Instrumen apa yang populer di abad ke-17. Musik instrumental abad ke-17

Musik abad ke-17 dan ke-18

Pada pergantian abad 16-17, polifoni, yang mendominasi musik Renaisans, mulai digantikan oleh homofoni (dari bahasa Yunani "homos" - "satu", "sama" dan "latar belakang" - "suara", "suara"). Berbeda dengan polifoni, di mana semua suara sama, dalam polifoni homofonik ada yang menonjol, membawakan tema utama, dan sisanya memainkan peran pengiring (pengiring). Pengiring biasanya berupa sistem akord (harmoni). Karenanya nama cara baru menggubah musik - harmonik homofonik.

Gagasan tentang musik gereja telah berubah. Sekarang para komposer tidak berusaha keras untuk memastikan bahwa seseorang meninggalkan nafsu duniawi, tetapi untuk mengungkapkan kompleksitas pengalaman spiritualnya. Ada karya yang ditulis berdasarkan teks atau plot agama, tetapi tidak dimaksudkan untuk pertunjukan wajib di gereja. (Komposisi semacam itu disebut spiritual, karena kata "spiritual" memiliki arti yang lebih luas daripada "gerejawi".) Genre spiritual utama abad 17-18. - kantata dan oratorio. Pentingnya musik sekuler meningkat: dimainkan di istana, di salon bangsawan, di teater umum (teater pertama dibuka pada abad ke-17). Ada jenis seni musik baru - opera.

Musik instrumental juga ditandai dengan munculnya genre baru, terutama instrumental concerto. Biola, harpsichord, organ berangsur-angsur berubah menjadi instrumen solo. Musik yang ditulis untuk mereka memungkinkan untuk menunjukkan bakat tidak hanya untuk komposer, tetapi juga untuk pemainnya. Pertama-tama, keahlian dihargai (kemampuan mengatasi kesulitan teknis), yang lambat laun menjadi tujuan dan nilai artistik bagi banyak musisi.

Komponis abad 17-18 biasanya tidak hanya menggubah musik, tetapi juga mahir memainkan alat musik, belajar kegiatan pedagogis. Kesejahteraan artis sangat bergantung pada pelanggan tertentu. Biasanya, setiap musisi yang serius berusaha mendapatkan tempat baik di istana raja atau bangsawan kaya (banyak anggota bangsawan memiliki orkestra atau gedung opera sendiri), atau di kuil. Selain itu, sebagian besar komposer dengan mudah menggabungkan pembuatan musik gereja dengan pelayanan pelindung sekuler.

Oratorio dan kantata

Sebagai genre musik independen, oratorio (oratorio Italia, dari oratorium Latin akhir - "kapel") mulai terbentuk di Italia pada abad ke-16. Ahli musik melihat asal mula oratorio dalam drama liturgi (lihat artikel "Teater Eropa abad pertengahan") - pertunjukan teater yang menceritakan tentang peristiwa alkitabiah.

Tindakan serupa dimainkan di kuil - karena itulah nama genre tersebut. Pada awalnya, oratorio ditulis di atas teks Kitab Suci, dan dimaksudkan untuk pertunjukan di gereja. DI DALAM Abad XVII komposer mulai menulis oratorios pada modern teks puitis konten rohani. Struktur oratorio mirip dengan struktur opera. Ini adalah karya besar untuk penyanyi solo, paduan suara dan orkestra, dengan plot yang dramatis. Namun, tidak seperti opera, tidak ada aksi panggung dalam oratorio: ia menceritakan tentang peristiwa, tetapi tidak menampilkannya.

di Italia pada abad ke-17. genre lain dibentuk - kantata (it. cantata, dari lat. canto- "bernyanyi"). Seperti oratorio, kantata biasanya dibawakan oleh solois, paduan suara, dan orkestra, tetapi lebih pendek dari oratorio. Kantata ditulis pada teks spiritual dan sekuler.

Musik Italia

Pada akhir abad ke-16, gaya seni Barok berkembang di Italia (dari um. barocco - "aneh", "aneh"). Gaya ini bercirikan ekspresif, drama, hiburan, keinginan untuk sintesis (koneksi) jenis yang berbeda seni. Ciri-ciri ini terwujud sepenuhnya dalam opera yang muncul pada pergantian abad 16-17. Satu karya memadukan musik, puisi, dramaturgi dan lukisan teater... Awalnya opera memiliki nama yang berbeda: "drama untuk musik" (it. dramma per musica); kata "opera" (itu. opera - "komposisi") hanya muncul di pertengahan abad ke-17. Ide "drama untuk musik" lahir di Florence, di lingkaran artistik Florentine Camerata. Pertemuan lingkaran diadakan di sebuah ruangan (dari kamera Italia - "kamar"), di rumah. Dari tahun 1579 hingga 1592, pecinta musik, penyair, ilmuwan yang tercerahkan berkumpul di rumah Pangeran Giovanni Bardi. Itu juga dikunjungi oleh musisi profesional - penyanyi dan komposer Jacopo Peri (1561 - 1633) dan Giulio Caccini (sekitar 1550-1618), ahli teori dan komposer Vincenzo Galilei (sekitar 1520-1591), ayah dari ilmuwan terkenal Galileo Galilei.

Para peserta Florentine Camerata sangat antusias dengan perkembangan seni musik. Mereka melihat masa depannya dalam kombinasi musik dan drama: teks dari karya semacam itu (tidak seperti teks nyanyian polifonik paduan suara yang kompleks pada abad ke-16) akan dapat dimengerti oleh pendengarnya.

Anggota lingkaran menemukan kombinasi kata dan musik yang ideal di teater kuno: syair dinyanyikan dengan suara nyanyian, setiap kata, setiap suku kata terdengar jelas. Jadi kamera Florentine muncul dengan ide nyanyian solo yang diiringi oleh instrumen - monody (dari bahasa Yunani "monos" - "one" dan "ode" - "song"). Gaya baru nyanyian mulai disebut resitatif (dari situ. recitare - "membaca"): musik mengikuti teks dan nyanyian adalah pelafalan yang monoton. Intonasi musiknya tidak mengesankan - penekanannya adalah pada pengucapan kata-kata yang jelas, dan bukan pada penyampaian perasaan para karakter.

Opera Florentine awal didasarkan pada adegan-adegan dari mitologi kuno. Karya pertama dari genre baru yang sampai kepada kita adalah dua opera dengan nama yang sama "Eurydice" oleh komposer Peri (1600) dan Caccini (1602). Mereka diciptakan di plot mitos Orpheus. Nyanyian itu diiringi oleh ansambel instrumental, yang terdiri dari cembalo (cikal bakal piano), kecapi, kecapi, gitar, dll.

Pahlawan dari opera pertama diatur oleh takdir, dan keinginannya diumumkan oleh para pembawa pesan. Aksi dibuka dengan prolog, di mana kebajikan dan kekuatan seni dinyanyikan. Pertunjukan selanjutnya termasuk ansambel vokal (nomor opera di mana beberapa peserta bernyanyi pada waktu yang sama), paduan suara, dan episode tarian. Sebuah komposisi musik dibangun di atas pergantian mereka.

Opera mulai berkembang pesat, dan terutama sebagai musik istana. Bangsawan melindungi seni, dan kepedulian semacam itu tidak hanya dijelaskan oleh cinta akan keindahan: kemakmuran seni dianggap sebagai atribut kekuasaan dan kekayaan yang sangat diperlukan. Di kota-kota besar Italia - Roma, Florence, Venesia, Napoli - sekolah opera mereka sendiri telah berkembang.

Ciri-ciri terbaik dari berbagai sekolah - perhatian pada kata puitis (Florence), subteks spiritual yang serius dari tindakan (Roma), monumentalitas (Venesia) - digabungkan dalam karyanya oleh Claudio Monteverdi (1567-1643). Komposer lahir di kota Italia Cremona dalam keluarga dokter. Sebagai seorang musisi, Monteverdi berkembang di masa mudanya. Dia menulis dan menampilkan madrigal; memainkan organ, biola dan instrumen lainnya. Monteverdi mempelajari komposisi musik dengan komposer terkenal saat itu. Pada tahun 1590, sebagai penyanyi dan musisi, dia diundang ke Mantua, ke istana Adipati Vincenzo Gonzaga; kemudian dia memimpin kapel pengadilan. Pada 1612, Monteverdi meninggalkan layanan di Mantua dan dari 1613 menetap di Venesia. Berkat Monteverdi pada tahun 1637, gedung opera publik pertama di dunia dibuka di Venesia. Di sana, sang komposer memimpin kapel Katedral San Marco. Sebelum kematiannya, Claudio Monteverdi mengambil perintah suci.

Setelah mempelajari karya Peri dan Caccini, Monteverdi menciptakan karya-karyanya sendiri yang bergenre ini. Sudah di opera pertama - "Orpheus" (1607) dan "Ariadne" (1608) - komposer berhasil menyampaikan perasaan yang dalam dan penuh gairah dengan cara musik, untuk menciptakan aksi dramatis yang menegangkan. Monteverdi adalah penulis banyak opera, tetapi hanya tiga yang bertahan - "Orpheus", "Return of Ulysses to his homeland" (1640; berdasarkan plot puisi epik Yunani kuno "Odyssey") dan "Coronation of Poppea" ( 1642).

Karya-karya Monteverdi memadukan musik dan teks secara harmonis. Opera didasarkan pada monolog di mana setiap kata terdengar jelas, dan musik secara fleksibel dan halus menyampaikan nuansa suasana hati. Monolog, dialog, dan episode paduan suara dengan lancar mengalir satu sama lain, aksi berkembang perlahan (tiga-empat babak dalam opera Monteverdi), tetapi secara dinamis. Komposer memberikan peran penting pada orkestra. Dalam "Orpheus", misalnya, dia menggunakan hampir semua instrumen yang dikenal saat itu. Musik orkestra tidak hanya mengiringi nyanyian, tetapi juga menceritakan tentang peristiwa yang terjadi di atas panggung dan pengalaman para tokohnya. Di Orpheus, pembukaan pertama kali muncul (French ouverture, atau Latin apertura - "pembukaan", "permulaan") - pengantar instrumental untuk karya musik utama. Opera Claudio Monteverdi memiliki pengaruh yang signifikan terhadap komposer Venesia dan meletakkan dasar sekolah opera Venesia.

Monteverdi tidak hanya menulis opera, tetapi juga musik sakral, madrigal religius dan sekuler. Ia menjadi komposer pertama yang tidak menentang metode polifonik dan homofonik - episode paduan suara dari operanya menyertakan teknik polifonik. Dalam karya Monteverdi, yang baru dipadukan dengan yang lama - tradisi Renaisans.

Pada awal abad XVIII. sebuah sekolah opera dibentuk di Naples. Ciri-ciri sekolah ini - meningkatnya perhatian pada nyanyian, peran musik yang dominan. Di Naples gaya vokal bel canto (bel canto Italia - "nyanyian yang indah") diciptakan. Bel canto terkenal dengan keindahan suara, melodi, dan kesempurnaan teknisnya yang luar biasa. Dalam nada tinggi (kisaran bunyi suara), nyanyian dibedakan oleh timbre yang ringan dan transparan, dalam nada rendah - dengan kelembutan dan kepadatan seperti beludru. Pelakunya harus mampu mereproduksi banyak corak timbre suara, serta dengan mahir menyampaikan banyak rangkaian suara cepat yang ditumpangkan pada melodi utama - coloratura (itu. coloratura - "hiasan"). Persyaratan khusus adalah kemerataan suara suara - dalam melodi lambat, pernapasan tidak boleh terdengar.

Pada abad ke-18, opera menjadi jenis seni musik utama di Italia, yang difasilitasi oleh penyanyi profesional tingkat tinggi yang belajar di konservatori (it.conservatorio, err lat.conserve - "I guard") - lembaga pendidikan yang melatih musisi. Pada saat itu, empat konservatori telah dibuat di pusat opera Italia - Venesia dan Napoli. Popularitas genre juga dilayani oleh gedung opera yang dibuka di berbagai kota di negara ini, dapat diakses oleh semua lapisan masyarakat. Opera Italia dipentaskan di teater ibu kota besar Eropa, dan komposer dari Austria, Jerman, dan negara lain menulis opera berdasarkan teks Italia.

Prestasi signifikan dari musik Italia abad XVII-XVIII. dan di bidang genre instrumental. Komposer dan organis Girolamo Frescobaldi (1583-1643) banyak mengembangkan kreativitas organ. "Dalam musik gereja, dia meletakkan dasar untuk gaya baru. Komposisinya untuk organ adalah komposisi terperinci dari gudang fantasi (bebas). Frescobaldi menjadi terkenal karena permainan virtuoso dan seni improvisasi pada organ dan clavier. Seni biola berkembang pesat Pada saat itu, tradisi produksi biola telah berkembang di Italia. Ahli turun-temurun dari keluarga Amati, Guarneri, Stradivari dari kota Cremona mengembangkan desain biola, metode pembuatannya, yang dirahasiakan dan diteruskan turun dari generasi ke generasi.Instrumen yang dibuat oleh master ini memiliki suara yang luar biasa indah dan hangat, mirip dengan suara manusia.mendapatkan popularitas sebagai ansambel dan instrumen solo.

Pendiri sekolah biola Romawi adalah Arcangelo Corelli (1653-1713), salah satu pencipta genre concerto grosso (um. concerto grosso - "konser hebat"). Konser biasanya menampilkan instrumen solo (atau sekelompok instrumen) dan orkestra. "Grand Concerto" dibangun di atas pergantian episode solo dan suara seluruh orkestra, yang pada abad ke-17 adalah ruang dan sebagian besar string. Solois Corelli kebanyakan adalah biola dan cello. Konsernya terdiri dari bagian-bagian dari karakter yang berbeda; jumlah mereka sewenang-wenang.

Salah satu master musik biola yang luar biasa adalah Antonio Vivaldi (1678-1741). Ia menjadi terkenal sebagai virtuoso biola yang brilian.

Orang-orang sezaman tertarik dengan gaya penampilannya yang dramatis, penuh dengan kontras yang tidak terduga. Melanjutkan tradisi Corelli, sang komposer menggarap genre "konser hebat". Jumlah karya yang ditulisnya sangat banyak - empat ratus enam puluh lima konserto, empat puluh opera, kantata, dan oratorio.

Membuat konser, Vivaldi mencari suara yang cerah dan tidak biasa. Dia mencampur suara instrumen yang berbeda, sering kali memasukkan disonansi (konsonan tajam) dalam musik; dia memilih instrumen langka pada waktu itu sebagai solois - bassoon, mandolin (dianggap sebagai instrumen jalanan). Konser Vivaldi terdiri dari tiga bagian, dengan yang pertama dan terakhir dilakukan dengan langkah cepat, dan bagian tengah dengan lambat. Banyak konserto Vivaldi memiliki program - judul atau bahkan dedikasi sastra. Siklus "The Seasons" (1725) adalah salah satu contoh program paling awal musik orkestra. Empat konser dari siklus ini - "Musim Semi", "Musim Panas", "Musim Gugur", "Musim Dingin" - melukis gambar alam dengan warna-warni. Vivaldi berhasil menyampaikan dalam musik nyanyian burung ("Musim Semi", bagian pertama), badai petir ("Musim Panas", bagian ketiga), hujan ("Musim Dingin", bagian kedua). Keahlian, kerumitan teknis tidak mengganggu pendengar, tetapi berkontribusi pada penciptaan gambar yang mudah diingat. Karya konser Vivaldi telah menjadi perwujudan nyata gaya Barok dalam musik instrumental.

Operaseria dan operabuffa

Di abad XVIII. genre opera seperti opera seria (it. opera seria - "opera serius") dan operabuffa (it. opera buffa - "opera komik") dibentuk. Operaseria memantapkan dirinya dalam karya Alessandro Scarlatti (1660-1725) - pendiri dan perwakilan terbesar Sekolah opera Neapolitan. Selama hidupnya ia menyusun lebih dari seratus karya semacam itu. Untuk serial opera, plot mitologi atau sejarah biasanya dipilih. Itu dibuka dengan pembukaan dan terdiri dari nomor lengkap - arias, resitatif dan paduan suara. Peran utama dimainkan oleh arias besar; biasanya terdiri dari tiga bagian, dan yang ketiga adalah pengulangan dari yang pertama. Dalam arias, para tokoh mengungkapkan sikapnya terhadap peristiwa yang terjadi.

Ada beberapa jenis arias: heroik, menyedihkan (bersemangat), sedih, dll. Untuk masing-masing, berbagai cara ekspresif tertentu digunakan: dalam arias heroik - intonasi yang tegas, intonasi yang menggugah, irama yang segar; dalam kata-kata sedih - frasa musik pendek dan terputus-putus yang menunjukkan kegembiraan sang pahlawan, dll. Pelafalan, potongan-potongan kecil dalam ukuran, berfungsi untuk membuka narasi dramatis, seolah-olah memajukannya. Para pahlawan mendiskusikan rencana tindakan selanjutnya, saling bercerita tentang peristiwa yang telah terjadi. Pelafalan dibagi menjadi dua jenis: secco (dari bahasa Italia secco - "kering") - twister lidah yang cepat ke akord harpsichord yang rata-rata, dan pengiring (It. Assotraniato - "dengan iringan") - pelafalan ekspresif dengan suara sebuah orkestra. Secco lebih sering digunakan untuk mengembangkan aksi, mengiringi - untuk menyampaikan pikiran dan perasaan sang pahlawan. Paduan suara dan ansambel vokal mengomentari apa yang terjadi, tetapi tidak ikut serta dalam acara tersebut.

Jumlah lia aktif bergantung pada jenis plot dan ditentukan secara ketat; hal yang sama berlaku untuk hubungan karakter. Jenis nomor vokal solo dan tempatnya dalam aksi panggung ditetapkan. Setiap karakter memiliki timbre suaranya sendiri: pahlawan liris - soprano dan tenor, ayah atau penjahat yang mulia - bariton atau bass, pahlawan wanita yang fatal - contralto.

Pada pertengahan abad XVIII. kekurangan dari serial opera menjadi jelas. Pertunjukan tersebut seringkali bertepatan dengan perayaan istana, sehingga pekerjaan tersebut harus diakhiri dengan bahagia, yang terkadang terlihat tidak masuk akal dan tidak wajar. Seringkali teks ditulis dalam bahasa artifisial dan santun. Komposer terkadang mengabaikan konten dan menulis musik yang tidak sesuai dengan karakter siena atau situasi; ada banyak stempel, efek eksternal yang tidak perlu. Para penyanyi mendemonstrasikan keahlian mereka sendiri, tanpa memikirkan peran aria dalam karya secara keseluruhan. Operuseria mulai disebut "konser dalam kostum". Penonton tidak menunjukkan minat yang serius pada opera itu sendiri, tetapi pergi ke pertunjukan untuk "mahkota" penyanyi terkenal itu aria; selama aksi, penonton masuk dan keluar aula.

Operabuffa juga dibentuk oleh para master Neapolitan. Contoh klasik pertama dari opera semacam itu adalah The Maid's Servant (1733) oleh komposer Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). Jika di opera seria di latar depan - arias, maka di opera buffa - dialog sehari-hari, bergantian dengan ansambel vokal. Di operebuffa, main sama sekali berbeda karakter. Biasanya, ini adalah orang biasa - pelayan, petani. Plotnya didasarkan pada intrik yang menghibur dengan berdandan, membodohi pemilik kaya yang bodoh oleh para pelayan, dll. Dari musik, diperlukan cahaya yang elegan, dari tindakan - kecepatan.

Operubuffa sangat dipengaruhi oleh penulis drama Italia, pencipta komedi nasional Carlo Goldoni. Karya paling jenaka, lincah, dan bersemangat dari genre ini diciptakan oleh komposer Neapolitan: Niccolo Piccinni (1728-1800) - "Chekkina, atau Putri yang Baik" (1760); Giovanni Paisiello (1740-1816) - "Tukang Cukur Seville" (1782), "The Miller" (1788); penyanyi, pemain biola, pemain harpsikord dan komposer Domenico Cimarosa (1749-1801) - "Pernikahan Rahasia" (1792).

Instrumen dawai

Pelopor alat musik gesek modern - biola, viola, cello, dan double bass - adalah viola. Mereka muncul pada akhir abad ke-15 - awal abad ke-16. dan segera, berkat suaranya yang lembut dan lembut, mereka mulai memainkan peran utama dalam orkestra.

Secara bertahap, biola digantikan oleh alat musik petik senar yang lebih maju. Pada abad XVI-XVII, seluruh sekolah pengrajin mengerjakan kreasi mereka. Yang paling terkenal adalah dinasti pembuat biola yang muncul di utara Italia - di kota Cremona dan Brescia.

Pendiri sekolah Cremonese adalah Andrea Amati (sekitar 1520 - sekitar 1580). Nicolo Amati (1596-1684), cucunya, sangat terkenal dengan seninya. Dia membuat perangkat biola hampir sempurna, memperkuat suara instrumen; pada saat yang sama, kelembutan dan kehangatan timbre tetap terjaga. Keluarga Guarneri bekerja di Cremona pada abad 17-18. Pendiri dinasti tersebut adalah Andrea Guarneri (1626-1698), murid Nicolò Amati. Master terkemuka Azuseppe Guarneri (1698-1744) mengembangkan model biola baru yang berbeda dari instrumen Amati.

Tradisi aliran Amati dilanjutkan oleh Antonio Stradivari (1644-1737). Ia belajar dengan Nicolò Amati, dan pada tahun 1667 membuka usahanya sendiri. Stradivari, lebih dari master lainnya, berhasil mendekatkan suara biola dengan timbre suara manusia.

Keluarga Magini bekerja di Breche; biola terbaik dibuat oleh Giovanni Magini (1580-1630 atau 1632).

Alat musik gesek senar dengan register tertinggi adalah biola. Ini diikuti oleh biola, cello, contrabass dalam urutan rentang suara yang menurun. Bentuk badan (atau kotak resonansi) biola menyerupai bentuk tubuh manusia. Bodinya memiliki dek atas dan bawah (Decke Jerman - "penutup"), dengan yang pertama terbuat dari pohon cemara dan yang kedua terbuat dari maple. Dek berfungsi untuk memantulkan dan memperkuat suara. Di bagian atas terdapat lubang resonator (berupa huruf latin f; bukan kebetulan disebut "efs"). Leher melekat pada tubuh; biasanya terbuat dari kayu eboni. Ini adalah pelat sempit panjang di mana empat senar direntangkan. Pasak digunakan untuk mengencangkan dan menyetem senar; mereka juga ada di fretboard.

Viola, cello, dan double bass memiliki struktur yang mirip dengan biola, tetapi lebih besar dari itu. Biola tidak terlalu besar, dipegang di bahu. Cello lebih besar dari biola, dan saat dimainkan, musisi duduk di kursi, dan meletakkan instrumen di lantai, di antara kedua kaki. Bass ganda lebih besar dari cello, jadi pemainnya harus berdiri atau duduk di bangku tinggi, dan meletakkan instrumen di depannya. Selama permainan, musisi memimpin senar dengan busur, yaitu tongkat kayu dengan bulu kuda yang direntangkan; senar bergetar dan menghasilkan suara yang merdu. Kualitas suara tergantung pada kecepatan gerakan busur dan gaya yang menekan senar. Dengan jari-jari tangan kiri, pemain memperpendek senar, menekannya di berbagai tempat ke papan fret - dengan cara ini ia mencapai nada yang berbeda. Pada instrumen jenis ini, bunyinya juga dapat diekstraksi dengan cara memetik atau memukul senar dengan bagian kayu pada busur. Suara senar yang tertekuk sangat ekspresif, pemainnya dapat memberikan nuansa terbaik pada musik.

Alat musik tiup adalah jenis alat musik tertua yang datang ke Abad Pertengahan dari zaman kuno. Namun, dalam proses pengembangan dan pembentukan peradaban Barat abad pertengahan, ruang lingkup alat musik tiup sangat diperluas: beberapa, seperti, misalnya, oliphant, milik istana bangsawan bangsawan, yang lain - seruling - digunakan baik di rakyat. lingkungan dan di kalangan musisi profesional, dan yang lainnya lagi, seperti terompet menjadi alat musik militer secara eksklusif.

Perwakilan tertua alat musik tiup di Prancis mungkin harus dianggap fretel (fretel), atau "seruling Pan". Instrumen serupa dapat dilihat pada miniatur dari manuskrip abad ke-11. di Perpustakaan Nasional Paris (Gbr. I). Ini adalah seruling multi-laras, terdiri dari satu set pipa (buluh, buluh atau kayu) dengan panjang berbeda, dengan satu ujung terbuka dan ujung lainnya tertutup. Fretel sering disebut-sebut bersama jenis seruling lainnya dalam novel-novel abad XI-XII. Namun, sudah di abad XIV. fretel yang disebut-sebut hanya sebagai alat musik yang dimainkan pada hari raya desa, menjadi alat musik rakyat jelata.

Seruling (fluûte), sebaliknya, sedang mengalami "kebangkitan": dari alat musik rakyat biasa menjadi alat musik istana. Seruling paling kuno ditemukan di wilayah Prancis pada lapisan budaya Gallo-Romawi (abad I-II M). Kebanyakan dari mereka adalah tulang. Sampai abad ke-13 seruling biasanya berlipat ganda, seperti miniatur dari manuskrip abad ke-10. dari Perpustakaan Nasional Paris (Gbr. 3), dan tabung dapat memiliki panjang yang sama atau berbeda. Jumlah lubang pada laras seruling mungkin bervariasi (dari empat menjadi enam, tujuh). Seruling biasanya dimainkan oleh penyanyi, pemain sulap, dan seringkali permainan mereka mendahului penampilan prosesi khidmat atau orang berpangkat tinggi.

Para penyanyi juga memainkan seruling ganda dengan terompet dengan panjang berbeda. Seruling seperti itu ditampilkan pada sketsa dari manuskrip abad ke-13. (Gbr. 2). Dalam gambar mini, Anda dapat melihat orkestra yang terdiri dari tiga penyanyi: satu memainkan biola; yang kedua pada seruling serupa yang mirip dengan klarinet modern; yang ketiga memukul rebana persegi yang terbuat dari kulit yang direntangkan di atas bingkai. Karakter keempat menuangkan anggur untuk menyegarkan para musisi. Orkestra seruling, gendang, dan biola serupa ada di desa-desa Prancis hingga awal abad ke-19.

Di abad XV. seruling yang terbuat dari kulit rebus mulai bermunculan. Selain itu, seruling itu sendiri bisa berbentuk bulat dan segi delapan pada penampang, dan tidak hanya lurus, tetapi juga bergelombang. Alat serupa telah diawetkan di koleksi Pribadi Tuan Fo (Gbr. 4). Panjangnya 60 cm, pada titik terlebar diameternya 35 mm. Badannya terbuat dari kulit rebus hitam, hiasan kepalanya dicat. Seruling semacam itu berfungsi sebagai prototipe pembuatan pipa serpan. Seruling serpan digunakan baik selama kebaktian di gereja maupun pada perayaan sekuler. Seruling melintang, serta flageolet, pertama kali disebutkan dalam teks abad ke-14.

Jenis alat musik tiup lainnya adalah bagpipe. Ada juga beberapa jenisnya di Prancis abad pertengahan. Ini adalah chevrette - alat musik tiup yang terdiri dari tas kulit kambing, tabung udara, dan duda. Seorang musisi yang memainkan alat musik ini (Gbr. 6) digambarkan dalam manuskrip abad ke-14. "The Romance of the Rose", dari Perpustakaan Nasional Paris. Beberapa sumber memisahkan chevret dan bagpipe, sementara yang lain menyebut chevret sebagai "bagpipe kecil". Alat yang penampilannya sangat mirip dengan chevret ini berasal dari abad ke-19. bertemu di desa-desa di provinsi Prancis Burgundy dan Limousin.

Jenis bagpipe lainnya adalah horo atau horum (choro). Menurut deskripsi yang ditemukan dalam manuskrip dari biara St. Blaise (abad IX), ini adalah alat musik tiup dengan pipa untuk memasok udara dan pipa, dan kedua pipa tersebut terletak di bidang yang sama (seolah-olah merupakan kelanjutan satu sama lain). Di bagian tengah horo terdapat tempat penampung udara yang terbuat dari kulit imitasi dan berbentuk bulat sempurna. Karena kulit “tas” mulai bergetar saat musisi meniup horo, suaranya agak berderak dan tajam (Gbr. 6).

Bagpipe (coniemuese), nama Prancis untuk alat musik ini berasal dari bahasa Latin corniculans (bertanduk) dan hanya ditemukan dalam manuskrip dari abad ke-14. Baik penampilan maupun penggunaannya di Prancis abad pertengahan tidak berbeda dengan bagpipe tradisional Skotlandia yang kita kenal, seperti yang dapat dilihat dari gambar manuskrip abad ke-14. (Gbr. 9).

Tanduk dan tanduk (corne). Semua alat musik tiup ini, termasuk terompet oliphant besar, sedikit berbeda satu sama lain dalam desain dan penggunaan. Mereka terbuat dari kayu, kulit rebus, gading, tanduk dan logam. Mereka biasanya dikenakan di ikat pinggang. Kisaran bunyi klakson tidak luas, tetapi para pemburu abad XIV. melodi sederhana yang terdiri dari sinyal tertentu dimainkan di atasnya. Tanduk berburu, seperti yang telah kami katakan, pertama kali dikenakan di pinggang, kemudian, hingga abad ke-16, di selempang di bahu; liontin serupa sering ditemukan pada gambar, khususnya dalam Buku Gaston Phoebe tentang Berburu (Gbr. 8). Tanduk berburu seorang bangsawan adalah barang yang berharga; jadi, Siegfried dalam "Song of the Nibelungs" membawa serta sebuah tanduk emas buatan tangan yang bagus untuk berburu.

Secara terpisah, harus dikatakan tentang alifant - tanduk besar dengan cincin logam yang dibuat khusus agar oliphant dapat digantung di sisi kanan pemiliknya. Mereka membuat oliphant dari gading gajah. Digunakan dalam berburu dan selama operasi militer untuk menandakan mendekatnya musuh. Ciri khas oliphant adalah bahwa ia hanya bisa menjadi milik seigneur yang berdaulat, yang subordinasinya adalah para baron. Sifat kehormatan alat musik ini ditegaskan oleh patung abad ke-12. dari gereja biara di Vaselles, di mana seorang malaikat digambarkan dengan oliphant di sisinya, mengumumkan Kelahiran Juruselamat (Gbr. 13).

Tanduk berburu berbeda dari yang digunakan oleh penyanyi. Yang terakhir menggunakan instrumen dengan desain yang lebih canggih. Di ibu kota kolom dari gereja biara yang sama di Vazelle, seorang penyanyi (Gbr. 12) digambarkan sedang memainkan klakson, di mana lubang dibuat tidak hanya di sepanjang pipa, tetapi juga di bel, yang memungkinkan untuk memodulasi suara, memberikan volume yang lebih besar atau lebih kecil.

Pipa diwakili oleh pipa sebenarnya (trompe) dan pipa melengkung dengan panjang lebih dari satu meter - busine. Elderberry terbuat dari kayu, kulit rebus, tetapi paling sering dari kuningan, seperti yang dapat dilihat pada miniatur dari manuskrip abad ke-13. (Gbr. 9). Suara mereka tajam dan keras. Dan karena terdengar jauh, para tetua digunakan di ketentaraan untuk panggilan bangun pagi, mereka memberi sinyal untuk memindahkan kamp, ​​\u200b\u200buntuk mengarungi kapal. Mereka juga mengumumkan kedatangan royalti. Jadi, pada 1414, masuknya Charles VI ke Paris diumumkan dengan suara para tetua. Karena kenyaringan suara yang khusus di Abad Pertengahan, diyakini bahwa dengan memainkan elderberry, para malaikat akan mengumumkan dimulainya Hari Penghakiman.

Terompet secara eksklusif merupakan alat musik militer. Dia bertugas untuk dibesarkan di ketentaraan semangat bertarung, untuk mengumpulkan pasukan. Pipanya lebih kecil dari elderberry dan merupakan pipa logam (lurus atau beberapa kali bengkok) dengan soket di ujungnya. Istilah itu sendiri muncul pada akhir abad ke-15, tetapi instrumen jenis ini (pipa lurus) telah digunakan di ketentaraan sejak abad ke-13. Pada akhir abad XIV. bentuk pipa berubah (badannya bengkok), dan pipa itu sendiri harus dihiasi dengan panji dengan lambang (Gbr. 7).

Jenis pipa khusus - serpan (ular) - berfungsi sebagai prototipe untuk banyak alat musik tiup modern. Pada koleksi Pak Fo terdapat sabit (Gbr. 10), terbuat dari kulit rebus, tingginya 0,8 m, dan panjang total 2,5 m, pemusik memegang alat musik dengan kedua tangan, sedangkan tangan kiri memegang bagian melengkung (A), dan jari-jari tangan kanan melewati lubang yang dibuat di bagian atas sabit. Suara serpan sangat kuat, alat musik tiup ini digunakan baik di band militer maupun di kebaktian gereja.

Organ (orgue) berdiri agak terpisah dalam keluarga alat musik tiup. Instrumen keyboard-pedal dengan sekumpulan beberapa lusin pipa (register) yang diatur menjadi suara dengan hembusan udara oleh bellow saat ini hanya dikaitkan dengan organ stasioner besar - gereja dan konser (Gbr. 14). Namun, pada Abad Pertengahan, mungkin jenis lain dari alat musik ini, organ tangan (orgue de main), lebih tersebar luas. Ini didasarkan pada "seruling Pan", yang dibunyikan dengan bantuan udara terkompresi, yang masuk ke pipa dari tangki dengan lubang yang ditutup oleh katup. Namun, pada zaman kuno, di Asia, Yunani Kuno, dan Roma, organ besar dengan kontrol hidrolik dikenal. Di Barat, instrumen ini baru muncul pada abad ke-8, dan bahkan kemudian sebagai hadiah yang diberikan kepada raja-raja Barat dari kaisar Bizantium (Konstantin V Copronymus mengirimkan organ seperti itu sebagai hadiah kepada Pepin si Pendek, dan Konstantin Curoplat kepada Charlemagne dan Louis the Bagus).

Gambar organ tangan baru muncul di Prancis pada abad ke-10. Dengan tangan kanannya, musisi memilah-milah tuts, dan dengan tangan kirinya dia menekan bellow yang memompa udara. Alat musiknya sendiri biasanya terletak di dada atau perut musisi, di organ manual biasanya terdapat delapan pipa dan karenanya delapan tuts. Selama abad 13-14, organ tangan praktis tidak berubah, tetapi jumlah pipanya bisa bervariasi. Baru pada abad ke-15 baris kedua pipa dan keyboard ganda (empat register) muncul di organ manual. Pipa selalu terbuat dari logam. Organ manual karya Jerman abad ke-15. tersedia di Munich Pinotek (Gbr. 15).

Organ tangan tersebar luas di kalangan musisi keliling yang bisa bernyanyi bersama dengan mengiringi instrumen tersebut. Mereka bersuara di alun-alun kota, pada hari libur desa, tetapi tidak pernah di gereja.

Organ, lebih kecil dari organ gereja, tetapi lebih dari organ manual, pernah ditempatkan di kastil (di istana Charles V, misalnya) atau dapat dipasang di platform jalan selama upacara khidmat. Jadi, beberapa organ serupa terdengar di Paris, ketika Isabella dari Bavaria masuk ke kota dengan khidmat.

Mungkin belum ada peradaban yang belum menemukan alat musik yang mirip dengan gendang. Kulit kering yang direntangkan di atas pot, atau batang kayu yang dilubangi - itu sudah menjadi drum. Namun, meskipun drum telah dikenal sejak Mesir kuno, pada awal Abad Pertengahan mereka jarang digunakan. Hanya sejak Perang Salib penyebutan drum (tambour) menjadi biasa, dan mulai dari abad ke-12. dengan nama ini ada instrumen dari berbagai bentuk: panjang, ganda, rebana, dll. Pada akhir abad ke-12. alat musik yang berbunyi di medan perang dan di ruang perjamuan ini sudah menarik perhatian para musisi. Pada saat yang sama, itu tersebar luas pada abad ke-13. Trouvers, yang mengaku melestarikan tradisi kuno dalam keseniannya, mengeluhkan "dominasi" drum dan rebana, yang menggantikan instrumen "lebih mulia".

Rebana dan gendang tidak hanya mengiringi nyanyian, penampilan para trouveur, tetapi juga dibawakan oleh penari keliling, aktor, pemain sulap; wanita menari, mengiringi tarian mereka dengan memainkan rebana. Pada saat yang sama, rebana (tambour, bosquei) dipegang di satu tangan, dan tangan lainnya, bebas, memukulnya secara ritmis. Kadang-kadang penyanyi, memainkan seruling, mengiringi diri mereka sendiri dengan rebana atau drum, yang diikatkan di bahu kiri dengan tali. Penyanyi memainkan seruling, mengiringi nyanyiannya dengan pukulan ritmis pada rebana, yang dibuatnya dengan kepalanya, seperti yang terlihat pada patung abad ke-13. dari fasad House of Musicians in Reims (Gbr. 17).

Menurut patung House of Musicians, Saracen, atau double, drum juga dikenal (Gbr. 18). Di era Perang Salib, mereka menemukan distribusi di tentara, karena mudah dipasang di kedua sisi pelana.

Jenis alat musik perkusi lainnya, yang umum pada Abad Pertengahan di Prancis, adalah timbre (tymbre, cembel) - dua belahan, dan kemudian - pelat, terbuat dari tembaga dan paduan lainnya, digunakan untuk menabuh irama, iringan tarian yang ritmis. Dalam manuskrip Limoges abad ke-12. dari Perpustakaan Nasional Paris, penari digambarkan dengan alat musik ini (Gbr. 14). Menjelang abad ke-15 mengacu pada pecahan patung dari altar dari gereja biara di O, di mana timbre digunakan dalam orkestra (Gbr. 19).

Timbre harus menyertakan simbal (cymbalum) - instrumen berupa cincin dengan tabung perunggu yang disolder padanya, di ujungnya lonceng berbunyi saat diguncang, gambaran instrumen ini diketahui dari manuskrip abad ke-13. dari Biara Saint Blasius (Gbr. 20). Simbal itu umum di Prancis selama awal abad pertengahan dan digunakan baik dalam kehidupan sekuler maupun di gereja - mereka diberi tanda untuk memulai ibadah.

Lonceng (chochettes) juga termasuk instrumen perkusi abad pertengahan. Mereka sangat tersebar luas, lonceng dibunyikan selama konser, dijahit ke pakaian, digantung di langit-langit di tempat tinggal - belum lagi penggunaan lonceng di gereja ... Tarian juga diiringi dengan lonceng, dan ada contohnya - gambar pada miniatur, yang berasal dari awal abad ke-10! Di Chartres, Sens, Paris, di portal katedral, Anda dapat menemukan relief di mana seorang wanita memukul lonceng gantung melambangkan musik dalam keluarga Liberal Arts. Raja Daud digambarkan sedang memainkan lonceng. Seperti yang terlihat pada miniatur dari Alkitab abad ke-13, dia memainkannya dengan bantuan palu (Gbr. 21). Jumlah lonceng bisa bervariasi - biasanya dari lima hingga sepuluh atau lebih.

Lonceng Turki - alat musik militer - juga lahir pada Abad Pertengahan (beberapa orang menyebut simbal lonceng Turki).

Di abad XII. mode lonceng atau lonceng yang dijahit ke pakaian menjadi tersebar luas. Mereka digunakan oleh wanita dan pria. Apalagi yang terakhir tidak berpisah dengan mode ini untuk waktu yang lama, hingga abad XIV. Kemudian biasanya menghiasi pakaian dengan rantai emas tebal, dan pria sering menggantungkan lonceng darinya. Gaya ini adalah tanda milik bangsawan feodal tinggi (Gbr. 8 dan 22) - bangsawan kecil dan borjuasi dilarang memakai lonceng. Tapi sudah di abad XV. lonceng hanya tersisa di pakaian pelawak. Kehidupan orkestra ini instrumen perkusi berlanjut hingga hari ini; dan dia tidak banyak berubah sejak saat itu.

Dari semua alat musik gesek membungkuk abad pertengahan, viola (vièle) adalah yang paling mulia dan paling sulit untuk dilakukan. Menurut deskripsi biksu Dominika Jerome dari Moravia, pada abad XIII. biola memiliki lima senar, tetapi miniatur sebelumnya menunjukkan instrumen senar tiga dan empat (Gbr. 12 dan 23, 23a). Pada saat yang sama, senar ditarik baik di "kuda" dan langsung di geladak. Dilihat dari uraiannya, viola terdengar tidak nyaring, tapi sangat merdu.

Patung dari fasad House of Musicians menarik, itu menunjukkan seorang musisi seukuran manusia (Gbr. 24) memainkan biola tiga senar. Karena senar direntangkan pada bidang yang sama, busur, yang mengekstraksi suara dari satu senar, dapat menyentuh senar lainnya. Yang "dimodernisasi" untuk pertengahan abad ke-13 patut mendapat perhatian khusus. bentuk busur.

Pada pertengahan abad XIV. di Prancis, bentuk biola mendekati gitar modern, yang mungkin membuatnya lebih mudah dimainkan dengan busur (Gbr. 25).

Di abad XV. biola besar muncul - viola de gamba. Mereka dimainkan dengan instrumen di antara lutut mereka. Pada akhir abad kelima belas, viola de gamba menjadi tujuh senar. Nantinya, viola de gamba akan digantikan oleh cello. Semua jenis biola tersebar luas di Prancis abad pertengahan, memainkannya mengiringi pesta dan malam yang intim.

Biola dibedakan dari crouth dengan pengikatan ganda senar pada papan suara. Tidak peduli berapa banyak senar yang ada pada alat musik abad pertengahan ini (pada lingkaran tertua ada tiga senar), senar tersebut selalu melekat pada "kuda". Selain itu, papan suara itu sendiri memiliki dua lubang di sepanjang senar. Lubang-lubang ini dilalui dan berfungsi untuk melewatinya dengan tangan kiri, yang jari-jarinya secara bergantian menekan senar ke geladak, lalu melepaskannya. Pelaku biasanya memegang busur di tangan kanannya. Salah satu penggambaran kroot tertua ditemukan pada manuskrip abad ke-11. dari biara Limoges St. Martial (Gbr. 26). Namun, harus ditekankan bahwa krut didominasi oleh instrumen Inggris dan Saxon. Jumlah string pada lingkaran bertambah seiring waktu. Dan meskipun dianggap sebagai nenek moyang dari semua alat musik gesek yang ditekuk, krut tidak pernah berakar di Prancis. Jauh lebih umum setelah abad ke-11. ruber atau gigue ditemukan di sini.

Gigue (gigue, gigle), ternyata ditemukan oleh orang Jerman, bentuknya menyerupai biola, tetapi tidak memiliki intersepsi di geladak. Jig adalah instrumen favorit penyanyi. Kemampuan kinerja instrumen ini secara signifikan lebih buruk daripada biola, tetapi juga membutuhkan keterampilan yang lebih sedikit dalam kinerjanya. Dilihat dari gambarnya, para musisi memainkan jig (Gbr. 27) seperti biola, meletakkan era di pundak mereka, yang dapat dilihat pada sketsa dari manuskrip "The Book of the Wonders of the World", yang berasal dari awal abad ke-15.

Ruber (rubère) - instrumen senar membungkuk, mengingatkan pada rebab Arab. Bentuknya mirip dengan kecapi, ruber hanya memiliki satu senar yang direntangkan di atas "punggung bukit" (Gbr. 29), seperti yang digambarkan dalam miniatur di manuskrip dari biara St. Blaise (abad IX). Menurut Jerome Moravsky, pada abad XII - XIII. rubert sudah menjadi instrumen dua senar, digunakan dalam permainan ansambel, dan selalu memimpin bagian bass "bawah". Zhig, masing-masing, - "atas". Jadi, ternyata monocord (monocorde) - alat musik gesek yang membungkuk yang sampai batas tertentu berfungsi sebagai nenek moyang dari double bass - juga merupakan sejenis ruber, karena juga digunakan dalam ansambel sebagai alat musik yang mengatur nada bass. Kadang-kadang dimungkinkan untuk memainkan monochord tanpa busur, seperti yang dapat dilihat pada pahatan dari fasad gereja biara di Vaselles (Gbr. 28).

Meskipun digunakan secara luas dan banyak variasinya, ruber tidak dianggap sebagai instrumen yang setara dengan biola. Lingkupnya - lebih tepatnya, jalanan, liburan rakyat. Namun, tidak sepenuhnya jelas apa sebenarnya suara ruber itu, karena beberapa peneliti (Jerome Moravsky) berbicara tentang oktaf rendah, sementara yang lain (Aymeric de Peyrac) mengklaim bahwa bunyi ruber itu tajam dan "keras", mirip dengan "jeritan wanita". Namun, mungkin kita berbicara tentang instrumen dari waktu yang berbeda, misalnya, abad XIV atau XVI ...

Mungkin, argumen tentang alat musik mana yang kuno harus dianggap tidak relevan, karena alat musik gesek, kecapi, telah menjadi lambang musik, yang dengannya kita akan memulai kisah alat musik petik.

Kecapi kuno adalah alat musik gesek dengan tiga hingga tujuh senar yang direntangkan secara vertikal di antara dua tiang yang dipasang di papan suara kayu. Senar kecapi dimainkan dengan jari atau dimainkan dengan bantuan resonator plektrum. Pada miniatur dari manuskrip abad X-XI. (Gbr. 30), disimpan di Perpustakaan Nasional Paris, Anda dapat melihat kecapi dengan dua belas senar, dikumpulkan dalam tiga kelompok dan direntangkan pada ketinggian yang berbeda (Gbr. 30a.) Kecapi seperti itu biasanya memiliki pegangan pahatan yang indah di kedua sisinya, yang memungkinkan untuk mengikat sabuk, yang jelas memudahkan musisi untuk bermain.

Kecapi dibingungkan pada Abad Pertengahan dengan sitar (cithare), yang juga muncul di Yunani kuno. Awalnya itu adalah enam senar instrumen yang dipetik. Menurut Jerome dari Moravia, sitar pada Abad Pertengahan berbentuk segitiga (lebih tepatnya, berbentuk huruf "delta" dari alfabet Yunani) dan jumlah senar di atasnya bervariasi dari dua belas hingga dua puluh empat. Sebuah sitar jenis ini (abad ke-9) digambarkan dalam sebuah manuskrip dari biara St. Vlasia (Gbr. 31). Namun, bentuk instrumennya bisa berbeda-beda, gambar sitar bulat tidak beraturan dengan pegangan diketahui dapat mengekspos permainan tersebut (Gbr. 32). Namun, perbedaan utama antara sitar dan psalterion (lihat di bawah) dan alat musik petik lainnya adalah bahwa senar ditarik begitu saja pada rangka, dan bukan pada semacam "wadah bunyi".

Guiterne (guiterne) abad pertengahan juga berasal dari sitar. Bentuk alat musik ini juga bermacam-macam, namun biasanya menyerupai mandolin atau gitar (sitar). Sebutan instrumen semacam itu mulai ditemukan sejak abad ke-13, dan dimainkan oleh wanita dan pria. Gitern mengiringi nyanyian pemain, tetapi mereka memainkannya dengan bantuan resonator-plectrum, atau tanpa itu Dalam manuskrip "The Romance of Troy" oleh Benoit de Saint-Maur (abad XIII), penyanyi bernyanyi, bermain giter tanpa plektrum (Gbr. 34) . Dalam kasus lain, dalam novel "Tristan dan Isolde" (pertengahan abad ke-13), terdapat miniatur yang menggambarkan seorang penyanyi mengiringi tarian rekannya dengan memainkan hytern (Gbr. 33). Senar pada hytern direntangkan lurus (tanpa anak kuda), tetapi ada lubang (roset) di badannya. Tongkat tulang berfungsi sebagai mediator, yang dipegang dengan ibu jari dan telunjuk, yang terlihat jelas pada patung musisi dari gereja biara di O (Gbr. 35).

Gitern, dilihat dari gambar yang tersedia, bisa menjadi instrumen ansambel. Tutup peti mati dari koleksi Museum Cluny (abad XIV) diketahui, tempat pematung mengukir adegan bergenre menawan di atas gading: dua pemuda sedang bermain di taman, memanjakan telinga; yang satu memegang kecapi, yang lain memiliki hytern (Gbr. 36).

Kadang-kadang gitar, seperti sitar sebelumnya, disebut perusahaan (hafalan) di Prancis abad pertengahan, memiliki tujuh belas senar. Perusahaan itu dimainkan di penangkaran oleh Richard the Lionheart.

Di abad XIV. ada penyebutan instrumen lain yang mirip dengan githeron - kecapi (luth). Menjelang abad ke-15 bentuknya akhirnya terbentuk: badan yang sangat cembung, hampir setengah lingkaran, dengan lubang bundar di papan suara. "Leher" tidak panjang, "kepala" terletak di sudut kanan (Gbr. 36). Kelompok instrumen yang sama termasuk mandolin, mandora, yang ada di abad ke-15. bentuk yang paling bervariasi.

Kecapi (harpa) juga dapat membanggakan kekunoan asalnya - gambarnya sudah ditemukan di Mesir Kuno. Di antara orang Yunani, kecapi hanyalah variasi dari sitar, di antara orang Celtic disebut sambuk. Bentuk harpa tidak berubah: ini adalah instrumen yang senar dengan panjang berbeda direntangkan di atas bingkai dalam bentuk sudut terbuka yang kurang lebih. Harpa kuno bersenar tiga belas, disetel dalam tangga nada diatonis. Mereka memainkan harpa baik sambil berdiri atau duduk, dengan kedua tangan dan memperkuat alat musik tersebut sehingga penyangga vertikalnya berada di dada pemainnya. Pada abad XII, kecapi berukuran kecil dengan jumlah senar yang berbeda juga muncul. Jenis harpa yang khas disajikan pada patung dari fasad House of Musicians di Reims (Gbr. 37). Juggler dalam pertunjukan mereka hanya menggunakan mereka, dan seluruh ansambel pemain harpa dapat dibuat. Orang Irlandia dan Breton dianggap sebagai pemain harpa terbaik. Di abad XVI. harpa praktis menghilang di Prancis dan muncul di sini hanya beberapa abad kemudian, dalam bentuknya yang modern.

Perhatian khusus harus dibuat dari dua instrumen abad pertengahan yang dipetik. Ini adalah gambus dan sifon.

Psalterion kuno adalah alat musik gesek berbentuk segitiga yang samar-samar menyerupai harpa kita. Pada Abad Pertengahan, bentuk instrumen berubah - psalterions persegi juga diwakili dalam miniatur. Pemain memegangnya di pangkuannya dan memainkan dua puluh satu senar dengan jarinya atau plectrum (kisaran instrumen adalah tiga oktaf). Penemu psalterion adalah Raja David, yang menurut legenda menggunakan paruh burung sebagai plectrum. Miniatur dari manuskrip Gerard of Landsberg di Perpustakaan Strasbourg menggambarkan raja alkitabiah sedang bermain dengan keturunannya (Gbr. 38).

Dalam literatur Prancis abad pertengahan, psalterions mulai disebutkan awal XII c., bentuk instrumennya bisa sangat berbeda (Gbr. 39 dan 40), dimainkan tidak hanya oleh penyanyi, tetapi juga oleh wanita - wanita bangsawan dan pengiringnya. Menjelang abad XIV. psalterion secara bertahap meninggalkan panggung, digantikan oleh harpsichord, tetapi harpsichord tidak dapat mencapai suara kromatik yang menjadi ciri khas psalterion senar ganda.

Sampai batas tertentu, instrumen abad pertengahan lainnya, yang praktis sudah menghilang pada abad ke-15, mirip dengan plesteran. Ini adalah siphonia (chifonie) - versi Barat dari harpa roda Rusia. Namun selain roda dengan sikat kayu yang bila diputar gagangnya menyentuh tiga senar lurus, siphon ini juga dilengkapi dengan kunci yang juga mengatur bunyinya.Ada tujuh kunci pada siphon, dan letaknya di ujung yang berlawanan dengan tempat roda berputar. Biasanya siphon dimainkan oleh dua orang, bunyi alat musik itu menurut sumber serasi dan hening. Menggambar dari patung di ibu kota salah satu kolom di Boshville (abad XII) menunjukkan cara bermain yang serupa (Gbr. 41). Siphon yang paling tersebar luas adalah pada abad XI-XII. Di abad XV. siphonia kecil, yang dimainkan oleh seorang musisi, sangat populer. Dalam manuskrip "The Romance of Gerard de Nevers and the beautiful Ariane" dari Perpustakaan Nasional Paris, terdapat miniatur yang menggambarkan protagonis yang menyamar sebagai penyanyi, dengan instrumen serupa di sisinya (Gbr. 42).

BAB 2. Gitar Menaklukkan Eropa

Pada abad ke-17, gitar terus menguasai Eropa.
Salah satu gitar pada masa itu milik museum Royal College of Music di London. Dibuat di Lisbon pada tahun 1581 oleh Melchior Dias tertentu.
Struktur gitar ini memiliki ciri-ciri yang akan diulangi oleh para ahli alat musik selama lebih dari dua abad.

Gitar battente Italia abad ke-17 dari koleksi Kastil Sforza, Milan.

Semua gitar pada masa itu memiliki ornamen yang kaya. Untuk pembuatan barang yang begitu indah, pengrajin menggunakan bahan berharga: kayu langka (khususnya, hitam - eboni), gading, kulit kura-kura. Dek dan sisi bawah dihiasi dengan tatahan. Dek atas, sebaliknya, tetap sederhana dan terbuat dari kayu jenis konifera (paling sering pohon cemara). Agar tidak meredam getaran, hanya lubang resonator dan tepi casing sepanjang kelilingnya yang dipangkas dengan mozaik kayu.
Elemen dekoratif utama adalah roset yang terbuat dari kulit timbul. Roset ini tidak hanya menyaingi keindahan seluruh kabinet, tetapi juga melembutkan suara yang dihasilkan. Jelas, pemilik instrumen mewah ini tidak begitu tertarik pada kekuatan dan kekuatan seperti pada kecanggihan suara.
Salah satu contoh pertama gitar abad ke-17 yang sampai kepada kita adalah koleksi Museum Alat Musik di Paris Conservatory. Itu menyandang nama pengrajinnya, Venetian Cristofo Coco, dan tanggal 1602. Badannya yang rata seluruhnya terbuat dari pelat gading yang diikat dengan potongan kayu coklat yang sempit.

Gitaris Augustine Quesnel 1610

Pada abad ke-17, gaya razgueado, yang dibawa dari Spanyol, yang populer, menyebar ke sebagian besar Eropa. Gitar segera kehilangan arti pentingnya bagi musisi yang serius. Mulai sekarang, itu hanya digunakan untuk pengiring, untuk "bernyanyi, bermain, menari, melompat ... menginjak kakimu," seperti yang ditulis Louis de Briseno dalam kata pengantar "Metode" -nya (Paris, 1626).
Ahli teori dari Bordeaux, Pierre Trichet, juga mencatat dengan penyesalan (c. 1640): "Gitar, atau hyterna, adalah alat musik yang digunakan secara luas di antara orang Prancis dan Italia, tetapi terutama di antara orang Spanyol, yang menggunakannya secara tidak terkendali seperti tidak ada yang lain. bangsa." Dia berperan sebagai musik pengiring tarian yang menari, "berkedut di sekujur tubuh, menggerakkan tangan dengan konyol dan menggelikan, sehingga memainkan alat musik menjadi tidak jelas dan membingungkan." Dan marah dengan apa yang harus dia amati, Pierre Trichet melanjutkan: “Di Prancis, wanita dan pelacur yang akrab dengan mode Spanyol mencoba menirunya. Dalam hal ini mereka mirip dengan mereka yang, alih-alih makan enak di rumah mereka sendiri, pergi ke tetangga untuk makan bacon, bawang, dan roti hitam.

Gitaris Muda David Teniers

Konser Mattia Pretti tahun 1630-an

Meskipun demikian, gitar tetap populer di Perancis. Gitar mudah digunakan dalam balet. Dalam The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) dan The Rich Widow (1626), musisi yang mengenakan kostum Spanyol memainkan gitar demi kredibilitas yang lebih besar. Dalam balet pertama, pemain chaconne "menyesuaikan suara gitar mereka dengan gerakan kaki yang gesit". Yang kedua, dipentaskan oleh Yang Mulia di Aula Besar Louvre, entre dari grenadier juga dibuka dengan iringan gitar. Menurut Mercure de France, Louis XIII sendiri mengiringi dua penari sarabande dengan gitar dalam pertunjukan ini.

Gerrit van Honthorst Memainkan Gitar 1624

Jan Vermeer Gitaris 1672

Di pertengahan abad ke-17, masa kejayaan baru gitar dimulai. Dan kali ini update datang dari Perancis. Untuk mengajar gitar kepada raja muda Prancis, guru dan musisi terkenal Francesco Corbetta (1656) dipanggil ke pengadilan. Tidak berani mengklaim (tidak seperti beberapa abdi dalem) bahwa dalam delapan belas bulan Louis XIV melampaui gurunya, bagaimanapun, orang tidak dapat meragukan hasrat sejati raja terhadap alat musik tersebut. Pada masa pemerintahannya, gitar kembali menjadi kesayangan para bangsawan dan komposer. Dan lagi mode gitar menaklukkan seluruh Eropa.

Ukiran dari sampul Pieces for Guitar edisi lama. 1676

Francisco Goya Dance di Tepi Sungai 1777

Francisco Goya Gitaris Buta 1788

Ramon Baie Seorang pemuda dengan gitar. Museum Prado 1789. Madrid

Pada akhir masa pemerintahan Louis XIV (w. 1715), titik balik dalam sejarah gitar datang - istana kerajaan menjadi acuh tak acuh terhadapnya.
Namun, masih populer di kalangan masyarakat. Mademoiselle de Charolais dalam potret yang ditugaskan olehnya disajikan dengan gitar di tangannya, memetik senarnya dengan ringan. Watteau dan Lancret memperkenalkan gitar ke dalam penggambaran adegan percintaan. Dan pada saat yang sama, itu adalah alat untuk aktor lucu dan komedian keliling!
Karya Watteau dan Lancret serta gitar adalah halaman terpisah dari lukisan Prancis, jadi saya memutuskan untuk mendedikasikan galeri terpisah untuk para seniman ini dalam materi ini.

Jean Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau

Potret Rosalba Carriere dari Jean-Antoine Watteau 1721

Pelukis dan juru gambar Prancis, pendiri dan master gaya Rococo terhebat. Pada 1698-1701 Watteau belajar dengan seniman lokal Gerin, yang atas desakannya dia menyalin karya Rubens, Van Dyck, dan pelukis Flemish lainnya. Pada 1702, Watteau berangkat ke Paris dan segera menemukan seorang guru dan pelindung dalam diri Claude Gillot, seorang seniman teater dan dekorator yang melukis pemandangan dari kehidupan teater modern. Watteau dengan cepat melampaui gurunya dalam keterampilan dan kira-kira. 1708 memasuki studio dekorator Claude Audran. Pada 1709, Watteau gagal memenangkan Grand Prix Akademi Seni, tetapi karyanya menarik perhatian beberapa orang berpengaruh, di antaranya adalah dermawan dan penikmat lukisan Jean de Julienne, pedagang seni Edmond Francois Gersin, bankir dan kolektor Pierre Crozat, yang rumahnya tinggal selama beberapa waktu, dll. Pada 1712 Watteau diperkenalkan dengan gelar akademisi dan pada 1717 menjadi anggota Royal Academy of Painting and Sculpture. Watteau meninggal di Nogent-sur-Marne pada 18 Juli 1721.

Komedi Italia Jean-Antoine Watteau 1714

Jean Antoine Watteau Melihat Melalui Pepohonan di Taman Pierre Crozat 1714-16

Jean-Antoine Watteau Gilles bersama keluarganya 1716

Kisah Jean Antoine Watteau Pierrot

Lagu Cinta Jean Antoine Watteau 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicolas Lancret

Potret Diri Nicolas Lancre 1720

Artis Prancis, lahir di Paris. Dia belajar pertama kali dengan Pierre Dulin, dan kemudian dari sekitar tahun 1712 dia bekerja selama beberapa tahun di bawah bimbingan Claude Gillot, melalui siapa dia bertemu dengan Jean Antoine Watteau, yang memiliki pengaruh besar pada karyanya. Lancre beralih ke subjek yang sama dengan Watteau: dia menulis karakter commedia dell'arte Italia dan adegan "perayaan gagah". Selain itu, dia mengilustrasikan dongeng La Fontaine dan membuat lukisan bergenre. Lancret meninggal di Paris pada tahun 1743.

Konser Nicola Lancret di Taman 1720

Liburan Nicola Lancre di taman

Konser Nicola Lancre di Taman

Percakapan gagah berani Nicola Lancre

Kebangkitan baru gitar, menurut Michel Brenet, dikaitkan dengan kemunculan dua penyanyi berbakat yang tampil di salon. Mereka melakukan duet, mengiringi diri mereka sendiri. Ini adalah Pierre Geliot dan Pierre de la Garde yang terkenal.
Lukisan terkenal Michel Bartolomeo Olivier Teh dalam bahasa Inggris dan Konser di Rumah Putri de Conti menyampaikan suasana pertemuan sekuler ini.

ada banyak sekali lukisan yang menggambarkan alat musik. Seniman beralih ke subjek serupa di zaman sejarah yang berbeda: dari zaman kuno hingga saat ini.

Brueghel yang Tua, Jan
PENDENGAR (fragmen). 1618

Seringnya penggunaan gambar alat musik dalam karya seni disebabkan oleh eratnya hubungan antara musik dan seni lukis.
alat musik dalam lukisan seniman Tidak hanya memberikan gambaran tentang kehidupan budaya pada zaman itu dan perkembangan alat musik pada masa itu, tetapi juga memiliki beberapa makna simbolis.

Melozzo

ya untuk
Malaikat
1484

Sudah lama diyakini bahwa cinta dan musik saling terkait. Dan alat musik telah dikaitkan dengan perasaan cinta selama berabad-abad.

Astrologi abad pertengahan menganggap semua musisi sebagai "anak-anak Venus", dewi cinta. Dalam banyak adegan liris seniman dari era yang berbeda, alat musik memainkan peran penting.

Jan Mens Molenaer
Wanita di belakang punggung
abad ke-17
Sejak lama, musik dikaitkan dengan cinta, sebagaimana dibuktikan oleh pepatah Belanda abad ke-17: “Belajarlah memainkan kecapi dan spinet, karena dawai memiliki kekuatan untuk mencuri hati.”

Andrea Solario
wanita dengan kecapi

Dalam beberapa lukisan Vermeer, musik adalah tema utama. Kemunculan lukisan alat musik ini dalam plot ditafsirkan sebagai singgungan halus pada hubungan karakter yang halus dan romantis.

"Pelajaran Musik" (, Majelis Kerajaan, Istana St. James).

Virginal, sejenis harpsichord, sangat populer sebagai alat musik untuk musik rumahan. Menurut keakuratan gambar tersebut, para ahli dapat menentukan bahwa itu dibuat di bengkel Ruckers di Antwerp, yang terkenal di seluruh dunia. Prasasti Latin di tutup perawan berbunyi: "Musik adalah pendamping kegembiraan dan penyembuh dalam kesedihan."

Musisi sering menjadi tokoh dalam lukisan pelukis Prancis, pendiri gaya Rococo, Jean Antoine Watteau.

Genre utama karya Watteau adalah "pesta gagah": masyarakat aristokrat,
terletak di pangkuan alam, sibuk dengan percakapan, menari, bermain musik dan menggoda

Lingkaran gambar serupa sangat populer di kalangan kreatif Prancis. Hal ini dibuktikan dengan fakta bahwa beberapa lukisan Watteau memiliki judul yang sama dengan karya harpsichord karya komposer François Couperin, seorang komposer Prancis dan seniman kontemporer. Penikmat yang sangat sensitif tidak hanya menghargai gambar Watteau, tetapi juga musikalitasnya. “Watto milik lingkup F. Couperin dan C. F. E. Bach,” kata filsuf seni besar Oswald Spengler (Lampiran II).

Juga, alat musik dapat dikaitkan dengan karakter mitologis.

Banyak alat musik melambangkan renungan dan merupakan atribut yang sangat diperlukan. Jadi, bagi Clio, renungan sejarah adalah terompet; untuk Euterpe (musik, puisi lirik) - seruling atau alat musik lainnya; untuk Thalia (komedi, puisi pastoral) - biola kecil; untuk Melpomene (tragedi) - terompet; untuk Terpsichore (tarian dan lagu) - biola, kecapi atau alat musik gesek lainnya;

untuk Erato (puisi liris) - rebana, kecapi, lebih jarang segitiga atau biola; untuk Calliope (puisi epik) - terompet; untuk polyhymnia (himne heroik) - organ portabel, lebih jarang - kecapi atau instrumen lainnya.

Semua Muses, kecuali Urania, memiliki alat musik di antara simbol atau atributnya. Mengapa? Ini dijelaskan oleh fakta bahwa di jaman dahulu puisi dari berbagai genre dinyanyikan dengan suara nyanyian dan termasuk, pada tingkat tertentu, elemen musik. Oleh karena itu, para renungan yang menggurui berbagai genre puitis ini masing-masing memiliki alat musiknya sendiri.

Dirk Hals
Musisi
abad ke 16

Makna simbolis dari instrumen dikaitkan dengan karakter ini. Misalnya, harpa dalam budaya Eropa Abad Pertengahan dan Renaisans sangat terkait dengan penulis mazmur legendaris, Raja Daud yang alkitabiah. Raja agung, politisi, pejuang juga penyair dan musisi terhebat, melalui simbolisme sepuluh senar harpa Daud, Santo Agustinus menjelaskan arti dari sepuluh perintah alkitabiah. Dalam lukisan-lukisan tersebut, Daud sering digambarkan sebagai seorang gembala yang memainkan alat musik ini.

Jan de Bray. Daud memainkan kecapi. 1670

Penafsiran seperti itu cerita alkitabiah membawa Raja David lebih dekat ke Orpheus, yang menenangkan hewan dengan memainkan kecapi.

(C) Harpa emas adalah atribut dewa Celtic Dagda. Bangsa Celtic mengatakan bahwa harpa mampu menghasilkan tiga melodi sakral. Melodi pertama adalah melodi kesedihan dan kelembutan. Yang kedua adalah pemicu tidur: ketika Anda mendengarkannya, jiwa dipenuhi dengan keadaan damai dan tertidur. Melodi ketiga dari harpa adalah melodi kegembiraan dan kembalinya musim semi

Di kebun suci, diiringi suara harpa, para druid, para pendeta Celtic, berpaling kepada para dewa, menyanyikan perbuatan mulia mereka, dan melakukan ritual. Selama pertempuran, para penyair dengan kecapi kecil dimahkotai dengan karangan bunga hijau mendaki bukit dan menyanyikan lagu-lagu bela diri, menanamkan keberanian pada para prajurit.-

Di antara semua negara di dunia, hanya lambang Irlandia yang menggambarkan alat musik. Ini adalah harpa emas, yang senarnya berwarna perak. Untuk waktu yang lama Kecapi adalah simbol heraldik Irlandia. Sejak 1945, itu juga menjadi lambang

W. Bosch - "Taman kegembiraan duniawi" -
ada gambar orang yang disalibkan pada senar alat musik ini. Di sini, mungkin, gagasan tentang simbolisme tegangan tali tercermin, yang pada saat yang sama mengungkapkan cinta dan ketegangan, penderitaan, guncangan yang dialami seseorang selama kehidupan duniawinya.

Dengan menyebarnya agama Kristen dan kitab-kitab sucinya, penggambaran malaikat dengan alat musik oleh seniman menjadi sering dilakukan. Malaikat yang memainkan alat musik muncul dalam manuskrip Inggris dari abad ke-12. Di masa mendatang, jumlah gambar seperti itu terus meningkat.

Banyak alat musik di tangan bidadari memberikan gambaran tentang bentuk dan desainnya, ciri-ciri kombinasinya, dan juga memungkinkan Anda untuk belajar tentang ansambel musik yang ada saat itu.

Dalam Renaisans muncul jam terbaik» untuk malaikat. Para ahli seni lukis semakin terinspirasi oleh kreasi yang sempurna dan harmonis ini.

Adegan yang memuliakan Tuhan berubah menjadi konser malaikat nyata dalam karya seniman Renaisans, di mana Anda dapat mempelajari budaya musik pada masa itu. Organ, kecapi, biola, seruling, kecapi, simbal, trombon,viola da gamba ... Ini bukanlah daftar lengkap alat musik yang dimainkan oleh bidadari.

Piero della Francesca.
Natal. London. Galeri Nasional. 1475

gambar alat musik dapat dibagi menjadi beberapa kelompok:

1) alat musik digunakan dalam plot liris;

2) gambar alat musik memiliki hubungan dengan mitologi, misalnya kuno, di mana mereka melambangkan renungan dan merupakan atribut yang sangat diperlukan:

3) dalam plot yang berkaitan dengan agama Kristen, alat musik paling sering mempersonifikasikan ide dan gambaran yang paling luhur dan mengiringi klimaks sejarah alkitabiah;

4) gambar instrumen juga memberi gambaran tentang ansambel instrumen dan teknik musik,

ada di periode sejarah membuat gambar;

5) seringkali citra instrumen tertentu membawa gagasan filosofis, seperti misalnya pada benda mati bertema Vanitas;

6) simbolisme alat dapat bervariasi tergantung pada niat seniman dan isi umum gambar (konteks), seperti misalnya dalam lukisan Bosch The Garden of Earthly Delights.
memukau dan saya dan, terkadang, sisi seni yang misterius.
Lagi pula, banyak instrumen antik, ansambel musik, teknik bermain sekarang hanya bisa dilihat di gambar.

Hendrik van Balen
Apollo dan Muses

Judith Leyster
Pemain suling muda
1635

Wanita dengan harpa
1818

Vesper John Meliush Stradwick
1897

Jean van Biglert
Konser

E.Degas
Bassoon (detail)

Seruling adalah salah satu alat musik paling kuno. Mereka melintang dan membujur. Yang membujur dipegang lurus ke depan, meniupkan udara ke dalam lubang di ujung atas seruling. Yang melintang dipegang dalam arah horizontal, meniupkan udara ke lubang samping seruling.

Penyebutan seruling longitudinal pertama kali ada dalam mitologi Yunani dan sejarah Mesir (milenium ketiga SM).

Di Cina, seruling melintang dengan lima atau enam lubang jari pertama kali disebutkan berasal dari milenium pertama SM, seperti di Jepang dan India. Perubahan revolusioner dalam desain seruling terjadi pada pertengahan abad ke-19 dengan bantuan Theobald Boehm.

Meskipun seruling modern adalah alat musik tiup kayu, biasanya terbuat dari paduan logam menggunakan emas, perak, dan bahkan platinum. Ini memberi mereka suara yang lebih cerah dan lebih mudah dimainkan daripada seruling kayu yang mendahului seruling logam di abad-abad yang lalu.

Seruling adalah salah satu instrumen paling virtuoso dalam orkestra simfoni. Paria-nya penuh dengan arpeggio dan bagian.

Alat musik kuningan

Instrumen kuningan - grup alat musik tiup , prinsip bermainnya adalah memperoleh harmonik harmonik dengan mengubah kekuatan aliran udara yang dihembuskan atau posisi bibir.

Nama "tembaga" secara historis kembali ke bahan pembuat alat-alat ini, di zaman kita, selain tembaga, mereka sering digunakan untuk pembuatannya. kuningan, lebih jarang perak , dan beberapa instrumen Abad Pertengahan dan Barok dengan cara produksi suara yang serupa (misalnya, ular ) terbuat dari kayu.

Instrumen kuningan termasuk modern terompet, terompet, cornet, flugelhorn, trombon, tuba . Grup terpisah adalah saxhorn . Instrumen kuningan kuno - sakbut (pendahulu trombone modern), ular dan lain-lain Beberapa instrumen rakyat juga tembaga, misalnya Asia Tengah karnay.

Sejarah instrumen kuningan

Seni meniup lubang klakson binatang atau dalam cangkang sudah dikenal pada zaman dahulu. Selanjutnya, orang belajar membuat alat khusus dari logam, mirip dengan tanduk dan dimaksudkan untuk keperluan militer, berburu, dan keagamaan.

Nenek moyang instrumen kuningan modern adalah tanduk berburu, tanduk militer, dan tanduk pos. Alat-alat ini, yang tidak memiliki mekanisme katup mengeluarkan beberapa suaraskala alami , diambil hanya dengan bantuan bibir pemain. Dari sini muncul kemeriahan dan sinyal militer dan berburu berdasarkan suara skala alam, yang telah menjadi mapan dalam praktik musik.

Dengan peningkatan teknologi pemrosesan logam dan produksi produk logam, dimungkinkan untuk membuat pipa untuk alat musik tiup dengan dimensi tertentu dan tingkat penyelesaian yang diinginkan. Dengan peningkatan pipa angin tembaga dan pengembangan seni mengekstraksi sejumlah besar suara dari skala alami padanya, konsep tersebut munculinstrumen alami , yaitu instrumen tanpa mekanisme, yang hanya mampu menghasilkan tangga nada alami.

Pada awal abad ke-19, mekanisme katup ditemukan, yang secara dramatis mengubah teknik pertunjukan dan meningkatkan kemampuan alat musik tiup kuningan.

Klasifikasi instrumen tembaga

Alat musik tiup kuningan dibagi menjadi beberapa keluarga:

• Alat katup memiliki beberapa gerbang (biasanya tiga atau empat) yang dikendalikan oleh jari pemain. Prinsip katup adalah untuk segera memasukkan mahkota tambahan ke dalam tabung utama, yang menambah panjang instrumen dan menurunkan seluruh sistemnya. Beberapa katup yang menghubungkan tabung dengan panjang berbeda memungkinkan untuk mendapatkan skala kromatik. Sebagian besar instrumen kuningan modern memiliki katup - klakson, terompet, tuba, saxhorn, dll. Ada dua desain katup - "putar" dan "berdiri" (piston).
• Alat kuk gunakan tabung retractable berbentuk U khusus - sebuah panggung, yang pergerakannya mengubah panjang udara di saluran, sehingga menurunkan atau menambah suara yang diekstraksi. Instrumen rock utama yang digunakan dalam musik adalah trombon.
• instrumen alami tidak memiliki tabung tambahan dan hanya dapat mengekstraksi suara dari tangga nada alami. Di abad ke-18, istimewaorkestra terompet alami . Hingga awal abad ke-19, instrumen alami banyak digunakan dalam musik, kemudian, dengan ditemukannya mekanisme katup, instrumen tersebut tidak digunakan lagi. Instrumen alami juga kadang-kadang ditemukan dalam partitur komposer abad ke-19 hingga ke-20 (Wagner, R. Strauss, Ligeti) untuk musik khusus. efek suara. Instrumen alami termasuk terompet antik dan terompet Prancis, sertatanduk alpine , kemeriahan, terompet, klakson sinyal (berburu, surat) dan sejenisnya.
• Instrumen Katup memiliki lubang di badannya, dibuka dan ditutup oleh jari-jari pemainnya, seperti padaangin kayu . Instrumen semacam itu tersebar luas hingga abad ke-18, tetapi karena beberapa ketidaknyamanan dalam memainkannya, instrumen tersebut juga tidak digunakan lagi. Instrumen Kuningan Katup Dasar - kornet (seng), ular , kelopak mata, pipa katup . Mereka juga termasuk klakson surat.

Saat ini, dengan kebangkitan minat pada musik awal, memainkan instrumen alami dan katup kembali menjadi praktik.

Instrumen kuningan juga dapat diklasifikasikan menurut sifat akustiknya:

• Penuh― instrumen tempat Anda dapat mengekstraksi nada dasar tangga nada harmonik.
• setengah― instrumen yang nada utamanya tidak dapat diekstraksi, dan tangga nada dimulai dengan konsonan harmonik kedua.

Penggunaan instrumen kuningan dalam musik

Alat musik tiup kuningan banyak digunakan dalam berbagai genre dan komposisi musik. Bagian dariSimfoni orkestra mereka membentuk salah satu kelompok utamanya. Komposisi standar orkestra simfoni meliputi:

• Tanduk (nomor genap dari dua hingga delapan, paling sering empat)
• Pipa (dari dua hingga lima, paling sering dua hingga tiga)
• Trombone (biasanya tiga: dua tenor dan satu bass)
• Tabung (biasanya satu)

Dalam partitur abad ke-19, orkestra simfoni juga sering disertakan kornet , namun dengan perkembangan teknik pertunjukan, bagian mereka mulai dilakukan di atas pipa. Instrumen kuningan lainnya hanya muncul secara sporadis di orkestra.

Instrumen tembaga adalah fondasinyapita kuningan , yang selain alat di atas, juga termasuk saxhorn ukuran yang berbeda.

Sastra solo untuk kuningan cukup banyak - pemain virtuoso dengan pipa dan tanduk alami sudah ada di awal era Barok, dan komposer dengan rela membuat komposisi mereka untuk mereka. Setelah beberapa penurunan minat pada alat musik tiup di era romantisme, pada abad ke-20 ada penemuan kemungkinan pertunjukan baru untuk alat musik tiup dan perluasan yang signifikan dari repertoarnya.

Dalam ansambel kamar, instrumen kuningan relatif jarang digunakan, tetapi instrumen itu sendiri dapat digabungkan menjadi ansambel, yang paling umum kuintet kuningan (dua terompet, klakson, trombon, tuba).

Terompet dan trombon memainkan peran penting dalam jazz dan sejumlah genre musik kontemporer lainnya.

Gambang

Gambang(dari bahasa Yunani. ξύλον - pohon + φωνή - suara) -alat musik perkusi dengan nada tertentu. Ini adalah rangkaian balok kayu dengan ukuran berbeda, disetel ke nada tertentu. Batang dipukul dengan tongkat berujung bulat atau palu khusus yang bentuknya seperti sendok kecil (dalam jargon musisi, palu ini disebut "kaki kambing").

Warnanada gambang tajam dan klik di forte dan lembut di piano.

Sejarah instrumen

Gambang memiliki asal kuno - instrumen paling sederhana dari jenis ini telah dan masih ditemukan di antara berbagai negara Afrika, Asia Tenggara , Amerika Latin .

Di Eropa, gambang pertama kali disebutkan berasal dari awal abad ke-16: Arnolt Schlick, dalam sebuah risalah tentang alat musik, menyebutkan alat serupa yang disebut hueltze glechter. Hingga abad ke-19, gambang Eropa adalah instrumen yang agak primitif, terdiri dari sekitar dua lusin batang kayu, diikat menjadi rantai dan diletakkan di atas permukaan datar untuk dimainkan. Kenyamanan membawa alat musik tersebut menarik perhatian para musisi keliling.

Gambang diperbaiki oleh Guzikov

Peningkatan gambang dimulai pada tahun 1830-an. Musisi Belarusia Mikhoel Guzikov memperluas jangkauannya menjadi dua setengah oktaf, dan juga mengubah desain, mengatur palang dengan cara khusus dalam empat baris. Model gambang ini digunakan selama lebih dari seratus tahun.

Pada gambang modern, palang disusun dalam dua baris seperti tuts piano, dilengkapi resonator berupa tabung timah dan diletakkan di atas meja khusus untuk memudahkan pergerakan.

Peran gambang dalam musik

Penggunaan gambang yang diketahui pertama kali dalam sebuah orkestra adalah Seven Variations.Ferdinand Cauer ditulis pada tahun 1810 tahun. Komposer Prancis Kastner memasukkan bagian-bagiannya ke dalam karya-karyanya. Salah satu komposisi paling terkenal yang melibatkan gambang adalah puisi simfoniCamille Saint-Saens "Tarian kematian" ( 1872 ).

Saat ini, gambang digunakan diSimfoni orkestra , di atas panggung, sangat jarang - sebagai instrumen solo ("Fantasi pada tema ukiran Jepang" untuk gambang dan orkestra, Op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra adalah alat musik gesek petik Rusia kuno. Nasibnya luar biasa dan unik dalam jenisnya.

Dari mana asalnya, bagaimana dan kapan domra muncul di Rus', masih menjadi misteri bagi para peneliti. Dalam sumber-sumber sejarah, hanya sedikit informasi tentang domra yang dipertahankan, bahkan lebih sedikit gambar domra Rusia kuno yang sampai kepada kita. Dan apakah domras tergambar pada dokumen yang sampai kepada kita, atau alat petik lain yang umum pada masa itu, juga tidak diketahui. Penyebutan domra pertama kali ditemukan dalam sumber-sumber abad ke-16. Mereka membicarakan domra sebagai alat musik yang sudah cukup umum di Rus' saat itu.

Saat ini, ada dua versi yang paling mungkin tentang asal usul domra. Yang pertama dan paling umum adalah versi tentang akar timur domra Rusia. Memang, instrumen serupa dalam desain dan metode ekstraksi suara ada dan masih ada dalam budaya musik negara-negara Timur. Jika Anda pernah melihat atau mendengar Kazakh dombra, Turki baglama atau Tajik rubab, Anda mungkin telah memperhatikan bahwa mereka semua memiliki bentuk bulat atau oval, papan suara datar, suara diekstraksi dengan memukul plektrum dengan frekuensi dan intensitas yang berbeda. Secara umum diterima bahwa semua instrumen ini memiliki satu nenek moyang - tanbur timur. Itu adalah tanbur yang berbentuk oval dan papan suara datar, dimainkan dengan chip khusus yang diukir dari bahan improvisasi - plektrum. Diduga, alat musik yang kemudian menjelma menjadi domra itu dibawa baik pada masa kuk Tatar-Mongol, maupun dalam rangka hubungan dagang dengan negara-negara di Timur. Dan nama "domra" tidak diragukan lagi memiliki akar bahasa Turki.

Versi lain berasal dari asumsi bahwa domra memimpin silsilahnya dari kecapi Eropa. Pada prinsipnya, pada Abad Pertengahan, alat musik petik apa pun yang memiliki badan, leher, dan senar disebut kecapi. Kecapi, pada gilirannya, juga berasal dari instrumen oriental - bahasa Arab al-ud. Mungkin penampilan dan desain domra dipengaruhi oleh instrumen Barat, Eropa, Slavia, misalnya, kobza Polandia-Ukraina dan versi perbaikannya - bandura. Bandura banyak meminjam langsung dari kecapi. Mengingat bahwa orang-orang Slavia pada Abad Pertengahan selalu berada dalam hubungan sejarah dan budaya yang kompleks, tentunya domra juga dapat dianggap mirip dengan semua alat musik petik Eropa pada masa itu.

Jadi, berdasarkan pengetahuan dan penelitian yang terkumpul hingga saat ini, kita dapat menyimpulkan bahwa domra adalah instrumen khas Rusia yang menggabungkan, seperti banyak budaya dan sejarah negara kita, fitur Eropa dan Asia.

Namun demikian, apa pun asal muasal domra yang sebenarnya, sudah pasti bahwa instrumen dengan nama ini ada di Rus 'dan merupakan bagian integral dari budaya Rusia pada abad 16-17. Itu dimainkan oleh musisi badut, sebagaimana dibuktikan oleh peribahasa terkenal para peneliti "Saya senang para badut berbicara tentang domra mereka". Selain itu, di istana kerajaan terdapat "Ruang Hiburan", semacam grup musik dan hiburan, yang dasarnya adalah badut dengan domra, harpa, terompet, dan alat musik Rusia kuno lainnya. Selain itu, menurut beberapa peneliti, domra saat itu sudah membentuk rumpun varietas ansambel. Yang terkecil dan melengking disebut "domrishka", suara terbesar dan terendah - "bass domra".

Diketahui juga bahwa pemain domra dan domra - badut dan "domrachi", sangat populer di kalangan masyarakat. Segala macam perayaan, pesta dan pesta rakyat setiap saat dan di antara semua bangsa diiringi dengan nyanyian dan permainan alat musik. Di Rusia pada Abad Pertengahan, menghibur orang-orang adalah "domracheev", "goosemen", "skrypotchikov" dan musisi lainnya. Di domra, seperti harpa, mereka mengiringi epos rakyat, epos, legenda, dan dalam lagu daerah domra mendukung garis melodi. Diketahui secara otentik bahwa produksi kerajinan tangan domras dan string domra didirikan, catatan pengirimannya ke pengadilan dan ke Siberia disimpan dalam dokumen sejarah ...

Agaknya, teknologi pembuatan domra adalah sebagai berikut: badan dilubangi dari sebatang kayu, dipasangi burung hering tongkat, tali atau urat hewan ditarik. Mereka bermain dengan sepotong, bulu, tulang ikan. Teknologi yang relatif sederhana, ternyata, memungkinkan alat ini digunakan secara luas di Rusia.

Tapi di sini dalam sejarah domra muncul momen paling dramatis. Khawatir tentang perkembangan budaya sekuler, para pendeta gereja mengangkat senjata melawan para musisi dan menyatakan pertunjukan badut sebagai "permainan setan". Akibatnya, pada tahun 1648, Tsar Alexei Mikhailovich mengeluarkan dekrit tentang pemusnahan massal instrumen yang tidak bersalah - alat "permainan setan". Dekrit terkenal itu berbunyi: "Di mana domras, dan surns, dan bip, dan gambus, dan hari, dan segala macam kapal yang berdengung ... diperintahkan untuk merebut dan, setelah merusak permainan setan itu, diperintahkan untuk dibakar." Menurut musafir Jerman abad ke-17 Adam Olearius, orang Rusia pada umumnya dilarang memainkan musik instrumental, dan suatu kali beberapa gerobak berisi instrumen yang diambil dari penduduk dibawa ke seberang Sungai Moskow dan dibakar di sana. Baik musisi maupun badut pada umumnya dianiaya.

Mungkin takdir yang benar-benar tragis belum pernah terjadi pada alat musik mana pun di dunia. Jadi, entah akibat pemusnahan dan pelarangan biadab, atau karena alasan lain, namun setelah abad ke-17, peneliti tidak menemukan penyebutan domra lama yang signifikan. Sejarah instrumen Rusia kuno berakhir di sini, dan seseorang dapat mengakhirinya, tapi ... Domra ditakdirkan untuk benar-benar terlahir kembali dari abu!

Ini terjadi berkat aktivitas seorang peneliti dan musisi yang luar biasa, orang yang luar biasa berbakat dan luar biasa - Vasily Vasilyevich Andreev. Pada tahun 1896, di provinsi Vyatka, dia menemukan instrumen tak dikenal dengan tubuh setengah bola. Dengan asumsi dari penampilannya bahwa ini adalah domra, dia pergi ke tuan terkenal Semyon Ivanovich Nalimov. Bersama-sama mereka mengembangkan desain instrumen baru, berdasarkan bentuk dan desain instrumen yang ditemukan. Sejarawan masih memperdebatkan apakah alat yang ditemukan Andreev itu benar-benar domra tua. Meski demikian, instrumen yang direkonstruksi pada tahun 1896 itu disebut "domra". Tubuh bulat, leher panjang sedang, tiga senar, sistem keempat - seperti inilah bentuk domra yang direkonstruksi.

Saat itu, Andreev sudah memiliki orkestra balalaika. Tetapi untuk mewujudkan ide cemerlangnya, Orkestra Rusia Hebat membutuhkan grup instrumen melodi terkemuka, dan domra yang dipulihkan, dengan kemampuan barunya, sangat ideal untuk peran ini. Sehubungan dengan sejarah penciptaan Great Russian Orchestra, ada satu hal lagi yang perlu disebutkan orang yang luar biasa, tanpanya, mungkin, gagasan itu tidak akan menemukan perwujudannya. Ini adalah pianis dan komposer profesional Nikolai Petrovich Fomin, rekan terdekat Andreev. Berkat pendekatan profesional Fomin, lingkaran Andreev, yang pada awalnya amatir, mempelajari notasi musik, berdiri secara profesional, dan kemudian menaklukkan pendengar baik di Rusia maupun di luar negeri dengan penampilan mereka. Dan jika Andreev pada dasarnya adalah penghasil ide, maka Fomin menjadi orang yang berterima kasih kepada siapa, pada kenyataannya, domras dan balalaika memulai jalur pengembangan sebagai instrumen akademik yang lengkap.

Tapi kembali ke domra. Pada periode 1896-1890. V. Andreev dan S. Nalimov merancang jenis ansambel domra. Dan beberapa dekade pertama setelah kelahirannya yang baru, domra berkembang sejalan dengan penampilan orkestra dan ansambel.

Namun, segera, beberapa batasan pada kemampuan domra Andreev terungkap, sehubungan dengan upaya yang dilakukan untuk memperbaikinya secara konstruktif. Tugas utamanya adalah memperluas jangkauan alat. Pada tahun 1908, atas saran konduktor G. Lyubimov, master S. Burov membuat domra empat senar dengan sistem kelima. "Empat senar" menerima jangkauan biola, tetapi, sayangnya, lebih rendah dari "tiga senar" dalam hal timbre dan warna. Selanjutnya, varietas ansambelnya dan orkestra domras empat senar juga muncul.

Ketertarikan pada domra tumbuh setiap tahun, cakrawala musik dan teknis berkembang, musisi virtuoso bermunculan. Akhirnya, pada tahun 1945, konser instrumental pertama untuk domra dengan orkestra alat musik rakyat Rusia dibuat. konser terkenal g-moll Nikolai Budashkin ditulis atas permintaan pemimpin konser orkestra. Osipov Alexey Simonenkov. Acara ini dibuka era baru dalam sejarah domra. Dengan munculnya konser instrumental pertama, domra menjadi instrumen virtuoso solo.

Pada tahun 1948, departemen pertama alat musik rakyat di Rusia dibuka di Moskow di Institut Musik dan Pedagogi Negara yang dinamai I.I. Gnesins. Menjadi guru domra pertama komposer yang luar biasa Yu Shishakov, dan kemudian solois muda orkestra. Osipova V. Miromanov dan A. Alexandrov - pencipta sekolah pertama memainkan domra tiga senar. Berkat pendidikan profesional yang lebih tinggi, domra yang awalnya merupakan alat musik rakyat dalam waktu singkat menempuh jalur di panggung akademis, yang memakan waktu berabad-abad untuk instrumen orkestra simfoni (lagipula, biola pernah menjadi alat musik rakyat!).

Performa Domra bergerak maju dengan kecepatan yang luar biasa. Pada tahun 1974, kompetisi I All-Rusia untuk pemain alat musik rakyat diadakan, pemenang kompetisi adalah virtuoso domra yang luar biasa - Alexander Tsygankov dan Tamara Volskaya (lihat bagian yang aktivitas kreatifnya menentukan arah perkembangan seni domra selama beberapa dekade hingga datang, baik dalam bidang pertunjukan itu sendiri maupun repertoar domra.

Saat ini, domra adalah alat musik muda yang menjanjikan dengan potensi besar, terutama musik dan ekspresif, yang benar-benar berakar dari Rusia dan, bagaimanapun, telah naik ke puncak genre akademis. Apa yang akan menjadi miliknya nasib selanjutnya? Kata itu milikmu, para domrist sayang!

Balalaika

Keterangan
Tubuh direkatkan dari segmen terpisah (6-7), kepala leher panjang sedikit ditekuk ke belakang. Senar logam (Pada abad ke-18, dua di antaranya berurat; balalaika modern memiliki senar nilon atau karbon). Pada papan jari balalaika modern terdapat 16-31 fret logam (hingga akhir abad ke-19 - 5-7 fret paksa).

Suaranya keras tapi lembut. Teknik paling umum untuk mengekstraksi suara: berderak, pizzicato, pizzicato ganda, pizzicato tunggal, vibrato, tremolo, pecahan, trik gitar.

membangun

Sampai transformasi balalaika menjadi instrumen konser pada akhir abad ke-19 oleh Vasily Andreev, balalaika tidak memiliki sistem yang permanen dan ada di mana-mana. Setiap pemain menyetel instrumen sesuai dengan gaya penampilannya, suasana umum dari lagu yang dimainkan, dan tradisi lokal.

Sistem yang diperkenalkan oleh Andreev (dua senar serempak - nada "mi", satu - satu liter lebih tinggi - nada "la" (dan "mi" dan "la" dari oktaf pertama) tersebar luas di antara pemain balalaika konser dan mulai disebut "akademik". Ada juga sistem "rakyat" - baris pertama adalah "garam", yang kedua - "mi", yang ketiga - "lakukan". Dalam sistem ini, triad lebih mudah diambil, kerugiannya itu adalah kesulitan memainkan senar terbuka. Selain yang di atas, ada juga tradisi daerah menyetel instrumen. jarang pengaturan lokal mencapai dua lusin ..

Varietas

Dalam orkestra modern alat musik rakyat Rusia, lima jenis balalaika digunakan: prima, second, viola, bass, dan double bass. Dari jumlah tersebut, hanya prima yang merupakan instrumen solo, virtuoso, sedangkan sisanya memiliki fungsi orkestra murni: yang kedua dan biola menerapkan pengiring akord, sedangkan bass dan double bass menjalankan fungsi bass.

Prevalensi

Balalaika adalah alat musik yang cukup umum, yang dipelajari di lembaga pendidikan musik akademis di Rusia, Belarusia, Ukraina, dan Kazakhstan.

Jangka waktu pelatihan balalaika di sekolah musik anak-anak adalah 5-7 tahun (tergantung usia siswa), dan di lembaga pendidikan menengah - 4 tahun, di lembaga pendidikan tinggi 4-5 tahun. Repertoar: aransemen lagu daerah, aransemen karya klasik, musik pengarang.

Cerita
Tidak ada sudut pandang tunggal tentang waktu munculnya balalaika. Balalaika diyakini telah menyebar sejak akhir abad ke-17. Ditingkatkan berkat V. Andreev bersama dengan master Paserbsky dan Nalimov. Keluarga balalaika modern telah dibuat: piccolo, prima, second, viola, bass, double bass. Balalaika digunakan sebagai instrumen konser tunggal, ansambel, dan orkestra.

Etimologi
Nama instrumennya sendiri sudah membuat penasaran, biasanya folk, menyampaikan karakter permainannya dengan bunyi suku kata. Akar kata "balalaika", atau disebut juga "balabayka", telah lama menarik perhatian peneliti karena kekerabatannya dengan kata-kata Rusia seperti balakat, balabonit, balabolit, joker yang artinya mengobrol, kosong panggilan (kembali ke bahasa Slavia umum *bolbol dengan arti yang sama ). Semua konsep ini, saling melengkapi, menyampaikan esensi balalaika - instrumen yang ringan, lucu, "memetik", tidak terlalu serius.

Untuk pertama kalinya, kata "balalaika" ditemukan dalam monumen tertulis yang berasal dari masa pemerintahan Peter I.

Penyebutan balalaika tertulis pertama terkandung dalam dokumen tertanggal 13 Juni 1688 - "Memori dari ordo Streltsy ke ordo Rusia Kecil" (RGADA), yang antara lain melaporkan bahwa ordo Streltsy dibawa ke Moskow “<...>warga kota Savka Fedorov<...>Ya<...>petani Ivashko Dmitriev, dan balalaika dibawa bersama mereka sehingga mereka mengendarai kereta kuda dengan kereta ke gerbang Yausky, menyanyikan lagu dan memainkan balalaika di toi, dan penjaga pemanah yang berdiri di gerbang Yausky dengan waspada memarahi<...>».

Sumber tertulis berikutnya di mana balalaika disebutkan adalah "Daftar" yang ditandatangani oleh Peter I, mengacu pada 1715: di St. Petersburg, selama perayaan pernikahan badut "Pangeran-Papa" N. M. Zotov, selain instrumen lainnya dibawa oleh para ibu, empat balalaika diberi nama.

Untuk pertama kalinya, kata tersebut dibuktikan dalam bahasa Ukraina pada awal abad ke-18 (dalam dokumen tahun 1717-1732) dalam bentuk "balabaika" (jelas, ini adalah bentuk yang lebih tua, juga dipertahankan dalam dialek Kursk dan Karachev ). Dalam bahasa Rusia untuk pertama kalinya dalam puisi V. I. Maikov "Elisey", 1771, lagu 1: "Kamu menyetel peluit atau balalaika untukku."

Cello (violoncello Italia, abbr.cello, Violoncello Jerman, violoncello Prancis, cello Inggris)

Alat musik senar membungkuk dari register bass dan tenor, yang dikenal sejak paruh pertama abad ke-16, dengan struktur yang sama dengan biola atau biola, tetapi jauh lebih besar. Cello memiliki kemungkinan ekspresif yang luas dan teknik pertunjukan yang dikembangkan dengan hati-hati, digunakan sebagai instrumen solo, ansambel, dan orkestra.

Sejarah kemunculan dan perkembangan instrumen

Kemunculan cello sudah ada sejak awal abad ke-16. Awalnya digunakan sebagai instrumen bass untuk mengiringi nyanyian atau memainkan instrumen dengan nada yang lebih tinggi. Ada banyak jenis cello, berbeda satu sama lain dalam ukuran, jumlah senar, dan penyetelan (penyetelan yang paling umum adalah nada yang lebih rendah daripada yang modern).
Pada abad 17-18, upaya para master musik terkemuka dari sekolah Italia (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana, dll.) Menciptakan model cello klasik dengan ukuran tubuh yang kokoh. Pada akhir abad ke-17, karya solo pertama untuk cello muncul - sonata dan ricercars oleh Giovanni Gabrieli. Pada pertengahan abad ke-18, cello mulai digunakan sebagai instrumen konser, karena suaranya yang lebih terang, lebih penuh, dan teknik pertunjukan yang lebih baik, akhirnya menggantikan viola da gamba dari latihan musik. Cello juga merupakan bagian dari orkestra simfoni dan ansambel kamar. Persetujuan akhir cello sebagai salah satu alat musik terkemuka terjadi pada abad ke-20 melalui upaya musisi terkemuka Pablo Casals. Perkembangan sekolah pertunjukan alat musik ini telah menyebabkan munculnya banyak pemain cello virtuoso yang rutin melakukan konser tunggal.
Repertoar cello sangat luas dan mencakup banyak concerto, sonata, komposisi tanpa pendamping.


] Teknik memainkan cello

Mstislav Rostropovich dengan cello Duport oleh Stradivari.
Prinsip bermain dan pukulan saat tampil di cello sama dengan di biola, namun karena ukuran instrumen yang lebih besar dan posisi pemain yang berbeda, teknik memainkan cello agak terbatas. Flageolets, pizzicato, thumb bet dan teknik permainan lainnya digunakan. Suara cello itu berair, merdu dan tegang, sedikit terkompresi di nada atas.
Struktur senar cello: C, G, d, a (do, salt dari oktaf besar, re, la dari oktaf kecil), yaitu satu oktaf di bawah biola. Kisaran cello, berkat teknik permainan senar yang dikembangkan, sangat luas - dari C (ke oktaf besar) hingga a4 (A oktaf keempat) dan lebih tinggi. Catatan ditulis dalam kunci bass, tenor dan treble sesuai dengan suara yang sebenarnya.


instrumen dipegang oleh betis kaki
Saat bermain, pemain meletakkan cello di lantai dengan penggulung, yang baru tersebar luas pada akhir abad ke-19 (sebelumnya instrumen dipegang oleh betis kaki). Pada cello modern, penggulung melengkung, yang ditemukan oleh pemain cello Prancis P. Tortelier, banyak digunakan, yang memberikan instrumen posisi yang lebih rata, agak memudahkan teknik bermain.
Cello banyak digunakan sebagai instrumen solo, grup cello digunakan dalam orkestra string dan simfoni, cello adalah anggota wajib kuartet gesek, di mana itu adalah yang terendah (kecuali untuk double bass, yang kadang-kadang digunakan dalam itu) instrumen dalam hal suara, dan juga sering digunakan dalam ansambel ruang lainnya. Dalam musik orkestra, bagian cello ditulis di antara bagian biola dan bas ganda.

Sejarah penciptaan biola

Sejarah musik menganggap bahwa biola dalam bentuknya yang paling sempurna muncul pada abad ke-16. Pada saat itu, semua instrumen busur yang aktif sepanjang Abad Pertengahan sudah dikenal. Mereka berada di urutan tertentu dan para sarjana pada masa itu mengetahui, dengan probabilitas yang lebih besar atau lebih kecil, seluruh silsilah mereka. Jumlah mereka sangat banyak dan sekarang tidak perlu menggali lebih dalam tentang masalah ini.

Para peneliti terbaru sampai pada kesimpulan bahwa biola sama sekali bukan "viola da gamba" yang direduksi. Selain itu, telah ditetapkan dengan cukup akurat bahwa kedua jenis instrumen ini di perangkatnya memiliki fitur yang sangat berbeda satu sama lain. Semua instrumen yang berhubungan dengan "viole da gamba" memiliki punggung yang rata, tepi yang rata, leher yang dipisahkan oleh fret, kepala yang lebih jarang berbentuk trefoil dan lebih sering dengan gambar binatang atau kepala manusia, potongan pada permukaan atas instrumen di garis besar huruf Latin "C", dan terakhir , penyetelan senar di perempat dan pertiga. Sebaliknya, "viola da brachio", sebagai pendahulu langsung dari biola modern, memiliki penyetelan senar kelima, punggung cembung, ujung-ujungnya agak terangkat, papan jari tanpa fret, kepala berbentuk gulungan dan takik atau "efs", dalam garis besar huruf kecil saling berhadapan Latin f dalam huruf miring.
Keadaan ini mengarah pada fakta bahwa keluarga biola yang sebenarnya terdiri dari pengurangan gamba secara berturut-turut. Maka timbullah skuad penuh sebuah "kuartet" atau "kuintet" lama, hanya terdiri dari biola dengan berbagai ukuran. Namun, seiring dengan munculnya keluarga biola yang lengkap, sebuah instrumen berkembang dan disempurnakan yang memiliki semua ciri khas dan paling khas dari biola modern. Dan instrumen ini, pada kenyataannya, bahkan bukan "biola tangan". arti langsung kata-kata, tetapi yang disebut "kecapi tangan", yang, sebagai alat musik rakyat di tanah Slavia, menjadi dasar keluarga biola modern. Raphael yang agung (1483-1520), dalam salah satu lukisannya dari tahun 1503, memberikan gambaran yang sangat bagus tentang instrumen ini. Merenungkannya, tidak ada keraguan sedikit pun bahwa hanya ada sedikit yang tersisa untuk transformasi lengkap dari "kecapi tangan" menjadi biola sempurna di zaman kita. Satu-satunya perbedaan yang membedakan gambar Raphael dari biola modern hanya terletak pada jumlah senar - ada lima di antaranya dengan adanya dua bas - dan garis besar pasak, yang masih sangat mirip dengan pasak sebuah biola tua.
Sejak itu, bukti telah berlipat ganda dengan kecepatan yang luar biasa. Koreksi kecil yang dapat dilakukan pada citra "lyre da brachio" kuno akan memberikan kemiripan yang paling sempurna dengan biola modern. Kesaksian ini, dalam bentuk biola tua, berasal dari tahun 1516 dan 1530, ketika penjual buku Basel memilih biola tua dengan merek dagang Anda. Pada saat yang sama, kata "biola", dalam biola gaya Prancisnya, pertama kali muncul dalam kamus Prancis pada awal abad ke-16. Henri Pruneer (1886-1942) mengklaim bahwa sejak tahun 1529 kata ini terkandung dalam beberapa makalah bisnis pada masa itu. Namun, indikasi bahwa konsep "biola" muncul sekitar tahun 1490 patut diragukan. Di Italia, kata violonista dalam arti pemain biola mulai muncul sejak tahun 1462, sedangkan kata violino sendiri dalam arti "biola" baru mulai digunakan seratus tahun kemudian, ketika kata itu tersebar luas. Bahasa Inggris mengadopsi ejaan kata Prancis hanya pada tahun 1555, yang, bagaimanapun, diganti tiga tahun kemudian dengan "biola" yang sepenuhnya berbahasa Inggris.
Di Rus', menurut kesaksian monumen paling kuno, alat musik membungkuk sudah dikenal sejak lama, tetapi tidak satupun yang berkembang sedemikian rupa sehingga kemudian menjadi alat musik orkestra simfoni. Instrumen busur Rusia kuno tertua adalah bunyi bip. Dalam bentuknya yang paling murni, ia memiliki tubuh kayu berbentuk oval, agak berbentuk buah pir, dengan tiga senar yang direntangkan di atasnya. Mereka memainkan peluit dengan busur melengkung, yang tidak ada hubungannya dengan busur modern. Waktu munculnya peluit tidak diketahui secara pasti, tetapi ada anggapan bahwa "bip" muncul di Rus bersamaan dengan penetrasi instrumen "timur" - domra, surna, dan smyk. Waktu ini biasanya ditentukan pada paruh kedua abad XIV dan awal abad XV. Sulit untuk mengatakan kapan "biola" muncul dalam arti sebenarnya dari kata tersebut. Hanya diketahui dengan pasti bahwa penyebutan pertama pemain biola dalam buku alfabet abad 16-17 "sama-sama menunjukkan bahwa para penafsir tidak mengetahuinya." Bagaimanapun, menurut P. F. Findeisen (1868-1928), instrumen ini belum dikenal dalam kehidupan rumah tangga dan publik Rus Moskow, dan biola pertama dalam bentuk lengkapnya muncul di Moskow, tampaknya, hanya di awal. Abad XVIII. Namun, penyusun buku alfabet, yang pada suatu waktu belum pernah melihat biola asli, hanya memahami bahwa alat musik ini harus berupa alat musik gesek, dan oleh karena itu secara keliru menyamakannya dengan "gusli" dan "lira Rusia Kecil", yang, tentu saja, itu pasti tidak benar.
Deskripsi yang kurang lebih rinci tentang biola baru di Barat mulai muncul hanya dari pertengahan abad ke-16. Oleh karena itu, Philibert Jambes de Fair (1526-1572), menguraikan ciri-ciri dan ciri khas biola kontemporer, mengutip sejumlah nama yang darinya dapat disimpulkan bahwa "keluarga biola" dibangun berdasarkan model dan kemiripan biola. biola. Sejak saat itu, dari tahun 1556, biola ada hingga akhir abad ke-17 dalam beberapa varietas, yang dikenal sebagai nama Prancis dessus, quinte, haute-contre, tailee dan basse. Dalam bentuk ini, komposisi keluarga biola ditetapkan pada saat Peer Maryann (1588-1648) mulai menulis tentangnya. "Gang dua puluh empat" - sebutan Les vingt-quatre pada suatu waktu - terdiri dari instrumen yang sama, tetapi dengan nama yang sudah dipindahkan. Dessus diikuti oleh haute-contre, dan kwinte berada di antara tailee dan basse, tetapi volumenya persis sama dengan data sebelumnya, yang baru saja disebutkan. Kemudian ada perubahan lain dalam komposisi biola ini, yang menyebabkan haute-contre menghilang sama sekali, digantikan oleh dessus, dan tailee bersatu dengan kuint, mengadopsi urutan yang terakhir. Dengan demikian, jenis baru kombinasi busur empat bagian dibuat, di mana dessus berhubungan dengan biola pertama dan kedua, tailee atau quinte - viola dan basse - cello.
Sekarang sulit untuk memastikan dengan pasti kapan penyelesaian akhir dari instrumen itu, yang sekarang dikenal dengan nama "biola", terjadi. Kemungkinan besar, peningkatan ini berlangsung dalam rangkaian yang berkelanjutan, dan setiap master membawa sesuatu miliknya sendiri. Namun demikian, dapat dengan jelas dinyatakan bahwa abad ke-17 adalah "zaman keemasan" untuk biola, ketika penyelesaian akhir dari hubungan dalam struktur instrumen terjadi dan ketika mencapai kesempurnaan itu tidak ada upaya untuk "memperbaikinya". sudah bisa melangkah. Sejarah mempertahankan nama-nama transduser biola yang hebat dalam ingatannya dan menghubungkan perkembangan instrumen ini dengan nama tiga keluarga pembuat biola. Pertama-tama, ini adalah keluarga master Cremonese Amati, yang menjadi guru Andrea Guarneri (1626?-1698) dan Antonio Stradivari (1644-1736). Namun, penyelesaian akhir biola terutama berkat Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) dan khususnya kepada Antonio Stradivari, yang dihormati sebagai pencipta biola modern terbesar.
Tetapi tidak semua orang menyukai semua yang ada di biola yang telah dibuat pada saat itu oleh orang Kremo yang hebat. Banyak yang mencoba mengubah rasio yang diadopsi oleh Stradivari, dan tentu saja tidak ada yang berhasil. Namun, yang paling aneh dari semuanya adalah keinginan beberapa ahli yang paling terbelakang untuk mengembalikan biola ke masa lalu dan menerapkan fitur biola yang sudah usang. Seperti yang Anda ketahui, biola tidak memiliki fret. Ini memungkinkan untuk memperluas volume suaranya dan menyempurnakan teknik permainan biola. Namun, di Inggris kualitas biola ini tampak "diragukan", dan "intonasi" instrumennya tidak cukup akurat. Oleh karena itu, fret pada papan fret biola diperkenalkan untuk menghilangkan kemungkinan "ketidakakuratan" dalam ekstraksi suara, dan penerbit, dipimpin oleh John Playford (1623-1686?), dari 1654 hingga 1730 mencetak ulang sebuah manual. dikompilasi menurut "modal tablature" . Keadilan, bagaimanapun, mengharuskan untuk mengatakan bahwa itu secara umum satu-satunya kasus, terkenal dalam sejarah permainan biola. Upaya lain untuk meningkatkan dan memfasilitasi permainan alat musik ini telah direduksi menjadi penyetelan senar atau yang disebut "scordatura". Ini masuk akal, dan banyak pemain biola terkemuka, seperti Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) dan beberapa lainnya, masing-masing menyetel instrumen mereka dengan caranya sendiri. Kadang-kadang metode penyetelan senar ini digunakan bahkan sekarang, mengejar tujuan artistik yang khusus.
Biola Stradivarius. Foto dari gruhn.com Jadi, biola menerima perwujudannya yang paling sempurna pada akhir abad ke-17. Antonio Stradivari adalah orang terakhir yang membawanya ke keadaan saat ini, dan François Tourt, seorang master abad ke-18, dipuja sebagai pencipta busur modern. Namun dalam perkembangan biola dan implementasinya dalam kehidupan nyata, hal tersebut kurang berhasil. Sangat sulit untuk menyampaikan dalam beberapa kata seluruh sejarah yang panjang dan bervariasi dari perkembangan dan peningkatan teknik biola ini. Cukuplah dikatakan bahwa kemunculan biola menimbulkan banyak lawan. Banyak yang menyesali keindahan biola yang hilang, sementara yang lain muncul dengan seluruh "risalah" yang ditujukan untuk melawan orang asing yang tak diundang itu. Hanya berkat para pemain biola hebat, yang memajukan teknik permainan biola dengan tegas, biola mengambil tempat yang layak. Pada abad ke-17, pemain biola virtuoso ini adalah Giuseppe Torelli dan Arcangelo Corelli. Di masa depan, Antonio Vivaldi (1675-1743) melakukan banyak pekerjaan untuk kepentingan biola, dan, akhirnya, seluruh galaksi pemain biola hebat yang dipimpin oleh Niccolò Paganini. Biola modern memiliki empat senar yang disetel di urutan kelima. Senar atas terkadang disebut kelima, dan senar bawah disebut bas. Semua senar biola berurat atau usus, dan hanya "bass" yang terjalin dengan benang perak tipis atau "gimp" untuk kepenuhan dan keindahan suara yang lebih besar. Saat ini, semua pemain biola menggunakan senar logam untuk "kelima" dan persis sama, tetapi hanya dibungkus dengan benang aluminium tipis untuk kelembutan, senar A, meskipun beberapa musisi juga menggunakan senar aluminium murni A tanpa "gimp". Dalam hal ini, senar logam untuk mi dan aluminium untuk la, perlu memperkuat kemerduan senar ulang, yang saat itu masih berurat, yang dilakukan dengan bantuan "gimp" aluminium yang melilit, seperti a "basque", yang terakhir ini dan, omong-omong, yang bermanfaat baginya. Namun demikian, semua peristiwa ini sangat mengecewakan para penikmat sejati, karena dering dan ketajaman suara senar logam dalam kasus lain sangat mencolok dan tidak menyenangkan, tetapi tidak ada yang bisa dilakukan dan seseorang harus menerima keadaan.
Senar biola, yang disetel sesuai dengan persyaratan instrumen, disebut terbuka atau kosong, dan berbunyi dalam urutan perlima murni turun dari mi oktaf kedua ke garam kecil. Urutan senar selalu diperhatikan dari atas ke bawah, dan kebiasaan ini telah dilestarikan sejak zaman kuno sehubungan dengan semua alat musik yang ditekuk dan digesek "dengan pegangan" atau "leher". Catatan untuk biola hanya ditulis di " kunci trebel" atau garam kunci.
Konsep "terbuka" atau dalam penggunaan orkestra - senar kosong, menyiratkan bunyi senar sepanjang panjangnya dari dudukan hingga mur, yaitu, di antara dua titik yang menentukan ketinggian sebenarnya selama penyetelan. Panjang senar biasanya ditentukan oleh titik-titik yang sama, karena dalam orkestra yang diperhitungkan adalah bagian bunyi dari senar, dan bukan "nilai absolut" yang diapit antara sub-leher dan pasak. Dalam partitur musik, senar terbuka ditandai dengan lingkaran kecil atau nol yang diletakkan di atas atau di bawah not.
Dalam beberapa kasus, ketika jalinan musik dari karya tersebut membutuhkannya, Anda dapat menyetem senar menjadi seminada untuk mendapatkan kres F dari oktaf kecil untuk "basque" atau kres D kedua untuk "kelima".
Sumber musik-instrumen.ru

Sejarah membangun gitar listrik (gitar listrik)

Perkembangan teknologi pada abad ke-20 tidak mengabaikan sisi budaya dari keberadaan manusia. Munculnya perangkat elektronik untuk pemutaran dan, yang terpenting, pengolah suara, pada akhirnya tidak bisa tidak mempengaruhi alat musik itu sendiri. Selain upaya untuk membuat alat musik baru yang fundamental, upaya juga dilakukan untuk "memodernisasi" alat musik lama yang terkenal. Jadi Lloyd Loher pada tahun 1924 merancang pickup magnetik pertama, perangkat yang mengubah getaran senar logam menjadi sinyal listrik. Insinyur berbakat ini bekerja pada saat itu, di mana menurut Anda? - di Gibson! Tapi seperti yang Anda pahami, sebelum penciptaan Les Paul masih cukup jauh - selama 28 tahun, sehingga gitar elektrik pertama yang diproduksi secara massal tidak dirilis oleh Gibson. Dan ini dilakukan oleh sebuah perusahaan bernama Electro String Company, salah satu pendirinya adalah Adolf Rickenbacker, yang kemudian mendirikan, seperti yang mungkin sudah Anda duga, perusahaan Rickenbacker yang sangat terkenal yang merilis gitar khas John Lennon - 325JL. Badan gitar pertama ini terbuat dari aluminium, itulah sebabnya mereka menerima nama tulus "wajan". Peristiwa ini terjadi pada tahun 1931. Saya tidak tahu apakah ada upaya lain untuk memasang pickup ke gitar, mungkin ada, tetapi baru pada tahun 1951 mereka memperoleh bentuk yang sangat klasik dan dapat dikenali itu. Dan Leo Fender melakukan ini dengan merilis Telecasternya yang terkenal dan itu sudah menjadi terobosan, seperti menempatkan pesawat ruang angkasa ke orbit dengan seorang pria, tentu saja, di dalamnya. Lambungnya terbuat dari kayu, meski tidak memiliki kesamaan desain gitar klasik. Untuk beberapa alasan, banyak orang mengira gitar elektrik terbuat dari entah apa: logam, plastik, dan beberapa bahan ultra modern lainnya, tidak - gitar dibuat dan dibuat hingga hari ini, terutama dari kayu, seperti halnya manusia. 70% air.
Sejak saat itu, gitar elektrik dapat dikatakan telah menjadi alat musik dan fenomena budaya. Gibson, tentu saja, tidak ketinggalan dan merilis Les Paul legendaris mereka pada tahun 1952. Dan tembakan percobaan datang pada tahun 1954, ketika Fender meluncurkan Stratocaster ke orbit. Musisi blues, rock, dan country mulai memainkan gitar model dan pabrikan ini. Tentu saja, ada banyak gitar cantik yang berbeda dan tidak terlalu populer dan tidak populer sejak saat itu, tetapi kecil kemungkinannya hingga hari ini, seseorang telah menemukan sesuatu yang lebih signifikan, jika Anda tidak mempertimbangkan pemrosesan suara. Tentu saja ada berbagai inovasi, seperti penambahan senar ketujuh bahkan kedelapan (sebagai aturan, ini adalah gitar yang ditujukan untuk band dan musisi dengan gaya dan tren ekstrim), tetapi semua ini adalah fenomena yang “tidak mendekati” dalam signifikansinya dengan “penemuan” yang tercantum di atas.
Namun yang paling menarik adalah gitar itu tetaplah gitar. Entah kenapa, banyak orang yang jauh dari musik menganggap bahwa gitar elektrik adalah alat musik yang tidak ada sangkut pautnya dengan gitar klasik. Tentu saja perbedaannya besar, mulai dari penampilan hingga teknik bermainnya, namun tetap satu instrumen yang sama dengan tuning dan chord fingering yang sama (dengan beberapa pengecualian), artinya dengan mengetahui chord dari lagu-lagu tersebut, bisa jadi. tampil dengan kesuksesan yang sama pada gitar elektrik dan akustik.

SEJARAH SINGKAT GITAR DAN KEADAANNYA SEKARANG

Gitar, seperti yang Anda ketahui, adalah instrumen nasional Spanyol. Hingga saat ini, asal usul gitar belum dapat dipastikan secara pasti. Harus diasumsikan bahwa prototipenya adalah kefara Asiria-Babilonia atau cithara Mesir. Itu bisa saja dibawa ke Semenanjung Iberia oleh orang Romawi (gitar Latin) atau orang Arab (gitar Moor). Yang pertama mereka bermain dengan teknik "punteado", yaitu dengan mencubit, yang kedua, yang memiliki kemerduan yang lebih tajam, mereka bermain dengan teknik "rasgueado", yaitu dengan menggetarkan senar dengan sekuat tenaga. jari tangan kanan.

Gitar jenis modern, atau dalam hal apa pun yang mirip dengannya, mungkin berasal dari perpaduan kedua jenis cithara kuno ini tidak lebih awal dari abad ke-16. Kami memiliki indikasi tidak langsung dari asal ganda gitar ini dengan cara memainkannya yang berbeda hingga saat ini: folk - "rasgueado", - berasal dari permainan gitar Moor, dan profesional - "punteado", - berasal dari gitar Latin .

Pada saat penetrasi ke negara-negara Eropa lainnya (abad XVI-XVII), gitar memiliki lima senar, disetel dengan rasio seperempat, seperti kecapi terkait. Tidak pasti apakah string keenam ditambahkan di Jerman atau Italia. Dalam bentuk akhir ini, gitar memperoleh hak instrumen yang serius. Berdasarkan peningkatan kemungkinan musiknya ini, gitar enam senar mengalami masa kejayaannya yang pertama (dari akhir abad ke-18 hingga pertengahan abad ke-19). Selama periode ini gitar maju seluruh baris virtuoso dan komposer brilian, seperti orang Spanyol Aguado dan Sor dan orang Italia Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Tsani de Ferranti, Regondi, Moretti, dan lainnya. Kegiatan konser para gitaris ini di negara-negara Eropa mengangkat gitar ke tingkat profesional yang tinggi dan memenangkan banyak pengikut dari kalangan musisi, penyair, dan penulis terbesar. Beberapa dari mereka - komposer Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - menggunakan gitar dalam opera mereka; lainnya - komposer Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - memainkan gitar sendiri; yang lainnya - Glinka, Tchaikovsky - suka mendengarkan gitar. Perlu dicatat secara khusus bahwa pemain biola terkenal Paganini pada saat yang sama adalah seorang gitaris yang hebat dan menulis sejumlah karya untuk gitar. Penyair dan penulis: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire dan banyak lainnya menyukai gitar dan mencurahkan lebih dari satu halaman untuk itu dalam karya mereka.

Masa kejayaan gitar, yang berlangsung hampir sampai akhir abad ke-19, tergantikan oleh kemundurannya, terutama karena kemunculan pianoforte. Namun, sejak awal abad ke-20, kita telah menyaksikan masa kejayaan baru gitar, yang tampaknya disebabkan oleh perubahan sikap masyarakat umum terhadapnya, sebagai alat musik rakyat kuno dan salah satu yang paling ekspresif. . Hasilnya, sejumlah virtuoso gitar yang sangat berbakat, kebanyakan orang Spanyol, muncul: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol, dan lainnya, yang menyempurnakan seni bermain gitar dan menyejajarkan gitar dengan instrumen solo tradisional lainnya. Dan lagi, seperti di era kejayaan pertama, gitar menarik banyak teman dari kalangan komposer ternama, seperti Turin, de Falla, Pons, Roussel dan lain-lain.

Di negara kita, itu didistribusikan secara luas bersama gitar enam senar variasinya adalah gitar tujuh senar, terutama dengan penyetelan tertian.

Akordeon, akordeon tombol

Sejarah dan varietas instrumen buluh(akordeon, akordeon tombol, dll.)

Akordeon adalah alat musik di mana suara dibuat dengan bebas menyelipkan buluh logam - pelat tipis yang bergetar di bawah aksi aliran udara yang dipompa oleh bellow. Dengan tangan kiri, pemain mengontrol bellow, serta menekan tombol bass dan akord untuk mengiringi melodi yang dimainkan dengan tangan kanan.

Di Rusia, di Moskow, terdapat Museum Harmonik terbaik dan terluas di dunia (ada 4 museum serupa di dunia: ada juga Museum Harmonik Nasional di Jerman di Klingenthal, Museum Harmonik di Italia di Castelfidardo dan Accordion Museum di USA di .Super Ior-Delucy).

Sejarah umum perkembangan instrumen buluh

Instrumen pertama yang dikenal dengan prinsip buluh ekstraksi suara adalah Sheng Timur kuno (berasal dari Burma, Tibet, Laos, dan Cina). Tanggal pasti instrumen ini dibuat tidak diketahui, tetapi diyakini berusia lebih dari 2.000 tahun. Itu dianggap sebagai instrumen "murni", yaitu cocok untuk pertunjukan musik sakral. Sekitar 700 Masehi Sheng adalah instrumen populer yang ditingkatkan yang dapat dimainkan dalam 12 kunci, dan buku teks harmoni dibuat untuk instrumen ini.



Munculnya harmonika, akordeon tombol, dan akordeon di Rusia

Munculnya harmonik di Rusia dimulai pada awal tahun 40-an abad XIX. segmen populasi yang memiliki hak istimewa, seperti yang ditunjukkan dalam sumber sastra, membeli harmonika tangan di luar negeri, dan melalui pelayan budak, harmonika muncul dan menjadi populer di desa-desa. Ada anggapan bahwa harmonika bisa didatangkan oleh pengrajin asing, dipesan ke pabrik senjata Tula.
Di antara pengrajin Tula, ada pendapat bahwa pembuat senjata Sizov dan Shkunaev menemukan harmonika. Menurut beberapa laporan, mereka diproduksi pada tahun 30-an abad XIX. di provinsi Tula, bagaimanapun, tidak diketahui jenis harmonik apa yang mereka bicarakan - tentang corong atau yang manual.



Informasi umum tentang perangkat harmonik

Harmonika dapat disebut semua alat musik, suara yang direproduksi oleh lidah logam (suara) yang lolos dengan bebas, bergetar di bawah pengaruh aliran udara. Udara dalam harmonika disuplai dengan bantuan bellow tangan atau kaki (harmonika tangan, harmonium), kipas angin (organola, organet) atau dihembuskan dan dihirup oleh paru-paru pemain (harmonika mulut). Di semua harmonika modern, buluh diikat dengan paku keling di salah satu ujungnya pada dasar logam, yang disebut rangka (sasis). Bingkai bersama dengan lidah terpaku disebut palang.



Sheng (gonofui, ken, Lusheng)

Sheng adalah salah satu instrumen tertua dari keluarga harmonika, yang berasal dari Burma, Tibet, Laos, dan China. Menurut manuskrip Tiongkok kuno (2-3 ribu tahun SM), para ilmuwan telah menetapkan nama instrumen paling awal - Yu. Kemudian mulai disebut chao, ho, sheng - tergantung dari bentuk dan bahan yang digunakan untuk pembuatannya. Varietas sheng lainnya juga dikenal - chonofui atau gonofui (Jepang), ken (Laos), Lusheng dan Hulusheng (Cina Barat Daya). Di Rusia dan negara-negara Eropa lainnya, sheng terkadang disebut organ mulut Cina.



Bibelharmonika, orkestra, elodikon

Ketika alat musik pertama yang dibuat berdasarkan prinsip produksi suara baru (lidah logam yang tergelincir) muncul di Eropa, pembuat organ menggunakan alat musik bentuk lama: organ portabel, regalia, organ positif (portabel), dll. dalam contoh instrumen pertama semacam itu.

Synthesizer

Alat musik elektronik yang mensintesis suara menggunakan satu atau lebih generator gelombang suara. Suara yang diinginkan dicapai dengan mengubah properti sinyal listrik (dalam penyintesis analog) atau dengan menyesuaikan parameter prosesor pusat (dalam penyintesis digital).

Synthesizer yang dibuat dalam bentuk case dengan keyboard disebut keyboard synthesizer.
Synthesizer yang dibuat dalam bentuk casing tanpa keyboard disebut modul synthesizer dan dikendalikan dari keyboard MIDI.
Jika synthesizer keyboard dilengkapi dengan sequencer bawaan, itu disebut workstation.
Jenis-jenis synthesizer:

Bergantung pada teknologi yang digunakan, synthesizer dibagi menjadi beberapa jenis:

Synthesizer analog menerapkan jenis sintesis aditif dan subtraktif. Fitur utama synthesizer analog adalah suara dihasilkan dan diproses menggunakan sirkuit listrik nyata. Seringkali sambungan berbagai modul sintesis dibuat menggunakan kabel khusus - kabel tambalan, oleh karena itu "tambalan" adalah nama umum untuk timbre penyintesis tertentu di kalangan musisi.

Keuntungan utama penyintesis analog adalah semua perubahan sifat suara dari waktu ke waktu, seperti pergerakan frekuensi cutoff filter, terjadi dengan sangat lancar (terus menerus). Kerugiannya antara lain level tinggi kebisingan, masalah ketidakstabilan tuning kini telah diatasi. Synthesizer analog paling terkenal yang digunakan saat ini meliputi: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Nabi '08, Andromeda A6.

Synthesizer analog virtual adalah hibrida antara synthesizer analog dan digital, membawa komponen perangkat lunak di tubuhnya. Yang paling terkenal diantaranya adalah: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Sintesis digital mencakup penyintesis digital itu sendiri, serta variasinya: penyintesis-plugin virtual / penyintesis mandiri dan interaktif. Mereka menerapkan berbagai jenis sintesis. Untuk membuat dan memainkan bentuk gelombang asli, memodifikasi suara dengan filter, amplop, dll. perangkat digital berdasarkan satu prosesor pusat dan beberapa koprosesor digunakan.

Faktanya, penyintesis digital adalah komputer yang sangat terspesialisasi. Model tercanggih dari penyintesis digital modern (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), seperti komputer pribadi, memungkinkan Anda memperbarui sistem operasi, berisi menu halaman, file bantuan bawaan, screen saver, dll.

Synthesizer virtual adalah bagian dari synthesizer digital, tetapi ini adalah jenis perangkat lunak khusus. Untuk membuat suara, prosesor pusat dan RAM komputer pribadi digunakan, dan untuk mengeluarkan suara ke perangkat pemutaran, kartu suara PC digunakan.

Synthesizer virtual dapat berupa produk perangkat lunak yang berdiri sendiri dan plug-in dari format tertentu (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, dll.) yang dirancang untuk dijalankan di dalam program host, biasanya perekam multi-saluran (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour, dll.). Ketersediaan tinggi mengarah pada semakin populernya virtual synthesizer, termasuk model instrumen kehidupan nyata (misalnya, Native Pro53 - emulator synthesizer Nabi, Novation V-Station - emulator synthesizer Novation K-Station, Korg Legacy - emulator synthesizer Korg M1, Wavestation , PolySix, MS20 dll.).

>Interaktif atau home synthesizer juga merupakan berbagai synthesizer digital yang dirancang khusus untuk pembuatan musik amatir di rumah dan salon, serta untuk pendidikan musik interaktif. Biasanya, penyintesis ini tidak memiliki sarana untuk pengeditan suara tingkat lanjut, termasuk kontrol waktu nyata. Penekanan ditempatkan pada imitasi realistis dari berbagai instrumen orkestra dan penggunaan fungsi pengiring otomatis. Dalam hal ini, untuk memainkan musik apa pun, pemain tidak perlu memprogram suara atau merekam bagian ke dalam sequencer - cukup pilih suara yang sudah jadi untuk melodi dan gaya untuk pengiring otomatis.

Tentu saja, kontrol penyintesis semacam itu jauh lebih sederhana daripada model pertunjukan profesional dan seringkali dapat diakses bahkan oleh seorang anak kecil. Banyak synthesizer jenis ini menyertakan game edukasi seperti "tebak not" atau "tebak akord", kumpulan musik siap pakai untuk didengarkan dan dipelajari, fungsi karaoke dengan menampilkan lirik di layar, dll. Kategori synthesizer ini mencakup keluarga Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR, dll.

Jenis sintesis suara:

Bergantung pada metode pembangkitan gelombang suara dan transformasinya, sintesis suara dapat diklasifikasikan sebagai berikut:

Sintesis penjumlahan (aditif), yang menggunakan prinsip superposisi (superposisi) beberapa gelombang yang berbentuk sederhana (biasanya sinusoidal) dengan frekuensi dan amplitudo yang berbeda. Dengan analogi dengan organ listrik, gelombang ini disebut register dan dilambangkan sebagai 16 '(nada satu oktaf lebih rendah dari yang diambil), 8' (nada awal), 4' (nada satu oktaf lebih tinggi dari yang diambil), dll. (gambar tersebut adalah panjang pipa dari register organ yang sesuai dalam satuan kaki). Dalam bentuknya yang murni, ditemukan di organ listrik (Hammond, Farfisa) dan emulator digitalnya (Korg CX-3, Roland VK-8, dll.). Bunyi instrumen semakin kaya, semakin banyak register yang digunakan dalam konstruksi.

Sintesis subtraktif (subtraktif), di mana bentuk gelombang sewenang-wenang asli mengubah timbre saat melewati berbagai filter, generator amplop, prosesor efek, dll. Sebagai subset, jenis sintesis ini banyak digunakan di hampir semua model synthesizer modern.

Sintesis Operator (FM, dari Modulasi Frekuensi Bahasa Inggris), di mana interaksi (modulasi frekuensi dan penjumlahan) dari beberapa gelombang dalam bentuk sederhana terjadi. Setiap gelombang, bersama dengan karakteristiknya, disebut operator, konfigurasi operator tertentu merupakan algoritme. Semakin banyak operator yang digunakan dalam desain synthesizer, semakin kaya suara instrumen tersebut. Misalnya, synthesizer Yamaha DX-7 (1984) yang masih populer hingga saat ini memiliki 6 operator yang dikonfigurasi oleh 36 algoritme berbeda.

Sintesis fisik, di mana, karena penggunaan prosesor yang kuat, proses fisik nyata disimulasikan dalam satu jenis alat musik atau lainnya. Misalnya, untuk instrumen peluit angin seperti seruling, parameternya adalah panjang, profil dan diameter pipa, laju aliran udara, bahan bodi; untuk instrumen senar - ukuran tubuh, bahan, panjang dan ketegangan senar, dll. Sintesis fisik digunakan oleh instrumen seperti Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, dll.

Sintesis Wavetable (PCM), di mana suara dibuat dengan memainkan fragmen suara alat musik nyata (sampel dan multisampel) yang sebelumnya direkam dalam memori instrumen. Synthesizer paling terkenal di grup ini adalah Waldorf Wave, juga dikenal sebagai synthesizer termahal di dunia.

Sintesis hibrida, yang menggunakan satu atau kombinasi lain dari metode sintesis suara yang berbeda, misalnya, "menjumlahkan + mengurangi", "gelombang + mengurangi", "operator + mengurangi", dll. Sebagian besar instrumen modern dibuat berdasarkan sintesis hibrida, karena instrumen ini memiliki alat yang sangat ampuh untuk memvariasikan timbre dalam rentang terluas.

Kontrol dari synthesizer modern:

Kontrol synthesizer profesional modern adalah proses kompleks yang terkait dengan kontrol beberapa ratus, atau bahkan ribuan, berbagai parameter yang bertanggung jawab atas aspek suara tertentu. Beberapa parameter dapat dikontrol secara real time menggunakan kenop putar, roda, pedal, tombol; parameter lain digunakan untuk perubahan terprogram dalam waktu dengan karakteristik tertentu. Dalam hal ini, timbre (tambalan) penyintesis digital juga sering disebut program.

Keyboard dan pelacakan dinamis digunakan untuk melacak posisi dan kecepatan penekanan tombol. Misalnya, saat berpindah dari tuts bawah ke tuts atas, timbre dapat dengan mulus berubah dari cello ke seruling, dan dengan penekanan tuts yang lebih kuat, timpani ditambahkan ke suara keseluruhan.

Amplop digunakan untuk mengubah parameter suara tertentu secara non-periodik. Biasanya, grafik amplop adalah garis putus-putus yang terdiri dari serangan (Attack), peluruhan (Decay), dukungan (Sustain) dan peluruhan (Lepaskan) (lihat juga amplop ADSR), namun, dalam berbagai model penyintesis, grafik tersebut ditemukan lebih sederhana ( ADR ) serta amplop multi-tahap yang lebih kompleks. Jumlah total amplop merupakan karakteristik penting dari sebuah synthesizer.

Filter digunakan untuk memotong pita frekuensi tertentu dari total spektrum sinyal. Seringkali, filter juga dilengkapi dengan resonansi, yang memungkinkan peningkatan tajam pita frekuensi pada batas cutoff. Mengubah karakteristik filter dengan kontrol waktu nyata, pelacakan keyboard, dan/atau amplop memungkinkan Anda mendapatkan opsi suara yang sangat beragam. Jumlah total filter merupakan karakteristik penting dari sebuah synthesizer.

Ring-modulator memungkinkan Anda untuk memodulasi sinyal asli dengan sinyal lain dengan frekuensi tertentu (tetap atau mengambang), yang karenanya terdapat pengayaan yang signifikan dengan harmonik. Nama "Ring" (eng. "call") disebabkan oleh fakta bahwa node ini sering berfungsi untuk mendapatkan suara instrumen yang "seperti lonceng".

Osilator Frekuensi Rendah digunakan untuk mengubah parameter suara tertentu secara berkala, seperti nada, volume, frekuensi cutoff filter, dll. Dalam kasus perubahan siklik dalam volume, efek tremolo tercipta, perubahan nada menciptakan efek vibrato, perubahan periodik pada frekuensi cutoff filter disebut efek "wah-wah".

Pemrosesan efek digunakan untuk menyelesaikan suara. Synthesizer modern biasanya dilengkapi dengan prosesor efek yang cukup banyak (misalnya, Korg Karma - 8 prosesor, Roland Fantom - 6 prosesor, dll.). Prosesor beroperasi secara independen satu sama lain, meskipun dapat digabungkan menjadi sirkuit serial jika diinginkan. Prosesor efek modern mengimplementasikan sejumlah besar spasial (reverb, delay, echo), modulasi (flange, chorus, phaser) dan algoritme efek lainnya (overamp, pergeseran frekuensi, pengayaan harmonik).

Model paling canggih memiliki sarana untuk mengontrol parameter efek dari kontrol real-time, amplop, LFO, dan lainnya.

Mekanika piano modern ditemukan oleh master Italia Cristofori pada akhir abad ke-17 (tanggal resmi sekitar 1709), dalam desainnya palu berada di bawah senar. Instrumen itu disebut gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - dan kemudian nama piano itu diperbaiki.

Penemuan Cristofori menandai awal perkembangan mekanika sistem Inggris. Jenis mekanika lainnya dikembangkan oleh Marius di Prancis (1716) dan Schroeter di Jerman (1717-21). Sebastian Erard menemukan mekanik latihan ganda, yang memungkinkan untuk mengeluarkan suara dengan menekan tombol lagi dari tengah dengan cepat. Dalam mekanisme sistem bahasa Inggris, pengulangan seperti itu hanya mungkin dilakukan jika kuncinya dinaikkan sepenuhnya.

Di Rusia, bisnis piano terutama dikaitkan dengan St. Petersburg. Pada abad ke-18 saja, lebih dari 50 master piano bekerja di sana. Perkembangan produksi pabrik piano pada paruh pertama abad ke-19 dipengaruhi oleh aktivitas pabrikan piano Rusia pertama, pemasok Istana Kekaisaran, master Inggris G. Faverier, master Jerman I.-A. Tischner, K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I.-F. Schroeder dan, sejak 1840, Belgia G.-G. Lichtental. Sampai saat ini, nama-nama lebih dari 600 master piano yang bekerja di Rusia sebelum revolusi 1917. Master piano dari St. Petersburg Conservatory, kandidat ilmu filologi Sergeev M. V. terlibat dalam studi ini.
Di pertengahan abad ke-19, pabrik J. Blutner, K. Bechstein dibuka di Jerman, di AS - Steinway and Sons, yang tidak ada bandingannya selama bertahun-tahun.
Pada abad ke-20, instrumen baru yang fundamental muncul - piano elektronik dan synthesizer, serta bentuk produksi suara khusus - piano yang disiapkan.

Karya musik pertama yang ditulis khusus untuk piano muncul pada tahun 1732 (sonata oleh Lodovico Giustini). Namun, secara massal, komposer mulai berfokus pada piano daripada harpsichord empat puluh atau lima puluh tahun kemudian, pada masa Haydn dan Mozart.

Piano dibagi menjadi grand piano - instrumen dengan senar horizontal - dan piano tegak. Piano vertikal pertama yang diketahui dikaitkan dengan K.-E. Friederici (Gera, Jerman), yang membuatnya pada tahun 1745. Namun, pada tahun 1742, instrumen serupa keluar dari bengkel Johann Söcher di Zanthofen (Bavaria), dan pada tahun 1748 G. Silbermann juga membuat instrumen yang sama. Varietas piano vertikal - piramidal, piano-lyre, piano-biro, piano-harpa, dll. Sejak pertengahan abad ke-19, hanya piano dan grand piano yang diproduksi.

Suara dalam piano dihasilkan dengan memukul senar dengan palu. Senar direntangkan pada rangka besi tuang dengan bantuan pin (pasak), melewati pasak treble dan bass yang direkatkan ke dek resonansi (di piano, dek berada dalam posisi vertikal, di grand piano - di a posisi horisontal). Untuk setiap suara ada paduan suara senar: tiga untuk rentang menengah dan tinggi, dua atau satu untuk rentang rendah. Kisaran sebagian besar piano adalah 88 seminada dari A subcontroctave hingga oktaf ke-5 (instrumen lama mungkin terbatas pada nada A oktaf ke-4 dari atas; Anda dapat menemukan instrumen dengan rentang yang lebih luas). Dalam posisi netral, senar, kecuali satu setengah hingga dua oktaf terakhir, bersentuhan dengan peredam (knalpot). Saat tuts ditekan, perangkat tuas, tali pengikat, dan palu, yang disebut mekanika piano, diaktifkan. Setelah ditekan, peredam meninggalkan paduan suara senar yang sesuai sehingga senar dapat berbunyi dengan bebas, dan palu, yang dilapisi kain kempa (kain kempa), memukulnya.
Pedal piano
Piano modern memiliki dua atau tiga (model terbaru memiliki empat) pedal. Pada instrumen sebelumnya, tuas yang dapat ditarik digunakan untuk tujuan yang sama, yang harus ditekan oleh pianis dengan lututnya.
Pedal kanan (kadang-kadang disebut hanya sebagai "pedal" karena paling sering digunakan) menaikkan semua peredam sekaligus, sehingga saat kunci dilepas, senar yang sesuai terus berbunyi. Selain itu, semua senar instrumen lainnya juga mulai bergetar, menjadi sumber suara sekunder. Pedal kanan digunakan untuk dua tujuan: untuk membuat urutan suara yang diekstrak tidak dapat dipisahkan (permainan legato) yang tidak mungkin dilakukan dengan jari karena kesulitan teknis, dan untuk memperkaya suara dengan nada tambahan baru. Ada dua cara menggunakan pedal: pedal langsung - menekan pedal sebelum menekan tombol yang akan ditahan, dan pedal tunda, saat pedal ditekan segera setelah tombol ditekan dan sebelum dilepas. Dalam lembaran musik, pedal ini dilambangkan dengan huruf P (atau singkatan Ped.), dan penghapusannya ditandai dengan tanda bintang. Dalam musik penggubah era romantisme dan impresionisme sering dijumpai sebutan-sebutan tersebut, biasanya untuk memberikan cita rasa tersendiri pada bunyi tersebut.
Pedal kiri digunakan untuk meredam suara. Di grand piano, ini dicapai dengan menggeser palu ke kanan, sehingga alih-alih tiga senar paduan suara, mereka hanya memukul dua (di masa lalu, terkadang hanya satu). Di piano, palu bergerak lebih dekat ke senar. Pedal ini lebih jarang digunakan. Dalam lembaran musik, itu ditandai una corda, penghapusannya ditandai tre corde atau tutte le corde. Selain meredam suara, penggunaan pedal kiri saat memainkan piano memungkinkan Anda untuk melembutkan suara, membuatnya lebih hangat dan indah karena getaran dari senar paduan suara yang dilepas.
Pedal tengah (atau ketiga, sejak ditambahkan terakhir secara historis), atau pedal sostenuto, berfungsi untuk menaikkan peredam secara selektif. Saat pedal tengah ditekan, damper yang terangkat saat tuts ditekan tetap terangkat hingga pedal dilepas. Ini, seperti pedal kanan, dapat digunakan untuk memainkan legato, tetapi tidak akan memperkaya suara dengan getaran senar lainnya. Pedal ini tidak ada di sebagian besar piano saat ini dan ada di sebagian besar piano grand. Ada piano di mana pedal tengah "meluncur" ke kiri dan dengan demikian diperbaiki, sementara kain khusus ditempatkan di antara palu dan senar, sehingga suaranya menjadi sangat pelan, yang memungkinkan musisi untuk bermain, misalnya, pada malam hari.
Piano dapat digunakan baik sebagai instrumen solo maupun bersama dengan orkestra (misalnya, dalam konser piano dengan orkestra). Bermain piano adalah kegiatan yang membutuhkan teknik, perhatian, dan dedikasi yang baik. Disarankan untuk memulai pelatihan di masa kecil. Di sekolah musik anak-anak (DMSH) di Rusia, pelatihan memakan waktu 5 atau 7 tahun, tergantung pada programnya, beberapa siswa tinggal satu atau dua tahun lagi setelah lulus sebelum memasuki sekolah musik. Setelah sekolah musik atau pelatihan yang setara, Anda dapat melanjutkan studi di sekolah musik atau perguruan tinggi, dan kemudian di konservatori, universitas, menjadi pianis profesional. Di sekolah musik, piano umum juga menjadi mata pelajaran wajib hampir semua jurusan. Pianis terkemuka abad ke-20 - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould, dan lainnya.
Piano membutuhkan kondisi perawatan yang tepat, serta penyetelan yang teratur, seiring waktu ketegangan senar instrumen melemah. Frekuensi penyetelan tergantung pada kelas instrumen, kualitas pembuatannya, umurnya, kondisi perawatan dan pengoperasiannya. Penyetelan, sebagai aturan, tidak dilakukan oleh pemainnya sendiri, tetapi oleh seorang spesialis - master piano tuner, meskipun, secara teoritis, memiliki tuner elektronik dan mengetahui karakteristik frekuensi yang tepat dari masing-masing senar, siapa pun dapat melakukannya. penyetelan, meskipun dia tidak memiliki telinga musik.
Itu adalah salah satu nominasi dari Delphic Games.