाबियों को एक तेज व्यक्तिगत ध्वनि प्राप्त हुई। अच्छे स्वभाव के आविष्कार के बाद भी (बाख का वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर देखें), जिसने हार्पसीकोर्ड या अंग पर सभी चाबियों का उपयोग करना संभव बना दिया, चाबियों ने अभी भी अपने व्यक्तिगत रंग को बरकरार रखा है। इसलिए बैरोक संगीत के लिए प्रभाव के मौलिक सिद्धांत का उद्भव, जिसके अनुसार सभी संगीत अभिव्यंजक साधन - माधुर्य, सामंजस्य, लय, गति, बनावट और खुद की पसंद - विशिष्ट भावनात्मक अवस्थाओं के साथ अटूट रूप से जुड़े हुए हैं। इसके अलावा, एक ही रागिनी, उस समय उपयोग की जाने वाली प्रणाली के आधार पर, देहाती, निर्दोष या कामुक, गंभीर रूप से शोकाकुल या राक्षसी रूप से डराने वाली ध्वनि हो सकती है।

संगीतकार के लिए, एक कुंजी या किसी अन्य की पसंद 18 वीं -19 वीं शताब्दी के अंत तक भावनाओं के एक निश्चित सेट के साथ अटूट रूप से जुड़ी हुई थी। इसके अलावा, अगर हेडन डी मेजर के लिए "शानदार धन्यवाद, उग्रवाद" की तरह लग रहा था, तो बीथोवेन के लिए यह "दर्द, पीड़ा या मार्च" की तरह लग रहा था। हेडन ने ई मेजर को "मौत के विचार" के साथ जोड़ा, और मोजार्ट के लिए इसका अर्थ था "गंभीर, उदात्त पारगमन" (ये सभी विशेषण स्वयं संगीतकारों के उद्धरण हैं)। इसलिए, प्रारंभिक संगीत का प्रदर्शन करने वाले संगीतकारों के अनिवार्य गुणों में संगीत और सामान्य सांस्कृतिक ज्ञान की एक बहुआयामी प्रणाली है, जो विभिन्न लेखकों द्वारा विभिन्न रचनाओं की भावनात्मक संरचना और "कोड" को पहचानना संभव बनाता है, और साथ ही साथ की क्षमता तकनीकी रूप से इसे खेल में लागू करें।

इसके अलावा, अंकन के साथ भी समस्याएं हैं: XVII-XVIII सदियों के संगीतकारों ने जानबूझकर काम के आगामी प्रदर्शन से संबंधित जानकारी का केवल एक हिस्सा दर्ज किया; वाक्यांश, सूक्ष्मता, अभिव्यक्ति और विशेष रूप से उत्तम सजावट - बैरोक सौंदर्य का एक अभिन्न अंग - यह सब संगीतकारों की स्वतंत्र पसंद के लिए छोड़ दिया गया था, जो इस प्रकार संगीतकार के सह-निर्माता बन गए, न कि केवल उनकी इच्छा के आज्ञाकारी निष्पादक। इसलिए, प्राचीन वाद्ययंत्रों पर बैरोक और प्रारंभिक शास्त्रीय संगीत का सही मायने में उत्कृष्ट प्रदर्शन आधुनिक उपकरणों पर बाद के संगीत के गुणी लोगों की तुलना में कम (यदि अधिक नहीं) कठिन कार्य है। जब 60 साल पहले प्राचीन वाद्य यंत्र ("प्रामाणिकतावादी") बजाने वाले पहले उत्साही दिखाई दिए, तो उन्हें अक्सर अपने सहयोगियों के बीच शत्रुता का सामना करना पड़ा। यह आंशिक रूप से पारंपरिक स्कूल के संगीतकारों की जड़ता के कारण था, और आंशिक रूप से स्वयं संगीत प्रामाणिकता के अग्रदूतों के अपर्याप्त कौशल के कारण था। संगीत हलकों में, उनके प्रति एक प्रकार का कृपालु विडंबनापूर्ण रवैया था, जो हारे हुए लोगों के लिए "मुरझाई हुई लकड़ी" (वुडविंड्स) या "रस्टी स्क्रैप मेटल" (ब्रासविंड्स) पर वादी नकली ब्लिटिंग प्रकाशित करने की तुलना में खुद के लिए बेहतर उपयोग नहीं पाते थे। और यह (निश्चित रूप से दुर्भाग्यपूर्ण) रवैया हाल तक बना रहा, जब तक कि यह स्पष्ट नहीं हो गया कि प्राचीन उपकरणों पर खेलने का स्तर पिछले दशकों में इतना बढ़ गया है कि, कम से कम बैरोक और शुरुआती क्लासिक्स के क्षेत्र में, प्रामाणिकतावादी लंबे समय तक पकड़े गए हैं और अधिक नीरस और बोझिल लगने वाले आधुनिक आर्केस्ट्रा को पार कर गया।

आर्केस्ट्रा शैलियों और रूपों

अपने परिवार के साथ पियरे मौचरन के चित्र का अंश। लेखक अनजान है। 1563रिजक्सम्यूजियम एम्स्टर्डम

जिस तरह "ऑर्केस्ट्रा" शब्द का हमेशा यह मतलब नहीं था कि हम आज इसका क्या मतलब रखते हैं, इसलिए "सिम्फनी" और "कॉन्सर्ट" शब्द का मूल रूप से थोड़ा अलग अर्थ था, और केवल धीरे-धीरे, समय के साथ, उन्होंने अपना आधुनिक अर्थ हासिल कर लिया।

संगीत समारोह

"कॉन्सर्ट" शब्द के कई संभावित मूल हैं। आधुनिक व्युत्पत्ति इतालवी संगीत कार्यक्रम से "एक समझौते पर आने" का अनुवाद करती है या लैटिन कंसीनियर, कॉन्सिनो से "एक साथ गाना, स्तुति" करती है। एक अन्य संभावित अनुवाद लैटिन संगीत कार्यक्रम से "विवाद, प्रतियोगिता" है: व्यक्तिगत कलाकार (एकल कलाकार या एकल कलाकारों का समूह) एक टीम (ऑर्केस्ट्रा) के साथ संगीत में प्रतिस्पर्धा करते हैं। शुरुआती बारोक युग में, एक मुखर-वाद्य कार्य को अक्सर एक कंसर्टो कहा जाता था, बाद में इसे कैंटाटा के रूप में जाना जाने लगा - लैटिन कैंटो, कैंटारे ("गाने के लिए") से। समय के साथ, संगीत कार्यक्रम एक विशुद्ध रूप से वाद्य शैली बन गया (हालांकि 20 वीं शताब्दी के कामों में से एक ऐसी दुर्लभता भी पा सकता है जैसे कि रेनहोल्ड ग्लियरे द्वारा कंसर्टो फॉर वॉयस एंड ऑर्केस्ट्रा)। बैरोक युगएक एकल संगीत कार्यक्रम (एक उपकरण और एक साथ ऑर्केस्ट्रा) और "के बीच भेद किया बड़ा संगीत कार्यक्रम” (कॉन्सर्टो ग्रोसो), जहां संगीत को एकल कलाकारों (कॉन्सर्टिनो) के एक छोटे समूह और अधिक उपकरणों वाले समूह (रिपियनो, यानी "फिलिंग", "फिलिंग") के बीच स्थानांतरित किया गया था। रिपियनो समूह के संगीतकारों को रिपियनिस्ट कहा जाता था। ये रिपीनिस्ट थे जो आधुनिक आर्केस्ट्रा खिलाड़ियों के अग्रदूत बन गए। रिपिएनो के रूप में, केवल स्ट्रिंग वाद्ययंत्र शामिल थे, साथ ही बासो निरंतर। और एकल कलाकार बहुत अलग हो सकते हैं: वायलिन, सेलो, ओबो, रिकॉर्डर, बेससून, वायोला डीमोर, ल्यूट, मैंडोलिन, आदि।

कंसर्टो ग्रोसो के दो प्रकार थे: कंसर्टो दा चिएसा ("चर्च कॉन्सर्ट") और कंसर्टो दा कैमरा ("चैंबर कॉन्सर्ट")। दोनों मुख्य रूप से आर्केंजेलो कोरेली के लिए उपयोग में आए, जिन्होंने 12 संगीत कार्यक्रमों (1714) के एक चक्र की रचना की। इस चक्र का हेंडेल पर गहरा प्रभाव था, जिसने हमें इस शैली की उत्कृष्ट कृतियों के रूप में पहचाने जाने वाले दो कंसर्टो ग्रोसो चक्रों को छोड़ दिया। बाख के ब्रैंडनबर्ग कंसर्ट में भी कंसर्ट ग्रोसो की स्पष्ट विशेषताएं हैं।

बैरोक सोलो कंसर्ट का उत्कर्ष एंटोनियो विवाल्डी के नाम से जुड़ा है, जिन्होंने अपने जीवन में स्ट्रिंग्स और बेसो कॉन्टिन्यूओ के साथ विभिन्न वाद्ययंत्रों के लिए 500 से अधिक कंसर्टों की रचना की (हालांकि उन्होंने 40 से अधिक ओपेरा भी लिखे, बड़ी संख्या में चर्च कोरल संगीतऔर वाद्य सिम्फनी)। गायन, एक नियम के रूप में, तीन भागों में बारी-बारी से टेम्पो के साथ होता था: तेज़ - धीमा - तेज़; यह संरचना वाद्य संगीत के बाद के नमूनों में प्रमुख हो गई - अप करने के लिए शुरुआती XXIशतक। विवाल्डी की सबसे प्रसिद्ध रचना वायलिन और स्ट्रिंग ऑर्केस्ट्रा के लिए चक्र "द सीजन्स" (1725) थी, जिसमें प्रत्येक कंसर्ट एक कविता से पहले होता है (शायद खुद विवाल्डी द्वारा लिखा गया)। कविताएँ किसी विशेष मौसम की मुख्य मनोदशाओं और घटनाओं का वर्णन करती हैं, जो बाद में संगीत में ही सन्निहित हो जाती हैं। ये चार संगीत कार्यक्रम, जो सद्भाव और आविष्कार प्रतियोगिता के 12 संगीत कार्यक्रमों के एक बड़े चक्र का हिस्सा थे, आज कार्यक्रम संगीत के पहले उदाहरणों में से एक माने जाते हैं।

इस परंपरा को हैंडेल और बाख ने जारी रखा और विकसित किया। इसके अलावा, हेंडेल ने अन्य चीजों के अलावा, 16 ऑर्गन कंसर्टों की रचना की, और बाख ने, उस समय एक और दो वायलिन के लिए पारंपरिक कंसर्टों के अलावा, हार्पसीकोर्ड के लिए कंसर्ट भी लिखे, जो अब तक विशेष रूप से बेसो कॉन्टिन्यू समूह का एक उपकरण था। . तो बाख को आधुनिक पियानो संगीत कार्यक्रम का पूर्वज माना जा सकता है।

स्वर की समता

ग्रीक में सिम्फनी का अर्थ है "व्यंजन", "संयुक्त ध्वनि"। प्राचीन ग्रीक और मध्ययुगीन परंपराओं में, सिम्फनी को सद्भाव की व्यंजना कहा जाता था (आज की संगीत भाषा में - व्यंजन), और हाल के दिनों में, विभिन्न संगीत वाद्ययंत्रों को सिम्फनी कहा जाने लगा, जैसे: डल्सीमर, हर्डी गर्डी, स्पाइनेट या कुंवारी। और केवल XVI-XVII सदियों के मोड़ पर "सिम्फनी" शब्द का इस्तेमाल आवाज़ों और उपकरणों के लिए एक रचना के नाम के रूप में किया जाने लगा। इस तरह के सिम्फनी के शुरुआती उदाहरणों को कैसे कहा जाए संगीत सिम्फनीलोदोविको ग्रॉसी डा विदाना (1610), गियोवन्नी गैब्रियली द्वारा सेक्रेड सिम्फनीज़ (1615) और हेनरिक शुट्ज़ द्वारा सेक्रेड सिम्फनीज़ (ऑप. 6, 1629, और ऑप. 10, 1649)। सामान्य तौर पर, पूरे बैरोक काल के दौरान, विभिन्न प्रकार की रचनाएँ, दोनों उपशास्त्रीय और धर्मनिरपेक्ष, सिम्फनी कहलाती थीं। ज्यादातर, सिम्फनी एक बड़े चक्र का हिस्सा थे। इतालवी ओपेरा सेरिया ("गंभीर ओपेरा") की शैली के आगमन के साथ, मुख्य रूप से स्कार्लट्टी के नाम से जुड़ा, ओपेरा के वाद्य परिचय, जिसे ओवरचर भी कहा जाता है, को सिम्फनी कहा जाता था, आमतौर पर तीन खंडों में: तेज - तेज लेकिन धीमी गति से चलना। यही है, "सिम्फनी" और "ओवरचर" लंबे समय तक एक ही चीज़ के बारे में थे। वैसे, में इतालवी ओपेराओवरचर को सिम्फनी कहने की परंपरा 19वीं शताब्दी के मध्य तक बनी रही (देखें वर्डी के शुरुआती ओपेरा, जैसे नबूकदनेस्सर)।

18वीं शताब्दी के बाद से, पूरे यूरोप में वाद्य बहु-भाग सिम्फनी के लिए एक फैशन उत्पन्न हुआ है। दोनों में इनकी अहम भूमिका रही है सार्वजनिक जीवनसाथ ही चर्च सेवाओं में। हालाँकि, सिम्फनी की उत्पत्ति और प्रदर्शन का मुख्य स्थान अभिजात वर्ग का सम्पदा था। 18 वीं शताब्दी के मध्य तक (पहली हेडन सिम्फनी की उपस्थिति के समय), यूरोप में सिम्फनी बनाने के लिए तीन मुख्य केंद्र थे - मिलान, वियना और मैनहेम। यह इन तीन केंद्रों की गतिविधियों के लिए धन्यवाद था, लेकिन विशेष रूप से मैनहेम कोर्ट चैपल और इसके संगीतकारों के साथ-साथ जोसेफ हेडन के काम के कारण, उस समय यूरोप में सिम्फनी शैली ने अपना पहला फूल अनुभव किया।

मैनहेम चैपल

जान स्टैमिट्जविकिमीडिया कॉमन्स

चैपल, जो हीडलबर्ग में इलेक्टर चार्ल्स III फिलिप के अधीन उत्पन्न हुआ, और 1720 के बाद मैनहेम में मौजूद रहा, को आधुनिक ऑर्केस्ट्रा का पहला प्रोटोटाइप माना जा सकता है। मैनहेम में जाने से पहले भी, आसपास की रियासतों में चैपल की संख्या किसी भी अन्य की तुलना में अधिक थी। मैनहेम में, यह और भी बढ़ गया, और सहयोग को आकर्षित करके प्रतिभाशाली संगीतकारउस समय, प्रदर्शन की गुणवत्ता में भी काफी सुधार हुआ। 1741 से, गाना बजानेवालों का नेतृत्व चेक वायलिन वादक और संगीतकार जान स्टैमिट्ज ने किया था। इसी समय से हम मैनहेम स्कूल के निर्माण के बारे में बात कर सकते हैं। ऑर्केस्ट्रा में 30 तार वाले वाद्य यंत्र, युग्मित वाद्य यंत्र शामिल थे: दो बांसुरी, दो ओबो, दो शहनाई (फिर भी ऑर्केस्ट्रा में दुर्लभ अतिथि), दो बेससून, दो से चार सींग, दो तुरहियां और टिमपनी - उस समय की एक विशाल रचना। उदाहरण के लिए, प्रिंस एस्टरहाज़ी के चैपल में, जहाँ हेडन ने बैंडमास्टर के रूप में लगभग 30 वर्षों तक सेवा की, उनकी गतिविधि की शुरुआत में काउंट मोरज़िन में संगीतकारों की संख्या 13-16 लोगों से अधिक नहीं थी, जिनके साथ हेडन ने एस्टरहाज़ी से कई साल पहले सेवा की थी। और अपनी पहली सिम्फनी लिखी, और भी संगीतकार थे। कम - वहाँ, उन वर्षों के हेडन के अंकों को देखते हुए, वहाँ बांसुरी भी नहीं थी। 1760 के दशक के अंत में, एस्टरहाज़ी चैपल 16-18 संगीतकारों तक बढ़ गया और 1780 के दशक के मध्य तक अधिकतम 24 संगीतकारों तक पहुंच गया। और मैनहेम में अकेले तार के 30 लोग थे।

लेकिन मैनहेम गुणी का मुख्य गुण उनकी मात्रा नहीं था, लेकिन उस समय सामूहिक प्रदर्शन की अविश्वसनीय गुणवत्ता और सुसंगतता थी। जान स्टैमिट्ज, और उनके बाद इस ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत लिखने वाले अन्य संगीतकारों ने अधिक से अधिक परिष्कृत, अब तक अनसुने प्रभावों को पाया जो तब से मैनहेम चैपल के नाम से जुड़ गए हैं: ध्वनि में एक संयुक्त वृद्धि (क्रेस्केंडो), ध्वनि का लुप्त होना (डिमिन्यूएन्डो), अचानक खेल का एक संयुक्त रुकावट (सामान्य विराम), साथ ही साथ विभिन्न संगीत आंकड़े, जैसे: मैनहेम रॉकेट (एक विघटित कॉर्ड की आवाज़ के अनुसार माधुर्य का तेजी से बढ़ना), मैनहेम पक्षी ( एकल मार्गों में चहकने वाले पक्षियों की नकल) या मैनहेम चरमोत्कर्ष (एक क्रैसेन्डो की तैयारी, और फिर निर्णायक क्षण में सभी वायु वाद्ययंत्रों के बजने और कुछ तारों के सक्रिय-ऊर्जावान वादन की समाप्ति है)। इन प्रभावों में से कई ने मैनहेम के छोटे समकालीन मोजार्ट और बीथोवेन के कार्यों में अपना दूसरा जीवन पाया, और कुछ आज भी मौजूद हैं।

इसके अलावा, स्टैमिट्ज और उनके सहयोगियों ने धीरे-धीरे चर्च सोनाटा और चैम्बर सोनाटा के बैरोक प्रोटोटाइप के साथ-साथ इतालवी ओपेरा ओवरचर से व्युत्पन्न चार-भाग सिम्फनी का आदर्श प्रकार पाया। हेडन अपने कई वर्षों के प्रयोगों के परिणामस्वरूप उसी चार-भाग वाले चक्र में आए। युवा मोजार्ट ने 1777 में मैनहेम का दौरा किया और वहां संगीत और आर्केस्ट्रा के वादन से वह बहुत प्रभावित हुआ। क्रिश्चियन कैनबिह के साथ, जिन्होंने स्टैमित्ज़ की मृत्यु के बाद ऑर्केस्ट्रा का नेतृत्व किया, मोजार्ट की मैनहेम की यात्रा के बाद से व्यक्तिगत मित्रता थी।

दरबारी संगीतकार

अदालत के संगीतकारों की स्थिति, जिन्हें वेतन का भुगतान किया गया था, उस समय बहुत फायदेमंद था, लेकिन निश्चित रूप से, इसने बहुत कुछ किया। उन्होंने बहुत मेहनत की और अपने आकाओं की किसी भी संगीतमय सनक को पूरा करना पड़ा। उन्हें सुबह तीन या चार बजे उठाया जा सकता था और कहा जाता था कि मालिक मनोरंजन संगीत चाहते हैं - किसी तरह का सेरेनेड सुनने के लिए। गरीब संगीतकारों को हॉल में जाना था, लैंप लगाना और बजाना था। बहुत बार संगीतकारों ने सप्ताह में सात दिन काम किया - उत्पादन दर या 8-घंटे के कार्य दिवस जैसी अवधारणाएँ, निश्चित रूप से उनके लिए मौजूद नहीं थीं (आधुनिक मानकों के अनुसार, एक आर्केस्ट्रा संगीतकार दिन में 6 घंटे से अधिक काम नहीं कर सकता है, जब किसी संगीत समारोह के लिए रिहर्सल की बात आती है या नाट्य प्रदर्शन). हमें पूरे दिन खेलना था, इसलिए हम पूरे दिन खेले। हालाँकि, मालिक संगीत प्रेमीगण, सबसे अधिक बार यह समझा जाता है कि एक संगीतकार कई घंटों तक बिना ब्रेक के नहीं खेल सकता - उसे भोजन और आराम दोनों की आवश्यकता होती है।

निकोला मारिया रॉसी द्वारा पेंटिंग का विवरण। 1732ब्रिजमैन इमेज/फोटोडॉम

हेडन और प्रिंस एस्टरहाज़ी चैपल

किंवदंती है कि हेडन ने प्रसिद्ध फेयरवेल सिम्फनी लिखते हुए, इस प्रकार अपने गुरु एस्टरहाज़ी को वादा किए गए लेकिन भूले हुए आराम के बारे में संकेत दिया। इसके समापन में, सभी संगीतकार बारी-बारी से खड़े हुए, मोमबत्तियाँ बुझाईं और चले गए - संकेत काफी समझ में आता है। और मालिक ने उन्हें समझा और उन्हें छुट्टी पर जाने दिया - जो उन्हें अंतर्दृष्टि और हास्य की भावना वाले व्यक्ति के रूप में बोलता है। यहां तक ​​​​कि अगर यह काल्पनिक है, तो यह उल्लेखनीय रूप से उस युग की भावना को व्यक्त करता है - अन्य समय में, अधिकारियों की गलतियों पर इस तरह के संकेत संगीतकार को काफी महंगा पड़ सकते थे।

चूंकि हेडन के संरक्षक काफी पढ़े-लिखे लोग थे और संगीत के प्रति संवेदनशील थे, इसलिए वह इस तथ्य पर भरोसा कर सकते थे कि उनका कोई भी प्रयोग - चाहे वह छह या सात आंदोलनों में एक सिम्फनी हो या तथाकथित विकासात्मक प्रकरण में कुछ अविश्वसनीय तानवाला जटिलताएँ हों - नहीं होगा निंदा के साथ प्राप्त किया। यह इसके विपरीत भी लगता है: जितना अधिक जटिल और असामान्य रूप था, उतना ही वे इसे पसंद करते थे।
फिर भी, हेडन इस प्रतीत होने वाले सहज से मुक्त होने वाले पहले उत्कृष्ट संगीतकार बन गए, लेकिन दरबारी के सामान्य दास अस्तित्व में। जब निकोलस एस्टरहाज़ी की मृत्यु हो गई, तो उसके उत्तराधिकारी ने ऑर्केस्ट्रा को भंग कर दिया, हालांकि उसने हेडन की उपाधि और बैंडमास्टर के (कम) वेतन को बरकरार रखा। इस प्रकार, हेडन ने अनैच्छिक रूप से अनिश्चितकालीन छुट्टी प्राप्त की और इम्प्रेसारियो जोहान पीटर सॉलोमन के निमंत्रण का लाभ उठाते हुए, काफी उन्नत उम्र में लंदन चले गए। वहाँ उन्होंने वास्तव में एक नई आर्केस्ट्रा शैली बनाई। उनका संगीत अधिक ठोस और सरल हो गया। प्रयोग रद्द कर दिए गए। यह व्यावसायिक आवश्यकता के कारण था: उन्होंने पाया कि सामान्य अंग्रेजी जनता एस्टरहाज़ी एस्टेट पर परिष्कृत श्रोताओं की तुलना में बहुत कम शिक्षित है - उसके लिए, आपको कम, स्पष्ट और अधिक संक्षिप्त रूप से लिखने की आवश्यकता है। जबकि एस्टरहाज़ी द्वारा लिखित प्रत्येक सिम्फनी अद्वितीय है, लंदन सिम्फनी एक ही प्रकार की हैं। उन सभी को विशेष रूप से चार भागों में लिखा गया था (उस समय यह सिम्फनी का सबसे सामान्य रूप था, जो पहले से ही मैनहेम स्कूल और मोजार्ट के संगीतकारों द्वारा पूर्ण उपयोग में था): पहले भाग में अनिवार्य सोनाटा रूपक, अधिक या कम धीमा दूसरा भाग, मीनू और तेज़ समापन। ऑर्केस्ट्रा और संगीत के प्रकार के साथ-साथ हेडन की आखिरी सिम्फनी में उपयोग किए जाने वाले विषयों के तकनीकी विकास पहले से ही बीथोवेन के लिए एक मॉडल बन गए थे।

18वीं-19वीं शताब्दी के अंत में: विनीज़ स्कूल और बीथोवेन

वियना में थिएटर एन डेर वीन का इंटीरियर। उत्कीर्णन। 19 वीं सदीब्रिगमैन छवियां/फोटोडॉम

ऐसा हुआ कि हेडन ने मोजार्ट को पछाड़ दिया, जो उससे 24 साल छोटा था, और उसने बीथोवेन के करियर की शुरुआत की। हेडन ने अपना अधिकांश जीवन आज के हंगरी में काम किया, और अपने जीवन के अंत की ओर लंदन में एक तूफानी सफलता मिली, मोजार्ट साल्ज़बर्ग से था, और बीथोवेन बॉन में पैदा हुए फ्लेमिंग थे। लेकिन संगीत के तीनों दिग्गजों के रचनात्मक रास्ते शहर से जुड़े थे, जो कि महारानी मारिया थेरेसा के शासनकाल के दौरान और फिर उनके बेटे सम्राट जोसेफ द्वितीय ने वियना के साथ दुनिया की संगीत राजधानी का स्थान ले लिया। इस प्रकार, हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन का काम इतिहास में "विनीज़ शास्त्रीय शैली" के रूप में नीचे चला गया। सच है, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि लेखक खुद को "क्लासिक्स" नहीं मानते थे, और बीथोवेन खुद को एक क्रांतिकारी, अग्रणी और यहां तक ​​​​कि परंपराओं का एक विध्वंसक मानते थे। "शास्त्रीय शैली" की अवधारणा बहुत बाद के समय (19वीं शताब्दी के मध्य) का आविष्कार है। इस शैली की मुख्य विशेषताएं रूप और सामग्री की सामंजस्यपूर्ण एकता हैं, बैरोक की अधिकता के अभाव में ध्वनि का संतुलन और संगीत वास्तुशिल्प की प्राचीन सद्भावना।

विनीज़ का ताज शास्त्रीय शैलीक्षेत्र में आर्केस्ट्रा संगीतहेडन की लंदन सिम्फनी, मोजार्ट की आखिरी सिम्फनी और बीथोवेन की सभी सिम्फनी को आमतौर पर माना जाता है। हेडन और मोजार्ट की देर से सिम्फनी में, शास्त्रीय शैली के संगीत शब्दकोश और वाक्य रचना को अंततः स्थापित किया गया था, साथ ही साथ ऑर्केस्ट्रा की रचना, जो पहले से ही मैनहेम स्कूल में क्रिस्टलीकृत थी और अभी भी शास्त्रीय माना जाता है: एक स्ट्रिंग समूह (विभाजित) पहला और दूसरा वायलिन, वायलास, सेलोस और डबल बेस), वुडविंड्स की एक जोड़ी रचना - आमतौर पर दो बांसुरी, दो ओबोज, दो बेससून। हालांकि से शुरू हो रहा है नवीनतम कार्यमोजार्ट, शहनाई ने भी मजबूती से ऑर्केस्ट्रा में प्रवेश किया और खुद को स्थापित किया। शहनाई के लिए मोजार्ट के जुनून ने बड़े पैमाने पर ऑर्केस्ट्रा के पवन समूह के हिस्से के रूप में इस वाद्य यंत्र के व्यापक वितरण में योगदान दिया। मोजार्ट ने 1778 में मैनहेम में स्टैमिट्ज की सिम्फनी में शहनाई सुनी और प्रशंसा करते हुए अपने पिता को एक पत्र में लिखा: "ओह, अगर केवल हमारे पास शहनाई होती!" - "हम" से तात्पर्य साल्ज़बर्ग कोर्ट चैपल से है, जिसने केवल 1804 में शहनाई बजाई थी। हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि 1769 की शुरुआत में शहनाई नियमित रूप से रियासत-आर्कबिशोप्रिक सैन्य बैंड में इस्तेमाल की जाती थी।

पहले से ही उल्लेखित वाद्यवृंदों में, आमतौर पर दो सींग जोड़े जाते थे, और कभी-कभी दो तुरहियां और टिमपनी, जो अंदर आती थीं सिम्फोनिक संगीतसेना से। लेकिन इन उपकरणों का उपयोग केवल सिम्फनी में किया गया था, जिनमें से चाबियों ने प्राकृतिक पाइपों के उपयोग की अनुमति दी थी, जो केवल कुछ ट्यूनिंग में मौजूद थे, आमतौर पर डी या सी प्रमुख में; कभी-कभी तुरही का उपयोग जी मेजर में लिखे सिम्फनी में भी किया जाता था, लेकिन टिमपनी में कभी नहीं। तुरही के साथ लेकिन टिमपनी के बिना ऐसी सिम्फनी का एक उदाहरण मोजार्ट की सिम्फनी नंबर 32 है। टिमपनी भाग को बाद में एक अज्ञात व्यक्ति द्वारा स्कोर में जोड़ा गया और इसे अप्रामाणिक माना जाता है। यह माना जा सकता है कि टिमपनी के संबंध में जी प्रमुख के लिए 18 वीं शताब्दी के लेखकों की इस नापसंदगी को इस तथ्य से समझाया गया है कि बारोक टिमपनी के लिए (सुविधाजनक आधुनिक पैडल द्वारा नहीं, बल्कि मैनुअल तनाव शिकंजा द्वारा), वे पारंपरिक रूप से केवल दो नोटों से युक्त संगीत लिखा - टॉनिक (टॉनिक की 1-वीं डिग्री) और प्रमुख (टॉन्सिलिटी की 5 वीं डिग्री), जिन्हें इन नोटों को चलाने वाले पाइपों का समर्थन करने के लिए कहा गया था, लेकिन कुंजी जी प्रमुख का मुख्य नोट टिमपनी पर ऊपरी सप्तक बहुत तेज लग रहा था, और निचले हिस्से में - बहुत मफल। इसलिए, जी मेजर में टिमपनी को उनकी असंगति के कारण टाला गया।

अन्य सभी उपकरणों को केवल ओपेरा और बैले में स्वीकार्य माना जाता था, और उनमें से कुछ चर्च में भी बजते थे (उदाहरण के लिए, ट्रॉम्बोन्स और बासेट हॉर्न रिक्विम में, ट्रॉम्बोन्स, बेससेट हॉर्न और पिककोलो " जादू की बांसुरी”, “जनिसरी” संगीत के ड्रम “सेराग्लियो से अपहरण” या मोजार्ट द्वारा “डॉन जियोवानी” में एक मेन्डोलिन, एक बेसेट हॉर्न और बीथोवेन के बैले “द वर्क्स ऑफ प्रोमेथियस” में एक वीणा)।

बासो निरंतर धीरे-धीरे अप्रचलित हो गया, पहले आर्केस्ट्रा संगीत से गायब हो गया, लेकिन ओपेरा में कुछ समय के लिए सस्वर पाठ के साथ रहा (देखें द मैरिज ऑफ फिगारो, ऑल वीमेन डू इट, और मोजार्ट की डॉन जियोवानी, लेकिन बाद में भी - वी प्रारंभिक XIXसदी, कुछ में हास्य ओपेरारॉसिनी और डोनिज़ेटी)।

यदि हेडन इतिहास में सिम्फोनिक संगीत के सबसे बड़े आविष्कारक के रूप में नीचे गए, तो मोजार्ट ने अपने सिम्फनी की तुलना में अपने ओपेरा में ऑर्केस्ट्रा के साथ बहुत अधिक प्रयोग किया। बाद वाले उस समय के मानदंडों के अनुपालन में अतुलनीय रूप से अधिक सख्त हैं। हालांकि, निश्चित रूप से, अपवाद हैं: उदाहरण के लिए, प्राग या पेरिस सिम्फनी में कोई मीनू नहीं है, अर्थात, उनमें केवल तीन भाग होते हैं। जी मेजर में एक-आंदोलन सिम्फनी नंबर 32 भी है (हालांकि, यह तीन खंडों में इतालवी ओवरचर के मॉडल पर बनाया गया है, तेज - धीमी - तेज, यानी यह पुराने, पूर्व-हेडनियन मानदंडों से मेल खाती है) . लेकिन दूसरी ओर, इस सिम्फनी में चार सींग शामिल हैं (जैसा कि, जी माइनर में सिम्फनी नंबर 25 में, साथ ही ओपेरा इदोमेनेओ में)। शहनाई को सिम्फनी नंबर 39 में पेश किया गया है (इन उपकरणों के लिए मोजार्ट के प्यार का उल्लेख पहले ही किया जा चुका है), लेकिन पारंपरिक ओबोज अनुपस्थित हैं। और सिम्फनी नंबर 40 भी दो संस्करणों में मौजूद है - शहनाई के साथ और बिना।

औपचारिक मापदंडों के संदर्भ में, मोजार्ट मैनहेम और हेडनियन योजनाओं के अनुसार अपनी अधिकांश सिम्फनी में चलता है - बेशक, उन्हें अपनी प्रतिभा की शक्ति से गहरा और परिष्कृत करता है, लेकिन संरचनाओं या रचनाओं के स्तर पर आवश्यक कुछ भी बदले बिना। हालाँकि, अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, मोजार्ट ने अतीत के महान पॉलीफोनिस्टों - हैंडेल और बाख के काम का विस्तार और गहराई से अध्ययन करना शुरू किया। इसके लिए धन्यवाद, उनके संगीत की बनावट विभिन्न प्रकार की पॉलीफोनिक चालों से समृद्ध होती जा रही है। 18 वीं शताब्दी के अंत में बाख-प्रकार के फ्यूग्यू के साथ सिम्फनी के विशिष्ट होमोफोनिक वेयरहाउस के संयोजन का एक शानदार उदाहरण मोजार्ट का आखिरी, 41 वां सिम्फनी "बृहस्पति" है। यह सिम्फोनिक शैली में सबसे महत्वपूर्ण विकासात्मक पद्धति के रूप में पॉलीफोनी के पुनरुद्धार की शुरुआत करता है। सच है, मोजार्ट ने दूसरों द्वारा उसके सामने पीटे गए रास्ते का अनुसरण किया: माइकल हेडन, नंबर 39 (1788) और 41 (1789) द्वारा दो सिम्फनी के फाइनल, निस्संदेह मोजार्ट के लिए जाने जाते थे, एक फग्यू के रूप में भी लिखे गए थे।

लुडविग वैन बीथोवेन का पोर्ट्रेट। जोसेफ कार्ल स्टीलर। 1820विकिमीडिया कॉमन्स

ऑर्केस्ट्रा के विकास में बीथोवेन की भूमिका विशेष है। उनका संगीत दो युगों का एक विशाल संयोजन है: शास्त्रीय और रोमांटिक। यदि पहली सिम्फनी (1800) में बीथोवेन एक वफादार छात्र और हेडन के अनुयायी हैं, और बैले द वर्क्स ऑफ प्रोमेथियस (1801) में वह ग्लक की परंपराओं के उत्तराधिकारी हैं, तो तीसरे वीर सिम्फनी (1804) में अधिक आधुनिक कुंजी में हेडन-मोजार्ट परंपरा का अंतिम और अपरिवर्तनीय पुनर्विचार है। दूसरी सिम्फनी (1802) बाह्य रूप से अभी भी शास्त्रीय पैटर्न का अनुसरण करती है, लेकिन इसमें बहुत सारे नवाचार हैं, और मुख्य एक पारंपरिक मीनू का प्रतिस्थापन है, जो किसी न किसी किसान विद्वान (इतालवी में "मजाक") के साथ है। तब से, मिनट में बीथोवेन की सिम्फनीआठवीं सिम्फनी के तीसरे आंदोलन के शीर्षक में "मिनुएट" शब्द के विडंबनापूर्ण उदासीन उपयोग के अपवाद के साथ अब नहीं पाए जाते हैं - "मिनुएट की गति पर" (आठवें की रचना के समय - 1812 - minuets पहले से ही हर जगह उपयोग से बाहर हो गए थे, और बीथोवेन यहाँ स्पष्ट रूप से शैली के इस संदर्भ का उपयोग "मीठे लेकिन दूर के अतीत" के संकेत के रूप में करते हैं)। लेकिन गतिशील विरोधाभासों की बहुतायत, और सेलोस और डबल बेस के लिए पहले आंदोलन के मुख्य विषय का सचेत हस्तांतरण, जबकि वायलिन संगतकार के रूप में उनके लिए एक असामान्य भूमिका निभाते हैं, और सेलोस और डबल बेस के कार्यों का लगातार अलगाव (यानी, एक स्वतंत्र आवाज के रूप में डबल बास की मुक्ति), और विस्तारित, चरम भागों में कोडा विकसित करना (व्यावहारिक रूप से दूसरे विकास में बदलना) नई शैली के सभी निशान हैं, जिसने अगले में अपना आश्चर्यजनक विकास पाया, तीसरा सिम्फनी।

इसी समय, दूसरी सिम्फनी में बीथोवेन की लगभग सभी बाद की सिम्फनी, विशेष रूप से तीसरी और छठी, साथ ही नौवीं की शुरुआत होती है। दूसरे के पहले भाग के परिचय में, एक डी-माइनर मोटिफ है जो नौवीं के पहले भाग के मुख्य विषय के समान दो बूंद है, और दूसरे के समापन का लिंकिंग हिस्सा लगभग एक स्केच है उसी नौवें के समापन से "ओड टू जॉय", यहां तक ​​​​कि समान उपकरण के साथ।

तीसरी सिम्फनी अब तक लिखी गई सभी सिम्फनी में सबसे लंबी और सबसे जटिल दोनों है, और संगीतमय भाषा, और सामग्री के सबसे गहन अध्ययन पर। इसमें उस समय के लिए गतिशील विरोधाभास शामिल हैं (तीन पियानो से लेकर तीन किले तक!) और समान रूप से अभूतपूर्व, यहां तक ​​​​कि मोजार्ट की तुलना में, मूल उद्देश्यों के "सेलुलर परिवर्तन" पर काम करते हैं, जो न केवल प्रत्येक व्यक्तिगत आंदोलन में मौजूद है, लेकिन, जैसा कि यह था, पूरे चार-भाग चक्र के माध्यम से अनुमति देता है, एक एकल और अविभाज्य कथा की भावना पैदा करता है। वीर सिम्फनी अब वाद्य चक्र के विपरीत भागों का सामंजस्यपूर्ण क्रम नहीं है, बल्कि पूरी तरह से है नई शैली, वास्तव में - संगीत के इतिहास में पहला सिम्फनी-उपन्यास!

बीथोवेन का ऑर्केस्ट्रा का उपयोग केवल गुणी नहीं है, यह वाद्ययंत्रवादियों को सीमा तक धकेलता है, और अक्सर प्रत्येक उपकरण की बोधगम्य तकनीकी सीमाओं से परे जाता है। बीथोवेन का प्रसिद्ध वाक्यांश, इग्नाज़ शूप्पंजिग, वायलिन वादक और काउंट लिचॉन्स्की चौकड़ी के नेता, कई बीथोवेन चौकड़ी के पहले कलाकार को संबोधित करते हुए, एक बीथोवेन मार्ग की "असंभवता" के बारे में उनकी आलोचनात्मक टिप्पणी के जवाब में, उल्लेखनीय रूप से तकनीकी समस्याओं के लिए संगीतकार के रवैये की विशेषता है। संगीत में: "जब आत्मा मुझसे बात करती है तो मुझे उसके दुर्भाग्यपूर्ण वायलिन की क्या परवाह है?" संगीत का विचार हमेशा पहले आता है, और इसके बाद ही इसे लागू करने के तरीके होने चाहिए। लेकिन साथ ही, बीथोवेन अपने समय के ऑर्केस्ट्रा की संभावनाओं से अच्छी तरह वाकिफ थे। वैसे, के बारे में व्यापक रूप से आयोजित राय नकारात्मक परिणामबीथोवेन का बहरापन, कथित तौर पर उनकी बाद की रचनाओं में परिलक्षित होता है और इसलिए बाद में सभी प्रकार के रीटच के रूप में उनके अंकों में घुसपैठ को सही ठहराता है, यह सिर्फ एक मिथक है। सुनने के लिए काफी है अच्छा प्रदर्शनप्रामाणिक उपकरणों पर उनकी बाद की सिम्फनी या चौकड़ी, यह सुनिश्चित करने के लिए कि उनमें कोई दोष नहीं है, बल्कि उनके समय के उपकरणों और उनकी क्षमताओं के विस्तृत ज्ञान के आधार पर उनकी कला के लिए एक अत्यधिक आदर्शवादी, समझौतावादी रवैया है। यदि बीथोवेन के पास आधुनिक तकनीकी क्षमताओं के साथ एक आधुनिक ऑर्केस्ट्रा होता, तो वह निश्चित रूप से पूरी तरह से अलग तरीके से लिखते।

इंस्ट्रूमेंटेशन के संदर्भ में, अपनी पहली चार सिम्फनी में, बीथोवेन हेडन और मोजार्ट की बाद की सिम्फनी के मानकों पर खरे उतरे। हालांकि वीर सिम्फनी पारंपरिक दो या दुर्लभ लेकिन परंपरागत रूप से स्वीकार्य चार के बजाय तीन सींगों का उपयोग करती है। यही है, बीथोवेन किसी भी परंपरा का पालन करने के बहुत ही पवित्र सिद्धांत पर सवाल उठाता है: उसे ऑर्केस्ट्रा में तीसरे हॉर्न की आवाज चाहिए - और वह इसका परिचय देता है।

और पहले से ही पांचवें सिम्फनी (1808) में, बीथोवेन समापन में एक सैन्य (या नाटकीय) ऑर्केस्ट्रा के उपकरणों का परिचय देता है - एक पिकोलो बांसुरी, कॉन्ट्राबासून और ट्रॉम्बोन्स। वैसे, बीथोवेन से एक साल पहले, स्वीडिश संगीतकार जोआचिम निकोलस एगर्ट ने ई फ्लैट मेजर (1807) में अपनी सिम्फनी में ट्रॉम्बोन्स का इस्तेमाल किया था, और तीनों आंदोलनों में, न कि केवल फिनाले में, जैसा कि बीथोवेन ने किया था। तो ट्रॉम्बोन्स के मामले में, हथेली महान संगीतकार के लिए नहीं है, बल्कि उनके बहुत कम प्रसिद्ध सहयोगी के लिए है।

छठी सिम्फनी (देहाती) सिम्फनी के इतिहास में पहला कार्यक्रम चक्र है, जिसमें न केवल सिम्फनी, बल्कि प्रत्येक भाग, किसी प्रकार के आंतरिक कार्यक्रम के विवरण से पहले होता है - एक की भावनाओं का वर्णन शहर निवासी जो खुद को प्रकृति में पाता है। दरअसल, बैरोक काल से ही संगीत में प्रकृति का वर्णन नया नहीं रहा है। लेकिन, विवाल्डी के द सीज़न्स और कार्यक्रम संगीत के अन्य बारोक उदाहरणों के विपरीत, बीथोवेन ध्वनि लेखन को अपने आप में एक अंत के रूप में नहीं मानते हैं। छठी सिम्फनी, उनके अपने शब्दों में, "एक पेंटिंग की तुलना में भावनाओं की अभिव्यक्ति है।" बीथोवेन के काम में देहाती सिम्फनी एकमात्र ऐसा है जिसमें चार-भाग सिम्फोनिक चक्र का उल्लंघन किया गया है: चौथे आंदोलन द्वारा बिना किसी रुकावट के शिर्ज़ो का पालन किया जाता है, मुक्त रूप में, थंडरस्टॉर्म का हकदार है, और इसके बाद, बिना किसी रुकावट के, समापन अनुसरण करता है। इस प्रकार, इस सिम्फनी में पाँच गतियाँ हैं।

इस सिम्फनी के ऑर्केस्ट्रेशन के लिए बीथोवेन का दृष्टिकोण बेहद दिलचस्प है: पहले और दूसरे आंदोलनों में, वह केवल स्ट्रिंग्स, वुडविंड्स और दो हॉर्न का सख्ती से उपयोग करता है। शिर्ज़ो में, दो तुरही उनसे जुड़ी होती हैं, द थंडरस्टॉर्म में टिमपनी, एक पिकोलो बांसुरी और दो ट्रॉम्बोन जुड़ते हैं, और समापन में टिमपनी और पिकोलो फिर से शांत हो जाते हैं, और तुरही और ट्रॉम्बोन अपने पारंपरिक धूमधाम समारोह को पूरा करना बंद कर देते हैं और सर्वेश्वरवादी महिमा के सामान्य वायु गायन में विलय करें।

ऑर्केस्ट्रेशन के क्षेत्र में बीथोवेन के प्रयोग की परिणति नौवीं सिम्फनी थी: इसके समापन में, न केवल पहले से उल्लेखित ट्रॉम्बोन्स, पिकोलो बांसुरी और कॉन्ट्राबासून का उपयोग किया जाता है, बल्कि "तुर्की" पर्क्यूशन का एक पूरा सेट भी - बड़ा ढोल, प्लेट और त्रिकोण, और सबसे महत्वपूर्ण - गाना बजानेवालों और एकल कलाकार! वैसे, नौवीं के समापन में ट्रॉम्बोन्स को अक्सर कोरल भाग के प्रवर्धन के रूप में उपयोग किया जाता है, और यह पहले से ही चर्च और धर्मनिरपेक्ष ओरटोरियो संगीत की परंपरा का एक संदर्भ है, विशेष रूप से इसके हेडनियन-मोजार्टियन अपवर्तन में (देखें " क्रिएशन ऑफ द वर्ल्ड" या "द सीजन्स" ऑफ हेडन, मास बिफोर माइनर या मोजार्ट्स रिक्विम), जिसका अर्थ है कि यह सिम्फनी सिम्फनी और आध्यात्मिक ऑरेटोरियो की शैली का एक संलयन है, जो केवल शिलर द्वारा एक काव्यात्मक, धर्मनिरपेक्ष पाठ पर लिखा गया है। नौवीं सिम्फनी का एक अन्य प्रमुख औपचारिक नवाचार धीमी गति और शिर्ज़ो की पुनर्व्यवस्था थी। नौवां शिर्ज़ो, दूसरे स्थान पर होने के कारण, अब एक हंसमुख विपरीत की भूमिका नहीं निभाता है जो समापन को सेट करता है, लेकिन दुखद पहले भाग की कठोर और पूरी तरह से "सैन्यवादी" निरंतरता में बदल जाता है। और धीमी गति से तीसरा आंदोलन सिम्फनी का दार्शनिक केंद्र बन जाता है, ठीक सुनहरे खंड के क्षेत्र में पड़ता है - पहला, लेकिन किसी भी तरह से सिम्फोनिक संगीत के इतिहास में आखिरी मामला नहीं है।

नौवीं सिम्फनी (1824) के साथ, बीथोवेन एक नए युग में छलांग लगाता है। यह सबसे गंभीर सामाजिक परिवर्तनों की अवधि के साथ मेल खाता है - प्रबुद्धता से एक नए, औद्योगिक युग में अंतिम संक्रमण के साथ, जिसकी पहली घटना पिछली शताब्दी के अंत से 11 साल पहले हुई थी; विनीज़ क्लासिकल स्कूल के तीनों प्रतिनिधियों द्वारा देखा गया एक कार्यक्रम। हम बात कर रहे हैं फ्रांस की क्रांति की।

, सेलो , डबल बेस . एक साथ इकट्ठे हुए, अनुभवी संगीतकारों के हाथों में, कंडक्टर की इच्छा के अधीन, वे एक संगीत वाद्ययंत्र बनाते हैं जो किसी भी ध्वनि को व्यक्त करने और व्यक्त करने में सक्षम होता है संगीत सामग्री, कोई छवि, कोई विचार। ऑर्केस्ट्रा के उपकरणों के कई संयोजन विविध ध्वनियों का एक लगभग अटूट सेट देते हैं - गड़गड़ाहट से, गगनभेदी से बमुश्किल श्रव्य, तेजी से काटने वाले कान से लेकर धीरे-धीरे नरम होने तक। और किसी भी जटिलता की बहु-कहानी वाले राग, और विषम मधुर आभूषणों के प्रतिरूपित और पापी प्लेक्सस, और कोबवे-पतले कपड़े, छोटी ध्वनि "शर्ड्स" जब, के अनुसार आलंकारिक अभिव्यक्ति S. S. Prokofiev, "जैसे कि वे ऑर्केस्ट्रा को धूल चटा रहे हैं", और कई उपकरणों की शक्तिशाली एक साथ एक ही आवाज़ बजाते हुए - यह सब ऑर्केस्ट्रा के अधीन है। ऑर्केस्ट्रल समूहों में से कोई भी - स्ट्रिंग, हवा, पर्क्यूशन, प्लक, कीबोर्ड - दूसरों से अलग होने और अपने स्वयं के संगीतमय वर्णन का नेतृत्व करने में सक्षम है, जबकि अन्य चुप हैं; लेकिन उनमें से सभी पूरी तरह से, आंशिक रूप से या व्यक्तिगत प्रतिनिधियों के रूप में, किसी अन्य समूह या उसके हिस्से के साथ विलय करके, एक जटिल टिम्ब्रे मिश्र धातु बनाते हैं। दो शताब्दियों से अधिक समय से, संगीतकारों के सबसे पोषित विचार, ध्वनियों की कला के इतिहास में सबसे चमकीले मील के पत्थर, संगीत की कल्पना, लिखित और कभी-कभी एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए भी व्यवस्थित किए गए हैं।

एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के वाद्य यंत्रों की व्यवस्था।

संगीत से प्यार करने वाला हर व्यक्ति जे. हेडन, डब्ल्यू. ए. मोजार्ट, एफ. शुबर्ट, आर. शुमान, आई. ब्राह्म्स, जी. बर्लियोज़, एफ. लिस्केट, एस. फ्रैंक, जे. बिज़ेट, जे. वर्डी के नामों को जानता और याद रखता है , पी. आई. शाइकोवस्की, एन. ए. रिमस्की-कोर्साकोव, ए. पी. बोरोडिन। एम. पी. मुसॉर्स्की , एस. वी. राचमानिनोव , ए. के. ग्लेज़ुनोव , आई. एफ. स्ट्राविंस्की , एस. एस. , चित्र, कल्पनाएँ, वाद्य संगीत कार्यक्रमएक ऑर्केस्ट्रा के साथ, अंत में, कैंटटास, ऑरेटोरियोस, ओपेरा और बैले एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए लिखे गए हैं या इसकी भागीदारी शामिल है। उनके लिए लिखने की क्षमता संगीत रचना की कला का उच्चतम और सबसे जटिल क्षेत्र है, जिसके लिए गहन विशेष ज्ञान की आवश्यकता होती है, महान अनुभव, अभ्यास, और सबसे महत्वपूर्ण - विशेष संगीत क्षमता, प्रतिभा, प्रतिभा।

एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के उद्भव और विकास का इतिहास पुराने के क्रमिक पुनर्गठन और नए उपकरणों के आविष्कार का इतिहास है, इसकी संरचना में वृद्धि, उन तरीकों में सुधार का इतिहास है जिनमें उपकरणों के संयोजन का उपयोग किया जाता है, अर्थात संगीत विज्ञान के उस क्षेत्र का इतिहास जिसे ऑर्केस्ट्रेशन या इंस्ट्रूमेंटेशन कहा जाता है, और अंत में, सिम्फनी, ओपेरा, ऑरेटोरियो संगीत का इतिहास। ये सभी चार शब्द, "सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा" की अवधारणा के चारों पक्ष निकट से संबंधित हैं। एक दूसरे पर उनका प्रभाव था और अभी भी विविध है।

प्राचीन ग्रीस में "ऑर्केस्ट्रा" शब्द का अर्थ रंगमंच के मंच के सामने एक अर्धवृत्ताकार क्षेत्र था, जहाँ गाना बजानेवालों का स्थान था - एशेकिलस, सोफोकल्स, यूरिपिड्स, अरस्तूफेन्स के युग में नाटकीय प्रदर्शन में एक अनिवार्य भागीदार। 1702 के आसपास, इस शब्द ने पहली बार ओपेरा के साथ वाद्य यंत्रों के एक समूह के लिए एक छोटी सी जगह का संकेत दिया था। चैम्बर संगीत में तथाकथित वाद्य समूह। XVIII सदी के मध्य में। ऑर्केस्ट्रा के इतिहास के लिए एक निर्णायक अंतर पेश किया - एक बड़ा ऑर्केस्ट्रा छोटे कक्ष संगीत के विरोध में था - एक पहनावा। उस समय तक, कक्ष संगीत और आर्केस्ट्रा संगीत के बीच कोई स्पष्ट रेखा नहीं खींची गई थी।

"सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा" की अवधारणा क्लासिकवाद के युग में दिखाई दी, जब केवी ग्लक, एल। बोचेरिनी, हेडन, मोजार्ट रहते थे और काम करते थे। यह पहले से ही उत्पन्न हुआ जब संगीतकारों ने इस या उस आवाज, इस या उस संगीत पंक्ति को बजाने वाले प्रत्येक वाद्य यंत्र के नाम नोटों में सटीक रूप से लिखना शुरू कर दिया। 17वीं शताब्दी की शुरुआत के रूप में। के। मोंटेवेर्डी ने "ऑर्फ़ियस" में प्रत्येक संख्या से पहले केवल उन उपकरणों को सूचीबद्ध किया जो इसे निष्पादित कर सकते थे। किस लाइन को खेलना चाहिए का सवाल खुला रहा। इसलिए, उनके मूल वेनिस के 40 ओपेरा हाउसों में से किसी में, ऑर्फियस का एक प्रदर्शन दूसरे से अलग हो सकता है। जेबी लूली, संगीतकार, वायलिन वादक, कंडक्टर, तथाकथित "राजा के 24 वायलिन" के लिए उपकरणों के एक विशिष्ट सेट के लिए लिखने वाले संभवतः पहले व्यक्ति थे - लुई XIV के दरबार में गठित एक स्ट्रिंग पहनावा और खुद लूली के नेतृत्व में . उनके पास स्ट्रिंग समूह की ऊपरी आवाज भी ओबोज द्वारा समर्थित थी, और बेससून द्वारा निचली आवाज। बिना तार के ओबोज़ और बेससून, इसके विपरीत पूरी ताकत से, उनकी रचनाओं के मध्य खंडों में भाग लिया।

पूरे 17वीं शताब्दी में और 18वीं शताब्दी का पहला भाग। ऑर्केस्ट्रा का प्रारंभिक आधार बनता है - स्ट्रिंग समूह। धीरे-धीरे, पवन परिवार के प्रतिनिधियों को जोड़ा जाता है - बांसुरी, ओबोज़ और बेससून, और फिर सींग। उस समय अत्यधिक अपूर्णता के कारण शहनाई ने बहुत बाद में ऑर्केस्ट्रा में प्रवेश किया। एम। आई। ग्लिंका ने अपने "नोट्स ऑन इंस्ट्रूमेंटेशन" में शहनाई की आवाज़ को "हंस" कहा है। फिर भी, मोजार्ट के प्राग सिम्फनी में बांसुरी, ओबो, शहनाई और श्रृंग (सभी में दो) वाला एक पवन समूह दिखाई देता है, और उससे पहले उनके फ्रांसीसी समकालीन, एफ. गोसेक में। हेडन की लंदन सिम्फनी और एल. बीथोवेन की शुरुआती सिम्फनी में, दो तुरहियां दिखाई देती हैं, साथ ही टिमपनी भी। 19 वीं सदी में ऑर्केस्ट्रा में पवन समूह को और बढ़ाया जाता है। ऑर्केस्ट्रल संगीत के इतिहास में पहली बार, एक पिकोलो बांसुरी, एक कॉन्ट्राबासून और तीन ट्रॉम्बोन्स, जो पहले केवल ओपेरा में उपयोग किए जाते थे, बीथोवेन की 5वीं सिम्फनी के समापन समारोह में भाग लेते हैं। आर। वैगनर एक और टब जोड़ता है और पाइपों की संख्या को चार तक लाता है। वैगनर मुख्य रूप से एक ऑपरेटिव संगीतकार हैं, लेकिन साथ ही उन्हें एक उत्कृष्ट सिम्फोनिस्ट और सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का सुधारक माना जाता है।

XIX-XX सदियों के संगीतकारों की इच्छा। ध्वनि पैलेट को समृद्ध करने के लिए विशेष तकनीकी और लयबद्ध क्षमताओं के साथ कई उपकरणों के ऑर्केस्ट्रा में परिचय हुआ।

XIX सदी के अंत तक। ऑर्केस्ट्रा की रचना को प्रभावशाली और कभी-कभी विशाल अनुपात में लाया जाता है। इस प्रकार, महलर की 8 वीं सिम्फनी को गलती से "एक हजार प्रतिभागियों की सिम्फनी" नहीं कहा जाता है। आर। स्ट्रॉस के सिम्फोनिक कैनवस और ओपेरा में, पवन उपकरणों की कई किस्में दिखाई देती हैं: ऑल्टो और बास बांसुरी, बैरिटोन ओबो (हैकेलफ़ोन), छोटी शहनाई, कॉन्ट्राबास शहनाई, ऑल्टो और बास पाइप, आदि।

XX सदी में। ऑर्केस्ट्रा मुख्य रूप से टक्कर उपकरणों के साथ फिर से भर दिया जाता है। इससे पहले, ऑर्केस्ट्रा के सामान्य सदस्य 2-3 टिमपनी, झांझ, बास और स्नेयर ड्रम, एक त्रिकोण, कम अक्सर एक टैम्बोरिन और टॉम-टॉम्स, घंटियाँ, एक ज़ाइलोफोन थे। अब संगीतकार आर्केस्ट्रा की घंटियों के एक सेट का उपयोग करते हैं जो एक रंगीन पैमाने, सेलेस्टा देता है। वे ऑर्केस्ट्रा में फ्लेक्सटोन, घंटियाँ, स्पैनिश कास्टनेट, एक खड़खड़ाहट वाला लकड़ी का बक्सा, एक खड़खड़ाहट, एक कोड़ा-पटाखा (इसका झटका एक शॉट की तरह है), एक जलपरी, हवा और गड़गड़ाहट की मशीन, यहां तक ​​​​कि एक कोकिला का गायन भी शामिल है। एक विशेष रिकॉर्ड पर दर्ज किया गया (यह इतालवी संगीतकार ओ। रेस्पेगी "द पाइंस ऑफ रोम" द्वारा सिम्फोनिक कविता में इस्तेमाल किया गया था)।

XX सदी की दूसरी छमाही में। जैज से लेकर सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा तक वाइब्राफोन, टॉमटम्स, बोंगो, संयुक्त जैसे पर्क्यूशन इंस्ट्रूमेंट्स आते हैं ड्रम किट- "चार्ल्सटन" ("हाय-हैट"), मराकस के साथ।

स्ट्रिंग और पवन समूहों के लिए, 1920 तक उनका गठन मूल रूप से पूरा हो गया था। ऑर्केस्ट्रा में कभी-कभी सैक्सोफोन समूह (विस, रेवेल, प्रोकोफिव के कार्यों में), एक ब्रास बैंड (त्चिकोवस्की और स्ट्राविंस्की द्वारा कॉर्नेट), हार्पसीकोर्ड, डोमरा और बालिका, गिटार, मैंडोलिन, आदि के व्यक्तिगत प्रतिनिधि शामिल होते हैं। संगीतकार तेजी से काम कर रहे हैं। एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की आंशिक रचनाओं के लिए: अकेले स्ट्रिंग्स के लिए, स्ट्रिंग्स और ब्रास के लिए, बिना स्ट्रिंग्स और पर्क्यूशन के विंड ग्रुप के लिए, पर्क्यूशन वाले स्ट्रिंग्स के लिए।

20वीं सदी के संगीतकार चैम्बर ऑर्केस्ट्रा के लिए ढेर सारा संगीत लिखें। इसमें 15-20 तार होते हैं, प्रत्येक में एक वुडविंड, एक या दो सींग, एक कलाकार के साथ एक टक्कर समूह, एक वीणा (इसके बजाय एक पियानो या हार्पसीकोर्ड हो सकता है)। इनके साथ ही, एकल कलाकारों के एक समूह के लिए कार्य दिखाई देते हैं, जहां प्रत्येक किस्म (या उनमें से कुछ) से एक प्रतिनिधि होता है। ए। स्कोनबर्ग, ए। वेबरन, स्ट्राविंस्की के सूट "द स्टोरी ऑफ़ अ सोल्जर", रचनाओं द्वारा चैम्बर सिम्फनी और नाटक हैं सोवियत संगीतकार- हमारे समकालीन एम.एस. वेनबर्ग, आर.के. गैबिचवद्ज़े, ई. वी. डेनिसोव और अन्य। तेजी से, लेखक ऐसी रचनाओं की ओर रुख कर रहे हैं जो असामान्य हैं, या, जैसा कि वे कहते हैं, आपातकालीन। उन्हें असामान्य, दुर्लभ ध्वनियों की आवश्यकता होती है, क्योंकि आधुनिक संगीत में लय की भूमिका पहले से कहीं अधिक बढ़ गई है।

फिर भी, हमेशा पुराने और नए और नवीनतम दोनों तरह के संगीत का प्रदर्शन करने का अवसर पाने के लिए, सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की रचना स्थिर रहती है। आधुनिक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा को बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा (लगभग 100 संगीतकार), मध्यम (70-75), छोटे (50-60) में विभाजित किया गया है। एक बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के आधार पर, प्रत्येक कार्य के लिए उसके प्रदर्शन के लिए आवश्यक रचना का चयन करना संभव है: एक "आठ रूसी" के लिए लोक संगीत”ए. के. लयाडोव या त्चिकोवस्की के "स्ट्रिंग सेरेनेड" द्वारा, दूसरा बर्लियोज़, स्क्रिपबिन, शोस्ताकोविच के भव्य कैनवस के लिए, स्ट्राविंस्की के "पेत्रुस्का" या रेवेल के उग्र "बोलेरो" के लिए।

मंच पर संगीतकार कैसे हैं? XVIII-XIX सदियों में। पहला वायलिन कंडक्टर के बाईं ओर बैठा था, और दूसरा दाईं ओर, वायलस पहले वायलिन के पीछे, और दूसरे के पीछे सेलोस। पीछे स्ट्रिंग समूहवे पंक्तियों में बैठे थे: लकड़ी के समूह के सामने, और उसके पीछे पीतल के समूह। डबल बेस दाएं या बाएं पृष्ठभूमि में स्थित थे। शेष स्थान वीणा, सेलेस्टा, पियानो और टक्कर के लिए समर्पित था। हमारे देश में, अमेरिकी कंडक्टर एल। स्टोकोव्स्की द्वारा 1945 में शुरू की गई योजना के अनुसार संगीतकार बैठते हैं। इस योजना के अनुसार, कंडक्टर के दाईं ओर दूसरे वायलिन के बजाय सेलोस को अग्रभूमि में रखा गया है; उनके पूर्व स्थान पर अब दूसरे वायलिन का कब्जा है।

एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का नेतृत्व एक कंडक्टर करता है। वह ऑर्केस्ट्रा के संगीतकारों को एकजुट करता है और रिहर्सल के दौरान और संगीत समारोह में अपनी प्रदर्शन योजना को साकार करने के लिए अपने सभी प्रयासों को निर्देशित करता है। आचरण एक विशेष रूप से डिजाइन किए गए हाथ आंदोलन प्रणाली पर आधारित है। कंडक्टर आमतौर पर अपने दाहिने हाथ में डंडा रखता है। सबसे महत्वपूर्ण भूमिका उनके चेहरे, रूप, चेहरे के भावों द्वारा निभाई जाती है। कंडक्टर एक उच्च शिक्षित व्यक्ति होना चाहिए। उन्हें विभिन्न युगों और शैलियों, ऑर्केस्ट्रा वाद्ययंत्रों और उनकी क्षमताओं, एक उत्सुक कान, संगीतकार के इरादे में गहराई से घुसने की क्षमता के संगीत का ज्ञान चाहिए। कलाकार की प्रतिभा को उसकी संगठनात्मक और शैक्षणिक क्षमताओं के साथ जोड़ा जाना चाहिए।

सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के बारे में रोचक तथ्य

हम आपको दिलचस्प और के साथ खुद को परिचित करने के लिए आमंत्रित करते हैं आकर्षक तथ्यसिम्फनी ऑर्केस्ट्रा से जुड़ा हुआ है, जो अपने सदियों पुराने इतिहास में काफी कुछ इकट्ठा कर चुका है। हमें उम्मीद है कि इस तरह की रोचक जानकारी से हम न केवल बैले कला के प्रेमियों को आश्चर्यचकित कर पाएंगे, बल्कि इस क्षेत्र के सच्चे पेशेवरों के लिए भी कुछ नया खोज पाएंगे।

• एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का गठन कई शताब्दियों में छोटे कलाकारों की टुकड़ियों से हुआ और यह 16 वीं -17 वीं शताब्दी में शुरू हुआ, जब संगीत में नई शैली दिखाई दी और कलाकारों की टीम में बदलाव की आवश्यकता थी। पूरी तरह से छोटी रचना केवल XVIII सदी में निर्धारित की गई थी।
• काम या प्रदर्शन के स्थान के आधार पर संगीतकारों की संख्या 50 से 110 लोगों तक भिन्न हो सकती है। दर्ज किए गए कलाकारों की सबसे बड़ी संख्या 1964 में ओस्लो शहर में येलेवाल स्टेडियम में एक प्रदर्शन को संदर्भित करती है, जिसमें 20,100 लोगों ने भाग लिया था।
• कभी-कभी, आप एक डबल, ट्रिपल सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का नाम सुन सकते हैं, यह इसमें प्रस्तुत वायु उपकरणों की संख्या से दिया जाता है और इसके आकार को इंगित करता है।
• उन्होंने ऑर्केस्ट्रा के विकास में बहुत बड़ा योगदान दिया एल बीथोवेन , इसलिए उनके काम में एक शास्त्रीय या छोटा सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा अंततः स्थापित किया गया था, और बाद की अवधि में एक बड़ी रचना की विशेषताओं को रेखांकित किया गया था।
• सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा संगीतकारों के लिए जर्मन और अमेरिकी बैठने की व्यवस्था का उपयोग करता है। तो, रूसी में - अमेरिकी का उपयोग किया जाता है।
• दुनिया के सभी ऑर्केस्ट्रा में, केवल एक ही है जो अपने स्वयं के कंडक्टर को चुनता है और किस मामले में किसी भी समय कर सकता है - यह वियना फिलहारमोनिक है।
• बिना कंडक्टर के समूह हैं। पहली बार इस तरह के विचार को 1922 में रूस में पर्सिमफान द्वारा स्वीकार किया गया था। यह उस समय की विचारधारा के कारण था, जो टीम वर्क को महत्व देती थी। अन्य ऑर्केस्ट्रा ने बाद में इस उदाहरण का अनुसरण किया, आज भी प्राग और ऑस्ट्रेलिया में बिना कंडक्टर के ऑर्केस्ट्रा हैं।

• ऑर्केस्ट्रा को ओबो या ट्यूनिंग फोर्क के अनुसार ट्यून किया जाता है, बाद वाला, बदले में, समय के साथ उच्च और उच्च लगता है। तथ्य यह है कि प्रारंभ में, विभिन्न देशों में यह अलग-अलग लग रहा था। 18वीं सदी में जर्मनी में इसकी आवाज इटालियन से कम, लेकिन फ्रेंच से ऊंची थी। यह माना जाता था कि सेटिंग जितनी अधिक होगी, ध्वनि उतनी ही तेज होगी और कोई भी बैंड इसके लिए प्रयास करता है। यही कारण है कि उन्होंने हमारे समय में इसका स्वर 380 हर्ट्ज (बैरोक) से बढ़ाकर 442 हर्ट्ज कर दिया। इसके अलावा, यह आंकड़ा एक नियंत्रण आंकड़ा बन गया है, लेकिन वे इसे 445 हर्ट्ज तक पार करने का प्रबंधन भी करते हैं, जैसा कि वे वियना में करते हैं।
• 19वीं शताब्दी तक, एक कंडक्टर के कर्तव्यों में खेलना भी शामिल था हार्पसीकोर्ड या वायोलिन . इसके अलावा, उनके पास एक कंडक्टर का बैटन नहीं था, संगीतकार या संगीतकार ने एक उपकरण या सिर के सिर की मदद से बीट को हराया।
• प्रतिष्ठित अंग्रेजी पत्रिका ग्रामोफोन, जिसे शास्त्रीय संगीत के क्षेत्र में एक आधिकारिक प्रकाशन के रूप में मान्यता प्राप्त है, ने दुनिया के सर्वश्रेष्ठ ऑर्केस्ट्रा की सूची प्रकाशित की, रूसी बैंड ने इसमें 14वां, 15वां और 16वां स्थान हासिल किया।