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Il contenuto del termine natura morta. Termine e concetto nelle belle arti

Cos'è la natura morta?

La natura morta è un genere di pittura che raffigura la natura inanimata. Il genere ha avuto origine nel XVII secolo.

La natura morta è principalmente sorprendente e interessante perché fa vedere alle persone la bellezza e l'armonia nelle cose quotidiane e noiose che ci circondano tutto il tempo, ma non attirano la nostra attenzione su se stesse.

Il genere non è così semplice come sembra a prima vista: nella maggior parte di questi dipinti, gli artisti usano l'allegoria: cercano di dire alla gente qualcosa di importante attraverso un certo insieme di oggetti, la loro disposizione, i colori scelti, la composizione complessiva, per trasmettere ciò che li preoccupa, per raccontare i loro sentimenti e pensieri.

Nonostante la cupa traduzione "natura morta", le tele sono spesso piene di colori vivaci, deliziano lo spettatore con la loro originalità e stranezza, risvegliano il desiderio di vivere e ammirare il mondo che li circonda, di vederne la bellezza.

Esistono molti tipi e sottospecie di natura morta, ad esempio trama tematica, creativa, educativa e creativa, educativa. Sono inoltre suddivisi in base ai colori utilizzati, illuminazione, colore, tempo di esecuzione, luogo, ecc.

I fondatori della natura morta come genere indipendente furono gli olandesi e artisti fiamminghi. Inizialmente, i dipinti apparivano in uso religioso. Anche nell'era dell'origine del genere, si diffusero dipinti di natura cupa con un profondo significato filosofico e toni scuri, al centro della composizione, che erano teschi, candele e alcuni altri attributi. Poi, sviluppandosi gradualmente, il genere ha assorbito sempre più nuove direzioni e più e più volte è diventato sempre più diffuso in tutti gli ambienti della società. Fiori, libri, frutta e verdura, frutti di mare, piatti e altri articoli per la casa: tutto si riflette nell'arte. Una delle più artisti famosi Le nature morte erano Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Brize.

Cézanne, Paolo. Natura morta con melograno e pere. 1885-1890
Cézanne, Paolo. Natura morta con mele e arance. 1895-1900

In Russia, il genere è nato all'inizio del XVIII secolo, ma nessuno era seriamente impegnato in questo, era considerato un genere "inferiore". All'inizio del XX secolo, la pittura di nature morte raggiunse il suo apice; gli artisti hanno creato i loro capolavori, si sono posti nuovi compiti e hanno raggiunto livelli indicibili di maestria, hanno utilizzato tecniche insolite, selezionato nuove immagini. La natura morta russa, a differenza di quella occidentale, non si è sviluppata gradualmente, ma a un ritmo accelerato. Creando in questo genere, artisti russi come K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov e molti altri.

I. Levitano I. Levitano

Nella pittura moderna, la natura morta sta subendo una nuova impennata e ora occupa saldamente un posto a pieno titolo tra gli altri generi. arti visive. Ora è una delle direzioni più ricercate nella pittura. Avendo un numero enorme di opportunità di autorealizzazione nella creatività, gli artisti dipingono un'ampia varietà di nature morte. E gli spettatori, a loro volta, acquistano dipinti, decorano i loro interni con loro, ravvivano la loro casa e le portano conforto e gioia. I musei vengono costantemente riforniti di nature morte, sempre più nuove mostre si stanno aprendo in varie città e paesi, a cui arrivano folle di spettatori interessati all'arte. Diversi secoli dopo, dopo aver superato un lungo percorso di sviluppo a tutti gli effetti, la natura morta è ancora rilevante e non ha perso il suo significato nella pittura mondiale.

Natura morta nella pittura: immagini di oggetti statici inanimati combinati in un unico insieme. Una natura morta può essere presentata come una tela indipendente, ma a volte diventa parte della composizione di una scena di genere o di un intero dipinto.

Cos'è la natura morta?

Tale pittura si esprime nell'atteggiamento soggettivo di una persona nei confronti del mondo. Questo mostra la comprensione intrinseca del maestro della bellezza, che diventa l'incarnazione valori pubblici e l'ideale estetico del tempo. La natura morta nella pittura si è gradualmente trasformata in un genere significativo separato. Questo processo ha richiesto più di cento anni e ogni nuova generazione di artisti ha compreso le tele e il colore secondo le tendenze dell'epoca.

Il ruolo della natura morta nella composizione di un dipinto non si limita mai a semplici informazioni, un'aggiunta accidentale al contenuto principale. A seconda delle condizioni storiche e delle esigenze sociali, gli oggetti possono assumere un ruolo più o meno attivo nella creazione di una composizione o di un'immagine dell'hotel, oscurando l'uno o l'altro obiettivo. Natura morta in pittura genere indipendente progettato per trasmettere in modo affidabile la bellezza delle cose che circondano una persona ogni giorno.

A volte un singolo dettaglio o elemento assume improvvisamente un significato profondo, assume un significato e un suono propri.

Storia

In quanto genere antico e venerato, la natura morta nella pittura conosceva i suoi alti e bassi. Severo, ascetico e minimalista ha contribuito a creare immortali immagini eroiche monumentali generalizzate. Gli scultori con straordinaria espressività hanno apprezzato l'immagine dei singoli oggetti. I tipi di natura morta nella pittura e tutti i tipi di classificazioni hanno avuto origine durante la formazione della storia dell'arte, sebbene le tele esistessero molto prima della stesura del primo libro di testo.

Tradizioni della pittura di icone e nature morte

Nell'antica pittura di icone russe, quelle poche cose che l'artista ha osato introdurre nel rigoroso laconismo delle opere canoniche hanno avuto un ruolo importante. Contribuiscono alla manifestazione di tutto ciò che è immediato e dimostrano l'espressione dei sentimenti in un'opera dedicata a una trama astratta o mitologica.

I tipi di natura morta nella pittura esistono separatamente dalle opere di pittura di icone, sebbene un canone rigoroso non proibisca la raffigurazione di alcuni oggetti inerenti al genere.

natura morta rinascimentale

Tuttavia, le opere dei secoli XV-XVI svolgono un ruolo importante nel Rinascimento. Il pittore ha prima attirato l'attenzione sul mondo che lo circonda, ha cercato di determinare il significato di ogni elemento al servizio dell'umanità.

La pittura moderna, la natura morta come genere popolare e amato, ha avuto origine nel periodo del Tricento. Gli articoli per la casa acquisirono una certa nobiltà e significato del proprietario che servivano. Su grandi tele, una natura morta, di regola, sembra molto modesta e discreta: un barattolo di vetro d'acqua, l'argento di un vaso elegante o delicati gigli su steli sottili spesso rannicchiati in un angolo buio del quadro, come poveri e dimenticati parenti.

Tuttavia, nell'immagine delle cose belle e vicine c'era così tanto amore in forma poetica che pittura moderna, la natura morta e il suo ruolo in essa facevano già timidamente capolino tra le fessure dei paesaggi e i pesanti sipari delle scene di genere.

Momento cruciale

I soggetti acquisirono un elemento reale nei dipinti e un nuovo significato nel XVII secolo, un'epoca in cui prevaleva e dominava la natura morta con fiori. Dipinti di questo genere hanno conquistato numerosi estimatori tra la nobiltà e il clero. In composizioni complesse con un pronunciato letterario trama le scene hanno preso il loro posto insieme ai personaggi principali. Analizzando le opere dell'epoca, è facile notare che l'importante ruolo della natura morta si è manifestato in modo simile nella letteratura, nel teatro e nella scultura. Le cose hanno cominciato ad "agire" e "vivere" in queste opere: sono state mostrate come i personaggi principali, dimostrando gli aspetti migliori e più benefici degli oggetti.

Gli oggetti d'arte realizzati da artigiani laboriosi e talentuosi portano un'impronta personale di pensieri, desideri e inclinazioni. persona specifica. la pittura è la cosa migliore test psicologici aiutare a monitorare lo stato psico-emotivo e raggiungere armonia interiore e integrità.

Le cose servono fedelmente una persona, adottando il suo entusiasmo per gli articoli per la casa e ispirando i proprietari ad acquistare nuove piccole cose belle ed eleganti.

Rinascimento fiammingo

Pittura a guazzo, natura morta come genere che le persone non hanno accettato immediatamente. La storia dell'emergere, dello sviluppo e dell'implementazione diffusa di varie idee e principi serve a ricordare il costante sviluppo del pensiero. La natura morta divenne famosa e di moda a metà del XVII secolo. Il genere è iniziato nei Paesi Bassi, le Fiandre luminose e festive, dove la natura stessa favorisce la bellezza e il divertimento.

La pittura a guazzo, le nature morte fiorirono in un'epoca di grandiosi cambiamenti, un completo cambiamento delle istituzioni politiche, sociali e religiose.

corrente delle Fiandre

La direzione borghese dello sviluppo delle Fiandre fu una novità e un progresso per tutta l'Europa. Cambia in vita politica ha portato a innovazioni simili nella cultura: gli orizzonti che si aprivano davanti agli artisti non erano più limitati ai divieti religiosi e non erano supportati dalle tradizioni pertinenti.

La natura morta divenne il fiore all'occhiello della nuova arte, che glorificava tutto ciò che è naturale, luminoso e bello. I rigidi canoni del cattolicesimo non frenavano più il volo dell'immaginazione e la curiosità dei pittori, e quindi la scienza e la tecnologia iniziarono a svilupparsi insieme all'arte.

Le cose e gli oggetti ordinari di tutti i giorni, precedentemente considerati meschini e indegni di menzione, sono diventati improvvisamente oggetti di studio approfondito. La pittura decorativa, la natura morta e i paesaggi sono diventati un vero specchio della vita: routine quotidiana, dieta, cultura, idee sulla bellezza.

Proprietà del genere

Fu da qui, da uno studio consapevole e approfondito del mondo circostante, che genere separato pittura domestica, paesaggio, natura morta.

L'arte, che acquisì alcuni canoni nel XVII secolo, determinò la principale qualità del genere. Pittura, dedicato al mondo cose, descrive le proprietà di base inerenti agli oggetti che circondano una persona, mostra l'atteggiamento del maestro e del suo ipotetico contemporaneo a ciò che viene mostrato, esprime la natura e la completezza della conoscenza della realtà. L'artista ha necessariamente trasmesso l'esistenza materiale delle cose, il loro volume, peso, consistenza, colore, lo scopo funzionale degli oggetti domestici e la loro connessione vitale con l'attività umana.

Compiti e problemi della natura morta

La pittura decorativa, la natura morta e le scene domestiche hanno assorbito le nuove tendenze dell'epoca: l'allontanamento dai canoni e la contemporanea conservazione del naturalismo conservatore dell'immagine.

La natura morta dell'era rivoluzionaria durante la completa vittoria della borghesia riflette il rispetto dell'artista per le nuove forme vita nazionale compatrioti, rispetto per il lavoro degli artigiani ordinari, ammirazione per belle immagini bellezza.

I problemi e i compiti del genere formulati nel XVII secolo non furono generalmente discussi nelle scuole europee fino alla metà del XIX secolo. Nel frattempo, gli artisti si sono posti costantemente nuovi e nuovi compiti e non hanno continuato a riprodurre meccanicamente soluzioni compositive e combinazioni di colori già pronte.

Tele moderne

Le foto di nature morte per la pittura, preparate in studi moderni, dimostrano chiaramente la differenza tra la percezione del mondo da parte di un contemporaneo e una persona del Medioevo. La dinamica degli oggetti oggi supera tutti i limiti immaginabili e la statica degli oggetti era la norma per quel tempo. Le combinazioni di colori del XVII secolo sono caratterizzate da luminosità e purezza di colore. Le tonalità sature si inseriscono armoniosamente nella composizione e sottolineano l'idea e l'idea dell'artista. L'assenza di canoni nel modo migliore influenzato le nature morte del XX e XXI secolo, a volte colpendo l'immaginazione con la loro bruttezza o deliberata variegatura.

I metodi per risolvere i problemi della natura morta cambiano rapidamente ogni decennio, metodi e tecniche non tengono il passo con l'immaginazione di maestri riconosciuti e meno.

Il valore dei dipinti di oggi risiede nell'espressione della realtà attraverso gli occhi degli artisti contemporanei; attraverso l'incarnazione sulla tela, nascono nuovi mondi che possono raccontare molto dei loro creatori alle persone del futuro.

Influenza dell'impressionismo

La prossima pietra miliare nella storia delle nature morte fu l'impressionismo. L'intera evoluzione della direzione si è riflessa nelle composizioni attraverso i colori, la tecnica e la comprensione dello spazio. Romantici recenti Per millenni, la vita è stata trasferita sulla tela così com'è: tratti veloci e luminosi e dettagli espressivi sono diventati i capisaldi dello stile.

Pittura, natura morta artisti contemporanei portano certamente l'impronta degli ispiratori impressionisti attraverso il colore, i modi e le tecniche dell'immagine.

Partenza dai canoni standard del classicismo: tre piani, composizione centrale e eroi storici- ha permesso agli artisti di sviluppare la propria percezione del colore e della luce, nonché di dimostrare al pubblico il libero volo delle emozioni in modo accessibile e visivo.

I compiti principali degli impressionisti: il cambiamento tecnica pittorica e il contenuto psicologico dell'immagine. E oggi, pur conoscendo la situazione di quell'epoca, è difficile trovare la risposta corretta alla domanda sul perché i paesaggi impressionisti, gioiosi e semplici come la poesia, abbiano provocato un netto rifiuto e un rude ridicolo da parte di critici esigenti e di un pubblico illuminato.

La pittura impressionista non rientrava nel quadro generalmente accettato, quindi nature morte e paesaggi erano percepiti come qualcosa di volgare, indegno di riconoscimento insieme ad altre fecce dell'alta arte.

Una mostra d'arte che è diventata peculiare attività missionaria per artisti famosi dell'epoca, è stato in grado di raggiungere i cuori e dimostrare la bellezza e la grazia Immagini di oggetti e oggetti da tutti mezzi disponibili sono diventati un luogo comune anche tra le mura di formidabili istituzioni che professano solo principi arte classica. La processione trionfante delle nature morte non si è fermata dalla fine dell'Ottocento e la varietà di generi e tecniche odierne consente di non aver paura di alcun esperimento con colori, trame e materiali.

Natura morta, genere artistico

Nel 19 ° secolo il destino della natura morta è stato determinato dai principali maestri della pittura, che hanno lavorato in molti generi e hanno coinvolto la natura morta nella lotta visioni estetiche E idee artistiche(F. Goya in Spagna, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet in Francia). Tra i maestri dell'Ottocento specializzati in questo genere spiccano anche A. Fantin-Latour (Francia) e W. Harnet (USA). La nuova ascesa della natura morta è stata associata all'esibizione di maestri post-impressionisti, per i quali il mondo delle cose diventa uno dei temi principali (P. Cezanne, V. van Gogh). Dall'inizio del XX secolo. natura mortaè una sorta di laboratorio creativo di pittura. In Francia, i maestri del fauvismo (A. Matisse e altri) seguono la via dell'accresciuta identificazione delle possibilità emotive e decorativo-espressive del colore e della consistenza, e i rappresentanti del cubismo (J. Braque, P. Picasso, X. Gris e altri), utilizzando le specificità delle possibilità artistiche e analitiche della natura morta, cercano di stabilire nuovi modi di trasmettere spazio e forma. La natura morta attira anche maestri di altre tendenze (A. Kanoldt in Germania, G. Morandi in Italia, S. Lukyan in Romania, B. Kubista ed E. Filla nella Repubblica Ceca, ecc.). Le tendenze sociali nella natura morta del XX secolo sono rappresentate dal lavoro di D. Rivera e D. Siqueiros in Messico, R. Guttuso in Italia.

Nell'arte russa natura morta apparve nel XVIII secolo. insieme all'affermazione della pittura secolare, che riflette il pathos cognitivo dell'epoca e il desiderio di trasmettere in modo veritiero e accurato il mondo oggettivo ("trucchi" di G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, ecc.). Ulteriori sviluppi La natura morta russa per molto tempo ha avuto un carattere episodico. È un po' sorto nella prima metà del XIX secolo. (F. P. Tolstoy, scuola di A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) è associato al desiderio di vedere la bellezza nel piccolo e nell'ordinario. Nella seconda metà del XIX sec. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan si sono rivolti alla natura morta di natura abbozzata solo occasionalmente; valore ausiliario della natura morta in sistema artistico Gli Erranti sono seguiti dalla loro idea del ruolo dominante dell'immagine tematica della trama. Il significato indipendente dello studio della natura morta aumenta a cavallo tra il XIX e il XX secolo. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Il periodo di massimo splendore della natura morta russa cade all'inizio del XX secolo. I suoi migliori esempi includono le opere impressioniste di K. A. Korovin, I. E. Grabar; le opere degli artisti del "Mondo dell'Arte" (A. Ya. Golovin e altri) che giocano sottilmente con il carattere storico e quotidiano delle cose; nettamente immagini decorative P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu Sudeikin, M. S. Saryan e altri pittori del circolo Blue Rose; luminoso, intriso della pienezza dell'essere nature morte dei maestri del "Fante di quadri" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Natura morta sovietica, che si sviluppa in linea con l'arte realismo socialista arricchito di nuovi contenuti. Negli anni 20-30. include e riflessione filosofica modernità in opere affilate nella composizione (K. S. Petrov-Vodkin), e nature morte tematiche "rivoluzionarie" (F. S. Bogorodsky e altri), e tentativi di riconquistare tangibilmente la "cosa" respinta dai cosiddetti non oggettivi attraverso esperimenti sul campo di colore e consistenza (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), e una ricreazione a sangue pieno della ricchezza colorata e della diversità del mondo oggettivo (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin e altri. ), come così come la ricerca di una sottile armonia cromatica, la poetizzazione del mondo delle cose (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa, ecc.). Negli anni 40-50. PV Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu Nikich lavorano attivamente nella natura morta. Tra i maestri della natura morta nelle repubbliche dell'Unione, spiccano A. Akopyan in Armenia, T. F. Narimanbekov in Azerbaigian, L. Svemp e L. Endzelina in Lettonia, N. I. Kormashov in Estonia. L'attrazione per la maggiore "oggettività" dell'immagine, l'estetizzazione del mondo delle cose che circondano una persona ha determinato l'interesse per la natura morta dei giovani artisti degli anni '70 e dei primi anni '80. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, ecc.).

Lett .: B. R. Vipper, Il problema e lo sviluppo della natura morta. (La vita delle cose), Kazan, 1922; Yu I. Kuznetsov, Natura morta dell'Europa occidentale, L.-M., 1966; M. M. Rakova, natura morta russa fine XIX- l'inizio del XX secolo, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pushkarev, Natura morta in russo e pittura sovietica. L., ; Yu Ya Gerchuk, Cose viventi, M., 1977; natura morta dentro pittura europea XVI - inizio XX secolo. Catalogo, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l'antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., Introduzione alla natura morta e alla pittura floreale, L., 1976; Ryan A., Tecniche pittoriche della natura morta, L. , 1978.

Principalmente pittura. Nella natura morta sono raffigurate solo le cose di tutti i giorni, ad es. quotidiano, ordinario cose, oggetti inanimati. Può essere un alimento diverso, ad es. cibo, piatti, libri, figurine, ecc. Tutto ciò che è vivente, naturale, naturale diventa inanimato, morto in una natura morta (francese "nature morte" - letteralmente "natura morta") ed è equiparato alle cose. Quindi, per diventare oggetto di una natura morta, frutta e frutti devono essere colti, animali e uccelli devono essere uccisi, pesci, animali marini devono essere catturati, fiori devono essere tagliati. Le cose in una natura morta sono volutamente raggruppate in un unico ambiente, formando un mondo di realtà artificiale, in una certa misura trasformata dall'uomo. L'artista non raffigura le cose “dalla natura”, poiché si trovano all'interno, ma le combina in anticipo secondo il compito semantico e artistico.

Nella natura morta, le cose sono mostrate in uno stato stazionario, sono in uno spazio condizionale senza tempo. Le cose sono date come se avvicinamento, sono visti da vicino e considerati in dettaglio. La composizione allarga la piccola "dimensione" delle cose in una natura morta, le estrae dal loro consueto contesto funzionale. Essendo disposta arbitrariamente e consapevolmente, una natura morta contiene sempre un certo Messaggio, una lettera segreta (crittogramma). Le cose si trasformano in simboli. I significati di questi simboli, il contenuto dei messaggi sono molto diversi, ma molto spesso sono ideologici e persino carattere filosofico. Ad esempio, alcune "trame" di nature morte olandesi del XVII secolo. quando questo genere ha raggiunto la sua specificità di genere e il suo apogeo. Una delle trame che si è diffusa è "vanitaz" (dal latino - "futilità"). Nelle nature morte di questo tipo, gli orologi sono spesso presenti come simboli del tempo terreno fugace, inesorabile, come emblema della transitoria esistenza terrena. Un oggetto tipico è spesso l'immagine di un teschio. Ad esempio, in Barthel Brain, è raffigurato in una nicchia con un pezzo di carta e il detto: "Niente proteggerà dalla morte, quindi vivi come vorresti morire". Il cranio è circondato da altri segni di fragilità, ad esempio spighe di grano (de Hem), lampade con una candela accesa o bruciata (Doe). Per vanità piaceri terreni indicare giocando a carte, pipe per fumare (classe). Spesso ci sono ritagli di carta, manoscritti, edizioni stampate con iscrizioni come "momento mori" ("ricorda la morte"). Ci sono molti altri esempi di personificazione di riflessioni sul significato dell'esistenza umana.

La diversità storica delle nature morte è determinata dal fatto che esse appaiono come una manifestazione specifica stili artistici e le scuole nazionali nella loro evoluzione storica.

Ciò può essere illustrato dall'esempio della natura morta russa del XVIII - inizio XX secolo. 18esimo secolo tipico varie opzioni"trucchi" con un effetto naturalistico di natura illusoria, ad esempio l'imitazione di libri per "falsi armadi". Dal 1830 - un allontanamento dal classicismo, una percezione poetica della vita privata quotidiana (veneziana). Un'altra linea è accademica natura morta decorativa(Khrutsky). Cercando di rinnovarsi, l'accademismo monumentalizza la natura morta (Sverchkov), e l'arte da salotto del senso piccolo-borghese segue il percorso di una combinazione insapore di decoratività di "cose belle" e mazzi colorati con naturalismo nell'interpretazione dei dettagli (K Makovsky). Realismo del XIX secolo distingue l'attenzione alla naturalezza delle composizioni (Repin), all'interpretazione emotiva delle cose (Polenov), al carattere nazionale (Surikov), al lirismo dell'umore (Levitan). Le nature morte degli impressionisti russi Korovin e Grabar sono caratterizzate da un'interpretazione “paesaggistica” degli oggetti. Gli artisti di The Blue Rose e The Golden Fleece (Kuznetsov, Saryan, Sapunov) sono caratterizzati da un desiderio di simboli comuni mondo ideale e riposati. I rappresentanti del "Fante di quadri" (Konchalovsky, Mashkov, Lentulov e altri), sotto l'influenza di Cezannismo, Cubismo e Lubok, cercarono di creare immagini monumentali di cose.

Nell'arte dell'avanguardia russa, la natura morta diventa un comodo campo di sperimentazione. Rimanendo all'interno dell'"archetipo" del genere, gli artisti ne violano arditamente i canoni fondamentali. Le cose vanno oltre i loro confini e cessano di essere uguali a se stesse. Si dissolvono in luce e colore, nell'irradiazione di energia, si condensano in ammassi di materia e volumi, si sgretolano in tanti frammenti di piani e volti. Dietro questi esperimenti c'è il desiderio degli autori di esprimere nelle loro composizioni "oggettive" un'idea del mondo circostante e della propria personalità.

Nel 20 ° secolo c'è un offuscamento dei confini delle cose all'interno della natura morta e un offuscamento dei confini del genere stesso. Si avvicina spesso al paesaggio, all'interno, alla pittura. E viceversa, nei paesaggi, nei ritratti, c'è una tendenza alla "natura morta".

Caratterizzando la natura morta nel suo insieme da un punto di vista estetico, si può sostenere che caratteristiche come significato, aumento di rango semantico, atemporalità, festività, glorificazione, esotismo, monumentalità, solennità, sfarzo, dinamismo, ecc. la principale categoria estetica si esibisce qui sublime, spesso combinato con il bello e il drammatico. Le categorie di comico e tragico non sono tipiche di questo genere.

Bacino di Evgeny

Introduzione……………………………………………………………………………….5

Capitolo 1. Riferimento storico genere "natura morta"……………………………....6

1.1. La storia dello sviluppo della natura morta…………………………………………6

1.2. La natura morta come genere pittorico………………………………...12

Capitolo 2. Caratteristiche, modi e mezzi del genere prescelto……………………..14

2.1. Caratteristiche del genere selezionato ………………………………..14

2.2. Oggetti raffigurati nella natura morta……………………………….16

2.3. Caratteristiche compositive della natura morta………………………….18

2.4.Il colore nella pittura………………………………………………………..20

Capitolo 3. Descrizione della tecnica scelta per scrivere lo spettacolo…………..24

3.1 Storia del pastello………………………………………………………..24

3.2 Tecnica del disegno a pastello………………………………………….25

Capitolo 4. Lavorare su una natura morta……………………...................28

4.1. Stato di avanzamento dei lavori …………………………………………………………….28

Conclusione ………………………………………………………………………...29

Elenco dei riferimenti ……………………………………………...30

Applicazione

introduzione

Il compito principale dell'arte e della pittura è risvegliare il bello in una persona, farla pensare, sentire, il compito dell'artista è attirare l'attenzione dello spettatore, suscitare in lui un senso di appartenenza alle esperienze espresse nell'immagine, per farlo guardare in un modo nuovo il mondo, per discernere un'essenza straordinaria in oggetti familiari.L'arte della natura morta ha una sua bella e lunga storia. La natura morta ci introduce nel mondo che circonda l'artista, consente di guardare indietro di diversi secoli fa, di entrare in empatia con il maestro dei suoi motivi preferiti, la conoscenza del mondo circostante.Per molti secoli, gli artisti hanno cercato di esprimere la loro comprensione di il mondo, i loro pensieri e interessi con l'aiuto delle cose che li circondano, e ogni creatore lo fa a modo suo, ogni opera è individuale. In alcune nature morte prevale la realtà, in altre l'abilità. Più importanti sono gli inizi espressivi della pittura. Ogni pittore ha la sua visione del mondo.

I requisiti principali per questo tesinaÈ:

Conoscenza delle illustrazioni dei grandi artisti del passato;

Ricerca compositiva basata su schizzi;

Cerca un centro compositivo;

Costruzione strutturale di oggetti di natura morta;

Trasferimento di colore e materia;

Creazione di espressività emotiva.

Capitolo 1. Cenni storici del genere "natura morta".

1.1. La storia dello sviluppo della natura morta

"Natura morta" - la parola francese significa letteralmente "natura morta". In olandese, la designazione di questo genere suona come stilleven i.e. “ vita tranquilla”, secondo l'opinione di molti artisti e critici d'arte, questa è l'espressione più accurata dell'essenza del genere, ma tale è la forza della tradizione che è “natura morta” un nome noto e radicato. La natura morta, come genere indipendente, sorse nelle Fiandre e in Olanda a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, raggiungendo rapidamente una perfezione straordinaria nel trasferimento di una varietà di oggetti. mondo materiale. Il processo per diventare una natura morta procedeva più o meno allo stesso modo in molti paesi. Europa occidentale. I periodi del suo sviluppo avevano il loro background storico. Ogni secolo propone i suoi maestri della natura morta. Le loro opere incarnavano gli ideali artistici dell'epoca, l'originalità e l'espressività dei mezzi plastici inerenti a un'epoca particolare e l'individualità dei singoli pittori. La formazione della natura morta nei Paesi Bassi è stata contrassegnata da due fasi, all'inizio poteva esistere solo sotto forma di un'immagine più o meno indipendente sul retro del piano pittorico del quadro, o sotto forma di accessori sul lato anteriore dell'immagine.

La fase successiva nella formazione del genere della natura morta sono state le opere in cui la natura morta e i temi religiosi hanno cambiato posto. L'immagine di oggetti inanimati ha agito come parte di un unico processo attivo di padronanza completa del mondo reale da parte di una persona, la sua comprensione artistica.

Raggiunse una potente fioritura nelle Fiandre e passò alla storia con il nome di natura morta fiamminga. L'era del suo periodo di massimo splendore era associata ai nomi dei più grandi artisti delle Fiandre, inclusi nella storia delle belle arti dell'Europa occidentale: Frans Snyders e il suo allievo Jan Feit. Un'altra potente scuola di nature morte è conosciuta come la "Dutch Still Life". La comunanza dei destini storici dei popoli dell'Olanda e delle Fiandre e l'unità nell'arte del passato, da cui entrambe le scuole hanno tratto esperienza artistica, hanno dato origine a molti caratteristiche comuni nella loro pittura. Il tipo più promettente e progressista di natura morta olandese era il genere della "colazione" nato ad Haarlem.

Nel genere della natura morta (gli autori di queste opere erano i pittori di Haarlem Voplem Claes Heda e Pieter Claes) - hanno creato un tipo speciale di versione olandese democratica delle "colazioni". I "personaggi" delle loro nature morte erano pochi e, di regola, oggetti di aspetto molto modesto della quotidianità domestica.

Un risultato molto importante dei maestri delle "colazioni" di Harlem è stata la scoperta del ruolo dell'ambiente luce-aria e di un singolo tono di colore come mezzo principale per trasmettere una ricca varietà di qualità materiche delle cose e, allo stesso tempo , rivelando l'unità del mondo oggettivo.

Sull'ulteriore democratizzazione del genere della natura morta, si diffuse il tipo di "natura morta da cucina", sia nelle Fiandre che in Olanda. Una caratteristica di questa varietà nella rappresentazione degli oggetti era la grande attenzione alle caratteristiche spaziali dell'ambiente. Alla fine del XVII secolo, le tendenze decorative prevalgono nella natura morta olandese. Accanto alla natura morta dell'Olanda e delle Fiandre, la natura morta tedesca del XVII secolo occupa un posto secondario. I successi della natura morta tedesca del XVII secolo sono strettamente legati all'arte moderna olandese. Nella natura morta tedesca del XVII secolo convivevano quasi senza toccarsi due tendenze: naturalistica e decorativa.

natura morta dentro pittura italiana era incomparabilmente più ricco e purosangue del tedesco, sebbene non raggiungesse né il potere dei fiamminghi, né la versatilità e la profondità degli olandesi. Un nuovo potente impulso allo sviluppo della natura morta in Italia fu dato da Caravaggio. Fu uno dei primi grandi maestri che si dedicò al genere della pura natura morta e creò un'immagine monumentale e plastica della "natura morta".

La natura morta italiana del XVII secolo si è sviluppata a modo suo e alla fine ha acquisito una serie di qualità che la distinguono dalle altre scuole nazionali.

La natura morta spagnola è caratterizzata dal sublime rigore e dal significato speciale dell'immagine delle cose, che si manifesta particolarmente chiaramente nell'opera del maestro spagnolo F. Zurbaran.

CON tardo XVII secoli nella natura morta francese, trionfarono le tendenze decorative dell'arte di corte. L'apice della natura morta francese e dell'Europa occidentale del XVII secolo fu opera di J.B.S. Chardin. Era caratterizzato dal rigore e dalla libertà della composizione, dalla sottigliezza delle soluzioni cromatiche. Un po 'più di attenzione è stata prestata alla natura morta del romanticismo. Il romanticismo non ha creato un concetto significativo originale della natura morta. Il soggetto principale della romantica natura morta erano i fiori ei trofei di caccia.

Nel XVII secolo il destino della natura morta fu determinato dai principali maestri della pittura, che lavorarono in molti generi e coinvolsero la natura morta nella lotta tra visioni estetiche e idee artistiche. Così, ad esempio, il realista francese Gustave Courbet formulò un nuovo concetto, definendo il rapporto diretto della natura morta con la natura, restituendole così vitalità, succosità e profondità.

Gli impressionisti hanno creato la propria composizione di nature morte, trasferendo a questo genere il principio del plein air, da loro sviluppato nel campo del paesaggio. Riconoscendo nella natura morta solo luce e aria, hanno trasformato gli oggetti in un semplice portatore di riflessi luce-aria.

La nuova ascesa delle nature morte è stata associata all'esibizione dei maestri del post-impressionismo, per i quali il mondo delle cose diventa uno dei temi principali che è caratteristico dell'opera di P. Cezanne e Van Gogh.

Dall'inizio del XX secolo, la natura morta è diventata una sorta di laboratorio creativo per la pittura. In Francia, i maestri del fomismo A. Matisse e altri seguono la via dell'accresciuta identificazione delle possibilità emotive, decorative ed espressive del colore e della consistenza, e i rappresentanti del cubismo J. Braque, P. Picasso e altri, utilizzando l'artistico e possibilità analitiche inerenti alle specificità della natura morta, si sforzano di approvare nuovi modi di trasmettere spazio e forma. La natura morta attira anche maestri di altri movimenti.

Nell'arte russa, la natura morta è apparsa nel XVII secolo insieme all'istituzione della pittura secolare, riflettendo il pathos cognitivo dell'epoca e il desiderio di trasmettere in modo veritiero e accurato il mondo oggettivo. L'articolazione e la natura illusoria di queste nature morte ha dato motivo di chiamarle "inganni". L'ulteriore sviluppo della natura morta russa per un tempo considerevole fu episodico. La sua ascesa nella prima metà del XIX secolo, segnata da nomi come F. P. Tolstoy, A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky, è associata al desiderio di vedere la bellezza nel piccolo e nell'ordinario.

Nella seconda metà del XIX secolo, la natura morta iniziò ad acquisire il suo potere semantico, tuttavia, inizialmente solo nelle navate della trama della composizione di P. Fedotov, V. Petrov, V. Makovsky, V. Polenov e altri pittori indirizzo democratico. natura morta dentro quadri di genere di questa cerchia di autori ha rivelato e rafforzato l'orientamento sociale delle loro opere, caratterizzato il tempo.

La decisione indipendente dello studio della natura morta aumenta a cavallo tra il XIX e il XX secolo nelle opere di M. A. Vrubel e V. Borisov-Masutov. Il periodo di massimo splendore della natura morta russa cade all'inizio del XX secolo. L'arte è caratterizzata da ricerche nel campo del colore, della forma, della costruzione spaziale. Il desiderio di espandere le possibilità del linguaggio pittorico incoraggia gli artisti a rivolgersi alle tradizioni dell'antico russo e arte popolare, cultura d'oriente, patrimonio classico West, alle conquiste della moderna pittura francese.

I migliori esempi di questo periodo includono le opere impressioniste di K. A. Korovin, I. E. Grabar; le opere di artisti del “Mondo delle Arti” di A. Ya Golovin e altri che giocano proprio con la natura storica e quotidiana delle cose; nettamente decorativo P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu Sudeikin, M. S. Saryan e altri pittori del circolo " rose blu» luminose nature morte intrise della pienezza dell'essere dei maestri del “Fante di Quadri” P.P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, A. V. Lentulov e altri.

Negli anni '20 e '30, la natura morta includeva anche una comprensione filosofica della modernità nelle opere di K. S. Petrov-Vodkin, affinata nella composizione. Differiscono nell'originalità del colore e nella costruzione prospettica. Gli oggetti sono scritti in essi non da un punto di vista, ma da diversi. Una tecnica simile per costruire lo spazio espanso mezzi figurativi artista, contribuendo a trasmettere la forma e il volume degli oggetti e contribuendo a una visualizzazione più accurata della loro relazione sul piano. La natura morta ha preso un posto importante nel lavoro di Yu e Pimenov. Il soggetto delle sue nature morte è dotato di grande espressività emotiva.

Arricchito con nuovi temi, immagini e tecniche artistiche, La natura morta russa dell'inizio del XX secolo si è sviluppata in modo insolitamente rapido: in un decennio e mezzo attraversa un percorso difficile dall'impressionismo alla creazione di forme astratte, svolgendo un ruolo importante nello sviluppo dell'arte del nostro secolo. Mai prima d'ora aveva occupato un posto così importante nella storia della pittura russa.

La natura morta, per così dire, era destinata a diventare per molti artisti, anzi per la pittura russa del primo Novecento, una sorta di laboratorio alla ricerca di un nuovo linguaggio pittorico. Ma, naturalmente, non solo il cosiddetto linguaggio formale della pittura, ma anche il suo contenuto, il suo metodo ei principi del suo sistema figurativo andavano mutando e, nel complesso, si arricchivano a modo loro.

Dobbiamo alla natura morta di questo tempo una straordinaria espansione dei suoi confini come bel genere. personalità umana di quell'epoca difficile si rivela in esso molto multiforme. In questa natura morta, lo spettatore non solo sente le specificità di un particolare modo di vivere, ma anche quelle caratteristiche uniche che sono inerenti a una certa individualità. L'essenza profonda del fenomeno del mondo circostante è ora rivelata in modo più completo4.