Sejarah Singkat Orkestra Simfoni. Keajaiban suara (tentang orkestra simfoni) Sebuah cerita tentang orkestra simfoni untuk anak-anak

Musik, pertama-tama, adalah suara. Mereka bisa keras dan tenang, cepat dan lambat, berirama dan tidak terlalu…

Tetapi masing-masing, setiap nada yang terdengar dengan cara tertentu memengaruhi kesadaran seseorang yang mendengarkan musik, keadaan pikirannya. Dan jika ini adalah musik orkestra, maka pasti tidak akan membuat siapa pun acuh tak acuh!

Orkestra. Jenis orkestra

Orkestra adalah sekelompok musisi yang memainkan alat musik, karya yang dirancang khusus untuk alat musik tersebut.

Dan dari apa komposisi ini, orkestra memiliki kemungkinan musik yang berbeda: dalam hal timbre, dinamika, ekspresif.

Apa jenis orkestra yang ada? Yang utama adalah:

• simfoni;
• instrumental;
• orkestra instrumen rakyat;
• angin;
• jazz;
• pop.

Ada juga military band (menampilkan lagu-lagu militer), school band (termasuk anak-anak sekolah), dan sebagainya.

Simfoni orkestra

Jenis orkestra ini berisi alat musik gesek, tiup, dan perkusi.

Ada orkestra simfoni kecil dan besar.

Maly adalah salah satu yang memainkan musik komposer akhir abad ke-18 - awal abad ke-19. Repertoarnya mungkin termasuk variasi modern. Orkestra simfoni besar berbeda dari yang kecil dengan menambahkan lebih banyak instrumen ke komposisinya.

Komposisi yang kecil harus mengandung:

• biola;
• alto;
• cello;
• bass ganda;
• bassoon;
• tanduk;
• pipa;
• timpani;
• seruling;
• klarinet;
• obo.

Yang besar termasuk alat-alat berikut:

• seruling;
• obo;
• klarinet;
• contrabassoon.

Ngomong-ngomong, ini bisa mencakup hingga 5 instrumen dari setiap keluarga. Dan juga di orkestra besar hadir:

• tanduk;
• terompet (bass, kecil, alto);
• trombon (tenor, tenorbass);
• tabung.

Dan, tentu saja, instrumen perkusi:

• timpani;
• lonceng;
• kecil dan drum besar;
• segi tiga;
• piring;
• tom-tom India;
• harpa;
• piano;
• piano kuno.

Ciri orkestra kecil adalah terdapat sekitar 20 alat musik dawai, sedangkan di orkestra besar ada sekitar 60 alat musik gesek.

Konduktor mengarahkan orkestra simfoni. Dia secara artistik menafsirkan karya yang dibawakan oleh orkestra dengan bantuan partitur - notasi musik lengkap dari semua bagian dari setiap instrumen orkestra.

Orkestra instrumental

Jenis orkestra ini berbeda bentuknya karena tidak memiliki jumlah alat musik yang jelas dari kelompok tertentu. Dan juga dia dapat membawakan musik apa pun (tidak seperti orkestra simfoni, yang menampilkan musik klasik secara eksklusif).

Tidak ada jenis orkestra instrumental tertentu, tetapi secara konvensional mereka memasukkan berbagai orkestra, serta orkestra yang menampilkan musik klasik dalam pemrosesan modern.

Berdasarkan latar belakang sejarah, musik instrumental mulai aktif berkembang di Rusia hanya di bawah Peter the Great. Dia, tentu saja, memiliki pengaruh Barat pada dirinya sendiri, tetapi dia tidak lagi dilarang seperti dulu. Dan sebelum sampai pada titik yang dilarang tidak hanya untuk dimainkan, tetapi juga untuk membakar alat musik. Gereja percaya bahwa mereka tidak memiliki jiwa maupun hati, dan karena itu mereka tidak dapat memuliakan Tuhan. Dan karena itu musik instrumental berkembang terutama di kalangan masyarakat umum.

Mereka bermain dalam orkestra instrumental pada seruling, kecapi, cithara, seruling, terompet, oboe, rebana, trombon, pipa, nozzle, dan alat musik lainnya.

Paling Populer orkestra instrumental Abad XX - ini adalah orkestra Paul Mauriat.

Dia adalah konduktor, pemimpin, arranger. Orkestranya memainkan banyak karya musik populer abad ke-20, serta komposisinya sendiri.

Orkestra Rakyat

Dalam orkestra seperti itu, instrumen utamanya adalah folk.

Misalnya, untuk orkestra rakyat Rusia, yang paling khas adalah: domra, balalaika, gambus, akordeon kancing, harmonika, zhaleika, seruling, terompet Vladimir, rebana. Juga, alat musik tambahan untuk orkestra semacam itu adalah seruling dan obo.

Orkestra rakyat pertama kali muncul pada akhir abad ke-19, diorganisir oleh V.V. Andreev. Orkestra ini banyak melakukan tur dan mendapatkan popularitas luas di Rusia dan luar negeri. Dan di awal abad ke-20 orkestra rakyat mulai muncul di mana-mana: di klub, di istana budaya, dan sebagainya.

Pita kuningan

Jenis orkestra ini menunjukkan bahwa ia mencakup berbagai alat musik tiup dan perkusi. Muncul dalam ukuran kecil, sedang dan besar.

orkestra jazz

Orkestra lain semacam ini disebut band jazz.

Ini terdiri dari alat musik seperti: saksofon, piano, banjo, gitar, perkusi, terompet, trombon, double bass, klarinet.

Secara umum, jazz adalah arah musik yang berkembang di bawah pengaruh ritme dan cerita rakyat Afrika, serta harmoni Eropa.

Jazz pertama kali muncul di Amerika Serikat bagian selatan pada awal abad ke-20. Dan segera menyebar ke seluruh negara di dunia. Di rumah, arahan musik ini berkembang dan dilengkapi dengan yang baru ciri ciri yang muncul di satu wilayah atau lainnya.

Pada suatu waktu di Amerika, istilah "jazz" dan "musik populer" memiliki arti semantik yang sama.

Orkestra jazz mulai aktif terbentuk pada tahun 1920-an. Dan mereka tetap demikian sampai usia 40-an.

Biasanya, peserta memasuki grup musik ini sejak masa remaja, menampilkan bagian spesifik mereka - dihafal atau dari not.

Tahun 1930-an dianggap sebagai puncak kejayaan orkestra jazz. Pemimpin orkestra jazz paling terkenal saat itu adalah: Artie Shaw, Glenn Miller, dan lain-lain. Karya musik mereka terdengar di mana-mana saat itu: di radio, di klub dansa, dan sebagainya.

Saat ini, orkestra jazz dan melodi yang ditulis dengan gaya jazz juga sangat populer.

Dan meskipun ada lebih banyak jenis orkestra musik, artikel tersebut membahas yang utama.

Orkestra(dari orkestra Yunani) - tim besar musisi instrumental. Berbeda dengan ansambel kamar, dalam orkestra beberapa musisinya membentuk kelompok yang bermain serempak, yaitu memainkan bagian yang sama.
Ide pembuatan musik secara simultan oleh sekelompok pemain instrumental sudah ada sejak zaman kuno: bahkan di Mesir kuno, sekelompok kecil musisi bermain bersama di berbagai hari libur dan pemakaman.
Kata "orkestra" ("orkestra") berasal dari nama platform bundar di depan panggung di teater Yunani kuno, yang menampung paduan suara Yunani kuno, peserta dalam tragedi atau komedi apa pun. Selama Renaisans dan seterusnya XVII abad, orkestra diubah menjadi lubang orkestra dan, karenanya, memberi nama kepada kelompok musisi yang berada di dalamnya.
Ada banyak jenis orkestra: kuningan militer dan orkestra tiup kayu, orkestra alat musik rakyat, orkestra dawai. Komposisi terbesar dan terkaya dalam kemampuannya adalah orkestra simfoni.

Simfonidisebut orkestra, terdiri dari beberapa kelompok instrumen yang heterogen - keluarga string, angin, dan perkusi. Prinsip asosiasi semacam itu telah berkembang di Eropa pada XVIII abad. Awalnya, orkestra simfoni termasuk grup instrumen membungkuk, alat musik tiup dari kayu dan kuningan, yang menggabungkan beberapa alat musik perkusi. Selanjutnya, komposisi masing-masing kelompok ini meluas dan beragam. Saat ini, di antara sejumlah jenis orkestra simfoni, biasanya dibedakan antara orkestra simfoni kecil dan besar. Orkestra Simfoni Kecil adalah orkestra yang didominasi oleh komposisi klasik (memainkan musik dari akhir abad ke-18 - awal abad ke-19, atau bunga rampai modern). Ini terdiri dari 2 seruling (jarang seruling kecil), 2 obo, 2 klarinet, 2 bassoon, 2 (jarang 4) tanduk, terkadang 2 terompet dan timpani, grup string tidak lebih dari 20 instrumen (5 biola pertama dan 4 detik, 4 biola, 3 cello, 2 bas ganda). Orkestra simfoni besar (BSO) memasukkan trombon wajib dalam grup tembaga dan dapat memiliki komposisi apa pun. Seringkali instrumen kayu (seruling, obo, klarinet, dan bassoon) mencapai hingga 5 instrumen dari setiap keluarga (terkadang lebih banyak klarinet) dan termasuk varietas (seruling pick dan alto, oboe cupid dan oboe Inggris, klarinet kecil, alto dan bass, kontrabassoon). Grup tembaga dapat mencakup hingga 8 tanduk (termasuk tuba Wagner khusus), 5 terompet (termasuk kecil, alto, bass), 3-5 trombon (tenor dan tenorbass) dan tuba. Saksofon sering digunakan (dalam orkestra jazz, keempat jenisnya). Grup string mencapai 60 instrumen atau lebih. Instrumen perkusi sangat banyak (meskipun timpani, lonceng, drum kecil dan besar, segitiga, simbal, dan tam-tom India membentuk tulang punggungnya), harpa, piano, harpsichord sering digunakan.
Untuk mengilustrasikan suara orkestra, saya akan menggunakan rekamannya konser terakhir"Orkestra Simfoni YouTube". Konser berlangsung pada tahun 2011 di kota Sydney di Australia. DI DALAM hidup itu ditonton di televisi oleh jutaan orang di seluruh dunia. Simfoni YouTube didedikasikan untuk menumbuhkan kecintaan pada musik dan menampilkan keragaman kreatif manusia yang luas.

Program konser mencakup karya-karya terkenal dan kurang dikenal oleh komposer terkenal dan kurang dikenal.

Ini dia programnya:

Hector Berlioz - Karnaval Romawi - Overture, Op. 9 (menampilkan Android Jones - artis digital)
Temui Maria Chiossi
Percy Grainger - Tiba di Platform Humlet dari Singkatnya - Suite
Johan Sebastian Bach
Temui Paulo Callipopoulos - Gitar Listrik dan biola
Alberto Ginastera - Danza del trigo (Tari Gandum) dan final Danza (Malambo) dari balet Estancia (dibawakan oleh Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell "idol mio" - Canon dalam tiga suara, K562 (menampilkan Sydney Children's Choir dan sopran Renee Fleming melalui video)
Temui Misa Xiomara - Oboe
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, Op. 34
William Barton - Kalkadunga (menampilkan William Barton - Didgeridoo)
Polisi Timotius
Temui Roman Riedel - Trombon
Richard Strauss - Fanfare for the Vienna Philharmonic (menampilkan Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker dan dibawakan oleh Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (digubah khusus untuk YouTube Symphony Orchestra 2011)
Temui Su Chang
Felix Mendelssohn - Konser Biola dalam E minor, Op. 64 (Finale) (menampilkan Stefan Jackiw dan dibawakan oleh Ilyich Rivas)
Temui Ozgur Baskin - Biola
Colin Jacobsen and Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suite untuk string orkestra (menampilkan Colin Jacobsen, biola, dan Richard Tognetti, biola, dan Kseniya Simonova - seniman pasir)
Temui Stepan Grytsay - Biola
Igor Stravinsky - Burung Api (Tarian Neraka - Berceuse - Final)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (menampilkan Eugene Izotov - oboe, dan Andrew Mariner - klarinet)

Sejarah orkestra simfoni

Orkestra simfoni telah terbentuk selama berabad-abad. Perkembangannya untuk waktu yang lama terjadi di kedalaman opera dan ansambel gereja. Tim seperti itu masuk XV - XVII abad kecil dan bervariasi. Mereka termasuk kecapi, biola, seruling dengan obo, trombon, harpa, dan drum. Lambat laun, alat musik petik senar memenangkan posisi dominan. Biola digantikan oleh biola dengan suaranya yang lebih kaya dan merdu. Kembali ke atas XVIII V . mereka sudah berkuasa di orkestra. Grup terpisah dan alat musik tiup (seruling, obo, bassoon) telah bersatu. Dari orkestra gereja mereka beralih ke terompet simfoni dan timpani. Harpsichord adalah anggota ansambel instrumental yang sangat diperlukan.
Komposisi seperti itu khas untuk J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
Dari tengah XVIII V . genre simfoni mulai berkembang dan konser instrumental. Penyimpangan dari gaya polifonik membuat para komposer berjuang untuk keragaman timbre, relief yang keluar dari suara orkestra.
Fungsi alat baru berubah. Harpsichord, dengan suaranya yang lemah, secara bertahap kehilangan peran utamanya. Segera, komposer benar-benar meninggalkannya, hanya mengandalkan kelompok senar dan angin. Pada akhir XVIII V . apa yang disebut komposisi orkestra klasik dibentuk: sekitar 30 senar, 2 seruling, 2 obo, 2 bassoon, 2 pipa, 2-3 tanduk dan timpani. Klarinet segera bergabung dengan kuningan. J. Haydn, W. Mozart menulis untuk komposisi semacam itu. Begitulah orkestra dalam komposisi awal L. Beethoven. DI DALAM XIX V .
Perkembangan orkestra berjalan terutama dalam dua arah. Di satu sisi, meningkatkan komposisi, diperkaya dengan instrumen dari berbagai jenis (kelebihan komposer romantis, terutama Berlioz, Liszt, Wagner, sangat bagus untuk ini), di sisi lain, kemampuan internal orkestra berkembang: warna suara menjadi lebih bersih, tekstur lebih jernih, sumber daya ekspresif lebih ekonomis (seperti orkestra Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov). Secara signifikan memperkaya palet orkestra dan banyak komposer akhir-akhir ini XIX - paruh pertama XX V . (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich, dan lainnya).

Komposisi orkestra simfoni

Orkestra simfoni modern terdiri dari 4 grup utama. Fondasi orkestra adalah grup string (biola, viola, cello, double bass). Dalam kebanyakan kasus, string adalah pembawa utama melodi yang dimulai dalam orkestra. Jumlah musisi yang memainkan senar kurang lebih 2/3 dari keseluruhan band. Kelompok alat musik tiup kayu meliputi seruling, obo, klarinet, bassoon. Masing-masing dari mereka biasanya memiliki pihak independen. Menghasilkan yang tertunduk dalam saturasi timbre, sifat dinamis dan berbagai teknik permainan, alat musik tiup memiliki kekuatan yang besar, suara yang kompak, corak warna-warni yang cerah. Kelompok instrumen orkestra ketiga adalah kuningan (tanduk, terompet, trombon, terompet). Mereka membawa warna-warna cerah baru ke orkestra, memperkaya kemampuan dinamisnya, memberi kekuatan dan kecemerlangan pada suara, dan juga berfungsi sebagai dukungan bass dan ritmis.
Semua nilai yang lebih besar memperoleh instrumen perkusi dalam orkestra simfoni. Fungsi utama mereka adalah ritmis. Selain itu, mereka menciptakan latar suara dan kebisingan khusus, melengkapi dan menghiasi palet orkestra dengan efek warna. Menurut sifat bunyinya, gendang dibagi menjadi 2 jenis: ada yang memiliki nada tertentu (timpani, genta, gambang, genta, dll.), yang lain tidak memiliki nada yang tepat (segitiga, rebana, gendang kecil dan besar, simbal) . Dari instrumen yang tidak termasuk dalam kelompok utama, peran harpa paling signifikan. Kadang-kadang, komposer menyertakan celesta, piano, saksofon, organ, dan instrumen lain dalam orkestra.
Informasi lebih lanjut tentang instrumen orkestra simfoni - grup string, alat musik tiup kayu, kuningan, dan perkusi dapat ditemukan di situs web.
Saya tidak dapat mengabaikan situs lain yang bermanfaat, "Anak-anak tentang Musik", yang saya temukan selama persiapan posting. Tidak perlu terintimidasi oleh fakta bahwa ini adalah situs untuk anak-anak. Ada beberapa hal yang cukup serius di dalamnya, hanya diceritakan dengan bahasa yang lebih sederhana dan mudah dimengerti. Di Sini tautan pada dia. Ngomong-ngomong, itu juga berisi cerita tentang orkestra simfoni.

Sepanjang sejarahnya, ribuan dan ribuan tahun, umat manusia telah menciptakan alat musik dan menggabungkannya menjadi berbagai kombinasi. Tetapi baru sekitar empat ratus tahun yang lalu kombinasi instrumen ini berkembang menjadi bentuk yang sudah dekat dengan orkestra modern.

Di masa lalu, ketika para musisi berkumpul untuk bermain, mereka menggunakan instrumen apapun yang ada. Jika ada tiga pemain di kecapi, dua di kecapi dan seruling, begitulah cara mereka bermain. Pada awal abad ke-16, era yang dikenal sebagai Renaisans, kata "ensemble" digunakan untuk merujuk pada sekelompok musisi, terkadang penyanyi, yang membawakan musik bersama atau "dalam ansambel".

Komponis renaisans awal mereka biasanya tidak menentukan untuk instrumen mana mereka menulis bagian tersebut. Ini berarti bahwa bagian dapat dimainkan pada instrumen apa pun yang tersedia. Tetapi pada awal abad ke-17 di Italia, komposer Claudio Monteverdi memilih instrumen mana yang harus mengiringi opera Orpheus (1607), dan menunjukkan dengan tepat untuk instrumen mana bagian-bagian itu ditulis: lima belas biola dengan berbagai ukuran, dua biola, empat seruling ( dua besar dan dua sedang), dua obo, dua cornet (pipa kayu kecil), empat terompet, lima trombon, harpa, dua harpsichord dan tiga organ kecil.

Seperti yang terlihat, " orkestra renaisans"Monteverdi sudah terlihat seperti orkestra yang kita bayangkan: instrumen diatur ke dalam kelompok, ada banyak instrumen senar yang ditekuk, variasi yang luar biasa.

Di abad berikutnya (hingga 1700, masa J.S. Bach), orkestra semakin berkembang. Keluarga biola (biola, viola, cello, dan bass) menggantikan biola, dalam orkestra Barok, keluarga biola jauh lebih representatif daripada biola di orkestra Renaisans. Kepemimpinan musik dalam orkestra Barok dipegang oleh keyboard, para musisi yang memainkan harpsichord atau terkadang organ bertindak sebagai pemimpin. Ketika J.S. Bach bekerja dengan orkestra, dia duduk di depan organ atau harpsichord dan memimpin orkestra dari tempat duduknya.

Di era Barok, seorang konduktor musik terkadang memimpin orkestra sambil berdiri, tetapi ini belum menjadi konduktor yang kita kenal sekarang. Jean-Baptiste Lully, yang bertanggung jawab atas musik di istana raja Prancis pada tahun 1600-an, biasa menabuh ritme untuk musisinya dengan tiang panjang di lantai, tetapi suatu hari dia secara tidak sengaja melukai kakinya, berkembang menjadi gangren, dan dia mati!

Pada abad ke-19 berikutnya, masa Haydn dan Beethoven, terjadi perubahan yang lebih mendalam pada orkestra. Instrumen senar membungkuk menjadi lebih penting dari sebelumnya, dan instrumen papan ketik sebaliknya, mereka pergi ke dalam bayang-bayang. Komposer mulai menulis untuk alat musik tertentu. Ini berarti mengetahui suara setiap instrumen, memahami jenis musik apa yang terdengar lebih baik dan lebih mudah dimainkan pada instrumen yang dipilih. Komposer menjadi lebih bebas dan bahkan berani menggabungkan instrumen untuk menghasilkan suara dan nada yang lebih kaya dan bervariasi.

Pemain biola (atau pengiring) pertama mengarahkan penampilan orkestra dari kursinya, tetapi terkadang dia harus memberikan instruksi dengan gerakan, dan agar terlihat lebih baik, dia pertama kali menggunakan selembar kertas putih biasa yang digulung menjadi tabung. Hal ini menyebabkan munculnya tongkat konduktor modern. Pada awal 1800-an, komposer-konduktor seperti Carl Maria von Weber dan Felix Mendelssohn adalah yang pertama memimpin musisi dari podium di tengah depan orkestra.

Saat orkestra semakin besar dan besar, tidak semua musisi dapat melihat dan mengikuti pengiring. Pada akhir abad ke-19, orkestra mencapai ukuran dan proporsi yang kita kenal sekarang dan bahkan melebihi yang modern. Beberapa komposer, seperti Berlioz, mulai menggubah musik hanya untuk orkestra sebesar itu.

Desain, konstruksi, dan kualitas alat musik terus ditingkatkan, dibuat alat musik baru yang menemukan tempatnya di orkestra, seperti piccolo (piccolo) dan terompet. Banyak komposer, termasuk Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler dan Richard Strauss, menjadi konduktor. Eksperimen mereka dengan orkestrasi (seni mendistribusikan materi musik di antara instrumen orkestra untuk memanfaatkan setiap instrumen secara maksimal) menunjukkan jalan ke abad ke-20.

Wagner bahkan melangkah lebih jauh, dia merancang dan memproduksi terompet bass ( terompet Wagner), menggabungkan elemen terompet dan terompet untuk memperkenalkan suara baru yang spesial pada opera abadi Der Ring des Nibelungen. Dia juga konduktor pertama yang memunggungi penonton untuk mengontrol orkestra dengan lebih baik. Dalam salah satu simfoninya, Strauss menulis bagian untuk tanduk alpine, alat musik rakyat dari kayu sepanjang 12 kaki. Sekarang tanduk alpine diganti dengan pipa. Arnold Schoenberg menciptakan karyanya "Songs Gurre" (Gurrelieder) untuk orkestra dengan 150 instrumen.

Abad ke-20 adalah abad kebebasan dan eksperimen baru dengan orkestra. Konduktor menjadi orang yang sepenuhnya individual dan superstar mereka sendiri muncul di antara mereka. Tanggung jawab telah meningkat berkali-kali, tetapi pengakuan penonton juga.

Dasar orkestra adalah seperti pada akhir abad ke-19, dan komposer terkadang menambahkan atau menghapus instrumen, tergantung pada efek yang mereka inginkan. Kadang-kadang itu adalah kelompok instrumen perkusi atau alat musik tiup kayu dan kuningan yang sangat luas. Tetapi komposisi orkestra telah menjadi tetap dan pada dasarnya tetap konstan: sekelompok besar instrumen membungkuk dan kelompok kecil instrumen tiup, perkusi, harpa, dan keyboard.

Setelah bertahun-tahun, itu masih berfungsi!

, cello , bas ganda . Berkumpul bersama, di tangan musisi berpengalaman, tunduk pada kemauan konduktor, mereka membentuk alat musik yang mampu mengekspresikan dan menyampaikan konten musik apa pun, gambar apa pun, pemikiran apa pun dengan suara. Banyak kombinasi instrumen orkestra memberikan rangkaian suara beragam yang hampir tidak ada habisnya - dari yang menggelegar, memekakkan telinga hingga nyaris tak terdengar, dari telinga yang tajam hingga lembut yang membelai. Dan akord bertingkat dari segala kerumitan, dan pleksus berpola dan berliku-liku dari ornamen melodi heterogen, dan kain tipis sarang laba-laba, "pecahan" suara kecil ketika, menurut ekspresi figuratif S. S. Prokofiev, "seolah-olah mereka sedang membersihkan orkestra", dan serempak yang kuat dari banyak instrumen secara bersamaan memainkan suara yang sama - semua ini tunduk pada orkestra. Grup orkestra mana pun - senar, tiup, perkusi, petik, keyboard - dapat berpisah dari yang lain dan memimpin narasi musiknya sendiri sementara yang lain diam; tetapi semuanya seluruhnya, sebagian atau sebagai perwakilan individu, bergabung dengan kelompok atau bagian lain darinya, membentuk paduan timbre yang kompleks. Selama lebih dari dua abad, pemikiran para komposer yang paling disayangi, tonggak paling cemerlang dalam sejarah seni suara, telah dikaitkan dengan musik yang disusun, ditulis, dan kadang-kadang bahkan diaransemen untuk orkestra simfoni.

Pengaturan alat musik orkestra simfoni.

Setiap orang yang menyukai musik tahu dan mengingat nama J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P.I. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin. M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok dan master lainnya yang simfoni, suite, tawaran, puisi simfoni , lukisan, fantasi, konser instrumental diiringi orkestra, dan terakhir, kantata, oratorio, opera, dan balet ditulis untuk orkestra simfoni atau melibatkan partisipasinya . Kemampuan menulis untuknya adalah bidang seni komposisi musik yang tertinggi dan paling kompleks, membutuhkan pengetahuan khusus yang mendalam, pengalaman yang luas, latihan, dan yang terpenting - khusus kemampuan musikal, bakat, bakat.

Sejarah kemunculan dan perkembangan orkestra simfoni adalah sejarah restrukturisasi bertahap yang lama dan penemuan instrumen baru, peningkatan komposisinya, sejarah peningkatan cara kombinasi instrumen digunakan, yaitu, sejarah bidang ilmu musik yang disebut orkestrasi atau instrumentasi, dan, terakhir, sejarah musik simfoni, opera, oratorio. Keempat istilah ini, empat sisi dari konsep "orkestra simfoni", saling terkait erat. Pengaruh mereka satu sama lain dulu dan sekarang masih beragam.

Kata "orkestra" dalam bahasa Yunani Kuno berarti area setengah lingkaran di depan panggung teater, tempat paduan suara berada - peserta yang sangat diperlukan dalam pertunjukan dramatis di era Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes. Sekitar tahun 1702, kata ini pertama kali menunjukkan ruang kecil yang ditujukan untuk ansambel instrumentalis yang mengiringi opera. Disebut kelompok instrumental dalam musik kamar. Di pertengahan abad XVIII. memperkenalkan perbedaan yang menentukan untuk sejarah orkestra - orkestra besar berlawanan dengan musik kamar kecil - ansambel. Sampai saat itu, tidak ada garis yang jelas antara musik kamar dan musik orkestra.

Konsep "orkestra simfoni" muncul di era klasisisme, ketika K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart hidup dan berkarya. Itu muncul setelah para komposer mulai secara akurat menuliskan dalam catatan nama masing-masing instrumen yang memainkan suara ini atau itu, garis musik ini atau itu. Sejak awal abad ke-17. K. Monteverdi dalam "Orpheus" sebelum setiap nomor hanya mencantumkan instrumen yang dapat memainkannya. Pertanyaan tentang siapa yang harus memainkan baris mana tetap terbuka. Oleh karena itu, di salah satu dari 40 gedung opera di Venesia asalnya, satu pertunjukan Orpheus bisa jadi tidak seperti yang lain. J. B. Lully, komposer, pemain biola, konduktor, mungkin orang pertama yang menulis untuk seperangkat instrumen tertentu, untuk apa yang disebut "24 Violins of the King" - ansambel gesek yang dibentuk di istana Louis XIV dan dipimpin oleh Lully sendiri . Dia memiliki suara atas dari grup string yang juga didukung oleh obo, dan suara rendah oleh bassoon. Obo dan bassoon tanpa senar, berbeda dengan komposisi penuh, berpartisipasi di bagian tengah komposisinya.

Sepanjang abad ke-17 dan paruh pertama abad ke-18. dasar awal orkestra terbentuk - grup string. Secara bertahap, perwakilan dari keluarga angin ditambahkan - seruling, obo dan bassoon, lalu klakson. Klarinet memasuki orkestra lama kemudian karena ketidaksempurnaannya yang ekstrem pada saat itu. M. I. Glinka dalam "Notes on Instrumentation" -nya menyebut suara klarinet "angsa". Belum kelompok angin sebagai bagian dari seruling, obo, klarinet, dan klakson (semuanya ada dua) muncul di Prague Symphony Mozart, dan sebelumnya dengan kontemporer Prancisnya, F. Gossec. Dalam Simfoni London Haydn dan simfoni awal L. Beethoven, dua terompet muncul, serta timpani. Pada abad ke-19 kelompok angin dalam orkestra semakin ditingkatkan. Untuk pertama kalinya dalam sejarah musik orkestra, seruling piccolo, contrabassoon, dan tiga trombon, yang sebelumnya hanya digunakan dalam opera, mengambil bagian dalam final simfoni ke-5 Beethoven. R. Wagner menambahkan tuba lain dan menjadikan jumlah pipa menjadi empat. Wagner pada dasarnya adalah seorang komposer opera, tetapi pada saat yang sama ia dianggap sebagai simfonis dan pembaharu orkestra simfoni yang luar biasa.

Keinginan para komposer abad XIX-XX. Untuk memperkaya palet suara mengarah pada pengenalan sejumlah instrumen ke dalam orkestra dengan kemampuan teknis dan timbre khusus.

KE akhir XIX V . komposisi orkestra dibuat mengesankan, dan terkadang dalam proporsi yang sangat besar. Jadi, simfoni ke-8 Mahler tidak sengaja disebut sebagai "simfoni seribu peserta". Dalam kanvas simfoni dan opera R. Strauss, banyak jenis alat musik tiup muncul: seruling alto dan bas, oboe bariton (haeckelphone), klarinet kecil, klarinet kontrabas, pipa alto dan bas, dll.

Di abad XX. orkestra diisi ulang terutama dengan instrumen perkusi. Sebelumnya, anggota orkestra yang biasa adalah 2–3 timpani, simbal, bass dan snare drum, segitiga, lebih jarang rebana dan tom-tom, lonceng, gambang. Sekarang komposer menggunakan satu set lonceng orkestra yang memberikan skala kromatik, celesta. Mereka memperkenalkan ke dalam orkestra instrumen seperti fleksatone, lonceng, alat musik Spanyol, kotak kayu yang bergemerincing, mainan kerincingan, pemecah cambuk (pukulannya seperti tembakan), sirene, mesin angin dan guntur, bahkan nyanyian burung bulbul direkam pada catatan khusus (digunakan V puisi simfoni Komposer Italia O. Respighi "The Pines of Rome").

Di paruh kedua abad XX. dari jazz hingga orkestra simfoni muncul instrumen perkusi seperti vibraphone, tomtom, bongo, gabungan peralatan drum- dengan "Charleston" ("hi-hat"), maracas.

Adapun kelompok tali dan angin, formasi mereka pada tahun 1920 pada dasarnya telah selesai. Orkestra terkadang menyertakan perwakilan individu dari grup saksofon (dalam karya Wiese, Ravel, Prokofiev), band kuningan (cornet oleh Tchaikovsky dan Stravinsky), harpsichord, domra dan balalaika, gitar, mandolin, dll. untuk komposisi parsial orkestra simfoni: untuk senar saja, untuk senar dan kuningan, untuk grup angin tanpa senar dan perkusi, untuk senar dengan perkusi.

Komposer abad ke-20 menulis banyak musik untuk orkestra kamar. Ini terdiri dari 15-20 senar, masing-masing satu alat musik tiup, satu atau dua tanduk, grup perkusi dengan satu pemain, harpa (sebagai gantinya mungkin ada piano atau harpsichord). Bersamaan dengan ini, muncul karya untuk ansambel solois, di mana ada satu perwakilan dari setiap varietas (atau dari beberapa di antaranya). Begitulah simfoni kamar dan lakon oleh A. Schoenberg, A. Webern, suite Stravinsky "The Story of a Soldier", karya komposer Soviet - rekan sezaman kita M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov, dan lainnya. Semakin banyak penulis beralih ke komposisi yang tidak biasa, atau, seperti yang mereka katakan, darurat. Mereka membutuhkan suara yang tidak biasa dan langka, karena peran timbre masuk musik kontemporer telah berkembang tidak seperti sebelumnya.

Namun demikian, agar selalu memiliki kesempatan untuk menampilkan musik, baik yang lama maupun yang baru, dan yang terbaru, komposisi orkestra simfoni tetap stabil. Orkestra simfoni modern dibagi lagi menjadi orkestra simfoni besar (sekitar 100 musisi), sedang (70–75), kecil (50–60). Atas dasar orkestra simfoni besar, dimungkinkan untuk memilih komposisi yang diperlukan untuk pertunjukannya untuk setiap karya: satu untuk "Delapan Lagu Rakyat Rusia" oleh A.K. » Stravinsky atau Bolero berapi-api Ravel.

Bagaimana para musisi di atas panggung? Pada abad XVIII-XIX. biola pertama duduk di sebelah kiri konduktor, dan yang kedua di kanan, biola duduk di belakang biola pertama, dan cello di belakang yang kedua. Di belakang kelompok senar, mereka duduk berbaris: di depan kelompok alat tiup kayu, dan di belakangnya kelompok alat tiup. Bass ganda terletak di latar belakang di kanan atau kiri. Sisa ruang dikhususkan untuk harpa, celesta, piano, dan perkusi. Di negara kami, musisi duduk sesuai dengan skema yang diperkenalkan pada tahun 1945 oleh konduktor Amerika L. Stokowski. Menurut skema ini, cello ditempatkan di latar depan, bukan biola kedua di sebelah kanan konduktor; tempat mereka sebelumnya sekarang ditempati oleh biola kedua.

Sebuah orkestra simfoni dipimpin oleh seorang konduktor. Dia menyatukan para musisi orkestra dan mengarahkan semua upaya mereka untuk mewujudkan rencana pertunjukannya selama latihan dan di konser. Melakukan didasarkan pada sistem gerakan tangan yang dirancang khusus. Konduktor biasanya memegang tongkat di tangan kanannya. Peran terpenting dimainkan oleh wajahnya, penampilan, ekspresi wajahnya. Konduktor harus orang yang berpendidikan tinggi. Ia membutuhkan pengetahuan tentang musik dari berbagai era dan gaya, instrumen orkestra dan kemampuannya, telinga yang tajam, kemampuan untuk menembus jauh ke dalam niat penggubahnya. Bakat pemain harus dipadukan dengan kemampuan organisasi dan pedagogisnya.

• latar belakang
• Genre orkestra dan formulir
• Kapel Mannheim
• pemusik istana

latar belakang

Sejak zaman kuno, orang telah mengetahui tentang pengaruh bunyi alat musik terhadap suasana hati manusia: permainan harpa, kecapi, cithara, kemancha, atau seruling buluh yang lembut namun merdu menimbulkan perasaan gembira, cinta atau damai, dan suaranya tanduk binatang (misalnya, shofar Ibrani ) atau pipa logam berkontribusi pada munculnya khidmat dan perasaan religius. Drum dan perkusi lainnya, ditambahkan ke terompet dan terompet, membantu mengatasi rasa takut dan membangkitkan agresivitas dan militansi. Telah lama diketahui bahwa permainan bersama dari beberapa instrumen serupa tidak hanya meningkatkan kecerahan suara, tetapi juga dampak psikologis pada pendengar - efek yang sama terjadi ketika banyak orang menyanyikan melodi yang sama bersama-sama. Oleh karena itu, di mana pun orang menetap, perkumpulan musisi secara bertahap mulai muncul, mengiringi pertempuran atau acara khusyuk publik dengan permainan mereka: ritual di kuil, pernikahan, penguburan, penobatan, parade militer, hiburan di istana.

Referensi tertulis pertama untuk asosiasi semacam itu dapat ditemukan dalam Pentateukh Musa dan dalam Mazmur Daud: di awal beberapa mazmur ada seruan kepada pemimpin paduan suara dengan penjelasan instrumen mana yang harus digunakan untuk mengiringi teks ini atau itu. Ada kelompok musisi di Mesopotamia dan firaun Mesir, di Cina kuno dan India, Yunani dan Roma. Dalam tradisi pertunjukan tragedi Yunani kuno, ada panggung khusus tempat para musisi duduk, mengiringi penampilan para aktor dan penari dengan memainkan alat musik. Platform-elevasi seperti itu disebut "orkestra". Jadi paten untuk penemuan kata "orkestra" tetap ada pada orang Yunani kuno, meskipun sebenarnya orkestra sudah ada jauh lebih awal.

Lukisan dinding dari vila Romawi di Boscoreal. 50-40-an SM e. Museum Seni Metropolitan

Dalam budaya Eropa Barat, asosiasi musisi sebagai orkestra tidak segera disebut. Pada awalnya, pada Abad Pertengahan dan Renaisans, itu disebut kapel. Nama ini dikaitkan dengan milik tempat tertentu di mana musik dimainkan. Kapel seperti itu ada di gereja pertama, dan kemudian pengadilan. Dan ada juga kapel desa yang terdiri dari musisi amatir. Kapel-kapel ini praktis merupakan fenomena massal. Dan meskipun tingkat pemain desa dan alat musik mereka tidak dapat dibandingkan dengan pengadilan profesional dan kapel kuil, seseorang tidak boleh meremehkan pengaruh tradisi desa, dan kemudian musik instrumental rakyat perkotaan pada komposer hebat dan budaya musik Eropa secara keseluruhan. Musik Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti secara harfiah dipupuk oleh tradisi pembuatan musik instrumental folk.

Seperti halnya dalam budaya yang lebih kuno, di Eropa tidak ada pembagian awal menjadi musik vokal dan instrumental. Sejak awal Abad Pertengahan, gereja Kristen mendominasi segalanya, dan musik instrumental di gereja berkembang sebagai pengiring, pendukung firman Injil, yang selalu mendominasi - lagipula, "pada mulanya adalah Firman". Oleh karena itu, kapel awal adalah orang yang bernyanyi dan orang yang mengiringi penyanyi.

Di beberapa titik, kata "orkestra" muncul. Meskipun tidak di mana-mana pada waktu yang sama. Di Jerman, misalnya, kata ini ditetapkan jauh lebih lambat daripada di negara-negara Romawi. Di Italia, orkestra selalu berarti instrumental daripada bagian vokal musik. Kata orkestra dipinjam langsung dari tradisi Yunani. Orkestra Italia muncul pada pergantian abad 16-17, seiring dengan munculnya genre opera. Dan karena popularitas genre ini yang luar biasa, kata ini dengan cepat menaklukkan seluruh dunia. Dengan demikian, dapat dikatakan bahwa musik orkestra kontemporer memiliki dua sumber: kuil dan teater.

Misa Natal. Miniatur dari Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry oleh Limburg bersaudara. abad ke 15 MS. 65/1284, hal. 158r / Musee Conde / Wikimedia Commons

Dan di Jerman untuk waktu yang lama mereka berpegang pada nama "kapel" kebangkitan abad pertengahan. Hingga abad ke-20, banyak orkestra pengadilan Jerman disebut kapel. Salah satu orkestra paling kuno di dunia saat ini adalah Kapel Negara Bagian Saxon (dan di masa lalu - Pengadilan Saxon) di Dresden. Sejarahnya kembali lebih dari 400 tahun. Dia muncul di pengadilan Pemilih Saxon, yang selalu menghargai yang cantik dan berada di depan semua tetangga mereka dalam hal ini. Masih ada Kapel Negara Bagian Berlin dan Weimar, serta Kapel Pengadilan Meiningen yang terkenal, di mana Richard Strauss memulai sebagai bandmaster (saat ini menjadi konduktor). Ngomong-ngomong, kata Jerman "kapellmeister" (chapel master) terkadang masih digunakan saat ini oleh musisi sebagai padanan dengan kata "konduktor", tetapi lebih sering dalam arti ironis, terkadang bahkan negatif (dalam arti pengrajin, bukan artis). Dan pada masa itu, kata ini diucapkan dengan hormat, sebagai nama dari sebuah profesi yang kompleks: "pemimpin paduan suara atau orkestra, yang juga menggubah musik." Benar, di beberapa orkestra Jerman kata ini dipertahankan sebagai penunjukan posisi - misalnya, di Leipzig Gewandhaus Orchestra, kepala konduktor masih disebut Gewandhaus Kapellmeister.

Abad XVII-XVIII: orkestra sebagai hiasan istana

Louis XIV di Royal Ballet of the Night oleh Jean Baptiste Lully. Sketsa oleh Henri de Gisset. 1653 Dalam produksinya, raja berperan sebagai matahari terbit. Wikimedia Commons

Orkestra Renaisans, dan kemudian orkestra Barok, sebagian besar bersifat pengadilan atau gerejawi. Tujuan mereka adalah untuk mengiringi ibadah atau untuk menenangkan dan menghibur mereka yang berkuasa. Namun, banyak penguasa feodal memiliki rasa estetika yang cukup berkembang, dan selain itu, mereka suka pamer satu sama lain. Seseorang membual tentang tentara, seseorang - dengan arsitektur yang aneh, seseorang menata taman, dan seseorang memelihara teater atau orkestra pengadilan.

Raja Prancis Louis XIV, misalnya, memiliki dua orkestra seperti itu: Ensemble of the Royal Stables, yang terdiri dari alat musik tiup dan perkusi, dan yang disebut "24 biola raja", dipimpin oleh komposer terkenal Jean Baptiste Lully, yang juga berkolaborasi dengan Moliere dan tercatat dalam sejarah sebagai pencipta opera Prancis dan konduktor profesional pertama. Belakangan, Raja Inggris Charles II (putra Charles I yang dieksekusi), kembali dari Prancis selama Pemulihan monarki pada tahun 1660, juga menciptakan "Biola Raja 24" di Kapel Kerajaan menurut model Prancis. Royal Chapel sendiri sudah ada sejak abad ke-14 dan mencapai puncaknya pada masa pemerintahan Elizabeth I - organ istananya adalah William Bird dan Thomas Tallis. Dan di istana Charles II, komposer Inggris brilian Henry Purcell bertugas, menggabungkan posisi organ di Westminster Abbey dan di Royal Chapel. Pada abad 16-17 di Inggris ada nama lain yang spesifik untuk sebuah orkestra, biasanya yang kecil - "permaisuri". Di era Barok selanjutnya, kata "permaisuri" tidak digunakan lagi, dan konsep kamar, yaitu, musik "kamar" muncul sebagai gantinya.

Kostum prajurit dari Royal Ballet of the Night. Sketsa oleh Henri de Gisset. 1653 Wikimedia Commons

Bentuk hiburan barok menjadi akhir XVII- awal abad XVIII, semakin mewah. Dan tidak mungkin lagi mengelola dengan sejumlah kecil alat - pelanggan menginginkan "lebih besar dan lebih mahal". Meskipun, tentu saja, semuanya bergantung pada kemurahan hati "pelindung termasyhur". Jika Bach terpaksa menulis surat kepada tuannya, membujuk mereka untuk mengalokasikan setidaknya dua atau tiga biola per bagian instrumental, maka di Handel, pada saat yang sama, 24 pemain obo, 12 pemain bassoon, 9 pemain terompet mengambil bagian dalam pertunjukan pertama. "Musik untuk Kembang Api Kerajaan", 9 pemain terompet dan 3 pemain timpani (yaitu 57 musisi untuk 13 bagian yang ditentukan). Dan dalam pementasan Handel's "Messiah" di London tahun 1784, 525 orang ambil bagian (walaupun acara ini milik era selanjutnya, ketika pencipta musiknya sudah tidak hidup lagi). Sebagian besar penulis barok menulis opera, dan orkestra opera teater selalu menjadi semacam laboratorium kreatif bagi para komposer - tempat untuk semua jenis eksperimen, termasuk dengan instrumen yang tidak biasa. Jadi, misalnya, pada awal abad ke-17, Monteverdi memperkenalkan bagian trombon ke orkestra opera Orfeo miliknya, salah satu opera pertama dalam sejarah, untuk menggambarkan kemurkaan yang mengerikan.

Sejak zaman Florentine Camerata (pergantian abad 16-17), di orkestra mana pun terdapat bagian basso continuo, yang dimainkan oleh seluruh kelompok musisi dan direkam dalam satu baris di bass clef. Angka-angka di bawah garis bas menunjukkan urutan harmonik tertentu - dan para pemain harus mengimprovisasi semua tekstur dan dekorasi musik, yaitu membuat yang baru dengan setiap pertunjukan. Ya, dan komposisinya bervariasi tergantung pada instrumen apa yang tersedia di kapel tertentu. Kehadiran satu alat musik keyboard, paling sering harpsichord, adalah wajib. musik gereja instrumen ini paling sering adalah organ; satu senar busur - cello, viola da gamba atau violone (cikal bakal double bass modern); satu senar petik kecapi atau theorbo. Tetapi kebetulan dalam grup basso continuo enam atau tujuh orang bermain pada waktu yang sama, termasuk beberapa harpsichord (Purcell dan Rameau memiliki tiga atau empat di antaranya). Pada abad ke-19, keyboard dan alat musik petik menghilang dari orkestra, tetapi muncul kembali pada abad ke-20. Dan sejak 1960-an, hampir semua instrumen di dunia ini dapat digunakan dalam orkestra simfoni - fleksibilitas yang hampir barok dalam pendekatan instrumentasi. Dengan demikian, kita dapat menganggap bahwa Baroque melahirkan orkestra modern.

Instrumentasi, struktur, notasi

Miniatur dari Commentary on the Apocalypse of Beat of Lieban dalam daftar biara San Millan de la Cogoglia. 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón y de San Millán de la Cogolla

Kata "orkestra" untuk pendengar modern kemungkinan besar dikaitkan dengan kutipan dari musik Beethoven, Tchaikovsky atau Shostakovich; dengan suara yang sangat monumental dan pada saat yang sama dihaluskan, yang disimpan dalam ingatan kita dari mendengarkan orkestra modern - langsung dan dalam rekaman. Tapi orkestra tidak selalu terdengar seperti ini. Di antara sekian banyak perbedaan antara orkestra kuno dan orkestra modern, yang utama adalah instrumen yang digunakan para musisi. Secara khusus, semua instrumen terdengar jauh lebih pelan daripada yang modern, karena ruangan tempat musik dimainkan (umumnya) jauh lebih kecil daripada yang modern. ruang konser. Dan tidak ada klakson pabrik, tidak ada turbin nuklir, tidak ada mesin pembakaran internal, tidak ada pesawat supersonik - suara umum kehidupan manusia beberapa kali lebih senyap dari hari ini. Kenyaringannya masih diukur dengan fenomena alam: deru binatang buas, guntur saat badai petir, suara air terjun, gemerisik pohon tumbang atau gemuruh gunung jatuh, dan gemuruh kerumunan di alun-alun kota di pasar malam. hari. Oleh karena itu, musik hanya dapat bersaing dalam kecemerlangan dengan alam itu sendiri.

Senar yang dirangkai pada alat musik petik terbuat dari otot sapi (sekarang terbuat dari logam), busurnya lebih kecil, lebih ringan dan bentuknya sedikit berbeda. Karena itu, suara senar menjadi "lebih hangat", tetapi kurang "halus" dibandingkan hari ini. Kayu alat musik tiup tidak memiliki semua katup modern dan perangkat teknis lainnya yang memungkinkan Anda bermain dengan lebih percaya diri dan akurat. Alat musik tiup pada waktu itu terdengar lebih individual dalam hal warna nada, terkadang agak tidak selaras (semuanya tergantung pada keterampilan pemainnya) dan beberapa kali lebih senyap daripada yang modern. Alat musik tiup kuningan semuanya benar-benar alami, artinya, hanya dapat menghasilkan suara dengan tangga nada alami, yang paling sering hanya cukup untuk memainkan kemeriahan singkat, tetapi bukan melodi yang diperpanjang. Kulit binatang direntangkan di atas drum dan timpani (praktik ini masih ada sampai sekarang, meski alat musik perkusi dengan selaput plastik sudah lama muncul).

Urutan orkestra umumnya lebih rendah dari hari ini - rata-rata setengah nada, dan terkadang dengan nada utuh. Tetapi bahkan di sini tidak ada aturan tunggal: sistem nada untuk oktaf pertama (menurut orkestra biasanya disetel) di istana Louis XIV adalah 392 pada skala Hertz. Di istana Charles II, mereka menyetel A dari 400 menjadi 408 hertz. Pada saat yang sama, organ di kuil sering disetel ke nada yang lebih tinggi daripada harpsichord yang ada di ruang istana (mungkin ini karena pemanasan, karena instrumen senar naik selaras dari panas kering, dan sebaliknya, berkurang dari dingin; alat musik tiup sering memiliki kecenderungan terbalik). Oleh karena itu, pada masa Bach, ada dua sistem utama: yang disebut kammer-ton ("garpu tala" modern - kata yang berasal darinya), yaitu, "sistem ruang", dan orgel-ton, yaitu , "sistem organ" (alias "nada paduan suara "). Dan penyetelan ruangan untuk A adalah 415 hertz, sedangkan penyetelan organ selalu lebih tinggi dan terkadang mencapai 465 hertz. Dan jika kita membandingkannya dengan penyetelan konser modern (440 hertz), maka yang pertama ternyata setengah nada lebih rendah, dan yang kedua setengah nada lebih tinggi dari yang modern. Oleh karena itu, dalam beberapa kantata Bach, yang ditulis dengan mempertimbangkan sistem organ, penulis langsung menulis bagian alat musik tiup secara transposisi, yaitu setengah langkah lebih tinggi dari bagian paduan suara dan basso continuo. Hal ini disebabkan oleh fakta bahwa alat musik tiup, yang terutama digunakan dalam musik ruang pengadilan, tidak disesuaikan dengan penyetelan organ yang lebih tinggi (seruling dan obo bahkan bisa sedikit lebih rendah daripada camertone, dan oleh karena itu ada juga yang ketiga - nada camer rendah). Dan jika, tanpa mengetahuinya, hari ini Anda mencoba memainkan kantata seperti itu secara harfiah dari nada, Anda akan mendapatkan hiruk-pikuk yang tidak dimaksudkan oleh penulisnya.

Situasi dengan sistem "mengambang" ini bertahan di dunia hingga Perang Dunia Kedua, tidak hanya di negara lain, tetapi di berbagai kota di negara yang sama, sistemnya dapat berbeda secara signifikan satu sama lain. Pada tahun 1859, pemerintah Prancis melakukan upaya pertama untuk membakukan penyetelan dengan mengeluarkan undang-undang yang menyetujui penyetelan A - 435 hertz, tetapi di negara lain penyetelan tetap sangat berbeda. Dan baru pada tahun 1955 organisasi Internasional Pada standarisasi, undang-undang tentang penyetelan konser 440 hertz diadopsi hingga hari ini.

Heinrich Ignaz Biber. Ukiran dari tahun 1681 Wikimedia Commons

Penulis barok dan klasik juga melakukan operasi lain di bidang penyetelan, yang berkaitan dengan musik untuk alat musik dawai. Kita berbicara tentang teknik yang disebut "scordatura", yaitu "menyetel senar". Pada saat yang sama, beberapa senar, katakanlah biola atau biola, disetel ke interval yang berbeda dan tidak biasa untuk instrumen tersebut. Berkat ini, komposer mendapat kesempatan untuk menggunakan, tergantung pada kunci komposisi, lebih banyak string terbuka, yang menghasilkan resonansi instrumen yang lebih baik. Namun skordatura ini sering kali direkam bukan dengan suara asli, melainkan dalam transposisi. Oleh karena itu, tanpa persiapan awal dari instrumen (dan pemainnya), komposisi seperti itu tidak mungkin dilakukan dengan baik. Contoh terkenal dari scordatura adalah siklus sonata biola Heinrich Ignaz Bieber Rosario (Misteri) (1676).

Di zaman Renaisans dan di tahap awal Barok, rentang mode, dan kemudian kunci-kunci yang dapat dikomposisikan oleh komposer dibatasi oleh penghalang alami. Nama penghalang ini adalah koma Pythagoras. Ilmuwan besar Yunani Pythagoras adalah orang pertama yang menyarankan instrumen penyetelan menurut seperlima murni - salah satu interval pertama skala alam. Namun ternyata jika Anda menyetem alat musik gesek dengan cara ini, maka setelah melewati lingkaran penuh kelima (empat oktaf), nada tajam C terdengar jauh lebih tinggi di C. Dan sejak zaman kuno, musisi dan ilmuwan telah mencoba menemukan sistem penyetelan instrumen yang ideal, di mana kelemahan alami dari skala alami ini - ketidakrataannya - dapat diatasi, yang memungkinkan penggunaan semua nada yang sama.

Setiap era memiliki sistem keteraturannya sendiri. Dan masing-masing sistem memiliki karakteristiknya sendiri, yang terdengar salah di telinga kita, yang terbiasa dengan suara piano modern. Sejak awal abad ke-19, semua instrumen keyboard telah disetel dalam skala yang seragam, membagi satu oktaf menjadi 12 seminada yang sama persis. Penyetelan genap adalah kompromi yang sangat dekat dengan semangat modern, yang memungkinkan penyelesaian masalah koma Pythagoras untuk selamanya, tetapi mengorbankan keindahan alami dari suara sepertiga dan seperlima murni. Artinya, tidak ada interval (kecuali oktaf) yang dimainkan oleh piano modern yang sesuai dengan tangga nada alami. Dan di semua banyak sistem penyetelan yang telah ada sejak akhir Abad Pertengahan, sejumlah interval murni telah dipertahankan, yang karenanya semua tuts menerima suara individual yang tajam. Bahkan setelah penemuan temperamen yang baik (lihat Bach's Well-Tempered Clavier), yang memungkinkan untuk menggunakan semua tuts pada harpsichord atau organ, tuts itu sendiri masih mempertahankan pewarnaan masing-masing. Karenanya munculnya teori pengaruh, yang mendasar bagi musik Barok, yang menurutnya semua musikal sarana ekspresi- melodi, harmoni, ritme, tempo, tekstur, dan pilihan nada itu sendiri tidak dapat dipisahkan dengan keadaan emosi tertentu. Selain itu, nada suara yang sama bisa, tergantung pada yang digunakan saat ini membangun terdengar pastoral, polos atau sensual, sangat sedih atau mengintimidasi.

Bagi sang komposer, pilihan satu kunci atau lainnya terkait erat dengan rangkaian emosi tertentu hingga pergantian abad ke-18 hingga ke-19. Selain itu, jika untuk Haydn D mayor terdengar seperti "ucapan syukur yang agung, militansi", maka bagi Beethoven terdengar seperti "rasa sakit, kesedihan atau pawai". Haydn mengasosiasikan E mayor dengan "pikiran tentang kematian", dan bagi Mozart itu berarti "transendensi yang khusyuk dan luhur" (semua julukan ini adalah kutipan dari para komposer itu sendiri). Oleh karena itu, di antara keutamaan wajib musisi yang membawakan musik awal adalah sistem multidimensi pengetahuan musik dan budaya umum, yang memungkinkan untuk mengenali struktur emosional dan "kode" komposisi yang berbeda berbagai penulis, dan pada saat yang sama kemampuan untuk mengimplementasikannya secara teknis dalam game.

Selain itu, ada juga masalah notasi: komposer abad 17-18 sengaja merekam hanya sebagian informasi yang berkaitan dengan penampilan karya yang akan datang; ungkapan, nuansa, artikulasi, dan dekorasi yang sangat indah - bagian integral dari estetika Barok - semua ini diserahkan kepada pilihan bebas para musisi, yang dengan demikian menjadi rekan pencipta komposer, dan bukan hanya pelaksana yang patuh atas keinginannya. Oleh karena itu, penampilan barok dan musik klasik awal yang benar-benar ahli instrumen antik adalah tugas yang tidak kurang (jika tidak lebih) sulit daripada penguasaan virtuoso musik selanjutnya pada instrumen modern. Ketika lebih dari 60 tahun yang lalu peminat pertama memainkan alat musik kuno ("authenticists") muncul, mereka sering bertemu dengan permusuhan di antara rekan-rekan mereka. Hal ini sebagian disebabkan oleh kelambanan para musisi sekolah tradisional, dan sebagian lagi karena kurangnya keterampilan para pelopor keaslian musik itu sendiri. Di kalangan musik, ada semacam sikap ironis yang merendahkan mereka sebagai pecundang yang tidak menemukan kegunaan yang lebih baik untuk diri mereka sendiri daripada menerbitkan embikan palsu yang menyedihkan pada "kayu layu" (woodwinds) atau "besi tua berkarat" (brasswinds). Dan sikap (tentu saja disayangkan) ini bertahan hingga saat ini, hingga menjadi jelas bahwa level permainan instrumen kuno telah berkembang pesat selama beberapa dekade terakhir sehingga, setidaknya di bidang barok dan klasik awal, para autentik telah lama mengejar dan melampaui orkestra modern yang terdengar lebih monoton dan membosankan.

Genre dan bentuk orkestra

Fragmen potret Pierre Moucheron bersama keluarganya. Penulis tidak diketahui. 1563 Rijksmuseum Amsterdam

Sama seperti kata "orkestra" tidak selalu berarti apa yang kita maksud dengannya hari ini, demikian pula kata "simfoni" dan "konser" awalnya memiliki arti yang sedikit berbeda, dan hanya secara bertahap, seiring waktu, mereka memperoleh arti modernnya.

Konser

Kata "konser" memiliki beberapa kemungkinan asal. Etimologi modern cenderung menerjemahkan "mencapai kesepakatan" dari bahasa Italia concertare atau "bernyanyi bersama, memuji" dari bahasa Latin concinere, concino. Terjemahan lain yang mungkin adalah "perselisihan, persaingan" dari bahasa Latin concertare: pemain individu (solois atau grup solois) bersaing dalam musik dengan tim (orkestra). Pada awal era Baroque, sebuah karya vokal-instrumental sering disebut konserto, kemudian dikenal sebagai kantata - dari bahasa Latin canto, cantare ("menyanyi"). Seiring waktu, konser menjadi murni bergenre instrumental(walaupun di antara karya-karya abad ke-20 orang juga dapat menemukan barang langka seperti Concerto for Voice and Orchestra oleh Reinhold Gliere). zaman barok membuat perbedaan antara solo concerto (satu instrumen dan orkestra pengiring) dan "big concerto" (concerto grosso), di mana musik dipindahkan antara sekelompok kecil solois (concertino) dan grup dengan lebih banyak instrumen (ripieno, yaitu , "mengisi", "mengisi"). Musisi dari grup ripieno disebut ripienis. Para ripienis inilah yang menjadi cikal bakal pemain orkestra modern. Sebagai ripieno, hanya instrumen senar yang terlibat, begitu juga dengan basso continuo. Dan solois bisa sangat berbeda: biola, cello, oboe, recorder, bassoon, viola d'amour, lute, mandolin, dll.

Ada dua jenis concerto grosso: concerto da chiesa ("konser gereja") dan concerto da camera ("konser kamar"). Keduanya mulai digunakan terutama berkat Arcangelo Corelli, yang menyusun siklus 12 concerto (1714). Siklus ini memiliki pengaruh kuat pada Handel, yang meninggalkan kami dua siklus grosso konser, yang diakui sebagai mahakarya genre ini. Konser Bach di Brandenburg juga memiliki fitur yang jelas dari grosso konser.

Masa kejayaan konserto solo barok dikaitkan dengan nama Antonio Vivaldi, yang menggubah lebih dari 500 konserto untuk berbagai instrumen diiringi string dan basso continuo dalam hidupnya (walaupun ia juga menulis lebih dari 40 opera, sejumlah besar musik paduan suara gereja dan simfoni instrumental). Resital biasanya terdiri dari tiga bagian dengan tempo bergantian: cepat - lambat - cepat; struktur ini menjadi dominan dalam sampel konser instrumental selanjutnya - hingga awal abad ke-21. Ciptaan Vivaldi yang paling terkenal adalah siklus "The Seasons" (1725) untuk orkestra biola dan string, di mana setiap konser didahului dengan puisi (mungkin ditulis oleh Vivaldi sendiri). Puisi-puisi tersebut menggambarkan suasana hati dan peristiwa utama pada musim tertentu, yang kemudian diwujudkan dalam musik itu sendiri. Keempat konserto ini, yang merupakan bagian dari siklus 12 konserto yang lebih besar berjudul Kontes Harmoni dan Penemuan, saat ini dianggap sebagai salah satu contoh pertama musik program.

Tradisi ini dilanjutkan dan dikembangkan oleh Handel dan Bach. Selain itu, Handel menggubah, antara lain, 16 concerto organ, dan Bach, selain concerto tradisional pada waktu itu untuk satu dan dua biola, juga menulis concerto untuk harpsichord, yang sampai sekarang secara eksklusif merupakan instrumen dari grup basso continuo. . Jadi Bach bisa dianggap sebagai nenek moyang dari konserto piano modern.

Simfoni

Simfoni dalam bahasa Yunani berarti "harmoni", "suara bersama". Dalam tradisi Yunani kuno dan abad pertengahan, simfoni disebut eufoni harmoni (dalam bahasa musik saat ini - konsonan), dan belakangan ini, berbagai alat musik mulai disebut simfoni, seperti: dulcimer, hurdy gurdy, spinet atau suci. Dan baru pada pergantian abad XVI-XVII kata "simfoni" mulai digunakan sebagai nama komposisi suara dan instrumen. Contoh paling awal dari simfoni semacam itu adalah Simfoni Musikal oleh Lodovico Grossi da Viadana (1610), Simfoni Suci oleh Giovanni Gabrieli (1615) dan Simfoni Suci (op. 6, 1629, dan op. 10, 1649) oleh Heinrich Schütz. Secara umum, selama seluruh periode Barok, berbagai komposisi, baik gerejawi maupun sekuler, disebut simfoni. Paling sering, simfoni adalah bagian dari siklus yang lebih besar. Dengan munculnya genre opera seria Italia ("opera serius"), yang dikaitkan terutama dengan nama Scarlatti, pengantar instrumental opera, juga disebut pembukaan, disebut simfoni, biasanya dalam tiga bagian: cepat - lambat Cepat. Artinya, "simfoni" dan "pembukaan" untuk waktu yang lama memiliki arti yang sama. Ngomong-ngomong, dalam opera Italia, tradisi menyebut pembukaan sebagai simfoni bertahan hingga pertengahan abad ke-19 (lihat opera awal Verdi, misalnya, Nebukadnezar).

Sejak abad ke-18, mode simfoni multi-bagian instrumental telah muncul di seluruh Eropa. Mereka memainkan peran penting dalam keduanya kehidupan publik maupun dalam pelayanan gereja. Namun, tempat asal dan pertunjukan simfoni utama adalah perkebunan bangsawan. Pada pertengahan abad ke-18 (saat munculnya simfoni Haydn pertama), ada tiga pusat utama untuk menggubah simfoni di Eropa - Milan, Wina, dan Mannheim. Berkat aktivitas ketiga pusat ini, tetapi terutama Mannheim Court Chapel dan para komposernya, serta karya Joseph Haydn, genre simfoni pertama kali berkembang di Eropa pada saat itu.

Kapel Mannheim

Jan Stamitz Wikimedia Commons

Kapel, yang muncul di bawah Elektor Charles III Philip di Heidelberg, dan setelah 1720 terus ada di Mannheim, dapat dianggap sebagai prototipe pertama orkestra modern. Bahkan sebelum pindah ke Mannheim, kapel itu lebih banyak dari yang lain di kerajaan sekitarnya. Di Mannheim semakin berkembang, dan berkat keterlibatan musisi paling berbakat saat itu, kualitas penampilan juga meningkat secara signifikan. Sejak 1741, paduan suara dipimpin oleh pemain biola dan komposer Ceko Jan Stamitz. Sejak saat itulah kita dapat berbicara tentang pembentukan sekolah Mannheim. Orkestra tersebut terdiri dari 30 alat musik gesek, alat musik tiup berpasangan: dua seruling, dua obo, dua klarinet (saat itu masih jarang menjadi tamu di orkestra), dua bassoon, dua hingga empat terompet, dua terompet, dan timpani - komposisi yang sangat besar pada masa itu. Misalnya, di kapel Pangeran Esterhazy, di mana Haydn bertugas selama hampir 30 tahun sebagai bandmaster, pada awal aktivitasnya jumlah musisi tidak melebihi 13-16 orang, di Count Morzin, yang melayani Haydn beberapa tahun sebelum Esterhazy. dan menulis simfoni pertamanya, musisi bahkan lebih sedikit - di sana, dilihat dari partitur Haydn pada tahun-tahun itu, bahkan tidak ada seruling. Pada akhir 1760-an, Kapel Esterhazy berkembang menjadi 16-18 musisi dan pada pertengahan 1780-an mencapai jumlah maksimum 24 musisi. Dan di Mannheim hanya ada 30 orang string.

Tetapi keunggulan utama dari virtuoso Mannheim bukanlah kuantitas mereka, tetapi kualitas dan koherensi yang luar biasa dari penampilan kolektif pada saat itu. Jan Stamitz, dan setelah dia komposer lain yang menulis musik untuk orkestra ini, menemukan efek yang semakin canggih, yang sampai sekarang belum pernah terdengar yang kemudian dikaitkan dengan nama Kapel Mannheim: peningkatan suara bersama (crescendo), memudarnya suara (diminuendo), tiba-tiba gangguan bersama dari permainan (jeda umum), serta berbagai tokoh musik, seperti: roket Mannheim (naik cepat melodi sesuai dengan suara akord yang membusuk), burung Mannheim ( meniru kicau burung dalam bagian solo) atau puncak Mannheim (persiapan untuk crescendo, dan kemudian pada saat yang menentukan adalah penghentian permainan semua alat musik tiup dan permainan beberapa senar yang aktif-energik). Banyak dari efek ini menemukan kehidupan kedua mereka dalam karya Mannheim yang lebih muda sezaman Mozart dan Beethoven, dan beberapa masih ada sampai sekarang.

Selain itu, Stamitz dan rekan-rekannya secara bertahap menemukan tipe simfoni empat bagian yang ideal, yang berasal dari prototipe barok sonata gereja dan sonata kamar, serta pembukaan opera Italia. Haydn sampai pada siklus empat bagian yang sama sebagai hasil dari eksperimennya selama bertahun-tahun. Mozart muda mengunjungi Mannheim pada tahun 1777 dan sangat terkesan dengan musik dan permainan orkestra yang didengarnya di sana. Dengan Christian Cannabih, yang memimpin orkestra setelah kematian Stamitz, Mozart memiliki persahabatan pribadi sejak kunjungannya ke Mannheim.

pemusik istana

Posisi pemusik istana yang digaji saat itu sangat menguntungkan, namun tentunya sangat wajib. Mereka bekerja sangat keras dan harus memenuhi keinginan musik apa pun dari tuan mereka. Mereka dapat dijemput pada pukul tiga atau empat pagi dan diberi tahu bahwa pemiliknya menginginkan musik hiburan - untuk mendengarkan semacam serenade. Musisi malang harus pergi ke aula, memasang lampu dan bermain. Sangat sering musisi bekerja tujuh hari seminggu - konsep seperti tingkat produksi atau hari kerja 8 jam, tentu saja, tidak ada untuk mereka (menurut standar modern, musisi orkestra tidak dapat bekerja lebih dari 6 jam sehari, ketika datang ke latihan untuk konser atau pertunjukan teater). Kami harus bermain sepanjang hari, jadi kami bermain sepanjang hari. Namun, pemilik pecinta musik, paling sering dipahami bahwa seorang musisi tidak dapat bermain tanpa istirahat selama beberapa jam - dia membutuhkan makanan dan istirahat.

Detail lukisan karya Nicola Maria Rossi. 1732 Gambar Bridgeman/Fotodom

Haydn dan Kapel Pangeran Esterhazy

Legenda mengatakan bahwa Haydn, yang menulis Farewell Symphony yang terkenal, mengisyaratkan kepada tuannya Esterhazy tentang istirahat yang dijanjikan tetapi dilupakan. Di bagian akhir, semua musisi berdiri bergiliran, memadamkan lilin dan pergi - petunjuknya cukup bisa dimengerti. Dan pemiliknya memahami mereka dan membiarkan mereka pergi berlibur - yang berbicara tentang dia sebagai orang yang berwawasan dan selera humor. Bahkan jika itu fiksi, itu sangat menyampaikan semangat zaman itu - di lain waktu, petunjuk seperti itu tentang kesalahan pihak berwenang dapat merugikan sang komposer.

Karena pelindung Haydn adalah orang-orang yang cukup terpelajar dan peka terhadap musik, dia dapat mengandalkan fakta bahwa eksperimennya - apakah itu simfoni dalam enam atau tujuh gerakan atau beberapa komplikasi tonal yang luar biasa dalam apa yang disebut episode perkembangan - tidak akan terjadi. diterima dengan kutukan. Malah sebaliknya: semakin kompleks dan tidak biasa bentuknya, semakin mereka menyukainya.
Meski demikian, Haydn menjadi yang pertama komposer yang luar biasa, dibebaskan dari keberadaan punggawa yang tampaknya nyaman, tetapi secara umum seperti budak. Ketika Nikolaus Esterházy meninggal, ahli warisnya membubarkan orkestra, meskipun dia mempertahankan gelar Haydn dan gaji (pengurangan) kepala band. Karena itu, Haydn tanpa sadar menerima cuti yang tidak terbatas dan, memanfaatkan undangan dari impresario Johann Peter Salomon, pergi ke London pada usia yang agak lanjut. Di sana ia benar-benar menciptakan gaya orkestra baru. Musiknya menjadi lebih solid dan sederhana. Eksperimen dibatalkan. Ini karena kebutuhan komersial: dia menemukan bahwa masyarakat umum Inggris jauh lebih tidak berpendidikan daripada pendengar canggih di perkebunan Esterhazy - baginya, Anda perlu menulis lebih pendek, lebih jelas, dan lebih ringkas. Meskipun setiap simfoni yang ditulis oleh Esterhazy unik, simfoni London memiliki jenis yang sama. Semuanya ditulis secara eksklusif dalam empat bagian (pada saat itu itu adalah bentuk simfoni yang paling umum, yang sudah digunakan sepenuhnya oleh komposer sekolah Mannheim dan Mozart): sonata allegro wajib di bagian pertama, semakin banyak atau bagian kedua yang kurang lambat, minuet dan penutup cepat. Jenis orkestra dan bentuk musik, serta jenis pengembangan teknis tema yang digunakan dalam simfoni terakhir Haydn, sudah menjadi model bagi Beethoven.

Akhir abad 18 - 19: sekolah Wina dan Beethoven

Interior Teater an der Wien di Wina. Ukiran. abad ke-19 Brigeman Images/Fotodom

Kebetulan Haydn hidup lebih lama dari Mozart, yang 24 tahun lebih muda darinya, dan menemukan awal karir Beethoven. Haydn bekerja sebagian besar hidupnya di Hongaria saat ini, dan menjelang akhir hidupnya sukses besar di London, Mozart berasal dari Salzburg, dan Beethoven adalah seorang Fleming yang lahir di Bonn. Tetapi jalur kreatif dari ketiga raksasa musik itu terhubung dengan kota, yang, pada masa pemerintahan Permaisuri Maria Theresa, dan kemudian putranya Kaisar Joseph II, mengambil posisi ibu kota musik dunia - dengan Wina. Dengan demikian, karya Haydn, Mozart dan Beethoven tercatat dalam sejarah sebagai "gaya klasik Wina". Benar, perlu dicatat bahwa penulisnya sendiri sama sekali tidak menganggap diri mereka "klasik", dan Beethoven menganggap dirinya seorang revolusioner, pelopor, dan bahkan penumbangkan tradisi. Konsep "gaya klasik" adalah penemuan di kemudian hari ( pertengahan XIX abad). Ciri utama gaya ini adalah kesatuan bentuk dan isi yang harmonis, keseimbangan suara dengan tidak adanya ekses barok, dan harmoni kuno arsitektur musik.

Mahkota Wina gaya klasik di bidang musik orkestra, simfoni London Haydn, simfoni terakhir Mozart, dan semua simfoni Beethoven dipertimbangkan. Di akhir simfoni Haydn dan Mozart, leksikon musik dan sintaksis gaya klasik akhirnya ditetapkan, serta komposisi orkestra, yang sudah mengkristal di sekolah Mannheim dan masih dianggap klasik: grup string (dibagi menjadi biola pertama dan kedua, biola, cello, dan bas ganda), sepasang alat musik tiup kayu - biasanya dua seruling, dua obo, dua bassoon. Namun, mulai dari karya terakhir Mozart, klarinet juga dengan mantap memasuki orkestra dan memantapkan diri. Kecintaan Mozart pada klarinet sebagian besar berkontribusi pada penyebaran instrumen ini secara luas sebagai bagian dari grup tiup orkestra. Mozart mendengar klarinet pada tahun 1778 di Mannheim dalam simfoni Stamitz dan menulis dengan kagum dalam sebuah surat kepada ayahnya: "Oh, andai saja kita memiliki klarinet!" - artinya dengan "kami" Kapel Pengadilan Salzburg, yang memperkenalkan klarinet hanya pada tahun 1804. Akan tetapi, perlu dicatat bahwa sejak tahun 1769 klarinet secara teratur digunakan dalam band militer pangeran-keuskupan agung.

Dua terompet biasanya ditambahkan ke alat musik tiup yang telah disebutkan, dan terkadang dua terompet dan timpani, yang menjadi musik simfoni dari militer. Tetapi instrumen ini hanya digunakan dalam simfoni, yang tutsnya memungkinkan penggunaan pipa alami, yang hanya ada dalam beberapa penyetelan, biasanya dalam D atau C mayor; terkadang terompet juga digunakan dalam simfoni yang ditulis dalam G mayor, tetapi tidak pernah timpani. Contoh simfoni dengan terompet tetapi tanpa timpani adalah Symphony No. 32 Mozart. Bagian timpani kemudian ditambahkan ke skor oleh orang tak dikenal dan dianggap tidak autentik. Dapat diasumsikan bahwa ketidaksukaan penulis abad ke-18 untuk G mayor sehubungan dengan timpani dijelaskan oleh fakta bahwa untuk timpani Barok (disetel bukan dengan pedal modern yang nyaman, tetapi dengan sekrup tegangan manual), mereka secara tradisional menulis musik yang hanya terdiri dari dua nada - tonik (tingkat nada ke-1) dan dominan (tingkat nada ke-5), yang dipanggil untuk mendukung pipa yang memainkan nada-nada ini, tetapi nada utama dari kunci G mayor di oktaf atas pada timpani terdengar terlalu tajam, dan di bawah - terlalu teredam. Oleh karena itu, timpani dalam G mayor dihindari karena disonansinya.

Semua instrumen lain dianggap dapat diterima hanya dalam opera dan balet, dan beberapa di antaranya terdengar bahkan di gereja (misalnya, trombon dan terompet basset di Requiem, trombon, terompet basset, dan piccolo di The Magic Flute, musik perkusi "Janissary" di "The Abduction from seraglio" atau mandolin dalam "Don Giovanni" karya Mozart, basset horn dan harpa dalam balet Beethoven "The Works of Prometheus").

Basso continuo berangsur-angsur tidak digunakan lagi, pertama-tama menghilang dari musik orkestra, tetapi bertahan untuk beberapa waktu di opera untuk mengiringi pelafalan (lihat The Marriage of Figaro, All Women Do It, dan Mozart's Don Giovanni, tetapi juga kemudian - V awal XIX abad, dalam beberapa opera komik oleh Rossini dan Donizetti).

Jika Haydn tercatat dalam sejarah sebagai penemu terhebat di bidangnya musik simfoni, kemudian Mozart lebih banyak bereksperimen dengan orkestra dalam opera daripada simfoninya. Yang terakhir jauh lebih ketat dalam kepatuhan mereka terhadap norma-norma saat itu. Meskipun tentu saja ada pengecualian: misalnya, di simfoni Praha atau Paris tidak ada minuet, yaitu hanya terdiri dari tiga bagian. Bahkan ada simfoni satu gerakan No. 32 di G mayor (namun, itu dibangun di atas model pembukaan Italia dalam tiga bagian, cepat - lambat - cepat, yaitu, sesuai dengan norma pra-Haydnian yang lebih tua) . Namun di sisi lain, simfoni ini melibatkan sebanyak empat tanduk (seperti, omong-omong, dalam Simfoni No. 25 dalam G minor, serta dalam opera Idomeneo). Klarinet diperkenalkan ke Symphony No. 39 (kecintaan Mozart pada instrumen ini telah disebutkan), tetapi obo tradisional tidak ada. Dan Symphony No. 40 bahkan ada dalam dua versi - dengan dan tanpa klarinet.

Dalam parameter formal, Mozart bergerak di sebagian besar simfoninya menurut skema Mannheim dan Haydnian - tentu saja, memperdalam dan menyempurnakannya dengan kekuatan kejeniusannya, tetapi tanpa mengubah apa pun yang penting pada level struktur atau komposisi. Namun, di tahun-tahun terakhir hidupnya, Mozart mulai mempelajari secara mendetail dan mendalam karya polifonis hebat di masa lalu - Handel dan Bach. Berkat itu tekstur musiknya semakin diperkaya dengan berbagai macam trik polifonik. Contoh cemerlang dari kombinasi gudang homofonik khas simfoni akhir abad ke-18 dengan fugue tipe Bach adalah simfoni ke-41 terakhir Mozart "Jupiter". Ini memulai kebangkitan polifoni sebagai metode perkembangan terpenting dalam genre simfoni. Benar, Mozart mengikuti jalan yang dilaluinya oleh orang lain: final dari dua simfoni oleh Michael Haydn, No. 39 (1788) dan 41 (1789), tentunya diketahui oleh Mozart, juga ditulis dalam bentuk fugue.

Potret Ludwig van Beethoven. Joseph Karl Stieler. 1820 Wikimedia Commons

Peran Beethoven dalam pengembangan orkestra memang istimewa. Musiknya adalah kombinasi kolosal dari dua era: klasik dan romantis. Jika di First Symphony (1800) Beethoven adalah murid dan pengikut setia Haydn, dan di balet The Works of Prometheus (1801) dia adalah penerus tradisi Gluck, maka di Third, Heroic Symphony (1804) ada adalah pemikiran ulang terakhir dan tidak dapat dibatalkan dari tradisi Haydn-Mozart dengan kunci yang lebih modern. Simfoni Kedua (1802) secara lahiriah masih mengikuti pola klasik, tetapi ada banyak inovasi di dalamnya, dan yang utama adalah penggantian minuet tradisional dengan scherzo petani kasar ("lelucon" dalam bahasa Italia). Sejak itu, minuet tidak lagi ditemukan dalam simfoni Beethoven, kecuali penggunaan kata "minuet" yang secara ironis nostalgia dalam judul gerakan ketiga dari Simfoni Kedelapan - "Dengan kecepatan minuet" (oleh waktu Kedelapan disusun - 1812 - minuets sudah tidak digunakan lagi di mana-mana, dan Beethoven di sini dengan jelas menggunakan referensi ke genre ini sebagai tanda "masa lalu yang manis tapi jauh"). Tetapi juga banyaknya kontras dinamis, dan transfer sadar dari tema utama gerakan pertama ke cello dan double bass, sementara biola memainkan peran yang tidak biasa bagi mereka sebagai pengiring, dan seringnya pemisahan fungsi cello dan double bass (yaitu, emansipasi bass ganda sebagai suara independen), dan diperpanjang, mengembangkan coda di bagian ekstrim (praktis berubah menjadi perkembangan kedua) semuanya adalah jejak gaya baru, yang menemukan perkembangannya yang menakjubkan di bagian selanjutnya, the Simfoni Ketiga.

Pada saat yang sama, Simfoni Kedua menjadi awal dari hampir semua simfoni Beethoven berikutnya, terutama Simfoni Ketiga dan Keenam, serta Kesembilan. Pada pengantar Bagian Pertama Bagian Kedua, terdapat motif D-minor yang dua tetesnya mirip dengan tema utama Bagian Pertama Bagian Kesembilan, dan bagian penghubung bagian akhir Bagian Kedua hampir berupa sketsa. "Ode to Joy" dari final Kesembilan yang sama, bahkan dengan instrumentasi yang identik.

Simfoni Ketiga adalah yang terpanjang dan paling kompleks dari semua simfoni yang ditulis sejauh ini, dan bahasa musik, dan pada studi materi yang paling intensif. Ini berisi kontras dinamis yang belum pernah terjadi sebelumnya pada masa itu (dari tiga piano menjadi tiga fortes!) dan pekerjaan yang sama belum pernah terjadi sebelumnya, bahkan dibandingkan dengan Mozart, pada "transformasi seluler" dari motif aslinya, yang tidak hanya hadir dalam setiap gerakan individu, tetapi, seolah-olah, menembus seluruh siklus empat bagian, menciptakan rasa narasi tunggal dan tak terpisahkan. The Heroic Symphony bukan lagi rangkaian harmonis dari bagian-bagian kontras dari siklus instrumental, tetapi genre yang sama sekali baru, pada kenyataannya, novel simfoni pertama dalam sejarah musik!

Penggunaan orkestra oleh Beethoven bukan hanya untuk virtuoso, tetapi juga mendorong para instrumentalis hingga batasnya, dan seringkali melampaui batasan teknis yang dapat dibayangkan dari setiap instrumen. Ungkapan terkenal Beethoven, yang ditujukan kepada Ignaz Schuppanzig, pemain biola dan pemimpin Kuartet Lichnowsky Count, pemain pertama dari banyak kuartet Beethoven, sebagai tanggapan atas komentar kritisnya tentang "ketidakmungkinan" dari satu bagian Beethoven, sangat mencirikan sikap komposer terhadap masalah teknis. dalam musik: "Apa peduliku pada biola malangnya, ketika Roh berbicara kepadaku?!" Ide musik selalu didahulukan, dan hanya setelah itu harus ada cara untuk mengimplementasikannya. Tetapi pada saat yang sama, Beethoven sangat menyadari kemungkinan orkestra pada masanya. Ngomong-ngomong, opini yang tersebar luas tentang konsekuensi negatif dari ketulian Beethoven, yang diduga tercermin dalam komposisinya yang kemudian dan karena itu membenarkan intrusi selanjutnya ke dalam skornya dalam bentuk semua jenis retouch, hanyalah mitos. Cukup untuk mendengarkan Penampilan yang bagus simfoni atau kuartet terakhirnya pada instrumen otentik, untuk memastikan bahwa mereka tidak memiliki kekurangan, tetapi hanya sikap yang sangat idealis dan tanpa kompromi terhadap seni mereka, berdasarkan pengetahuan terperinci tentang instrumen pada masanya dan kemampuan mereka. Jika Beethoven memiliki orkestra modern dengan kemampuan teknis modern, dia pasti akan menulis dengan cara yang sama sekali berbeda.

Dalam hal instrumentasi, dalam empat simfoni pertamanya, Beethoven tetap setia pada standar simfoni selanjutnya dari Haydn dan Mozart. Meskipun Simfoni Pahlawan menggunakan tiga tanduk, bukan dua tanduk tradisional, atau empat tanduk yang jarang tetapi dapat diterima secara tradisional. Artinya, Beethoven mempertanyakan prinsip yang sangat sakral dalam mengikuti tradisi apa pun: dia membutuhkan suara klakson ketiga dalam orkestra - dan dia memperkenalkannya.

Dan sudah di Fifth Symphony (1808), Beethoven memperkenalkan di bagian akhir instrumen orkestra militer (atau teater) - seruling piccolo, kontrabassoon, dan trombon. Ngomong-ngomong, setahun sebelum Beethoven, komposer Swedia Joachim Nicholas Eggert menggunakan trombon dalam Symphony in E flat mayor (1807), dan di ketiga gerakan, dan tidak hanya di final, seperti yang dilakukan Beethoven. Jadi dalam kasus trombon, telapak tangan bukan untuk komposer hebat, tetapi untuk rekannya yang kurang terkenal.

Simfoni Keenam (Pastoral) adalah siklus program pertama dalam sejarah simfoni, di mana tidak hanya simfoni itu sendiri, tetapi juga setiap bagian, didahului dengan deskripsi semacam program internal - deskripsi perasaan suatu penghuni kota yang menemukan dirinya di alam. Sebenarnya deskripsi alam dalam musik bukanlah hal baru sejak zaman Baroque. Tapi, tidak seperti The Seasons karya Vivaldi dan contoh program musik barok lainnya, Beethoven tidak membahas penulisan suara sebagai tujuan itu sendiri.The Sixth Symphony, dalam kata-katanya sendiri, "lebih merupakan ekspresi perasaan daripada lukisan." Simfoni pastoral adalah satu-satunya dalam karya Beethoven di mana siklus simfoni empat bagian dilanggar: scherzo diikuti tanpa gangguan oleh gerakan keempat, dalam bentuk bebas, berjudul Badai Petir, dan setelah itu, juga tanpa gangguan, penutup. berikut. Jadi, ada lima gerakan dalam simfoni ini.

Pendekatan Beethoven terhadap orkestrasi simfoni ini sangat menarik: pada gerakan pertama dan kedua, dia hanya menggunakan senar, alat tiup kayu, dan dua tanduk. Di scherzo, dua terompet dihubungkan dengannya, di Badai Petir timpani, seruling piccolo dan dua trombon bergabung, dan di akhir timpani dan piccolo terdiam lagi, dan terompet dan trombon berhenti menjalankan fungsi gembar-gembor tradisional mereka dan bergabung ke dalam paduan suara angin umum doksologi panteistik.

Puncak dari eksperimen Beethoven di bidang orkestrasi adalah Simfoni Kesembilan: pada akhirnya, tidak hanya trombon yang telah disebutkan, seruling piccolo dan contrabassoon digunakan, tetapi juga seluruh rangkaian perkusi "Turki" - bass drum, simbal dan segitiga, dan yang paling penting - paduan suara dan solois! Omong-omong, trombon di bagian akhir Kesembilan paling sering digunakan sebagai amplifikasi bagian paduan suara, dan ini sudah merujuk pada tradisi gereja dan musik oratorio sekuler, terutama dalam refraksi Haydnian-Mozartiannya (lihat " Creation of the World" atau "The Seasons" dari Haydn, Mass before minor atau Mozart's Requiem), yang artinya simfoni ini merupakan perpaduan antara genre simfoni dan oratorio spiritual, hanya ditulis di atas teks sekuler yang puitis oleh Schiller. Inovasi formal besar lainnya dari Simfoni Kesembilan adalah penataan ulang gerakan lambat dan scherzo. Scherzo kesembilan, berada di posisi kedua, tidak lagi memainkan peran sebagai kontras ceria yang memicu akhir, tetapi berubah menjadi kelanjutan yang keras dan sepenuhnya "militeristik" dari bagian pertama yang tragis. Dan gerakan lambat ketiga menjadi pusat filosofis simfoni, jatuh tepat di zona bagian emas - yang pertama, tetapi bukan kasus terakhir dalam sejarah musik simfoni.

Dengan Simfoni Kesembilan (1824), Beethoven melakukan lompatan ke era baru. Ini bertepatan dengan periode transformasi sosial yang paling serius - dengan transisi terakhir dari Pencerahan ke era industri baru, yang peristiwa pertamanya terjadi 11 tahun sebelum akhir abad sebelumnya; sebuah acara yang disaksikan oleh ketiga perwakilan sekolah klasik Wina. Kita berbicara, tentu saja, tentang Revolusi Perancis.