Tendenze di stile nell'arte. Quali sono i principali generi di pittura che conosci? Pensa a cosa disegni più spesso
Le indicazioni nell'arte sono un sistema tecniche artistiche, mezzi espressivi progettati per esprimere una certa idea, una visione del mondo dominante in una determinata comunità in un determinato periodo di tempo. Gli stili si sono sviluppati nell'ultimo millennio, sostituendosi successivamente l'un l'altro. A volte un nuovo stile nato come continuazione e sviluppo del precedente, a volte è diventato il risultato di una lotta con le idee del predecessore.
IN singoli casiè così difficile individuare uno stile che è piuttosto classificato come una direzione. Quindi il simbolismo, il cubismo possono essere attribuiti come uno stile formato in modo indipendente e possono essere considerati come direzioni del modernismo globale.
Ogni epoca ne ha partorito più di uno stile artistico. Studiando le opere d'arte, puoi conoscere meglio il tempo in cui questo o quello stile artistico si è formato e dominato.
Le principali tendenze nell'arte del X-XIX secolo
Stile romanico (X - XIII secolo)
Stile gotico (secoli XIII - XVI)
Barocco (XVI - XVIII secolo)
Classicismo (XVII - XIX secolo)
Sentimentalismo (XVIII secolo)
Romanticismo (XVIII - XIX secolo)
Realismo (XIX secolo)
Le principali tendenze nell'arte del XX secolo
Modernismo
Simbolismo
Impressionismo
Surrealismo
Formatosi negli anni '20 del secolo scorso, è uno stile di forme e allusioni paradossali, che riflette la combinazione di sogno e realtà. Nella pittura, il surrealismo si riflette chiaramente nei dipinti di Magritte, Ernst, Dali, Matta...
Il ritorno trionfante della pittura classica; La rivoluzione digitale di Andy Warhol e altre cose interessanti che stanno accadendo nel mondo delle belle arti
L'arte moderna non è più moderna. L'arte contemporanea, con tutti i suoi trucchi postmoderni, è stata inventata un secolo fa.
Carcasse di mucche scuoiate, esibizioni video: all'inizio è stato emozionante, ma sorge la domanda, cosa c'è dopo. Gli artisti possono inventare qualcosa di ancora più astratto e incomprensibile del quadrato di Kazimir Malevich e degli schizzi di Jackson Pollock?
Pensa fuori dagli schemi- ha consigliato il famigerato Banksy. Le nuove tendenze nell'arte e nel mercato dell'arte provenivano da una direzione inaspettata.
Tendenza numero 1.
Immagine disegnata a mano: ritorno al trono
Secondo i critici, fino a poco tempo fa il dipinto “moriva”, sostituito da altri tipi di arte – videoarte, installazione… Alla fine degli anni 2000 la situazione è cambiata radicalmente: il dipinto è stato ripreso come genere.
Il confine tra belle arti (" belle Arti”, realizzato alla vecchia maniera, con un pennello su tela) e l'arte contemporanea (con la sua deliberata follia e anticonformismo) - improvvisamente scomparsi da qualche parte.
Gli spettatori, e prima di tutto - gli stessi artisti - hanno perso terribilmente i dipinti in senso tradizionale. E si scopre che qui non è stato detto tutto.
Tuttavia, per attirare l'attenzione nel gigantesco e saturo mercato dell'arte, un dipinto deve avere un vero talento.
Gli artisti cechi Svetlana Kurmaz e Alexander Sokht sono brillanti rappresentanti della nuova tendenza. Famosi in Europa e negli Stati Uniti, sono quasi sconosciuti in Russia, sebbene provengano dal territorio di Krasnodar.
La coppia di sposi è emigrata a Praga molto tempo fa. Abbastanza rapidamente, il loro lavoro ha avuto successo con la comunità occidentale.
Emigranti russi da destino difficile sono ora inseriti nella lista delle piscine più ambite dai partecipanti alle prestigiose fiere e biennali mondiali d'arte.
Non da ultimo grazie a un nuovo approccio al fare affari d'arte, quindi è sul loro esempio che prenderemo in considerazione le ultime tendenze.
Da parte mia dirò: di recente ho incrociato la strada con le brillanti opere di Kurmaz e Sokht e, senza alcuna esitazione, ti esorto a familiarizzarti con essa. Lo merita assolutamente.
Tendenza numero 2.
Una rivoluzione delle interfacce: disegni su un tablet, ottieni una tela con olio.
L'uso diffuso della meccanica dell'iPad ha seriamente influenzato la tecnologia di creazione dei dipinti. Ad esempio, la stampa frontale diasec è diventata popolare: in un principio simile alla stampa di fotografie, le vernici vengono applicate all'acrilico.
Nadezhda Voronina, critico d'arte:
- Alexander Sokht crea le sue opere in programmi grafici, che poi trasferisce su tela, carta o diasec. In questo modo, tecniche innovative aiutano l'evoluzione del metodo creativo.
Tendenza numero 3.
Democratizzazione del mercato dell'arte: ora l'arte viene raccolta non da milionari annoiati, ma da normali studenti e casalinghe.
Fatto sorprendente: l'opera originale famoso maestro ora può costare meno di $ 100. Il pubblico europeo ha già assaporato le delizie dello shopping d'arte e sta acquistando massicciamente le opere dei contemporanei.
Democratizzazione dei prezzi per alta arte particolarmente evidente nell'esempio tanti anni di successi la più grande fiera internazionale AAF(Affordable Art Fair, fiera d'arte accessibile)
Per i suoi organizzatori, il criterio più importante per selezionare le opere è il loro costo: non dovrebbe superare il prezzo massimo disponibile per le persone con reddito medio.
Il marketing nell'era del copia-incolla e del repost ha reinterpretato le idee di Warhol: il quadro può ora essere prodotto in più versioni ea prezzi diversi.
Ad esempio, le opere degli stessi Kurmaz e Sokhta sono piuttosto costose. Ma hanno escogitato una strategia che consente loro di acquisire tre diverse categorie di prezzo.
La strategia di accessibilità si realizza attraverso il rilascio di edizioni limitate su carta e tele di originali d'autore.
Cioè, un'opera può esistere in cinque copie, ma ognuna di esse è un originale, confermato da un certificato internazionale.
Tendenza numero 5.
Le gallerie ora vengono aperte non dai galleristi, ma dagli stessi artisti.
La tendenza più importante: la galleria personale degli artisti sta diventando il principale luogo di interazione tra i partecipanti al mercato dell'arte. Questa è la stessa formazione avanzata di un piccolo negozio, dove il proprietario stesso sta dietro il bancone.
Nadezhda Voronina, critico d'arte
- Nel centro di Praga, Kurmaz e Soht hanno la loro galleria, creata per esibirsi. Forse questa è una delle opzioni di maggior successo per una galleria moderna che espone e vende arte, poiché qui tutto è fuso: un concetto chiaro, obiettivi e obiettivi dell'artista. Questo è il tipo di galleria del futuro, perché in arte contemporanea tutto è semplificato.
IN questo caso i meccanismi di Facebook e Twitter funzionano. La comunicazione diretta tra l'autore e gli intenditori del suo lavoro sta diventando sempre di più strategia vincente rispetto alla comunicazione attraverso agenti e acquirenti.
La pittura è forse il massimo veduta antica arte. Anche nell'era primitiva, i nostri antenati hanno realizzato immagini di persone e animali sulle pareti delle grotte. Questi sono i primi esempi di pittura. Da allora, questa forma d'arte è sempre stata una compagna vita umana. Gli esempi di pittura oggi sono numerosi e vari. Cercheremo di coprire il più possibile questo tipo di arte, di parlare dei principali generi, stili, direzioni e tecniche in essa contenuti.
tecniche pittoriche
Considera prima le tecniche di base della pittura. Uno dei più comuni è olio. Questa è una tecnica in cui le vernici sono state create a base di olio. Queste vernici sono applicate a tratti. Con l'aiuto di loro, puoi creare una varietà di sfumature diverse, oltre a trasmettere le immagini necessarie con il massimo realismo.
Temperaè un'altra tecnica popolare. Ne parliamo quando si usano vernici a emulsione. Il legante in queste vernici è l'uovo o l'acqua.
Guazzo- una tecnica ampiamente utilizzata nella grafica. La vernice a guazzo è realizzata su base adesiva. Può essere utilizzato per lavorare su cartone, carta, osso o seta. L'immagine è durevole e le linee sono chiare. Pastello- Questa è una tecnica di disegno con matite asciutte, mentre la superficie deve essere ruvida. E, naturalmente, vale la pena menzionare gli acquerelli. Questa vernice è solitamente diluita con acqua. Morbido e sottile strato di vernice ottenuto con questa tecnica. Particolarmente popolare Naturalmente, abbiamo elencato solo le tecniche principali che vengono utilizzate più spesso nella pittura. Ce ne sono altri.
Su cosa sono solitamente dipinti i quadri? Il dipinto su tela più popolare. È teso su un telaio o incollato su cartone. Si noti che in passato le assi di legno venivano utilizzate abbastanza spesso. Oggi, non solo la pittura su tela è popolare, ma qualsiasi altro materiale piatto può essere utilizzato per creare un'immagine.
Tipi di pittura
Ce ne sono 2 tipi principali: cavalletto e pittura monumentale. Quest'ultimo è legato all'architettura. Questo tipo comprende dipinti sui soffitti e sulle pareti degli edifici, decorandoli con immagini realizzate con mosaici o altri materiali, vetrate colorate e così via. La pittura da cavalletto non è associata a un edificio specifico. Può essere spostato da un posto all'altro. Nella pittura da cavalletto ci sono molte varietà (altrimenti si chiamano generi). Soffermiamoci su di loro in modo più dettagliato.
Generi di pittura
La parola "genere" è di origine francese. Si traduce come "genere", "specie". Cioè, sotto il nome del genere c'è un contenuto di qualche tipo e, pronunciando il suo nome, capiamo di cosa tratta l'immagine, cosa troveremo in essa: una persona, natura, animale, oggetti, ecc.
Ritratto
Il genere più antico della pittura è il ritratto. Questa è l'immagine di una persona che assomiglia solo a se stessa e a nessun altro. In altre parole, un ritratto è un'immagine in pittura di un aspetto individuale, poiché ognuno di noi ha un volto individuale. Questo genere di pittura ha le sue varietà. Un ritratto può essere a figura intera, al petto o solo una persona è dipinta. Nota che non tutte le immagini di una persona sono un ritratto, poiché un artista può creare, ad esempio, "una persona in generale" senza cancellarlo da nessuno. Tuttavia, quando ritrae un rappresentante specifico razza umana, poi lavora al ritratto. Inutile dire che numerosi sono gli esempi di pittura di questo genere. Ma il ritratto qui sotto è noto a quasi tutti i residenti del nostro paese. Stiamo parlando dell'immagine di A. S. Pushkin, creata nel 1827 da Kiprensky.
Anche l'autoritratto può essere aggiunto a questo genere. In questo caso, l'artista raffigura se stesso. C'è un ritratto accoppiato, quando nella foto ci sono persone in coppia; E ritratto di gruppo quando viene mostrato un gruppo di persone. Si può anche notare ritratto formale, una delle quali è equestre, una delle più solenni. Era molto popolare in passato, ma oggi tali opere sono rare. Tuttavia, il prossimo genere di cui parleremo è rilevante in qualsiasi momento. Di cosa si tratta? Lo si può intuire selezionando i generi che non abbiamo ancora nominato, che caratterizzano la pittura. La natura morta è una di queste. È di lui che ora parleremo, continuando a considerare la pittura.
Natura morta
Questa parola ha anche Origine francese, significa "natura morta", anche se il significato sarebbe più accurato "natura inanimata". Natura morta: l'immagine di oggetti inanimati. Sono di grande varietà. Si noti che le nature morte possono anche raffigurare la "natura vivente": farfalle si sono abbassate sui petali, bellissimi fiori, uccelli e talvolta si possono vedere una persona tra i doni della natura. Tuttavia, sarà comunque una natura morta, poiché in questo caso l'immagine dei vivi non è la cosa più importante per l'artista.
Scenario
Il paesaggio è un altro parola francese, che significa "vista del paese" nella traduzione. È analogo al concetto tedesco di "paesaggio". Il paesaggio è una rappresentazione della natura nella sua diversità. Le seguenti varietà si uniscono a questo genere: il paesaggio architettonico e il famosissimo paesaggio marino, spesso chiamato con la sola parola "marina", e gli artisti che vi lavorano sono chiamati pittori marini. Numerosi esempi di pittura nel genere paesaggio marino può essere trovato nell'opera di I. K. Aivazovsky. Uno di questi è "Rainbow" del 1873.
Questa immagine è dipinta a olio ed è difficile da eseguire. Ma non è difficile creare paesaggi ad acquerello, quindi a scuola, durante le lezioni di disegno, questo compito è stato affidato a ciascuno di noi.
Genere animale
Il prossimo genere è animalesco. Qui tutto è semplice: questa è un'immagine di uccelli e animali in natura, in un ambiente naturale.
genere domestico
Il genere domestico è una rappresentazione di scene di vita, vita quotidiana, divertenti "incidenti", vita domestica e storie persone normali v ambiente ordinario. E puoi fare a meno delle storie: cattura solo le attività e gli affari quotidiani. Tali dipinti sono talvolta indicati come pittura di genere. Ad esempio, si consideri l'opera sopra di Van Gogh (1885).
genere storico
I temi della pittura sono diversi, ma il genere storico si distingue separatamente. Questa immagine eroi storici ed eventi. Il genere della battaglia lo confina, presenta episodi di guerra, battaglia.
Genere religioso e mitologico
Nel genere mitologico, i dipinti sono scritti sui temi di antiche e antiche leggende su dei ed eroi. Va notato che l'immagine è di natura secolare, e in questo differisce dalle immagini delle divinità rappresentate sull'icona. A proposito, la pittura religiosa non è solo icone. Lei unisce varie opere scritti su argomenti religiosi.
Scontro di generi
Più ricco è il contenuto del genere, più compaiono i suoi "compagni". I generi possono fondersi, quindi c'è un dipinto che non può essere inserito nella struttura di nessuno di essi. Nell'arte c'è sia un generale (tecniche, generi, stili) sia un individuo (un'opera particolare presa separatamente). Un'immagine separata porta qualcosa in comune. Pertanto, molti artisti possono avere un genere, ma i dipinti dipinti in esso non sono mai uguali. Tali caratteristiche hanno la cultura della pittura.
Stile
Lo stile è un aspetto della percezione visiva dei dipinti. Può combinare il lavoro di un artista o il lavoro di artisti di un certo periodo, direzione, scuola, area.
Pittura accademica e realismo
La pittura accademica è una direzione speciale, la cui formazione è associata alle attività delle accademie d'arte in Europa. Apparve nel XVI secolo all'Accademia di Bologna, i cui nativi cercavano di imitare i maestri del Rinascimento. A partire dal XVI secolo, i metodi di insegnamento della pittura iniziarono a basarsi sulla stretta osservanza di regole e norme, seguendo schemi formali. l'arte a Parigi era considerata una delle più influenti in Europa. Ha promosso l'estetica del classicismo che ha dominato la Francia nel XVII secolo. Accademia parigina? contribuendo alla sistematizzazione dell'educazione, trasformò gradualmente le regole della direzione classica in un dogma. Quindi la pittura accademica è diventata una direzione speciale. Nel XIX secolo, una delle manifestazioni più importanti dell'accademismo fu l'opera di J. L. Gerome, Alexandre Cabannel, J. Ingres. I canoni classici furono sostituiti da quelli realistici solo a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Fu il realismo che all'inizio del XX secolo divenne il metodo di base dell'insegnamento nelle accademie, trasformandosi in un sistema dogmatico.
Barocco
Il barocco è uno stile e un'era dell'arte, caratterizzato da aristocrazia, contrasto, dinamismo delle immagini, dettagli semplici quando raffigurano abbondanza, tensione, drammaticità, lusso, fusione di realtà e illusione. Questo stile apparve in Italia nel 1600 e si diffuse in tutta Europa. Caravaggio e Rubens ne sono i rappresentanti più importanti. Il barocco viene spesso paragonato all'espressionismo, tuttavia, a differenza di quest'ultimo, non ha effetti troppo ripugnanti. I dipinti di questo stile oggi sono caratterizzati dalla complessità delle linee e dall'abbondanza di ornamenti.
Cubismo
Il cubismo è un movimento artistico d'avanguardia nato nel XX secolo. Il suo creatore è Pablo Picasso. Il cubismo ha fatto una vera rivoluzione nella scultura e nella pittura d'Europa, ispirando la creazione di tendenze simili in architettura, letteratura e musica. pittura d'arte in questo stile è caratterizzato da oggetti rotti ricombinati che hanno una forma astratta. Quando li raffigurano, vengono utilizzati molti punti di vista.
Espressionismo
L'espressionismo è un'altra tendenza importante nell'arte contemporanea apparsa in Germania nella prima metà del XX secolo. All'inizio copriva solo la poesia e la pittura, per poi estendersi ad altre aree dell'arte.
Gli espressionisti descrivono il mondo in modo soggettivo, distorcendo la realtà per creare un maggiore effetto emotivo. Il loro obiettivo è far riflettere lo spettatore. L'espressione nell'espressionismo prevale sull'immagine. Si può notare che molte opere sono caratterizzate da motivi di tormento, dolore, sofferenza, urla (l'opera di Edvard Munch, presentata sopra, si chiama "The Scream"). Gli artisti espressionisti non sono affatto interessati alla realtà materiale, i loro dipinti sono pieni di significato profondo ed esperienze emotive.
Impressionismo
Impressionismo - una direzione della pittura, finalizzata principalmente a lavorare all'aria aperta (aria aperta) e non in studio. Deve il suo nome al dipinto "Impression, Sunrise" di Claude Monet, che è mostrato nella foto qui sotto.
La parola "impressione" lingua inglese- impressione. I dipinti impressionisti trasmettono principalmente la sensazione di luce dell'artista. Le caratteristiche principali della pittura in questo stile sono le seguenti: tratti appena visibili e sottili; cambiamento di illuminazione, trasmesso con precisione (l'attenzione è spesso focalizzata sull'effetto del passare del tempo); composizione aperta; un semplice obiettivo comune; movimento come elemento chiave esperienza e percezione umana. I rappresentanti più importanti di una tendenza come l'impressionismo sono Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.
Modernismo
La direzione successiva è il modernismo, nato come un insieme di tendenze in vari campi arte tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento. Il Salon of the Rejected di Parigi è stato aperto nel 1863. Qui sono stati esposti artisti i cui dipinti non erano ammessi nel salone ufficiale. Questa data può essere considerata la data dell'emergere del modernismo come direzione separata nell'art. Altrimenti, il modernismo è talvolta chiamato "un'altra arte". Il suo obiettivo è creare dipinti unici che non siano come gli altri. Caratteristica principale opere - una visione speciale del mondo da parte dell'autore.
Gli artisti nel loro lavoro si ribellarono ai valori del realismo. La consapevolezza di sé è una caratteristica sorprendente di questa tendenza. Questo spesso porta alla sperimentazione con la forma così come un debole per l'astrazione. I rappresentanti del modernismo prestano particolare attenzione ai materiali utilizzati e al processo di lavoro. Uno dei suoi rappresentanti più importanti sono Henry Matisse (la sua opera "The Red Room" del 1908 è presentata sopra) e Pablo Picasso.
Neoclassicismo
Il neoclassicismo è la direzione principale della pittura Europa settentrionale dalla metà del XVIII secolo alla fine del XIX. È caratterizzato da un ritorno alle funzionalità antico rinascimento e persino il classicismo. In termini architettonici, artistici e culturali, il neoclassicismo emerse come risposta al rococò, percepito come uno stile artistico superficiale e artistico. Gli artisti neoclassici, grazie alla loro buona conoscenza delle leggi ecclesiastiche, cercarono di introdurre i canoni nel loro lavoro. Tuttavia, hanno evitato di riprodurre semplicemente motivi e temi classici. Gli artisti neoclassici hanno cercato di collocare la loro pittura nel quadro della tradizione e dimostrare così la padronanza del genere. Il neoclassicismo in questo senso è direttamente opposto al modernismo, dove l'improvvisazione e l'espressione di sé sono considerate virtù. I suoi rappresentanti più famosi includono Nicolas Poussin, Raffaello.
Pop Art
L'ultima direzione che prenderemo in considerazione è la pop art. È apparso in Gran Bretagna a metà degli anni '50 del secolo scorso e alla fine degli anni '50 in America. Si ritiene che la pop art abbia avuto origine come reazione alle idee dell'espressionismo astratto che dominavano all'epoca. Parlando di questa direzione, è impossibile non menzionare Nel 2009, "Eight Elvis", uno dei suoi dipinti, è stato venduto per $ 100 milioni.
C'è semplicemente un'enorme varietà di direzioni e stili belle arti. Spesso non hanno confini pronunciati e possono spostarsi agevolmente dall'uno all'altro, pur essendo in continuo sviluppo, opposizione e mescolanza. La maggior parte delle tendenze della pittura coesistono contemporaneamente proprio per questo motivo: praticamente non esistono "stili puri". Ti presentiamo gli stili di pittura più popolari oggi.
Impressionismo
Claude Monet “Impressione. Alba”
Prende il nome dal dipinto "Impression, soleil levant" di Claude Monet. L'impressionismo è uno stile di pittura che tende a lavorare all'aperto. La pittura in questa direzione è progettata per trasmettere la sensazione di luce del maestro.
A caratteristiche chiave l'impressionismo include: tratti sottili, relativamente piccoli, appena visibili; cambio di illuminazione trasmesso con precisione; composizione aperta; la presenza di qualsiasi movimento; visione insolita degli oggetti.
Rappresentanti eccezionali dell'impressionismo: Pierre Renoir, Edgar Degas, Claude Monet.
Espressionismo
Edvard Munch "L'urlo"
Uno di tendenze moderne arte nata in Germania intorno alla prima metà del XX secolo. All'inizio, l'espressionismo copriva solo la poesia e la pittura.
Gli espressionisti di solito raffigurano il mondo solo soggettivamente, distorcendo completamente la realtà per un effetto emotivo ancora maggiore. Quindi, fanno riflettere il loro spettatore.
Tra i suoi rappresentanti: Amedeo Modigliani, Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner, ecc.
Cubismo
Pablo Picasso "Dora Maar"
Il cubismo è un movimento artistico d'avanguardia nato nel XX secolo grazie al famoso Pablo Picasso. Pertanto, è lui il rappresentante più importante di questo stile. Si noti che questa direzione ha rivoluzionato la scultura e la pittura d'Europa, ispirando anche tendenze simili in architettura, letteratura e musica.
Le opere d'arte in questo stile sono caratterizzate da oggetti rotti ricombinati in una forma astratta.
Modernismo
Henri Matisse "Ballerino in vestito blu”
Il modernismo dimostra una combinazione di diverse tendenze culturali, nonché una serie di tendenze artistiche unificate che hanno avuto origine nel XIX e XX secolo.
I pittori chiamano il modernismo "altra arte", il cui scopo è creare qualcosa di unico, diverso da qualsiasi altra cosa, cioè mostrano una visione speciale dell'artista.
Rappresentanti illustri: Henri Matisse e Pablo Picasso.
Neoclassicismo
Nicolas Poussin "Parnaso"
Il neoclassicismo era la tendenza principale nel Nord Europa intorno al XVIII e XIX secolo, caratterizzato dall'arte del Rinascimento, dell'antichità e persino del classicismo.
Grazie alla loro profonda conoscenza delle leggi ecclesiastiche, i maestri del neoclassicismo cercarono di ricostruire e introdurre anche i canoni nelle loro opere.
Rappresentanti di spicco sono: Nicolas Poussin, Franz Giuseppe Haydn, Raffaello.
Pop Art
Andy Warhol "Dollaro"
Romanticismo
Francisco Goya "Tribunale dell'Inquisizione"
Il romanticismo come direzione artistica ebbe origine nel XVIII secolo in Europa. Era considerata la vera fonte della conoscenza estetica emozioni potenti. Le emozioni più apprezzate erano riverenza, paura, orrore e soggezione.
Tra i suoi rappresentanti: Francisco Goya, Isaac Levitan, Ivan Shishkin, Ivan Aivazovsky, William Turner.
Realismo
Ilya Repin "L'uomo timido"
Il surrealismo è l'esposizione della verità psicologica separando gli oggetti dal loro significato quotidiano al fine di creare un'immagine forte per suscitare l'empatia dello spettatore.
Famosi rappresentanti di questo stile: Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalì.
Simbolismo
Mikhail Vrubel "Demone sconfitto"
Il simbolismo è una sorta di protesta a favore della spiritualità, dei sogni e dell'immaginazione, che si è sviluppata in alcuni paesi europei nel fine XIX secolo.
Gli artisti simbolisti hanno avuto un'influenza abbastanza forte sul surrealismo e sull'espressionismo nella pittura. Queste due direzioni provenivano direttamente dal simbolismo.
Tra i rappresentanti dello stile: Mikhail Vrubel, Gustave Moreau, Hugo Simberg, Viktor Vasnetsov, ecc.
Molto vario e sfaccettato. Unico principio pensiero artistico e c'è proprio quella caratteristica fondamentale, secondo la quale le opere dei maestri possono essere attribuite all'una o all'altra tendenza. Storicamente, le principali tendenze della pittura si sono cambiate a seconda del cambiamento nella percezione dell'arte. Anche alcuni eventi hanno avuto un ruolo in questo numero.
Indicazioni nella pittura del XIX secolo
Nel diciannovesimo secolo, la Francia è rimasta il paese leader che ha dato un contributo significativo allo sviluppo cultura europea. Primo posto a vita artistica si è rivelato dipingere. Le direzioni nella pittura del XIX secolo sono il classicismo, il romanticismo, il realismo, l'accademismo e la decadenza. Eugene Delacroix era considerato la figura principale del romanticismo. Il suo più immagine famosa"Libertà alle barricate" è stato scritto dopo eventi reali. A metà del diciannovesimo secolo, le principali tendenze della pittura erano il classicismo e il realismo. Le posizioni del realismo in Europa furono rafforzate da Gustave Courbet. E nella seconda metà del secolo le stesse correnti si spostarono dalla Francia alla Russia. Indicazioni in arte, pittura, architettura e altri campi vita culturale L'Europa di questo secolo è piuttosto varia. L'ultimo terzo del diciannovesimo secolo vacillò sull'orlo del realismo e della decadenza. Come risultato di questo atto di bilanciamento, è emersa una direzione completamente nuova: l'impressionismo. Ma la tendenza principale nella pittura russa di questo periodo rimaneva ancora il realismo.
Classicismo
Questa direzione si sviluppò in Francia dal XVII al XIX secolo. Era caratterizzato dall'armonia e dalla ricerca dell'ideale. Il classicismo ha definito la propria gerarchia, secondo la quale posizione elevata sono stati inclusi generi storici e mitologici religiosi. Ma il ritratto, la natura morta e il paesaggio erano considerati insignificanti e persino quotidiani. Era vietato combinare i generi. Molte tradizioni di artisti devono il loro aspetto al classicismo. In particolare, noi stiamo parlando circa la completezza della composizione e delle forme concordate. Le opere del classicismo richiedono armonia e consonanza.
Accademicismo
Le direzioni nella pittura non sono cambiate solo nel tempo a turno. Si sono penetrati l'un l'altro, strettamente intrecciati e seguiti per qualche tempo insieme. E spesso accadeva che una direzione nascesse da un'altra. Questo è quello che è successo al mondo accademico. Nasce come conseguenza dell'arte classica. Questo è sempre lo stesso classicismo, ma già più elaborato e sistematizzato. I punti chiave che caratterizzano pienamente questa tendenza sono stati l'idealizzazione della natura, così come alta abilità nelle prestazioni tecniche. Gli artisti più famosi di questa tendenza furono K. Bryullov, A. Ivanov, P. Delaroche e altri. Certo, l'accademismo moderno non occupa più il ruolo (di primo piano) che gli era stato assegnato al momento della nascita di questo stile.
Romanticismo
È impossibile considerare le principali direzioni della pittura del XIX secolo senza menzionare il romanticismo. L'era del romanticismo ebbe origine in Germania. A poco a poco, è penetrato in Inghilterra, Francia, Russia e altri paesi. Grazie a questa introduzione, il mondo della pittura e dell'arte si è arricchito di colori accesi, nuovi trame e audace nudità. Gli artisti di questa tendenza hanno raffigurato tutte le emozioni e i sentimenti umani con colori vivaci. Hanno capovolto tutte le paure interiori, l'amore e l'odio, arricchendo le tele con un numero enorme di effetti speciali.
Realismo
Considerando le principali direzioni della pittura della seconda metà del XIX secolo, va menzionato prima di tutto il realismo. E sebbene l'emergere di questo stile risalga al diciottesimo secolo, tuttavia la sua massima fioritura cade nella metà e nella seconda metà del diciannovesimo secolo. La regola principale del realismo di questo periodo era la rappresentazione della realtà moderna in tutta la sua diversità di manifestazioni. La rivoluzione avvenuta in Francia nel 1848 ha avuto una grande influenza sulla formazione di questa tendenza nella pittura. Ma in Russia, lo sviluppo di questa tendenza nell'arte era strettamente connesso alla tendenza delle idee democratiche.
Decadenza
Il periodo di decadenza è caratterizzato da raffigurazioni di disperazione e disillusione. Questo stile artistico è intriso di decadenza vitalità. Apparve alla fine del diciannovesimo secolo come una forma di resistenza alla moralità pubblica. E sebbene nella pittura la decadenza non si sia formata in una direzione separata, tuttavia storia artistica mette in evidenza i singoli creatori in quest'area dell'arte. Ad esempio, Aubrey Beardsley o Mikhail Vrubel. Ma va notato che gli artisti decadenti, che non hanno paura di sperimentare con la mente, spesso vacillavano sull'orlo. Ma è proprio questo che ha permesso loro di scioccare il pubblico con la loro visione del mondo.
Impressionismo
Sebbene l'impressionismo sia considerato stato iniziale arte contemporanea, i presupposti per questa direzione hanno avuto origine nell'Ottocento. Il romanticismo fu l'origine dell'impressionismo. Perché è stato lui a mettere al centro dell'arte la personalità individuale. Nel 1872, Monet dipinse il suo dipinto “Impressione. Alba". È stato questo lavoro a dare il nome all'intera direzione. Tutto l'impressionismo è stato costruito sulla percezione. Gli artisti che hanno lavorato in questo stile non avrebbero coperto problemi filosofici umanità. La cosa più importante non era cosa ritrarre, ma come farlo. Ogni immagine avrebbe dovuto rivelare il mondo interiore dell'artista. Ma anche gli impressionisti volevano il riconoscimento. Ecco perché hanno cercato di trovare argomenti di compromesso che fossero interessanti per tutti i segmenti della popolazione. Sulle loro tele, gli artisti raffiguravano feste o feste. E se le situazioni quotidiane hanno trovato il loro posto nei loro dipinti, sono state presentate solo dal lato positivo. Pertanto, l'impressionismo può essere chiamato romanticismo "interno".
Le principali direzioni della pittura russa del XIX secolo (prima metà)
La prima metà del diciannovesimo secolo è considerata una pagina particolarmente luminosa nella cultura della Russia. All'inizio del secolo, il classicismo rimaneva la tendenza principale nella pittura russa. Ma negli anni Trenta il suo significato andò perduto. L'intera cultura russa ha respirato un nuovo respiro con l'avvento del romanticismo. Il suo postulato principale era l'affermazione della personalità individuale, così come i pensieri umani come valore principale in tutta l'arte. C'è stato un particolare interesse per mondo interiore persona. Le direzioni della pittura russa della prima metà del XIX secolo sono guidate dal romanticismo. Inoltre, all'inizio aveva un carattere eroico, poi trasformato in tragico romanticismo.
Parlando della prima metà del diciannovesimo secolo nella storia della cultura russa, i ricercatori la dividono in due quarti. Ma non importa quali divisioni esistano, è ancora quasi impossibile determinare la linea temporale tra i tre stili nelle arti visive. Le direzioni della pittura russa del XIX secolo (classicismo, romanticismo e realismo) nella sua prima metà erano così fortemente intrecciate che è possibile distinguerle solo condizionatamente.
Si può affermare con certezza che nella prima metà dell'Ottocento la pittura occupava un posto molto più importante nella vita della società che nel Settecento. Grazie alla vittoria nella guerra del 1812, l'autocoscienza russa ricevette un forte impulso allo sviluppo, a seguito del quale l'interesse della gente per la propria cultura aumentò notevolmente. Per la prima volta nella società sorsero organizzazioni che consideravano il loro primo compito da sviluppare arte domestica. Apparvero le prime riviste che parlavano della pittura dei contemporanei, così come i primi tentativi di organizzare mostre delle opere degli artisti.
La ritrattistica ha raggiunto risultati eccezionali durante questo periodo. Questo genere ha maggiormente unito l'artista e la società. Ciò è dovuto al fatto che il maggior numero di ordini in quel periodo era esattamente genere del ritratto. Uno dei ritrattisti eccezionali della prima metà del XIX secolo fu Vladimir Borovikovsky. Va anche notato artisti famosi come A. Orlovsky, V. Tropinin e O. Kiprensky.
Fu all'inizio del secolo che si sviluppò anche la pittura paesaggistica russa. Tra gli artisti che hanno lavorato in questo genere, Fyodor Alekseev dovrebbe essere individuato prima di tutto. Era un maestro del paesaggio urbano, nonché uno dei fondatori questo genere nella pittura russa. Altri famosi paesaggisti del periodo menzionato furono Shchedrin e Aivazovsky.
Bryullov, Fedotov e A. Ivanov erano considerati i migliori artisti della Russia nel secondo quarto del XIX secolo. Ognuno di loro ha dato un contributo speciale allo sviluppo della pittura.
Karl Bryullov non era solo piuttosto brillante, ma anche un pittore molto controverso. E sebbene la tendenza principale nella pittura russa del secondo quarto del diciannovesimo secolo fosse il romanticismo, l'artista rimase comunque fedele ad alcuni dei canoni del classicismo. Forse è per questo che il suo lavoro è stato apprezzato così tanto.
Alexander Ivanov è riuscito ad arricchire di profondità pensiero filosofico non solo russo, ma anche pittura europea XIX secolo. Aveva una molto ampia creatività e non era solo un innovatore genere storico E dipinto di paesaggio ma anche un eccellente ritrattista. Nessuno degli artisti della sua generazione sapeva percepire il mondo che lo circondava allo stesso modo di Ivanov e non possedeva una tale varietà di tecniche.
Una tappa importante nello sviluppo della pittura realistica in Russia è associata al nome di Pavel Fedotov. Questo artista è stato il primo a poter dare un'espressione critica al genere quotidiano, poiché aveva il talento di un satirico. I personaggi dei suoi dipinti erano generalmente cittadini: mercanti, ufficiali, poveri e altri.
Seconda metà del XIX secolo
Alla fine degli anni Cinquanta del XIX secolo, iniziò un capitolo completamente nuovo nella storia della pittura realistica in Russia. L'impatto globale su questi eventi è stata la sconfitta Russia zarista nella guerra di Crimea. Fu la causa dell'impennata democratica e della riforma contadina. Nel 1863, quattordici artisti si ribellarono alle richieste di dipingere su determinati argomenti e, volendo creare esclusivamente a propria discrezione, crearono un art artel guidato da Kramskoy. Se il realismo in Russia nella prima metà del diciannovesimo secolo si sforzava di rivelare l'eccezionalmente bello in una persona e si chiamava poetico, allora quello che lo sostituì nella seconda metà del secolo si chiamava critico. Ma l'inizio poetico non ha lasciato questa corrente. Ora si è manifestato nei sentimenti indignati del creatore, investito da lui nel suo lavoro. La tendenza principale della pittura russa della seconda metà dell'Ottocento è il realismo, in marcia sulla via della critica e della denuncia. In effetti, è stata una lotta per il riconoscimento genere domestico, che rifletterebbe lo stato naturale delle cose in Russia.
Negli anni settanta, la direzione della pittura è leggermente cambiata. Gli artisti degli anni Sessanta nelle loro opere riflettevano la fede nell'insorgenza del bene comune dopo la scomparsa della servitù. E gli anni settanta che li sostituirono furono delusi dalle disgrazie dei contadini che seguirono la riforma, ei loro pennelli erano già diretti contro il nuovo futuro in arrivo. Uno dei rappresentanti di spicco di questo pittura di genere era Myasoedov, e il suo migliore immagine, che rifletteva l'intera realtà di quel tempo, si chiamava "Zemstvo sta pranzando".
Gli anni Ottanta hanno spostato l'attenzione dell'arte da una persona preoccupata per le persone alle persone stesse. Questo è il periodo di massimo splendore della creatività di I. Repin. Tutta la forza di questo artista risiedeva nell'obiettività delle sue opere. Tutte le immagini dei suoi dipinti erano di vitale importanza. Tutta la linea le sue tele erano dedicate a temi rivoluzionari. Con la sua arte, Repin ha cercato di rispondere a tutte le domande che riguardano lui e il resto delle persone che si presentano Vita di ogni giorno di quell'epoca. Allo stesso tempo, altri artisti hanno cercato le stesse risposte in passato. Questa era la particolarità e la forza dell'arte del grande pittore. Un altro artista famoso questo periodo era Vasnetsov. Il suo lavoro era basato su arte popolare. Attraverso le sue tele, Vasnetsov ha cercato di trasmettere l'idea del grande potere del popolo russo e della sua eroica grandezza. La base del suo lavoro erano leggende e tradizioni. Nelle sue creazioni, l'artista non solo ha utilizzato elementi di stilizzazione, ma è anche riuscito a raggiungere l'integrità dell'immagine. Come sfondo delle sue tele, Vasnetsov, di regola, raffigurava il paesaggio della Russia centrale.
Nel concetto degli anni novanta vita creativa cambia di nuovo. Ora i ponti costruiti tra arte e società devono essere distrutti senza pietà. Sotto il nome di "World of Art" si forma un'associazione di artisti che promuove la purezza delle opere d'arte, cioè la loro separazione dalla vita quotidiana. Una caratteristica della natura creativa degli artisti che facevano parte di questa associazione era la scala limitata dell'intimità. Sviluppo attivo attività museali, il cui compito principale è suscitare interesse per i monumenti culturali. Quindi, all'inizio del ventesimo secolo, tutto più artisti si sforzano di trasmettere sulle loro tele il passato storico della Russia. Le figure dell'associazione "World of Art" hanno svolto un ruolo speciale nello sviluppo dell'arte illustrazione del libro, così come l'arte teatrale e decorativa. Uno di migliori artisti questa direzione era considerata Somov. Non ha mai raffigurato nelle sue opere vita moderna. In casi estremi, potrebbe trasmetterlo attraverso una mascherata storica. Dopo il World of Art, iniziarono a formarsi altre associazioni. Sono stati creati da artisti che avevano un punto di vista diverso riguardo alla pittura.
I maestri che hanno criticato il lavoro dei creatori del suddetto sindacato hanno creato (in opposizione ad esso) il sindacato " Rosa blu". Hanno chiesto il ritorno di colori vivaci alla pittura e hanno detto che l'arte dovrebbe trasmettere solo unilateralmente i sentimenti interiori dell'artista. Il più talentuoso tra queste figure era Sapunov.
A dispetto della Rosa Blu, presto apparve un'altra unione, chiamata Fante di Quadri. Aveva un significato francamente antipoetico. Ma i suoi sostenitori non volevano affatto tornare alle cose reali. Li hanno sottoposti a tutti i tipi di distorsione e decadimento (a modo loro). Così, grazie a tutte queste alleanze in guerra, nasce il modernismo russo.
Tendenze moderne
Il tempo scorre e tutto ciò che prima era considerato moderno diventa proprietà della storia e l'arte non fa eccezione. Oggi il termine "arte contemporanea" si applica a tutto ciò che è stato creato persone creative a partire dall'anno millenovecentosettanta. Le nuove tendenze nella pittura si sono sviluppate in due fasi. Il primo è il modernismo, il secondo è il postmodernismo. Il settantesimo anno del ventesimo secolo è considerato un punto di svolta in tutta l'arte. Da quest'anno i movimenti artistici sono praticamente inclassificabili. L'unica cosa che si può dire con assoluta certezza è che l'orientamento sociale dell'arte negli ultimi trent'anni si è espresso molto più intensamente che in tutte le epoche passate. Allo stesso tempo, la pittura nell'arte contemporanea ha cessato di occupare un posto di primo piano. Sempre più artisti si rivolgono alla fotografia e alla tecnologia informatica per realizzare le loro idee e idee.
Nonostante le versatili tendenze della pittura, possiamo dire che il compito principale della vita artistica del XIX secolo era quello di avvicinare il più possibile tutti i generi artistici alla vita di tutti i giorni. Ed è stato implementato con successo attraverso l'appello dei maestri del pennello - e non solo - a questioni contemporanee l'umanità e il mondo interiore dell'artista stesso. Tutte le direzioni nella pittura di questo periodo ti permettono di sentire lo spirito dell'epoca e avere un'idea di ciò che le persone vivevano e sentivano in quel momento.
