Arte giapponese di guardare lontano. ArtigianatoRagazza
Himeji è uno dei castelli più antichi del Giappone.
Arte giapponese del periodo antico
La cultura giapponese ha preso forma e si è sviluppata in particolari condizioni naturali e storiche. Il Giappone si trova su quattro grandi e molte piccole isole bagnate dai mari. Essendo all'estremo limite dell'est, ha sperimentato l'influenza periodicamente in aumento, poi di nuovo in declino di culture continentali come la Cina e la Corea. I periodi di interazione con il mondo esterno sono stati sostituiti nella storia giapponese da lunghi secoli di isolamento culturale (periodi dal X al XIV e dal XVII alla metà del XIX secolo). Quest'ultima circostanza ha contribuito allo sviluppo e al consolidamento di molte caratteristiche uniche cultura giapponese in generale e l'arte in particolare. La conoscenza della cultura occidentale ebbe luogo nel XVI secolo, quando si erano già formate le caratteristiche principali della civiltà giapponese originaria. Fino al 1854, il Giappone commerciava con la Cina e l'Olanda attraverso un solo porto.
Dagli antichi abitanti delle isole giapponesi - cacciatori e pescatori - provenivano asce di pietra, arpioni, punte di freccia e vasi di ceramica scolpiti a mano scoperti a seguito di scavi archeologici, che hanno ricevuto il nome a causa del motivo "Jomon" impresso su di essi, che significa “traccia della corda”. Pertanto, la cultura neolitica in Giappone è anche chiamata Jomon. I coloni che arrivavano dalla Siberia, dalla Polinesia e successivamente dalla Corea e dalla Cina si trovavano su livelli diversi sviluppo culturale. Questo spiega il fatto che in alcuni strati culturali si trovano monumenti sia dell'era neolitica che dell'età del bronzo. La lingua giapponese è vicina alle lingue del gruppo altaico. Quando a seguito di contatti con culture cinesi oh, i giapponesi hanno familiarizzato con la scrittura geroglifica cinese, si è rivelato molto difficile adattare i geroglifici cinesi per trasmettere il discorso giapponese orale.
Il periodo iniziale della cultura giapponese, di cui sono stati conservati dati affidabili, è chiamato l'era dei kofuns (tumuli) - sepolture, la cui parte a terra era un tumulo di terra dalla forma caratteristica - una combinazione di un cerchio e un trapezio, simile a un buco della serratura, che simboleggiava l'unione di terra e acqua. Erano di notevoli dimensioni, erano circondati da un doppio fossato con acqua, l'erba cresceva sul tumulo e lungo il perimetro interno del tumulo c'erano figure cave di argilla di persone, animali, modelli di barche e case da 30 cm a uno alto un metro e mezzo. Erano chiamati "haniwa". All'interno della camera funeraria c'erano bare con rappresentanti morti della nobiltà, dove erano collocati oggetti rituali: uno specchio, una campana dotaku, il cui suono avrebbe dovuto spaventare gli spiriti maligni e attirare gli dei - i patroni dei coltivatori. Le sepolture dei re Yamato contenevano sempre simboli rituali di potere come ciondoli di giada e spade. Per esaltare i re del clan Yamato, fu stabilito l'inizio della storia, fu determinata la gerarchia degli dei, fu individuata la divinità Amaterasu ("Splendente dal cielo"), che trasferì il potere su isole giapponesi re del clan Yamato. Il nome "Nippon" o "Nihon", che significa "terra del sol levante", apparve nel VII secolo. Nel 608 iniziarono i viaggi di studio in Cina, che continuarono per più di due secoli.
Dotaku - campane rituali in bronzo - cilindri ristretti verso l'alto, sormontati da ampi anelli con sporgenze ricci, le cui pareti sono divise in quadrati pieni di immagini grafiche
Le credenze eterogenee dei giapponesi, che hanno molte caratteristiche dell'animismo e del feticismo primitivi, si riflettono nello shintoismo. Shinto ("la via degli dei") nella sua essenza riflette le idee giapponesi sulla spiritualità universale della natura. Un numero infinito di cosiddetti "kami" (spiriti) esiste sia in oggetti paesaggistici miracolosi, come il Lago Biwa e il Monte Fuji, sia in oggetti creati da persone - spade, specchi, dotati in virtù di questo proprietà magiche. Il santuario shintoista si distingueva per la semplicità della sua struttura in legno: una stanza ad aula unica era posta su palafitte, circondata su tutti i lati da una veranda. L'interno del santuario scintoista era buio e vuoto. I credenti non sono entrati nel tempio.
Periodo Para (645-794 d.C.)
Nara è il nome della prima capitale e l'unica città del Giappone in quel momento. Questo era il momento dell'istituzione della statualità giapponese, dell'introduzione del buddismo e della creazione di monumenti di arte buddista: templi, pagode, varie statue di divinità buddiste. Il buddismo durante questo periodo non era tanto la fede del popolo quanto una continuazione della politica della corte. Varie sette del buddismo hanno svolto un ruolo molto significativo alla corte, le proprietà terriere dei monasteri buddisti sono cresciute, i monaci hanno avuto una grande influenza alla corte. Appaiono monasteri buddisti, che sono gruppi di edifici in legno situati su un'area murata rettangolare. Di particolare importanza era l'ampio viale che conduceva alla porta d'ingresso, la piazza antistante il tempio e la pagoda a più livelli visibile da lontano. I templi in legno erano dipinti con lacca rossa, rialzati su fondamenta di pietra e avevano ampi doppi tetti curvi - irimoya.
Tra i primi templi buddisti ci sono Asukadera, Horyuji, la costruzione di quest'ultimo fu iniziata nel 607 per volere dell'allora regnante principe ereditario Shotoku Taishi. Il monastero era costituito da 53 edifici situati su un'area di 90mila metri quadrati. La facciata del tempio è rivolta a sud, gli edifici principali si trovano sull'asse nord-sud, la zona sacra è a nord, c'era una sala per i sermoni: kodo, kondo e una pagoda a cinque livelli. A Horyuji c'erano 265 statue, l'immagine scultorea principale era la trinità di Shakyamuni, rappresentata da una scultura del fondatore del credo, accompagnata da due bodhisattva. Nell'VIII sec nei grandi monasteri c'erano già botteghe di scultori. Si diffuse il culto del bodhisattva Kannon, il cui nome era una traduzione del nome sanscrito Avalokiteshvara (Attenzione ai suoni del mondo). Pieno di compassione per gli esseri viventi, un bodhisattva è in grado di ascoltare i suoni di coloro che soffrono, ovunque si trovino. Il culto di Avalokiteshvara ebbe origine nell'India nordoccidentale e si diffuse in Cina. Nel Sutra del Loto si diceva che il bodhisattva assumeva la forma di quegli esseri che lo invocavano. In Giappone, la diffusione del culto di Kannon ha portato alla comparsa di un gran numero delle sue immagini - il santo Kannon che aiuta all'inferno, Kannon con la testa di cavallo diffonde misericordia sul bestiame, spiriti maligni - gli asura vengono salvati a migliaia Kannon armato, Kannon con una foresta di pescatori salva le persone.
Periodo Heian (794-1185)
Nel 794 la capitale dello stato fu trasferita nella città di Heian (ora Kyoto). Durante il periodo Heian fiorì una sofisticata cultura di corte. È stato creato un sillabario giapponese - kana (giapponese - un geroglifico preso in prestito). All'inizio solo le donne usavano questa scrittura, mentre la scrittura ufficiale continuava ad essere cinese. Durante il X sec. la scrittura delle donne iniziò ad essere utilizzata negli studi privati. Nell'XI sec. iniziò il periodo di massimo splendore della letteratura classica giapponese, un brillante esempio ne è il romanzo "Genji Monogatari", creato dalla dama di corte Murasaki Shikibu.
Nell'arte di Heian, il posto principale è occupato dalle immagini buddiste delle sette esoteriche Tendai e Shingon che provenivano dalla Cina in quel momento, che insegnavano che tutti gli esseri viventi hanno l'essenza del Buddha. Allenando lo spirito e il corpo, adempiendo ai voti, chiunque è in grado di acquisire l'essenza del Buddha nel processo di diverse rinascite. I templi di queste sette furono costruiti sulle cime delle montagne e delle sporgenze rocciose, le cappelle in esse erano divise in due parti. All'interno, dove si trovava l'immagine sacra, non erano ammessi i comuni credenti.
L'era Heian è un periodo di lusso per i circoli dominanti. In questo momento si formò il tipo di abitazioni shinden. Le mura e le condizioni di un clima caldo non erano capitali e non avevano un valore di riferimento. Potrebbero essere facilmente spostati, sostituiti da altri più durevoli per il freddo o rimossi del tutto quando fa caldo. Inoltre non c'erano finestre. Invece del vetro, la carta bianca è stata tesa sulla cornice del reticolo, lasciando entrare una luce fioca e diffusa nella stanza. L'ampia cornice del tetto proteggeva le pareti dall'umidità e dai raggi solari. interni, privo di arredi permanenti, aveva delle pareti divisorie scorrevoli, grazie alle quali era possibile creare, a piacimento, o una sala o più piccole stanze isolate, il pavimento era ricoperto da stuoie di paglia - tatami, della stessa dimensione (180 per 90 cm).
I testi confuciani e buddisti furono portati dalla Cina durante il periodo Heian. Spesso erano decorati con immagini. Inizialmente, gli artisti giapponesi copiarono i "luoghi famosi" cinesi, ma a partire dal X secolo. rivolgiti all'immagine di paesaggi e costumi Paese d'origine. Viene progettata la pittura "Yamato-e", che differiva dalla pittura cinese utilizzando temi della poesia giapponese, racconti, romanzi o da leggende popolari. Il dipinto prende il nome dal nome della regione di Yamato, la parte sud-occidentale dell'isola di Honshu, dove si formò lo stato del Giappone.
L'immagine spesso rappresentava un rotolo di illustrazioni con il testo corrispondente, che veniva preso a mano e fatto girare da destra a sinistra, leggendo la sezione corrispondente, si considerava l'illustrazione che la segue.
La pittura Yamato-e raggiunse l'apice nel tardo periodo Heian. In questo momento apparvero artisti professionisti che dipingevano immagini su soggetti secolari su schermi, partizioni scorrevoli (shoji) e pergamene - emakimono. Il più antico dei rotoli è il Genji Monogatari. I rotoli Emakimano erano racconti illustrati. Il rotolo di "Genji-monogatari-emaki", il famoso romanzo di Murasaki Shikibu, è sopravvissuto fino ad oggi, raffigurando la vita oziosa dell'aristocrazia con colori vivaci, è una sintesi di calligrafia, letteratura e pittura. Nei 19 sopravvissuti dei 54 capitoli del romanzo, non c'è un'unica trama e attraverso l'azione nelle illustrazioni. La maggior parte delle scene raffigurate si svolgono in interni, tutto ciò che è visibile è mostrato dall'alto, non c'è un unico punto di fuga delle linee, corrispondenza su larga scala di figure e architettura, i volti di tutti i personaggi sono uguali, solo le acconciature e i vestiti sono diversi . L'oggetto principale dell'attenzione dell'artista è il trasferimento del contenuto emotivo degli eventi che si svolgono nel romanzo, che erano ben noti a tutti. Le tecniche principali sono la costruzione dello spazio e l'uso delle possibilità cromatiche. Per trasmettere lo stato interiore dei personaggi e l'atmosfera di ogni scena, è importante per l'artista a quale angolo rispetto al bordo inferiore del rotolo sono dirette le linee diagonali, che denotano le travi delle strutture o le cornici delle tende, o il bordo della veranda. A seconda del grado di tensione emotiva, questo angolo varia da 30 a 54 gradi.
Bodhisattva - Kannon appare in Cina, Corea e Giappone principalmente in forma femminile, nelle mani con una brocca, un ramo di salice e un lazo
Nelle case degli aristocratici non c'erano tramezzi, schermi e tende migliori artisti immagini dipinte di Yamato-e. I dipinti di Yamato-e erano l'unità con Lavori letterari, che sono stati posizionati anche su schermi e tende. In antologie di poesia dei secoli X-XIII. i versi scritti sugli schermi del IX-X secolo non sono rari. Il maggior numero di tali poesie è contenuto nell'antologia "Sui-shu". Proprio come la poesia riguardava le quattro stagioni, così lo era la pittura per gli schermi. In linea con le canzoni popolari, si sviluppò un certo sistema di formule poetiche, che poi divenne la base della poetica classica giapponese. Quindi, il segno della primavera era una foschia nebbiosa, un salice, un segno dell'estate - un cuculo, cicale, autunno - foglie di acero scarlatto, un cervo, una luna, inverni - neve e fiori di prugna.
Kyoto è un'antica gemma del Giappone.
L'abbondanza di omonimi nella lingua ha permesso di dare ai versi molti significati. Temi e trame hanno permesso, attraverso un dettaglio o un accenno, in una forma poetica estremamente concisa (31 sillabe per tanka), di esprimere la diversità di tutte le sfumature degli stati emotivi. C'è stata una transizione graduale da schermi con testi a schermi senza testo. È così che si sono sviluppate le attuali suddivisioni del genere pittorico: shiki-e ("immagini delle quattro stagioni") e mei-se-e(“immagini di luoghi famosi”).
La composizione di tali dipinti non corrispondeva a nessuna delle categorie della pittura cinese. La più grande fusione tra natura e uomo diventerà caratteristica di vari generi di arte giapponese.
Periodo Kamakura (1185-1333) e periodo Muromachi (1333-1568)
Alla fine del XII secolo, la capitale fu nuovamente spostata, il potere nel paese a seguito di una sanguinosa guerra civile fu preso dal clan Minamoto, il cui capo spostò la capitale nel suo insediamento di Kamakura, il cui nome divenne il nome di la fase successiva nella storia del Giappone. La classe militare dei samurai salì al potere nel paese, da cui provenivano gli shogun - gli attuali governanti militari del Giappone, l'imperatore, che rimase a Nara, mantenne solo attributi nominali di potere. La raffinatezza della cultura di corte dei samurai preferiva la semplicità. I monasteri della setta Zen non includevano più pagode, i templi assomigliavano a capanne rurali. Dalla fine del XIII sec. sotto l'influenza delle idee panteistiche della setta Zen, il paesaggio iniziò a incarnare l'idea della presenza di divinità buddiste in qualsiasi oggetto del paesaggio. Nei monasteri di Kamakura si è sviluppata l'iconografia dei ritratti del Patriarca di Minsk: una posa seduta e calma con una caratteristica accentuata del volto, il potere ipnotico dello sguardo. Sotto l'influenza della setta Zen, la scultura è relegata in secondo piano, la pittura, in particolare la pittura di paesaggio, esprime l'atteggiamento delle persone di quest'epoca.
Il periodo Muromachi inizia con gli eventi del 1333, quando i signori feudali delle regioni sud-orientali dell'isola di Honshu catturarono e incendiarono Kamakura, restituendo la capitale a Heian. Era un periodo di conflitti interni e guerre di clan feudali. A guidare il tempo dei guai era l'insegnamento degli aderenti alla setta Zen secondo cui, avendo raggiunto l'unità con la natura, si può fare i conti con le difficoltà della vita e raggiungere l'unità con il mondo. Primo posto a Arte giapponese sotto l'influenza dell'insegnamento Zen secondo cui il "corpo" del Buddha è la natura, la pittura di paesaggio viene alla ribalta. Nella seconda metà del XII sec. la pittura con inchiostro nero è penetrata in Giappone dalla Cina. I giapponesi che praticavano prevalentemente tale pittura erano membri della setta Zen. Hanno creato un nuovo stile che ha spiegato il nuovo credo (shigaku - una combinazione di pittura e poesia). XV e XVI secolo - il tempo della massima fioritura della pittura a inchiostro, il cui maestro principale fu Sesshu Toyo (1420-1506). Parallelamente a questo stile esisteva anche lo stile yamato-e.
I cambiamenti nelle relazioni socio-politiche, che portarono alla ribalta la classe militare, portarono anche alla comparsa nel XVI secolo. stile architettonico"Sein". Il volume precedentemente unico della casa è ora suddiviso con l'ausilio di porte scorrevoli (shoji), tramezzi scorrevoli (fusuma). Nelle stanze apparve un posto speciale per le lezioni: uno scaffale per i libri e una finestra con un ampio davanzale e una nicchia (tokonoma) dove era posto un bouquet o una pietra dalla forma stravagante e appeso un rotolo verticale.
Nel XVI sec. Nella storia dell'architettura giapponese, i padiglioni del tè compaiono in connessione con la necessità del corretto svolgimento della cerimonia del tè. Il tè è stato portato in Giappone durante il periodo Kamakura dai monaci buddisti come pozione. Il rituale del tè (cha-no-yu) è stato introdotto su iniziativa del monaco zen Murata Shuko e ha richiesto un metodo speciale per la sua attuazione. Quindi è successo nuovo tipo struttura architettonica - chashitsu (padiglione per la cerimonia del tè), nella sua base costruttiva era vicina a un edificio residenziale, e nella sua funzione - a un tempio buddista. I supporti del padiglione del tè erano in legno, il soffitto era rifinito con bambù o canna. All'interno di una capanna rivestita di stuoie, 1,5 o 2 tatami con pareti di adobe, piccole finestre di diversi livelli, una nicchia tokonoma con un paesaggio monocromatico sospeso e un fiore in un vaso, c'era un focolare, una mensola per gli utensili.
Durante il periodo Muromachi fiorì l'arte del giardinaggio. I giardini giapponesi sono diversi. I piccoli giardini sono spesso situati nei templi o associati a una casa tradizionale, sono progettati per essere visti. I grandi giardini paesaggistici sono progettati per essere percepiti dall'interno.
Kondo - (giapponese sala d'oro) - tempio principale Complesso buddista contenente icone, statue, pitture murali
Il giardino del tempio Zen è stato costruito secondo il principio di un rotolo paesaggistico monocromatico. Invece di un foglio di carta, l'artista ha usato la distesa di un lago o una piattaforma ricoperta di ciottoli, invece di macchie e lavaggi dello spesso: pietre, muschi, fogliame di alberi e arbusti. A poco a poco i fiori scomparvero dal giardino, furono sostituiti da muschi e arbusti, iniziarono ad essere utilizzate pietre al posto dei ponti. Alcuni giardini erano paesaggistici, collinari (tsukiyama). I giardini di Tsukiyama erano una combinazione di elementi naturali come rocce, muschi, alberi, stagni, con un padiglione obbligatorio sulla riva. Il giardino paesaggistico più antico si trova a Kyoto e appartiene al monastero di Sohoji. I giardini secchi erano chiamati "hiraniva", cioè Piatto. Hiraniva è un giardino "filosofico", poiché richiedeva allo spettatore un'immaginazione sviluppata. Il giardino hiraniwa “era rimasto di pietre, sabbia, ciottoli. Chiuso su tre lati da un muro che lo circondava, il giardino era destinato solo alla contemplazione. Alla fine del XV sec. creò uno dei giardini secchi più famosi del monastero di Ryoanji. Comprende 15 pietre situate su un'area di ghiaia rettangolare. Nel giardino hiraniwa del monastero Daitokuji, creato nel 1509, la natura è rappresentata da composizioni di pietre e ciottoli. Una delle parti del giardino era chiamata "oceano del vuoto" ed è costituita da due basse colline di ciottoli al centro di un'area rettangolare. I giardini potrebbero completarsi a vicenda.
Alla fine del XV sec. si formò la scuola di corte di pittura decorativa Kano. Il fondatore della scuola Kano Masanobu (1434-1530) proveniva da una classe militare, diventando un riconosciuto artista professionista di corte. I suoi paesaggi avevano solo il primo piano, tutto il resto era coperto da una foschia nebbiosa. L'enfasi su un particolare soggetto dell'immagine sarebbe diventata caratteristica della scuola di Kano. Il posto principale nel lavoro degli artisti della scuola di Kano era occupato da pitture murali decorative e paraventi con pittura di genere. Le pitture murali sono diventate la componente principale della sintesi con la forma architettonica e un mezzo per influenzare il significato figurativo dello spazio architettonico. A loro volta, le caratteristiche della forma architettonica richiedevano determinate qualità stilistiche dei dipinti, motivo per cui si formò gradualmente un nuovo canone stilistico, conservato nella pittura giapponese fino al XIX secolo.
Shinden è un tipo di edificio residenziale. Di pianta rettangolare, l'edificio principale ad aula unica, rivolto verso la piazza con la sua facciata meridionale, e incorniciato da gallerie da est e da ovest
Periodo Momoyama (1X73-1614)
E questa volta l'era delle guerre feudali finì, il potere nel paese passò ai successivi dittatori militari: Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Iyaesu Tokugawa. Era un'epoca di crescita urbana, di secolarizzazione e democratizzazione della cultura, di penetrazione di nuovi orientamenti di valore. L'architettura di culto ha perso il suo antico significato. I nuovi governanti del Giappone dichiararono il loro potere costruendo grandiosi castelli, la cui costruzione fu causata dalla comparsa delle armi da fuoco in Giappone e da un corrispondente cambiamento nelle tattiche di combattimento e difesa. Il castello è diventato un tipo fondamentalmente nuovo di architettura giapponese. Il territorio del castello, situato in posizione asimmetrica, circondato da un fossato e da torri di guardia e angolari, comprendeva una piazza centrale e numerosi cortili e stanze, ricoveri sotterranei e passaggi. Gli alloggi erano situati in un edificio in legno situato sul territorio del castello con una rigida gerarchia dello spazio interno, che rifletteva la gerarchia sociale. Gli interni dei castelli, immersi nella penombra, erano i più adatti per pitture murali decorative, di dimensioni grandiose, piene di colori vivaci su fondo dorato.
Kano Eitoku (1543-1590). Il creatore di un nuovo stile di murales, progettato per glorificare i dittatori militari. Sviluppa dapprima il principio di un'unica composizione su grandi superfici orizzontali, allargando le forme, abbandonando piccole parti trasmettere non solo le sagome, ma anche la dinamica delle loro forme. Eitoku si caratterizza per la volontà di aumentare la piattezza del quadro, per esaltarne le qualità decorative. Quindi, in luoghi che simboleggiano lo spazio vuoto, ci sono macchie con una mescolanza di polvere d'oro. Lo spazio della composizione si dispiega non in profondità, ma lungo lo sguardo.
Nel 1576, sulle rive del lago Biwa, fu eretto un castello fino ad allora sconosciuto con una colossale torre di sette piani, che avrebbe dovuto dimostrare il potere del dittatore Oda Nobunaga. Una caratteristica del castello era la presenza non solo di camere ufficiali, ma anche private. Le decorazioni principali delle stanze erano pitture murali, commissionate da Kano Eitoku, che vi lavorò per tre anni con un folto gruppo di assistenti. Kano Eitoku, affrettato dal dittatore con l'esecuzione dell'ordine, iniziò ad ingrandirne le forme, servendosi di uno spesso pennello di paglia di riso, ricorrendo ad un laconico linguaggio artistico. Il posto principale era occupato dall'immagine di alberi, fiori, uccelli e animali. La combinazione di colori era brillante, non c'erano sfumature di colore.
Il cambiamento della situazione sociale nel paese dopo l'ascesa al potere degli shogun Tokugawa portò al divieto di costruzione di castelli.
Nell'opera di artisti del primo terzo del XVII secolo. nuovi tratti iniziano a prendere il sopravvento. Nella pittura divenne più evidente il desiderio di composizioni equilibrate e calme, la crescita di forme ornamentali, l'interesse per la cultura dell'era Heian e le opere di Yamato-e. Una caratteristica distintiva della scuola Kano di questo periodo è l'ornamentazione e la maggiore decoratività. Quando nel secondo quarto del XVII secolo. la costruzione di castelli fu vietata, lo schermo divenne la principale forma di pittura decorativa. La monumentalità di Kano Eitoku ha lasciato la pittura decorativa. L'arte ha acquisito una colorazione personale che ne ha influenzato le qualità stilistiche. Decorativo dipinto XVII v. il più delle volte ispirato agli eroi e ai temi della letteratura classica, che riflette la gamma di interessi dell'aristocrazia tribale e il bassotto dell'élite borghese emergente. Pittura decorativa sviluppata nella vecchia capitale - Kyoto.
Ogata Korin divenne il portavoce del gusto dei nuovi consumatori d'arte: abitanti delle città, commercianti e artigiani. nuovo rappresentante Scuole Kano.
Emakimano è un rotolo orizzontale di carta o seta incollato su una base incorniciata da un bordo di broccato con un rullo di legno all'estremità.
Ogata Korin (1658-1716) visse come un ricco libertino, visitando costantemente i "distretti del divertimento". Solo dopo la rovina, di fronte al forte bisogno di guadagnarsi da vivere, iniziò a dipingere tessuti ea dipingere. Ogata Korin si è occupata sia della ceramica che della lacca, ha dipinto kimono e ventagli. Come
maestro, ha iniziato a conoscere pittura tradizionale e i suoi metodi. Korin ha sempre cercato la compattezza, l'equilibrio delle forme, caratteristica saliente modo creativo: concentrarsi sullo sviluppo di diversi motivi della trama, sulla loro ripetuta ripetizione e variazione. Nel lavoro di Ogata Korin, per la prima volta, è apparso il lavoro dalla natura. Nel dipinto del paravento “Red and White Plum Tree”, il motivo della trama ripreso da Korin risale alla poesia classica con le sue immagini dell'inizio della primavera e del risveglio della natura. Su entrambi i lati del ruscello, su fondo dorato, sono scritti alberi in fiore: un tozzo, con un grosso tronco ricurvo e rami che salgono quasi verticalmente, un susino rosso e un altro, indicato solo dal piede del tronco e fortemente ricurvo, come se cadesse nell'acqua, e quindi improvvisamente si alzò su un ramo, cosparso di fiori bianchi.
Kano Eitoku falco su un pino. Schermo. Particolare della fine del XVI secolo.
Ogata Kenzan (1663-1743), a differenza del fratello maggiore Ogata Korin, gravitato verso valori spirituali fin dalla giovinezza, era un seguace del buddismo zen, conosceva il cinese e il giapponese letteratura classica, teatro Noh, rituale del tè. Sul territorio appartenente al tempio Ninnaji, Kenzan ricevette il permesso di costruire la propria fornace per la ceramica, che produsse prodotti per 13 anni fino al 1712. Non cercava la redditività, era guidato dall'idea di creare prodotti altamente artistici . Per la prima volta, ha utilizzato le tradizionali tecniche di pittura a inchiostro nella pittura volumetrica. Kenzan iniziò a usare il colore, scriveva su un frammento umido, l'argilla porosa assorbiva la vernice, come la carta nella pittura a inchiostro. Come il suo grande poeta contemporaneo Basho, che ha trasformato il popolare genere basso dell'haiku in una rivelazione, Ogata Kenzan ha dimostrato che i normali piatti, tazze e vasi di ceramica possono essere sia oggetti utilitaristici che allo stesso tempo capolavori d'arte poetici.
Periodo Edo (1614-1868)
Nel 1615, i samurai furono reinsediati da Kyoto a Edo. Crebbe l'importanza della classe dei mercanti, dei mercanti e degli usurai, concentrata a Mara, Kyoto e Osaka. Per i rappresentanti di questi gruppi sociali era caratterizzato da una percezione secolare della vita, dal desiderio di liberarsi dall'influenza della morale feudale. Per la prima volta l'arte affronta i temi della vita quotidiana, compresa la vita dei cosiddetti. quartieri divertenti: il mondo delle case da tè, il teatro Kabuki, i lottatori di sumo. La comparsa delle xilografie era associata alla democratizzazione della cultura, poiché le incisioni sono caratterizzate da circolazione, economicità e accessibilità. Dopo pittura domestica l'incisione divenne nota come ukiyo-e (letteralmente - il mondo mortale e mutevole).
La produzione di incisioni ha acquisito una vasta portata. Il primo periodo nello sviluppo della grafica ukiyo-e è associato al nome di Hasikawa Moronobu (1618-1694), che raffigurava scene semplici della vita degli abitanti delle case da tè, artigiani, combinando eventi in tempi diversi, estranei a ciascuno altro, su un'incisione. Lo sfondo delle incisioni è rimasto bianco, le linee erano chiare. A poco a poco, la gamma di temi delle incisioni si espanse, l'interesse non solo per l'esterno, ma anche per il mondo interiore dei personaggi divenne più profondo. Incisione giapponese nel 1780-1790. entra nel suo periodo di massimo splendore. Suzuki Haranobu (1725-1770) iniziò per la prima volta a rivelare mondo interiore eroi in incisioni come "Bellezze che strappano un ramo di prugna", "Amanti in un giardino innevato". È stato il primo a utilizzare la tecnica del rotolamento, che crea una transizione dal tono scuro a quello chiaro, variando lo spessore e la consistenza delle linee. Non gli sono mai importati dei colori reali, il mare nelle sue incisioni è rosa, il cielo è sabbioso, l'erba è blu, tutto dipende dal generale stato d'animo emotivo scene. Uno dei suoi migliori lavori, "Lovers Playing the Same Shamisen", è stato ispirato dal proverbio giapponese "Se la musica promuove l'amore, suona".
Tokonoma: una nicchia all'interno di una casa da tè
Kitagawa Utamaro (1753-1806) - un eccezionale maestro di ukiyo-e. Il suo lavoro è iniziato con gli album "The Book of Insects", "Songs of Shells". Nei suoi ritratti di donne a mezzo busto e busto, Utamaro usa per la prima volta la polvere di mica, che crea uno sfondo scintillante. Bellezza perfetta Utamaro con una forma aggraziata e una vestibilità della testa,
collo sottile, bocca piccola, sopracciglia nere e corte. Nella serie "Dieci personaggi femminili"e" Giorni e ore delle donne "ha cercato di identificare diversi tipi di aspetto e carattere delle donne. Alla fine degli anni '90. in Utamaro affronta il tema della maternità in incisioni come "Madre con Bambino" e "Gioco della Palla", contemporaneamente realizza trittici e polittici su temi storici, ricorrendo alla designazione indiretta (gli eroi del paese sono raffigurati come bellezze). Teshusai Shyaraku ha creato una serie di ritratti di attori di teatro kabuki e lottatori di sumo. Abbandonò le tradizioni generalmente accettate, facendo del grottesco la sua tecnica principale. Il terzo periodo nello sviluppo delle stampe ukiyo-e cade nel 1800-1868. In questo periodo, l'influenza delle incisioni olandesi e tedesche sull'arte giapponese aumentò. Per la creatività della dinastia artistica Utagawa, il rifiuto della ricerca dell'individualità, il desiderio di eleganza formale sono diventati i personaggi. Il periodo di massimo splendore del genere paesaggistico nell'incisione è associato al nome di Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai ha studiato l'arte giapponese antica e moderna, ha conosciuto l'arte della Cina e ha conosciuto l'incisione europea. Fino a quasi 50 anni, Hokusai ha lavorato nel modo tradizionale degli artisti ukiyo-e. Solo negli album Manga (un libro di schizzi), il cui primo volume fu pubblicato nel 1812, Hokusai trovò il suo campo artistico. Ora dipingeva scene quotidiane, paesaggi, folle.
giardini paesaggistici giapponesi
All'età di 70 anni, Hokusai creò la sua serie "36 vedute del Monte Fuji", su ciascuna delle incisioni l'artista raffigura il Monte Fuji. La combinazione del tema del genere con il paesaggio è una caratteristica di Hokusai. A differenza degli antichi pittori di paesaggi, Hokusai mostra la terra dal basso. Allo stesso tempo, crea la serie "Viaggio attraverso le cascate del paese", "Bridges", "Big Flowers", "100 Views of Fuji". Hokusai poteva trasmettere le cose da un'angolazione inaspettata. Nelle incisioni 100 Vedute del Fuji, le montagne o emergono dall'oscurità della notte, come una visione, o sono visibili dietro gli steli di bambù, o si riflettono nel lago. Il seguace di Hokusai Ando Hiroshige (1797-1858) dipinse la natura in modo molto più realistico. Agente fluviale di professione, ha viaggiato molto in tutto il paese, creando le sue serie "53 stazioni Tokaido", "8 vedute del lago Omi", "69 vedute di Kishikaido". L'arte di Hiroshige si avvicina alla pittura europea, completando il periodo di massimo splendore di duecento anni dell'incisione ukiyo-e.
ArtelinoLa grande onda di Kanagawa di Katsushika Hokusai (1760-1849) è una delle stampe più famose e il primo foglio della serie Trentasei vedute del Fuji. All'inizio degli anni 1830, Katsushika Hokusai, commissionato dalla casa editrice Eijudo, iniziò a creare una serie di 46 fogli (36 principali e 10 aggiuntivi), e The Great Wave off Kanagawa era un'incisione che apre l'intera serie.
Tali raccolte di incisioni servivano come una sorta di "viaggio virtuale" per i cittadini dell'epoca, un modo comodo ed economico per soddisfare la curiosità. Le stampe simili a Fuji costano circa 20 mon, più o meno come una doppia porzione di noodles in un ristorante giapponese dell'epoca. Tuttavia, il successo fu così grande che nel 1838 il costo dei fogli di Hokusai era cresciuto fino a quasi 50 mon, e dopo la morte del maestro, la sola Wave fu ristampata da nuove tavole più di 1000 volte.
Sorprendentemente, nonostante il tema dichiarato dell'intera serie, Fuji in The Wave sembra avere un ruolo secondario. Il "personaggio" principale di questa incisione è un'onda, e in primo piano si svolge una scena drammatica della lotta di un uomo con gli elementi. I bordi della cresta di schiuma sembrano le dita contorte di un fantastico demone arrabbiato, e l'assenza di volto e l'inattività delle figure umane nelle barche non lasciano dubbi su chi sarà il vincitore in questa lotta. Tuttavia, non è questo confronto il conflitto che crea la trama dell'incisione.
Fermando il momento dopo il quale le barche si schiantano, Hokusai permette allo spettatore di vedere Fuji per un momento contro il cielo grigio, che si oscura verso l'orizzonte. Sebbene gli incisori giapponesi conoscessero già i principi del lineare europeo e prospettiva aerea, non sentivano il bisogno di questa tecnica. Lo sfondo scuro, così come il lungo viaggio dell'occhio dal primo piano con le barche attraverso il movimento dell'onda fino al Fuji, convincono l'occhio che la montagna sacra è separata da noi dalla distesa del mare.
Fuji sorge lontano dalla riva come simbolo di stabilità e costanza, in contrasto con gli elementi tempestosi. L'unità e l'interdipendenza degli opposti sono alla base dell'idea di ordine cosmico e di assoluta armonia nella visione del mondo dell'Estremo Oriente, e furono loro a diventare il tema principale dell'incisione "The Great Wave off Kanagawa", che aprì la serie di Katsushika Hokusai.
"Bellezza Nanivaya Okita" di Kitagawa Utamaro, 1795-1796
Istituto d'arte di Chicago
Kitagawa Utamaro (1753-1806) può essere giustamente definito il cantore della bellezza femminile nelle stampe giapponesi. ukiyo-e: ha creato una serie di immagini canoniche di bellezze giapponesi ( bijinga) - gli abitanti delle case da tè e il famoso quartiere dei divertimenti Yoshiwara nella capitale del Giappone, Edo edo — il nome di Tokyo prima del 1868..
Nell'incisione bijinga, tutto non è proprio come sembra allo spettatore moderno. Le nobildonne riccamente vestite erano, di regola, impegnate in un mestiere vergognoso e appartenevano alla classe inferiore, e le incisioni con ritratti di bellezze avevano una funzione apertamente pubblicitaria. Allo stesso tempo, l'incisione non dava un'idea dell'aspetto della ragazza, e sebbene Okita della casa da tè Nanivaya vicino al tempio di Asakusa fosse considerata la prima bellezza di Edo, il suo volto nell'incisione è completamente privo di individualità.
Dal X secolo, le immagini femminili nell'arte giapponese sono state soggette al canone del minimalismo. "Line-eye, hook-nose" - ricezione hikime-kagihana ha permesso all'artista solo di indicare che era raffigurata una certa donna: nella cultura tradizionale giapponese, il tema della bellezza fisica era spesso omesso. Nelle donne di nobile nascita, la "bellezza del cuore" e l'educazione erano molto più apprezzate, e gli abitanti dei quartieri allegri si sforzavano di imitare in tutto i più alti esempi. Secondo Utamaro, Okita era veramente bella.
Il foglio "Beauty Nanivaya Okita" fu stampato nel 1795-1796 nella serie "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets", in cui a ciascuna bellezza corrispondeva uno degli scrittori del IX secolo. Sul foglio con il ritratto di Okita in alto a sinistra c'è l'immagine di Arivara no Narihira (825-880), uno dei poeti più venerati del Giappone, a cui è tradizionalmente attribuito il romanzo Ise Monogatari. Questo nobile nobile e geniale poeta divenne famoso anche per le sue storie d'amore, alcune delle quali costituirono la base del romanzo.
Questo foglio è un uso peculiare della tecnica mitare(confronti) nell'incisione giapponese. Le qualità di un "prototipo" autorevole vengono trasferite alla bellezza raffigurata, e l'elegante cortigiana, dal volto sereno che serve una tazza di tè all'ospite, è già letta dallo spettatore come una dama abile nella poesia e nelle gesta d'amore. Il paragone con Arivara no Narihira è stato davvero un riconoscimento della sua superiorità tra le bellezze di Edo.
Allo stesso tempo, Utamaro crea un'immagine sorprendentemente lirica. Bilanciando punti scuri e chiari sulla foglia e delineando la forma con linee melodiose ed eleganti, crea un'immagine davvero perfetta di grazia e armonia. La "pubblicità" si allontana e la bellezza catturata da Utamaro rimane senza tempo.
Paravento "Iris" di Ogata Korin, 1710
Wikimedia Commons / Museo Nezu, Tokyo
Una coppia di paraventi a iris a sei pannelli - ora un tesoro nazionale del Giappone - furono creati da Ogata Korin (1658-1716) intorno al 1710 per il tempio Nishi Hongan-ji a Kyoto.
Dal XVI secolo, la pittura su pannelli murali e schermi di carta è diventata uno dei principali generi di arte decorativa in Giappone e Ogata Korin, il fondatore della scuola d'arte Rinpa, è stato uno dei suoi più grandi maestri.
Gli schermi all'interno giapponese hanno svolto un ruolo importante. Gli spaziosi locali del palazzo non erano strutturalmente diversi dalle abitazioni di un semplice giapponese: non avevano quasi pareti interne e lo spazio era suddiviso in zone con paraventi. Alti poco più di un metro e mezzo, gli schermi sono stati progettati per la comune tradizione giapponese di tutte le classi di vivere sul pavimento. In Giappone, seggioloni e tavoli non sono stati utilizzati fino al XIX secolo e l'altezza dello schermo, così come la composizione del suo dipinto, è progettata per la vista di una persona seduta sulle sue ginocchia. È da questo punto di vista che nasce un effetto sorprendente: gli iris sembrano circondare la persona seduta - e una persona può sentirsi sulle rive del fiume, circondata dai fiori.
Le iridi sono dipinte in modo non contorno - quasi impressionistico, ampi tratti di tempera blu scuro, lilla e viola trasmettono la lussureggiante magnificenza di questo fiore. L'effetto pittoresco è esaltato dal luccichio opaco dell'oro, contro il quale sono raffigurate le iridi. Gli schermi non raffigurano altro che fiori, ma la loro linea spigolosa di crescita suggerisce che i fiori si pieghino attorno al corso tortuoso del fiume o agli zigzag dei ponti di legno. Sarebbe naturale per i giapponesi vedere mancare un ponte dallo schermo, uno speciale "ponte di otto assi" ( yatsuhashi ascolta)), associato agli iris nella letteratura giapponese classica. Il romanzo Ise Monogatari (IX secolo) descrive il triste viaggio di un eroe espulso dalla capitale. Dopo essersi sistemato con il suo seguito per riposare sulla riva del fiume vicino al ponte Yatsuhashi, l'eroe, vedendo gli iris, ricorda la sua amata e compone poesie:
il mio amato in abiti
Grazioso lì, nella capitale,
L'amore è rimasto...
E penso con desiderio quanto
sono lontano da lei... Traduzione di NI Konrad.
"Così ha piegato, e tutti hanno versato lacrime sul loro riso essiccato, in modo che si gonfiasse di umidità", aggiunge l'autore ed eroe lirico della storia, Arivara no Narihira.
Per un giapponese colto, la connessione tra gli iris del ponte e Ise monogatari, gli iris e il tema dell'amore separato era chiara, e Ogata Korin evita la verbosità e l'illustratività. Con l'aiuto della pittura decorativa, crea solo uno spazio ideale pieno di luce, colore e connotazioni letterarie.
Padiglione d'oro Kinkakuji, Kyoto, 1397
Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006
Il Tempio d'Oro è uno dei simboli del Giappone, che, ironia della sorte, fu glorificato più dalla sua distruzione che dalla sua costruzione. Nel 1950, un monaco mentalmente instabile del monastero di Rokuonji, a cui appartiene questo edificio, diede fuoco a uno stagno che si trovava sulla superficie del
padiglione Durante un incendio nel 1950, il tempio fu quasi distrutto. I lavori di restauro a Kinkaku-ji iniziarono nel 1955, nel 1987 la ricostruzione nel suo insieme fu completata, ma il restauro della decorazione interna completamente perduta continuò fino al 2003.. I veri motivi del suo atto sono rimasti poco chiari, ma nell'interpretazione dello scrittore Yukio Mishima, la colpa era dell'irraggiungibile, quasi mistica bellezza di questo tempio. In effetti, per diversi secoli, Kinkakuji è stato considerato l'epitome della bellezza giapponese.
Nel 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), che soggiogò quasi tutto il Giappone alla sua volontà, si ritirò formalmente e si stabilì in una villa appositamente costruita nel nord di Kyoto. L'edificio a tre livelli sul lago artificiale Kyokoti ("lago-specchio") ha svolto il ruolo di una sorta di eremo, un padiglione appartato per il relax, la lettura e la preghiera. Conteneva una collezione di dipinti dello shogun, una biblioteca e una collezione di reliquie buddiste. Situato sull'acqua vicino alla riva, Kinkakuji aveva solo comunicazioni via barca con la riva ed era la stessa isola delle isole artificiali con pietre e pini sparsi intorno a Kyokoti. L'idea dell '"isola dei celestiali" è stata presa in prestito dalla mitologia cinese, in cui l'isola di Penglai, l'isola degli immortali, fungeva da immagine della dimora celeste. Il riflesso del padiglione nell'acqua evoca già associazioni buddiste con idee sulla natura illusoria del mondo mortale, che è solo un pallido riflesso dello splendore del mondo della verità buddista.
Sebbene tutte queste sfumature mitologiche siano speculative, la posizione del padiglione gli conferisce un'incredibile armonia e armonia. La riflessione nasconde la tozza dell'edificio, rendendolo più alto e più snello; allo stesso tempo, è l'altezza del padiglione che permette di vederlo da qualsiasi sponda dello stagno, sempre su uno sfondo scuro di verde.
Resta, tuttavia, non del tutto chiaro quanto fosse d'oro questo padiglione forma originale. Probabilmente, sotto Ashikaga Yoshimitsu, era davvero ricoperto di foglie d'oro e strato protettivo vernice. Ma se credi alle fotografie del XIX e dell'inizio del XX secolo e di Yukio Mishima, a metà del XX secolo la doratura si era quasi staccata ei suoi resti erano visibili solo sul livello superiore dell'edificio. In questo momento, ha piuttosto toccato l'anima con il fascino della desolazione, le tracce del tempo, inesorabile anche alle cose più belle. Questo fascino malinconico corrispondeva al principio estetico Sabi molto venerato nella cultura giapponese.
In un modo o nell'altro, lo splendore di questo edificio non era affatto in oro. La squisita severità delle forme di Kinkakuji e la sua impeccabile armonia con il paesaggio ne fanno uno dei capolavori dell'architettura giapponese.
Ciotola "Iris" nello stile del karatsu, secoli XVI-XVII
Diane Martineau /pinterest.com/Il Metropolitan Museum of Art, New York
La parola meibutsu- una cosa con un nome. Solo il nome di questa coppa è sopravvissuto davvero, poiché né l'ora e il luogo esatti della sua creazione, né il nome del maestro sono stati conservati. Tuttavia, è elencato tra i tesori nazionali del Giappone ed è uno degli esempi più brillanti di ceramica in stile nazionale.
Alla fine del XVI secolo, la cerimonia del tè cha-no-yu abbandonato il sofisticato Porcellana cinese e ceramiche con smalti che ricordano materiali preziosi. La loro spettacolare bellezza sembrava troppo artificiale e schietta ai maestri del tè. Oggetti perfetti e costosi - ciotole, recipienti per l'acqua e contenitori per il tè - non corrispondevano ai canoni spirituali quasi ascetici del buddismo zen, nello spirito del quale si sviluppò la cerimonia del tè. Una vera rivoluzione nell'azione del tè fu l'appello alla ceramica giapponese, molto più semplice e senza arte in un momento in cui i laboratori del Giappone avevano appena iniziato a padroneggiare le tecnologie della ceramica continentale.
La forma della ciotola Iris è semplice e irregolare. La leggera curvatura delle pareti, le ammaccature del vasaio visibili su tutto il corpo conferiscono alla ciotola una facilità quasi ingenua. Il frammento di argilla è ricoperto da una leggera glassa con una rete di fessure - craquelure. Sul lato anteriore, che si rivolge all'ospite durante la cerimonia del tè, sotto lo smalto è applicata l'immagine di un iris: il disegno è ingenuo, ma eseguito con un pennello energico, esattamente, come in un unico movimento, nello spirito dello Zen calligrafia. Sembra che sia la forma che l'arredamento avrebbero potuto essere realizzati spontaneamente e senza l'applicazione di forze speciali.
Questa spontaneità riflette l'ideale wabi- semplicità e semplicità, che danno origine a un senso di libertà spirituale e armonia. Qualsiasi persona o anche un oggetto inanimato nelle opinioni dei seguaci giapponesi del buddismo zen ha la natura illuminata del Buddha, e gli sforzi dell'adepto mirano a scoprire questa natura in se stesso e nel mondo che lo circonda. Le cose usate nella cerimonia del tè, nonostante tutta la loro goffaggine, avrebbero dovuto evocare una profonda esperienza della verità, l'attualità di ogni momento, costretti a scrutare nelle forme più ordinarie e vedere in esse la vera bellezza.
Il contrasto con la trama ruvida della ciotola e la sua semplicità è il restauro con una piccola lacca dorata scheggiata (questa tecnica è chiamata kintsugi). Il restauro è stato eseguito nel XVIII secolo e dimostra la riverenza con cui i maestri del tè giapponesi trattavano gli utensili per la cerimonia del tè. Così la cerimonia del tè offre ai partecipanti un "modo" per scoprire la vera bellezza delle cose, come la ciotola dell'iride. L'implicitezza, la segretezza è diventata la base del concetto estetico di wabi e una parte importante della visione del mondo giapponese.
Ritratto del monaco Gandzin, Nara, 763
Toshodaji, 2015
Nell'VIII secolo la scultura divenne la principale forma di espressione artistica dell'epoca, l'era Nara (710-794), associata alla formazione dello stato giapponese e al rafforzamento del buddismo. I maestri giapponesi hanno già superato la fase dell'apprendistato e dell'imitazione cieca di tecniche e immagini continentali e hanno iniziato a esprimere liberamente e vividamente lo spirito del loro tempo nella scultura. La diffusione e la crescita dell'autorità del buddismo hanno causato la comparsa di un ritratto scultoreo buddista.
Uno dei capolavori di questo genere è il ritratto di Gandzin, realizzato nel 763. Realizzata con la tecnica della laccatura a secco (costruendo strati di lacca su un telaio di legno ricoperto di tessuto), la scultura quasi a grandezza naturale è stata dipinta in modo realistico, e nel crepuscolo del tempio, Ganjin sedeva in una posa di meditazione “come se vivo”. Questa verosimiglianza era la principale funzione di culto di tali ritratti: l'insegnante doveva essere sempre tra le mura del monastero Todaiji nella città di Nara ed essere presente ai più importanti servizi divini.
Successivamente, nell'XI-XIII secolo, i ritratti scultorei raggiunsero un illusionismo quasi spietato, raffigurando l'infermità senile di venerabili insegnanti, le loro bocche infossate, le guance cascanti e le rughe profonde. Questi ritratti guardano gli aderenti al buddismo con occhi vivi, intarsiati con cristallo di rocca e legno. Ma il viso di Gandzin sembra sfocato, non ci sono contorni chiari e forme chiare in esso. Le palpebre degli occhi semichiusi e non incrostati appaiono gonfie; la bocca tesa e le profonde pieghe naso-labiali esprimono l'abituale cautela piuttosto che la concentrazione della meditazione.
Tutte queste caratteristiche rivelano la drammatica biografia di questo monaco, la storia di incredibili ascesi e tragedie. Ganjin, un monaco buddista cinese, è stato invitato in Giappone per la cerimonia di consacrazione del più grande monastero di Nara, Todaiji. La nave fu catturata dai pirati, pergamene inestimabili e sculture buddiste destinate a un lontano tempio giapponese andarono perse nell'incendio, Ganjin si ustionò la faccia e perse la vista. Ma non ha lasciato il desiderio di predicare all'estrema periferia della civiltà, vale a dire come il Giappone era percepito dal continente in quel momento.
Diversi altri tentativi di attraversare il mare si sono conclusi nello stesso modo infruttuoso, e solo al quinto tentativo, il Ganjin già di mezza età, cieco e malaticcio raggiunge la capitale giapponese di Nara.
In Giappone, Ganjin non ha insegnato a lungo la legge buddista: i drammatici eventi della sua vita hanno minato la sua salute. Ma la sua autorità era così alta che, probabilmente, anche prima della sua morte, si decise di creare la sua scultura. Indubbiamente, i monaci-artisti hanno cercato di dare alla scultura la massima somiglianza possibile con il modello. Ma questo non è stato fatto per salvare aspetto di una persona, ma per catturare la sua esperienza spirituale individuale, quel difficile percorso che ha attraversato Ganjin e a cui ha chiamato l'insegnamento buddista.
Daibutsu - Grande Buddha del tempio Todaiji, Nara, metà dell'VIII secolo
Todd/flickr.com
A metà dell'VIII secolo, il Giappone soffrì di disastri naturali ed epidemie, e gli intrighi dell'influente famiglia Fujiwara e la ribellione che sollevarono costrinsero l'imperatore Shomu a fuggire dalla capitale, la città di Nara. In esilio, giurò di seguire la via degli insegnamenti buddisti e nel 743 ordinò che iniziasse la costruzione del tempio principale del paese e la fusione di un colossale statua di bronzo Buddha Vairochana (Buddha Grande Sole o Tutta la Luce Illuminante). Questa divinità era considerata l'incarnazione universale del Buddha Shakyamuni, il fondatore degli insegnamenti buddisti, e avrebbe dovuto diventare il garante della protezione dell'imperatore e dell'intero paese durante il periodo di disordini e ribellioni.
I lavori iniziarono nel 745 e furono modellati sulla gigantesca statua del Buddha nei templi rupestri di Longmen vicino alla capitale cinese Luoyang. La statua di Nara, come ogni immagine del Buddha, avrebbe dovuto mostrare "grandi e piccoli segni del Buddha". Questo canone iconografico includeva lobi delle orecchie allungati, che ricordano il fatto che Buddha Shakyamuni proveniva da una famiglia principesca e fin dall'infanzia indossava orecchini pesanti, un'elevazione sulla sommità della testa (ushnisha), un punto sulla fronte (urna).
L'altezza della statua era di 16 metri, la larghezza del viso era di 5 metri, la lunghezza del palmo disteso era di 3,7 metri e l'urna era più grande di una testa umana. La costruzione ha richiesto 444 tonnellate di rame, 82 tonnellate di stagno e un'enorme quantità di oro, la cui ricerca è stata intrapresa appositamente nel nord del paese. Attorno alla statua fu eretta una sala, il Daibutsuden, per proteggere il santuario. Nel suo piccolo spazio, una figura di Buddha seduta leggermente arcuata riempie l'intero spazio, illustrando uno dei principali postulati del buddismo: l'idea che la divinità sia onnipresente e onnipervadente, abbraccia e riempie tutto. La calma trascendentale del volto e il gesto della mano della divinità (mudra, il gesto di concedere protezione) completano la sensazione della calma grandezza e potenza del Buddha.
Tuttavia, oggi rimangono solo pochi frammenti della statua originale: incendi e guerre hanno causato enormi danni alla statua nel XII e XVI secolo, e la statua moderna è principalmente un calco del XVIII secolo. Durante il restauro del XVIII secolo, la figura in bronzo non era più ricoperta d'oro. Lo zelo buddista dell'imperatore Shomu nell'VIII secolo praticamente svuotò il tesoro e dissanguò il paese già sconvolto, ei governanti successivi non potevano più permettersi una spesa così smodata.
Tuttavia, il significato di Daibutsu non risiede nell'oro e nemmeno nell'autenticità affidabile: l'idea stessa di un'incarnazione così grandiosa degli insegnamenti buddisti è un monumento a un'era in cui il giapponese arte monumentale conobbe una vera e propria fioritura, si liberò dalla copia cieca di modelli continentali e raggiunse integrità ed espressività, poi perdute.
Giappone? Come si è sviluppato? Risponderemo a queste e ad altre domande nell'articolo. La cultura giapponese si è formata come risultato di un movimento storico iniziato quando i giapponesi si trasferirono dalla terraferma all'arcipelago e nacque la civiltà del periodo Jomon.
L'attuale illuminazione di questo popolo è stata fortemente influenzata da Europa, Asia (in particolare Corea e Cina) e Nord America. Uno dei segni della cultura giapponese è il suo lungo sviluppo nell'era del completo isolamento dello stato (politica sakoku) da tutti gli altri paesi durante il regno dello shogunato Tokugawa, che durò fino alla metà del XIX secolo - l'inizio del epoca Meiji.
Influenza
Come si è sviluppata la cultura artistica del Giappone? La civiltà è stata significativamente influenzata dalla posizione regionale isolata del paese, dalle caratteristiche climatiche e geografiche, nonché dai fenomeni naturali (tifoni e frequenti terremoti). Ciò si esprimeva nello straordinario atteggiamento della popolazione nei confronti della natura come essere vivente. caratteristica carattere nazionale Il giapponese è la capacità di ammirare l'attuale bellezza dell'universo, che si esprime in molti tipi di arte in un piccolo paese.
La cultura artistica del Giappone è stata creata sotto l'influenza del buddismo, dello shintoismo e del confucianesimo. Queste stesse tendenze hanno influenzato il suo ulteriore sviluppo.
tempi antichi
D'accordo, la cultura artistica del Giappone è magnifica. Lo shintoismo ha le sue radici in tempi antichi. Il buddismo, sebbene sia apparso prima della nostra era, iniziò a diffondersi solo dal V secolo. Il periodo Heian (VIII-XII secolo) è considerato l'epoca d'oro dello stato del Giappone. Nello stesso periodo, la pittoresca cultura di questo paese raggiunse il suo apice.
Il confucianesimo apparve nel XIII secolo. In questa fase, c'era una separazione della filosofia di Confucio e del buddismo.
Geroglifici
L'immagine della cultura artistica del Giappone è incarnata in una versificazione unica, che si chiama In questo paese, anche l'arte della calligrafia è molto sviluppata, che, secondo la leggenda, è nata da immagini divine celesti. Sono stati loro a dare vita alla scrittura, quindi la popolazione è gentile con ogni segno di ortografia.
Si dice che siano stati i geroglifici a dare la cultura giapponese, poiché le immagini che circondano l'iscrizione sono apparse da loro. Poco dopo, si iniziò a osservare una forte combinazione di elementi di pittura e poesia in un'opera.
Se studi un rotolo giapponese, scoprirai che l'opera contiene due tipi di simboli. Questi sono segni di scrittura: sigilli, poesie, kolofen e pittoreschi. Allo stesso tempo, il teatro Kabuki ha guadagnato una grande popolarità. Un diverso tipo di teatro - Ma - è preferito principalmente dal personale militare. la loro severità e crudeltà hanno avuto una forte influenza su No.
Pittura
La cultura artistica è stata studiata da molti specialisti. Un ruolo enorme nella sua formazione è stato svolto dalla pittura kaiga, che in giapponese significa disegno o pittura. Quest'arte è considerata il tipo più antico di pittura dello stato, che è determinato da un numero enorme di soluzioni e forme.
In esso, un posto speciale è occupato dalla natura, che determina il principio sacro. La divisione della pittura in sumi-e e yamato-e esiste dal X secolo. Il primo stile si sviluppò più vicino al XIV secolo. È una specie di acquerello monocromatico. Yamato-e sono rotoli piegati orizzontalmente che sono comunemente usati nella decorazione di opere letterarie.
Poco dopo, nel XVII secolo, apparve nel paese la stampa su tablet: ukiyo-e. I maestri hanno raffigurato paesaggi, geishe, famosi attori del teatro Kabuki. Questo tipo di pittura nel XVIII secolo ha avuto una forte influenza sull'arte europea. La tendenza emergente si chiamava "giapponesismo". Nel Medioevo, la cultura del Giappone andò oltre i confini del paese: iniziò ad essere utilizzata nella progettazione di interni eleganti e alla moda in tutto il mondo.
Calligrafia
Oh, quanto è bella la cultura artistica del Giappone! La comprensione dell'armonia con la natura può essere vista in ciascuno dei suoi segmenti. Cos'è la calligrafia giapponese moderna? Si chiama shodo ("via delle notifiche"). La calligrafia, come la scrittura, è una disciplina obbligatoria. Gli scienziati hanno scoperto che quest'arte è arrivata lì contemporaneamente alla scrittura cinese.
A proposito, nei tempi antichi, la cultura di una persona veniva giudicata dal suo livello di calligrafia. Oggi esiste un gran numero di stili di scrittura e i monaci buddisti li sviluppano.
Scultura
Come è nata la cultura giapponese? Studieremo lo sviluppo e le tipologie di quest'area della vita umana nel modo più dettagliato possibile. La scultura è il tipo di arte più antico del Giappone. Nei tempi antichi, la gente di questo paese realizzava statuette di idoli e piatti di ceramica. Quindi le persone iniziarono a installare statue di khaniv, create da argilla cotta, sulle tombe.
Lo sviluppo dell'artigianato scultoreo nella moderna cultura giapponese è associato alla diffusione del buddismo nello stato. Uno dei rappresentanti più antichi dei monumenti giapponesi è considerato la statua del Buddha Amitabha, realizzata in legno, collocata nel tempio Zenko-ji.
Le sculture erano molto spesso realizzate con travi, ma sembravano molto ricche: gli artigiani le ricoprivano di vernice, oro e colori vivaci.
Origami
Ti piace la cultura artistica del Giappone? La comprensione dell'armonia con la natura porterà un'esperienza indimenticabile. tratto caratteristico La cultura giapponese è diventata prodotti sorprendenti di origami ("carta piegata"). Questa abilità deve la sua origine alla Cina, dove, infatti, è stata inventata la pergamena.
All'inizio, la "carta piegata" veniva usata nelle cerimonie religiose. Quest'arte poteva essere studiata solo dalla classe superiore. Ma dopo la seconda guerra mondiale, l'origami lasciò le case dei nobili e trovò i suoi estimatori in tutta la Terra.
Ikebana
Tutti dovrebbero sapere qual è la cultura artistica dei paesi dell'Est. Il Giappone ha investito molto lavoro nel suo sviluppo. Un altro componente di questa cultura paese meravigliosoè ikebana ("fiori vivi", "nuova vita dei fiori"). I giapponesi sono fan dell'estetica e della semplicità. Sono proprio queste due qualità che vengono investite nelle opere. La raffinatezza delle immagini si ottiene attraverso l'uso benefico della bellezza naturale della vegetazione. Anche l'ikebana, come l'origami, faceva parte di una cerimonia religiosa.
Miniature
Probabilmente, molti hanno già capito che la cultura artistica dell'antica Cina e del Giappone è strettamente intrecciata. E cos'è un bonsai? È un'abilità unica giapponese coltivare una replica in miniatura quasi esatta di un vero albero.
In Giappone è anche comune realizzare netsuke, piccole sculture che sono una specie di portachiavi. Spesso tali figurine in questa veste erano attaccate agli abiti dei giapponesi, che non avevano tasche. Non solo lo decoravano, ma fungevano anche da contrappeso originale. I portachiavi erano realizzati a forma di chiave, marsupio, cesto di vimini.
Storia della pittura
La cultura artistica dell'antico Giappone interessa molte persone. La pittura in questo paese ebbe origine durante il Paleolitico giapponese e si sviluppò in questo modo:
- Periodo Yamato. Durante il periodo di Asuka e Kofun (IV-VII secolo), insieme all'introduzione dei geroglifici, alla creazione di un regime statale in stile cinese e alla divulgazione del buddismo, molte opere d'arte furono portate in Giappone dalla Cina. Successivamente, i dipinti in stile cinese iniziarono a essere riprodotti nella Terra del Sol Levante.
- Ora di Nara. Nei secoli VI e VII. Il buddismo ha continuato a svilupparsi in Giappone. A questo proposito iniziò a fiorire la pittura religiosa, utilizzata per decorare i numerosi templi costruiti dall'aristocrazia. In generale, durante l'era Nara, il contributo allo sviluppo della scultura e dell'arte fu maggiore che nella pittura. I primi dipinti di questo ciclo includono murales sulle pareti interne del tempio Horyu-ji nella prefettura di Nara, raffiguranti la vita del Buddha Shakyamuni.
- Era Heian. Nella pittura giapponese, a partire dal X secolo, si distingue la tendenza di yamato-e, come abbiamo scritto sopra. Tali dipinti sono i rotoli orizzontali usati per illustrare i libri.
- L'era di Muromachi. Nel XIV secolo apparve lo stile Supi-e (acquerello monocromatico) e nella prima metà del XVII secolo. gli artisti iniziarono a stampare incisioni su tavole: ukiyo-e.
- La pittura dell'era Azuchi-Momoyama è in netto contrasto con la pittura del periodo Muromachi. Ha uno stile policromo con largo uso dell'argento e in questo periodo godette di grande prestigio e fama Istituto d'Istruzione Kano. Il suo fondatore fu Kano Eitoku, che dipinse soffitti e porte scorrevoli per separare le stanze. Tali disegni adornavano i castelli e i palazzi della nobiltà militare.
- epoca Maiji. Dal secondo metà del XIX secolo, l'arte si è divisa in stili tradizionali ed europei concorrenti. Durante l'era Maiji, il Giappone ha subito grandi cambiamenti sociali e politici attraverso il processo di modernizzazione ed europeizzazione organizzato dalle autorità. Giovani artisti promettenti sono stati inviati all'estero per studiare e artisti stranieri sono venuti in Giappone per creare programmi artistici scolastici. Comunque sia, dopo l'iniziale ondata di curiosità per lo stile artistico occidentale, il pendolo è tornato indietro e lo stile tradizionale giapponese è rinato. Nel 1880, le pratiche artistiche occidentali furono bandite dalle mostre ufficiali e pesantemente criticate.
Poesia
La cultura artistica dell'antico Giappone è ancora oggetto di studio. La sua caratteristica è la versatilità, alcuni sintetici, poiché si è formata sotto l'influenza di diverse religioni. È noto che la poesia classica giapponese è emersa dalla vita di tutti i giorni, ha agito al suo interno, e questa sua terrosità è stata conservata in una certa misura nelle forme tradizionali della poesia odierna: haiku a tre versi e tanka a cinque versi, che si distinguono per un pronunciato carattere di massa. A proposito, è proprio questa qualità che li distingue dal "verso libero" che gravita verso l'elitarismo, apparso in Giappone all'inizio del XX secolo sotto l'influenza della poesia europea.
Hai notato che le fasi di sviluppo della cultura artistica del Giappone sono sfaccettate? La poesia nella società di questo paese ha svolto un ruolo speciale. Uno dei generi più famosi è l'haiku, puoi capirlo solo familiarizzando con la sua storia.
Apparve per la prima volta nell'era Heian, era simile allo stile renga, che era una sorta di sfogo per i poeti che volevano prendersi una pausa dai versi riflessivi del wah. L'haikai si è sviluppato in un genere a sé stante nel XVI secolo quando il renga è diventato troppo serio e l'haiku ha fatto affidamento su colloquiale ed era ancora divertente.
Certo, la cultura artistica del Giappone è brevemente descritta in molte opere, ma proveremo a parlarne in modo più dettagliato. È noto che nel Medioevo uno dei generi letterari giapponesi più famosi era il tanka ("canto laconico"). Nella maggior parte dei casi si tratta di cinque versi, costituiti da una coppia di strofe con un numero fisso di sillabe: 5-7-5 sillabe in tre versi della prima strofa e 7-7 in due versi della seconda. Per quanto riguarda il contenuto, il tanka utilizza il seguente schema: la prima strofa rappresenta un'immagine naturale specifica e la seconda riflette il sentimento di una persona che riecheggia questa immagine:
- Nelle montagne lontane
Fagiano dalla coda lunga che sonnecchia -
Questa lunga, lunga notte
Posso dormire da solo? ( Kakinomoto no Hitovaro, inizio VIII secolo, tradotto da Sanovich.)
drammaturgia giapponese
Molti sostengono che la cultura artistica di Cina e Giappone sia affascinante. Ti piacciono le arti dello spettacolo? La drammaturgia tradizionale del Sol Levante si divide in joruri (teatro delle marionette), drammaturgia del teatro Noh (kyogen e yokyoku), teatro kabuki e shingeki. I costumi di quest'arte comprendono cinque generi teatrali di base: kyogen no, bugaku, kabuki e bunraku. Tutte queste cinque tradizioni sono ancora presenti oggi. Nonostante le colossali differenze, sono collegati da principi estetici comuni che sono alla base dell'arte giapponese. A proposito, la drammaturgia del Giappone è nata sul palcoscenico del n.
Il teatro Kabuki apparve nel XVII secolo e raggiunse il suo apogeo verso la fine del XVIII. La forma delle esibizioni che si sono sviluppate nel periodo specificato è conservata sul palcoscenico moderno di Kabuki. Le produzioni di questo teatro, contrariamente ai palcoscenici del No, incentrate su una ristretta cerchia di estimatori dell'arte antica, sono pensate per il pubblico di massa. Le radici delle abilità di Kabuki provengono dalle esibizioni di comici - interpreti di piccole farse, scene che consistevano in balli e canti. L'abilità teatrale del Kabuki ha assorbito gli elementi di joruri e no.
L'aspetto del teatro Kabuki è associato al nome dell'operaio del santuario buddista O-Kuni a Kyoto (1603). O-Kuni si è esibito sul palco con danze religiose, che includevano i movimenti delle danze popolari del Nembutsu-odori. Le sue esibizioni erano intervallate da commedie comiche. In questa fase, le produzioni erano chiamate yujo-kabuki (kabuki delle cortigiane), o-kuni-kabuki o onna-kabuki (kabuki delle donne).
Incisioni
Nel secolo scorso, gli europei, e poi i russi, hanno incontrato il fenomeno dell'arte giapponese attraverso l'incisione. Nel frattempo, nel Paese del Sol Levante, disegnare su un albero all'inizio non era affatto considerato un'abilità, sebbene avesse tutte le proprietà della cultura di massa: economicità, disponibilità, diffusione. Gli intenditori di Ukiyo-e sono stati in grado di ottenere la massima intelligibilità e semplicità sia nell'incarnazione delle trame che nella loro scelta.
Ukiyo-e era una scuola d'arte speciale, quindi è stata in grado di presentare un numero di maestri eccezionali. Pertanto, il nome di Hisikawa Moronobu (1618-1694) è associato alla fase iniziale dello sviluppo dell'incisione su trama. A metà del XVIII secolo, fu creato Suzuki Harunobu, il primo conoscitore dell'incisione multicolore. I motivi principali del suo lavoro erano scene liriche, in cui si prestava attenzione non all'azione, ma alla trasmissione di stati d'animo e sentimenti: amore, tenerezza, tristezza. Come la squisita arte antica dell'era Heian, i virtuosi ukiyo-e hanno fatto rivivere lo straordinario culto della squisita bellezza delle donne in un ambiente urbano rinnovato.
L'unica differenza era che invece degli orgogliosi aristocratici Heian, le stampe raffiguravano graziose geishe dei quartieri dei divertimenti di Edo. L'artista Utamaro (1753-1806) è, forse, un esempio unico di professionista nella storia della pittura, che ha dedicato completamente la sua creazione a raffigurare dame in varie pose e abiti, in varie circostanze della vita. Una delle sue opere migliori è l'incisione "Geisha Osama", che è conservata a Mosca, nel Museo di pittura Pushkin. L'artista ha trasmesso in modo insolitamente sottile l'unità del gesto e dell'umore, le espressioni facciali.
Manga e anime
Molti artisti cercano di studiare la pittura del Giappone. Cos'è l'anime (animazione giapponese)? Si differenzia da altri generi di animazione essendo più in sintonia con uno spettatore adulto. Qui c'è una divisione duplicativa in stili per un non ambiguo pubblico di destinazione. La misura dello schiacciamento è il genere, l'età o il ritratto psicologico dello spettatore. Molto spesso, l'anime è un adattamento cinematografico di fumetti manga giapponesi, anch'essi molto famosi.
La parte fondamentale del manga è pensata per uno spettatore adulto. Secondo i dati del 2002, circa il 20% dell'intero mercato del libro giapponese era occupato da fumetti manga.
Il Giappone ci è vicino geograficamente, ma, nonostante ciò, per lungo tempo è rimasto incomprensibile e inaccessibile al mondo intero. Oggi sappiamo molto di questo paese. Un lungo isolamento volontario ha portato al fatto che la sua cultura è completamente diversa dalle culture di altri stati.
Ha una storia molto ricca; la sua tradizione è ampia, con la posizione unica del Giappone nel mondo che influenza ampiamente gli stili e le tecniche dominanti degli artisti giapponesi. Fatto noto Il fatto che il Giappone sia stato piuttosto isolato per secoli è dovuto non solo alla geografia, ma anche alla propensione culturale giapponese dominante all'isolamento che ha segnato la storia del paese. Durante i secoli di quella che potremmo chiamare la "civiltà giapponese", la cultura e l'arte si sono sviluppate separatamente da quelle del resto del mondo. E questo è evidente anche nella pratica della pittura giapponese. Ad esempio, i dipinti di Nihonga sono tra i capisaldi della pratica pittorica giapponese. Si basa su oltre mille anni di tradizione e i dipinti sono solitamente creati con pennelli sulla tua (carta giapponese) o egina (seta).
Tuttavia, l'arte e la pittura giapponesi sono state influenzate da pratiche artistiche straniere. In primo luogo, è stata l'arte cinese nel XVI secolo e la pittura cinese e la tradizione artistica cinese ad essere particolarmente influenti in diversi modi. A partire dal XVII secolo, anche la pittura giapponese fu influenzata dalle tradizioni occidentali. In particolare, durante il periodo prebellico, che durò dal 1868 al 1945, la pittura giapponese fu influenzata dall'impressionismo e dal romanticismo europeo. Allo stesso tempo, anche i nuovi movimenti artistici europei furono significativamente influenzati dal giapponese tecniche artistiche. Nella storia dell'arte, questa influenza è indicata come "Giappone", ed è particolarmente significativa per gli impressionisti, i cubisti e gli artisti associati al modernismo.
La lunga storia della pittura giapponese può essere vista come una sintesi di diverse tradizioni che creano parti di un'estetica giapponese riconosciuta. Prima di tutto, l'arte e i metodi pittorici buddisti, così come la pittura religiosa, hanno lasciato un segno significativo nell'estetica dei dipinti giapponesi; la pittura di paesaggi con inchiostro ad acqua nella tradizione della pittura letteraria cinese è un altro elemento importante riconosciuto in molti famosi dipinti giapponesi; la pittura di animali e piante, in particolare uccelli e fiori, è ciò che è comunemente associato alle composizioni giapponesi, così come i paesaggi e le scene di Vita di ogni giorno. Infine, le antiche idee sulla bellezza della filosofia e della cultura dell'antico Giappone hanno avuto una grande influenza sulla pittura giapponese. Wabi, che significa bellezza transitoria e aspra, sabi (la bellezza della patina naturale e dell'invecchiamento) e yugen (profonda grazia e sottigliezza) influenzano ancora gli ideali nella pratica della pittura giapponese.
Infine, se ci concentriamo sulla scelta dei dieci capolavori giapponesi più famosi, dobbiamo menzionare l'ukiyo-e, che è uno dei generi artistici più popolari in Giappone, anche se appartiene all'incisione. Ha dominato l'arte giapponese dal XVII al XIX secolo, con artisti appartenenti a questo genere che hanno prodotto xilografie e dipinti di soggetti come belle ragazze, attori kabuki e lottatori di sumo, oltre a scene di storia e racconti popolari, scene di viaggio e paesaggi, flora e la fauna e persino l'erotismo.
È sempre difficile fare un elenco le migliori immagini da tradizioni artistiche. Molte opere straordinarie saranno escluse; tuttavia, questo elenco presenta dieci dei dipinti giapponesi più riconoscibili al mondo. Questo articolo presenterà solo dipinti creati dal XIX secolo ai giorni nostri.
La pittura giapponese ha una storia estremamente ricca. Nel corso dei secoli, gli artisti giapponesi hanno sviluppato un gran numero di tecniche e stili unici che rappresentano il contributo più prezioso del Giappone al mondo dell'arte. Una di queste tecniche è sumi-e. Sumi-e significa letteralmente "disegno a inchiostro", combinando calligrafia e pittura a inchiostro per creare una rara bellezza di composizioni dipinte a pennello. Questa bellezza è paradossale: antica ma moderna, semplice ma complessa, audace ma sobria, riflette senza dubbio la base spirituale dell'arte nel buddismo zen. I sacerdoti buddisti portarono il blocco di inchiostro duro e il pennello di bambù in Giappone dalla Cina nel sesto secolo e negli ultimi 14 secoli il Giappone ha sviluppato un ricco patrimonio di pittura a inchiostro.
Scorri verso il basso e guarda 10 capolavori della pittura giapponese
1. Katsushika Hokusai "Il sogno della moglie del pescatore"
Uno dei dipinti giapponesi più riconoscibili è Il sogno della moglie del pescatore. Fu dipinto nel 1814 dal famoso artista Hokusai. Per rigorose definizioni, questo straordinario lavoro di Hokusai non può essere considerato un dipinto, in quanto è una xilografia ukiyo-e da Young Pines (Kinoe no Komatsu), che è un libro shunga in tre volumi. La composizione raffigura un giovane palombaro innamorato sessualmente intrecciato con una coppia di polpi. Questa immagine è stata molto influente nel XIX e XX secolo. Il lavoro ha influenzato artisti successivi come Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf e Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro scrive una poesia nostalgica mentre guarda la luna"
Tessai Tomioka è lo pseudonimo di un famoso artista e calligrafo giapponese. È considerato l'ultimo grande artista della tradizione Bunjing e uno dei primi grandi artisti dello stile Nihonga. Bunjinga era una scuola di pittura giapponese che fiorì durante il tardo periodo Edo tra artisti che si consideravano letterati o intellettuali. Ciascuno di questi artisti, compresa Tessaia, sviluppò il proprio stile e la propria tecnica, ma erano tutti grandi fan dell'arte e della cultura cinese.
3. Fujishima Takeji "Alba sul mare orientale"
Fujishima Takeji era un artista giapponese noto per il suo lavoro nello sviluppo del romanticismo e dell'impressionismo nel movimento artistico Yoga (stile occidentale) della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo. Nel 1905 si recò in Francia, dove fu influenzato dai movimenti francesi dell'epoca, in particolare dall'impressionismo, come si può vedere nel suo dipinto del 1932 Alba sul mare orientale.
4. Kitagawa Utamaro "Dieci tipi di volti femminili, una collezione di bellezze dominanti"
Kitagawa Utamaro era un importante artista giapponese nato nel 1753 e morto nel 1806. È di gran lunga meglio conosciuto per una serie chiamata Dieci tipi di volti di donne. Raccolta di bellezze dominanti, temi Grande amore Classical Poetry" (a volte chiamato "Women in Love", contenente incisioni separate "Naked Love" e "Pensive Love"). È uno degli artisti più significativi appartenenti al genere xilografico ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai "Tigre"
Kawanabe Kyosai è stato uno dei più famosi artisti giapponesi del periodo Edo. La sua arte è stata influenzata da Tohaku, un pittore di Kano del XVI secolo che fu l'unico pittore del suo tempo a dipingere schermi interamente con inchiostro su uno sfondo delicato di polvere d'oro. Sebbene Kyosai sia noto come fumettista, ne ha scritti alcuni tra i più dipinti famosi nella storia giapponese Arte XIX secolo. "Tiger" è uno di quei dipinti che Kyosai ha utilizzato acquerello e inchiostro per creare.
6. Hiroshi Yoshida Fuji del lago Kawaguchi
Hiroshi Yoshida è conosciuto come una delle maggiori figure dello stile Shin-Hanga (Shin-Hanga è un movimento artistico in Giappone all'inizio del XX secolo, durante i periodi Taisho e Showa, che ha fatto rivivere arte tradizionale ukiyo-e, che ha messo radici nel periodo Edo e Meiji (XVII - XIX secolo)). Si è formato nella tradizione della pittura a olio occidentale, adottata in Giappone durante il periodo Meiji.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami è probabilmente l'artista giapponese più popolare del nostro tempo. Il suo lavoro viene venduto a prezzi astronomici nelle principali aste e il suo lavoro sta già ispirando nuove generazioni di artisti non solo in Giappone ma anche oltre. L'arte di Murakami include una gamma di mezzi espressivi ed è solitamente descritta come superpiatta. Il suo lavoro è noto per il suo uso del colore, che incorpora motivi della cultura tradizionale e popolare giapponese. Il contenuto dei suoi dipinti è spesso descritto come "carino", "psichedelico" o "satirico".
8. Yayoi Kusama "Zucca"
Yaoi Kusama è anche uno degli artisti giapponesi più famosi. Lavora con una varietà di mezzi, tra cui pittura, collage, scultura scat, performance art, arte ambientale e installazione, la maggior parte dei quali dimostra il suo interesse tematico per i colori psichedelici, la ripetizione e il motivo. Una delle serie più famose di questo grande artista è la serie Pumpkin. Una zucca regolare a pois in giallo brillante è mostrata contro una rete. Insieme, tutti questi elementi formano un linguaggio visivo che è inconfondibile per lo stile dell'artista, ed è stato sviluppato e perfezionato nel corso di decenni di scrupolosa lavorazione e riproduzione.
9. Tenmyoya Hisashi "Spirito giapponese n. 14"
Tenmyoya Hisashi è un artista giapponese contemporaneo noto per i suoi dipinti neo-nihonga. Ha partecipato alla rinascita dell'antica tradizione della pittura giapponese, che è l'esatto opposto della pittura giapponese moderna. Nel 2000, ha anche creato il suo nuovo stile, butouha, che dimostra un atteggiamento fermo nei confronti di un sistema artistico autorevole attraverso i suoi dipinti. "Japanese Spirit No. 14" è stato creato come parte dello schema artistico "BASARA", interpretato nella cultura giapponese come il comportamento ribelle della bassa aristocrazia durante il periodo degli Stati Combattenti, al fine di privare le autorità della capacità di raggiungere un ideale stile di vita vestendosi con abiti lussureggianti e lussuosi e agendo liberamente, volontà che non corrispondeva alla loro classe sociale.
10. Katsushika Hokusai "La grande onda di Kanagawa"
Infine, The Great Wave off Kanagawa è probabilmente il più riconoscibile pittura giapponese mai scritto. È davvero il massimo opera famosa arte fatta in Giappone. Raffigura enormi onde che minacciano le barche al largo della costa della prefettura di Kanagawa. Anche se a volte viene scambiata per uno tsunami, l'onda, come suggerisce il nome del dipinto, molto probabilmente ha semplicemente un'altezza anomala. Il dipinto è realizzato secondo la tradizione ukiyo-e.
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Il Giappone è il paese più piccolo dell'Estremo Oriente: 372 mila chilometri quadrati. Ma il contributo che il Giappone ha dato alla storia della cultura mondiale non è inferiore al contributo dei grandi stati antichi.
Le origini dell'arte di questo antico paese risalgono all'VIII millennio a.C. Ma la fase più significativa in tutte le aree della sua vita artistica fu il periodo che iniziò nel VI-VII secolo d.C. e continuò fino alla metà del XIX secolo. Lo sviluppo dell'arte giapponese procedette in modo irregolare, ma non conobbe cambiamenti troppo bruschi o bruschi cali.
L'arte giapponese si è sviluppata in particolari condizioni naturali e storiche. Il Giappone si trova su quattro grandi isole (Honshu, Hokkaido, Kyushu e Shioku) e molte più piccole. Per molto tempo è stato inespugnabile e non ha conosciuto guerre esterne. La vicinanza del Giappone alla terraferma ha influenzato l'instaurazione di contatti con Cina e Corea in tempi antichi. Ciò ha accelerato lo sviluppo dell'arte giapponese.
L'arte medievale giapponese è cresciuta sotto l'influenza delle culture coreana e cinese. Il Giappone ha adottato la scrittura cinese e le caratteristiche della visione del mondo cinese. Il buddismo divenne la religione di stato del Giappone. Ma i giapponesi hanno rifratto le idee cinesi a modo loro e le hanno adattate al loro modo di vivere.
Casa giapponese, interno giapponese
La casa giapponese è tanto chiara e semplice dentro quanto fuori. Era tenuto costantemente pulito. Il pavimento, lucidato a specchio, era ricoperto da stuoie di paglia leggera - tatami, che dividevano la stanza in rettangoli uniformi. Le scarpe venivano tolte sulla soglia, le cose venivano conservate negli armadi, la cucina era separata dall'abitazione. Nelle stanze, di regola, non c'erano cose permanenti. Sono stati portati dentro e portati via secondo necessità. Ma ogni cosa in una stanza vuota, sia essa un fiore in un vaso, un quadro o un tavolo laccato, ha attirato l'attenzione e ha acquisito un'espressività speciale.
Tutti i tipi di arte sono associati al design dello spazio di una casa, tempio, palazzo o castello nel Giappone medievale. Ognuno serviva da complemento all'altro. Ad esempio, un bouquet sapientemente selezionato ha completato e messo in risalto l'atmosfera trasmessa nella pittura di paesaggio.
La stessa precisione impeccabile, lo stesso senso del materiale, come nella decorazione di una casa giapponese, si sentiva nei prodotti dell'arte decorativa. Non senza motivo nelle cerimonie del tè, come il più grande gioiello, venivano usati gli utensili modellati dalle mani. Il suo coccio morbido e irregolare conservava la traccia delle dita che scolpivano l'argilla bagnata. Gli smalti rosa-perla, turchese-lilla o grigio-blu non erano accattivanti, ma sentivano lo splendore della natura stessa, con la vita a cui è associato ogni oggetto dell'arte giapponese.
Ceramica giapponese
Non smaltati, modellati a mano e cotti a bassa temperatura, i vasi di argilla ricordavano le ceramiche di altri popoli antichi. Ma avevano già caratteristiche uniche della cultura giapponese. I modelli di brocche e piatti di varie forme riflettevano idee sugli elementi di uragani, mari e montagne sputafuoco. La fantasia di questi prodotti sembrava suggerita dalla natura stessa.
Massicce brocche alte quasi un metro con un motivo incastrato di fasci di argilla convessi assomigliano a conchiglie sinuose, o barriere coralline ramificate, o grovigli di alghe o bordi frastagliati di vulcani. Questi vasi e ciotole maestosi e monumentali servivano non solo a scopi domestici, ma anche rituali. Ma a metà del I millennio a.C. entrarono in uso oggetti in bronzo e gli utensili in ceramica persero il loro scopo rituale.
Accanto alla ceramica apparvero nuovi prodotti di artigianato artistico: armi, gioielli, campane di bronzo e specchi.
Articoli per la casa giapponesi
Nel IX-XII secolo d.C., i gusti dell'aristocrazia giapponese si rivelarono nelle arti decorative. Oggetti laccati lisci e resistenti all'umidità, cosparsi di polvere d'oro e d'argento, leggeri ed eleganti, come se illuminassero il crepuscolo delle stanze giapponesi, e costituissero una vasta gamma di oggetti di uso quotidiano. La lacca veniva utilizzata per creare ciotole e cofanetti, cassapanche e tavoli, strumenti musicali. Ogni piccola cosa del tempio e della vita quotidiana - posate d'argento per il cibo, vasi per fiori, carta fantasia per lettere, cinture ricamate - rivelava l'atteggiamento poetico ed emotivo dei giapponesi nei confronti del mondo.
Pittura giapponese
Con lo sviluppo dell'architettura monumentale del palazzo, l'attività dei pittori della scuola di corte divenne molto più attiva. Gli artisti dovevano dipingere grandi superfici non solo di pareti, ma anche di paraventi pieghevoli di carta multipiega, che svolgevano il ruolo sia di quadri che di divisori portatili nella stanza. Una caratteristica del modo creativo degli artigiani di talento era la selezione di un grande dettaglio multicolore del paesaggio sul vasto piano di un pannello a parete o di uno schermo.
Le composizioni di fiori, erbe, alberi e uccelli, eseguite da Kano Eitoku su sfondi dorati splendenti con macchie spesse e succose, idee generalizzate sul potere e lo splendore dell'universo. Rappresentanti della scuola Kano, insieme a motivi naturali, inclusi nei dipinti e nuovi soggetti che riflettono la vita e la vita della città giapponese del XVI secolo.
C'erano anche paesaggi monocromatici sugli schermi del palazzo. Ma hanno un grande effetto decorativo. Tale è il paravento dipinto dal seguace di Sesshu, Hasegawa Tohaku (1539-1610). La sua superficie bianca opaca è interpretata dal pittore come un fitto velo di nebbia, da cui emergono improvvisamente, come visioni, le sagome di vecchi pini. Con poche gocce di inchiostro audaci, Tohaku crea un'immagine poetica di una foresta autunnale.
I rotoli paesaggistici monocromi, con la loro morbida bellezza, non potevano eguagliare lo stile delle stanze del palazzo. Ma hanno mantenuto il loro significato come parte indispensabile del padiglione del tè chashitsu, progettato per la concentrazione spirituale e la pace.
Le opere d'arte dei maestri giapponesi non solo rimangono fedeli agli stili antichi, ma hanno sempre qualcosa di nuovo in sé che nessun'altra opera d'arte ha. Nell'arte giapponese non c'è posto per cliché e modelli. In esso, come in natura, non ci sono due creazioni completamente identiche. E anche adesso, le opere d'arte di maestri giapponesi non possono essere confuse con opere d'arte di altri paesi. Nell'arte giapponese il tempo è rallentato, ma non si è fermato. Nell'arte giapponese, le tradizioni dei tempi antichi sono sopravvissute fino ad oggi.
