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Pittura rinascimentale veneziana. Rinascimento a Venezia

Tardo Rinascimento

A differenza dell'arte dell'Italia centrale, dove la pittura si sviluppò in stretta connessione con l'architettura e la scultura, a Venezia nel XIV secolo. la pittura ha dominato. Nell'opera di Giorgione e Tiziano si è passati alla pittura da cavalletto con l'uso attivo dei colori ad olio. Uno dei motivi del passaggio è stato determinato dal clima di Venezia, in cui l'affresco è mal conservato. Un altro motivo è che la pittura da cavalletto appare in connessione con la crescita di temi secolari e l'espansione della cerchia di oggetti inclusi nella cerchia dell'attenzione dei pittori. Insieme all'istituzione della pittura da cavalletto, la diversità dei generi sta aumentando. Così, Tiziano ha creato dipinti su soggetti mitologici, ritratti, composizioni su racconti biblici. Nell'opera dei rappresentanti del tardo Rinascimento - Veronese e Tintoretto, ebbe luogo un nuovo decollo della pittura monumentale.

Giorgio da Castelfranco soprannominato Giorgione(1477-1510) visse una vita breve. Il suo soprannome deriva dalla parola "zorzo", che in dialetto veneziano significava "persona di infima origine". Giorgione era un membro degli strati culturali di Venezia. Le trame dei suoi dipinti, come Temporale, tre filosofi difficile da interpretare. Alcuni dei suoi migliori lavori sono "Venere dormiente" e "Giuditta" in cui l'artista ha raggiunto l'armonia tra uomo e natura. Tiziano ha studiato nello studio dell'artista, che ha imparato molto dal suo maestro. Nel 1510 Giorgione morì di peste.

Tiziano Vecellio(1476-1576) studiò con Giovanni Bellini, poi nel 1507 entrò nella bottega di Giorgione, che dapprima affidò a Tiziano il completamento della sua opera. Dopo la morte di Giorgione, Tiziano, compiute alcune sue opere e accettati alcuni suoi ordini, aprì la sua bottega.

In questo momento, in una serie di ritratti, tra cui "Salomè", "La signora dietro il gabinetto" e "Flora" incarna la sua idea di bellezza.

Nel 1516 l'artista crea Ascensione della Madonna (Assunta) per la chiesa di Santa Maria Gloriosa a Venezia - l'immagine mostra come un gruppo di apostoli gesticolanti animatamente vede la Madre di Dio ascendere, circondata da angeli, al cielo.

Nel 1525 Tiziano sposa Cecilia, la sua amata, dalla quale avrà due figli. L'artista in questo momento ama le immagini sane e sensuali, usa colori sonori e profondi. Dopo la morte di Bellini, il posto dell'artista della scuola veneziana della Repubblica passò a Tiziano. Tiziano continua la riforma della pittura, iniziata da Giorgione: predilige tele di grandi dimensioni che consentono un'ampia e libera sovrapposizione di colori. Sullo strato iniziale, subito dopo la sua asciugatura, applicò tratti più o meno densi, ma fluidi, mescolati a vernici trasparenti e lucide ( vetri), terminando l'immagine intensificando i toni e le ombre più brillanti con pennellate che acquisiscono quasi carattere corpuscolare. Lo schizzo corrispondeva alla preparazione emotiva generale, ma di per sé era completo.

Su invito di Papa Paolo III, Tiziano si trasferisce a Roma. Nuovi temi compaiono nella sua arte: il dramma della lotta, la tensione. Quindi Tiziano e suo figlio partono per Augusta da Carlo V. Alla sua corte, il maestro scrive molto, soprattutto riceve molti ordini dalla Spagna: il re Filippo II gli ordina diversi dipinti. Nei primi anni '50. Tiziano torna a Venezia, ma continua a lavorare per il re spagnolo. I ritratti di Tiziano si distinguono per vitalità. IN "Ritratto di Papa Paolo III con i nipoti" viene mostrato un incontro di tre persone, ognuna delle quali è associata ad altri sentimenti segreti. Nel 1548 scriveva Tiziano due ritratti di Carlo V. In uno, è presentato come un trionfante che ha vinto una vittoria: vestito con un'armatura, con indosso un elmo con un pennacchio. Il secondo ritratto mostra l'imperatore in un tradizionale abito nero spagnolo, seduto su una poltrona sullo sfondo di una loggia.

Nei primi anni '50. Tiziano, commissionato da Filippo II, divenuto imperatore dopo l'abdicazione del padre Carlo V, dipinse sette tele di soggetto mitologico, che chiamò "poesie", interpretando i soggetti mitologici come metafore della vita umana. In generale, l'antichità era molto attraente per l'artista. Tra i migliori dipinti sui temi dell'antichità "Venere di Urbino", "Venere e Adone", "Danae", "Bacco e Arianna".

Nei dipinti su soggetti religiosi, l'artista raggiunge un alto grado di psicologismo ed espressività ( "Denario di Cesare", "Maddalena penitente").

Gli ultimi anni della sua vita, Tiziano visse a Venezia. Nelle sue opere crescono ansia e delusione. Si rivolge sempre più a trame drammatiche - scene di martirio e sofferenza, in cui risuonano anche note tragiche (" San Sebastiano"). Qui l'artista usa stile di scrittura pastoso- questi sono tratti potenti e ruvidi.

Paolo Veronese(1528-1588). P.Caliari, soprannominato dal luogo di nascita, nacque a Verona. Arrivato a Venezia, diventa subito famoso per il suo lavoro nel Palazzo Ducale. Fino alla fine della sua vita, per 35 anni Veronese ha lavorato alla decorazione e alla glorificazione di Venezia ( "Matrimonio a Cana di Galilea"). La pittura di Veronese è tutta costruita sul colore. Sapeva confrontare i singoli colori in modo tale che il loro riavvicinamento creasse un suono particolarmente intenso. Cominciano a bruciare come pietre preziose. A differenza di Tiziano, che era principalmente un pittore da cavalletto, Veronese è un decoratore nato. Prima di Veronese, dipinti da cavalletto separati venivano posti sulle pareti per decorare gli interni, e un'unità decorativa generale, una fusione sintetica di pittura e architettura, non funzionava. Veronese fu il primo degli artisti veneziani a creare interi complessi decorativi, dipingendo dall'alto verso il basso i muri di chiese, monasteri, palazzi e ville, inscrivendo la sua pittura nell'architettura. Per questi scopi ha utilizzato la tecnica dell'affresco. Nei suoi murales, e soprattutto nei plafoni, Veronese usa forti scorci, ardite riduzioni spaziali, pensate per vedere il quadro dal basso verso l'alto ( "Venere e Adone", "Venere e Marte"). Nei suoi plafoni, ha "aperto il cielo".

Jacopo Tintoretto(vero nome Jacopo Robusti, 1518-1594). La pittura del Tintoretto segna la fine della versione italiana del Rinascimento. Tintoretto gravitava verso cicli pittorici di natura tematica complessa; utilizzava soggetti rari e inediti. Ciclo dei Miracoli di S. Il marchio all'Accademia di Venezia ea Milano Brera (Milano) si presenta in forme lontane dalle consuete soluzioni pittoriche. Le cronache storiche del Palazzo Ducale raffiguranti battaglie mostrano un'abbondanza di variazioni e l'audacia del design. In antichi temi mitologici, Tintoretto ha continuato quella libera interpretazione poetica dei motivi, il cui inizio è stato posto dalla "poesia" di Tiziano. L'immagine è un esempio "Origine della Via Lattea". Ha usato nuove fonti di trama. nel quadro "Salvare Arsinoe" l'artista è partito dall'arrangiamento del poema dell'autore romano Lucano nella leggenda medioevale francese, e ha scritto "Tancred e Clorinda" sulla base del poema del Tasso.

Tintoretto ha ripetutamente fatto riferimento alla trama dell'Ultima Cena. In un dipinto della chiesa di Santa Trovaso, le parole di Cristo, come colpi, disperdevano i discepoli attoniti. Caratteristica specifica opere di Tintoretto suggestione(suggestione), dinamica, luminosità espressiva di motivi naturali, multidimensionalità spaziale.

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ISTRUZIONE PROFESSIONALE SUPERIORE

"L'UNIVERSITÀ STATALE DI RYAZAN DAL NOME DI SA YESENIN"

Facoltà di filologia russa e cultura nazionale

Direzione di preparazione "Teologia"

ControlloLavoro

Nella disciplina "Cultura artistica mondiale"

Sul tema: "Rinascimento veneziano"

Completato da uno studente del 2 ° anno

istruzione a tempo parziale:

Kostyukovich V.G.

Controllato da: Shakhova I.V.

Ryazan 2015

Piano

introduzione
Conclusione
Bibliografia

introduzione

Il termine "Rinascimento" (in francese "Rinascimento", in italiano "Rinascimento") fu introdotto per la prima volta dal pittore, architetto e storico dell'arte del XVI secolo. George Vasari, per la necessità di determinare l'era storica, che era dovuta alla prima fase di sviluppo delle relazioni borghesi nell'Europa occidentale.

La cultura rinascimentale ha avuto origine in Italia, e questo era collegato, prima di tutto, con l'emergere di rapporti borghesi nella società feudale e, di conseguenza, con l'emergere di una nuova visione del mondo. La crescita delle città e lo sviluppo dell'artigianato, l'ascesa del commercio mondiale, le grandi scoperte geografiche della fine del XV e dell'inizio del XVI secolo hanno cambiato la vita dell'Europa medievale. cultura urbana ha creato nuove persone e ha formato un nuovo atteggiamento nei confronti della vita. È iniziato un ritorno ai risultati dimenticati cultura antica. Tutti i cambiamenti si sono manifestati nella massima misura nell'art. In questo momento, la società italiana inizia ad interessarsi attivamente alla cultura. Grecia antica e Roma, si cercano manoscritti di scrittori antichi. Varie sfere della vita della società - arte, filosofia, letteratura, educazione, scienza - stanno diventando sempre più indipendenti.

Quadro cronologico Il Rinascimento italiano copre il periodo che va dalla seconda metà del XIII alla prima metà del XVI secolo. All'interno di questo periodo il Rinascimento si articola in più fasi: la seconda metà dei secoli XIII-XIV. - Protorinascimento (pre-rinascimento) e Trecento; 15 ° secolo - primo Rinascimento (Quattrocento); fine XV-primo terzo del XVI secolo - Alto Rinascimento (il termine Cinquecento è usato meno spesso nella scienza). Ilyina s. 98 Questo contributo prenderà in esame le caratteristiche del Rinascimento a Venezia.

Lo sviluppo della cultura rinascimentale italiana è molto vario, dovuto ai diversi livelli di sviluppo economico e politico delle diverse città in Italia, ai diversi gradi di potere e forza della borghesia di queste città, ai loro diversi gradi di connessione con il feudalesimo tradizioni. Primo scuole d'arte nell'arte del Rinascimento italiano nel XIV secolo. furono senesi e fiorentini, nel XV secolo. - fiorentino, umbro, padovano, veneto, nel XVI secolo. - Romano e Veneziano.

La principale differenza tra il Rinascimento e il precedente epoca culturale consisteva in una visione umanistica di una persona e del mondo che lo circonda, nella formazione delle basi scientifiche della conoscenza umanitaria, nell'emergere di una scienza naturale sperimentale, nelle caratteristiche del linguaggio artistico della nuova arte e, infine, in affermare i diritti della cultura secolare allo sviluppo indipendente. Tutto ciò ha costituito la base per il successivo sviluppo cultura europea nei secoli XVII-XVIII. Fu il Rinascimento a realizzare una sintesi ampia e diversificata di due mondi culturali, pagano e cristiano, che ebbero un profondo impatto sulla cultura dei tempi moderni.

Le figure del Rinascimento hanno creato, in contrasto con la visione del mondo feudale, scolastica, una nuova visione del mondo laica e razionalista. Il centro dell'attenzione nel Rinascimento era un uomo, quindi la visione del mondo dei portatori di questa cultura è denotata dal termine "umanistico" (dal latino humanitas - umanità). Per gli umanisti italiani, l'attenzione dell'uomo su se stesso era la cosa principale. Il suo destino è in gran parte nelle sue mani, è dotato da Dio di libero arbitrio.

Il Rinascimento è caratterizzato dal culto della bellezza, in particolare della bellezza dell'uomo. La pittura italiana raffigura persone belle e perfette. Artisti e scultori si sono battuti nel loro lavoro per la naturalezza, per una ricreazione realistica del mondo e dell'uomo. L'uomo nel Rinascimento diventa di nuovo tema principale arte, e il corpo umano è considerato di più forma perfetta in natura.

Il tema del Rinascimento, e in particolare del Rinascimento a Venezia, è rilevante perché l'arte del Rinascimento si è sviluppata sulla base di una sintesi di tutto il meglio che si è creato nell'arte medievale dei secoli precedenti e nell'arte del mondo antico . L'arte del Rinascimento ha rappresentato un punto di svolta nella storia dell'arte europea, mettendo al primo posto l'uomo, con le sue gioie e i suoi dolori, la mente e la volontà. Ha sviluppato un nuovo linguaggio artistico e architettonico, che conserva il suo significato fino ad oggi. Pertanto, lo studio del Rinascimento è un collegamento importante per comprendere l'intero ulteriore sviluppo della cultura artistica dell'Europa.

Peculiarità Rinascimento veneziano

Nell'abbondanza di artigiani di talento e nella portata della creatività artistica, l'Italia ha superato nel XV secolo. tutti gli altri paesi europei. L'arte di Venezia rappresenta una variante speciale dello sviluppo della cultura artistica del Rinascimento in relazione a tutti gli altri centri dell'arte rinascimentale in Italia.

Dal 13 ° secolo Venezia era una potenza coloniale che possedeva territori sulle coste dell'Italia, della Grecia e delle isole del Mar Egeo. Ha commerciato con Bisanzio, Siria, Egitto, India. Grazie all'intenso commercio, un'enorme ricchezza vi affluì. Venezia era una repubblica commerciale e oligarchica. Per molti secoli Venezia visse come una città favolosamente ricca, e i suoi abitanti non potevano essere sorpresi dall'abbondanza di oro, argento, pietre preziose, tessuti e altri tesori, ma il giardino del palazzo era percepito da loro come il limite ultimo della ricchezza, poiché in città c'era pochissimo verde. La gente ha dovuto abbandonarlo per aumentare lo spazio abitativo, espandere la città, che era già schiacciata dall'acqua da ogni parte. Questo è probabilmente il motivo per cui i veneziani sono diventati molto ricettivi alla bellezza, e ogni stile artistico ha raggiunto abbastanza alto livello nelle loro possibilità decorative. La caduta di Costantinopoli sotto l'assalto dei turchi scosse notevolmente la posizione commerciale di Venezia, eppure l'enorme ricchezza monetaria accumulata dai mercanti veneziani le permise di mantenere la sua indipendenza e il suo stile di vita rinascimentale per una parte significativa del XVI secolo.

Cronologicamente, l'arte del Rinascimento prese forma a Venezia un po' più tardi che nella maggior parte degli altri grandi centri d'Italia di quest'epoca, ma durò anche più a lungo che in altri centri d'Italia. Ha preso forma, in particolare, più tardi che a Firenze e in generale in Toscana. La rinascita a Venezia, come si diceva, aveva le sue caratteristiche, era poco interessata alla ricerca scientifica e agli scavi di antichità antiche. Il Rinascimento veneziano ebbe altre origini. La formazione dei principi della cultura artistica del Rinascimento nelle belle arti di Venezia iniziò solo nel XV secolo. Ciò non fu affatto determinato dall'arretratezza economica di Venezia, anzi, Venezia, insieme a Firenze, Pisa, Genova, Milano, era uno dei centri economicamente più sviluppati d'Italia dell'epoca. È proprio la precoce trasformazione di Venezia in una grande potenza commerciale la responsabile di questo ritardo, poiché un grande commercio, e corrispondentemente una maggiore comunicazione, con i paesi orientali ne influenzarono la cultura. La cultura di Venezia era strettamente associata alla magnifica grandezza e al solenne lusso della cultura imperiale bizantina, e in parte alla raffinata cultura decorativa. parola araba. Già nel XIV secolo la cultura artistica di Venezia era una sorta di intreccio di forme magnifiche e festose dell'arte monumentale bizantina, ravvivate dall'influsso dell'ornamentazione variopinta d'Oriente e da un ripensamento particolarmente elegante degli elementi decorativi di una maturità arte gotica. Naturalmente, questo si rifletterà anche nella cultura artistica veneziana del Rinascimento. Per gli artisti di Venezia vengono in primo piano i problemi del colore, la materialità dell'immagine si ottiene per gradazioni di colore.

Il Rinascimento veneziano fu ricco di grandi pittori e scultori. Il più grande maestri veneziani Alto e tardo Rinascimento - questo è Giorgione (1477-1510), Tiziano (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594) "Culturology p. 193 .

Principali rappresentanti del Rinascimento veneziano

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, detto il Giorgione (1477-1510). Un tipico artista dell'Alto Rinascimento. Giorgione è diventato il primo di più artista famoso Alto Rinascimento a Venezia. Nella sua opera vince finalmente il principio secolare, che si manifesta nel predominio delle trame su temi mitologici e letterari. Il paesaggio, la natura e il bellissimo corpo umano sono diventati per lui oggetto d'arte.

Giorgione ha svolto per la pittura veneziana lo stesso ruolo che Leonardo da Vinci ha svolto per la pittura dell'Italia centrale. Leonardo è vicino a Giorgione con il senso dell'armonia, la perfezione delle proporzioni, il ritmo lineare squisito, la pittura morbida e leggera, la spiritualità e l'espressività psicologica delle sue immagini e, allo stesso tempo, il razionalismo di Giorgione, che senza dubbio ha avuto un'influenza diretta su di lui quando ha passava da Milano nel 1500. a Venezia. Ilyina s. 138 Eppure, rispetto alla limpida razionalità dell'arte di Leonardo, la pittura di Giorgione è permeata di profondo lirismo e contemplazione. Giorgione è più emotivo del grande maestro milanese, gli interessa non tanto il lineare quanto il prospettiva aerea. Il colore gioca un ruolo enorme nelle sue composizioni. Vernici sonore, stese in strati trasparenti, ammorbidiscono i contorni. L'artista utilizza abilmente le proprietà della pittura a olio. La varietà di sfumature e toni di transizione lo aiuta a raggiungere l'unità di volume, luce, colore e spazio. Il paesaggio, che occupa un posto di rilievo nel suo lavoro, contribuisce alla divulgazione della poesia e dell'armonia delle sue immagini perfette.

Tra i suoi primi lavori attira l'attenzione di "Judith" (circa 1502). L'eroina, tratta dalla letteratura apocrifa dell'Antico Testamento, dal Libro di Giuditta, è raffigurata come una giovane donna bellissima sullo sfondo di una natura ovattata. L'artista ha raffigurato Giuditta nel momento del suo trionfo in tutta la forza della sua bellezza e dignità contenuta. La morbida modellazione in bianco e nero del viso e delle mani ricorda in qualche modo lo "sfumato" di Leonard. Ilyina s. 139 Una bella donna sullo sfondo di una natura meravigliosa, tuttavia, una strana nota inquietante viene introdotta in questa composizione apparentemente armoniosa dalla spada in mano all'eroina e dalla testa mozzata del nemico, da lei calpestata. Un'altra delle opere di Giorgione va segnalata "Temporale" (1506) e "Concerto campestre" (1508-1510), dove si può vedere anche la bellezza della natura, e ovviamente il dipinto "Venere dormiente" (circa 1508-1510) . Purtroppo Giorgione non ebbe il tempo di completare il lavoro su "Venere dormiente" e, secondo i contemporanei, lo sfondo del paesaggio nel quadro fu dipinto da Tiziano.

Tiziano Vecellio (1477? - 1576) - il più grande artista del Rinascimento veneziano. Sebbene la data della sua nascita non sia stata stabilita con certezza, molto probabilmente era un contemporaneo più giovane di Giorgione e del suo allievo, che secondo i ricercatori ha superato il maestro. Lui è a lunghi anni determinò lo sviluppo della scuola pittorica veneziana. La fedeltà di Tiziano ai principi umanistici, la fede nella mente e nelle capacità dell'uomo, il potente colorismo conferiscono alle sue opere una grande forza attrattiva. Nella sua opera si rivela finalmente l'originalità del realismo della scuola pittorica veneziana. A differenza di Giorgione, che morì prematuramente, Tiziano visse a lungo vita felice pieno di lavoro creativo ispiratore. Tiziano conservava la poetica percezione del corpo femminile nudo, tratto dalla bottega del Giorgione, spesso riprodotto letteralmente sulla tela quasi la riconoscibile sagoma della "Venere dormiente", come nella "Venere di Urbino" (1538 circa), ma non nel seno della natura, ma nell'interno pittore contemporaneo Case.

Per tutta la vita, Tiziano è stato impegnato nella ritrattistica, agendo come un innovatore in questo settore. Il suo pennello appartiene a un'ampia galleria di ritratti di re, papi, nobili. Approfondisce le caratteristiche delle personalità da lui raffigurate, notando l'originalità della postura, dei movimenti, delle espressioni facciali, dei gesti, dei modi di indossare un abito. I suoi ritratti a volte si trasformano in dipinti che rivelano conflitti psicologici e relazioni tra le persone. Nel suo primo ritratto "Giovane con guanto" (1515-1520), l'immagine di un giovane acquista tratti specifici individuali e, allo stesso tempo, esprime un'immagine tipica di un uomo rinascimentale, con la sua determinazione, energia e senso di indipendenza.

Se nei primi ritratti, come era consuetudine, glorificava la bellezza, la forza, la dignità, l'integrità della natura dei suoi modelli, allora le opere successive si distinguono per la complessità e l'incoerenza delle immagini. Nei dipinti creati da Tiziano in l'anno scorso creatività, suona una vera tragedia, nell'opera di Tiziano nasce il tema del conflitto dell'uomo con il mondo esterno. Verso la fine della vita di Tiziano, il suo lavoro subisce cambiamenti significativi. Scrive ancora molto su argomenti antichi, ma sempre più spesso si rivolge a temi cristiani. Le sue opere successive sono dominate da temi di martirio e sofferenza, discordia inconciliabile con la vita e coraggio stoico. L'immagine di una persona in loro ha ancora una forza potente, ma perde le caratteristiche dell'equilibrio armonico interno. La composizione è semplificata, basata sull'accostamento di una o più figure con sfondo architettonico o paesaggistico, immerse nella penombra. Cambia anche la tecnica della scrittura, rifiutando i colori accesi e giubilanti, si rivolge a sfumature complesse torbide, d'acciaio, olivastre, subordinando il tutto a un comune tono dorato.

Nelle sue opere successive, anche le più tragiche, Tiziano non ha perso la fiducia nell'ideale umanistico. L'uomo per lui fino alla fine è rimasto il valore più alto, che si può vedere nell '"Autoritratto" (circa 1560) dell'artista, che ha portato per tutta la sua vita i luminosi ideali dell'umanesimo.

Alla fine del XVI secolo a Venezia, i tratti di un imminente nuova era nell'art. Lo si può vedere nell'opera di due grandi artisti, Paolo Veronese e Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, detto il Veronese (nato a Verona, 1528-1588) fu ultimo cantante festosa Venezia del XVI secolo. Iniziò con l'esecuzione di dipinti per i palazzi veronesi e di immagini per le chiese veronesi, ma tuttavia la fama gli giunse quando, nel 1553, iniziò a lavorare alle pitture murali per il Palazzo Ducale di Venezia. Da quel momento e per sempre la sua vita è legata a Venezia. Dipinge, ma più spesso dipinge grandi quadri ad olio su tela per i patrizi veneziani, pale d'altare per le chiese veneziane su proprio ordine o su ordine ufficiale della Serenissima. Tutto ciò che ha scritto è enorme pitture decorative Venezia festosa, dove l'elegante folla veneziana è raffigurata sullo sfondo del paesaggio architettonico veneziano. Lo si può vedere anche in dipinti su temi evangelici, come "La festa a Simone il fariseo" (1570) o "La festa in casa di Levi" (1573).

Jacopo Robusti, detto in arte Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" - tintore: il padre dell'artista era tintore di seta), a differenza del Veronese, aveva un atteggiamento tragico, che si manifestava nella sua opera. Allievo di Tiziano, apprezzò molto l'abilità coloristica del suo maestro, ma cercò di coniugarla con lo sviluppo del disegno di Michelangelo. Tintoretto rimase per pochissimo tempo nella bottega di Tiziano, tuttavia, secondo i contemporanei, sulle porte della sua bottega era appeso il motto: "Il disegno di Michelangelo, il colorito di Tiziano". Ile s. 146 La maggior parte delle opere di Tintoretto sono scritte principalmente sulle trame di miracoli mistici, nelle sue opere raffigurava spesso scene di massa con azione drammatica e intensa, spazio profondo, figure in angoli complessi. Le sue composizioni si distinguono per un dinamismo eccezionale, e nel periodo tardo anche per forti contrasti di luci e ombre. Nel primo dipinto che lo rese famoso, Il miracolo di San Marco (1548), presenta la figura del santo da una prospettiva complessa, e le persone in uno stato di movimento così violento che sarebbe impossibile in arte classica periodo dell'Alto Rinascimento. Tintoretto fu anche autore di grandi opere decorative, un gigantesco ciclo di dipinti che occupava due piani dei locali dello Scuolo di San Rocco, a cui lavorò dal 1565 al 1587. Nell'ultimo periodo del suo lavoro, Tintoretto lavora per Palazzo Ducale (composizione "Paradiso", dopo il 1588), dove prima, prima di lui, riuscì a lavorare il noto Paolo Veronese.

Parlando del Rinascimento veneziano, non si può fare a meno di ricordare il più grande architetto, nato e operante a Vicenza vicino a Venezia - Andrea Palladio (1508-1580), usando l'esempio dei suoi edifici semplici ed eleganti, ha dimostrato come le conquiste dell'antichità e il L'Alto Rinascimento può essere elaborato e utilizzato in modo creativo. Riuscì a rendere accessibile e universale il linguaggio classico dell'architettura.

due zone critiche la sua attività fu la costruzione di case cittadine (palazzo) e residenze di campagna (ville). Nel 1545 Palladio vinse il concorso per il diritto di ricostruire la Basilica di Vicenza. La capacità di enfatizzare l'armonia dell'edificio, collocandolo abilmente sullo sfondo di pittoreschi paesaggi veneziani, gli è stata utile nel suo lavoro futuro. Lo si vede nell'esempio delle ville da lui costruite Malcontenta (1558), Barbaro-Volpi a Maser (1560-1570), Cornaro (1566). Villa "Rotonda" (o Capra) a Vicenza (1551-1567) è giustamente considerata l'edificio più perfetto dell'architetto. Si tratta di un edificio quadrato con portici ionici a sei colonne su ogni facciata. Tutti e quattro i portici conducono ad un salone centrale rotondo coperto da una cupola bassa sotto un tetto di tegole. Nel disegno delle facciate di ville e palazzi, Palladio usava solitamente un grande ordine, come si può vedere nell'esempio del Palazzo Chiericati a Vicenza (1550). Colonne enormi si ergono su stilobate ordinari, come nel Palazzo Valmarana (iniziato nel 1566) e nell'incompiuta Loggia del Capitanio (1571), oppure altissime, assorbendo completamente il primo piano, come nel Palazzo Thiene (1556). Alla fine della sua carriera, Palladio si dedicò all'architettura sacra. Possiede la chiesa di San Pietro in Castello (1558), San Giorgio Maggiore (1565-1580) e Il Redentore (1577-1592) a Venezia.

Palladio ottenne grande fama non solo come architetto, ma anche come autore del trattato "Quattro libri sull'architettura", tradotto in molte lingue. Il suo lavoro ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo della direzione classicista nell'architettura europea dei secoli XVII-XVIII, nonché sugli architetti della Russia nel XVIII secolo. I seguaci del maestro formarono un'intera tendenza nell'architettura europea, chiamata "palladianesimo".

Conclusione

Il Rinascimento è stato segnato nella vita dell'umanità da un colossale aumento dell'arte e della scienza. Il rinascimento sorto sulla base dell'umanesimo, che proclamava l'uomo il valore più alto della vita, ebbe il suo principale riflesso nell'arte. L'arte del Rinascimento ha gettato le basi della cultura europea della New Age, ha cambiato radicalmente tutti i principali tipi di arte. Nell'architettura furono stabiliti principi rivisti in modo creativo dell'antico sistema di ordine e si formarono nuovi tipi di edifici pubblici. La pittura si arricchì di una prospettiva lineare e aerea, della conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano. Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Maggiore interesse per mitologia antica, storia, scene quotidiane, paesaggio, ritratto. Insieme ai monumentali dipinti murali che adornano strutture architettoniche, c'era una foto, c'era un dipinto Dipinti ad olio. In primo luogo nell'arte è arrivata l'individualità creativa dell'artista, di regola, una persona universalmente dotata. E tutte queste tendenze sono molto chiaramente e chiaramente visibili nell'arte del Rinascimento veneziano. Allo stesso tempo, Venezia, nel suo vita creativa nettamente diverso dal resto d'Italia.

Se nell'Italia centrale durante il Rinascimento l'arte dell'antica Grecia e di Roma ebbe un'enorme influenza, allora a Venezia si mescolò l'influenza dell'arte bizantina e dell'arte del mondo arabo. Furono gli artisti veneziani a portare colori luminosi e sonori nelle loro opere, erano coloristi insuperabili, il più famoso dei quali è Tiziano. Hanno prestato grande attenzione alla natura che circonda l'uomo, il paesaggio. Un innovatore in questo settore è stato Giorgione con il suo famoso dipinto "Temporale". Descrive l'uomo come parte della natura, prestando grande attenzione al paesaggio. Un enorme contributo all'architettura è stato dato da Andrea Palladio, che ha reso pubblico e universale il linguaggio classico dell'architettura. Il suo lavoro ebbe conseguenze di vasta portata sotto il nome di "palladianesimo", che si manifestò nell'architettura europea dei secoli XVII-XVIII.

Successivamente, il declino della Repubblica di Venezia si rifletteva nell'opera dei suoi artisti, le loro immagini divennero meno sublimi ed eroiche, più terrene e tragiche, come si vede chiaramente nell'opera del grande Tiziano. Nonostante ciò, Venezia rimase fedele alle tradizioni del Rinascimento più a lungo di altre.

Bibliografia

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Il popolo del Rinascimento ha rinunciato all'era precedente, presentandosi come un brillante lampo di luce in mezzo all'oscurità eterna. La letteratura rinascimentale, i suoi rappresentanti e le sue opere. Scuola di pittura veneziana. Fondatori della pittura del primo Rinascimento.

abstract, aggiunto il 22/01/2010

Il concetto di base del termine "Rinascimento settentrionale" e differenze essenziali rispetto al Rinascimento italiano. I rappresentanti e gli esempi più importanti dell'arte del Rinascimento settentrionale. Scuola del Danubio e le sue direzioni principali. Descrizione della pittura olandese.

tesina, aggiunta il 23/11/2008

Contesto socio-economico, origini spirituali e tratti caratteristici della cultura del Rinascimento. Sviluppo cultura italiana durante i periodi del Proto-Rinascimento, Primo, Alto e Tardo Rinascimento. Caratteristiche del periodo rinascimentale negli stati slavi.

abstract, aggiunto il 05/09/2011

Il problema del Rinascimento nei moderni studi culturali. Le principali caratteristiche del Rinascimento. La natura della cultura del Rinascimento. Umanesimo del Rinascimento. Libero pensiero e individualismo laico. Scienza del Rinascimento. La dottrina della società e dello Stato.

Tardo Rinascimento (Rinascimento a Venezia)

Dagli anni '40. 16 ° secolo inizia il periodo del tardo Rinascimento. L'Italia di quel tempo cadde sotto il dominio di potenze straniere e divenne la principale roccaforte della reazione cattolica feudale. Solo la relativa libertà della ricca Repubblica Veneta, sia dal potere del papa che dal dominio degli interventisti, assicurò lo sviluppo dell'arte in questa regione. Il Rinascimento a Venezia aveva le sue caratteristiche, poiché aveva altre fonti che a Firenze.

La predilezione per il lusso, la decorazione e l'antipatia per la ricerca scientifica ritardarono la penetrazione delle idee e delle pratiche artistiche del Rinascimento fiorentino a Venezia. I principali tratti caratteristici dell'opera di pittori, scultori, architetti fiorentini e romani non incontravano i gusti prevalenti a Venezia. Qui l'arte rinascimentale si è nutrita dell'amore non per l'antichità, ma per la sua città, determinata dalle sue caratteristiche. L'azzurro del cielo e del mare, le eleganti facciate dei palazzi hanno contribuito alla formazione di uno stile artistico speciale, caratterizzato dalla passione per il colore, le sue modulazioni e le sue combinazioni. Pertanto, gli artisti veneziani, che erano solo pittori, vedevano la base della pittura nella vivacità e nel colore. La passione per il colore derivava anche dal loro radicato amore per le ricche decorazioni, i colori vivaci e le abbondanti dorature nelle opere d'arte d'Oriente. Anche il Rinascimento veneziano si rivelò ricco di nomi di grandi pittori e scultori. Tiziano, Veronese, Tintoretto, Giorgione, Correggio, Benvenuto Cellini lavorarono in quest'epoca.

Il primo pittore più famoso dell'Alto Rinascimento a Venezia fu Giorgio de Castelfranco, soprannominato dai suoi contemporanei Giorgione (1476 o 1477-1510). Nella sua opera vince finalmente il principio secolare, che si manifesta nel predominio delle trame su temi mitologici e letterari. Inoltre, è nelle opere di Giorgione che avviene la nascita della pittura da cavalletto, alla quale si associano i tratti del lavoro dell'artista: le trame dei suoi quadri si distinguono per l'assenza di una trama ben definita e di un'azione attiva; nell'interpretazione della trama, l'enfasi principale è sull'incarnazione di emozioni sottili e complesse che conferiscono ai dipinti di Giorgione uno stato d'animo speciale: elegiaco sognante o calmo concentrato.

Fino ad ora non è stato chiarito il numero esatto delle opere autentiche del maestro, il loro numero va da quattro a sessantuno. Tuttavia, i ricercatori del lavoro dell'artista concordano sul fatto che le sue opere migliori sono i dipinti. "Giuditta" E "Venere dormiente"". Nella tela "Giuditta" Giorgione non illustra il contenuto famoso mito. L'intero lato effettivo dell'impresa di Judith rimane da parte. Davanti a noi c'è solo il risultato dell'evento: la figura solitaria di una giovane donna, nel pensiero più profondo, in piedi su un terrazzo di pietra, dietro il quale si estende un paesaggio di straordinaria bellezza. I suoi attributi - la spada e la testa di Oloferne - quasi non attirano l'attenzione. La colorazione del quadro con i suoi colori trasparenti e delicati, con le sorprendenti sfumature dell'abito di Giuditta, acquista un grande significato artistico.

"Venere dormiente""- l'opera più famosa di Giorgione, in cui per la prima volta un nudo figura femminileè stato presentato senza alcuna azione di trama: in mezzo a un prato collinare, su un copriletto rosso scuro con una fodera di raso bianco, giace una bellissima giovane donna. La sua figura nuda è posta in diagonale contro un paesaggio dominato da verdi e marroni. Venere è immersa in un sonno calmo, il che significa la predisposizione dell'anima a un'unità esaltata con Dio. La pace e la tranquillità riempiono la natura con il suo cielo infinito, le nuvole bianche, le distanze che vanno nel profondo.

La creatività era l'apice del Rinascimento a Venezia Tiziana Vecellio(c. 1476 / 77-1489 / 90-1576) (entrò nella storia dell'arte non con il suo cognome, ma con proprio nome), un artista con un enorme creatività che ha attraversato un percorso di vita difficile e drammatico, durante il quale la sua visione del mondo è cambiata in modo significativo. Tiziano si è sviluppato come persona e come artista nell'era della massima fioritura culturale di Venezia. Le sue prime opere sono piene di una vita rumorosa e vibrante, mentre le sue ultime opere sono piene di un senso di cupa ansia e disperazione.

L'artista ha vissuto una lunga vita (circa 90 anni) e ha lasciato un'enorme eredità. Ha creato composizioni per religiosi e temi mitologici, e allo stesso tempo era un grande maestro di uno dei generi più difficili: il "nudo" (in francese - nudo, svestito), immagini di un corpo nudo. Nella pittura rinascimentale, le antiche dee e le eroine mitologiche erano solitamente rappresentate in questo modo. Il suo " Venere distesa» E "Danae" sono immagini di veneziani accattivanti e sani negli interni di ricche case veneziane.

Tiziano è entrato nella storia della cultura come grande ritrattista e psicologo. Il suo pennello appartiene a una vasta galleria di immagini di ritratti: imperatori, re, papi, nobili. Se nei primi ritratti, come era consuetudine, glorificava la bellezza, la forza, la dignità, l'integrità della natura dei suoi modelli, allora le opere successive si distinguono per la complessità e l'incoerenza delle immagini. Mostrano l'intreccio di spiritualità, raffinata intellettualità, nobiltà con l'amarezza dei dubbi e delle delusioni, della tristezza e dell'ansia nascosta. Nei dipinti realizzati da Tiziano negli ultimi anni del suo lavoro c'è già una vera tragedia. Maggior parte opera famosa Tiziano di questo periodo è un dipinto "San Sebastiano".

Ultimo quarto del XVI secolo divenne un momento di declino per la cultura del Rinascimento. Il lavoro di artisti che iniziarono a essere chiamati manieristi (da italiano. manierismo - pretenziosità), e l'intera direzione - "manierismo" - ha acquisito un carattere sofisticato e pretenzioso. La scuola pittorica veneziana resistette più a lungo di altre alla penetrazione del manierismo e rimase fedele alle tradizioni del Rinascimento. Tuttavia, anche le sue immagini sono diventate meno alte ed eroiche, più terrene, legate alla vita reale.

La costante sete di celebrazione, un fiorente porto commerciale e l'influenza degli ideali di bellezza e grandezza dell'Alto Rinascimento contribuirono tutti all'emergere di artisti a Venezia nel XV e XVI secolo per portare elementi di lusso nell'arte mondo. La scuola veneziana, nata in questo momento di fioritura culturale, ha dato nuova vita al mondo della pittura e dell'architettura, combinando l'ispirazione dei predecessori di orientamento classico e il nuovo desiderio di colori ricchi, con una speciale adorazione veneziana per l'abbellimento. Gran parte del lavoro degli artisti di questo tempo, indipendentemente dal soggetto o dal contenuto, era intriso dell'idea che la vita dovesse essere vista attraverso il prisma del piacere e del godimento.

Breve descrizione

La scuola veneziana si riferisce a un movimento artistico speciale e originale che si sviluppò nella Venezia rinascimentale a partire dalla fine del 1400 e che, guidato dai fratelli Giovanni e Gentile Bellini, si sviluppò fino al 1580. È anche chiamato il Rinascimento veneziano e il suo stile condivide i valori umanistici, l'uso della prospettiva lineare e l'immaginario naturalistico dell'arte rinascimentale a Firenze e Roma. Il secondo termine associato a questo è la scuola pittorica veneziana. Apparve durante il primo Rinascimento ed esistette fino al XVIII secolo. I suoi rappresentanti sono artisti come Tiepolo, associati a due tendenze artistiche: rococò e barocco, Antonio Canaletto, noto per i suoi paesaggi urbani veneziani, Francesco Guardi e altri.

Idee chiave

L'enfasi innovativa e le peculiarità della scuola pittorica veneziana, associate all'uso del colore per creare forme, la differenziavano dal Rinascimento fiorentino, dove le forme venivano dipinte piene di colore. Ciò ha portato all'emergere di un dinamismo rivoluzionario nelle opere, una ricchezza di colori senza precedenti e una speciale espressione psicologica.

Gli artisti veneziani dipingevano prevalentemente a olio, prima su tavole di legno, e poi iniziarono a utilizzare la tela, che meglio si adattava al clima umido della città e sottolineava il gioco di luci e atmosfere naturalistiche, nonché il movimento drammatico, a volte teatrale, delle persone.

In questo momento c'è stata una rinascita della ritrattistica. Gli artisti non si sono concentrati sul ruolo idealizzato dell'uomo, ma sulla sua complessità psicologica. Durante questo periodo, i ritratti iniziarono a raffigurare la maggior parte della figura, e non solo la testa e il busto.

Fu allora che apparvero nuovi generi, comprese immagini grandiose di soggetti mitici e nudi femminili, mentre non fungevano da riflesso di motivi religiosi o storici. L'erotismo cominciò ad apparire in queste nuove forme di argomenti, non soggetti ad attacchi moralistici.

La nuova tendenza architettonica, che combinava influenze classiche con bassorilievi scolpiti e caratteristiche decorazioni veneziane, divenne così popolare che a Venezia sorse un'intera industria del design di residenze private.

Cultura di Venezia

Sebbene la scuola veneziana fosse a conoscenza delle innovazioni dei maestri del Rinascimento come Andrea Mantegna, Leonardo da Vinci, Donatello e Michelangelo, il suo stile rifletteva la particolare cultura e società della città di Venezia.

Grazie alla sua prosperità, Venezia era conosciuta in tutta Italia come "la città serena". A causa sua posizione geografica sul mare Adriatico, divenne un importante centro di commerci, collegando l'Occidente e l'Oriente. Di conseguenza, la città-stato era laica e cosmopolita, enfatizzando l'idea di gioia e ricchezza di vita piuttosto che essere guidata dal dogma religioso. Gli abitanti erano orgogliosi della loro indipendenza e della stabilità del loro governo. Il primo doge o duca a governare Venezia fu eletto nel 697, e anche i governanti successivi furono eletti dal Gran Consiglio di Venezia, un parlamento composto da aristocratici e ricchi mercanti. Splendore, spettacoli divertenti e sontuose feste, durante le quali si svolgevano carnevali che duravano diverse settimane, definirono la cultura veneziana.

A differenza di Firenze e Roma, che furono influenzate dalla Chiesa cattolica, Venezia fu principalmente associata a impero bizantino centrato a Costantinopoli, che governò Venezia nel VI e VII secolo. Di conseguenza, l'arte veneziana fu influenzata dall'arte di Bisanzio, che era caratterizzata dall'uso di colori vivaci e oro nei mosaici delle chiese, e l'architettura veneziana si distingueva per l'uso di cupole, archi e pietre multicolori caratteristiche di Bisanzio, che, a sua volta, era associato all'influenza dell'architettura islamica dell'Asia centrale.

Verso la metà del 1400, la città stava guadagnando peso e influenza in Italia, e artisti rinascimentali come Andrea Mantegna, Donatello, Andrea del Castagno e Antonello da Messina visitarono o vissero a lungo qui. Lo stile della scuola veneziana sintetizzava il colore bizantino e la luce dorata con le innovazioni di questi artisti rinascimentali.

Andrea Mantegna

L'artista Andrea Mantegna ha presentato per la prima volta prospettiva lineare, rappresentazione figurativa naturalistica e proporzioni classiche, che furono determinanti per l'arte del Rinascimento in generale e per gli artisti veneziani in particolare. L'influenza di Mantegna può essere vista nell'Orazione nell'orto di Giovanni Bellini (1459-1465 ca.), che fa eco all'Orazione nell'orto di Mantegna (1458-1460 ca.).

Antonello da Messina

È considerato il primo Artista italiano, per il quale il ritratto individuale è diventato una forma d'arte indipendente.

Ha lavorato a Venezia dal 1475 al 1476 e ha avuto una notevole influenza sui dipinti di Giovanni Bellini, la sua pittura a olio. Fu de Messina a concentrarsi sulla ritrattistica. Antonello incontrò per la prima volta l'arte del Rinascimento nordeuropeo mentre era studente a Napoli. Di conseguenza, il suo lavoro fu una sintesi del Rinascimento italiano e dei principi dell'arte nordeuropea, influenzando lo sviluppo di uno stile particolare della scuola veneziana.

Giovanni Bellini, "padre della pittura veneziana"

Già dentro primi lavori l'artista ha utilizzato una luce ricca e brillante non solo nella rappresentazione delle figure, ma anche nei paesaggi.

Lui e suo fratello maggiore Gentile erano noti per la bottega della famiglia Bellini che era stata fondata ed era la più popolare e famosa di Venezia. In una fase iniziale dell'opera dei fratelli Bellini, i temi religiosi erano i principali, ad esempio la "Processione della Vera Croce" (1479), scritta da Gentile, e le opere di Giovanni raffiguranti il \u200b\u200bdiluvio e l'Arca di Noè ( intorno al 1470). Le opere di Giovanni Bellini con immagini della Madonna e del bambino erano particolarmente apprezzate. Questa immagine gli era molto vicina e le opere stesse erano piene di colore e luce, trasmettendo tutta la bellezza del mondo. Allo stesso tempo, questa enfasi di Giovanni sulla rappresentazione della luce naturale e la combinazione dei principi rinascimentali con uno speciale stile veneziano di resa cromatica lo hanno reso uno dei principali rappresentanti della scuola veneziana.

Concetti e tendenze della ritrattistica

Giovanni Bellini fu il primo grande ritrattista tra i pittori veneziani da quando presentò il suo ritratto del Doge Leonardo Loredan (1501) immagine straordinaria, che, essendo naturalistico e trasmettendo il gioco di luci e colori, idealizzava la persona raffigurata su di esso, e allo stesso tempo sottolineava il suo ruolo sociale di capo di Venezia. La famosa opera alimentò la richiesta di ritratti da parte di aristocratici e ricchi mercanti, che erano abbastanza soddisfatti di un approccio naturalistico che trasmetteva contemporaneamente il loro significato sociale.

Giorgione e Tiziano hanno aperto la strada a un nuovo tipo di ritrattistica. Ritratto di giovane donna di Giorgione (1506) presentato nuovo genere ritratto erotico, che successivamente si diffuse. Nei suoi dipinti, Tiziano ha ampliato la visione del soggetto per includere la maggior parte della figura. Lo si vede chiaramente nel suo "Ritratto di Papa Paolo III" (1553). Qui l'artista ha sottolineato non il ruolo idealizzato del sacerdote, ma la componente psicologica dell'immagine.

Un eminente rappresentante della scuola pittorica veneziana, Paolo Veronese, dipinse anche ritratti di questo tipo, come si può vedere nell'esempio del “Ritratto di gentiluomo” (1576-1578 ca.), in cui quasi a tutta altezza raffigura un aristocratico, vestito di nero, in piedi presso il frontone con colonne.

Jacopo Tintoretto era noto anche per i suoi attraenti ritratti.

Visualizzazione della mitologia nei dipinti

Bellini utilizzò per la prima volta un soggetto mitologico nella sua Festa degli dei (1504). Tiziano sviluppò ulteriormente il genere nelle raffigurazioni dei Baccanali, come il suo Bacco e Arianna (1522-1523). Questi dipinti furono dipinti per la galleria privata del Duca di Ferrera. Il Bacco e Arianna di Tiziano (1522-1523) raffigura Bacco, il dio del vino, con i suoi seguaci nel momento drammatico in cui Arianna si è appena accorta di essere stata abbandonata dal suo amante.

I mecenati veneziani prestavano particolare attenzione all'arte basata sul classico miti greci, poiché tali immagini, non limitate a messaggi religiosi o moralistici, potrebbero essere utilizzate per mostrare erotismo ed edonismo. Le opere di Tiziano incluse cerchio largo immagini mitologiche, ne creò sei dipinti di grandi dimensioni per il re Filippo II di Spagna, tra cui la sua "Danae" (1549-1550), una donna sedotta da Zeus, che apparve come la luce del sole, e "Venere e Adone" (1552-1554 circa), un dipinto raffigurante una dea e il suo amante mortale.

Anche i contesti mitologici hanno avuto un ruolo nell'emergere del genere del nudo femminile, in particolare la Venere dormiente di Giorgione (1508) è stato il primo dipinto del genere. Tiziano sviluppò il tema sottolineando l'erotismo insito nello sguardo maschile, come in Venere di Urbino (1534). A giudicare dai titoli, entrambe queste opere hanno un contesto mitologico, sebbene la loro rappresentazione pittorica delle immagini non abbia alcun riferimento visivo alla dea. Tra gli altri opere simili Tiziano può essere chiamato il dipinto "Venere e Cupido" (1550 circa).

La tendenza a raffigurare soggetti mitologici, così in voga tra i veneziani, influenzò anche lo stile di presentazione delle scene agli artisti contemporanei, come spettacoli drammatici, come si vede in Il banchetto in casa di Levi (1573) di Paolo Veronese, dipinto in scala monumentale , dimensioni 555×1280 cm.

Influenza dell'arte veneziana

Intorno al 1580 iniziò il declino della scuola pittorica veneziana del Cinquecento, in parte per l'impatto che la peste ebbe sulla città, che aveva perso un terzo della sua popolazione nel 1581, e in parte per la morte degli ultimi maestri Veronese e Tintoretto. L'opera successiva di entrambi i pittori rinascimentali veneziani, enfatizzando il movimento espressivo piuttosto che le proporzioni classiche e il naturalismo figurativo, ebbe una certa influenza sullo sviluppo dei manieristi, che in seguito dominarono l'Italia e si diffusero in tutta Europa.

Tuttavia, l'enfasi della scuola veneziana sul colore, la luce e il godimento della vita sensuale, come si vede nell'opera di Tiziano, contrastava anche con l'approccio manierista e le opere barocche di Caravaggio e Annibale Carracci. Questa scuola ebbe un impatto ancora maggiore al di fuori di Venezia, poiché re e aristocratici di tutta Europa collezionavano avidamente opere. Artisti ad Anversa, Madrid, Amsterdam, Parigi e Londra, tra cui Rubens, Anthony van Dyck, Rembrandt, Poussin e Velasquez, furono fortemente influenzati dall'arte della scuola veneziana della pittura rinascimentale. La storia racconta che Rembrandt, mentre era ancora un giovane artista, disse durante una visita in Italia che era più facile vedere l'arte rinascimentale italiana ad Amsterdam che viaggiare da una città all'altra nella stessa Italia.

In architettura, Palladio ebbe una grande influenza, soprattutto in Inghilterra, dove Christopher Wren, Elizabeth Wilbraham, Richard Boyle e William Kent adottarono il suo stile. Inigo Jones, definito "il padre dell'architettura britannica", costruì la Queen's House (1613-1635), il primo edificio classico in Inghilterra su progetto del Palladio. Nel XVIII secolo, i disegni di Palladio apparvero nell'architettura degli Stati Uniti. La casa di Thomas Jefferson a Monticello e il Campidoglio sono stati ampiamente influenzati da Palladio, con Palladio nominato "Padre dell'architettura americana" in un ordine esecutivo del Congresso degli Stati Uniti del 2010.

Oltre il Rinascimento

Le opere degli artisti della Scuola Veneziana di Pittura continuarono ad essere speciali. Di conseguenza, il termine continuò ad essere utilizzato fino al XVIII secolo. Rappresentanti della scuola pittorica veneziana, come Giovanni Battista Tiepolo, ampliarono il loro stile distinto sia in stile rococò che barocco. Se ne conoscono anche altri XVIII artisti secolo, come Antonio Canaletto, che dipinse paesaggi urbani veneziani, e Francesco Guardi. Il suo lavoro in seguito influenzò ampiamente gli impressionisti francesi.

Vittore Carpaccio (nato nel 1460, Venezia - morto nel 1525/26, Venezia) è uno dei i massimi rappresentanti artisti veneziani. Potrebbe essere stato uno studente di Lazzaro Bastiani, ma l'influenza principale su di lui primi lavori forniti dagli allievi di Gentile Bellini e Antonello da Messina. Lo stile del suo lavoro suggerisce che potrebbe essere stato anche a Roma da giovane. Dei primi lavori di Vittore Carpaccio non si sa praticamente nulla perché non li ha firmati, e ci sono poche prove che li abbia scritti. Intorno al 1490 iniziò a realizzare un ciclo di scene della leggenda di Sant'Orsola per la Scuola di Santa Orsola, che ora si trovano nelle Gallerie dell'Accademia di Venezia. Durante questo periodo, è diventato un artista maturo. La scena onirica di genere di Sant'Orsola è stata particolarmente apprezzata per la ricchezza di dettagli naturalistici.

Le immagini panoramiche dei dipinti, delle processioni e di altri incontri pubblici di Carpaccio sono note per la loro ricchezza di dettagli realistici, colori solari e narrazioni drammatiche. La sua incorporazione di figure realistiche in uno spazio prospettico ordinato e coerente lo ha reso un precursore dei paesaggisti urbani veneziani.

Francesco Guardi (1712-1793, nato e morto a Venezia), uno dei maggiori paesaggisti dell'era rococò.

L'artista stesso, insieme al fratello Nicolò (1715-86), studiò con Giovanni Antonio Guardi. La loro sorella Cecilia sposò Giovanni Battista Tiepolo. Per molto tempo i fratelli hanno lavorato insieme. Francesco è uno dei rappresentanti di spicco di una direzione così pittoresca come la veduta, caratteristica che era una visualizzazione dettagliata del paesaggio urbano. Dipinse questi dipinti fino alla metà del 1750 circa.

Nel 1782 raffigurò i festeggiamenti ufficiali in onore della visita del granduca Paolo a Venezia. Nello stesso anno fu incaricato dalla Repubblica di realizzare immagini simili della visita di Pio VI. Godette di un notevole sostegno da parte degli inglesi e di altri stranieri e fu eletto all'Accademia di Venezia nel 1784. Fu un artista estremamente prolifico, le cui immagini brillanti e romantiche contrastano nettamente con le trasparenti esibizioni architettoniche del Canaletto, caposcuola della scuola veduta.

Giambattista Pittoni (1687-1767) fu uno dei principali pittori veneziani del primo Settecento. Nacque a Venezia e studiò con lo zio Francesco. Da giovane dipinse affreschi come "La giustizia e il mondo della giustizia" a Palazzo Pesaro, Venezia.

Francesco Fontebasso (Venezia, 1707-1769) è uno dei maggiori esponenti del Settecento, cosa alquanto insolita per la pittura veneziana. Un artista molto attivo e bravo, un decoratore esperto, raffigurante quasi tutto sulle sue tele, dalle scene Vita di ogni giorno e immagini storiche ai ritratti, ha anche dimostrato buone capacità e padronanza di un'ampia varietà di tecniche nella grafica. Iniziò a lavorare su temi religiosi per Maninov, prima nella cappella di Villa Passariano (1732) e poi a Venezia in una chiesa dei gesuiti, dove realizzò due affreschi sul soffitto con Elia catturato in cielo e angeli che appaiono davanti ad Abramo.

Il Rinascimento veneziano è una parte peculiare separata del Rinascimento italiano generale. È iniziato qui più tardi, ma è durato molto più a lungo. Il ruolo delle antiche tradizioni a Venezia era il più piccolo e il collegamento con il successivo sviluppo della pittura europea era il più diretto. A Venezia dominava la pittura, caratterizzata da colori accesi, ricchi e gioiosi.

L'era dell'Alto Rinascimento (on Italiano suona come "Cinquecento") a Venezia durò quasi tutto il XVI secolo. Molti artisti di spicco dipinsero nel modo libero e allegro del Rinascimento veneziano.

L'artista Giovanni Bellini divenne un rappresentante del periodo di transizione dal primo Rinascimento all'Alto. La sua penna appartiene immagine famosa » Lago Madonna"- un bellissimo dipinto, che incarna i sogni di un'età dell'oro o di un paradiso terrestre.

Allievo di Giovanni Bellini, l'artista Giorgione è considerato il primo maestro dell'Alto Rinascimento a Venezia. La sua tela » Venere dormiente"- una delle immagini più poetiche di un corpo nudo nell'arte mondiale. Questo lavoro è un'altra incarnazione del sogno di persone semplici, felici e innocenti che vivono in completa armonia con la natura.

IN Museo di Stato L'Eremo è un dipinto » Giuditta », anch'essa di Giorgione. Questo lavoro è diventato un vivido esempio del raggiungimento di un'immagine tridimensionale non solo con l'aiuto del chiaroscuro, ma anche utilizzando la tecnica della gradazione della luce.

Giorgione "Giuditta"

L'artista più tipico di Venezia può essere considerato Paolo Veronese. Le sue composizioni di grandi dimensioni ea più figure sono dedicate all'immagine di sontuose cene nei palazzi veneziani con musicisti, giullari e cani. Non c'è niente di religioso in loro. » L'ultima Cena» - questa è un'immagine della bellezza del mondo nelle semplici manifestazioni terrene e nell'ammirazione per la perfezione della bella carne.

Paolo Veronese "L'ultima cena"

Creatività Tiziano

L'evoluzione della pittura veneziana del Cinquecento si riflette nell'opera di Tiziano, che per primo lavorò con Giorgione e gli fu vicino. Ciò si rifletteva nel modo creativo del pittore nelle opere "Heavenly Love and Earthly Love", "Flora". Le immagini femminili di Tiziano sono la natura stessa, splendente di eterna bellezza.

- il re dei pittori. Possiede numerose scoperte nel campo della pittura, tra cui la ricchezza del colore, la modellazione del colore, le forme originali e l'uso delle sfumature dei colori. Il contributo di Tiziano all'arte del Rinascimento veneziano è enorme, ebbe una grande influenza sull'abilità dei pittori del periodo successivo.

Il defunto Tiziano è già vicino linguaggio artistico Velázquez e Rembrandt: il rapporto tra toni, macchie, dinamismo della pennellata, consistenza della superficie colorata. I veneziani e Tiziano sostituirono il predominio della linea con i vantaggi della gamma dei colori.

Tiziano Vecellio "Autoritratto" (1567 circa)

La tecnica pittorica di Ticin colpisce ancora oggi, perché è un pasticcio di colori. Nelle mani dell'artista, i colori erano una specie di argilla, da cui il pittore scolpiva le sue opere. È noto che alla fine della sua vita Tiziano dipinse le sue tele con le dita. COSÌ questo confrontoè più che appropriato.

Tiziano "Denario di Cesare" (1516 circa)

Dipinti di Tiziano Vecellio

Tra i dipinti di Tiziano sono i seguenti:

» Assunta »

"Bacco e Arianna"

"Venere di Urbino"

"Ritratto di Papa Paolo III"

"Ritratto di Lavinia"

"Venere davanti allo specchio"

"Maddalena Penitente"

» San Sebastiano »

Pittoresco e sentimento O le forme volumetriche in Tiziano sono in perfetto equilibrio. Le sue figure sono piene di un senso di vita e di movimento. La novità della tecnica compositiva, la colorazione insolita, i tratti liberi sono un tratto distintivo della pittura di Tiziano. Il suo lavoro incarnava le migliori caratteristiche della scuola veneziana del Rinascimento.

Tratti caratteristici della pittura del Rinascimento veneziano

L'ultimo luminare del Cinquecento veneziano è il pittore Tintoretto. Conosciuto per i suoi dipinti "La battaglia dell'arcangelo Michele con Satana" e L'ultima cena. arte incarnava l'idea rinascimentale dell'ideale, la fede nel potere della mente, il sogno della bellezza, uomo forte, personalità armoniosamente sviluppata.

Jacopo Tintoretto "La battaglia dell'Arcangelo Michele con Satana" (1590)

Jacopo Tintoretto "Crocifissione"

Sono state create opere artistiche su soggetti religiosi e mitologici tradizionali. Grazie a ciò, la modernità è stata elevata al rango di eternità, affermando così la divinità di una persona reale. I principi fondamentali dell'immagine in questo periodo erano l'imitazione della natura e la realtà dei personaggi. Un dipinto è una specie di finestra sul mondo, perché l'artista vi raffigura ciò che ha visto nella realtà.

Jacopo Tintoretto "L'ultima cena"

L'arte della pittura era basata sui risultati di varie scienze. I pittori hanno padroneggiato con successo l'immagine prospettica. Durante questo periodo, la creatività è diventata personale. Le opere d'arte da cavalletto stanno diventando sempre più sviluppate.

Jacopo Tintoretto "Paradiso"

Nella pittura si sviluppa sistema di genere che comprende i seguenti generi:

religioso - mitologico;
storico;
paesaggio domestico;
ritratto.

In questo periodo compare anche l'incisione e il disegno gioca un ruolo importante. Le opere d'arte sono valutate in se stesse come un fenomeno artistico. Una delle sensazioni più importanti nella loro percezione è il piacere. Riproduzioni di alta qualità di dipinti del Rinascimento veneziano saranno una grande aggiunta all'interno.

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