Umjetnici Japana - od antičkih vremena do danas. Školska enciklopedija Art Japan

Artelino

« Veliki val u Kanagawi" Katsushike Hokusaija (1760.-1849.) jedna je od najpoznatijih gravura i prvi list serije Trideset i šest pogleda na Fuji. Početkom 1830-ih Katsushika Hokusai, po narudžbi izdavačke kuće Eijudo, počeo je stvarati seriju od 46 listova (36 glavnih i 10 dodatnih), a Veliki val kod Kanagawe bila je gravura koja otvara cijelu seriju.

Takve zbirke gravira služile su ondašnjim građanima kao neka vrsta " virtualno putovanje”, način da se zadovolji znatiželja - zgodan i jeftin. Otisci nalik Fujiju koštaju oko 20 moneta - otprilike isto kao dvostruka porcija rezanaca u japanskom restoranu tog vremena. Međutim, uspjeh je bio toliki da je do 1838. cijena Hokusaijevih listova narasla na gotovo 50 mon, a nakon smrti majstora samo je Val ponovno tiskan s novih ploča više od 1000 puta.

Iznenađujuće je da, unatoč navedenoj temi cijelog serijala, Fuji u The Wave svira kao manju ulogu. načelnik" glumac“na ovoj graviri je val, au prvom planu se odvija dramatična scena borbe čovjeka sa stihijom. Rubovi pjenastog grba izgledaju poput uvrnutih prstiju fantastičnog bijesnog demona, a bezličnost i neaktivnost ljudskih figura u čamcima ne ostavljaju sumnju tko će biti pobjednik u ovoj borbi. Međutim, to sučeljavanje nije sukob koji stvara zaplet gravure.
Zaustavljajući trenutak nakon kojeg se brodovi sudare, Hokusai omogućuje gledatelju da na trenutak vidi Fuji naspram sivog neba koje se tamni prema horizontu. Iako su japanski graveri u to vrijeme već bili upoznati s načelima europske linearne i zračne perspektive, nisu osjećali potrebu za ovom tehnikom. Tamna pozadina, kao i dugo putovanje oka iz prvog plana s čamcima kroz kretanje vala do Fujia, uvjeravaju oko da sveta planina odvojen od nas morem.

Fuji se uzdiže daleko od obale kao simbol stabilnosti i postojanosti, nasuprot olujnim stihijama. Jedinstvo i međuovisnost suprotnosti podloga je ideje kozmičkog reda i apsolutnog sklada u svjetonazoru Dalekog istoka, a upravo su one postale glavna tema gravure "Veliki val kod Kanagawe", koja je otvorila niz Katsushika Hokusai.

"Ljepotica Nanivaya Okita" Kitagave Utamaroa, 1795.-1796.

Umjetnički institut u Chicagu

Kitagawa Utamaro (1753-1806) s pravom se može nazvati pjevačem ženska ljepota u japanskom tisku ukiyo-e: stvorio je niz kanonskih slika japanskih ljepotica ( bijinga) - stanovnici čajana i poznate zabavne četvrti Yoshiwara u glavnom gradu Japana, Edu edo — ime Tokija prije 1868..

U bijinga gravuri nije sve baš onako kako se čini modernom gledatelju. Bogato odjevene plemenite dame u pravilu su se bavile sramotnim zanatom i pripadale su nižoj klasi, a gravure s portretima ljepotica imale su otvoreno reklamnu funkciju. U isto vrijeme, gravura nije dala ideju o izgledu djevojke, a iako se Okita iz čajane Nanivaya u blizini hrama Asakusa smatrala prvom ljepotom Eda, njeno lice u gravuri je potpuno lišen individualnosti.

Od 10. stoljeća ženske slike u japanskoj umjetnosti podliježu kanonu minimalizma. "Linija-oko, kuka-nos" - tehnika hikime-kagihana dopustio je umjetniku samo da naznači da je prikazana određena žena: u japanskoj tradicionalnoj kulturi pitanje fizičke ljepote često je izostavljano. Kod žena plemenitog porijekla puno se više cijenila "ljepota srca" i obrazovanje, a stanovnici veselih četvrti nastojali su u svemu oponašati najviše uzore. Prema Utamaru, Okita je bila uistinu lijepa.

List “Ljepotica Nanivaya Okita” tiskan je 1795.-1796. u seriji “Slavne ljepotice uspoređene sa šest besmrtnih pjesnika”, u kojoj je svakoj ljepotici odgovarao jedan od pisaca 9. stoljeća. Na listu s portretom Okite u gornjem lijevom kutu nalazi se slika Arivare no Narihire (825.-880.), jednog od najcjenjenijih pjesnika u Japanu, kojemu se tradicionalno pripisuje roman Ise Monogatari. Ovaj plemeniti plemić i briljantni pjesnik proslavio se i svojim ljubavnim aferama od kojih su neke bile temelj romana.

Ovaj list je osebujna upotreba tehnike mitirati(usporedbe) u japanskoj graviri. Svojstva autoritativnog “prototipa” prenose se na prikazanu ljepoticu, a elegantnu kurtizanu, spokojna lica koja gostu poslužuje šalicu čaja, gledatelj već čita kao damu vještu poeziji i ljubavnim djelima. Usporedba s Arivarom no Narihirom doista je bila priznanje njezine nadmoći među ljepoticama iz Eda.

Istodobno, Utamaro stvara iznenađujuće lirsku sliku. Balansirajući tamne i svijetle mrlje na listu i ocrtavajući formu melodičnim, elegantnim linijama, on stvara doista savršenu sliku ljupkosti i sklada. „Oglašavanje“ se povlači, a ljepota koju je uhvatio Utamaro ostaje bezvremenska.

Ekran "Irises" Ogate Korin, 1710

Wikimedia Commons / Muzej Nezu, Tokio

Par šarenica sa šest panela - sada nacionalno blago Japana - stvorio je Ogata Korin (1658.-1716.) oko 1710. godine za hram Nishi Hongan-ji u Kyotu.

Od 16. stoljeća slikanje na zidnim panoima i papirnatim paravanima postalo je jedan od vodećih žanrova dekorativne umjetnosti u Japanu, a Ogata Korin, utemeljitelj umjetničke škole Rinpa, jedan je od njezinih najvećih majstora.

Zasloni u japanskom interijeru odigrali su važnu ulogu. Prostrane prostorije palače strukturno se nisu razlikovale od stanova jednostavnog Japanca: gotovo da nisu imale unutarnje zidove, a prostor je bio zoniran sklopivim zaslonima. Visoki nešto više od jednog i pol metra, paravani su dizajnirani za uobičajenu japansku tradiciju svih klasa da žive na podu. U Japanu se visoke stolice i stolovi nisu koristili sve do 19. stoljeća, a visina paravana, kao i kompozicija njegove slike, dizajnirani su za pogled osobe koja sjedi na koljenima. S ove točke gledišta nastaje nevjerojatan učinak: perunike kao da okružuju osobu koja sjedi - i osoba se osjeća na obali rijeke, okružena cvijećem.

Perunike su naslikane bez kontura - gotovo impresionistički, široki potezi tamnoplave, lila i ljubičaste tempere dočaravaju raskošnost ovog cvijeta. Slikoviti učinak pojačan je mutnim svjetlucanjem zlata na kojem su prikazane perunike. Zasloni prikazuju samo cvijeće, ali njihova kutna linija rasta sugerira da se cvijeće savija oko vijugavog toka rijeke ili cik-cak drvenih mostova. Za Japance bi bilo prirodno da na ekranu nedostaje most, poseban "most od osam dasaka" ( yatsuhashi slušajte)), povezan s perunikama u klasičnoj japanskoj književnosti. Roman Ise Monogatari (9. st.) opisuje tužno putovanje junaka protjeranog iz prijestolnice. Smjestivši se sa svojom pratnjom na odmor na obali rijeke u blizini mosta Yatsuhashi, junak, ugledavši perunike, prisjeća se svoje voljene i piše pjesme:

moja voljena u odjeći
Graciozna tamo, u glavnom gradu,
Ljubav je ostala...
I s čežnjom razmišljam koliko
Daleko sam od nje... Prijevod N.I.Konrad.

“Tako se presavijao, a svi su suze lijevali na svoju osušenu rižu, tako da je nabubrila od vlage”, dodaje autor i lirski junak priče, Arivara no Narihira.

Obrazovanom Japancu poveznica perunika kraj mosta i Ise monogatari, perunika i teme rastavljene ljubavi bila je jasna, a Ogata Korin izbjegava opširnost i ilustrativnost. Uz pomoć dekorativnog slikarstva on samo stvara idealan prostor ispunjen svjetlom, bojom i literarnim konotacijama.

Zlatni paviljon Kinkakuji, Kyoto, 1397

Jevgen Pogorelov / flickr.com, 2006

Zlatni hram jedan je od simbola Japana, koji je, ironično, više proslavljen svojim uništenjem nego gradnjom. Godine 1950. mentalno nestabilni redovnik samostana Rokuonji, kojem pripada ova zgrada, zapalio je jezerce koje je stajalo na površini
paviljon U požaru 1950. godine hram je gotovo uništen. Restauratorski radovi u Kinkaku-ji započeli su 1955., do 1987. obnova je u cjelini završena, ali zamjena potpuno izgubljenog uređenje interijera nastavio do 2003.. Pravi motivi njegova čina ostali su nejasni, no u interpretaciji pisca Yukia Mishime za to je kriva nedostižna, gotovo mistična ljepota ovog hrama. Doista, Kinkakuji se nekoliko stoljeća smatrao oličenjem japanske ljepote.

Godine 1394. šogun Ashikaga Yoshimitsu (1358.-1408.), koji je podčinio gotovo cijeli Japan svojoj volji, formalno se povukao i nastanio u namjenski sagrađenoj vili u sjevernom Kyotu. Troslojna zgrada na umjetnom jezeru Kyokoti ("jezero-ogledalo") imala je ulogu svojevrsne pustinje, osamljenog paviljona za opuštanje, čitanje i molitvu. Sadržao je zbirku slika šoguna, knjižnicu i zbirku budističkih relikvija. Smješten na vodi blizu obale, Kinkakuji je imao samo komunikaciju čamcem s obalom i bio je isti otok kao i umjetni otoci s kamenjem i borovima raštrkani oko Kyokotija. Ideja o "otoku nebesnika" posuđena je iz kineske mitologije, u kojoj je otok Penglai, otok besmrtnika, služio kao slika nebeskog prebivališta. Odraz paviljona u vodi već budi budističke asocijacije na ideje o iluzornosti svijeta smrtnika koji je samo blijed odraz sjaja svijeta budističke istine.

Iako su svi ti mitološki prizvuci spekulativni, položaj paviljona daje nevjerojatan sklad i sklad. Refleksija skriva zdepastu zgradu, čineći je višom i vitkijom; u isto vrijeme, visina paviljona omogućuje da se vidi s bilo koje obale jezera, uvijek na tamnoj pozadini zelenila.

Ostaje, međutim, nejasno koliko je ovaj paviljon bio zlatan izvorni oblik. Vjerojatno je pod Ashikaga Yoshimitsuom doista bio prekriven zlatnim listićima i zaštitnim slojem laka. Ali ako vjerujete fotografijama iz 19. - početka 20. stoljeća i Yukio Mishime, tada se do sredine 20. stoljeća pozlata gotovo ogulila i njezini ostaci bili su vidljivi samo na gornjem sloju zgrade. U ovo doba, on je dirnuo dušu šarmom pustoši, tragom vremena, neumoljivim i prema najljepšim stvarima. Ovaj melankolični šarm odgovarao je estetskom principu sabi vrlo cijenjen u japanskoj kulturi.

Na ovaj ili onaj način, sjaj ove građevine uopće nije bio u zlatu. Izuzetna strogost Kinkakuji oblika i njegov besprijekoran sklad s krajolikom čine ga jednim od remek-djela japanske arhitekture.

Zdjela "Iris" u stilu karatsu, XVI-XVII stoljeća

Diane Martineau /pinterest.com/Muzej umjetnosti Metropolitan, New York

Riječ meibutsu- stvar s imenom. Zaista je sačuvan samo naziv ove čaše, budući da nije sačuvano točno vrijeme i mjesto njezina nastanka, kao ni ime majstora. Ipak, klasificiran je kao nacionalno blago Japana i jedan je od jasni primjeri keramika u nacionalnom stilu.

Krajem 16. stoljeća ceremonija ispijanja čaja ča-no-ju napustila sofisticiranu Kineski porculan te keramika s glazurama koje podsjećaju na plemenite materijale. Njihova spektakularna ljepota činila se majstorima čaja previše umjetnom i otvorenom. Savršeni i skupi predmeti - zdjele, posude za vodu i spremnici za čaj - nisu odgovarali gotovo asketskim duhovnim kanonima zen budizma, u čijem se duhu razvila ceremonija čaja. Prava revolucija u djelovanju čaja bila je privlačnost japanskoj keramici, mnogo jednostavnijoj i neumjetnijoj u vrijeme kada su japanske radionice tek počele svladavati tehnologije kontinentalne keramike.

Oblik peruničke zdjele je jednostavan i nepravilan. Lagana zakrivljenost stijenki, lončarska udubljenja vidljiva po cijelom tijelu daju zdjeli gotovo naivnu lakoću. Krhotina gline prekrivena je svijetlom glazurom s mrežom pukotina - krakelurom. Na prednjoj strani, koja se obraća gostu tijekom ceremonije čaja, ispod glazure je nanesena slika irisa: crtež je naivan, ali izveden energičnim kistom, točno, kao u jednom pokretu, u duhu zena kaligrafija. Čini se da su i forma i dekor mogli biti izrađeni spontano i bez primjene posebnih snaga.

Ova spontanost odražava ideal wabi- jednostavnost i bezumnost, rađajući osjećaj duhovne slobode i sklada. Svaka osoba ili čak neživi predmet u pogledima japanskih sljedbenika zen budizma ima prosvijetljenu prirodu Bude, a napori adepta usmjereni su na otkrivanje ove prirode u sebi i svijetu oko sebe. Stvari korištene u ceremoniji čaja, uza svu svoju nespretnost, trebale su pobuditi duboki doživljaj istine, aktualnosti svakog trenutka, natjerati da se zaviri u najobičnije oblike i u njima vidi istinsku ljepotu.

Kontrast gruboj teksturi zdjelice i njezinoj jednostavnosti je restauracija sitno otkrhnutim zlatnim lakom (ova tehnika tzv. kintsugi). Restauracija je izvršena u 18. stoljeću i pokazuje poštovanje s kojim su se japanski majstori čaja odnosili prema priboru za čajnu ceremoniju. Dakle, ceremonija čaja pruža sudionicima "put" da otkriju pravu ljepotu stvari, kao što je zdjela s perunikom. Implicitnost, tajnovitost postala je osnova estetskog koncepta wabija i važan dio japanskog svjetonazora.

Portret redovnika Gandzina, Nara, 763

Toshodaiji, 2015. (enciklopedijska natuknica).

U VIII stoljeću skulptura je postala glavni oblik umjetničkog izražavanja epohe, Nara ere (710-794), povezane s formiranjem japanske državnosti i jačanjem budizma. Japanski majstori već su prošli fazu naukovanja i slijepog oponašanja kontinentalnih tehnika i slika te počeli slobodno i živo izražavati duh svoga vremena u kiparstvu. Širenje i rast autoriteta budizma uzrokovali su pojavu budističkog kiparskog portreta.

Jedno od remek-djela ovog žanra je portret Gandzina, nastao 763. godine. Izrađena u tehnici suhog lakiranja (nagradnjom slojeva laka na drveni okvir obložen tkaninom), skulptura je gotovo prirodnoj veličini je realistično naslikan, a u polumraku hrama Ganjin je sjedio u pozi meditacije "kao živ". Ova životna sličnost bila je glavna kultna funkcija takvih portreta: učitelj je uvijek morao biti unutar zidina samostana Todaiji u gradu Nara i biti prisutan na najvažnijim božanskim službama.

Kasnije, u 11.-13. stoljeću, kiparski portreti dostigli su gotovo nemilosrdni iluzionizam, prikazujući staračku nemoć časnih učitelja, njihova udubljena usta, opuštene obraze i duboke bore. Ovi portreti gledaju pristaše budizma živim očima, umetnutim kamenim kristalom i drvom. Ali Gandzinovo lice izgleda mutno, u njemu nema jasnih kontura i jasnih oblika. Kapci poluzatvorenih i neinkrustiranih očiju izgledaju natečeni; napeta usta i duboke nazolabijalne bore više izražavaju uobičajeni oprez nego koncentraciju meditacije.

Sve te značajke otkrivaju dramatičnu biografiju ovog redovnika, priču o nevjerojatnom asketizmu i tragedijama. Ganjin, kineski budistički redovnik, pozvan je u Japan na ceremoniju posvećenja najvećeg samostana u Nari, Todaiji. Brod su zarobili pirati, neprocjenjivi svici i budističke skulpture koje su bile namijenjene udaljenom japanskom hramu nestali su u požaru, Ganjin je opekao lice i izgubio vid. Ali nije ostavio želju da propovijeda na dalekim rubovima civilizacije - naime, kako je Japan percipiran od strane kontinenta u to vrijeme.

Još nekoliko pokušaja prelaska mora završilo je na isti neuspješan način, a tek u petom pokušaju već sredovječni, slijepi i boležljivi Ganjin stiže do japanske prijestolnice Nare.

U Japanu Ganjin nije dugo podučavao budistički zakon: dramatični događaji u njegovu životu potkopali su njegovo zdravlje. Ali njegov je autoritet bio toliko visok da je, vjerojatno, čak i prije njegove smrti, odlučeno stvoriti njegovu skulpturu. Bez sumnje, umjetnici-redovnici nastojali su skulpturi dati što je moguće više sličnosti s modelom. Ali to nije učinjeno da se spasi izgled osobe, već uhvatiti njezino individualno duhovno iskustvo, taj teški put koji je Ganjin prošao i na koji je pozivalo budističko učenje.

Daibutsu - Veliki Buda iz hrama Todaiji, Nara, sredina 8. stoljeća

Todd/flickr.com

Sredinom 8. stoljeća Japan je stradao od prirodnih katastrofa i epidemija, a spletke utjecajne obitelji Fujiwara i pobuna koju su podigli natjerali su cara Shomua da pobjegne iz prijestolnice, grada Nare. U egzilu se zavjetovao da će slijediti put budističkih učenja i 743. naredio izgradnju glavnog hrama u zemlji i izlijevanje kolosalne brončane statue Buddhe Vairochana (Buddha Veliko Sunce ili Sveobuhvatna Svjetlost). Ovo se božanstvo smatralo univerzalnom inkarnacijom Buddhe Shakyamunija, utemeljitelja budističkih učenja, i trebalo je postati jamac zaštite cara i cijele zemlje tijekom razdoblja nemira i pobune.

Radovi su započeli 745. godine i rađeni su po uzoru na divovsku statuu Bude u pećinskim hramovima Longmen u blizini kineske prijestolnice Luoyanga. Kip u Nari, kao i svaka slika Buddhe, trebao je prikazivati ​​"velike i male znakove Buddhe". Ovaj ikonografski kanon uključivao je izdužene ušne resice, što je podsjećalo na činjenicu da je Buddha Shakyamuni potjecao iz kneževske obitelji i da je od djetinjstva nosio teške naušnice, uzvišenje na vrhu glave (ushnisha), točku na čelu (urnu).

Visina kipa bila je 16 metara, širina lica 5 metara, duljina ispruženog dlana 3,7 metara, a urna je bila veća od ljudske glave. Izgradnja je odnijela 444 tone bakra, 82 tone kositra i golemu količinu zlata za kojim se posebno tragalo na sjeveru zemlje. Dvorana, Daibutsuden, podignuta je oko kipa kako bi zaštitila svetište. U svom malom prostoru blago pognuta figura Bude koja sjedi sjedi ispunjava cijeli prostor, ilustrirajući jedan od glavnih postulata budizma - ideju da je božanstvo sveprisutno i sveprožimajuće, ono obuhvaća i ispunjava sve. Transcendentalna smirenost lica i gesta ruke božanstva (mudra, gesta pružanja zaštite) nadopunjuju osjećaj smirene veličine i moći Buddhe.

Međutim, danas je ostalo samo nekoliko fragmenata izvornog kipa: požari i ratovi nanijeli su ogromnu štetu kipu u 12. i 16. stoljeću, a moderni kip uglavnom je odljev iz 18. stoljeća. Tijekom obnove u 18. stoljeću brončana figura više nije bila prekrivena zlatom. Budistički žar cara Shomua u 8. stoljeću praktički je ispraznio riznicu i raskrvario ionako šokiranu zemlju, a kasniji si vladari više nisu mogli priuštiti tako neumjereno trošenje.

Ipak, značaj Daibutsua ne leži u zlatu, pa čak ni u pouzdanoj autentičnosti - sama ideja tako grandioznog utjelovljenja budističkih učenja spomenik je eri kada je japanska monumentalna umjetnost doživjela pravi procvat, oslobodila se slijepim kopiranjem kontinentalnih uzoraka i postignutom cjelovitošću i izražajnošću, koji su kasnije izgubljeni.

Japanci su otkrili ljepotu skrivenu u stvarima u 9.-12. stoljeću, u doba Heian (794.-1185.) i čak je označili posebnim pojmom " mono no avare"(japanski: 物の哀れ (もののあわれ)), što znači "tužna draž stvari." “Šarm stvari” jedna je od najranijih definicija ljepote u japanskoj književnosti, povezana je sa šintoističkim vjerovanjem da svaka stvar ima svoje božanstvo - kami - i svoj jedinstveni šarm. Avare je unutarnja bit stvari, ono što izaziva užitak, uzbuđenje.

- Washi (wasi) ili wagami (wagami).
Ručna izrada papira. Srednjovjekovni Japanci cijenili su washi ne samo zbog njegovih praktičnih kvaliteta, već i zbog ljepote. Bila je poznata po svojoj suptilnosti, gotovo prozirnosti, što joj, međutim, nije oduzimalo snagu. Washi se pravi od kore drveta kozo (duda) i nekih drugih stabala.
Washi papir se čuvao stoljećima, dokazi za to su albumi i svesci drevne japanske kaligrafije, slike, paravani, gravure koje su kroz stoljeća došle do danas.
Vasyin papir je vlaknast, ako pogledate kroz mikroskop, vidjet ćete pukotine kroz koje prodire zrak i sunčeva svjetlost. Ova se kvaliteta koristi u proizvodnji paravana i tradicionalnih japanskih lampiona.
Washi suveniri vrlo su popularni među Europljanima. Od ovog papira izrađuju se mnogi sitni i korisni predmeti: novčanici, kuverte, lepeze. Prilično su izdržljivi, ali lagani.

- Gohei.
Maskota iz papirnate trake. Gohei - obredni štap šintoističkog svećenika na koji su pričvršćene papirnate cik-cak trake. Iste trake papira obješene su na ulazu u šintoističko svetište. Uloga papira u šintoizmu tradicionalno je bila vrlo velika, a proizvodima od njega uvijek se pridavalo ezoterično značenje. A vjerovanje da svaka stvar, svaka pojava, pa i riječi, sadrži kami – božanstvo – objašnjava pojavu ove vrste primijenjene umjetnosti kao gohei. Šintoizam je donekle sličan našem poganstvu. Za šintoiste, kami je posebno voljan smjestiti se u sve što je neuobičajeno. Na primjer, na papiru. A još više u goheiju uvijenom u zamršeni cik-cak, koji danas visi ispred ulaza u šintoistička svetišta i ukazuje na prisutnost božanstva u hramu. Postoji 20 načina slaganja goheija, a oni koji su posebno neobično presavijeni privlače kami. Gohei je pretežno bijele boje, ali postoje i zlatne, srebrne i mnoge druge nijanse. Od 9. stoljeća u Japanu postoji običaj da se sumo hrvačima prije početka borbe učvrste gohei na pojasevima.

- Anesama.
Ovo je proizvodnja papirnatih lutaka. U 19. stoljeću žene samuraja izrađivale su papirnate lutke s kojima su se djeca igrala, oblačeći ih u različitu odjeću. U vremenima kada nije bilo igračaka, anesama je djeci bila jedina sagovornica, „obavljala“ je ulogu majke, starije sestre, djeteta i drugarice.
Lutka je presavijena od japanskog washi papira, kosa je napravljena od zgužvanog papira, obojana tintom i premazana ljepilom koje joj daje sjaj. Posebnost je lijep mali nos na duguljastom licu. Danas se ova jednostavna igračka, koja zahtijeva samo vješte ruke, tradicionalnog oblika, nastavlja izrađivati ​​na isti način kao i prije.

- Origami.
Drevna umjetnost savijanja papira (折り紙, doslovno: "presavijeni papir"). Umjetnost origamija ima svoje korijene u Drevna Kina gdje je izumljen papir. U početku se origami koristio u vjerskim obredima. Dugo je vremena ova vrsta umjetnosti bila dostupna samo predstavnicima viših klasa, gdje je znak dobrog ukusa bio posjedovanje tehnika savijanja papira. Tek nakon Drugog svjetskog rata origami je otišao izvan Istoka i došao u Ameriku i Europu, gdje je odmah pronašao svoje obožavatelje. Klasični origami presavijen je s kvadratnog lista papira.
Postoji određeni skup konvencionalnih simbola potrebnih za skiciranje sheme savijanja čak i najsloženijeg proizvoda. Većinu konvencionalnih znakova u praksu je sredinom 20. stoljeća primijenio slavni japanski majstor Akira Yoshizawa.
Klasični origami propisuje korištenje jednog kvadratnog ravnomjerno obojenog lista papira bez ljepila i škara. Suvremene umjetničke forme ponekad odstupaju od ovog kanona.

- Kirigami.
Kirigami je umijeće izrezivanja različitih oblika od nekoliko puta presavijenog lista papira uz pomoć škara. Vrsta origamija koja omogućuje korištenje škara i rezanje papira u procesu izrade modela. Ovo je glavna razlika između kirigamija i drugih tehnika savijanja papira, što je naglašeno u nazivu: 切る (kiru) - rez, 紙 (gami) - papir. Svi smo u djetinjstvu voljeli rezati snježne pahulje - varijanta kirigamija, ovom tehnikom možete izrezati ne samo snježne pahulje, već i razne figure, cvijeće, vijence i druge slatke stvari od papira. Ovi se proizvodi mogu koristiti kao šablone za printeve, ukrase za albume, razglednice, okvire za fotografije, modni dizajn, dizajn interijera i druge razne dekoracije.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 ili いけばな) prevedeno s Japanski jezik- ike” - život, “bana” - cvijeće, odnosno “cvijeće koje živi”. Japanska umjetnost aranžiranja cvijeća jedna je od najljepših tradicija japanskog naroda. Pri sastavljanju ikebane, uz cvijeće, koriste se odrezane grane, lišće i mladice.Temeljno načelo je izuzetna jednostavnost, za što se nastoji isticati prirodna ljepota bilje. Ikebana je stvaranje novog prirodnog oblika, u kojem se skladno spajaju ljepota cvijeta i ljepota duše majstora koji stvara kompoziciju.
Danas u Japanu postoje 4 glavne škole ikebane: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Osim njih, postoji oko tisuću različitih pravaca i trendova koji se pridržavaju jedne od ovih škola.

- Oribana.
Sredinom 17. stoljeća dvije škole ohara (glavni oblik ikebane - oribana) i koryu (glavni oblik - sek) odstupile su od ikenoba. Inače, škola ohara još uvijek proučava samo oribanu. Kako kažu Japanci, vrlo je važno da se origami ne pretvori u origami. Gomi na japanskom znači smeće. Uostalom, kako to biva, presavio si komad papira, i što onda s njim? Oribana nudi puno ideja za bukete za uređenje interijera. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Pogreška.
Vrsta likovne umjetnosti nastala iz cvjećarstva. Cvjećarstvo se u našoj zemlji pojavilo prije osam godina, iako u Japanu postoji više od šest stotina godina. Negdje u srednjem vijeku, samuraji su shvatili put ratnika. I oshibana je bila dio tog puta, baš kao pisanje hijeroglifa i vitlanje mačem. Značenje pogreške bilo je u tome što je u stanju potpune prisutnosti u trenutku (satori) majstor stvorio sliku od suhog cvijeća (prešano cvijeće). Tada bi ova slika mogla poslužiti kao ključ, putokaz onima koji su bili spremni ući u tišinu i doživjeti taj isti satori.
Suština umjetnosti "oshibana" je da sakupljanjem i sušenjem pod pritiskom cvijeća, bilja, lišća, kore i lijepljenjem na podlogu, autor uz pomoć biljaka stvara istinsko "slikarsko djelo". Drugim riječima, pogrešno je slikati s biljkama.
Umjetničko stvaralaštvo cvjećari temelji se na očuvanju oblika, boje i teksture osušenog biljnog materijala. Japanci su razvili tehniku ​​zaštite "oshibana" slika od blijeđenja i tamnjenja. Njegova suština je da se između stakla i slike ispumpava zrak i stvara vakuum koji sprječava kvarenje biljaka.
Privlači ne samo nekonvencionalnost ove umjetnosti, već i mogućnost pokazivanja mašte, ukusa, znanja o svojstvima biljaka. Cvjećari stvaraju ukrase, krajolike, mrtve prirode, portrete i slike s pričama.

- Bonsai.
Bonsai se kao fenomen pojavio prije više od tisuću godina u Kini, ali je vrhunac razvoja ova kultura doživjela tek u Japanu. (bonsai - japanski 盆栽 lit. "biljka u loncu") - umijeće uzgoja točne kopije pravog stabla u minijaturi. Ove biljke uzgajali su budistički redovnici nekoliko stoljeća prije naše ere, a kasnije su postale jedna od aktivnosti lokalnog plemstva.
Bonsai je krasio japanske domove i vrtove. U eri Tokugawa dizajn parka dobio je novi poticaj: uzgoj azaleja i javora postao je zabava za bogate. Razvila se i proizvodnja patuljastih usjeva (hachi-no-ki - "stablo u loncu"), ali su bonsai tog vremena bili vrlo veliki.
Sada se za bonsai koriste obična stabla, koja postaju mala zbog stalnog rezidbe i raznih drugih metoda. Istodobno, omjer veličina korijenskog sustava, ograničenog volumenom zdjele, i prizemnog dijela bonsaija odgovara proporcijama odraslog stabla u prirodi.

- Mizuhiki.
Analog makramea. Ovo je drevna japanska primijenjena umjetnost vezanja različitih čvorova od posebnih užeta i stvaranja uzoraka od njih. Takva su umjetnička djela imala iznimno širok raspon - od poklon kartica i pisama do frizura i torbica. Trenutno se mizuhiki iznimno široko koristi u industriji darova - za svaki događaj u životu, dar treba biti zamotan i vezan na vrlo specifičan način. U umjetnosti mizuhikija postoji izuzetno mnogo čvorova i kompozicija, a ne zna ih svaki Japanac sve napamet. Naravno, postoje najčešći i jednostavni čvorovi koji se najčešće koriste: za čestitke na rođenju djeteta, za vjenčanje ili komemoraciju, rođendan ili prijemni na fakultet.

- Kumihimo.
Kumihimo je japanska pletenica. Prilikom tkanja niti se dobivaju vrpce i čipke. Ove čipke su tkane na posebnim strojevima - Marudai i Takadai. Stroj Marudai služi za tkanje okruglih čipki, a Takadai za ravne. Kumihimo na japanskom znači "pletenje užadi" (kumi - tkanje, savijanje, himo - uže, čipka). Unatoč činjenici da povjesničari tvrdoglavo inzistiraju da se slično tkanje može naći kod Skandinavaca i stanovnika Anda, japanska umjetnost kumihimo doista je jedna od najstarijih vrsta tkanja. Prvi spomen datira iz 550. godine, kada se budizam proširio Japanom, a posebne ceremonije zahtijevale su posebna odlikovanja. Kasnije su se kumihimo vezice počele koristiti kao fiksator za obi pojas na ženskom kimonu, kao užad za "pakiranje" cjelokupnog samurajskog arsenala oružja (samuraji su kumihimo koristili u dekorativne i funkcionalne svrhe za vezivanje oklopa i konjskih oklopa) i također za vezanje teških predmeta.
Različiti uzorci modernog kumihima vrlo se lako tkaju na domaćim kartonskim tkalačkim stanovima.

- Komono.
Što ostaje od kimona nakon što odsluži svoje vrijeme? Mislite li da se baca? Ništa slično ovome! Japanci to nikada neće učiniti. Kimona su skupa. Nezamislivo je i nemoguće tek tako baciti... Uz druge vrste recikliranja kimona, majstorice su od sitnih komadića izrađivale male suvenire. To su male igračke za djecu, lutke, broševi, vijenci, ženski nakit i drugi proizvodi, stari kimono se koristi u izradi malih slatkih stvari, koje se zajednički nazivaju "komono". Sitnice koje će zaživjeti vlastitim životom, nastavljajući put kimona. To znači riječ "komono".

- Kanzashi.
Umijeće ukrašavanja kopči za kosu (najčešće ukrašenih cvjetićima (leptirićima i sl.) od tkanine (uglavnom svile). Japanski kanzashi (kanzashi) je duga ukosnica za tradicionalnu japansku žensku frizuru. Izrađivale su se od drva, laka, srebro, kornjačin oklop koji se koristio u tradicionalnim kineskim i japanskim frizurama. Prije otprilike 400 godina, u Japanu se stil ženskih frizura promijenio: žene su prestale češljati kosu u tradicionalnom obliku - taregami (duga ravna kosa) i počele su je oblikovati u zamršene i bizarnih oblika - nihongami.koristio razne predmete - ukosnice, štapiće, češljeve.Tada se čak i jednostavan kushi češalj-češalj pretvara u elegantan dodatak iznimne ljepote, koji postaje pravo umjetničko djelo.Japanska ženska tradicionalna nošnja nije dopustiti zapešće nakit i ogrlice, tako da su frizure glavna ljepotica i polje za samoizražavanje - kao i demonstriranje ukusa i debljine vlasnikovog novčanika. Na gravurama možete vidjeti - ako bolje pogledate - kako su Japanke lako objesile do dvadeset skupih kanzashija u svoje frizure.
Sada postoji oživljavanje tradicije korištenja kanzashi među mladim Japankama koje žele dodati sofisticiranost i eleganciju svojim frizurama, moderne ukosnice mogu biti ukrašene sa samo jednim ili dva fina ručno izrađena cvijeta.

- Kinusaiga.
Nevjerojatna vrsta ručnih radova iz Japana. Kinusaiga (絹彩画) je križanac između batika i patchworka. Glavna ideja je da se nove slike skupljaju iz starih svilenih kimona dio po dio - istinska djela umjetnost.
Prvo umjetnik radi skicu na papiru. Zatim se ovaj crtež prenese na drvenu ploču. Kontura uzorka se prorezuje utorima, ili utorima, a zatim se iz starog svilenog kimona izrežu mali komadići, koji odgovaraju boji i tonu, a rubovi tih komadića ispunjavaju utore. Kada gledate takvu sliku, imate osjećaj da gledate fotografiju ili čak samo promatrate krajolik izvan prozora, toliko su realistični.

- Temari.
Ovo su tradicionalne japanske geometrijske izvezene lopte izrađene jednostavnim šavovima koje su nekoć bile dječja igračka, a sada su postale umjetnička forma s brojnim obožavateljima ne samo u Japanu nego i diljem svijeta. Vjeruje se da su prije mnogo vremena ove proizvode izrađivale žene samuraja za zabavu. U samom početku stvarno su se koristile kao lopta za igru ​​loptom, ali su postupno počele dobivati ​​likovne elemente, a kasnije su se pretvorile u ukrasne ukrase. Nježna ljepota ovih kuglica poznata je diljem Japana. A danas su šareni, pažljivo izrađeni proizvodi jedna od vrsta narodnih zanata u Japanu.

- Yubinuki.
Japanski naprsci, kod ručnog šivanja ili vezenja, stavljaju se na srednju falangu srednjeg prsta radne ruke, vrhovima prstiju se igli daje željeni smjer, a igla se provlači kroz prsten na sredini prst u poslu. U početku su se japanski yubinuki naprsci izrađivali prilično jednostavno - traka guste tkanine ili kože širine oko 1 cm u nekoliko slojeva bila je čvrsto omotana oko prsta i pričvršćena s nekoliko jednostavnih ukrasnih šavova. Budući da su yubinuki bili neophodni predmeti u svakom domu, počeli su se ukrašavati geometrijskim vezom svilenim nitima. Od prepleta uboda, šarenih i zamršeni uzorci. Yubinuki se od jednostavnog kućnog predmeta pretvorio i u predmet za "divljenje", ukras svakodnevnog života.
Yubinuki se još uvijek koriste u šivanju i vezenju, no mogu se pronaći i jednostavno nošeni na rukama na bilo kojem prstu, poput ukrasnog prstenja. Vez u stilu Yubinuki koristi se za ukrašavanje raznih predmeta u obliku prstena - prstenovi za salvete, narukvice, temari stalci, ukrašeni yubinuki vezom, a postoje i izvezeni kreveti za igle u istom stilu. Yubinuki uzorci mogu biti izvrsna inspiracija za temari obi vez.

- Suibokuga ili sumie.
Japansko slikarstvo tušem. Ovaj kineski stil slikarstvo su posudili japanski umjetnici u 14. st., a do kraja 15.st. postala glavna struja slikarstva u Japanu. Suibokuga je jednobojna. Karakterizira ga korištenje crne tinte (sumi), čvrstog oblika drveni ugljen ili se pravi od čađe kineske tinte, koja se samelje u posudi za tintu, razrijedi vodom i nanese kistom na papir ili svilu. Jednobojni nudi majstoru beskrajan izbor tonskih opcija, koje su Kinezi davno prepoznali kao "boje" tinte. Suibokuga ponekad dopušta upotrebu stvarnih boja, ali je ograničava na tanke, prozirne poteze koji uvijek ostaju podređeni liniji tinte. Slikanje tušem dijeli s umjetnošću kaligrafije takve bitne karakteristike kao što su strogo kontrolirani izraz i tehničko majstorstvo oblika. Kvaliteta slikanja tušem svodi se, kao i u kaligrafiji, na cjelovitost i otpornost na kidanje linije nacrtane tušem, koja takoreći drži umjetničko djelo na sebi, kao što kosti drže na sebi tkivo.

- Etegami.
Crtane razglednice (e - slika, označeno - pismo). Izrada razglednica "uradi sam" općenito je vrlo popularna aktivnost u Japanu, a pred blagdane njena popularnost još više raste. Japanci vole slati razglednice svojim prijateljima, a vole ih i primati. Ovo je vrsta brzog pisma na posebnim prazninama, može se poslati poštom bez koverte. Ne u etegami posebna pravila ili tehničar, to može biti bilo koja osoba bez posebne obuke. Etagami pomaže u preciznom izražavanju raspoloženja, dojmova, ovo je ručno izrađena razglednica koja se sastoji od slike i kratkog pisma, prenoseći emocije pošiljatelja, kao što su toplina, strast, briga, ljubav itd. Ove razglednice šalju za blagdane i tek tako, s prikazom godišnjih doba, aktivnosti, povrća i voća, ljudi i životinja. Što je ova slika jednostavnija nacrtana, to izgleda zanimljivije.

- Furoshiki.
Japanska tehnika zamatanja ili umjetnost savijanja platna. Furoshiki je dugo ušao u život Japanaca. Sačuvani su drevni svici iz razdoblja Kamakura-Muromachi (1185. - 1573.) sa slikama žena koje na glavi nose svežnjeve odjeće umotane u tkaninu. Ova zanimljiva tehnika nastala je još 710. - 794. godine nove ere u Japanu. Riječ "furoshiki" doslovno se prevodi kao "tepih za kupanje" i kvadratni je komad tkanine koji se koristio za omatanje i nošenje predmeta svih oblika i veličina.
U starim danima bilo je uobičajeno hodati u japanskim kupkama (furo) u laganim pamučnim kimonima, koje su posjetitelji nosili sa sobom od kuće. Kupač je ponio i posebnu prostirku (shiki) na kojoj je stajao dok se svlačio. Nakon što se presvukao u kimono za "kupanje", posjetitelj je svoju odjeću zamotao u prostirku, a nakon kupanja mokri kimono zamotao je u prostirku kako bi ga donio kući. Tako je prostirka za kupanje postala multifunkcionalna torba.
Furoshiki je vrlo jednostavan za korištenje: tkanina poprima oblik predmeta koji omotate, a ručke olakšavaju nošenje tereta. Osim toga, dar umotan ne u tvrdi papir, već u meku, višeslojnu tkaninu, dobiva posebnu izražajnost. Postoji mnogo shema za sklapanje furoshikija za svaku priliku, svakodnevnu ili svečanu.

- Amigurumi.
Japanska umjetnost pletenja ili heklanja malih plišanih životinja i humanoidnih bića. Amigurumi (編み包み, dosl.: “pleteni-zamotani”) najčešće su slatke životinje (kao što su medvjedi, zečići, mačke, psi itd.), čovječuljci, ali mogu biti i neživi predmeti obdareni ljudskim svojstvima. Na primjer, cupcakes, šeširi, torbice i drugi. Amigurumi je pleten ili pleten ili kukičan. Nedavno su heklani amigurumi postali popularniji i češći.
pletena od pređe jednostavnim načinom pletenja - u spiralu i, za razliku od europskog načina pletenja, krugovi obično nisu povezani. Također se heklaju na manjoj veličini u odnosu na debljinu pređe kako bi se stvorila vrlo gusta tkanina bez ikakvih praznina za izlazak nadjeva. Amigurumi se često prave od dijelova i potom sastavljaju, osim nekih amiguruma, koji nemaju udove, već samo glavu i torzo, koji su jedna cjelina. Udovi su ponekad ispunjeni plastičnim komadima kako bi im se dala živa težina, dok je ostatak tijela ispunjen vlaknastim punjenjem.
Širenje estetike amigurumija olakšava njihova ljupkost ("kawaii").

Svoje slike stvarao je tijekom razdoblja Taise (1912.-26.) i ranog Showa. Rođen je 1891. godine
godine u Tokiju, bio je sin novinara Kishida Ginka. 1908. završio školu, god
S 15 godina postao je kršćanin i posvetio se crkvenim aktivnostima, zatim Kishida
Ryūsei je studirao zapadnjačke umjetničke stilove u studiju Hakubakai pod
Seiki Kuroda (1866-1924), koji je bio jedan od osnivača Akademije umjetnosti u Japanu.
Već 1910. mladi umjetnik počinje izlagati svoje radove na godišnjem
Bantenska državna izložba. Njegovi rani radovi, osobito krajolici, slikani su
snažno utjecao i ponovio stil svog učitelja Kurode Seikija.

Reiko portret

Kasnije se umjetnik upoznao i sprijateljio s Musanokom Saneatsuom (Mushanokoji Saneatsu),
koji je umjetnika uveo u Sirakaba (Bijela breza) društvo i upoznao ga s europskim
Fovizam i kubizam. Formiranje Kishide Ryūseija kao umjetnika dogodilo se u prvom
desetljeća dvadesetog stoljeća, kada su mnogi japanski mladi umjetnici otišli na studij
slika u inozemstvu, prvenstveno u Parizu. Kishida Ryūsei nikada nije bio u Europi i
nije učio kod europskih majstora, ali utjecaj europskog postimpresionizma na nj
bio je ogroman, posebno rad Van Gogha i Cezannea. Od kraja 1911. do poč
1912. inspiriran je radom suvremenih francuskih umjetnika, s čijim radom
Upoznao se u časopisu Shirakaba i kroz ilustrirane knjige. Njegov rani rad jasno je
nastao pod utjecajem Henrija Matissea i fovista.

Autoportret sa šeširom, 1912
stil: fovizam

Godine 1912., u dobi od dvadeset i jedne godine, Kishida Ryūsei debitirao je kao
godine održao svoju prvu samostalnu izložbu profesionalnog umjetnika
Umjetnička galerija Rokando. Iste godine umjetnik je organizirao svoj
Umjetnički krug Fyizankai za proučavanje i promicanje
postimpresionizam.

Vrt predsjednika Južnomandžurske željezničke kompanije 1929

Krug se ubrzo raspao zbog unutarnji sukobi nakon dvije izložbe.
Otprilike od 1914. umjetnik je napustio fovizam, svoj rani stil. Godine 1915
godine, Kishida Reisai je stvorio grupu Shodosa, u kojoj je njegov glavni drug, student
a umjetnik Michisai Kono bio je sljedbenik.

Staza u rano ljeto 1917
stil: yoga-ka

Od tada je razvio svoj jedinstveni stil velikog majstora, na japanskom
na jeziku se naziva "shajitsu" ili "shasei", obično se prevodi na ruski kao realizam.
Umjetnik pojednostavljuje forme, pronalazi jedinstvenu boju, sve to dolazi iz umjetnosti
Cezanne. Iako je Kishida Reisai visoko cijenio umjetnost Francuske, ali u kasnijem razdoblju on
smatrao istočnjačkom umjetnošću daleko superiornijom zapadnoj umjetnosti.

Cesta usječena kroz brdo, 1915
stil: yoga-ka

Portret Bernarda Leacha, 1913
stil: fovizam

Autoportret, 1915.
stil: yoga-ka

Autoportret, 1913.,
stil: yoga-ka

Autoportret, 1917.,
stil: yoga-ka

Portret muškarca
stil: yoga-ka

Počevši oko 1917., umjetnik se preselio u Kugenuma Fujisawa u području Kanagawa. On je počeo
proučavati stilove i tehnike sjevernoeuropskih renesansnih umjetnika kao što su
Dürer i Van Dyck. Tijekom tog razdoblja naslikao je svoju poznatu seriju slika Reikove kćeri,
koji spajaju gotovo fotografski realizam s nadrealnim
ukrasni elementi. Početkom 1920-ih, Kishida Ryūsei se zainteresirao za
elementi orijentalne umjetnosti, posebno na kineske slike "Pjesme" i
"Dinastija Yuan".

"Portret Sanade Hisakichija"

Tijekom Velikog potresa u Kantu 1923. umjetnikov dom u Kugenumu bio je
uništen, Kishida Ryūsei se na kratko preselio u Kyoto, nakon čega je u veljači
1926 vratio živjeti u Kamakura. Dvadesetih godina prošlog stoljeća umjetnik je naslikao brojne
članci o estetici i povijesti japanskog slikarstva.

Šalica za čaj Zdjela za čaj i tri zelene jabuke, 1917
stil: sezanizam

Mrtva priroda, 1918.
stil: sezanizam

Dvije crvene jabuke, šalica za čaj, zdjela za čaj i boca, 1918
stil: sezanizam

Godine 1929., uz pomoć južnomandžurske željeznice, Kishida Ryūsei napravio je
jedino inozemno putovanje u mom životu, posjet Dalianu, Harbinu i Fengtianu
u Mandžuriji. Na povratku kući zaustavio se u okrugu Tokuyama
Yamaguchi, gdje je iznenada umro od akutnog samotrovanja tijela. Kishida Ryusei
stvarao svoje portrete, krajolike i mrtve prirode sve do svoje rane smrti godine
38 godina. Umjetnikov grob nalazi se na groblju Tama Reien u Tokiju. Nakon smrti
Kishida Ryūsei na dvije svoje slike Japanska vladina agencija za kulturna pitanja
dodijelio naziv „Narodni kulturna vrijednost". U prosincu 2000. jedan od
njegov portret njegove kćeri Reiko s rupčićem na ramenima prodan je za 360 milijuna jena, što
postala najviša cijena na japanskim aukcijama slika.

Ogromna regija, konvencionalno nazvana Daleki istok, uključuje Kinu, Japan, Koreju, Mongoliju i Tibet – zemlje koje imaju brojne sličnosti, ali u isto vrijeme i značajne razlike u kulturi.

Sve zemlje Dalekog istoka bile su pod utjecajem drevnih civilizacija Kine i Indije, gdje su već u 1. tisućljeću prije Krista nastala filozofska i religijska učenja koja su postavila temelje konceptu prirode kao sveobuhvatnog Kozmosa – živog i produhovljenog organizam koji živi po svojim zakonima. Priroda je bila u središtu filozofskih i umjetničkih traganja cijeloga srednjovjekovnog razdoblja, a njezini zakoni smatrani su univerzalnima, određujući život i odnose ljudi. Unutarnji svijet čovjeka uspoređen je s raznolikim manifestacijama prirode. To je utjecalo na razvoj simboličke metode u likovnim umjetnostima, definirajući njezin alegorijski pjesnički jezik. U Kini, Japanu i Koreji, pod utjecajem takvog odnosa prema prirodi, formirane su vrste i žanrovi umjetnosti, izgrađene su arhitektonske cjeline, usko povezane s okolnim krajolikom, vrtna umjetnost i, konačno, bila je zora pejzažnog slikarstva. Pod utjecajem staroindijske civilizacije počeo se širiti budizam, a hinduizam također u Mongoliji i Tibetu. Ovi religijski sustavi donijeli su ne samo nove ideje u zemlje Dalekog istoka, već su imali i izravan utjecaj na razvoj umjetnosti. Zahvaljujući budizmu, u svim zemljama regije pojavio se dotad nepoznat novi umjetnički jezik skulpture i slikarstva, stvoreni su ansambli čija je značajka bila interakcija arhitekture i likovne umjetnosti.

Značajke slike budističkih božanstava u kiparstvu i slikarstvu razvijale su se tijekom mnogih stoljeća kao poseban simbolički jezik koji je izražavao ideje o svemiru, moralnim zakonima i sudbini čovjeka. Tako su se učvrstili i sačuvali kulturno iskustvo i duhovne tradicije mnogih naroda. Slike budističke umjetnosti utjelovile su ideje o sukobu dobra i zla, milosrđa, ljubavi i nade. Sve te kvalitete odredile su originalnost i univerzalni značaj izvanrednih kreacija dalekoistočne umjetničke kulture.

Japan se nalazi na otocima Tihog oceana, koji se protežu duž istočne obale azijskog kopna od sjevera prema jugu. Japanski otoci nalazi se u području sklonom čestim potresima i tajfunima. Stanovnici otoka navikli su stalno biti na oprezu, zadovoljavajući se skromnim životom, brzo obnavljajući svoje domove i kućanstva nakon prirodnih katastrofa. Unatoč prirodnim elementima koji neprestano ugrožavaju dobrobit ljudi, japanska kultura odražava želju za skladom s vanjskim svijetom, sposobnost da se vidi ljepota prirode u velikom i malom.

U japanskoj mitologiji, božanski supružnici, Izanagi i Izanami, smatrani su precima svega na svijetu. Od njih je nastala trijada velikih bogova: Amaterasu – božica Sunca, Tsukiyomi – božica Mjeseca i Susanoo – bog oluje i vjetra. Prema zamislima starih Japanaca, božanstva nisu imala vidljiv izgled, već su bila utjelovljena u samoj prirodi – ne samo u Suncu i Mjesecu, već iu planinama i stijenama, rijekama i vodopadima, drveću i travama, što bili štovani kao duhovi-kami (Slovaci u prijevodu s japanskog znači božanski vjetar). Ovo obožavanje prirode zadržalo se kroz cijelo razdoblje srednjeg vijeka i nazvano je Shinto - put bogova, postavši japanska nacionalna religija; Europljani to zovu šinto. Porijeklo japanske kulture vuče korijene iz antike. Najranija umjetnička djela datiraju iz 4....2. tisućljeća pr. Najdulje i najplodnije za japansku umjetnost bilo je razdoblje srednjeg vijeka (6...19. st.).

Dizajn tradicionalne japanske kuće razvijen od 17. do 18. stoljeća. To je drveni okvir s tri pomične stijenke i jednom fiksnom. Zidovi nemaju funkciju nosača, pa se mogu razmaknuti ili čak ukloniti, a istovremeno služe i kao prozor. U toploj sezoni zidovi su bili rešetkasta struktura, oblijepljena prozirnim papirom koji je propuštao svjetlost, au hladnoj i kišnoj sezoni prekrivani su ili zamijenjeni drvenim pločama. Uz visoku vlažnost u japanskoj klimi, kuća mora biti ventilirana odozdo. Stoga je podignuta iznad razine tla za 60 cm, a kako bi zaštitili potporne stupove od propadanja, postavljeni su na kamene temelje.

Lagani drveni okvir imao je potrebnu fleksibilnost, što je smanjilo razornu snagu guranja tijekom čestih potresa u zemlji. Krov, popločan ili trska, imao je velike nadstrešnice koje su štitile papirnate zidove kuće od kiše i užarenog ljetnog sunca, ali nisu zadržavale slabu sunčevu svjetlost zimi, rano proljeće i kasnu jesen. Pod nadstrešnicom krova bila je veranda.

Pod dnevnih soba bio je prekriven strunjačama – tatamijem, na kojima se uglavnom sjedilo, a ne stajalo. Stoga su sve proporcije kuće bile usmjerene na osobu koja sjedi. Budući da u kući nije bilo stalnog namještaja, spavalo se na podu, na posebnim debelim madracima, koji su se preko dana odlagali u ormare. Jelo se, sjedeći na strunjačama, za niskim stolovima, a služilo se i za razna zanimanja. Klizne unutarnje pregrade, obložene papirom ili svilom, mogle su podijeliti unutarnje prostorije ovisno o potrebama, što je omogućilo njezinu raznovrsniju uporabu, međutim bilo je nemoguće da se svaki njezin stanovnik potpuno povuče u kuću, što je utjecalo na intra -obiteljski odnosi u japanskoj obitelji, au općenitijem smislu - o obilježjima nacionalnog karaktera Japanaca. Važan detalj kod kuće - niša smještena u blizini fiksnog zida - tokonama, gdje bi mogla visjeti slika ili stajati kompozicija cvijeća - ikebana. To je bilo duhovno središte kuće. U ukrašavanju niše očitovale su se individualne kvalitete stanovnika kuće, njihovi ukusi i umjetničke sklonosti.

Nastavak tradicionalne japanske kuće bio je vrt. Igrao je ulogu ograde i ujedno povezivao kuću sa okoliš. Razmicanjem vanjskih zidova kuće nestala je granica između unutarnjeg prostora kuće i vrta i stvorio se osjećaj blizine prirodi, neposredne komunikacije s njom. Bilo je važna značajka nacionalni osjećaj. Međutim, japanski gradovi su rasli, veličina vrta se smanjivala, često je zamijenjen malim simboličnim sastavom cvijeća i biljaka, koji je služio istoj ulozi kontakta između stana i prirodnog svijeta. kuća japanske mitologije ikebana netsuke

Umijeće aranžiranja cvijeća u vazama – ikebbna (život cvijeća) – potječe iz drevnog običaja stavljanja cvijeća na oltar božanstva, koji se s budizmom u 6. stoljeću proširio u Japan. Najčešće, kompozicija u stilu tog vremena - rikka (zasađeno cvijeće) - sastojala se od grana bora ili čempresa i lotosa, ruža, narcisa, ugrađenih u drevne brončane posude.

S razvojem svjetovna kultura u 10. ... 12. stoljeću cvjetni aranžmani postavljeni su u palače i stambene četvrti predstavnika aristokratske klase. Na carskom su dvoru postala popularna posebna natjecanja u aranžiranju buketa. U drugoj polovici 15. stoljeća pojavio se novi smjer u umjetnosti ikebane, čiji je začetnik bio majstor Ikenobo Sen'ei. Radovi škole Ikenobo odlikovali su se posebnom ljepotom i sofisticiranošću, postavljali su ih na kućne oltare i darivali. U 16. stoljeću, širenjem čajnih ceremonija, formirala se posebna vrsta ikebane koja je ukrašavala nišu tokonoma u čajnom paviljonu. Zahtjev za jednostavnošću, skladom, suzdržanim bojama, predstavljen svim predmetima kulta čaja, proširio se i na dizajn cvijeća - tyabana (ikebana za ceremoniju čaja). Slavni majstor čaja Senno Rikyu stvorio je novi, slobodniji stil - nageire (nehajno postavljeno cvijeće), iako je u prividnom neredu bila posebna složenost i ljepota slika ovog stila. Jedna od vrsta nageire bila je takozvana tsuribana, kada su se biljke stavljale u viseću posudu u obliku čamca. Takve su se skladbe nudile osobi koja je preuzela dužnost ili završila školu, jer su simbolizirale "izlazak na pučinu života". U 17. ... 19. stoljeću umjetnost ikebane postala je široko rasprostranjena, a pojavio se i običaj obvezne obuke djevojaka u umjetnosti izrade buketa. Međutim, zbog popularnosti ikebane, kompozicije su pojednostavljene, a stroga pravila stylerikke morala su se napustiti u korist nageire, iz koje je nastao još jedan novi stil seika ili shoka (živo cvijeće). Krajem 19. stoljeća majstor Ohara Usin stvorio je stil moribane, čija je glavna inovacija bila da se cvijeće stavlja u široke posude.

U sastavu ikebane, u pravilu, postoje tri obavezna elementa, koji označavaju tri principa: nebo, zemlju i čovjeka. Mogu se utjeloviti kao cvijet, grana i trava. Njihov međusobni odnos i dodatni elementi stvara djela različita stila i sadržaja. Zadatak umjetnika nije samo stvoriti lijepu kompoziciju, već i najpotpunije prenijeti vlastite misli o životu osobe i njegovom mjestu u svijetu. Radovi vrhunskih majstora ikebane mogu izraziti nadu i tugu, duhovni sklad i tugu.

Prema tradiciji u ikebani, godišnje doba se nužno reproducira, a kombinacija biljaka tvori simbolične dobre želje poznate u Japanu: bor i ruža - dugovječnost; božur i bambus - blagostanje i mir; krizantema i orhideja - radost; magnolija - duhovna čistoća itd.

Minijaturna skulptura - netsuke postala je raširena u 18-19 stoljeću kao jedna od vrsta umjetnosti i obrta. Njegov izgled je zbog činjenice da nacionalna japanska nošnja - kimono - nema džepove, a sve potrebne sitnice (lula, torbica, kutija za lijekove) pričvršćene su za pojas pomoću privjeska za ključeve protuutega. Netsuke, dakle, nužno ima rupu za vezicu, uz pomoć koje se na njega pričvršćuje željeni predmet. Prije su se koristili privjesci za ključeve u obliku štapića i gumba, ali od kraja 18. stoljeća poznati majstori već su radili na stvaranju netsukea, stavljajući svoj potpis na radove.

Netsuke je umjetnost urbane klase, masovna i demokratska. Prema zapletima netsukea, može se suditi o duhovnim potrebama, svakodnevnim interesima, običajima i običajima građana. Vjerovali su u duhove i demone, koji su često prikazivani u minijaturnim skulpturama. Voljeli su figurice "sedam bogova sreće", među kojima su najpopularniji bili bog bogatstva Daikoku i bog sreće Fukuroku. Stalni zapleti netsukea bili su sljedeći: napuknuti patlidžan s mnogo sjemenki unutra - želja za velikim muškim potomstvom, dvije patke - simbol obiteljska sreća. Ogroman broj netsukea posvećen je svakodnevnim temama i svakodnevnom životu grada. To su lutajući glumci i mađioničari, ulični prodavači, žene koje se bave raznim aktivnostima, lutajući redovnici, hrvači, pa čak i Nizozemci u svojoj egzotičnoj, s gledišta Japanaca, odjeći - šeširima sa širokim obodom, kamizolima i hlačama. Odlikujući se tematskom raznolikošću, netsuke su zadržale svoju izvornu funkciju privjeska za ključeve, a ta namjena diktirala je majstorima kompaktan oblik bez krhkih izbočenih detalja, zaobljen, ugodan na dodir. S tim je povezan i izbor materijala: nije jako težak, izdržljiv, sastoji se iz jednog dijela. Najčešći materijali bili su različite vrste drva, slonovača, keramika, lak i metal.

Japansko slikarstvo vrlo je raznoliko ne samo u sadržaju, već iu obliku: to su zidne slike, ekranske slike, okomiti i vodoravni svici, izvedeni na svili i papiru, listovi albuma i obožavatelji.

OKO antičko slikarstvo može se prosuditi samo prema referencama u pisanim dokumentima. Najraniji sačuvani izvanredni radovi datiraju iz razdoblja Heian (794.-1185.). Ovo su ilustracije poznate "Priče o princu Genjiju" pisca Murasakija Shikibua. Ilustracije su izrađene na nekoliko horizontalnih svitaka i dopunjene tekstom. Pripisuju se kistu umjetnika Fujiwara Takayoshija (prva polovica 12. stoljeća).

Karakteristična značajka kulture tog doba, koju je stvorio prilično uski krug aristokratske klase, bio je kult ljepote, želja da se u svim manifestacijama materijalnog i duhovnog života pronađe njihov inherentni šarm, ponekad nedostižan i nedostižan. Tadašnje slikarstvo, kasnije nazvano yamato-e (doslovno japansko slikarstvo), nije prenosilo akciju, već stanje duha. Kada su oštri i hrabri predstavnici vojne klase došli na vlast, kultura Heian ere počela je propadati. U slici na svicima uspostavljeno je narativno načelo: to su legende o čudima pune dramatičnih epizoda, biografije propovjednika budističke vjere, prizori ratničkih bitaka. U 14.-15. stoljeću, pod utjecajem učenja zen sekte, s posebnim osvrtom na prirodu, počinje se razvijati pejzažno slikarstvo (u početku pod utjecajem kineskih uzora).

Stoljeće i pol japanski su umjetnici ovladali kineskim umjetničkim sustavom, čineći jednobojno pejzažno slikarstvo vlasništvom nacionalne umjetnosti. Njegov najveći procvat povezan je s imenom izvanrednog majstora Toyo Oda (1420...1506), poznatijeg pod pseudonimom Sesshu. U svojim pejzažima, koristeći samo najfinije nijanse crnog tuša, uspio je odraziti svu šarolikost prirodnog svijeta i njezinih bezbrojnih stanja: vlagom zasićenu atmosferu ranog proljeća, nevidljivi, ali osjetilni vjetar i hladnu jesenju kišu, nepokretnost tišina zime.

16. stoljeće otvara doba tzv kasni srednji vijek u trajanju od tri i pol stoljeća. U to su vrijeme zidne slike postale raširene, ukrašavajući palače vladara zemlje i velikih feudalaca. Jedan od utemeljitelja novog smjera u slikarstvu bio je slavni majstor Kano Eitoku, koji je živio u drugoj polovici 16. stoljeća. Drvorez (ksilografija), koji je cvjetao u 18-19 stoljeću, postao je još jedna vrsta likovne umjetnosti srednjeg vijeka. Graviranje, poput žanrovskog slikarstva, nazivalo se ukiyo-e (slike svakodnevnog svijeta). Osim umjetnika koji je izradio crtež i ispisao svoje ime na gotovom listu, gravuru su izradili rezbar i tiskar. U početku je gravura bila jednobojna, ručno ju je slikao sam umjetnik ili kupac. Tada je izumljen tisak u dvije boje, a 1765. umjetnik Suzuki Harunobu (1725.-1770.) prvi je upotrijebio višebojni tisak. Da bi to učinio, rezbar je stavio paus papir s uzorkom na posebno pripremljenu uzdužnu piljenu ploču (od kruške, trešnje ili japanskog šimšira) i izrezao potreban broj tiskanih ploča, ovisno o shemi boja gravure. Ponekad ih je bilo i više od 30. Nakon toga, pisač je, odabirući prave nijanse, napravio otiske na posebnom papiru. Njegova vještina bila je postići točno podudaranje obrisa svake boje, dobivene od različitih drvenih ploča. Sve gravure podijeljene su u dvije skupine: kazališne, koje su prikazivale japanske glumce. klasično kazalište Kabuki u raznim ulogama, ali i svakodnevnom životu, posvećen slikama ljepotica i prizorima iz njihovih života. Najpoznatiji majstor kazališne grafike bio je Toshushai Syaraku, koji je zatvori portretirao lica glumaca, naglašavajući značajke uloge koju igraju, karakterne osobine osoba reinkarnirana kao lik u predstavi: ljutnja, strah, okrutnost, prijevara.

Izvrsni umjetnici kao što su Suzuki Harunobu i Kitagawa Utamaro postali su poznati u graviranju svakodnevnog života. Utamaro je bio kreator ženske slike utjelovljujući nacionalni ideal ljepote. Njegove junakinje kao da su se na trenutak ukočile i sada će nastaviti svoje glatko graciozno kretanje. Ali ta stanka je najizrazitiji trenutak kada nagib glave, pokret ruke, silueta figure prenose osjećaje u kojima žive.

Najpoznatiji graver bio je briljantni umjetnik Katsushika Hokusai (1776.-1849.). Hokusaijevo djelo temelji se na stoljetnoj slikovnoj kulturi Japana. Hokusai je napravio preko 30.000 crteža i ilustrirao oko 500 knjiga. Već sedamdesetogodišnjak, Hokusai je stvorio jedno od najznačajnijih djela - seriju "36 pogleda na Fuji", koja mu omogućuje da se stavi u rang s najistaknutijim umjetnicima svjetske umjetnosti. Prikazujući planinu Fuji - nacionalni simbol Japana - s različitih mjesta, Hokusai po prvi put otkriva sliku domovine i sliku naroda u njihovom jedinstvu. Umjetnik je vidio život kao jedinstveni proces u svoj njegovoj raznolikosti manifestacija, od jednostavnih osjećaja osobe, njegovih svakodnevnih aktivnosti do okolna priroda svojim elementima i ljepotom. Rad Hokusaija, koji je apsorbirao stoljetna iskustva umjetnosti svog naroda, posljednji je vrhunac u umjetnička kultura srednjovjekovni Japan, njegov izvanredan rezultat.

Japan se oduvijek razlikovao po svom poštovanom stavu prema očuvanju i reprodukciji svojih drevnih tradicija, a ova izvanredna značajka čini zemlju izlazećeg sunca jedinstveno mjesto gdje se moderne inovacije skladno spajaju sa stoljetnim kulturnim tradicijama u životu običnih Japanaca.

Ako ste već bili u Japanu, bez sumnje ste naišli na crvene i crne zdjelice za juhu, pladnjeve, štapiće i još mnogo toga. lakiranih predmeta(u našoj zemlji mogu se naći njihovi prilično nekvalitetni pandani). Umjetnost lakiranja jedan je od tradicionalnih japanskih zanata koji potječe iz davnih vremena - prvi proizvodi otkriveni su u Japanu još u razdoblju Jomon (14.000.-300. pr. Kr.) - i preživjeli su do danas. U moderno doba, japansko lakirano posuđe aktivno se izvozilo i postalo je svojevrsni "brand" zemlje - nije slučajnost da je u zapadnom svijetu riječ "japan" dobila drugo značenje - "lakirati, lakirati, nanijeti lak".

Japanski lak je organska tvar napravljen od soka drveta urushi (漆), koji se vadi grebanjem drveta. Dobiveni lak se također naziva. Vjeruje se da ova riječ dolazi od dvije druge japanske riječi: uruwashii (麗しい), što znači "lijep, lijep" i uruosu (潤す), što znači "hidratizirati". Sam hijeroglif urushi, za razliku od drugih naziva drveća, koji se pišu pomoću ključa "drvo" [木] (桜 - sakura, 梅 - šljiva, 松 - bor itd.), ima ključ "voda" [氵], što ističe da je ovo drvo više cijenjeno zbog vode, odnosno soka koji se u njemu nalazi. Na japanskom se lakirano posuđe naziva shikki (漆器: 漆 "lak, lakirano drvo" + 器 "alat, pribor") ili nurimono (塗物: 塗る "nanijeti, slikati" + 物 "stvar, predmet").

Stvrdnuti lak stvara zaštitni sloj koji odbija vodu i sprječava truljenje predmeta, te ga čini manje osjetljivim na napade kiselina, lužina, soli i alkohola. Kao materijal za proizvode koriste se drvo (najčešći materijal), koža, papir, keramika, staklo, metal, pa čak i plastika. Postoji mnogo načina za stvaranje i ukrašavanje lakiranih predmeta. Razgovarajmo danas malo o najpoznatijim vrstama ovog japanskog zanata.

Ouchi lakirano posuđe

Ouchi lakirana umjetnost nastala je u prefekturi Yamaguchi (山口県) zahvaljujući nastojanjima vojskovođe Ouchija Hiroya (1325.-1380.). U nastojanju da svoje posjede pretvori u svojevrsnu prijestolnicu tog vremena, Kyoto (京都), aktivno je pozivao razne majstore i zanatlije, što je rezultiralo spojem vještina i ideja kyotskih obrtnika s lokalne tradicije iznjedrio novu jedinstvenu kulturu.

Kishu lakirano posuđe

Otprilike u 14.-16.st. Budistički redovnici u hramu Negoroji (na području modernog grada Iwade (岩出市), prefektura Wakayama (和歌山県) započeli su proizvodnju utilitarnog lakiranog posuđa - štapića za jelo, pladnjeva, zdjela, kao i vjerskog kult - predmeti za molitve i mantre.Budući da njihova izrada nije bila savršena, ponegdje su se na gotovim predmetima pojavljivale mrlje. poseban stil proizvodi nazvani su Negoro. U 17. stoljeću uz potporu vlasti kneževine Kishu postala je poznata lakirana monaška roba, po kojoj je i pripisano ime ovom području.

Lakirani Wakasa štapići

Ovo lakirano kuhinjsko posuđe proizvodi se u gradu Obama (小浜市), u prefekturi Fukui (福井県). Ovdje se proizvodi više od 80% svih lakiranih štapića za jelo u Japanu. Takvi štapići izuzetne ljepote i gracioznosti popularni su vjenčani dar u Zemlji izlazećeg sunca.

Odawara lakirano posuđe

Prefektura Kanagawa (神奈川県). Ova vrsta umjetnosti lakiranja datira još iz razdoblja Kamakura (1185.-1333.), kada je jak i utjecajan klan Hojo aktivno promicao razvoj zanata, pretvarajući grad Odawara (小田原市) u središte za proizvodnju laka. U Edo razdoblju (1603.-1868.) u Edo (današnji Tokio) izvezen je velik broj takvih proizvoda - zdjele, pladnjevi, pa čak i lakirani oklopi.

Kagawa lakirano posuđe

Prefektura Kagawa (香川県). Godine 1638. Daimyo Yorishige Matsudaira došao je u ova mjesta na imenovanje šogunata. Odlikovala ga je ljubav prema lakiranom posuđu i skulpturama, pa je te vrste umjetnosti i obrta počeo razvijati u svom domenu. Dva stoljeća kasnije, zahvaljujući radu majstora Tsukoku Tamakaji (1807-1869), Kagawa lakirano posuđe postalo je poznato u cijeloj zemlji. Korištenje posebnih metoda brušenja i poliranja zasićuje proizvode nevjerojatnim sjajem.

Wajima lakirano posuđe

Prefektura Ishikawa (石川県). Najstariji sačuvani primjer ove vrste umjetnosti su lakirana vrata hrama Shigezo u gradu Wajima (輪島市), izgrađena oko 1397. Tijekom Edo razdoblja (1603.-1868.) izumljen je zinoko prah, napravljen od usitnjene pečene gline, što je ove lakirane proizvode činilo nevjerojatno izdržljivima, što je uvelike utjecalo na njihovu potražnju među stanovništvom.

Aizu lakirano posuđe

Aizu posuđe jedna je od tradicionalnih umjetnosti prefekture Fukushima (福島県). Pojava ovog zanata datira iz 1590. godine, kada je lokalni feudalac Gamo Ujisato počeo sazivati ​​majstore sa svojih nekadašnjih posjeda, a potom im najnovija tehnologija zanata tog vremena. Kao rezultat toga, Aizu je postao jedan od najvećih proizvođača lakiranih proizvoda. Proširenje proizvodnje dovelo je do mogućnosti izvoza proizvoda u Kinu i Nizozemsku, što je proslavilo regiju u drugim zemljama.

Tsugaru lakirano posuđe

Tsugaru je naziv za zapadni dio prefekture Aomori (青森県). Umjetnost Tsugaru laka nastala je u 17. i 18. stoljeću, kada je potaknut industrijski razvoj u gradovima tijekom razdoblja Edo. Stil tsugaru proizašao je iz ovog uspona, jer su obrtnici i zanatlije tog područja dobili poticaj i prilike za daljnji razvoj svojih vještina. Pri izradi proizvoda i danas se koristi metoda koja se koristila prije više od 300 godina.

Pogledali smo nekoliko glavnih stilova japanske umjetnosti lakiranja. Nedvojbeno ih je mnogo više, a mnoge su dopunjene novim tehnikama i poboljšane.

Japanski zanat izrade lakiranih predmeta nastao je u davnim vremenima i preživio je do danas, kao jedna od najelegantnijih, skladnih, spektakularnih vrsta umjetnosti i obrta na svijetu. Ovo je jedna od kulturnih tradicija, bez čijeg razmatranja nećemo moći u potpunosti sagledati viziju svijeta, estetska načela i karakter japanskog naroda.

Neiskusnoj osobi isprva može biti teško razumjeti sve vrste lakiranih predmeta. Stoga je bolje obići dućane u kojima se prodaju, pogledati ih uživo, popričati s prodavačem i, želite li sebi i prijateljima kupiti nešto na poklon, odaberite nešto po svom ukusu.

Ako namjeravate posjetiti Zemlju izlazećeg sunca, naši tečajevi bi vam mogli dobro doći: pratite i upišite se sada!