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Londra è famosa per i suoi musei, edifici storici e ristoranti all'avanguardia. Ma solo la vita teatrale che domina la città la distingue dalle altre città. Se uno spettacolo ha avuto successo a Londra, ripeterà il suo successo altrove.

New York con Broadway può diventare l'unico concorrente di Londra, ma nemmeno lui può vantare edifici teatrali con una storia lunga e ricca. La parte centrale della città, il West End, i quartieri South Bank e Victoria stupiscono con una speciale concentrazione di teatri: dai piccoli studi per 100 spettatori ai grandi templi di Melpomene. Offriamo una panoramica dei dieci più grandi teatri Londra.

Lo Shaftesbury Theatre, situato non lontano da Holborn Street, è elencato come edificio britannico di valore architettonico e storico. Grazie a un piccolo incidente avvenuto con il tetto dell'edificio nel 1973, ci hanno prestato attenzione. Dal 1968, il famoso musical "Hair" è stato proiettato sul palco 1998 volte. Successivamente, lo spettacolo che promuoveva il movimento hippie è stato chiuso. Quando il musical è stato mostrato per la prima volta dal palcoscenico del teatro del West End, il censore del teatro Lord Cameron Fromantil "Kim", il barone Cobbold, lo ha bandito. I produttori si sono rivolti al Parlamento per chiedere aiuto, e hanno dato il permesso emettendo un disegno di legge che annullava completamente il divieto del barone. Questo evento senza precedenti nella storia del teatro ha posto fine alla censura teatrale in Gran Bretagna, non male per un teatro con una capacità di 1.400 spettatori.

A pochi isolati da Shaftesbury si trova il Palace Theatre, che può ospitare anche 1.400 spettatori. La sua specialità sono i musical, come Singing in the Rain o Spamalot. Il teatro è stato aperto nel 1891 ed è diventato noto come Royal English Opera con il patrocinio di Richard d "Oyley Kart. Recentemente, oltre alle opere, sul palco sono stati proiettati musical, film e altri spettacoli. Negli anni '60, il musical The Sound of Music è stato messo in scena al teatro 2385 volte Il teatro è stato elencato come edificio di valore architettonico e storico in Gran Bretagna, insieme ad altri edifici della zona.

Il Teatro Adelphi ha recentemente festeggiato il suo 200° anniversario. Nonostante le modeste dimensioni dell'edificio, il teatro può ospitare 1.500 spettatori. È noto per produzioni come "Chicago" e "Joseph and His Amazing, Multicolored Dreamcoat". Un edificio Art Déco del 1930 confina con lo Strand Palace Hotel. Questo è il quarto edificio nell'intera storia del teatro dal 1809. Una targa commemorativa sul muro di un bar vicino incolpa il teatro per la morte di un attore che un tempo era sostenuto dal grande Terriss. Ma in realtà, il principe Richard Archer, un attore fallito che ha perso popolarità e decenza a causa della dipendenza dall'alcolismo, si è dichiarato colpevole dell'omicidio del mentore di Terriss in uno stato di follia ed è stato inviato per cure obbligatorie in un ospedale psichiatrico, dove ha guidato il orchestra della prigione fino alla sua morte. Si dice che il fantasma di Terriss invendicato, sconvolto dalla clemente condanna inflitta al suo protetto e assassino, si aggiri ancora di notte nell'edificio del teatro.

Alcuni spettacoli si svolgono nei teatri del West End di Londra da decenni e il Victoria Palace offre costantemente un nuovo repertorio, come il musical Billy Elliott. Anche se è sul palco dal 2005, il che è molto, secondo gli spettatori abituali. Il teatro ha una lunga storia iniziata nel 1832 quando era solo un piccolo teatro sala concerti. Oggi l'edificio, costruito nel 1911, può ospitare 1.517 spettatori. È dotato di un tetto retrattile, che viene aperto durante gli intervalli per arieggiare la sala. Ci furono molti spettacoli memorabili sul palcoscenico del teatro, ma il più memorabile fu l'opera patriottica del 1934 Young England, che ricevette molte recensioni negative. Ha resistito solo a 278 esibizioni.

Il Prince Edward Theatre si trova nel cuore della zona di Soho e può ospitare 1.618 persone. Prende il nome dall'erede al trono della corona britannica, Edoardo VIII, un re che rimase sul trono solo per pochi mesi e lo abbandonò in nome dell'amore. Tradizionalmente, il palcoscenico è spettacoli romantici e spettacoli come “Show Boat”, “Mamma Mia”, “West Side Story”, “Miss Saigon”. Il teatro ha una lunga storia iniziata nel 1930 quando era solo un cinema e una sala da ballo. Solo nel 1978 fu aperto il teatro, programmato per coincidere con la sua apertura la prima del musical "Evita" sul mondo donna famosa moglie del presidente dell'Argentina. Lo spettacolo ha attraversato 3.000 spettacoli e l'attrice Elaine Paige, che interpretava Evita, ha iniziato brillantemente la sua carriera sul palcoscenico teatrale ed è diventata una star.

Nonostante la ristrutturazione della Tottenham Court Road di Londra per fornire un incrocio migliore, una cosa rimane la stessa: una gigantesca statua di Freddie Mercury con la mano alzata mentre canta "We Will Rock You" davanti al Dominion Theatre. Lo spettacolo è in scena dal 2002 e, nonostante le recensioni negative della critica, è stato un successo di pubblico. Il teatro, costruito nel 1929 sul sito di un vecchio birrificio londinese, può ospitare 2.000 spettatori. L'edificio ospita anche l'Australian Sunday Church, che utilizza il palcoscenico e l'illuminazione del teatro durante le messe.

Questo è uno dei più grandi teatri di Londra. Le colonne che decorano l'ingresso principale risalgono al 1834 e l'edificio stesso fu ricostruito nel 1904 in stile rococò. Nell'intera storia della sua esistenza, e inizia nel 1765, ha avuto tutto tranne il teatro, ad esempio, per 50 anni qui si sono svolte cene società segreta bistecca di manzo. Nel 1939 si volle chiudere l'edificio, ma in connessione con l'inizio della costruzione della strada fu salvato. Per 14 anni, The Lion King è stato recitato sul palcoscenico del teatro, e la drammatizzazione Disney sembra essersi stabilita qui da molto tempo e porta buoni ritorni al botteghino.

Con una capienza di 2.196 spettatori, il Royal Theatre, considerato il teatro più importante di Londra, non lo è per questo. Dal 1663, ci sono stati diversi teatri in questo sito e lo stesso Drury Lane è considerato teatrale. Come molti altri teatri, il Royal ha lavorato sotto la direzione di Andrew Lloyd Webber, l'autore dei musical "Evita" e "Cats". Altre produzioni che sono state presentate sul palco includono Oliver, un film musicale con lo stesso nome, The Producers, Shrek e Charlie and the Chocolate Factory, che è ancora in corso oggi. Oltre ai musical e agli attori, il teatro è noto per i suoi fantasmi, come il fantasma di un uomo vestito con un abito grigio e un cappello a tre punte. Secondo la leggenda, fu ucciso nell'edificio del teatro nel XVIII e XIX secolo. Un altro fantasma si chiama Joseph Grimaldi, un clown che si dice aiuti gli attori nervosi sul palco.

Il teatro London Paladium è conosciuto non solo a Londra, ma in tutto il mondo. Si trova a pochi passi da Oxford Street. È diventato popolare grazie allo spettacolo notturno "Sunday Night at the London Palladium", che si è svolto dal 1955 al 1967. Milioni di spettatori hanno conosciuto il palco rotante e azioni sceniche piano diverso. Nel 1966 i proprietari dell'edificio tentarono di venderlo per un'ulteriore ricostruzione, ma fu salvato grazie agli investitori del teatro e al fatto che oltre al teatro, nel 1973 vi fu aperta una sala da concerto per le esibizioni del gruppo rock “Slade ”. Il pienone costante e le azioni attive dei fan della band hanno quasi causato il crollo del balcone della sala. Nel 2014 è stato inaugurato nella sala del teatro il talent show "The X Factor: The Musical".

Se il teatro Apollo Victoria non è il più popolare di Londra, allora può essere tranquillamente riconosciuto come il più alto. Si trova a pochi metri dal Victoria Palace e può ospitare 2500 spettatori. Diversi teatri della rassegna presentata si trovano nelle vicinanze e creano una sorta di "paese teatrale". "Appollo Victoria" è stato aperto nel 1930. L'edificio è progettato in stile art deco con un tema nautico, con fontane e conchiglie come decorazione. Ci sono voluti 18 anni per progettare la ferrovia per il musical "Starlight Express", in modo che il treno, secondo il copione, si muovesse lungo il perimetro dell'auditorium. Un altro musical popolare messo in scena a teatro è "Wicked". Il botteghino della prima è stato di 761.000 sterline e per 7 anni l'incasso della performance è stato stimato in 150 milioni. Gli appassionati di cinema affermano che il teatro si estinguerà nel prossimo futuro, ma le statistiche relative al numero di spettatori a ogni musical, la quantità di botteghino, suggeriscono il contrario. L'odore di rossetto e bianco, il rumore dell'auditorium non scomparirà mai.
Tuttavia, architettura moderna in alcun modo inferiore alla bellezza e all'eleganza edifici storici teatri.

teatro inglese

Nel XIX secolo, il teatro, come tutte le altre sfere della cultura inglese, ricevette un nuovo sviluppo. L'attore tragico più talentuoso Edmund Kean (1787-1833) personificava la tendenza romantica nell'arte teatrale.

Edmund Keane ( riso. 58) è nato in una famiglia di attori. I suoi genitori morirono quando era ancora un bambino. Costretto a guadagnarsi da vivere, il giovane viaggiò con una compagnia errante attraverso città e villaggi inglesi. Questi vagabondaggi divennero una buona scuola per il giovane artista, che all'età di vent'anni aveva visitato molte parti dell'Inghilterra. Alla domanda su cosa serve per diventare un grande attore, Keane, già famoso, ha risposto: "Saper morire di fame".

Riso. 58. Keane nel ruolo di Shylock

Viaggiando con un teatro itinerante, Edmund si è cimentato in una varietà di ruoli e spettacoli di vari generi.

Cresciuto in povertà, l'attore disprezzava gli aristocratici oziosi e i governanti a cui importava poco della propria gente. Il credo di vita del giovane Keane era espresso nelle parole: "Odio tutti i signori, tranne Lord Byron". L'alta società non poteva perdonare un simile atteggiamento verso se stessi e perseguitava costantemente Keane, definendolo un attore della folla.

Divenuto famoso sul palcoscenico provinciale, nel 1914 l'attore ricevette un invito ad esibirsi a Londra al Drury Lane Theatre, che in quegli anni stava attraversando momenti difficili. Il suo debutto nel teatro della capitale è stato il ruolo di Shylock ne Il mercante di Venezia di Shakespeare. La leadership di Drury Lane, affidandosi a un attore di provincia, non ha fallito: con la sua magnifica interpretazione, Keane ha semplicemente conquistato l'imbarazzo del pubblico londinese.

Shakespeare divenne il drammaturgo preferito di Keene. L'attore era attratto da lui da quelle qualità che lui stesso possedeva: un atteggiamento tragico, un accresciuto senso di ingiustizia, il rifiuto di un mondo in cui alcuni sopravvivono a un'esistenza miserabile, mentre altri si immergono nel lusso.

È stato Shakespeare a portare la fama a Edmund. L'attore incarnava le immagini di Shylock, Riccardo III, Romeo, Macbeth, Amleto, Otello, Iago, Lear. I critici lo hanno chiamato Ottimo gioco il miglior commento all'opera del famoso drammaturgo, e il poeta Coleridge ha affermato: "Guardare l'opera di Keane è come leggere Shakespeare con un fulmine".

L'immagine di Shylock, creata da Keane ne Il mercante di Venezia di Shakespeare, ha fatto una grande impressione sul pubblico inglese. Il suo eroe combina sorprendentemente un atteggiamento ironico nei confronti delle persone che lo circondano e un'amara sensazione di solitudine, desiderio profondo e odio straziante, nascosto dietro l'umiltà esteriore. The Merchant of Venice, messo in scena a Drury Lane, ha portato la fama provinciale di ieri come miglior attore d'Inghilterra.

Keane considerava i ruoli di Amleto e Otello le sue opere più significative. Il suo Principe di Danimarca, triste e malinconico, capisce che è impossibile lottare contro il male che regna nel mondo. Insolitamente fiducioso, sincero e integro in natura, Otello mette l'amore sopra ogni altra cosa, e quindi la sua morte significa per lui il completo crollo di tutte le sue aspirazioni.

Un grande successo per Keane ha portato il ruolo dell'usuraio Overrich nella commedia "Un nuovo modo per pagare i vecchi debiti" di F. Messinger. Il pubblico, catturato dalla performance dell'attore, non ha potuto trattenere le lacrime. Si dice che Byron, che ha assistito allo spettacolo, sia rimasto così scioccato da svenire.

Per raggiungere la comprensione dello spettatore, Keane ha lavorato a lungo e con attenzione su ogni ruolo. Ha elaborato tutti i movimenti e le espressioni facciali davanti allo specchio, tornando ancora e ancora agli episodi più difficili, affinando i più piccoli dettagli del suo ruolo. Fare sport lo ha aiutato a raggiungere una plasticità straordinaria (Kane era considerato uno dei migliori schermitori in Inghilterra a quel tempo).

L'ultimo lavoro del grande attore è stato il ruolo di Otello. Dopo aver pronunciato la frase: "Il lavoro di Otello è finito", l'attore quarantaseienne ha perso conoscenza ed è caduto. Tre settimane dopo se n'era andato. La morte di Keane è finita direzione romantica nel teatro inglese.

Anche il figlio di Edmund Keane, Charles Keane (1811-1868), che recitava principalmente in melodrammi, era un attore.

L'era vittoriana ha portato i propri cambiamenti alla vita culturale dell'Inghilterra. Per la letteratura, questi anni furono il tempo della formazione del realismo critico (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Il nome dello scrittore Charles Dickens (1812-1870) è associato al passaggio del teatro inglese dal classicismo al dramma moderno. Furono scritte commedie melodrammatiche per il teatro (Country Coquettes, 1836; The Lampmaker, pubblicato per la prima volta nel 1879, ecc.).

Grande successo per il drammaturgo Dickens è stato portato dall'eccentrica commedia The Strange Gentleman, scritta sulla base di una delle trame del saggio Essays di Boz. Tutte le opere di Dickens, eccetto The Lampmaker, furono messe in scena al St. James Theatre durante la stagione 1836-1837. Oltre a loro, lo scrittore ha creato una drammatizzazione del suo romanzo Great Expectations, ma lo spettacolo non è stato messo in scena.

Le opere di Dickens erano popolari non solo in Inghilterra, ma anche all'estero. Le trame di molti dei suoi romanzi costituiscono la base di una serie di opere.

Nel 1951 lo scrittore aprì un teatro amatoriale il cui repertorio consisteva in classici e opere contemporanee. Molti giovani drammaturghi inglesi hanno iniziato la loro carriera creativa in questo teatro. Dickens, che aveva eccellenti capacità di recitazione, ha interpretato il ruolo di Shallow in The Merry Wives of Windsor nel suo teatro. Lo scrittore ha anche guadagnato un'ampia popolarità come eccellente lettore che ha eseguito le proprie opere dal palco.

Coetaneo di Dickens, il poeta e drammaturgo inglese Robert Browning (1812-1889) iniziò a lavorare per il teatro all'età di ventidue anni. La sua prima commedia, Paracelsius, fu pubblicata nel 1835. Poi vennero i drammi storici Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor and King Charles (1842), scritti per il Covent Garden Theatre. I ruoli principali in queste produzioni sono stati interpretati dall'attore W. Macready.

Nel 1843, Covent Garden mise in scena The Spot on the Coat of Arms di Browning. E nel 1853, un'altra commedia di questo autore, Columbus's Birthday, fu messa in scena sul suo palcoscenico.

Le opere romantiche di Browning, come le sue opere storiche, sono nella tradizione del dramma poetico di JG Byron e PB Shelley. In un momento in cui il melodramma dominava il palcoscenico inglese, Browning ha cercato di attirare l'attenzione del pubblico su un'esibizione seria e significativa. Incompreso dai contemporanei, lo scrittore è passato gradualmente dal dramma teatrale al genere della cosiddetta commedia per la lettura.

L'opera di Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), scrittore e drammaturgo inglese, anch'egli famoso politico. I suoi generi preferiti erano romanzi e drammi di temi storici. Allo stesso tempo, motivi melodrammatici e metodi di vistosità esteriore hanno privato le opere di Bulwer-Lytton di autentico storicismo.

I drammi La bellezza di Lione (1838) e Richelieu (1839) portarono la fama al drammaturgo. Politicamente richiesti e allo stesso tempo divertenti, scenografici e pieni di dinamismo, questi spettacoli attirarono immediatamente l'attenzione dei maggiori registi inglesi dell'epoca. "Richelieu" diretto da Henry Irving per molto tempo non ha lasciato il palcoscenico del teatro della capitale "Lyceum". E negli anni 1840-1860, il pubblico russo poteva vedere il dramma Bulwer-Litton (i personaggi principali erano interpretati dagli attori V.V. Samoilov e N.K. Miloslavsky).

Edward Bulwer-Lytton era attratto non solo dalle commedie storiche, ma anche dalle commedie che ridicolizzavano i costumi della società vittoriana: "Non siamo così cattivi come sembriamo" e "Money" (1840). Sebbene il drammaturgo non abbia approfondito la critica sociale, il realismo delle sue opere ha attirato l'attenzione del pubblico. Le commedie di Bulwer-Lytton sono state nei repertori dei teatri inglesi per molti anni.

Il romanzo storico Rienzi di Bulwer-Lytton ha interessato il famoso compositore tedesco Richard Wagner, che ha basato la sua trama sull'opera omonima, presentata al pubblico nel 1840.

Alla fine del XIX secolo, il famoso scrittore, scrittore di prosa e drammaturgo inglese George Bernard Shaw (1856-1950) iniziò la sua attività creativa ( riso. 59). È nato a Dublino, nella famiglia di un povero impiegato. All'età di vent'anni, Shaw si trasferì a Londra, dove divenne uno dei fondatori della Fabian Society. Lavorare nella musica e critico teatrale, Bernard ha scritto diversi romanzi oscuri. La sua prima commedia, The Widower's House, apparve nel 1892. Lo spettacolo ha toccato importanti questioni sociali ed etiche, criticando aspramente i proprietari che affittano alloggi nei bassifondi. Il drammaturgo ha esortato i suoi lettori a migliorare se stessi e cambiare il mondo che li circonda. Il pubblico ha accolto freddamente lo spettacolo "Widower's House", messo in scena all'Independent Theatre, e dopo due rappresentazioni è stato rimosso dal palco.

Riso. 59.George Bernard Shaw

Nei sei anni successivi, il drammaturgo ha scritto nove commedie (di cui una in un atto). Il triste dramma "Heartbreaker" (1893), che racconta di un proficuo matrimonio finito con un completo collasso, non fu accettato per la produzione da nessuno dei teatri della capitale. Nel 1894 apparve il dramma "Man and Weapon", che esponeva la disumanità e la crudeltà della guerra. Nel 1897 fu creata la commedia "The Devil's Disciple" e nel 1898 fu pubblicata la raccolta in due volumi "Pleasant and Unpleasant", che includeva opere teatrali di anni diversi ("Mrs. Warren's Profession", 1894; "Man and Weapon" , "Candida", 1897; "Il prescelto del destino", 1897; "Aspetta e vedi", 1899, ecc.). Lo spettacolo "La professione della signora Warren", che solleva il tema della prostituzione, fu bandito dalla censura, ma in seguito, quando fu comunque permesso di metterlo in scena, non lasciò i palcoscenici fino al 1902. Candida ebbe un enorme successo a New York nel 1903. E nella sua terra natale, Shaw non godeva ancora di alcuna popolarità. Il vero riconoscimento del pubblico inglese gli arrivò nel 1904, quando, insieme alla moglie, nonché all'attore e regista Harley Grenville-Barker, affittò l'edificio del Royal Court Theatre. Le commedie di Shaw sono state dirette da Grenville-Barker e John Vedrenn. Delle 988 rappresentazioni rappresentate sul palcoscenico della Royal Court nel 1904-1907, più di settecento furono messe in scena sulla base delle opere di Shaw.

Tra le migliori opere del drammaturgo c'è la commedia "Man and Superman" (1905) - una commedia filosofica che presenta allo spettatore atteggiamento dell'autore religione, matrimonio, famiglia. Evoluzione società umana mostrato attraverso le dispute di Don Juan, finito negli inferi, con il diavolo.

L'opera più famosa di Shaw fu Pigmalione (1913), una commedia antiromantica scritta appositamente per l'attrice Patrick Campbell. Dopo la morte del drammaturgo, Frederick Lowe e Alan Jay Lerner hanno creato il musical My Fair Lady basato sulle sue motivazioni.

Le opere successive di Shaw includono The Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), il dramma storico Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) e altri.

Lo spettacolo, che è diventato l'epitome dell'arguzia inglese, ha creato più di 50 opere per il teatro. Alla morte del grande drammaturgo, i teatri di molte parti del mondo hanno spento le luci in segno di lutto.

Un contributo significativo allo sviluppo del teatro inglese fu dato dallo scrittore Oscar Wilde (1854-1900). Come Shaw, è nato a Dublino, figlio di un rinomato chirurgo. Ha studiato all'Università di Oxford. Le prime opere di Wilde furono la poesia "Ravenna" (1878) e la raccolta "Poems" (1881).

La fama ha portato allo scrittore le sue storie liriche e le sue fiabe ("Star Boy", ecc.), romanzo filosofico"Il ritratto di Dorian Gray". Per il teatro, Wilde ha creato una serie di opere teatrali con un focus socialmente critico (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). La commedia "Salome" è stata scritta in francese, pubblicata in Inghilterra nel 1894, tradotta da Alfred Douglas con illustrazioni dell'artista Aubrey Beardsley. Questa commedia ha costituito la base della famosa opera omonima di Richard Strauss (1904).

Alla fine del XIX secolo, il drammaturgo inglese Henry Arthur Jones (1851-1929) iniziò a scrivere per il teatro. Proveniente da una povera famiglia contadina, si guadagnava da vivere recitando.

Non guadagnando fama come attore, Jones si è rivolto alla drammaturgia, ma anche le sue prime opere teatrali non hanno portato il successo desiderato. I teatri si rifiutarono di accettare le sue opere e solo nel 1878, in uno dei teatri provinciali, la commedia di Jones "È proprio dietro l'angolo" fu accettata per la produzione.

Il tanto atteso successo è arrivato al drammaturgo dopo che il suo Silver King è stato messo in scena al Princess Theatre. Tra i più opere significative John può essere chiamato le commedie "Saints and Sinners", "The Dancer", "Rebellious Susannah", "The Triumph of the Hypnots", "Michael and His Lost Angel", "Protection of Mrs. Dane". Molti dei drammi di Jones denunciano la moralità ipocrita della società vittoriana (The Liars, 1897; The Lies, 1914), sebbene il fascino delle tecniche melodrammatiche ne riduca in qualche modo il significato. Ma, nonostante ciò, è sicuro affermare che il lavoro di Jones ha avuto un impatto sulla formazione di una tendenza realistica nell'arte teatrale dell'Inghilterra alla fine del XIX secolo. Jones ha collaborato con Bernard Shaw e quest'ultimo ha apprezzato molto le sue opere.

L'arte teatrale inglese della fine del XIX secolo è associata al nome dell'attore e imprenditore Arthur Voucher (1863-1927). Nel 1884, il giovane attore, formatosi a Eton e successivamente a Oxford, divenne uno dei fondatori della Oxford University Dramatic Society. Sul suo palcoscenico, ha recitato nelle commedie di Shakespeare ("Enrico IV", "La dodicesima notte", "Le allegre comari di Windsor", "Giulio Cesare").

Il debutto di Voucher fu il ruolo di Jacques nella commedia di Shakespeare As You Like It, rappresentata nel 1889 sul palcoscenico professionale di Wolverhampton. La performance portò fama all'attore e nel 1889-1894 recitò in vari teatri inglesi e americani.

Nel 1895-1896, Voucher diresse il Royal Theatre e sua moglie, E. Vanbrugh, era un'attrice protagonista che interpretava i ruoli principali in commedie e farse. Tra il 1900 e il 1906 Voucher mantenne la carica direttore artistico"Garrick Tietra". In questo momento, ha interpretato molti ruoli nelle commedie di Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. Nel 1910, l'attore si unì alla compagnia di Beerbom Tree (Hiz majestis tietr), dove incarnò le immagini di Enrico VIII e della Fondazione nelle commedie di Shakespeare Enrico VIII e Sogno di una notte di mezza estate. Artista molto capriccioso ed emotivo, Voucher ha interpretato con successo ruoli luminosi e caratteristici (John Silver in "L'isola del tesoro" basato sul romanzo di R. L. Stevenson).

Alla fine del XIX secolo, l'attore e imprenditore Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) iniziò la sua carriera teatrale. Ha fatto il suo debutto come Fritz nella commedia "The Old Jew" di Grnadi, messa in scena nel 1895 al Garrick Theatre. Nello stesso anno entra a far parte della troupe Beerbom Three e con essa va in tournée negli Stati Uniti. Nel 1899-1901 visitò nuovamente l'America, questa volta insieme alla famosa attrice inglese Patrick Campbell.

Il lavoro teatrale più significativo dell'attore in questo momento è stato il ruolo di Sandford Cleave in The Famous Mrs. Ebbsmith e del Capitano Ardale in The Second Mrs. Tanqueray di Pinero. Nel 1902, Du Maurier divenne imprenditore nella compagnia di Ch. Froman (Duke of York Theatre), dove creò con grande successo le immagini di Ernest Wooller (Delightful Crichton di J. Barry), Hook and Darling (Peter Pan del stesso autore).

Soprattutto, Du Maurier è riuscito a interpretare ruoli comici. La capacità di comportarsi in modo naturale, sincero e semplice ha aiutato l'attore a conquistare l'amore del pubblico. I suoi lavori migliori sono stati le immagini di Montgomery Brewster in Brewster's Millions di McCachon e Hugh Drummond in Bulldog Drummond, una drammatizzazione del romanzo di McNeil.

Nel periodo dal 1910 al 1925, Du Maurier, insieme a F. Curzon, diresse il Wyndhams Theatre, e dal 1925 al 1929, insieme a G. Miller, diresse il St. James Theatre. La produzione teatrale dell'opera teatrale di Lonsdale The Last Days of Mrs. Cheney (1925) portò un grande successo al teatro. In futuro, Du Maurier organizzò molte altre esibizioni in vari teatri (Wallace's Bell Ringer, 1926, Wyndham's Theatre; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Morton's Alibi basato sul romanzo di Christie, 1928, Prince of Wells tietr "; "Doctor Pygmalion" Owen, 1932, "Playhouse tietr", ecc.).

Una figura di spicco nel teatro inglese tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo fu l'attore, regista e famoso insegnante Frank Robert Benson (1858-1939). Fin dalla tenera età, ha partecipato attivamente a tutti i tipi di spettacoli amatoriali. Il suo primo palcoscenico professionale è stato il teatro londinese "Lyceum", diretto da G. Irving. Un anno dopo, il giovane attore ha aperto il suo teatro mobile, che ha dato spettacoli non solo a Londra, ma anche a Stratford, così come in altre città di provincia.

Il drammaturgo preferito di Benson era Shakespeare. In pochi anni il regista ha messo in scena quasi tutte le commedie del grande drammaturgo, ad eccezione di Tito Andronico e Troilo e Cressida. Dal 1886 al 1919 la compagnia, guidata da Benson, suonò allo Shakespeare Memorial Theatre di Stratford-on-Avon. Nella patria di Shakespeare, con la sua partecipazione, si tenevano festival annuali delle opere di Shakespeare.

Un meraviglioso attore e regista, Benson è stato anche un insegnante di talento che ha formato molti artisti meravigliosi. La sua penna appartiene al lavoro di recitazione. Ha scritto Benson e un libro di memorie. Negli ultimi anni della sua vita è stato impegnato nel cinema.

Come attore, il famoso attore, regista e drammaturgo inglese Harley Grenville-Barker (1877-1946) iniziò la sua carriera teatrale. Nel 1891 entra a far parte della compagnia di S. Thorne a Marget. L'anno successivo, Grenville-Barker si esibiva già al London Comedy Theatre.

Dal 1904 al 1907, insieme al drammaturgo Bernard Shaw, Grenville-Barker gestì il Royal Court Theatre, parte del movimento del teatro libero, che si concentrava su un serio dramma realistico.

Grenville-Barker, promotore del realismo scenico, sognava di aprire un teatro nazionale con un repertorio permanente, ma, purtroppo, il suo tentativo di crearlo non ebbe successo.

Tra le opere di Grenville-Barker, gli spettacoli basati sulle opere di Shakespeare occupano un posto importante. Il regista ha pubblicato un'opera in 5 volumi "Prefazione a Shakespeare", in cui ha analizzato in dettaglio le opere di Shakespeare più difficili per la messa in scena e ha dato Consiglio pratico nella loro produzione nel teatro moderno. Le commedie di Grenville-Barker The Marriage of Anna Leith (1902), Voisey's Inheritance (1905), Madras House (1910), Weather in Khen e altre erano ampiamente conosciute.

Dopo la prima guerra mondiale, l'Inghilterra ricevette un certo numero di colonie tedesche e parte delle terre mediorientali che appartenevano alla Turchia. L'economia britannica, minata dalla guerra, iniziò a riprendersi, ma non durò a lungo. Già nel 1921 iniziò la crescita inflazionistica e il calo del tenore di vita della popolazione.

Nel 1924 salì al potere il governo laburista, ma, nonostante tutti i suoi sforzi, la situazione economica e politica del paese non cambiò ei conservatori che sostituirono i laburisti peggiorarono ulteriormente la situazione. Nel maggio 1924 iniziò uno sciopero generale in Inghilterra. Gli stabilimenti e le fabbriche si fermarono completamente, le ferrovie e le miniere cessarono di funzionare. Il governo riuscì per qualche tempo ad allentare la tensione nel Paese, ma già nel 1929 scoppiò una grave crisi economica.

Anche gli anni '30 furono problematici. Hitler salì al potere in Germania e in Inghilterra, con la connivenza di Baldwin e Chamberlain, che lo sostituirono, l'Unione britannica dei fascisti lanciò le sue attività.

Quando iniziò la seconda guerra mondiale, si scoprì che l'Inghilterra era completamente impreparata. Dopo la sconfitta di Dunkerque, il corpo di spedizione britannico lasciò il continente. Dopo aver occupato la Francia, i nazisti si stavano già preparando a lanciare un'invasione delle isole britanniche, ma furono prevenuti dalla battaglia per la Gran Bretagna, vinta dagli aerei britannici, e poi iniziarono le ostilità contro l'URSS.

Il 26 maggio 1942, l'Inghilterra e l'URSS firmarono un accordo sull'alleanza militare e la cooperazione in tempo di pace, ma per qualche tempo Churchill ritardò l'apertura di un secondo fronte. Alla fine della seconda guerra mondiale, la politica dei conservatori ha finalmente deluso il popolo e nelle elezioni del 1945 il partito laburista ha ottenuto una schiacciante vittoria.

La situazione sociale del paese non poteva non riflettersi nel dramma inglese della prima metà del XX secolo. Durante questi anni, scrittori famosi come Somerset Maugham e John Boynton Priestley hanno lavorato nel paese.

Riso. 60. Somerset Maugham

Scrittore inglese William Somerset Maugham (1874-1965) ( riso. 60) è nato a Parigi, nella famiglia del consulente legale dell'ambasciata inglese. All'età di dieci anni rimase senza genitori e fu allevato in Inghilterra da parenti. Dopo essersi ammalato di tubercolosi, Maugham si stabilì nel sud della Francia, per poi trasferirsi in Germania, dove divenne volontario presso l'Università di Heidelberg. In Germania futuro scrittore si avvicinò a Ibsen

e Wagner. Sono state le commedie di Ibsen a risvegliare in Maugham il desiderio di diventare un drammaturgo.

Tornato in Inghilterra, Maugham iniziò a studiare in una scuola di medicina. Per tre anni ha lavorato come paramedico in un'ambulanza, che gli ha permesso di conoscere la vita della gente comune (come parte della sua professione, Somerset ha visitato i quartieri più poveri di Londra). Il suo romanzo Lisa of Lambeth, scritto nel 1897, racconta dei bassifondi londinesi. Ha portato al giovane scrittore la prima fama. Successivamente, Maugham creò una serie di romanzi che offrono un ampio panorama della vita della società inglese (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

Il teatro ha sempre attratto Maugham, ma non è stato facile raggiungere il successo in questo settore. Il desiderio di un riflesso realistico della realtà a volte spaventava gli imprenditori dallo scrittore. Non ha contribuito alla popolarità dello scrittore nell'arte commerciale e alla produzione della sua opera teatrale "Man of Honor" (1903).

Finalmente, nel 1907, Maugham riuscì a mettere in scena la commedia Lady Frederick, accolta con entusiasmo dal pubblico. Successivamente, i teatri londinesi aprirono le loro porte al drammaturgo e nello stesso anno, 1907, apparvero altre tre rappresentazioni basate sulle sue opere.

Il drammaturgo ha creato un tipo di gioco che ha definito "intelligente". La realtà moderna del suo lavoro viene mostrata attraverso uno scontro di personaggi e l'azione viene spesso interrotta in modo che i personaggi possano discutere la situazione. Quando crea le sue opere teatrali, Maugham usa spesso le tecniche caratteristiche delle opere di Shaw e Ibsen, ma molto spesso si rivolge alla commedia inglese dell'era della Restaurazione. È dalla drammaturgia del secondo metà del XVI- l'inizio del XVIII secolo è l'arte del personaggio e dell'intrigo, presente nelle opere di Maugham. In molte delle sue commedie c'è anche un interesse per le tradizioni del teatro francese.

Le prime commedie di Maugham "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", messe in scena nei teatri londinesi nel 1907, furono scritte nello stile della commedia da salotto. In futuro, il drammaturgo si è allontanato dalla satira leggera e si è rivolto a seri drammi realistici su "persone che sanno tutto". Nel 1913 apparve The Promised Land, che raccontava il destino della povera ragazza Nora. Cresciuta in un ambiente borghese inglese, finisce in Canada, dal fratello contadino. Inabile al lavoro e cercando di comportarsi come una signora, fa arrabbiare la moglie di suo fratello. Ma, divenuta moglie di un contadino vicino, Nora cambia gradualmente e, quando le viene offerta l'opportunità di tornare alla sua vita precedente a Londra, rifiuta, rendendosi conto che non potrà più vivere tra fannulloni e persone senza valore.

Soggetto del dopoguerra vita ingleseè dedicata la commedia The Hearth and the Beautiful Wife (1919). La prima guerra mondiale finì e il maggiore tornò a casa, che tutti considerano morto. Sua moglie Victoria ha sposato il suo amico, anche lui maggiore. Gli amici competono in nobiltà, dandosi a vicenda il diritto di stare con la bella Victoria, ma lei divorzia da entrambi e diventa la moglie di uno speculatore che ha fatto fortuna con forniture militari. Questo sacco di soldi che è scappato dal fronte guida una Cadillac e ha l'opportunità di procurarsi del cibo. Entrambi ex-marito l'incomparabile Victoria afferma di aver sempre indovinato la sua meschinità e avidità. Questo è il focolare per il quale gli inglesi hanno combattuto nella guerra.

Il tema del matrimonio nella società borghese è continuato dalla famosa commedia di Maugham The Circle (1919). Elisabetta, moglie di un giovane politico, è delusa dal marito e ne ammira la madre, che non ha mai visto: in gioventù è scappata dal marito con il suo amico, Lord Proteus, che si candidava a primo ministro. Ma dopo un atto del genere, l'ingresso alla società fu chiuso agli innamorati e solo Elisabetta li invitò segretamente a casa sua. Qual è stata la sua delusione quando, invece di una coppia romantica, ha visto una vecchia ringiovanente e un vecchio maleducato e malvagio. Molto divenne chiaro alla giovane donna, ma non rinunciò al suo amore e lasciò la casa di un marito prospero per andare con un giovane funzionario coloniale nella lontana Malesia.

Tra il 1928 e il 1933 apparvero altre quattro commedie di Maugham: The Sacred Flame (1928), The Breadwinner (1930), Military Merit (1932) e Sheppey (1933). L'avvocato provinciale nel dramma "For Military Merit" crede che la giustizia e la prosperità regnino nella società, sebbene la sua stessa famiglia stia morendo sotto la pressione delle circostanze.

Il figlio Sydney è tornato a casa cieco dalla guerra e una delle sorelle si prende cura di lui, anche se la pesa e la tormenta. Sogna di unire il suo destino a un uomo, anch'egli tornato di recente dal fronte, ma il suo fidanzato, incapace di ritrovarsi in questa società, si suicida e la sfortunata ragazza perde la testa. Sua sorella diventa la moglie di un ufficiale smobilitato, una persona arrogante e maleducata. Anche il destino della terza figlia è tragico. Cercando di sfuggire a una situazione cupa, scappa di casa con un ricco speculatore che ha fatto fortuna con transazioni sporche. La guerra ha rotto il destino di tutti i membri della famiglia. Le parole di Sidney sono piene di amarezza: “So che siamo stati tutti burattini nelle mani di stupidi mediocri che hanno governato i nostri paesi. So che siamo stati tutti sacrificati alla loro vanità, avidità e stupidità. E la cosa peggiore è che, per quanto ho capito, non hanno imparato nulla”.

La storia del protagonista del dramma "Sheppy" è triste. Sheppey, un parrucchiere di mezza età, è diventato l'orgoglioso proprietario di una grande vittoria.

Sogna di aiutare i bisognosi, ma sua figlia e il suo fidanzato credono che questi soldi li aiuteranno a entrare nella grande politica e cercano di riconoscere Sheppey come pazzo.

La produzione artistica non commerciale di Sheppey fallì e Maugham decise di abbandonare la sceneggiatura e non tornare mai più a lavorare per il teatro.

Riso. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( riso. 61) è nato nella città di Bradford (Yorkshire), nella famiglia di un insegnante. Nel 1914 divenne studente all'Università di Cambridge, ma con lo scoppio della prima guerra mondiale si offrì volontario per il fronte. Priestley ha completato i suoi studi all'università dopo la fine della guerra. Ben presto divenne famoso come scrittore di saggi, oltre che come studioso e critico letterario. Scritto nel 1929, il romanzo The Good Companions, che introduce il lettore alla vita degli attori itineranti, portò a Priestley un grande successo. La prima e insolitamente riuscita esperienza dello scrittore nel dramma fu la commedia "Dangerous Turn", messa in scena nel 1932.

Proprio come Maugham, Priestley è stato in grado di trasmettere con precisione i tipi umani e creare intrighi. Allo stesso tempo, le sue opere sono più problematiche delle opere di Maugham e Shaw.

In "A Dangerous Turn", Priestley, come Maugham, rivela cosa si nasconde dietro il benessere esteriore della vita. Ciò che appare dietro gli strati di bugie e inganni è veramente terribile. Il drammaturgo costruisce opere teatrali secondo il principio del "detective in una stanza chiusa". Un omicidio è stato commesso in una ristretta cerchia di conoscenti stretti, tutti sono sospettati e allo stesso tempo diventano tutti detective dilettanti.

A poco a poco, una catena di rivelazioni si svolge, iniziata da parole cadute accidentalmente a una festa presso l'editore Robert Kaplan, che apprende che il suo amato fratello Martin era un maniaco sessuale e non si è suicidato, come si credeva ufficialmente, ma è stato ucciso da una donna . Quasi tutti i suoi parenti sono stati coinvolti nella sua morte. Dopo aver appreso la terribile verità, Robert si è tolto la vita. Ma questa è solo una versione ipotetica dei fatti. L'oscurità che ne segue si dissolve e l'atmosfera del primo atto appare di nuovo davanti agli occhi dello spettatore. I personaggi portano avanti la stessa conversazione e la frase che è servita come inizio dell'esposizione non viene sviluppata. La "svolta pericolosa" è passata in sicurezza, la festa continua. Ma ciò che in realtà si nasconde dietro il corso calmo della vita è già noto allo spettatore.

Nel 1937 apparve l'opera teatrale di Priestley Time and the Conway Family, in cui l'autore utilizza la tecnica della svolta degli eventi. L'azione inizia nel 1919 con una vacanza in famiglia. Una famiglia amichevole e benestante festeggia il compleanno di Kate. La ragazza ha ventuno anni, è piena di speranza per un futuro felice e sogna di diventare una scrittrice.

Il secondo atto si riferisce al 1937. I personaggi sono gli stessi, ma sono tutti infelici. Una festa avvenuta molti anni fa è stata un evento che ha trasformato la vita della famiglia nella direzione che ha portato tutti i suoi membri a un triste risultato.

Il terzo atto si riferisce ancora al 1919, ma ora allo spettatore, che ha appreso quanto accaduto molti anni dopo, la festa di famiglia non sembra allegra e felice.

Priestley ha anche affrontato il motivo del tempo nelle sue ulteriori opere teatrali: "I was here before" (1937), "Music at night" (1938), "Johnson beyond the Jordan" (1939). Per approfondire le caratteristiche dei suoi personaggi, lo scrittore li colloca in un ambiente insolito, che rivela ciò che prima era nascosto non solo agli altri, ma anche a se stessi.

In una serie di opere teatrali, Priestley utilizza esperimenti audaci. Così, nel dramma "From Paradise Times" (1939), che si è svolto sui palcoscenici dei teatri di molti paesi europei, gli attori entrano nel personaggio proprio davanti agli occhi del pubblico e cambiano persino ruolo.

Il drammaturgo inglese apprezzava molto il lavoro di Cechov. La sua influenza è più evidente nella commedia "Eden End" (1934). Eden End, che ricorda Il giardino dei ciliegi di Cechov, racconta la storia di una donna che molti anni fa scappò dalla casa dei suoi genitori per diventare un'attrice. Ora è tornata nella casa tranquilla e confortevole di suo padre, sognando di sentirsi di nuovo felice. Ma il passato non può essere restituito ei personaggi della commedia, per quanto lo vorrebbero, non possono iniziare una nuova vita.

La commedia occupa un posto importante nella drammaturgia di Priestley. In questo genere, lo scrittore ha creato una serie di opere insolitamente spiritose che criticano la vita della società. Le sue commedie erano estremamente popolari nei paesi europei, ma non hanno portato molto successo al drammaturgo nella sua terra natale.

La commedia The Rocket Grove (1933) era ampiamente conosciuta. Un insignificante e modesto proprietario di un piccolo magazzino di cancelleria confessa improvvisamente alla sua famiglia di essere a capo di una banda di falsari. I parenti, avendone sentito parlare, gli mostrano ogni rispetto, sebbene in precedenza lo trattassero con disprezzo. Tutti credono che non sia peggio dei grandi magnati finanziari che lo hanno mandato in bancarotta durante la crisi economica e lo hanno trasformato in un criminale.

Alcune commedie testimoniano l'interesse di Priestley per la vita dei rappresentanti di determinate professioni (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

In qualche modo si distingue l'opera teatrale "Api a bordo di una nave" (1936), che lo stesso autore ha definito "una tragedia farsesca in due atti" e "una satira politica in forma di farsa". L'equipaggio, abbandonato su un transatlantico abbandonato dai suoi armatori al suo destino durante la crisi economica, sta cercando di salvare la propria nave da ogni sorta di attentato. Alla fine, la nave muore a causa di un'esplosione organizzata dalla compagnia, il proprietario del transatlantico.

Anche il dramma-utopia di Priestley "They Came to the City" (1943), ispirato al romanzo utopico, è insolito. Artista inglese e News from Nowhere, or the Age of Happiness (1891) dello scrittore William Morris. Gli eroi della commedia di Priestley vivono in una città dove non c'è proprietà privata, sono felici e allegri. Usando la tecnica del "spostamento nel tempo", l'autore introduce nell'opera personaggi di diversi strati della moderna società inglese, che percepivano in modo diverso la città insolita ei suoi abitanti.

Altre due commedie di Priestley furono accolte con grande interesse: The Inspector Came (1945) e The Linden Family (1947).

Nella prima commedia, il drammaturgo usa ancora la sua tecnica preferita di "spostamento nel tempo". La famiglia dell'industriale Berling sta per celebrare il fidanzamento della figlia. All'improvviso, un ispettore di polizia appare in casa, indagando sul suicidio di una ragazza di nome Eva Smith. Si scopre che tutti i membri della famiglia sono colpevoli della sua morte. Beurling l'ha licenziata dalla sua impresa, sua figlia ha assicurato che Eva fosse cacciata dal negozio e il suo fidanzato ha sedotto e lasciato lo sfortunato. Per finire, la moglie di Burling, che aveva influenza nell'ente di beneficenza, si è assicurata che alla ragazza fosse rifiutato l'aiuto.

Scoperto tutto, l'ispettore se ne va e la famiglia Berling, sorpresa che le loro azioni si riferiscano alla stessa ragazza, iniziano a chiamare l'ospedale e la polizia. Vengono a sapere che non ci sono stati casi di suicidio e l'ispettore con quel nome non lavora per la polizia. I berlinesi si sono calmati, ma, come si è scoperto, troppo presto. All'improvviso squillò il telefono e il capofamiglia fu informato che una ragazza che precedentemente lavorava nella sua fabbrica era morta in ospedale e che stava arrivando un ispettore di polizia per chiarire le circostanze della morte.

Negli anni '50, Priestley continuò a lavorare nella sceneggiatura, ma non riuscì più a scrivere nulla di significativo.

Un grande contributo allo sviluppo del dramma inglese è stato dato dal poeta Thomas Stearns Eliot (1888-1965) (figura 62), che sognava di creare un nuovo dramma poetico basato sulle tradizioni dell'arte antica e medievale.

Riso. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot è nato negli Stati Uniti. Nel 1910 venne in Europa per studiare alla Sorbona. La sua formazione come scrittore è avvenuta sotto l'influenza delle tendenze moderniste apparse all'inizio del secolo. Insoddisfatto della moderna cultura borghese, nella sua ricerca Eliot si rivolse al neoclassicismo, basato sulle tradizioni dell'antichità e del Medioevo.

Il passaggio di Eliot dai testi al dramma è connesso al suo ardente desiderio di trasmettere la "vera spiritualità", gli ideali dell'umanesimo a più persone. Questo obiettivo è perseguito da tutte le sue opere teatrali apparse negli anni '30, e poi negli anni '40 e '50 (Murder in the Cathedral, 1935; Family Reunion, 1938; Cocktail Party, 1949; Private Secretary) , 1953; "L'anziano statista" , 1958).

La questione della responsabilità personale di una persona per tutto ciò che accade nel mondo è sollevata dalla commedia "Assassinio nella cattedrale", che è stato un vivido esempio della tragedia poetica di Eliot. Creando la sua opera in tempo di pace, il drammaturgo sembrava prevedere l'imminente guerra mondiale, prima della quale mancavano ancora cinque anni.

"Murder in the Cathedral" doveva essere mostrato al Canterbury Festival, dove sono state presentate altre opere che raccontano il destino di Thomas Becket, l'arcivescovo di Canterbury, vissuto nel XII secolo. Becket aiutò Enrico II a combattere per una monarchia centralizzata, ma in seguito divenne un oppositore del re, per il quale pagò con la vita. Dopo la sua morte, l'arcivescovo fu canonizzato dalla chiesa come santo. La personalità di Becket provoca ancora polemiche tra storici e scrittori. Eliot ha presentato il suo eroe come un uomo le cui azioni erano guidate dal desiderio di alta spiritualità, motivo per cui ha combattuto contro gli interessi di base del monarca e dei suoi tirapiedi. Accettando il martirio, Becket prese su di sé i peccati dell'umanità e aprì la strada all'umanesimo e alla verità.

Lo spettacolo, che unisce il linguaggio poetico alla prosa, si basa non solo su materiale storico, ma anche sulla realtà degli anni '30. Pertanto, i discorsi dei cavalieri che hanno ucciso l'arcivescovo sono molto simili ai discorsi dell'estrema destra con minacce di una "notte di lunghi coltelli" a tutti coloro che non sono d'accordo con le loro idee.

I massimi rappresentanti della drammaturgia di sinistra inglese furono il poeta Whiston Hugh Auden (1907-1973) e il romanziere Christopher Isherwood (nato nel 1904), che tentarono di creare un dramma poetico moderno basato sulle tradizioni del music hall inglese .

Nel 1933, Auden scrisse la commedia Dance of Death, che prediceva la fine della moderna società borghese. Nel 1936 fu messo in scena dal regista Rupert Doone sul palcoscenico del Group Theatre di Londra. In futuro, il drammaturgo ha lavorato in collaborazione con Isherwood.

L'opera teatrale di Auden e Isherwood The Dog Under the Skin (1935), messa in scena nel 1936, fu accolta con interesse. Questo lavoro, che includeva elementi di parodia, alta poesia, agitprop, fiabe, espressionismo, aveva allo stesso tempo un'unità di stile.

Ogni anno, gli abitanti del villaggio di Pressen Embo inviano uno dei giovani alla ricerca di Sir Francis, l'erede della tenuta che è improvvisamente scomparso. La svolta è arrivata ad Alan Norman, un uomo onesto e semplice. Insieme a lui, il cane Francis, che vive nell'una o nell'altra famiglia, si riprende per la sua strada. I viaggiatori hanno visitato molti paesi e incontrato persone diverse, ma l'erede non è mai stato trovato. Alan aveva già deciso di abbandonare ulteriori ricerche quando scoprì che il suo cane era il ricercato Sir Francis. La pelle di cane lo ha aiutato a imparare molto, a capire quanto fossero marce le basi sociali. Tornato al suo villaggio, Francesco vide che le idee del fascismo in esso prevalevano su tutte le altre. Insieme a un gruppo di giovani, l'erede parte per combattere l'ingiustizia e il male.

Di grande interesse è l'opera teatrale On the Border (1938) di Auden e Isherwood, ricca di simbolismo, che racconta di due famiglie che vivono nella stessa stanza. Tra loro c'è una linea invisibile che li ha trasformati in due parti in guerra. Tra i personaggi della commedia ci sono i giovani innamorati che appartengono a queste famiglie, uniti solo dopo la morte, il Cinico, che spiega la natura del fascismo (il capo del trust d'acciaio), e il Leader, il demagogo, che si nutre del Cinico.

Successivamente, Auden e Isherwood si sono allontanati dalle loro idee precedenti. Nel 1966, il romanzo di Isherwood Farewell to Berlin (1939), che racconta la Germania prima che i nazisti salissero al potere, fu messo in scena nel musical Cabaret e nel 1972 - il famoso film con lo stesso nome.

La prima guerra mondiale e il periodo precedente distrussero il sistema di imprese teatrali che si era formato nel XIX secolo, guidato dagli attori G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander. Il teatro commerciale del West End è venuto alla ribalta nella vita teatrale dell'Inghilterra, offrendo alle persone stanche della guerra spettacoli allegri e spettacolari. Farse, melodrammi, commedie leggere e spettacoli musicali erano molto popolari.

La situazione dentro mondo del teatro non è cambiato anni del dopoguerra. I generi leggeri regnavano ancora sul palcoscenico e le commedie serie di Strindberg, Ibsen, Cechov potevano essere viste solo sui palcoscenici dei piccoli teatri londinesi (Evryman, Barnes) e dei club teatrali. Il critico americano T. Dickinson ha scritto del teatro inglese di quel tempo: “Le isole britanniche sono politicamente isolate. Il teatro inglese è in un simile isolamento. Negli anni '20 il teatro della Gran Bretagna si dimostrò in gran parte incapace di rispondere agli impulsi profondi che guidavano il teatro nel continente.

La gioventù inglese, che rifiutava le tradizioni dell'era vittoriana e aspirava a uno stile di vita americanizzato, si annoiava di Shakespeare, i cui drammi erano scomparsi dal palcoscenico del West End.

Le rappresentazioni del Cambridge Festival Theatre, diretto da Terence Gray nel 1926-1933, divennero vere e proprie parodie del grande Shakespeare. Così, ne Il mercante di Venezia, Portia ha pronunciato il suo famoso monologo sulla misericordia con uno sguardo annoiato, una voce completamente inespressiva, ei giudici seduti di fronte a lei sbadigliavano. I nobili di Enrico VIII, messo in scena da Gray, sono vestiti con costumi di jack e regine, e invece di alcuni personaggi, il pubblico ha visto modelli di carte da gioco.

È interessante che, negando i classici, i registi inglesi dell'epoca si rivolgessero spesso alla commedia dell'era della Restaurazione. Tra loro c'era attore famoso, regista e proprietario del Lyric Theatre di Londra, Nigel Playfair, che ha messo in scena alcune vecchie commedie. Sul palcoscenico della Lyrica sono state messe in scena anche rappresentazioni basate su commedie di comici del XVIII secolo, interpretate nello spirito dei tempi. Ad esempio, Beggar's Opera di John Gay, che non lasciava il palcoscenico lirico da tre anni, ha perso il suo focus satirico e si è trasformato in uno spettacolo leggero e allegro. Nell'interpretazione di Playfair, la commedia di Gay rappresentava un'età spensierata e allegra, la cui atmosfera è stata aiutata a trasmettere le candele accese nei lampadari dell'auditorium, le parrucche dei musicisti dell'orchestra del teatro, nonché la musica di Handel e Purcell . N. Marshall ha descritto molto accuratamente l'abilità stilistica di Playfair come regista: "Nel teatro inglese senza stile di quel tempo, ha dato un esempio di uno stile teatrale elegante e olistico".

La star del Lyric Theatre era l'attrice Edith Evans (1888-1976), che iniziò con i ruoli di giovani eroine della commedia durante la Restaurazione. L'enorme successo nel 1924 le portò l'immagine di Milliment nella commedia "Così fanno nel mondo" basata sull'opera di Congreve. Milliment, proprio come Sallen in "Cunning Plan of the Dandies" di Farker, è una creatura insolitamente allegra e aggraziata, che si sforza di conoscere tutte le gioie della vita.

Le commedie di Bernard Shaw, rappresentate sui palcoscenici del West End e in piccoli teatri sperimentali, ebbero un grande successo presso il pubblico inglese degli anni '20. St. Joan, messo in scena al New Theatre, ha portato ai creatori un enorme successo commerciale. La performance non ha lasciato il palco per molto tempo, resistendo a più di duecentoquaranta esibizioni. Il ruolo di Jeanne è stato interpretato dalla famosa attrice tragica Sybil Thorndike (1886-1976).

Il ruolo di Jeanne era destinato a Sybil Thorndike dallo stesso Bernard Shaw. Ha provato con lei e altri attori, cercando di imprimere loro l'idea che stavano recitando un'opera moderna, e non un dramma in costume dedicato al passato. Sybil Thorndike interpretava un'eroina le cui caratteristiche principali non erano il romanticismo, ma una mente sobria e forza morale. Guardando Zhanna, il pubblico ha capito che questa semplice contadina, che si è dimostrata in battaglie ormai lontane, potrebbe diventare l'eroina della moderna prima guerra mondiale.

Alla fine degli anni '20 a circoli teatraliè nata l'idea di organizzare festival annuali delle opere di Bernard Shaw nella piccola città di Malvern. Il primo Festival di Malvern ebbe luogo all'inizio del 1929 e si aprì con l'opera teatrale di Shaw The Apple Cart. Ruolo personaggio principale l'attrice Edith Evans ha recitato in questa performance. La festa durò fino allo scoppio della seconda guerra mondiale.

Barry Jackson (1879-1961), che ha diretto il Birmingham Repertory Theatre, ha svolto un ruolo importante nell'organizzazione del Festival di Malvern. Questo teatro fu aperto nel 1913, più o meno nello stesso periodo dei teatri di repertorio di Bristol, Manchester, Liverpool. A differenza di quelli commerciali, avevano una compagnia permanente e mettevano in scena spettacoli seri e problematici. In scena a Birmingham teatro di repertorio c'erano spettacoli basati sulle opere di D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser e, naturalmente, B. Shaw. Nel 1923, Barry Jackson mise in scena la sua pentalogia Back to Methuselah, in cui famosi attori londinesi, tra cui Edith Evans, recitavano insieme a rappresentanti della compagnia teatrale di Birmingham. Anche Shaw ha preso parte alle prove.

Nel 1925, a Londra, la troupe di Barry Jackson mostrò "Hamlet" (regista - G. Eilif). Il pubblico londinese non è mai stato così sorpreso: Amleto era vestito con una tuta da ginnastica, Laerte in pantaloni Oxford è salito sul palco con una valigia con un adesivo luminoso: "Passenger to Paris". Polonio sfoggiava un frac e Claudio indossava una vestaglia di seta scarlatta. I cortigiani del re giocavano a bridge e bevevano whisky. Il regno danese si è trasformato nella moderna Inghilterra con le sue tradizioni consolidate. Fu in questo vecchio mondo ipocrita che Amleto entrò con la sua verità, portata dalle trincee della prima guerra mondiale.

Negli anni '20, le commedie di Cechov apparvero nel repertorio dei teatri in Inghilterra. Un ruolo significativo nel familiarizzare il pubblico inglese con le opere di Cechov fu svolto dal regista Fyodor Komissarzhevsky (1882-1954), invitato nel 1925 dall'imprenditore Philip Ridgway al Barnes Theatre. La prima esibizione messa in scena da un regista russo sul palco di Barnes è stata Ivanov ( ruolo di primo pianoè stato eseguito da R. Farkerson). Poi fu messo in scena Three Sisters (1926), interpretato da Komissarzhevsky come uno spettacolo poetico romanticamente elevato e straordinario. Il regista ha utilizzato luci intense ed effetti cromatici, insoliti per lo stile di Cechov. Nello stesso anno, 1926, il pubblico di "Barnes" vide altri due drammi di Cechov: "Uncle Vanja" e "The Cherry Orchard".

In quegli anni Le commedie di Cechov andarono in scena solo in piccoli teatri, e solo negli anni '30 poterono vedere quasi tutto il pubblico inglese. Allo stesso tempo, un'intera galassia è apparsa nel paese attori di talento. Insieme alle star degli anni '20 (Sybil Thorndike, Edith Evans, ecc.), Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness hanno brillato sul palcoscenico inglese. Potresti vederli suonare principalmente all'Old Vic e all'azienda di Gielgud nei teatri New e Queens.

Situato su Waterloo Road, l'Old Vic è stato aperto nel XIX secolo, ma è diventato famoso prima della prima guerra mondiale. Nel 1918-1923, sul suo palcoscenico furono rappresentate le opere di Shakespeare, in cui recitavano i migliori attori inglesi, che rifiutavano gli alti compensi del West End per amore della vera arte. Edith Evans è stata invitata in tutti i teatri del West End, ma ha preferito un piccolo stipendio all'Old Vic. Nelle commedie di Shakespeare, ha interpretato molti ruoli, tra cui Katarina, Viola, Rosalind.

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A Southwark gli attori avevano più forza di volontà che in città, dove la vita dei teatri era fortemente limitata dalle regole stabilite dalle autorità. Inoltre, Tula potrebbe essere facilmente raggiunta in barca o tramite un ponte. Al momento della chiusura dei monasteri, parte di Southwark, che in precedenza era appartenuta al monastero di Bermondsey e al monastero della Beata Vergine Maria, divenne proprietà del re. Nel 1550 fu venduto al Comune per circa mille lire. Rimasero invenduti solo due appezzamenti, che rimasero fuori dalla giurisdizione della città. Su uno c'era una prigione, l'altro si chiamava ("Giardino di Parigi"); fu su questi due siti che apparvero i teatri al tempo della regina Elisabetta, liberi dai divieti e dalla censura di Londra. Nel Rose Theatre, costruito nel 1587, le opere di Marlowe furono messe in scena per la prima volta, e qui il talento di Edward Alleyn fiorì sul palcoscenico. Poi vennero i teatri "Swan" (nel 1596), "Globe" (nel 1599; un decimo apparteneva a Shakespeare) e nel 1613 - "Hope".

I londinesi sono stati attirati in questi e in altri teatri da trombe rumorose e bandiere sventolanti. Il denaro veniva raccolto dai visitatori proprio nel teatro e posto in una scatola speciale, che veniva poi chiusa a chiave in una piccola stanza: il botteghino (nel "cassetta dei contanti"). Gli spettatori si sono seduti su poltrone disposte a gradinate attorno al palco, o su panche proprio sul palco, e lo spettacolo è iniziato con le loro forti esclamazioni. Gli attori recitavano le loro parti e il pubblico li interrompeva con grida di indignazione o di approvazione, insulti o lodi. Ciò è continuato fino alla fine dell'atto, dopodiché il palco si è riempito di ballerini, giocolieri e acrobati; venditori ambulanti con vassoi e ceste stipati lungo le corsie tra i sedili degli spettatori, che vendevano torte, frutta, rimedi erboristici, libretti; gli uomini erano gentili con le donne. Gli operai del teatro spesso fumavano, l'aria era piena di fumo di tabacco, le sedie di legno spesso prendevano fuoco e il pubblico si precipitava alle porte. bruciato lo stesso anno in cui Nadezhda aprì; solo una persona è rimasta ferita nel processo: i suoi pantaloni hanno preso fuoco, ma li ha spenti rapidamente versando birra da una bottiglia.

Vicino ai teatri c'erano giardini con orsi, arene per adescare un toro legato con cani, terreni per combattimenti di galli, che attiravano un pubblico eterogeneo: gente ricca e povera, nobile e comune. Dopo aver goduto della rappresentazione di Otello o Edoardo II, il giorno dopo il pubblico è andato a vedere l'orso adescato dai cani nel Giardino di Parigi, i galli da combattimento che, dopo aver rilasciato gli speroni, hanno ricoperto di sangue e piume la sabbia dell'arena, i cani che volavano lontano dai colpi di tori impazziti (i cani venivano catturati in trappole di vimini in modo che non rimanessero mutilati quando cadevano e potessero continuare a combattere), sulle persone che colpivano con le spade, tagliandosi le orecchie e le dita a vicenda sotto la forte approvazione della folla.

Teatri del West End

Il volto delle strade del West End è cambiato radicalmente. Molti edifici del XVIII secolo. sono stati ricostruiti sia all'esterno che all'interno secondo il gusto dell'epoca. Così, in Grafton Street (ora Salon of Helena Rubinstein), la signora Arthur James ha mostrato la sua ricchezza con un'impressionante ristrutturazione di una casa progettata nel 1750. Sir Roberto Taylor.

Molti edifici costruiti in georgiano, reggenza e Stili vittoriani, ha dato vita a nuovi teatri come il Duke of York's Theatre, Nuovo teatro, The Rock, Palladium, Gaiety, Her Highness Theatre, London Pavilion, Palace, Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe ”, “Queens” e “Coliseum”. Tutti furono costruiti durante gli ultimi dieci anni del regno della regina Vittoria e nove anni del regno dello stesso Edoardo.

Centinaia di vecchi edifici furono demoliti per far posto a negozi, grandi gallerie commerciali con sontuose vetrate e porte in mogano intarsiate in ottone. Nel 1901, i muri di terracotta dell'Harrods General Store su Brompton Road iniziarono a salire. Fu rapidamente seguita dalla costruzione di nuovi negozi di strada in stile barocco esagerato, come Wearing and Gillows (1906), di dimensioni colossali, in particolare il maestoso edificio che il commerciante iniziò a costruire nel 1909 Harry Selfridge dal Wisconsin.

Quando il negozio di Selfridge fu completato, Regent Street era completamente cambiata; l'Aldwych Loop attraversava il labirinto di strade a nord dello Strand di fronte a Somerset House, si fiancheggiava di edifici monumentali e Kingsway Street si estendeva a nord fino a Holborn.

L'arte drammatica nel Regno Unito è apparsa molto tempo fa. Proviene da spettacoli di strada che si tenevano durante le vacanze in chiesa e servivano come una sorta di moralismo. Nel Rinascimento tutte le aree dell'arte acquisiscono un carattere più secolare e si allontanano dai temi religiosi. Fu in quel momento che apparve il teatro, allora rivoluzionario, dove W. Shakespeare, ora conosciuto in tutto il mondo, metteva in scena opere teatrali.

Lo sviluppo moderno del teatro cerca il massimo realismo in tutti i suoi ambiti, ripensando anche le trame classiche. Ora i teatri d'Inghilterra stupiscono non solo con spettacoli interessanti, ma anche con un'architettura originale, nonché con insolite decisioni del regista.

Se stai programmando un viaggio a Londra, assicurati di visitare il Piccadilly Theatre. Esiste da più di otto decenni e soddisfa gli intenditori di arte teatrale non solo con produzioni classiche moderne, ma anche tradizionali.

Uno dei teatri più antichi di Londra è l'Aldwych Theatre, che da oltre un secolo raccoglie intorno a sé l'intera città. Tali attori eminenti come Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone e altri una volta si sono esibiti sul suo palco.

I fan di brillante spettacoli musicali Da visitare è il New London Theatre. Sono stati i musical a portare il teatro piuttosto giovane negli anni 70-80 del secolo scorso una vera fama tra i giovani. Fino ad ora, soddisfa il pubblico con spettacoli a livello mondiale, con vivaci spettacoli teatrali e buona musica.

Un altro teatro di Londra, noto per spettacoli nello stile di un musical e commedie, è lo Shaftesbury Theatre. Non molto tempo fa ha celebrato il suo centenario: il lavoro del teatro non si è fermato nemmeno durante la seconda guerra mondiale. La costruzione di questo teatro merita un'attenzione particolare per il suo insolito design antico.

Tra teatri moderni A Londra spicca il Pinkock Theatre. Resiste adeguatamente alla concorrenza dei vecchi teatri grazie al suo approccio innovativo alla drammaturgia classica. La scena utilizza spesso elementi di modernità balli di strada e persino numeri acrobatici per migliorare l'effetto del gioco.

L'edificio della Grand Opera di Belfast colpisce per la sua bellezza. Costruito nel XIX secolo, non è solo un punto di riferimento architettonico in stile orientale, ma delizia anche gli appassionati di teatro con il suo repertorio classico e l'eccellente acustica.

Viene chiamato il principale centro di arte drammatica in Gran Bretagna teatro reale Drury Lane. Si trova a Londra e ha svolto un ruolo importante nello sviluppo del teatro nel paese. Durante la sua esistenza, molti eminenti attori sono riusciti a visitare il suo palcoscenico.

Un altro monumento architettonico della Gran Bretagna è l'Her Majesty's Theatre. Il teatro fu creato all'inizio del XVIII secolo e alla fine del XIX secolo fu trasferito in un nuovo grande edificio, dove si trova tuttora. È di grande valore storico e culturale e il repertorio classico piacerà a tutti gli amanti di questa forma d'arte. Questo teatro si trova a Londra, a ovest di Westminster.

Dipartimento dell'Istruzione della città dell'amministrazione di Polysaevo

Centro informativo e metodologico

Comunale Istituto d'Istruzione

"Scuola secondaria n. 35"

Storia del teatro nel Regno Unito

progetto di ricerca

Polisaevo 2007

Dipartimento dell'Istruzione della città dell'amministrazione di Polysaevo

Centro informativo e metodologico

Istituto scolastico comunale

"Scuola secondaria n. 35"

Storia del teatro nel Regno Unito

Daria Putinceva,

Proposto ricerca contiene una descrizione della storia del teatro in Gran Bretagna. Il progetto di ricerca caratterizza il teatro inglese dal Medioevo ad oggi, le sue direzioni e tendenze. L'opera traccia la formazione e lo sviluppo delle principali tendenze teatrali, l'originalità della lotta teatrale nelle diverse fasi dello sviluppo storico. Particolare attenzione è rivolta alla questione delle specificità nazionali del teatro inglese.

Storia del teatro nel Regno Unito: ricerca / . - Polysaevo: Centro informativo e metodologico, 2007.

Nota esplicativa

Obiettivo del lavoro: familiarizzazione con una cultura straniera.

Compiti di lavoro: ampliare la conoscenza culturale del Regno Unito.

Il teatro inglese è parte integrante della cultura mondiale. Le migliori tradizioni dell'arte nazionale inglese hanno arricchito il processo teatrale mondiale. Il lavoro di attori, registi e drammaturghi inglesi ha conquistato amore e riconoscimento ben oltre i confini dell'Inghilterra.

Il lavoro di attori, registi, drammaturghi della Gran Bretagna gode da tempo di riconoscimento e amore in Russia.

La storia del teatro è stata a lungo associata alla storia dell'umanità. Da quella pagina iniziale della storia, mentre l'umanità ricorda se stessa, ricorda anche il teatro, divenuto suo eterno compagno.

Ami il teatro quanto lo amo io? - ha chiesto ai suoi contemporanei il nostro grande connazionale Vissarion Belinsky, profondamente convinto che una persona non possa non amare il teatro.

Ami il teatro? Con la stessa domanda più di 20 secoli fa, i grandi padri del teatro antico Eschilo e Sofocle, Euripide e Aristofane avrebbero potuto rivolgersi ai loro spettatori, che riempivano i banchi di pietra degli enormi anfiteatri all'aperto dell'Ellade.

Seguendoli, già in altri secoli, altre epoche storiche, con analogo richiamo ai loro contemporanei, Shakespeare e Ben Jonson in Inghilterra potrebbero girare. E tutti loro, chiedendo alla gente del loro tempo: "Ti piace il teatro?" - avrebbe il diritto di contare su una risposta affermativa.

Il teatro, la letteratura e la musica inglesi sono parte integrante della cultura mondiale. Le migliori tradizioni della cultura inglese hanno arricchito il processo culturale mondiale, conquistato amore e riconoscimento ben oltre i confini dell'Inghilterra.

Il lavoro dei drammaturghi inglesi gode da tempo del riconoscimento e dell'amore in Russia. I più grandi attori del teatro russo hanno recitato nelle tragedie di Shakespeare.

Nella storia della cultura inglese si distinguono i seguenti periodi principali: il Medioevo, il Rinascimento, il XVII secolo, il XVIII secolo (Illuminismo), il XIX secolo (romanticismo, realismo critico), il periodo della fine del XIX secolo - primo Novecento (1871 - 1917) e il Novecento, in cui si distinguono due periodi: 1917 - 1945. e 1945-presente.

Alto Medioevo ( v – XI secoli)

Nel VI secolo a.C. le isole britanniche furono invase dai Celti. Nel I secolo d.C., la Gran Bretagna fu conquistata dai Romani. Il dominio dell'Impero Romano continuò fino al V secolo, quando gli anglosassoni e gli juti invasero il territorio della Gran Bretagna. Le tribù anglosassoni hanno portato la loro lingua, cultura e stile di vita nelle isole britanniche.

La storia del teatro medievale è la storia della lotta delle visioni idealiste e religiose sulla vita con la visione realistica del mondo delle persone.

Per molti secoli nella vita dei popoli dell'Europa feudale si sono conservate le tradizioni delle feste rituali pagane, contenenti elementi di teatralizzazione: lo scontro dell'inverno e dell'estate, i giochi di maggio, durante i quali venivano rappresentate scenette con la partecipazione del re e Regina di maggio, ecc. ecc. Le truppe vagavano per l'Europa divertimenti popolari - istrioni. Sapevano fare tutto: cantare, ballare, destreggiarsi, recitare. Recitando scene comiche, spesso non solo divertivano il pubblico, ma ridicolizzavano anche coloro che opprimevano e opprimevano la gente comune. Pertanto, la chiesa proibiva i giochi rituali, perseguitava gli istrioni, ma non era in grado di distruggere l'amore della gente per gli spettacoli teatrali.

Nel tentativo di rendere più efficace il servizio ecclesiale - la liturgia - il clero stesso inizia a utilizzare forme teatrali. Appare il primo genere del teatro medievale: il dramma liturgico (IX-XIII secolo). Durante la liturgia, i sacerdoti recitavano storie delle Sacre Scritture. Nel tempo, le rappresentazioni di drammi liturgici vengono portate fuori dalla chiesa sul portico e sul sagrato.

XI – XV secolo

Nell'XI secolo le isole britanniche furono conquistate dai Normanni. Ciò ha contribuito all'influenza francese sulla vita culturale del paese.

Nei secoli XIII-XIV. appare e nuovo genere spettacolo teatrale medievale – mirakl ("miracolo"). Le trame dei miracoli sono prese in prestito dalle leggende sui santi e sulla vergine Maria.

Pinnacolo del teatro medievale – mistero . Si sviluppa nei secoli XIV-XV, durante il periodo di massimo splendore delle città medievali. I misteri si svolgono nelle piazze della città. La rappresentazione del mistero era massiccia - e in base al numero di partecipanti, l'allegoria" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> allegorica. I personaggi morali di solito personificavano varie proprietà umane, i suoi vizi e virtù .

L'eroe della moralità è una persona in generale. "Every man" - questo era il nome della morale inglese della fine del XV secolo. In questa commedia, la Morte è apparsa a ogni persona e lo ha chiamato in un "lungo viaggio", permettendogli di portare con sé qualsiasi compagno. Una persona si è rivolta all'amicizia, alla parentela, alla ricchezza, ma è stata rifiutata ovunque. Forza, Bellezza, Ragione, Cinque Sensi hanno accettato di accompagnare una persona, ma sull'orlo della tomba lo hanno lasciato tutti. Solo le buone azioni sono saltate nella tomba con lui. I moralisti abbandonarono i soggetti biblici, ma conservarono l'edificazione religiosa.

Palcoscenico - il primo genere di teatro medievale che ha rotto con la morale religiosa. La farsa, genere allegro e satirico, metteva in ridicolo i concetti sociali, politici e morali della società feudale. Cavalieri sciocchi, mercanti avidi, monaci voluttuosi recitano nella farsa. Ma il vero eroe di questo genere, di tutte le trame poco dignitose, ma sempre divertenti e farsesche, è un allegro ladro della gente comune. In una farsa, ha ragione chi ha ingannato tutti.

L'esperienza delle rappresentazioni farsesche fu ampiamente utilizzata dal teatro delle epoche successive. Le commedie di Shakespeare adottarono non solo i metodi buffoni della farsa, ma anche lo spirito del libero pensiero popolare che la riempiva.

Rinascimento

Nel XV - XVI secoli v paesi europei c'è un "progressivo sconvolgimento più grande di tutti quelli vissuti dall'umanità fino a quel momento", - il passaggio dal Medioevo feudale al nuovo tempo, segnato da periodo iniziale sviluppo del capitalismo. Questa era di transizione era chiamata Rinascimento o Rinascimento.

Era l'era dell'emergere di una nuova cultura, rompendo con i dogmi religiosi, l'era del rapido sviluppo dell'arte e della letteratura, che fece rivivere gli ideali dell'antichità. Grandi opportunità per attivo attività creativa. In questa era ha luogo la formazione della cultura nazionale.

Il XVI secolo in Inghilterra fu il periodo di massimo splendore del dramma. Il teatro inglese rispondeva agli interessi popolari ed era insolitamente popolare in un'atmosfera di impennata nazionale. Alla fine del XVI secolo c'erano una ventina di teatri a Londra; tra questi, particolarmente famosi erano il James Burbage Theatre e il Philip Hensloe Theatre. Lo sviluppo della cultura teatrale non è stato privo di difficoltà, l'ostacolo principale erano le azioni dei puritani, che consideravano il teatro un affare "demoniaco".

I drammaturghi di quel tempo includevano Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe e altri.

Le commedie di Beaumont (1584-1616) e Fletcher (1579-1625) caratterizzano un'altra epoca nella storia del teatro inglese. Hanno cercato di aristocratizzare il teatro, di introdurre una certa raffinatezza e decenza negli spettacoli teatrali. Le idee nobili e monarchiche diventano oggetto di particolare attenzione nel teatro di Beaumont e Fletcher. Dal palco si sentono costantemente richieste di servizio disinteressato al re.

William Shakespeare

Il teatro del Rinascimento inglese deve il suo periodo di massimo splendore, prima di tutto, a William Shakespeare. La drammaturgia di Shakespeare è il risultato di tutto lo sviluppo precedente del dramma, l'apice del teatro.

"La tragedia è nata sulla piazza" - ha scritto, riferendosi alle lontane origini dell'opera di Shakespeare - il teatro popolare dei misteri medievali. Le tradizioni del teatro delle piazze - un'ampia copertura degli eventi, l'alternanza di episodi comici e tragici, la dinamica dell'azione - sono state preservate dai predecessori di Shakespeare - i drammaturghi R. Green, K. Marlo e altri. Hanno portato sul palco idee amanti della libertà, hanno mostrato nuovi eroi con una forte volontà e un carattere completo.

Nel primo periodo "ottimista" del suo lavoro, Shakespeare scrisse commedie alimentate da stati d'animo luminosi e gioiosi. Ma quando il "mare dei disastri" si è aperto davanti allo sguardo penetrante del poeta, quando l'inesorabile corso della storia ha messo in luce sempre più nettamente le contraddizioni del feudalesimo e del capitalismo emergente, l'eroe ideale nelle sue opere è stato sostituito da un assetato di potere, persona egoista ed egoista, e talvolta anche un criminale.

Per la prima volta questa svolta è stata rivelata nella tragedia "Amleto". Ma gli eroi di Shakespeare non si sono inchinati davanti al mondo del male. Entrando nella lotta e cadendo vittime dei loro onnipotenti avversari, gli eroi delle tragedie di Shakespeare, anche con la loro stessa morte, affermarono la fede nell'uomo e nel suo luminoso destino. È in questo che sta l'immortalità delle tragedie di Shakespeare e il loro suono moderno.

Il Globe Theatre di Shakespeare si trovava tra gli altri teatri - sulla riva sud del Tamigi, fuori Londra, poiché le autorità vietavano gli spettacoli in

William Shakespeare

Teatro Globus". Aspetto.

la città stessa. L'edificio era coronato da una piccola torre, dove sventolava una bandiera durante lo spettacolo.

L'azione si è svolta all'aria aperta: una massa di persone stava davanti al palco, ricchi cittadini si sono stabiliti sulle gallerie, che circondavano le pareti rotonde del teatro su tre livelli. Il palcoscenico era diviso in 3 parti: la parte anteriore - il boccascena, la parte posteriore, separata da due colonne laterali e coperta da un baldacchino di paglia, e la parte superiore - a forma di balcone. Il palcoscenico era decorato con tappeti e stuoie e dall'alto era appeso un pannello: nero - nelle tragedie e blu - nelle commedie. La scena dell'azione era indicata da un dettaglio (l'albero indicava che l'azione si svolgeva nella foresta e il trono - quello nel palazzo).

La composizione della troupe era piccola: solo 8-12 persone. A volte ogni attore doveva interpretare fino a tre o più ruoli in una commedia. Le eroine erano interpretate da giovani graziosi e fragili. I principali attori tragici sono stati Edward Alleyn, che ha recitato con particolare successo nelle commedie di K. Marlowe, e Richard Burbage, il miglior interprete dei ruoli di Amleto, Lear, Otello e Macbeth. Richard Tarlton e William Kemp hanno recitato in ruoli comici.

XVII secolo

Se durante il Rinascimento in Inghilterra, la drammaturgia e il teatro erano nel loro periodo di massimo splendore, le usanze teatrali a Londra a quei tempi erano abbastanza libere, regnava completa facilità sia sul palco che nell'auditorium, e attori e spettatori non erano timidi di espressioni, allora nel XVII secolo furono perseguitati dai puritani.

Nel Rinascimento si poteva vedere un mago con un cane sul palco, che raffigurava "e il re d'Inghilterra, il principe di Galles, e quando si siede sulla schiena, poi il papa e il re di Spagna". Qualche signora in una commedia potrebbe dire dal palco che puoi indovinare dall'urina, o un gentiluomo - scrivi dove ha fatto pipì. “Il nostro palcoscenico a volte ha la stessa sporcizia e puzza di Smithfield (un sobborgo di Londra dove si tenevano le fiere e talvolta venivano bruciati gli eretici), dice Ben Jonson. "Tutto lì è chiamato con il suo nome proprio", scrisse Voltaire a proposito del palcoscenico inglese già nel XVIII secolo.

La morale teatrale può essere desunta dall'anonimo "Protesta o denuncia di attori contro la soppressione della loro professione e la loro espulsione da più teatri" (1643). “Promettiamo per il futuro di non ammettere mai nelle nostre logge da sei soldi donne promiscue che vengono lì solo per essere portate via con loro da apprendisti e impiegati di avvocati, e nessun altro tipo di donna simile, tranne quelle che vengono con i loro mariti o Parenti stretti. Anche l'atteggiamento nei confronti del tabacco cambierà: non sarà venduto ... per quanto riguarda il linguaggio volgare e simili bassezze che possono scandalizzare le persone perbene e spingere le persone cattive alla dissolutezza, le espelleremo completamente insieme ad autori immorali e maleducati - poeti .

Fare spettacoli e recitarli era dichiarato un'attività peccaminosa; la visita al teatro era fermamente condannata e considerata un atto dannoso e pernicioso. Con l'avvento dei puritani al potere, gli spettacoli teatrali in Inghilterra furono banditi. Il 2 settembre 1642, il parlamento inglese chiuse i teatri e vietò tutti gli spettacoli, sostenendo che gli spettacoli "spesso esprimono allegria e frivolezza sfrenate", mentre si dovrebbe dirigere i propri pensieri al "pentimento, alla riconciliazione e al volgersi a Dio". Cinque anni dopo, il Parlamento confermò questa risoluzione, ora in termini più duri e ordinando che le persone disobbedienti (attori) fossero incarcerate come criminali. La cultura ha vissuto una crisi acuta. La Chiesa ha lottato a lungo e con forza contro gli spettacoli teatrali. "I teatri sono pieni, ma le chiese sono vuote", lamentano i preti puritani. A teatro "regnano gesti liberi, discorsi sciolti, risate e scherni, baci, abbracci e sguardi immodesti", il clero è indignato. "La parola di Dio è violata e la religione divina stabilita nel nostro stato è profanata", afferma il sindaco.

Il teatro del XVII secolo fu presentato alla borghesia puritana d'Inghilterra come un teatro di licenziosità e dissolutezza, un teatro che soddisfa i gusti degli aristocratici e corrompe la gente comune.

C'erano anche difensori. Il drammaturgo Thomas Nash scrisse nel 1592 che le trame delle commedie sono prese in prestito dalle cronache inglesi, le grandi gesta degli antenati vengono recuperate dalla "tomba dell'oblio", e quindi viene emessa la condanna della "modernità degenerata e viziata", che nelle commedie "la menzogna dorata di santità esteriore viene sezionata".

Le caratteristiche della cultura sono state determinate dagli eventi della rivoluzione borghese. Le contraddizioni di classe tra borghesia e grandi proprietari terrieri si aggravarono, il governo della repubblica borghese fu guidato da Oliver Cromwell, poi la monarchia degli Stuart fu restaurata.

Gli Stuart, tornati al potere, riaprirono i teatri nel 1660, e la commedia brillante ma immorale dell'era della Restaurazione, per così dire, confermò la valutazione negativa data al teatro dai soci di Cromwell.

Dopo il colpo di stato, salì al potere Guglielmo III d'Orange. Il movimento popolare crebbe.

Guglielmo III non ha chiuso i teatri, ma con decreto del 01.01.01 ha severamente avvertito gli attori che “se continuano a recitare spettacoli che contengono espressioni contrarie alla religione e alla decenza, e consentono la blasfemia e l'immoralità sul palco, allora per questo dovranno rispondere con la testa.

Nello stesso anno, 1698, fu pubblicato un trattato da un certo teologo puritano di nome Jeremy Collier con il titolo molto colorato " Breve recensione l'immoralità e l'empietà della scena inglese. Il teologo ha condannato severamente la pratica teatrale esistente. Ha scritto che c'era rabbia e rabbia sul palco. “Il sangue e la barbarie sono quasi divinizzati”, che “il concetto di onore è pervertito, i principi cristiani sono umiliati”, che “diavoli ed eroi sono fatti dello stesso metallo”, e ha chiesto una radicale ristrutturazione dei teatri, trasformandoli in un una specie di scuola di virtù, buone maniere e decenza: “ Lo scopo delle commedie è incoraggiare la virtù ed esporre il vizio, mostrare la fragilità della grandezza umana, le improvvise vicissitudini del destino e le conseguenze dannose della violenza e dell'ingiustizia.

La borghesia inglese non voleva più la chiusura dei teatri, come avveniva prima, ma il loro adeguamento alle esigenze della classe. Anche se la "gloriosa rivoluzione" del 1688 portò all'alleanza tra la borghesia e la nuova nobiltà, tuttavia, l'ostilità persisteva. Le posizioni dei proprietari terrieri erano ancora forti, sebbene gli aristocratici si sottomettessero allo stato delle cose, non si erano affatto riconciliati del tutto. Gli attacchi all'aristocrazia si sono uditi anche durante gli spettacoli teatrali.

Nel 1713, Joseph Addison (1672-1719) cercò di stabilire la classica tragedia sul palcoscenico inglese.

In quel momento apparve un nuovo genere: il dramma, ma la commedia non voleva rinunciare alle sue posizioni. Gli spettatori, che hanno versato lacrime abbondanti alle esibizioni di The London Merchant ed erano pieni di orrore per il cupo finale dello spettacolo, di tanto in tanto volevano ridere. Questa opportunità è stata data loro da Fielding, e successivamente da Oliver Goldsmith e Richard Brinsley Sheridan.

Goldsmith voleva far rivivere la "commedia gay" di Shakespeare e Ben Jonson. Nel suo trattato An Essay on the Theatre, or a Comparison of Jolly and commedia sentimentale”(1733), ne parlò direttamente e scrisse diverse commedie senza moralismi, senza troppe tendenziosità, prendendo allegramente in giro l'inesperienza dei giovani che si lasciano facilmente ingannare. Le commedie sono piene di errori divertenti, i personaggi sono rappresentati in modo abbastanza naturale.

Tuttavia, Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) ha lasciato il segno più importante nella storia del dramma inglese di questo periodo. Ha scritto per un breve periodo. Tutte le sue migliori opere sono state create in cinque anni. L'incendio del suo teatro in Drury Lane ha inferto l'ultimo colpo allo scrittore.

Il classicismo nella sua forma classica non poteva trovare un terreno solido in Inghilterra. C'erano due ragioni per questo: lo stato politico del paese e l'autorità del teatro di Shakespeare.

Per quanto riguarda Shakespeare, ha così eclissato le conquiste del dramma antico che dopo di lui era semplicemente impensabile affidarsi interamente all'esempio degli antichi autori greci. I drammaturghi inglesi che lavoravano per il teatro non potevano seguire Eschilo, Sofocle ed Euripide così incondizionatamente come facevano i loro omologhi francesi. Davanti a loro c'era l'esempio di Shakespeare, che lavorava secondo un sistema completamente diverso e otteneva risultati senza precedenti.

Nel 1644, il Globe Theatre di Shakespeare fu demolito, ricostruito dopo un incendio nel 1613, nel 1649 - i teatri Fortune e Phoenix, nel 1655 - Blackfriars. Attori sparsi per il paese, entrati nei soldati, scomparsi senza lasciare traccia, secondo un autore anonimo del XVII secolo (Historia histrionica).

Nel 1643 gli attori redigono un toccante documento anonimo: una denuncia per la soppressione della loro professione. "Ci rivolgiamo a te, grande Febo, ea te, nove sorelle - muse, protettrici della mente e protettrici di noi, poveri attori umiliati", hanno scritto. "Se, con l'aiuto del tuo onnipotente intervento, potessimo essere nuovamente installati nei nostri ex teatri e tornare di nuovo alla nostra professione ... "Gli attori hanno scritto che le commedie e le tragedie che hanno interpretato erano" una riproduzione vivente delle azioni delle persone ”, che il vizio in loro era punito e la virtù premiata, che "il linguaggio inglese era espresso nel modo più corretto e naturale". Phoebus e nove sorelle - muse, mecenati delle arti, non hanno risposto. Il teatro ha subito danni irreparabili.

John Milton, il più grande poeta inglese del XVII secolo, non condivideva l'atteggiamento negativo dei puritani nei confronti delle rappresentazioni teatrali. Milton era particolarmente risoluto contro i drammaturghi e il teatro dell'era della Restaurazione, che aveva un carattere enfaticamente divertente. Milton considerava la tragedia la cosa principale nell'arte drammatica, schemi classici antica arte greca. Imitandoli, ha introdotto un coro che commenta quanto stava accadendo, e ha stabilito l'unità di tempo: la durata degli eventi nella tragedia non supera le 24 ore. L'unità di luogo e azione è rigorosamente mantenuta.

Periodo di restauro

Il periodo della Restaurazione iniziò in Inghilterra poco dopo la morte di Cromwell.

I divieti imposti dai puritani agli spettacoli teatrali e ai vari tipi di intrattenimento furono revocati. I teatri furono riaperti, ma erano molto diversi dal teatro inglese del XVI-inizi XVII secolo e nella loro disegno esterno, e la natura delle commedie. Sul palco sono stati utilizzati ricchi scenari e magnifici costumi.

Particolare successo ebbero le commedie di William Wycherley (1640-1716) e William Congreve (1670-1729).

Teatri inglesi "Drury Lane" e "Covent Garden"

Visitiamo ora i teatri di Londra. Nel 1663 fu costruito a Londra il Drury Lane Theatre, che ottenne il diritto al monopolio nella scelta del repertorio. Nel 1732 apparve un altro grande teatro: Covent Garden. C'era poco ordine nei teatri londinesi. Il pubblico, irrompendo nell'auditorium, si è precipitato lungo le panchine della platea per accaparrarsi i posti più vicini al palco. Di tanto in tanto c'erano peculiari "rivolte teatrali": il pubblico, insoddisfatto dello spettacolo, l'aumento dei prezzi, qualsiasi artista, soffocava le voci degli attori, lanciava loro frutta e talvolta irrompeva sul palco.

In questa sfrenata Londra del XVIII secolo, gli attori cercavano di recitare in modo decoroso e di parlare con voci misurate. Tuttavia, il classicismo inglese non era completo, integrale: veniva costantemente "corretto" dalla tradizione realistica proveniente da Shakespeare.

L'attore Thomas Betterton (1635 - 1710) recitò la parte di Amleto come una volta la interpretò Burbage, avendo ricevuto istruzioni dallo stesso Shakespeare. L'attore James Quinn (1693-1766), che agli inglesi sembrava troppo classicista, ha interpretato il ruolo di Falstaff in modo abbastanza realistico. Nel 1741, Charles Maclean (1697-1797) interpretò realisticamente Shylock ne Il mercante di Venezia di Shakespeare. Nello stesso anno, David Garrick (1717 - 1779), che divenne il più importante attore realista del XVIII secolo, interpretò il ruolo di Riccardo III. Garrick ha interpretato ugualmente bene ruoli comici e tragici. Come mimo Garrick non conosceva eguali. La sua faccia potrebbe rappresentare costantemente tutte le sfumature e le transizioni dei sentimenti. Sapeva essere divertente, patetico, maestoso, spaventoso. Garrick era un attore molto intelligente, con una tecnica riccamente sviluppata e precisa, e allo stesso tempo un attore di sentimento. Una volta, mentre interpretava il Re Lear nella tragedia di Shakespeare, Garrick si lasciò così trasportare che si strappò la parrucca e la gettò da parte.

Garrick ha diretto per molti anni il Drury Lane Theatre, dove ha riunito una compagnia straordinaria e messo in scena 25 opere di Shakespeare. Prima di lui, nessuno ha lavorato in modo così coscienzioso e ostinato alle produzioni delle opere di Shakespeare. Dopo Garrick, hanno imparato ad apprezzare Shakespeare molto più di prima. La fama di questo attore tuonò in tutta Europa.

Creatività Garrick ha riassunto lo sviluppo del teatro del XVIII secolo, dal classicismo al realismo.

18esimo secolo

Età dell'Illuminismo

Nel XVIII secolo iniziò un'era di transizione, culminata nella rivoluzione borghese francese. Il movimento di liberazione si è sviluppato, è diventato necessario distruggere il feudalesimo e sostituirlo con il capitalismo.

Letteratura inglese

L'era turbolenta ha dato vita alla fioritura della cultura democratica, incluso creatività teatrale.

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20 ° secolo

1945-presente

Dopo la seconda guerra mondiale, in connessione con la formazione del sistema socialista mondiale e la crescita della guerra di liberazione nazionale dei popoli, il crollo dell'Impero britannico divenne inevitabile e naturale. I teatri rappresentano eventi turbolenti, spartiacque e sconvolgimenti sociali.

Nei primi anni dopo la seconda guerra mondiale, lo scrittore più popolare in Inghilterra era John Boynton Priestley. Ha scritto più di quaranta commedie. I più significativi sono "Dangerous Corner" (Dangerous Corner, 1932), "Time and the Conway Family" ("Time e il Conway, 1937).

Nelle commedie di Priestley, l'influenza della drammaturgia di Cechov è palpabile. Priestley si sforza di trasmettere il dramma della vita quotidiana, di mostrare la vita con tutti i suoi mezzitoni, di rivelare i caratteri non solo dei personaggi principali, ma anche di quelli secondari.

Le commedie di John Osborne (1929) hanno svolto un ruolo importante nella cultura inglese. Le commedie di John Osborne hanno stimolato un'impennata nello sviluppo del dramma inglese negli anni '60.

Nel 1956, la commedia di John Osborne Look Back in Anger andò in scena al Royal Court Theatre, che fu un clamoroso successo. Il drammaturgo ha trasmesso in modo molto accurato l'umore della gioventù inglese di quel tempo. Jimmy Porter è entrato in scena, il giovane eroe "arrabbiato", come lo chiamavano i critici. Questo giovane dal basso, che si è fatto strada in un ostile contesto sociale, immaginavo male cosa fosse un'esistenza degna. Ha preso le armi, senza risparmiare forza, contro l'esistente valori morali, il modo tradizionale della vita pubblica, in parte contro leggi sociali. Questi stessi tratti contraddistinguono alcuni dei personaggi, sia moderni che storici, nelle commedie di John Arden, Sheila Delaney e altri.

Le abilità di attori e registi progressisti in alcuni paesi sono perfezionate su materiale drammatico classico, sui migliori esempi di letteratura realistica. Usano i classici per porre acuti problemi contemporanei. L'attore inglese Laurence Olivier nella forma di Otello ha trasmesso una protesta rabbiosa contro l'emergente civiltà borghese. Amleto è servito a Paul Scofield per esprimere i pensieri dolorosi e difficili della giovane generazione di intellettuali europei del dopoguerra che si sentivano responsabili dei crimini commessi nel mondo.

Le produzioni delle opere di Shakespeare del regista inglese Peter Brook riscuotono un meritato successo di pubblico.

L'arte teatrale degli ultimi tempi è caratterizzata da tante piccole compagnie professionali, semiprofessionali e non, che vagano da una località all'altra; rivitalizzazione dei teatri studenteschi; la crescente protesta di attori e registi contro il commercio dell'arte. I giovani usano spesso il palco per aspre discussioni politiche. Il teatro scende in piazza, dove si svolgono spettacoli di semi-improvvisazione.

Quasi ogni fenomeno della creatività teatrale in Inghilterra è permeato di crudeli contraddizioni interne, irte di uno scontro di opposte tendenze ideologiche ed estetiche.

John Osborne è un sostenitore del teatro che critica l'ordine sociale nel mondo capitalista, che è l'arma più convincente dell'epoca.

Le commedie di John Osborne hanno determinato lo sviluppo del dramma inglese negli anni '60.

L'originalità della drammaturgia di Sean O'Casey, eccezionale drammaturgo anglo-irlandese, è determinata dal legame con la tradizione folcloristica irlandese. Le sue opere sono caratterizzate da una bizzarra combinazione di tragico e

Laurence Olivier nel ruolo di Riccardo III

"Riccardo III" W. Shakespeare

comico, reale e fantastico, quotidiano e patetico. I drammi di O'Casey usano le convenzioni del teatro espressionista.

Il movimento dei teatri popolari, perseguendo principalmente obiettivi educativi, ha investito l'intera Europa. In Inghilterra, il Workshop Theatre sorse e ottenne grande fama sotto la direzione di Joan Littlewood.