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뮤지컬 작품 "..."은 Georgy Vasilievich Sviridov가 S. Yesenin의 구절에 썼으며 "S. Yesenin의 구절에 대한 두 합창단"(1967)의 작품에 포함되어 있습니다.

Sviridov Georgy Vasilyevich (1915년 12월 3일 - 1998년 1월 6일) - 소련과 러시아 작곡가, 피아니스트. 소련 인민 예술가(1970), 사회주의 노동 영웅(1975), 레닌 수상자(1960) 및 소련 국가 상(1946, 1968, 1980). 드미트리 쇼스타코비치의 제자.

스비리도프는 1915년 현재 러시아 쿠르스크 지역인 파테즈 시에서 태어났다. 그의 아버지는 우체국 직원이었고 그의 어머니는 교사였습니다. 내전에서 볼셰비키의 지지자였던 아버지 바실리 스비리도프는 조지가 4살 때 사망했습니다.

조지가 9살이던 1924년에 가족은 쿠르스크로 이사했습니다. Kursk에서 Sviridov는 계속해서 공부했습니다. 초등학교문학에 대한 그의 열정이 시작된 곳. 점차 그의 관심 분야에서 음악이 전면에 등장하기 시작했습니다. 초등학교에서 Sviridov는 그의 첫 번째 악기인 발랄라이카 연주를 배웠습니다. 귀로 고르는 법을 배운 그는 지역 민속 악기 앙상블에 들어갈 정도로 재능을 보여주었습니다. 1929년부터 1932년까지 그는 쿠르스크 음악 학교에서 Vera Ufimtseva와 Miron Krutyansky를 사사했습니다. 후자의 조언에 따라 1932년 스비리도프는 레닌그라드로 이주하여 중앙 음악 대학에서 이사야 브라우도에게 피아노를, 미하일 유딘에게 작곡을 배웠고 1936년에 졸업했습니다.

1936년부터 1941년까지 스비리도프는 레닌그라드 음악원에서 표트르 랴자노프와 드미트리 쇼스타코비치(1937년부터)를 사사했다. 1937년 소련 작곡가 연합에 가입했다.

음악원을 졸업하고 며칠 후인 1941년에 동원된 스비리도프는 우파의 사관학교에 보내졌지만 건강상의 이유로 연말에 제대했습니다.

1944년까지 그는 레닌그라드 필하모닉이 대피한 노보시비르스크에서 살았다. 다른 작곡가들과 마찬가지로 그는 군가를 작곡했습니다. 또한 그는 시베리아로 대피한 극장의 공연을 위해 음악을 썼습니다.

1944년 스비리도프는 레닌그라드로 돌아왔고 1956년 모스크바에 정착했다. 그는 교향곡, 협주곡, 오라토리오, 칸타타, 노래 및 로맨스를 썼습니다.

1974년 6월 프랑스에서 열린 러시아와 소비에트 노래 축제에서 지역 도장 Sviridov는 세련된 대중에게 "현대 소련 작곡가 중 가장 시적"이라고 소개했습니다.

Sviridov는 1935 년에 푸쉬킨의 말에 대한 서정적 로맨스의 유명한 순환 인 그의 첫 작곡을 썼습니다.

1936년부터 1941년까지 레닌그라드 음악원에서 공부하는 동안 스비리도프는 다음과 같은 실험을 했습니다. 다른 장르그리고 다른 유형작곡.

Sviridov의 스타일은 작업 초기 단계에서 크게 변경되었습니다. 그의 첫 번째 작품은 고전적이고 낭만적인 음악 스타일로 작성되었으며 독일 낭만주의 작품과 유사했습니다. 나중에 Sviridov의 많은 작품은 그의 교사 Dmitri Shostakovich의 영향으로 작성되었습니다.

1950년대 중반부터 스비리도프는 자신만의 밝은 독창적인 스타일을 습득했고 본질적으로 러시아인 작품을 쓰려고 노력했습니다.

Sviridov의 음악은 오랫동안 서양에서 거의 알려지지 않았지만 러시아에서 그의 작품은 단순하지만 미묘한 서정적 멜로디, 규모, 뛰어난 악기 및 발음으로 세계 경험을 갖춘 비평가와 청취자에게 엄청난 성공을 거두었습니다. 국민성진술.

Sviridov는 러시아 고전, 특히 Modest Mussorgsky의 경험을 계속 발전시켜 20세기의 업적으로 풍부하게 했습니다. 그는 오래된 캔트, 의식 성가, znamenny 노래 및 동시에 현대 도시 대중 노래의 전통을 사용합니다. Sviridov의 작업은 참신함, 음악 언어의 독창성, 세련미, 절묘한 단순성, 깊은 영성 및 표현력을 결합합니다. 새로운 억양, 사운드 투명성과 결합된 명백한 단순성은 특히 가치가 있는 것 같습니다.

뮤지컬 코미디 -

"바다가 넓게 퍼졌습니다"(1943, 모스크바 실내 극장, Barnaul), "Lights"(1951, Kiev Theatre of Musical Comedy);

"자유"(Decembrist 시인의 말, 1955, 완료되지 않음), "Brothers-people!" (예세닌의 말, 1955), "세르게이 예세닌을 기리는 시"(1956), "한심한 오라토리오"(마야코프스키의 말, 1959, 레닌상, 1960), "우리는 믿지 않는다"(레닌에 관한 노래, 말 Mayakovsky, 1960), "Kursk Songs"(민속 단어, 1964; 소련 국가 상, 1968), "Sad Songs"(Blok의 말, 1965), 4 개의 민요 (1971), "Bright Guest"(Yesenin의 말 , 1965-75);

칸타타 --

"Wooden Rus'"(작은 칸타타, 예세닌 작사, 1964), "눈이 내린다"(작은 칸타타, Pasternak 작사, 1965), "봄 칸타타"(Nekrasov 작사, 1972), Ode to Lenin(R. I. Rozhdestvensky, 독자, 합창단 및 오케스트라, 1976);

오케스트라 --

"Three Dances"(1951), 모음곡 "Time, forward!" (1965), Small Triptych(1966), Kursk Bulge의 전몰자 기념비를 위한 음악(1973), Snowstorm(푸쉬킨의 이야기를 위한 음악 삽화, 1974), 현악 오케스트라를 위한 교향곡(1940), 실내악 오케스트라를 위한 음악(1964) ); 피아노와 오케스트라를 위한 협주곡(1936);

실내악 앙상블 --

피아노 트리오(1945; 소련 국가상, 1946), 현악 사중주(1947);

피아노 --

sonata(1944), sonatina(1934), Little Suite(1935), 6 pieces(1936), 2 partitas(1947), Album of Pieces for Children(1948), polka(4 hands, 1935);

합창단(아카펠라) --

러시아 시인 (1958)의 가사에 합창단 5 개, "그 노래를 불러주세요", "영혼은 천국에 대해 슬퍼합니다"(예세닌의 말로, 1967), A. K. Tolstoy의 드라마 음악에서 합창단 3 개 " Tsar Fedor Ioannovich" (1973 ), A. A. Yurlov (1973)를 기념하는 콘서트, 3개의 미니어처 (둥근 춤, 스톤플라이, 캐롤, 1972-75), 어린이 앨범 (1975)의 3곡, 눈보라 (Yesenin의 가사, 1976); "방랑자의 노래"(고대 중국 시인의 말로, 음성 및 오케스트라, 1943); Petersburg Songs (소프라노, 메조-소프라노, 바리톤, 베이스 및 피아노, 바이올린, 첼로, Blok 작사, 1963);

시: "아버지의 나라"(Isahakyan, 1950의 단어), "Departed Rus'"(Yesenin의 단어, 1977); 보컬 사이클: Pushkin(1935)의 단어에 대한 6개의 로맨스, M. Yu. Lermontov(1937)의 단어에 대한 8개의 로맨스, "Slobodskaya Lyrics"(A. A. Prokofiev 및 M. V. Isakovsky의 단어, 1938-58), "Smolensky horn "(다양한 소련 시인의 말, 다른 해), Isahakyan (1949)의 가사에 대한 노래 3 곡, 불가리아어 노래 3 곡 (1950), 셰익스피어 (1944-60), R. Burns의 가사에 대한 노래 (1955), " 나는 아버지가 있습니다-농부 "(Yesenin의 가사, 1957), Blok (1972)의 가사에 3 곡,베이스 (다른 연도)에 대한 20 곡, Blok (1977)의 가사에 6 곡 등;

로맨스와 노래, 민요 편곡, 극적인 공연과 영화를 위한 음악.

G.V. 합창단을위한 Sviridov와 아카펠라는 오라토리오 칸타타 장르의 작품과 함께 그의 작품에서 가장 귀중한 부분에 속합니다. 그 안에서 떠오르는 주제의 범위는 영원한 철학적 문제에 대한 그의 특유의 열망을 반영한다. 기본적으로 이들은 삶과 인간, 자연, 시인의 역할과 목적, 조국에 대한 생각입니다. 이 주제는 또한 A. Pushkin, S. Yesenin, A. Nekrasov, A. Blok, V. Mayakovsky, A. Prokofiev, S. Orlov, B. Pasternak ... 조심스럽게 Sviridov의 시인 선택을 결정합니다. 각각의시의 개별 기능을 재현하는 동시에 작곡가는 이미 선택 과정에서 주제를 모아 이미지, 주제, 플롯의 특정 원으로 결합합니다. 그러나 각 시인의 "같은 생각을 가진 사람"으로의 최종 변형은 음악의 영향으로 시적 자료를 강력하게 침범하여 새로운 예술 작품으로 변형시킵니다.

시의 세계에 대한 깊은 침투와 텍스트 읽기를 기반으로 작곡가는 원칙적으로 자신의 음악적 및 비 유적 개념을 만듭니다. 동시에, 결정 요인은 인간적으로 보편적으로 중요한 주요 시적 기본 소스의 내용에 할당되어 음악에서 달성할 수 있습니다. 높은 온도예술적 일반화.

Sviridov의 초점은 항상 사람입니다. 작곡가는 강하고 용감하며 절제된 사람들을 보여주는 것을 좋아합니다. 일반적으로 자연의 이미지는 사람에게도 적합하지만 인간 경험의 배경 역할을 "수행"합니다. 창공의 차분한 그림, 대초원의 광대 한 창공 ...

작곡가는 지구 이미지와 지구에 거주하는 사람들의 공통성을 강조하여 유사한 기능을 부여합니다. 두 가지 일반적인 이데올로기 및 비유적 유형이 우세합니다. 영웅적인 이미지가 소리로 재현됩니다. 남성 합창단, 넓은 멜로디 도약, 유니슨, 날카로운 점선 리듬, 코드 창고 또는 병렬 3분의 1 움직임, 포르테와 포르티시모의 뉘앙스가 우세합니다. 반대로 서정적 시작은 주로 여성 합창단의 소리, 부드러운 선율, 저음, 일정한 길이의 움직임, 조용한 울림이 특징입니다. 이러한 수단의 차별화는 우연이 아닙니다. 각각의 수단은 Sviridov에서 특정 표현 및 의미론적 부하를 전달하는 반면, 이러한 수단의 복합성은 일반적으로 Sviridov "이미지 기호"를 구성합니다.

작곡가의 합창 작문의 세부 사항은 그의 특징적인 멜로디 유형, 음성 안내 방법, 다양한 유형의 질감 사용 방법, 합창 음색, 성역 및 강약을 통해 드러납니다. Sviridov는 또한 자신이 가장 좋아하는 트릭을 가지고 있습니다. 그러나 그것들을 연결하고 그의 음악의 국가적-러시아적 시작을 결정하는 공통된 특성은 그의 주제(온음계)의 모달 기반과 질감(단음, 보이싱, 합창 페달), 형식(연련, 변주, 유절), 국가적 비 유적 구조. Sviridov 음악의 또 다른 특징은 이러한 품질과 불가분의 관계가 있습니다. 즉, 음성을 쓰는 능력으로 이해되는 발성뿐만 아니라 보컬의 편리함과 멜로디의 멜로디, 음악 및 음성 억양의 이상적인 합성으로 연주자가 음악 텍스트 발음에서 음성 자연 스러움을 달성하는 데 도움이됩니다. .

합창 작문 기법에 대해 이야기하면 먼저 음색 팔레트와 텍스처 기법의 미묘한 표현력에 주목해야합니다. 마찬가지로 서브보컬 및 동음이의 개발 기술을 소유한 Sviridov는 일반적으로 한 가지에 국한되지 않습니다. 그의 합창 작품에서 우리는 동성음과 다성음의 유기적인 연결을 관찰할 수 있다. 작곡가는 종종 저음과 동음이의 방식으로 표현된 테마의 조합, 즉 일종의 2차원 텍스처(저음은 배경이고 테마는 전경임)를 사용합니다. 하위 음성은 일반적으로 전반적인 분위기를 제공하거나 풍경을 그리는 반면 나머지 음성은 텍스트의 특정 내용을 전달합니다. 종종 Sviridov의 하모니는 수평의 조합으로 구성됩니다(러시아 민속 다성음악의 원리). 이러한 수평은 때때로 전체 질감 레이어를 형성하고 그 움직임과 연결은 복잡한 조화로운 조화를 일으 킵니다. 특별한 경우 Sviridov의 텍스처 레이어링은 4분의 1, 5분의 1 및 온화음의 평행성을 이끌어 내는 복제된 성부 진행 기술입니다. 때로는 두 개의 "층"(남성 및 여성 합창단 또는 고층 및 낮은 목소리)는 특정 음색의 밝기 또는 레지스터 밝기의 요구 사항으로 인해 발생합니다. 다른 경우에는 군인의 노래 인 Cossack 스타일의 "포스터"이미지와 연결됩니다 ( "아들이 아버지를 만났습니다"). 그러나 대부분의 경우 병렬 처리는 음량의 수단으로 사용됩니다. "음악 공간"의 최대 포화를위한 노력은 합창단 "영혼이 하늘에 대해 슬프다"(S. Yesenin의 말에 따라) "기도"에서 생생한 표현을 찾습니다. 합창단 중 하나는 다른 하나를 복제합니다.

Sviridov의 악보에서 우리는 전통적인 합창 구성 기법(푸가토, 캐논, 모방)이나 전형적인 구성 체계를 찾을 수 없습니다. 일반적이고 중립적인 소리는 없습니다. 각 기술은 비 유적 목적에 의해 미리 결정되며 모든 문체 전환은 표현 적으로 구체적입니다. 각 작품에서 구성은 완전히 개별적이고 자유롭고 이 자유는 시적 기본 원칙의 구성 및 의미 있는 역동성과 함께 음악적 발전의 종속에 의해 내부적으로 결정됩니다.

일부 합창단의 극적인 모습이 눈길을 끈다. 처음에 독립적이고 완전한 구조로 제시된 두 개의 대조되는 이미지는 마지막 섹션에서 공통 분모로 가져와 하나의 비 유적 평면으로 병합됩니다 ( "파란색의 저녁에", "아들이 아버지를 만났습니다", " 노래가 태어난 방법”, “무리” ) - 기악 형식(교향곡, 소나타, 협주곡)에서 나오는 드라마투르기의 원리. 일반적으로 기악, 특히 오케스트라 장르에서 차용한 합창단의 구현은 작곡가에게 일반적입니다. 합창 작곡에서의 사용은 합창 장르의 표현 및 조형 가능성의 범위를 크게 확장합니다.

주목할만한 특성 합창 음악그녀의 예술적 독창성을 결정하는 Sviridov는 작곡가의 합창단에 대한 광범위한 인식과 인기의 급속한 성장으로 이어졌습니다. 대부분은 국내뿐만 아니라 해외에서도 발매되는 축음기 레코드에 녹음 된 국내 최고의 프로 및 아마추어 합창단의 콘서트 프로그램에서들을 수 있습니다.

예세닌 세르게이 알렉산드로비치(1895년 9월 21일 - 1925년 12월 28일) - 새로운 농민 시와 가사를 대표하는 러시아 시인.

Yesenin의 아버지는 모스크바로 떠났고 그곳에서 서기로 취직했기 때문에 Yesenin은 외할아버지의 가족에서 자라도록 파견되었습니다. 할아버지에게는 세 명의 성인 미혼 아들이있었습니다. Sergei Yesenin은 나중에 이렇게 썼습니다. “내 삼촌 (할아버지의 미혼 세 아들)은 장난 꾸러기 형제였습니다. 내가 세 살 반이었을 때 그들은 나를 안장 없이 말에 태워 전속력으로 달리게 했습니다. 그들은 또한 나에게 수영하는 법을 가르쳐주었습니다. 그들은 나를 배에 태워 호수 한가운데로 떠내려 물에 던졌습니다. 여덟 살 때 삼촌 중 한 명을 사냥개로 바꾸고 오리 사냥을 위해 물 위를 헤엄쳤습니다.”

1904 년 Sergei Yesenin은 Konstantinovsky Zemstvo School로 옮겨져 5 년 동안 공부했지만 계획에 따르면 Sergei는 4 년 동안 교육을 받아야했지만 Sergei Yesenin의 나쁜 행동으로 인해 그를 떠났습니다. 두 번째 해. 1909 년 Sergei Alexandrovich Yesenin은 Konstantinovsky zemstvo 학교를 졸업했고 그의 부모는 Konstantinov에서 30km 떨어진 Spas-Klepiki 마을에있는 교구 학교에 Sergei를 보냈습니다. 그의 부모는 아들이 마을 교사가되기를 원했지만 Sergei 자신은 다른 것을 꿈꿨습니다. Spas-Klepikovskaya 교사 학교에서 Sergei Yesenin은 Grisha Panfilov를 만났고 그 후 (교사 학교를 졸업 한 후) 오랫동안 연락했습니다. 1912 년 Sergei Alexandrovich Yesenin은 Spas-Klepikovskaya 교사 학교를 졸업 한 후 모스크바로 이주하여 서기 호스텔에서 아버지와 함께 정착했습니다. 아버지는 Sergei가 사무실에서 일하도록 주선했지만 곧 Yesenin은 그곳을 떠나 I. Sytin의 인쇄소에서 서브 리더 (보조 교정자)로 일했습니다. 그곳에서 그는 Anna Romanovna Izryadnova를 만나 그녀와 시민 결혼을 시작했습니다. 1914년 12월 1일 Anna Izryadnova와 Sergei Yesenin은 아들 유리를 낳았습니다.

모스크바에서 Yesenin은 모스크바 아동 잡지 "Mirok"에 실린 그의 첫 번째시 "Birch"를 출판했습니다. 그는 농민 시인 I. Surikov의 이름을 딴 문학 및 음악계에 합류했습니다. 이 서클에는 노동자 농민 환경의 초보 작가와 시인이 포함되었습니다.

1915 년 Sergei Alexandrovich Yesenin은 상트 페테르부르크로 떠났고 그곳에서 Blok, Gorodetsky, Klyuev와 함께 20 세기 러시아의 위대한 시인들을 만났습니다. 1916 년 Yesenin은 "방황하지 말고 진홍색 덤불에서 부서지지 마십시오", "Hewn Roads Sang"등의 시가 포함 된 첫 번째 시집 "Radunitsa"를 출판했습니다.

1917 년 봄, Sergei Alexandrovich Yesenin은 Zinaida Nikolaevna Reich와 결혼하여 딸 Tanya와 아들 Kostya의 두 자녀를두고 있습니다. 그러나 1918년 예세닌은 아내와 헤어졌다.

1919년에 Yesenin은 Anatoly Maristof를 만나 그의 첫 시인 Inonia와 Mare Ships를 썼습니다. 1921년 가을, 세르게이 예세닌은 유명한 미국 무용수 이사도라 던컨을 만났고 이미 1922년 5월 공식적으로 그녀와 결혼을 등록했습니다. 함께 그들은 해외로 갔다. 우리는 독일, 벨기에, 미국을 방문했습니다. 뉴욕에서 Yesenin은 친구 A. Maristof에게 편지를 썼고 갑자기 도움이 필요한 경우 여동생을 도와달라고 요청했습니다. 러시아에 도착한 그는 "훌리건", "훌리건의 고백", "훌리건의 사랑"시의 순환 작업을 시작했습니다.

1924 년 S.A. Yesenin "Moscow Tavern"의 시집이 상트 페테르부르크에서 출판되었습니다. 그런 다음 Yesenin은시 "Anna Snegina"작업을 시작했고 이미 1925 년 1 월에이시 작업을 마치고 출판했습니다. 전 부인 Isadora Duncan과 헤어진 후 Sergei Yesenin은 19 세기 유명한 러시아 작가 Leo Tolstoy의 손녀 인 Sofya Andreevna Tolstaya와 결혼했습니다. 그러나이 결혼은 불과 몇 달 동안 지속되었습니다.

1911-1913 년 Yesenin의 편지에서 초보 시인의 어려운 삶, 그의 영적 성숙이 드러납니다. 이 모든 것은 1910-1913년에 그가 60편이 넘는 시와 시를 썼을 때 그의 가사의 시적 세계에 반영되었습니다. 여기에서 모든 생명체, 생명, 조국에 대한 그의 사랑이 표현됩니다. 이런 식으로 시인은 특히 주변 자연에 조율됩니다.

첫 구절부터 Yesenin의시는 조국과 혁명의 주제를 포함합니다. 시적 세계는 더욱 복잡해지고 다차원적이 되며 성서적 이미지와 기독교적 모티프가 중요한 위치를 차지하기 시작합니다.

Sergey Yesenin은 문학 에세이에서 음악과시, 그림, 건축의 연결에 대해 이야기하고 패턴이있는 민속 자수 및 장신구를 장엄한 엄숙함과 비교합니다. Yesenin의 시적 작업은 그의 음악적 인상과 얽혀 있습니다. 그는 “뛰어난 리듬감각을 가지고 있었지만, 종종 그의 서정시를 종이에 쓰기 전에 그것들을 연주했습니다. 인간의 마음과 사람들의 영혼에 대한 크리스탈 선명도와 명료성.

따라서 Yesenin의 시가 작곡가들의 관심을 끄는 것은 우연이 아닙니다. 시인의시에 쓰여진 200 개 이상의 작품. 오페라 (A. Kholminov와 A. Agafonov의 "Anna Snegina")와 보컬 사이클 (A. Flyarkovsky의 "To you, O motherland", Sviridov의 "My father is a 농부")가 있습니다. Georgy Sviridov는 27개의 작품을 저술했습니다. 그중에서도 성악 교향시 "In Memory of Sergei Yesenin"이 특히 주목되어야합니다.

"You sing me that song"이라는 작품은 "S. Yesenin의 두 합창단"주기에 포함되어 있으며 동종 작곡을 위해 작성되었습니다. 첫 번째는 여성, 두 번째는 이중 남성 합창단 및 바리톤 솔로입니다.

공연 앙상블 선택 이 경우대비 상호 작용의 원리에 의존했으며 한 부분은 서정적으로 연약하고 다른 부분은 용감하고 가혹한 분위기의 대비로 음색 비교가 심화되었습니다. 연습을 수행하는 요소도 특정 역할을 수행했을 가능성이 있습니다 (가운데 위치) 콘서트 프로그램, 이러한 작품은 혼성 합창단의 다른 그룹에 대체 휴식을 제공합니다). 이러한 기능은 문체의 통일성과 결합 문학적 기초(작품은 한 시인의 말에 따라 만들어졌습니다) "Two Choirs"를 일종의 딥 티치로 간주 할 수 있습니다.

분석 문학 텍스트

작품의 문학적 출처는 시인의 여동생 Shura에게 헌정 된 S. Yesenin의시 "You sing me that song that before ..."입니다.

당신은 전에 그 노래를 나에게 불러

우리의 늙은 어머니는 우리에게 노래를 불렀습니다.

잃어버린 희망에 대한 후회는 없다

나는 당신과 함께 노래를 부를 수 있습니다.

난 알아, 난 알아

그러므로 걱정과 걱정 -

당신은 나에게 노래를 불러주고, 나는 이것과 함께 있습니다.

너와 같은 노래로 여기

눈 좀 감아줘...

소중한 기능을 다시 봅니다.

단 한 번도 혼자 사랑한 적이 없다는 걸

그리고 게이트 가을 정원,

그리고 산 화산재에서 떨어진 낙엽.

당신은 나에게 노래, 글쎄, 기억할게

그리고 나는 잊지 않고 눈살을 찌푸리지 않을 것입니다.

너무 좋고 나에게 너무 쉽습니다.

엄마를 보고 동경하는 닭들.

나는 영원히 안개와 이슬 뒤에 있어

나는 자작나무 캠프와 사랑에 빠졌고,

그리고 그녀의 황금 머리띠

그리고 그녀의 캔버스 선드레스.

노래와 와인을 위한 나

당신은 그 자작 나무처럼 보였다

기본 창 아래에 무엇이 있습니까?

Sergei Yesenin은 여동생 Alexandra와 매우 어려운 관계를 가졌습니다. 이 어린 소녀는 즉시 그리고 무조건적으로 혁명적 혁신을 받아들이고 옛 삶의 방식을 버렸습니다. 시인이 그의 고향 인 Konstantinovo에 왔을 때 Alexandra는 근시와 올바른 세계관이 부족하다는 이유로 그를 끊임없이 비난했습니다. 반면 Yesenin은 조용히 웃으며 사회 정치적 토론에 거의 관여하지 않았지만 내부적으로는 가까운 사람과 바리케이드 반대편에 있어야한다고 걱정했습니다.

그럼에도 불구하고 Yesenin은 1925년 9월에 쓴 그의 마지막 시 "You sing me that song that before ..."에서 그의 여동생을 언급합니다. 시인은 자신의 삶의 길이 끝나고 있다고 느끼기 때문에 진심으로 자신에게 소중한 전통과 토대가있는 고국의 이미지를 영혼에 간직하고 싶어합니다. 그는 먼 어린 시절에 들었던 노래를 누나에게 불러달라고 부탁한다. 부모의 집에서 수백 킬로미터 떨어진 Yesenin은 한때 그에게 왕실 저택처럼 보였던 오래된 오두막으로 정신적으로 돌아갑니다. 세월이 흘렀고 이제 시인은 자신이 태어나고 자란 세상이 얼마나 원시적이고 비참했는지 깨닫는다. 그러나 작가는 살 수있을뿐만 아니라 놀랍도록 상상력이 풍부한시를 만들 수있는 힘을 준 모든 것을 소비하는 행복을 느꼈습니다. 이를 위해 그는 여전히 영혼을 흥분시키는 기억이있는 작은 고향에 진심으로 감사합니다. Yesenin은 "가을 정원의 문과 마가목의 낙엽"을 사랑한 유일한 사람이 아니라고 인정합니다. 저자는 비슷한 감정이 그의 여동생도 경험했다고 확신하지만 그녀는 곧 그녀에게 정말 소중한 것을 알아 차리지 못했습니다.

Yesenin은 공산주의 슬로건으로 외부 세계로부터 자신을 차단하여 이미 젊음 고유의 낭만주의를 잃어 버렸다는 사실에 대해 Alexandra를 비난하지 않습니다. 시인은 이생에서 모든 사람이 자신의 길을 가지고 있으며 끝까지 가야한다는 것을 이해합니다. 무슨 일이 있어도. 그러나 다른 사람들의 이상을 위해 모유로 흡수 한 것을 거부하는 누이에게 진심으로 미안합니다. 저자는 확신한다. 시간이 지나면그녀의 인생관은 다시 바뀔 것입니다. 그동안 알렉산드라는 시인에게 "네이티브 창 아래에 서있는 자작 나무"인 것 같습니다. 같은 연약하고 부드럽고 무력하며 바람의 첫 번째 돌풍 아래에서 구부러 질 수 있으며 방향은 언제든지 바뀔 수 있습니다.

이 시는 각각 4연씩 7연으로 구성되어 있다. 시의 주요 크기는 3 피트 anapaest ()이며 운율이 교차됩니다. 한 줄(2연(1행), 3연(1,3행), 4연(1행), 5연(1,3행) 내에서 3박자가 2박자(트로치)로 바뀌는 경우가 있다. , 6연(2행), 7연(3행)).

코러스에서는 시가 완전히 사용되지 않고 연 2, 3, 5가 생략됩니다.

당신은 전에 그 노래를 나에게 불러

우리의 늙은 어머니는 우리에게 노래를 불렀습니다.

잃어버린 희망에 대한 후회는 없다

나는 당신과 함께 노래를 부를 수 있습니다.

당신은 나에게 노래. 결국, 나의 위로 -

단 한 번도 혼자 사랑한 적이 없다는 걸

그리고 가을 정원의 문,

그리고 산 화산재에서 떨어진 낙엽.

나는 영원히 안개와 이슬 뒤에 있어

나는 자작나무 캠프와 사랑에 빠졌고,

그리고 그녀의 황금 머리띠

그리고 그녀의 캔버스 선드레스.

그러므로 마음이 단단하지 않습니다 -

노래와 와인을 위한 나

당신은 그 자작 나무처럼 보였다

기본 창 아래에 무엇이 있습니까?

기본 창 아래에 있는 것 Sviridov는 세부 사항에 영향을 미치는 텍스트를 일부 변경했습니다. 그러나 이러한 사소한 불일치에도 불구하고 빌린 텍스트에 대한 Sviridov의 창의적인 접근 방식, 들리는 단어, 음성 문구를 연마하는 데 특별한주의가 영향을 받았습니다. 첫 번째 경우, 변경 사항은 노래에서 중요한 개별 단어의 발음을 용이하게 하기 위해 음악 작성자의 욕구에 의해 발생하고, 다른 경우에는 세 번째 줄의 정렬(한 음절이 길어짐으로 인해)으로 인해 발생합니다. ) 첫 번째 줄과 관련하여 동기의 하위 텍스트와 스트레스의 자연스러운 배치를 용이하게 합니다.

당신은 나에게 노래. 결국, 내 기쁨 - 당신은 나에게 노래, 사랑하는 기쁨

그리고 산 화산재에서 떨어진 낙엽. - 마가목의 낙엽.

당신은 자작 나무처럼 보였습니다-당신은 나에게 자작 나무처럼 보였습니다.

코러스 "You sing me that song"은 Sviridov의 노래 가사 중 가장 밝은 예 중 하나입니다. 자연스럽게 부르는 맑은 온음계 선율에 다양한 장르적 특징이 구현된다. 그 안에서 농민 노래의 억양과 (더욱) 도시 로맨스의 메아리를들을 수 있습니다. 이 조합에서 현실의 다양한 측면이 구현되었습니다. 시인의 마음에 소중한 마을 생활의 기억과 실제로 그를 둘러싼 도시 생활의 분위기입니다. 이유 없이 결론적으로 시인은 안개 속에서 빛나는 맑은 꿈으로 상상 속에서 떠오르는 은유적 이미지를 그린다.

그러므로 마음이 단단하지 않습니다 -

노래와 와인을 위한 나

당신은 그 자작 나무처럼 보였다

기본 창 아래에 무엇이 있습니까?

작곡가가 반복하는 마지막 대사는 잔잔한 노래가 사라져가는 것처럼 들린다.

2. 음악이론적 분석

합창단의 형태는 각 2행이 마침표인 2련-절절로 정의할 수 있습니다. 합창단의 형식은 노래 장르의 특성(직각성, 멜로디의 변주)을 반영했습니다. 대련의 수는 연(4)의 수에 해당합니다. 3부 형태의 발달 중간과 유사한 기능을 수행하는 3쌍을 제외하고 2쌍 변이는 최소화됩니다.

첫 번째 커플릿은 두 문장의 정사각형 주기입니다. 각 문장은 두 개의 동일한 구문(4 + 4)으로 구성되며 두 번째는 첫 번째의 발전을 계속합니다. 중간 케이던스는 토닉 트라이어드를 기반으로 하며, 이로 인해 초기 뮤지컬 이미지온전함을 얻습니다.

두 번째 문장은 첫 번째 문장과 유사하게 전개되며 두 개의 구(4 + 4)로 구성됩니다.

이 구조는 작품 전반에 걸쳐 보존되어 민요에 가깝고 단순하고 이해하기 쉽습니다.

마지막 줄의 반복을 기반으로 구축된 최종 구성은 4절의 마지막 구절을 완전히 복제하는 4마디 에피소드입니다.

합창단의 멜로디는 단순하고 자연스럽다. 초기 동기 호소는 성실하고 서정적으로 들립니다. 오름차순 I - V - I와 V도 (fa #)로 "채워진"온음계 복귀는 멜로디 구성의 기초가됩니다.

동일한 오름차순 5도를 설명하는 두 번째 구는 4도에서만 다시 5도까지 케이던스로 돌아옵니다.

클라이맥스에서 멜로디는 고음역(오름차순 옥타브 코스)에서 짧은 순간 동안 "떠나" 미묘한 느낌을 전달합니다. 영혼의 감정기준음(fa #)으로 돌아갑니다.

이 복잡하지 않고 진심 어린 대사에는 모순적인 감정이 구체화되고 얽혀 있습니다. "희망이 쇠퇴"하는 비통함과 과거의 귀환에 대한 깨지기 쉬운 꿈입니다. 점프(^ch5 및 ch8)를 사용하여 작곡가는 본문의 절정을 미묘하게 강조합니다("후회 없이", "할 수 있습니다").

2절과 4절도 비슷하게 전개됩니다.

3절 기여 새 페인트. 병렬 메이저는 네이티브 쪽의 떨리는 기억처럼 소심하게 "싹"납니다. 메이저 3화음의 소리에 따른 부드러운 움직임은 부드럽고 감동적으로 들립니다.

그러나 멜로디의 일반적인 분위기는 메인 키의 5도 모양으로 유지됩니다. 마지막에는 몽환적이고 진지하게 들리는 쿼트 챈트가 밑줄을 긋는다.

두 번째 문장은 옥타브 이동으로 시작하지 않고 더 부드럽고 선율적인 것(^m6)으로 시작하여 두 번째 악구에서 이전 선율 구성으로 돌아갑니다.

마지막 에피소드는 첫 번째 문장의 마지막 억양을 기반으로 합니다. 멜로디가 마지막에 강장제로 오지 않고 다섯 번째 소리에 남아 있다는 사실은 지난 날에 대한 꿈의 밝은 이미지 인 특별한 "미완성"인 억양 희망을 소개합니다.

합창단의 질감은 고음에 멜로디가 있는 화성적입니다. 모든 목소리가 하나의 리드미컬한 콘텐츠로 움직이며 하나의 이미지를 드러냅니다. 마지막 구절(세 명의 소프라노의 합창)에서 저음이 도입되면서 이 이미지는 둘로 갈라져 두 개의 평행 평면에서 더욱 발전하는 것처럼 보입니다. 하나는 계속되는 비밀스럽고 친밀한 대화에 해당하고 다른 하나는 작가의 상상력 자작 나무의 이미지로 의인화 된 먼 꿈으로. 여기에서 밝은 기억이 개인화 된 솔로 음색으로 표현되는 Sviridov의 전형적인 기술을 볼 수 있습니다.

주요 키는 천연 h-moll입니다. 작품의 음조 계획의 주요 특징은 절에서 절로 넘어가는 모달 가변성(h-moll/D-dur)으로, 이는 반대 모달 기울기의 색상으로 멜로디를 채색합니다(병렬 조성의 병치 대비가 특히 표현력이 뛰어납니다) 구절의 얼굴에) 조화로운 chiaroscuro의 효과를 만듭니다. 주기적인 부전공 오버플로는 슬픔과 밝은 꿈의 변화를 어느 정도 전달합니다. 4절 중 세 번째 절만 메인 키가 아니라 평행 장조(D-dur)로 시작하고 주제별로 변형됩니다(하반부는 덜 크게 다름). 마지막 문구(바코드 4개 보완) 프렛 변조 후 나단조의 주조를 병렬 장조로 되돌립니다.

시계 방향 고조파 분석

		VI6 III53 d6(-5)
		III53(-5) t64 II6(#3,5)(DD6)	s53 III53(-5) d43(-3)
		VI6 III53 III53(-5)= T53(-5)
					T53(-5) = III53(-5)
		III6 II6(#3,5)(DD6)	s6 III6 II6(#3,5) (DD6)
		VI64 III53= T53 T53(-5)
		VI6 III53 d6(-5)
		VI43 (#1,-5) VI(#1) II6(#3,5) (DD6)	s53 III53(-5) d43(-3)
		VI6 III53 III53(-5)= T53(-5)
		VI6 III53 d6(-5)

화성어는 단순하여 민요에 해당하며 성부간 3악장, 단순3화음, 6화음이 사용된다. 상승된 IV 및 VI 등급(9, 25, 41, 57절)을 사용하면 멜로디에 "흐릿함"이라는 모호함이 부여됩니다. 때로는 이 작품에서 시작되는 주요 장르인 목소리의 선율적 움직임 덕분에 화음이 누락된 음색으로 나타나거나 반대로 두 배로 나타나기도 한다. 파트의 교차점에서 코드와 유니슨의 조합은 대조적으로 들리며 멜로디가 조화로운 수직으로 "펼쳐집니다".

단순한 화음과 회전은 다채로운 병렬성을 나타냅니다. 이 작품은 다른 목소리의 오스티나토를 배경으로 어떤 목소리의 넓은 움직임이 특징이다. 자음의 반복은 선율의 자유로운 억양 전개를 위한 안정적인 배경이 된다.

트라이어드 코드는 Sviridov 하모니의 특징입니다. 절정의 장소와 구 경계에서 Sviridov의 여섯 번째 코드가 때때로 나타납니다. 이중 3 분의 1이있는 여섯 번째 코드입니다.

작업의 속도는 적당합니다 (천천히) 작곡가가 나타내는 움직임은 조용하고 서두르지 않는 전개를 나타내며 청중에게시의 주요 아이디어 인 매력과 성찰을 설득력있게 전달할 수 있습니다. 작품의 코다의 템포는 점차 느려지고 (poco a poco ritenuto) 음악은 점차 사라져 사라져가는 꿈을 의인화합니다.

크기(3/4)는 구성 전체에서 변경되지 않습니다. 그는 S. Yesenin의시의 3 음절 크기에 따라 작곡가에 의해 선택되었습니다.

작품의 리듬적 측면에 대해 말하자면, 몇 가지 예외를 제외하고 합창 파트의 리듬은 하나의 리듬 공식을 기반으로 한다는 점에 주목하는 것이 적절합니다.

오프 비트 악장은 시적 운율에서 태어나 앞으로 나아가고자 하는 열망을 담고 있다. 점선 리듬(점선 4분의 1 - 8분의 1)의 도움으로 작곡가는 두 번째 비트를 "노래"하고 테누토 스트로크(지속됨)로 각 첫 번째 비트에 밑줄을 긋습니다. 모든 프레이즈 엔딩은 서스테인 코드를 사용하여 구성됩니다. 이것은 측정된 흔들림의 인상을 줍니다. 거의 보편적인 조용한 소리와 함께 동일한 유형의 정사각형 구성과 함께 프레이즈에서 프레이즈로 전달되는 오스티나토 리듬의 자장가 반복은 자장가와 뚜렷한 연관성을 만듭니다.

작품의 역학과 그 성격은 밀접하게 관련되어 있습니다. Sviridov는 속도 옆에 조용하고 꿰뚫는 지침을 제공합니다. pp의 뉘앙스에서 시작하여 다이내믹스는 매우 미묘하게 프레이즈의 전개를 따릅니다. 합창단에는 역동적인 작가의 지시가 많다. 클라이맥스에서 사운드는 mf 뉘앙스(1절과 2절의 클라이맥스)로 증가하고, 이후 다이내믹 플랜은 더 조용해지고 rrrr 뉘앙스로 감소합니다.

네 번째 구절에서 작곡가는 역학의 도움을 받아 주요 합창 라인과 세 소프라노의 저음 및 연주 뉘앙스의 비율에 따른 비유적인 계획의 차이를 대담하게 강조합니다 : 합창단-mp, 솔로-pp.

합창단의 동적 계획.

당신은 전에 그 노래를 나에게 불러

한 노모가 우리에게 노래를 불렀다.

잃어버린 희망에 대한 후회는 없다

나는 당신과 함께 노래를 부를 수 있습니다.

당신은 나에게 노래, 친애하는 위로 -

단 한 번도 혼자 사랑한 적이 없다는 걸

그리고 가을 정원의 문,

그리고 떨어진 마가목 잎.

나는 영원히 안개와 이슬 뒤에 있어

나는 자작나무 캠프와 사랑에 빠졌고,

그리고 그녀의 황금 머리띠

그리고 그녀의 캔버스 선드레스.

그래서 마음이 단단하지 않고,

어떤 노래와 와인

당신은 나에게 자작 나무처럼 보였다

기본 창 아래에 무엇이 있습니까?

기본 창 아래에 무엇이 있습니까?

3. 합창 분석

"Sing me that song"이라는 작품은 여성 4인조 합창단을 위해 작곡되었습니다.

파티 범위:

소프라노 I:

소프라노 II:

합창단의 일반적인 범위:

범위를 분석하면 일반적으로 작업에 편리한 테시투라 조건이 있음을 알 수 있습니다. 모든 부분이 상당히 발달되어 있고 범위의 낮은 소리가 산발적으로 조화롭게 사용되며 가장 높은 음이 절정에 나타납니다. 가장 큰 범위(1.5옥타브)는 첫 번째 소프라노 부분에 있는데, 상위 성부가 메인 멜로디 라인을 연주하기 때문입니다. 합창단의 전체 음역은 거의 2옥타브입니다. 기본적으로 파티는 전체 사운드에서 작업 범위에 있습니다. 당사자의 보컬 부하 정도에 대해 이야기하면 모두 상대적으로 동일합니다. 합창단은 반주 없이 작곡되었기 때문에 노래부담이 상당히 크다.

이 작품에서 주요 호흡 유형은 구입니다. 프레이즈 내에서 합창단의 가수들이 빠르고 눈에 띄지 않는 호흡 변화를 통해 얻을 수 있는 체인 호흡을 사용해야 합니다. 연쇄 호흡 작업을 할 때 가수의 연속적인 소개가 테마의 통일 된 발전 라인을 파괴하지 않도록 노력해야합니다.

합창 시스템의 복잡성을 고려하십시오. 좋은 수평 질서의 주요 조건 중 하나는 합창 부분을 듣고 다른 목소리에 적응하고 합치기 위해 노력하는 능력에 대해 가수를 교육하는 데 주된 관심을 기울여야하는 작업에서 파티 내의 조화입니다. 전체적인 사운드에서 멜로디 시스템에서 작업할 때 합창단 지휘자는 메이저 모드와 마이너 모드의 단계를 음조화하기 위해 실습에서 개발한 특정 규칙을 준수해야 합니다. 처음으로 이러한 규칙은 "Chorus and its management"라는 책에서 P. G. Chesnokov에 의해 체계화되었습니다. 억양은 소리의 모달 역할에 대한 인식을 바탕으로 모달 기반으로 구축되어야 합니다. 시스템 작업의 초기 단계는 각 파트의 조화와 멜로디 라인을 구축하는 것입니다.

상위 성부는 항상 모든 악보에서 그다지 중요하지 않습니다. 작품 전반에 걸쳐 첫 번째 소프라노의 역할은 리드 보이스의 기능을 수행합니다. Tessitura 조건은 매우 편리합니다. 단순한 노래 억양과 로맨스 형식의 복잡한 억양 순간이 모두 특징입니다. 파티에는 점프와 스텝 이동의 조합이 있습니다. 어려운 순간(점프 실행 h5^(바 1, 4-5, 12-13, 16-17, 20-21, 28-29, 44, 48-49, 52-53, 60-61, 64-65) , ch4^(1-2절, 13-14절, 17-18절, 29-30절, 33-34절, 38절, 45-46, 49-50, 61-62절), ch8 ^(8-9절, 24-절 25 , 56-57), ch4v(11-12절, 27-28절, 38-39절, 60절), ch5v(15-16절, 47-48절), m6^(40-41절)) 격리하고 운동처럼 노래하십시오. 합창단은 소리 사이의 관계를 명확하게 이해해야 합니다. 메인 멜로디 라인은 올바른 캐릭터로 전체 호흡으로 부드럽게 들려야 합니다.

또한 작은 음정은 일방적으로 좁혀야 하는 반면 순수한 음정은 깨끗하고 안정적인 소리 억양이 필요하다는 사실에 가수들의 관심을 끌 필요가 있다. 모든 오름차순 ch4 및 ch5는 정확하게 실행되어야 하지만 동시에 부드럽게 실행되어야 합니다.

두 번째 소프라노 부분의 포메이션 작업을 할 때 멜로디가 같은 높이에있는 순간 (33-34, 37-38 마디)에주의를 기울여야합니다. 억양이 감소 할 수 있습니다. 이것은 상승 추세로 그러한 순간을 실행함으로써 피할 수 있습니다. 높은 노래 위치를 유지하는 데 연주자의 관심이 집중되어야 합니다.

이 부분은 탑 보이스보다 부드러운 멜로디 라인을 가지고 있지만 정확성이 필요한 점프도 있습니다. 그것들은 첫 번째 소프라노의 부분과 조화롭게 발생하며 독립적으로 종종 상위 성부(m6^(8-9, 24-25, 56-57절), ch4v(10, 26, 58절)와 3분의 1 비율로 발생합니다. )).

두 번째 소프라노 부분(38, 41-42절)에도 변경 사항이 있습니다. 소리 sol#은 상승 추세로 조율해야 합니다.

첫 번째와 두 번째 비올라의 일부는 주로 스텝 및 세 번째 악장으로 구성된 다소 부드러운 멜로디 라인을 가지고 있습니다. 낮은 성부에서 때때로 발생하는 점프의 정확한 연주에 의해 합창단장의 주의가 필요할 것입니다(첫 번째 알토 - ch4^(9, 25절), 두 번째 알토스 - ch5^(8, 24, 56절), ch4v(마디) 14-15, 29-30, 45-46, 61-62, 63-64), ch4^(바 30-31, 38, 46-47, 62-63)). 도약은 좋은 호흡과 부드러운 공격을 사용하여 신중하게 수행해야 합니다. 이는 두 번째 비올라(VI 스텝) 부분에서 장3화음의 소리에 따른 움직임에도 적용됩니다(4-5절, 12-13,20-21,28-29, 52-53, 60-61절).

변경은 이러한 부분의 멜로디 라인에 자주 나타납니다. 통과(9-10, 25-26, 57-58절) 및 보조(41-42절) 인토네이션은 모달 중력을 기반으로 합니다.

합창단에서 보컬 작업을 적절하게 준비하는 것은 깨끗하고 안정적인 질서의 핵심입니다. 멜로디의 억양 품질은 높은 노래 위치 인 소리 형성의 특성과 연결됩니다.

수평 시스템의 품질은 모음과 비브라토를 형성하는 단일(덮개) 방식과 같은 요소에 의해 영향을 받습니다. 합창단원들은 모음의 반올림 정도가 최대가 되는 통일된 사운드 생성 방식을 찾아야 합니다.

억양의 순도는 선율의 방향에 따라서도 달라진다. 같은 높이에서 오래 머무르면 억양이 감소할 수 있으며, 이 방향으로 비올라 부분의 멜로디 라인의 초기 부분이 설정됩니다. 어려움을 없애기 위해 가수들에게 노래하는 동안 반대 움직임을 정신적으로 상상하도록 제안할 수 있습니다. 이 팁은 점프 작업을 할 때도 사용할 수 있습니다.

이 작업에서 멜로디 시스템에 대한 작업은 화성 시스템과 밀접하게 연결되어 수행되어야 합니다. 억양은 소리의 모달 역할에 대한 인식을 바탕으로 모달 기반으로 구축되어야 합니다. 제3의 프렛음은 소프라노 파트에서 자주 나타나는데, 여기서는 제3의 장음을 상승하는 경향으로 불러야 한다는 연주 규칙을 따라야 한다. 코드 시퀀스를 보정하기 위해 합창단 지휘자는 원래 연주에서 노래하는 것뿐만 아니라 차례대로 챈팅으로 사용하는 것이 좋습니다.

본작에서 조화계 작업을 할 때 연주의 기법을 활용하면 유용하다. 닫힌 입, 활성화할 수 있습니다. 음악을 듣는 귀가수와 공연의 품질에 지시합니다.

파트 사이에 가끔 발생하는 일반적인 합창의 조화에 대한 작업에 특별한 주의를 기울여야 합니다(8, 16, 24, 32, 39, 40, 44, 48, 56 마디). 종종 제창은 일시정지 후 형성의 시작 부분에 나타나며, 합창단은 제창을 "예상"하는 기술을 개발해야 합니다.

횡격막식의 호흡과 부드러운 어택으로 인해 안정적이고 깨끗한 억양과 조밀하고 자유로운 울림이 가능합니다. 부정확성을 극복하기 위해 어려운 부분을 일괄적으로 노래하는 것이 좋습니다. 입을 다물거나 중립 음절로 노래하는 것도 유용합니다.

모든 예술 형식의 앙상블은 단일 구성 무결성을 형성하는 세부 사항의 조화로운 통일성과 일관성을 의미합니다. "의 개념 합창 앙상블"는 가수들의 합창 작업의 조정되고 균형 잡힌 동시 연주를 기반으로 합니다. 억양의 순수함이 가수 개개인에게 길러질 수 있는 것과는 대조적으로 앙상블 가창의 기량은 합동 공연을 하는 과정에서 팀으로만 발전할 수 있다.

보컬 합창 분석의 중요한 측면은 개인 및 일반 앙상블의 질문에 대한 호소입니다. 개인 앙상블 작업을 할 때 단일 스타일의 성악 및 합창 연주 기법, 뉘앙스의 통일성, 작업의 개인 및 일반 절정의 종속, 일반적인 감정적 연주 톤이 작동합니다. 합창단의 각 구성원은 전체 팀의 소리에서 자신의 위치를 ​​결정하고 자신의 목소리를 일반 합창단 소리로 조정하는 능력을 결정하면서 자신의 부분 소리를 듣는 법을 배워야합니다.

이미 언급했듯이 개인 앙상블에는 단일 감정적 공연 톤이 설명되어 있으며 파티 내에서 조화를 이루는 작업을 제공합니다. 일반 앙상블에서 유니즌 그룹 연결 시 소리의 세기 비율에 대한 다양한 옵션이 가능합니다. . 그래서 작품 초반에 메인 멜로디 라인은 제1소프라노의 파트에 있고, 나머지 파트는 제2플랜의 라인으로 연주하는데 작곡가는 파트의 하나의 다이내믹한 상관관계를 가리킨다.

다른 유형의 앙상블을 살펴 보겠습니다.

다이나믹 앙상블은 이 작업에서 중요한 역할을 합니다. 이 작품에서는 목소리가 동등한 테시투라 조건에 있고 소프라노 부분이 테시투라가 다소 높기 때문에 자연스러운 앙상블에 대해 말할 수 있습니다. 다이내믹한 앙상블의 관점에서 볼 때 조화롭고 통일된 합창 사운드가 요구되는 유니즌 모멘트도 흥미롭다. 이를 위해서는 적극적인 작업을 통해 소리의 역학을 조정하는 능력이 필요합니다. 노래하는 숨결. 마지막 부분에서는 세 명의 소프라노의 배음이 나타나며, 메인 테마보다 테시투라가 높지만 더 조용하게 들릴 것입니다.

리드미컬한 앙상블은 연주자에게 지속 시간을 단축하지 않고 초기 템포의 속도를 높이거나 로드하지 않도록 하는 정확하고 검증된 내부 맥동을 요구합니다. 이것은 모든 당사자가 가능한 한 정확하게 코드에서 코드로 이동해야 하는 단일 리듬 조직 때문입니다. 내부 맥박에 의존하지 않는 적당한 속도는 추진력을 잃고 속도를 늦출 수 있습니다. 이 에피소드의 복잡성은 에피소드의 모든 교차점이 구축되는 일시 중지 후 음성 도입입니다.

리듬 앙상블 작업은 합창단 참가자들이 동시에 숨을 쉬고 공격하고 소리를 내는 기술을 훈련하는 것과 밀접한 관련이 있습니다. 합창 가수의 심각한 단점은 템포 리듬 운동의 관성입니다. 이를 처리하는 방법은 단 한 가지뿐입니다. 가수가 매초마다 템포를 변경할 수 있는 가능성에 익숙해지도록 하는 것입니다. 즉, 리듬 단위가 자동으로 늘어나거나 짧아지는 것을 수반하여 연주 유연성을 기르는 것입니다.

합창단의 메트로 리듬 앙상블 작업에는 다음 기술을 사용할 수 있습니다.

박수 리듬 패턴;

리드미컬한 음절로 악보의 발음;

엽내 맥동의 두드림으로 노래하기;

메인 메트릭 비트를 더 작은 지속 시간으로 나누는 솔페깅;

기본 미터 비트를 크러쉬하면서 느린 템포로 노래하거나 빠른 속도미터법 분수 등의 확대

합창단에서 가장 흔한 템포 장애는 크레센도에서 노래할 때 속도가 빨라지고 디미누엔도에서 노래할 때 속도가 느려지는 것과 관련이 있습니다.

이것은 딕션 앙상블에도 적용됩니다. 단일 텍스트 자료의 순간에 가수는 텍스트의 특성을 고려하여 엽내 맥동에 의존하여 단어를 함께 발음해야 합니다. 다음 사항은 어렵습니다.

음절의 교차점에서 단어 중간의 자음뿐만 아니라 다음 단어와 함께 불러야 할 단어의 교차점에서 자음을 발음합니다 (예 : 이전에 있던 노래를 불러줍니다 등).

사전 활동의 보존과 함께 역학 p에서 텍스트의 발음;

단어 끝에 있는 자음의 명확한 발음(예: 어머니, 함께 노래, 하나, 마가목, 자작나무 등)

다소 과장된 발음 기술이 사용되는 문자 "p"를 포함하는 단어의 성능(예: 전에, 친애하는 기쁨, 달링 아래, 자작나무)

합창 딕셔너리의 문제로 돌아가서 합창단의 모든 가수가 통일된 조음 규칙과 기술을 사용해야 한다는 점에 주목하는 것이 중요합니다. 그들 중 일부의 이름을 지정합시다.

아름답고 표현력이 풍부한 모음은 음성의 아름다움을 만들어내고, 반대로 단모음은 단조롭고 추하고 무성한 소리를 냅니다.

노래할 때 자음은 모음의 높이에서 발음한다.

그들이 인접한 곳. 이 규칙을 준수하지 않음

합창 연습에서 소위 "현관"으로 이어지며 때로는 불순한 억양으로 이어집니다.

사전의 명확성을 달성하기 위해 합창단에서는 음악의 리듬으로 합창 작품의 텍스트를 표현적으로 읽고 발음하기 어려운 단어와 조합을 강조하고 연습해야합니다.

음색 앙상블과 텍스트 발음의 특성은 음악의 특성과 밀접하게 연결되어 있습니다. 전체 작업에서 가볍고 따뜻한 음색을 유지해야 합니다. 소리의 성질은 고요하고 평화롭다.

작품 "You sing me that song"은 민속 전통과 고전적 화신을 결합한 합창곡으로 더 많은 덮개, 소리의 원형이 필요하며 연주자는 통일 된 소리와 음색 형성 방식을 개발해야합니다. 실행을 위해서는 중소 규모의 공연자 구성이 필요합니다. 앙상블 창법의 범위와 기술이 발달한 교육 또는 아마추어 합창단이 연주할 수 있습니다.

음악-이론과 성악-합창 분석을 바탕으로 작품의 연주 분석이 가능하다.

저자는 놀라운 아름다움의 합창 미니어처를 만들었습니다. 시적 단어를 정확히 따르고 다양한 음악적 표현 수단의 도움을 받아: 적당한 속도, 질감 특징, 텍스트를 강조하는 표현적인 순간, 미묘한 역학, 작곡가는 고국의 그림을 그리고 과거의 그리움과 꿈을 전달합니다. 위에서 이미 언급했듯이 "You sing me that song"은 합창 미니어처입니다. 이 장르는 연주자들에게 특정 작업을 설정하며, 그 주요 작업은 상대적으로 작은 작품에서 시적 이미지를 드러내고 개발하며 동시에 고른 소리와 부드러움을 유지하는 것입니다. 주요 수행 원칙은 이미지의 지속적인 개발과 통합입니다.

이 코러스의 Agogics는 프레이징 및 절정과 밀접한 관련이 있습니다.

각 모티프에는 사적인 절정이 점차 발전하는 자체 작은 봉우리가 있습니다.

G. Sviridov는 역학 및 스트로크 표시를 사용하여 절정을 매우 정확하게 표시했습니다.

첫 번째 절정은 "song"이라는 단어의 2 마디에 나타나고 다음 절정은 6 마디 ( "old")에서 저자가 테 누토 스트로크, 디미누엔도 및 멜로디 라인 움직임으로 그들을 가리 킵니다. 이 작은 봉우리들은 "꺾인 희망을 후회하지 않고"라는 말처럼 들리는 1절의 사적인 정점을 준비하고 있다. 클라이맥스는 긴 준비 없이 갑자기 나타납니다. 이 절정 이후에 여러 기준음이 나타납니다.

상단에서 길게 이동하면 약간의 어려움이 발생할 수 있으므로 감쇠가 균일하도록 동적 스케일을 계산해야 합니다.

두 번째 절도 비슷하게 전개되지만 더 대담하고 역동적이고 매우 표현력이 풍부합니다(에스프레시보). 그것의 정점은 또한 두 번째 문장의 시작 부분에 있습니다. 여기서 작곡가는 이 순간을 부드럽고 부드럽게 연주해야 한다고 경고한다.

ppp 다이내믹스의 3절은 갑자기 등장하며(subito ppp) 클라이맥스 에피소드는 인토네이션 상승에도 불구하고 동일한 다이내믹(sempre ppp)으로 들려야 합니다.

네 번째 구절은 주요 피크를 전달합니다. 작곡가는 mp (espressivo)의 역학에서 들리는 "그래서 마음이 단단하지 않은 이유"라는 단어를 테 누토의 도움으로 강조합니다.

다시 pp의 뉘앙스에서 조용한 절정.

스트로크 실행에 특별한 주의를 기울여야 합니다. 이 합창단의 사운드 과학의 주요 유형은 가벼운 레가토(연결됨)입니다. 연주하는 음표의 궁극적인 일관성을 나타내는 테누토(견딜 수 있는) 스트로크 아래의 악보에는 많은 음표가 있습니다.

기악 반주가 없는 합창 작품에서 노래하는 목소리의 음역과 음색의 연주가 가장 분명하게 나타나며, 큰 전체음은 특이한 감정적 영향음악과 말, 인간 목소리의 아름다움.

공연 분석을 위해 지휘자가 직면한 과제와 공연 팀과의 작업 단계 정의를 고려하는 것도 중요합니다.

이 합창단과 함께 작업할 때 지휘자는 다음 기술을 마스터해야 합니다. 작업 초반과 이후 합창단의 입장을 정리하기 위해 준비된 어프팩트의 정확한 전시.

다음에 필요한 auftakt가 결합됩니다. 그것으로 부품 사이의 조인트가 구성됩니다. 합쳐진 뒷맛에서는 철수를 정확하게 보여주고 서론으로 넘어가는 것이 중요하다.

예를 들어 긴 음표 표시(왼손) 및 맥박 유지(오른손)와 같은 여러 수행 작업을 지휘자가 동시에 해결해야 하기 때문에 손의 기능을 분리하는 것이 가장 중요합니다. 왼손또한 수행 과정에서 역동적이고 국제적인 문제를 해결할 것입니다. 예를 들어, 작은 크레센도를 표시할 때 왼손이 점차 수축되는 것 외에도 지휘자는 제스처의 진폭을 점차 증가시켜 합창의 울림을 더 큰 뉘앙스로 가져와야 합니다. 주요 유형의 사운드 지식은 지휘자가 모은 브러시와 레가토 스트로크에서 지휘자의 지점과 부드러운 소엽 사이의 후미를 정확하게 표시하도록 요구합니다.

지휘자는 성가대를 이끌어야 하며 클라이막스라는 문구로 전개를 명확하게 보여주어야 합니다. 지휘자가 템포를 유지하면서 역동적인 "상승"을 정확하고 고르게 분배해야 하는 작업이 끝날 때 더 세심한 주의가 필요합니다. Intralobar 맥동은 이 문제를 해결하기 위한 지원이 될 것입니다. 3절의 긴 ppp 연주도 지휘자의 주의가 필요할 것이다.

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그리스어 번역에서 "분석"이라는 단어는 "분해", "절단"을 의미합니다. 작품에 대한 음악적 및 이론적 분석은 다음을 포함하는 음악에 대한 과학적 연구입니다.

1. 스타일과 형태의 탐구.
2. 음악 언어의 정의.
3. 이러한 요소들이 작품의 의미론적 내용과 서로 간의 상호 작용을 표현하는 데 얼마나 중요한지 연구합니다.

음악 작품 분석의 예는 하나의 전체를 작은 부분으로 나누는 것에 기초한 방법입니다. 분석과 달리 개별 요소를 공통 요소로 결합하는 기술인 합성이 있습니다. 이 두 개념은 서로 밀접하게 관련되어 있습니다. 그 조합만이 현상에 대한 깊은 이해로 이어지기 때문입니다.

이는 궁극적으로 대상에 대한 일반화와 보다 명확한 이해로 이어져야 하는 음악 작품의 분석에도 적용됩니다.

용어 의미

용어의 광범위하고 좁은 사용이 있습니다.

1. 모든 음악적 현상, 패턴에 대한 분석적 연구:

• 메이저 또는 마이너 구조;
• 고조파 기능의 작동 원리;
• 특정 스타일에 대한 메트로 리듬 기반의 규범;
• 음악 작품 전체의 구성 법칙.

이런 의미에서 음악적 분석은 "이론적 음악학"의 개념과 결합됩니다.

2. 하나의 특정 작업의 틀 내에서 음악 단위에 대한 연구. 이것은 협소하지만 보다 일반적인 정의입니다.

이론적 근거

XIX 세기에는 이 뮤지컬 섹션이 활발하게 형성되었습니다. 많은 음악학자들은 그들의 문학 작품과 함께 음악 작품 분석의 활발한 발전을 불러일으켰습니다.

1. A. B. 마르크스 “루드비히 베토벤. 삶과 예술". 19세기 전반에 쓰여진 이 창작물은 음악 작품 분석을 포함하는 모노그래프의 첫 번째 사례 중 하나가 되었습니다.

2. H. Riemann "푸가 작곡 안내", "베토벤 활 사중주".이 독일 음악학자는 화성, 형식 및 운율의 교리를 창시했습니다. 이를 바탕으로 음악 작품을 분석하는 이론적 방법을 심화시켰다. 그의 분석 작업은 이 음악적 방향의 발전에 매우 중요했습니다.

3. G. Krechmar "콘서트 가이드"의 작품서유럽 음악학에서 이론적이고 심미적인 분석 방법을 개발하는 데 도움을 주었습니다.

4. A. Schweitzer의 문학 작품“I. S. 바흐분석의 세 가지 통합 측면에서 작곡가의 음악 작품을 고려했습니다.

• 이론적 인;
• 실행할 수 있는;
• 미적인.

5. 그의 3권 모노그래프 "베토벤" P. 베커소나타와 교향곡 분석 가장 위대한 작곡가그들의 시적 아이디어를 통해.

6. H. Leuchtentritt, "음악 형식에 대한 교육", "쇼팽의 피아노 작품 분석".작품에서 저자는 높은 과학적 및 이론적 수준의 분석과 비 유적 특성과 미적 평가를 유능하게 결합합니다.

7. A. Lorenz "바그너 형식의 비밀."이 문학 작품에서 작가는 독일 작곡가 R. Wagner의 오페라에 대한 상세한 분석을 바탕으로 연구를 수행합니다. 음악 작품 형식 분석의 새로운 유형과 섹션을 설정합니다. 무대와 음악 패턴을 합성합니다.

8. 음악 작품의 분석 발전의 가장 중요한 예는 프랑스 음악 학자이자 유명인 R. Rolland의 작품입니다. 여기에는 작업이 포함됩니다. "베토벤. 위대한 창조적 시대. Rolland는 작곡가의 작품에서 교향곡, 소나타, 오페라 등 다양한 장르의 음악을 분석합니다. 시적, 문학적 은유와 연상을 기반으로 자신만의 독특한 분석 방법을 만듭니다. 이 방법은 범위를 벗어났습니다. 음악 이론예술품의 의미론적 내용에 대한 자유로운 이해를 위해

이러한 기술은 이후 소련과 서양의 음악 작품 분석 개발에 큰 영향을 미쳤습니다.

러시아 음악학

19세기에는 사회 사상의 진보된 경향과 함께 일반적으로 음악학 분야, 특히 음악 분석 분야가 집중적으로 발전했습니다.

러시아 음악 학자와 비평가들은 논문을 확인하기 위해 노력했습니다. 각 음악에서 특정 아이디어가 표현되고 일부 생각과 감정이 전달됩니다. 이것이 모든 예술 작품이 만들어지는 이유입니다.

A. D. 울리비셰프

자신을 처음으로 증명한 사람 중 한 명은 러시아 최초의 음악 작가이자 활동가인 A. D. Ulybyshev였습니다. 그의 작품 "Beethoven, His Critics and Interpreters", "A New Biography of Mozart" 덕분에 그는 비판적 사고의 역사에 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다.

이 두 문학 창작물에는 많은 음악 작품에 대한 비판적 및 미학적 평가 분석이 포함됩니다.

V. F. 오도예프스키

이론가가 아닌 러시아 작가는 국내 음악 예술로 향했습니다. 그의 비판적이고 저널리즘적인 작품은 주로 M. I. Glinka가 쓴 오페라와 같은 많은 작품에 대한 미학적 분석으로 가득 차 있습니다.

A. N. 세로프

작곡가와 비평가는 러시아 음악 이론에서 주제별 분석 방법을 일으켰습니다. 그의 에세이 "전체 오페라 "차르를위한 삶"에서 하나의 모티브의 역할"에는 A.N. Serov가 최종 합창단의 형성과 주제를 연구 한 도움으로 음악 텍스트의 예가 포함되어 있습니다. 저자에 따르면 그 형성의 기초에는 오페라의 주요 애국적 아이디어의 성숙이 있습니다.

"Leonora Overture의 Thematism"이라는 기사에는 서곡의 주제와 L. Beethoven의 오페라 사이의 연결에 대한 연구가 포함되어 있습니다.

다른 러시아 진보적 음악 학자 및 비평가도 알려져 있습니다. 예를 들어, 모달 리듬 이론을 만들고 복잡한 분석에 많은 새로운 아이디어를 도입한 B. L. Yavorsky가 있습니다.

분석 유형

분석에서 가장 중요한 것은 작업 개발 패턴을 설정하는 것입니다. 결국 음악은 발전 과정에서 발생하는 사건을 반영하는 일시적인 현상입니다.

음악 작품 분석 유형:

1. 주제별.

음악적 주제는 예술적 표현의 가장 중요한 형태 중 하나입니다. 이러한 유형의 분석은 비교, 주제 연구 및 전체 주제 개발입니다.

또한 각 개별 장르는 표현 수단의 개별 범위를 의미하므로 각 주제의 장르 기원을 결정하는 데 도움이 됩니다. 어떤 장르가 기반이 되는지를 결정함으로써 작품의 의미론적 내용을 보다 정확하게 이해할 수 있습니다.

2. 이 작업에 사용된 개별 요소 분석:

• 미터;
• 율;
• 음색;
• 역학;

3. 악보의 하모닉 분석(예제 및 자세한 설명은 아래에 제공됩니다).

4. 폴리포닉.

이 보기는 다음을 의미합니다.

• 특정 표현 방법으로 음악적 질감 고려;
• 멜로디 분석 - 기본 단일성을 포함하는 가장 간단한 단일 범주 예술적 수단표현력.

5. 공연.

6. 구성 형태 분석. ~이다주제와 개발의 비교 연구뿐만 아니라 유형 및 형식 검색.

7. 복잡하다.또한 이러한 음악 작품 분석의 예를 전체론적이라고 합니다. 그것은 구성 형태의 분석을 기반으로 생성되며 모든 구성 요소의 분석, 상호 작용 및 전체 개발과 결합됩니다. 이러한 유형의 분석의 가장 높은 목표는 모든 사람과 함께 사회 이데올로기 현상으로서의 작업을 연구하는 것입니다. 역사적 유대. 그는 음악학의 이론과 역사의 직전에 있습니다.

어떤 유형의 분석을 수행하든 상관없이 역사적, 문체적, 장르적 전제 조건을 명확히 할 필요가 있습니다.

모든 유형의 분석에는 일시적이고 인위적인 추상화, 특정 요소를 다른 요소와 분리하는 작업이 포함됩니다. 이것은 객관적인 연구를 수행하기 위해 수행되어야 합니다.

왜 음악 분석이 필요한가요?

다양한 용도로 사용할 수 있습니다. 예를 들어:

1. 작품의 개별 요소에 대한 연구, 음악 언어는 교과서 및 이론 작품에 사용됩니다. 과학 연구에서는 이러한 음악의 구성 요소와 작곡 형식의 패턴을 종합적으로 분석합니다.
2. 음악 작품 분석의 예에서 발췌한 내용은 일반적인 이론적 문제를 제시하는 데 있어 어떤 증거가 될 수 있습니다. 연역법) 또는 시청자를 일반화 결론으로 ​​유도합니다(귀납적 방법).
3. 특정 작곡가 전용 모노그래픽 연구의 일환으로. 이는 사례가 포함된 계획에 따라 음악 작품을 전체론적으로 분석하는 압축된 형식에 관한 것으로, 이는 역사 및 문체 연구의 필수적인 부분입니다.

계획

1. 예비 일반 검사. 여기에는 다음이 포함됩니다.

a) 형식 유형 관찰(3부작, 소나타 등)

b) 다음 형식의 디지털 구성표 작성 일반적으로, 세부 사항은 없지만 주요 주제 또는 부분의 이름과 해당 위치가 있습니다.

c) 모든 주요 부분의 예와 함께 계획에 따라 음악 작품을 분석합니다.

d) 각 부분의 기능을 형태(중간, 마침표 등)로 정의한다.

e) 어떤 요소가 개발에 특별한 주의를 기울이고 어떤 방식으로 개발되는지에 대한 연구(반복, 비교, 변경 등)

f) 질문에 대한 답변 검색, 정점이 어디에 있는지(있는 경우), 어떤 방식으로 달성되는지;

g) 주제 구성, 동질성 또는 대비 결정; 그 성격은 무엇이며 어떤 수단으로 달성됩니까?

h) 상관 관계, 폐쇄성 또는 개방성과 함께 음조 구조 및 종지 연구;

i) 프레젠테이션 유형의 정의

j) 구조의 특성, 합산 및 분쇄의 가장 중요한 순간, 호흡 길이(길거나 짧음), 비율의 속성으로 상세한 디지털 다이어그램을 작성합니다.

2. 구체적으로 주요 부분 비교:

• 템포 균일성 또는 대비;
• 일반적으로 고고도 프로파일, 클라이맥스와 동적 계획의 관계;
• 일반적인 비율의 특성화;
• 주제별 종속, 균일성 및 대비;
• 음조 종속;
• 전체의 특성화, 형태의 전형성 정도, 구조의 기본.

음악의 하모닉 분석

위에서 언급했듯이 이러한 유형의 분석은 가장 중요한 것 중 하나입니다.

음악을 분석하는 방법(예제 사용)을 이해하려면 특정 기술과 능력이 필요합니다. 즉:

• 기능적 움직임과 조화의 논리에 따라 특정 구절을 조화롭게 일반화하는 이해와 능력;
• 하모닉 웨어하우스의 속성을 음악의 특성 및 개별 특성과 연결하는 능력 이 일또는 작곡가;
• 화음, 케이던스, 보이스 리딩 등 모든 하모닉 사실에 대한 정확한 설명.

경영진 분석

이러한 유형의 분석에는 다음이 포함됩니다.

1. 저자와 음악 작품 자체에 대한 정보를 검색합니다.
2. 스타일 표현.
3. 예술적 내용 및 특성, 이미지 및 연상의 정의.

획, 연주 기술 및 조음 수단도 위의 음악 작품 분석 수행 예에서 중요한 부분입니다.

성악

성악 장르의 음악 작품은 기악 형식과는 다른 특별한 분석 방법이 필요하다. 합창곡의 음악이론적 분석은 어떻게 다른가? 예시 계획이 아래에 나와 있습니다. 성악형식은 기악형식에 대한 접근과 달리 고유한 분석방법이 필요하다.

필요한:

1. 문학적 출처와 음악 작품 자체의 장르를 결정합니다.
2. 합창단 부분과 기악 반주 및 문학 텍스트의 표현적이고 그림 같은 세부 사항을 탐색하십시오.
3. 연의 원래 단어와 음악의 구조가 변경된 행의 차이점을 연구합니다.
4. 교대(운의 교대) 및 직각도(비직각도)의 규칙을 준수하여 음계와 리듬을 결정합니다.
5. 결론을 짓다.

음악 작품의 총체적 분석

F.E. Bach의 Sonata h – moll의 Rondo 예

음악 작품의 형식 분석을 위한 기획

A. 일반 미리보기

1) 형식의 종류(단순3부, 소나타 등)

2) 주제(부분) 및 해당 이름(I 기간, 개발 등)의 문자 지정이 있는 큰 개요 형태의 디지털 구성표

나. 주요 부분별 분석

1) 형태의 각 부분의 기능 (I 마침표, 중간 등)

2) 발표 형태(전시, 중간 등)

3) 주제 구성, 그 균일성 또는 대비; 그 성격과 그 성격을 달성하는 수단

4) 개발 중인 요소는 무엇입니까? 개발 방식(반복, 변형, 비교 등) 주제별 변형

5) 정점이 있는 경우 정점의 장소 그것이 달성되고 버려지는 방식.

6) 음조 구조, 케이던스, 상관 관계, 폐쇄성 또는 개방성.

7) 상세한 디지털 도표; 구조의 특성, 합산 및 분쇄의 가장 중요한 포인트; 짧거나 넓은 "호흡"; 종횡비.

이 론도의 구조는 다음과 같습니다.

R EP1 EP2 R EP3 R R EP4 R EP5 R EP1

4t.+ 4t. 8t. 4t. 4t. 4t. 4t. 4t. 4t. 4t. 8t. 4t.+4t. 8t.

기간 기간 기간 기간 기간 기간 기간 기간

확장 포함

박람회 개발 재현

여기서 R은 후렴구, EP는 에피소드, 숫자는 각 섹션의 소절 수를 나타냅니다. 작곡가는 형식에 대해 다소 자유롭습니다. 후렴구는 여러 번 반복하여 다양한 키로 조옮김하면서 활발하게 발전하고 있습니다. 후렴구에는 다양한 종지 변화가 있습니다.

후렴구와 에피소드의 멜로디는 대조적이지 않고 동질적이다. 그것은 유연성, 기발한 리듬 및 억양으로 구별되며, 이는 묶인 음표, 실신, 작은 지속 시간, 모르덴트 및 기타 멜리스마, 비트에서 프레이즈의 시작, 16번째 일시 중지 후 약한 비트에서 달성됩니다. 멜로디 패턴은 점진적인 움직임, 다양한 간격으로 점프, 반음 중력을 결합합니다.

베이스 라인은 선율적이고 의미론적인 부하를 전달하지 않지만 주로 4분의 1 지속 시간에서 아래쪽으로 진행하는 움직임입니다. 그의 역할(베이스)은 멜로디의 조화로운 지원입니다.

일반적으로 B 단조의 론도 구조는 제시부(1-16절), 전개(17-52절) 및 재현(53-67절)과 같은 소나타 형식의 섹션과 비교할 수 있습니다. 더욱이 재현의 음악 소재는 완전하고 변경없이 제시부의 소재를 반복합니다.

"노출"은 일종의 두 부분 형식으로, 부분 1(후렴구)은 사각형 구조의 마침표입니다. 첫 번째 문장은 딸림음의 절반 종지로 끝나고 두 번째 문장은 완전한 종지로 끝납니다. 두 부분으로 구성된 형식의 두 번째 부분(에피소드 1)도 각각 절반 및 전체 종지로 끝나는 두 문장의 마침표입니다.

론도의 두 번째 섹션인 소위 "개발"에서 D - dur(21 - 24 소절), h - moll(29 - 32 소절), G - dur(33 - 36 소절), e moll( 41 - 44 바). 후렴구(33-36절)의 주요 홀딩은 포르테 역학의 절정으로 이어집니다. 그 다음에는 37-40절에서 절정에서 빠져 나옵니다. 여기에서 작곡가는 세 개의 링크가 내림차순으로 진행되는 순차적 개발 기술을 사용했습니다. 그건 그렇고, 절정에서 일반적으로베이스의 단계적 움직임은 경련, 4 분의 5로 바뀝니다. 여기서 낮은 성부의 선율은 선율의 순차적 전개를 조화롭게 뒷받침한다.

형식 구조의 특성과 관련하여 지속적인 "오르간"에서 멜로디의 즉흥적 발전으로 인해 47-52 소절에서 문장의 확장이 발생하는 EP5 (5 번째 에피소드)도 주목하고 싶습니다. 메인 키의 7도에서 저음. 이 기술은 소위 "반복"이라는 예상되는 비난으로 원활하게 이어집니다. 음악적 소재 53~68마디는 첫 후렴구와 첫 화의 소리를 완전히 반복한다. 테마의 반환, 그대로 프레임 뮤지컬 형식이 작업 전체의 시작과 끝 사이에 의미와 억양 호를 그리는 논리적 결론으로 ​​이어집니다.

일반적으로 소나타 B단조의 론도는 C.F.E의 작품에서 론도 형식을 고전적으로 구현한 것입니다. 바흐.

음악 프로그램이 유일하다. 학교 프로그램, 다음과 같은 서문이 있습니다. « 음악 교육“이것은 음악가의 교육이 아니라 무엇보다 사람의 교육이다”(V. A. Sukhomlinsky).
패턴을 연구하여 음악 학습 과정을 구성하는 방법 음악 예술, 개발 중 음악적 창의성성격의 양육, 도덕적 특성에 효과적으로 영향을 미치는 어린이.
음악과 소통하는 모든 형태의 과정(듣기, 노래 부르기, 어린이 악기 연주 등)에서 음악 작품을 작업할 때, 음악 작품에 대한 전체론적 분석(음악 교육학의 한 부분)은 가장 취약하고 어렵습니다.
교실에서 음악을 지각하는 것은 마음과 기분의 특별한 상태에 기초한 영적 공감의 과정입니다. 따라서 작업 분석 방법에 따라 소리가 나는 음악이 아이의 영혼에 흔적을 남길 것인지, 다시 음악을 듣고 싶은지 또는 새로운 음악을 듣고 싶은지 여부에 크게 좌우됩니다.
음악 분석에 대한 단순화된 접근(2-3개의 질문: 작품은 무엇에 관한 것입니까? 멜로디의 본질은 무엇입니까? 누가 작곡했습니까?)은 연구 중인 작품에 대한 공식적인 관계를 생성하며, 이는 나중에 학생들에게 형성됩니다.
음악 작품에 대한 전체적인 분석을 수행하는 복잡성은 그것을 수행하는 과정에서 아이들의 활동적인 삶의 위치가 형성되어야 하고 교사와 함께 예술이 삶과 그 특정 수단을 가진 현상. 전체론적 분석은 성격의 미학적, 윤리적 측면인 음악성을 개발하는 수단이 되어야 합니다.

먼저,그것이 무엇인지 스스로 명확하게 정의해야 합니다.
작품에 대한 전체적인 분석은 작품의 비 유적 의미와 그 구조 및 수단 사이의 연결 고리를 결정하는 데 도움이 됩니다. 다음은 작품의 표현력의 특징을 찾는 것입니다.
분석에는 다음이 포함됩니다.
- 내용, 아이디어의 설명 - 작품의 개념, 교육적 역할은 세계의 예술적 그림에 대한 감각적 지식에 기여합니다.
- 작품의 의미 론적 내용, 억양, 작곡가 및 주제별 특성의 형성에 기여하는 음악 언어의 표현 수단의 결정.

둘째,분석은 일련의 주요 질문의 도움으로 교사와 학생 간의 대화 과정에서 이루어집니다. 듣는 작업에 대한 대화는 교사 자신이 작업 내용의 특징과 작업 형식, 학생들에게 전달해야 할 정보의 양을 명확하게 이해하는 경우에만 올바른 방향으로 진행됩니다.

제삼,분석의 특성은 음악 소리와 번갈아 가며 사용해야 한다는 것입니다. 그것의 각 측면은 교사가 연주하는 음악 소리나 음반으로 확인되어야 합니다. 여기서 큰 역할은 분석된 작업을 유사하고 다른 다른 작업과 비교하는 것입니다. 다양한 뉘앙스, 의미 론적 음악 음영에 대한보다 미묘한 인식에 기여하는 비교, 비교 또는 파괴 방법을 사용하여 교사는 학생들의 답변을 명확히하거나 확인합니다. 여기에서 다양한 유형의 예술을 비교할 수 있습니다.

네번째,분석 내용은 어린이의 음악적 관심, 작업 인식에 대한 준비 수준, 정서적 반응 정도를 고려해야합니다.

즉, 작업 중에 묻는 질문은 접근 가능하고 구체적이며 학생의 지식과 연령에 적합하고 논리적으로 일관되고 수업 주제와 일치해야 합니다.
과소평가되어서는 안되며 교사 행동음악을 인식하는 순간과 토론하는 동안 : 얼굴 표정, 표정, 사소한 움직임-이것은 또한 음악적 이미지를 더 깊이 느끼는 데 도움이되는 독특한 음악 분석 방법입니다.
다음에 대한 샘플 질문은 다음과 같습니다. 전체적인 분석공장:
-이 작품은 무엇에 관한 것입니까?
-이름은 무엇이며 이유는 무엇입니까?
-영웅은 몇 명인가요?
-그들은 어떻게 작동합니까?
-캐릭터들은 어떤가요?
-그들은 우리에게 무엇을 가르치고 있습니까?
음악이 신나게 들리는 이유는 무엇입니까?

또는:
-지난 레슨에서 받은 이 음악에 대한 인상을 기억하시나요?
노래에서 멜로디와 가사 중 무엇이 더 중요할까요?
사람에게 더 중요한 것은 마음입니까, 마음입니까?
- 인생의 어디에서 들리며 누구와 함께 듣고 싶습니까?
- 작곡가는 이 곡을 쓸 때 어떤 경험을 했나요?
그가 전하고 싶었던 감정은?
-당신의 영혼에서 그런 음악을 들어 보셨습니까? 언제?
- 인생에서 어떤 사건을 이 음악과 연관시킬 수 있습니까? 작곡가는 음악적 이미지를 생성하기 위해 어떤 수단을 사용합니까(멜로디, 반주, 성구, 동적 음영, 모드, 템포 등의 특성을 결정하기 위해)?
-장르("고래")는 무엇입니까?
- 그렇게 결정한 이유는?
- 음악의 본질은 무엇인가?
-작곡가 또는 포크?
-왜?
-주인공을 더 빛나게 하는 것은 멜로디인가, 반주인가?
-작곡가는 어떤 악기 음색을 무엇을 위해 사용합니까?

작품의 전체론적 분석을 위한 질문을 수집할 때 가장 중요한 것은 작품의 교육적 및 교육학적 기초에 주의를 기울이고 음악적 이미지를 명확히 한 다음 음악적 표현 수단에 주의를 기울이는 것입니다. .
중학교 및 중고등학교 학생들을 위한 분석 문제는 취학 연령그들의 지식 수준과 심리적, 교육적 특성이 상당한 차이가 있기 때문에 다릅니다.
초등학교 연령은 외부 세계에 대한 경험적 경험, 정서적 및 감각적 태도가 축적되는 단계입니다. 미적 교육의 구체적인 과제는 감정-감각 영역을 활성화하여 현실, 도덕적, 영적 세계에 대한 전체적이고 조화로운 인식 능력을 개발하는 것입니다. 예술 형식 및 연구 주제로서 음악에 대한 심리적 적응을 보장합니다. 음악과 의사 소통하는 실용적인 기술 개발; 지식 풍부화, 긍정적 동기 부여 자극.
중학생의 가장 중요한 심리적, 교육적 특성은 지각의 감성을 압도하기 시작하는 대상 비유 해석의 생생한 표현, 강렬한 도덕적 형성성격. 10대들의 관심을 끌기 시작하다 내면 세계사람.
연구 작품에 대한 음악적 및 교육학적 분석을 수행하기 위한 옵션의 구체적인 예를 고려해 보겠습니다.
L. Beethoven의 "Marmot"(2학년, 2분기).
이 음악에서 어떤 분위기를 느끼셨나요?
-노래가 왜이렇게 슬프게 들리는지, 누구에 대한 노래인지.
- 무슨 "고래"?
-왜 그렇게 생각하니?
-무슨 곡?
- 그녀는 어떻게 움직이나요?
-노래는 누가 부릅니까?
V. Perov의 그림 "Savoyar"를 검토하여 L. Beethoven의 음악에 대한 인식과 이해를 풍부하게 합니다.
- 당신이 예술가라고 상상해보십시오. "마못" 음악을 들으면서 어떤 그림을 그리고 싶으신가요? (,)
R. Shchedrin (3 학년)의 발레 "The Little Humpbacked Horse"의 "Night".
아이들은 전날 숙제를받을 수 있습니다. P. Ershov의 동화 "The Little Humpbacked Horse"에서 밤 그림을 그리고 밤에 대한 설명의 일부를 배우고 읽습니다. 수업에서 과제를 확인한 후 다음 질문에 대해 이야기합니다.
-동화 "곱사등이 작은 말"에서 밤을 전달하려면 음악 소리가 어떻게 되어야 할까요? 이제 듣고 말해줘, 이게 밤이야? (오케스트라가 연주하는 녹음을 들으면서).
-이 음악을 반주하기에 적합한 악기는 무엇입니까? (학생들은 제안된 도구 중에서 더 적합한 도구를 선택합니다).
우리는 그 소리를 듣고 왜 그 음색이 음악과 조화를 이루는지 생각합니다. ( 선생님과 함께하는 앙상블 공연. 작업의 성격을 결정하십시오. 우리는 음악이 부드럽고 선율적인지 확인합니다).
부드럽고 선율적인 음악은 어떤 장르에 해당하나요?
-이 작품을 '노래'라고 부를 수 있을까?
-연극 '밤'은 마치 노래 같다. 부드럽고 선율이 좋고 노래 같다.
-그리고 선율, 선율로 가득 차 있지만 반드시 노래를 부르기위한 것은 아닌 음악을 노래라고합니다.
"고양이와 강아지"T. Popatenko (3 학년).
-노래가 마음에 드셨나요?
- 그녀의 이름은 무엇입니까?
-영웅은 몇 명인가요?
- 누가 콧수염이고 누가 털털인데, 왜 그렇게 결정했나요?
- 'Cat and Dog'라는 곡이 왜 안 불렀다고 생각하세요?
-우리 영웅들에게 무슨 일이 일어났고, 왜, 어떻게 생각하세요?
-남자들이 우리 영웅을 진지하게 "때리고" "때리고"했습니까?
-왜?
-고양이와 강아지에게 일어난 이야기는 우리에게 무엇을 가르쳐 주는가?
- 동물들을 휴일에 초대했을 때 사람들이 맞습니까?
-남자들 대신에 무엇을 하시겠습니까?
- 음악의 본질은 무엇인가?
-작품의 어떤 부분이 캐릭터를 더 생생하게 표현합니까? 도입부와 노래 자체, 그 이유는 무엇입니까?
-고양이와 강아지의 멜로디는 무엇을, 어떻게 표현하나요?
-만약 당신이 작곡을 할 수 있다면, 이 구절들을 가지고 어떤 작품을 작곡하고 싶습니까?
작품의 다음 작업 단계는 음악 발전을 위한 연주 계획의 작품별 비교이며, 음악적 표현 수단(템포, 다이내믹스, 멜로디 움직임의 특성)을 찾는 데 도움이 될 것입니다. 각 구절의 분위기, 비 유적 및 감정적 내용.
D. Shostakovich (2 학년)의 "Waltz is a joke".
- 작품을 듣고 그것이 누구를 위한 것인지 생각해 보십시오. (… 어린이 및 장난감: 나비, 생쥐 등).
이런 종류의 음악으로 무엇을 할 수 있습니까? ( 춤, 회전, 설레임 ...).
-잘 했어, 모두가 춤이 어린 아이들을위한 것이라고 들었습니다. 동화 속 영웅. 그들은 어떤 춤을 추고 있습니까? ( 왈츠).
-이제 당신과 내가 Dunno에 관한 동화에 나오는 멋진 꽃 도시에 갔다고 상상해보십시오. 누가 거기에서 그렇게 왈츠를 칠 수 있겠습니까? ( 벨 걸, 파란색과 분홍색 치마 등).
- 우리 플라워볼에 벨걸 빼고 누가 등장했는지 눈치채셨나요? ( 틀림없이! 연미복을 입은 큰 딱정벌레 또는 애벌레입니다.)
-큰 파이프를 가진 Dunno라고 생각합니다. 그는 어떻게 춤을 춥니까? 벨걸처럼 쉽게요? ( 아니, 그는 몹시 서툴러서 발을 밟고 있다.)
- 이곳의 음악은 어떤가요? ( 웃기다, 서투르다).
-작곡가는 우리 Dunno에 대해 어떻게 생각합니까? ( 그를 비웃는다).
-작곡가의 춤이 진지하게 나왔나요? ( 아니, 농담, 웃기다).
- 이름을 무엇이라고 할까요? ( 재미있는 왈츠, 벨 댄스, 코믹 댄스).
-잘 했어, 가장 중요한 것을 듣고 작곡가가 우리에게 말하고 싶은 것을 추측했습니다. 그는이 춤을 "왈츠 - 농담"이라고 불렀습니다.
물론 분석 질문은 음악 소리와 함께 번갈아 가며 다양하게 나올 것입니다.
따라서 수업에서 수업, 분기별로 작품 분석 자료를 체계적으로 수집하고 통합합니다.
5 학년 프로그램의 일부 작품과 주제에 대해 생각해 봅시다.
N. Rimsky-Korsakov의 오페라 "Sadko"의 "Lullaby of the Volkhova".
아이들이 자장가의 음악에 익숙해지기 전에 오페라 창작의 역사와 내용을 살펴볼 수 있습니다.
-노브고로드의 서사시를 알려드리겠습니다...(오페라의 내용).
훌륭한 음악가이자 이야기꾼인 N. A. Rimsky-Korsakov는 이 서사시를 사랑했습니다. 그는 그의 서사시 오페라 "Sadko"에서 Sadko와 Volkhov에 대한 전설을 구현하고 재능있는 gusler에 대한 동화와 서사시를 바탕으로 대본을 만들고 국가 민속 예술, 그 아름다움, 귀족에 대한 감탄을 표현했습니다.

가사- 이것은 뮤지컬 공연의 간략한 문학적 내용, 오페라의 구두 텍스트, 오페레타입니다. "libretto"라는 단어는 이탈리아어에서 유래되었으며 문자 그대로 "작은 책"을 의미합니다. 작곡가는 libretto를 직접 작성하거나 작가 인 librettist의 작업을 사용할 수 있습니다.

Lullaby에 대한 대화는 오페라의 주요 아이디어를 드러내는 Volkhova의 역할에 대해 생각하면서 시작할 수 있습니다.
-인간 노래의 아름다움은 마법사를 사로 잡았고 그녀의 마음에 사랑을 일깨웠습니다. 그리고 애무로 따뜻해진 마음은 Volkhova가 사람들이 부르는 노래와 비슷한 노래를 모으는 데 도움이되었습니다. Volkhova는 아름다움 일뿐만 아니라 마법사이기도합니다. 잠자는 Sadko에게 작별 인사를하면서 그녀는 가장 애정 어린 인간 노래 중 하나 인 "Lullaby"를 부릅니다.
자장가를 듣고 난 남자들에게 물어:
-이 단순하고 독창적인 선율이 볼코바의 어떤 특징을 드러내는가?
- 멜로디나 가사가 민요에 가깝나.
어떤 음악이 생각나나요?
작곡가는 이 음악적 이미지를 만들기 위해 어떤 수단을 사용합니까? ( 작품의 주제, 형식, 억양을 설명하십시오. 코러스의 억양에 주의하세요.)
이 음악을 다시 들을 때 목소리의 음색인 콜로라투라 소프라노에 주목하세요.
대화 중에 Sadko ( "Sadko 's Song")와 Volkhovs ( "Volkhov 's Lullaby")의 두 가지 다른 음악 초상화를 비교할 수 있습니다.
예술적, 정서적 배경을 재현하려면 I. Repin의 그림 "Sadko"를 남자들과 함께 고려하십시오. 다음 강의에서는 작곡가의 창작 방향과 관련된 자료, 특정 작품 창작 역사의 흥미로운 정보를 사용할 수 있습니다. 이 모든 것은 음악의 억양 구조에 깊이 익숙해지기 위해 필요한 배경입니다.
B 교향곡 - A. Borodin의 단조 2 번 "Bogatyrskaya".
우리는 음악을 듣는다. 질문:
- 업무의 성격은?
-음악에서 어떤 영웅을 "보았"나요?
- 음악은 어떤 수단을 통해 영웅적인 캐릭터를 만들 수 있었습니까? ( 음역의 정의, 모드, 리듬 분석, 억양 등 음악의 표현 수단에 대한 대화가 있습니다..)
1주제와 2주제의 차이점과 유사점은 무엇인가요?
V. Vasnetsov의 그림 "Three Heroes"의 삽화 시연.
음악과 그림은 어떻게 비슷한가요? ( 캐릭터, 내용).
- 어떤 도움으로 그림에 표현된 영웅적 인물은? ( 구성, 색상).
- 사진에서 "Bogatyrskaya"의 음악을들을 수 있습니까?

칠판에 음악과 그림의 표현 수단 목록을 만들 수 있습니다.

우리 삶에 영웅이 필요합니까? 당신은 그들을 어떻게 상상합니까?
그와 그의 학생들이 진리를 찾는 과정을 관찰하면서 교사의 생각의 움직임을 따라가도록 노력합시다.

6학년 1쿼터 수업.
교실 입구에서 J. Brel의 "Waltz"녹음 소리가 들립니다..
-안녕하세요! 오늘 수업을 시작하게되어 매우 기쁩니다. 좋은 기분. 즐거운 기분 - 왜? 마음은 이해하지 못했지만 미소를지었습니다! 음악?! 그리고 그녀에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 그녀는 즐겁습니다. ( 왈츠, 춤, 빠르고 고양, 그런 동기 - 기쁨이 있습니다.)
네, 왈츠입니다. 왈츠란? ( 이것은 즐거운 노래 함께 춤을 추는 조금 웃기는 노래).
- 왈츠를 칠 줄 아세요? 이것 현대 무용? 지금 사진을 보여드릴테니 왈츠가 추는 사진을 찾아보세요. ( 아이들은 사진을 찾고 있습니다. 이 순간 교사는 마치 자신을위한 것처럼 E. Kolmanovsky의 "Waltz about the Waltz"라는 노래를 연주하고 노래하기 시작합니다. 사람들은 사진에 묘사 된 사람들이 춤추고 회전하고 있다는 사실로 선택을 설명하는 사진을 찾습니다. 교사는 이 사진들을 칠판에 붙이고 그 옆에는 Natasha Rostova가 그녀의 첫 번째 공에서 묘사한 그림의 복제품이 있습니다.
이것이 19세기에 왈츠가 추는 방식입니다. 독일어로 "Waltz"는 회전을 의미합니다. 당신은 당신의 사진 선택이 절대적으로 정확합니다. ( G. Ots가 연주한 노래 "Waltz about the Waltz"의 1절이 들립니다.).
-아름다운 노래! 여러분, 대사의 저자에 동의하십니까?
-왈츠는 구식입니다. -누군가 웃으며 말합니다.
세기는 그에게서 후진성과 노년을 보았다.
부끄러워, 소심해, 나의 첫 왈츠가 다가온다.
왜 이 왈츠를 잊을 수 없지?
시인은 자신에 대해서만 이야기합니까? ( 우리는 시인에 동의합니다. 왈츠는 노인만을위한 것이 아니라 시인은 모든 사람에 대해 말합니다!)
- 누구에게나 첫 왈츠가 있다! ( "School years"라는 노래가 들립니다.»)
-예, 이 왈츠는 9월 1일과 마지막 통화의 휴일에 울립니다.
- "하지만 비밀, 그는 언제 어디서나 나와 함께 있습니다…" - 왈츠는 특별한 것입니다. (필요할 때를 기다리는 왈츠일 뿐!)
-그래서 그것은 모든 사람의 영혼에 살고 있습니까? ( 틀림없이. 젊은이들도 왈츠를 칠 수 있다.)
- 왜 "은폐"되고 완전히 사라지지 않습니까? (당신은 항상 춤을 추지는 않을 것입니다!)
- 글쎄, 왈츠를 기다리게 놔둬!
노래 "Waltz about the Waltz"의 1절을 학습합니다.
-많은 작곡가들이 왈츠를 썼지만 그중 한 명만이 왈츠의 왕으로 불렸다.(I. Strauss의 초상이 등장). 그리고 이 작곡가의 왈츠 한 곡이 앙코르로 연주되었다. 19회. 어떤 종류의 음악인지 상상해보십시오! 이제 여러분에게 슈트라우스의 음악을 보여드리고 싶습니다. 연주만 하세요. 교향악단이 연주해야 하기 때문입니다. 슈트라우스의 수수께끼를 풀어봅시다. ( 교사는 Blue Danube 왈츠의 시작 부분인 몇 마디를 연주합니다.)
-왈츠 소개는 일종의 큰 비밀, 어떤 즐거운 이벤트 자체보다 항상 더 많은 기쁨을 가져다주는 특별한 기대입니다 ... 이 소개에서 왈츠가 여러 번 시작될 수 있다는 느낌이 들었습니까? 기다리는 기쁨! ( 예, 여러 번!)
- Strauss는 어디에서 멜로디를 얻었습니까? ( 개발 중 소개 소리). 때때로 나는 슈트라우스의 왈츠를 들을 때 아름다운 상자가 열리고 특이한 것을 담고 있는 것 같은 느낌이 들 때가 있습니다. 지금은 이미 보이지만 다시 새로운 멜로디가 들리고 새로운 왈츠가 들립니다! 이것이 진정한 비엔나 왈츠다! 왈츠의 사슬, 왈츠의 목걸이!
-살롱댄스인가요? 어디에서 춤을 추나요? (아마 모든 곳에서: 거리에서, 자연에서, 당신은 저항할 수 없습니다.)
- 확실히 맞아. 그리고 이름은 무엇입니까 : "아름다운 푸른 다뉴브에서", "비엔나 목소리", "비엔나 숲 이야기", "봄 목소리". 슈트라우스는 16개의 오페레타를 썼고, 이제 오페레타에서 왈츠를 듣게 될 것입니다." 박쥐". 그리고 왈츠가 무엇인지 한마디로 대답해 주세요. 춤이라고 말하지 마세요. (왈츠 소리).
- 왈츠란? ( 기쁨, 기적, 동화, 영혼, 신비, 매력, 행복, 아름다움, 꿈, 쾌활함, 사려 깊음, 애정, 부드러움).
- 당신이 이름을 붙인 모든 것 없이 살 수 있습니까? (당연히 아니지!)
-어른 만이 그것 없이는 살 수 없습니까? ( 소년들은 웃으며 고개를 끄덕인다.
-어쩐지 음악을 들으면 그렇게 대답 할 거라고 확신 했어요.
-시인 L. Ozerov가 시 "Waltz"에서 쇼팽의 왈츠에 대해 어떻게 쓰는지 들어보세요.

- 일곱 번째 왈츠는 여전히 내 귀에 들리는 가벼운 발걸음
봄바람처럼, 새의 날갯짓처럼,
음악적 대사의 엇갈림 속에서 발견한 세상처럼.
그 왈츠는 여전히 내 안에서 울려퍼져, 푸르름 속의 구름처럼,
풀밭의 샘물처럼 현실에서 본 꿈처럼
내가 자연과 친밀하게 산다는 소식처럼.

남자들은 "Waltz about the Waltz"라는 노래로 수업을 떠납니다.
음악에 대한 자신의 감정과 태도를 한 단어로 표현하는 간단한 접근 방식이 발견되었습니다. 1 학년 때처럼 이것이 춤이라고 말할 필요가 없습니다. 그리고 Strauss 음악의 힘은 수업에서 놀라운 결과를 제공합니다. 현대 학교그것은 보인다-학생들의 대답은 지난 세기의 작곡가에게 20 "bis"로 갈 수 있습니다.

6학년 3분기 수업입니다.
아이들은 모차르트의 "봄" 아래 교실에 들어갑니다.
-안녕하세요! 편안하게 앉아 마치 콘서트홀에 있는 듯한 기분을 느껴보세요. 그나저나 오늘 콘서트 프로그램이 뭔지 누가 알겠어? 아무거나 입력하면 콘서트홀우리는 프로그램이 있는 포스터를 봅니다. 저희 콘서트도 예외는 아니었고, 입구에서 포스터도 여러분을 맞이했습니다. 누가 그녀에게 관심을 기울였습니까? (...) 글쎄, 화 내지 마세요. 아마 서두르셨을 텐데 아주 조심스럽게 읽고 그 위에 쓰여진 모든 것을 기억했습니다. 포스터에 세 단어 밖에 없기 때문에 어렵지 않았습니다. 내가 이제 그것들을 칠판에 쓰겠습니다. 그러면 모든 것이 여러분에게 명확해질 것입니다. (나는 "소리"라고 쓴다).
- 여러분, 나중에 여러분의 도움으로 다른 두 단어를 추가할 것이라고 생각했지만 지금은 음악이 들리도록 두십시오.
모차르트의 "작은 밤의 세레나데"가 연주됩니다.
이 음악은 어떤 느낌을 주었나요? 그녀에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? ? (가볍고, 즐겁고, 행복하고, 춤추고, 위엄 있고, 공에서 소리가납니다.)
-현대무용음악회에 간거야? ( 아니요, 이 음악은 아마도 17세기에 만들어진 오래된 것입니다. 무도회에서 춤을 추는 것 같습니다.)
- 무도회는 하루 중 몇 시에 열렸습니까? ? (저녁과 밤).
- 이 음악은 "리틀 나이트 세레나데"입니다.
-이 음악이 러시아 음악인지 아닌지 어떤 느낌이 들었나요? ( 아니요, 러시아어가 아닙니다).
- 과거의 작곡가 중 누가 이 음악의 저자가 될 수 있습니까? (모차르트, 베토벤, 바흐).
-당신은 아마도 "The Joke"를 기억하면서 Bach라는 이름을 지었습니다. ( 나는 "Joke"와 "Little Night Serenade"의 곡을 연주합니다).
-굉장히 유사한. 그러나이 음악의 저자가 Bach라고 주장하려면 일반적으로 다 성음이라는 다른 창고를 들어야합니다. (“리틀 나이트 세레나데”의 멜로디와 반주는 제가 연주합니다. 학생들은 동음이의 창고의 음악이 목소리와 반주라고 확신합니다.)
-베토벤의 저자에 대해 어떻게 생각하세요? (베토벤의 음악은 강하고 강력합니다).
교사는 교향곡 5번의 주요 억양을 소리내어 아이들의 말을 확인한다.
- 전에 모차르트의 음악을 만난 적이 있나요?
-아는 작품의 이름을 말할 수 있습니까? ( 교향곡 40번 "봄의 노래", "작은 밤의 세레나데").

선생님이 주제를 연주합니다 ...
-비교하다! ( 빛, 기쁨, 개방성, 경쾌함).
- 이것은 정말로 모차르트의 음악입니다. (보드에 " 처럼 들리다"추가합니다:" 모차르트!)
– 이제 모차르트의 음악을 기억하면서 작곡가의 스타일, 그의 작품의 특징에 대한 가장 정확한 정의를 찾으십시오. . (-그의 음악은 여리고 연약하고 투명하고 밝고 명랑하다… 기쁨은 항상 사람 안에 살 수 있습니다 ... - 즐겁고 밝고 화창하고 행복합니다.)
-그리고 러시아 작곡가 A. Rubinshtein은 이렇게 말했습니다. “음악의 영원한 햇살. 당신의 이름은 모차르트입니다!
- "리틀 나이트 세레나데"의 멜로디를 모차르트 스타일로 불러보세요.(...)
-그리고 이제 "봄"을 모차르트 스타일로 부르세요. 결국, 당신이 지금 연기하게 될 연주자들이 작곡가의 스타일, 음악의 내용을 느끼고 전달하는 방법은 청중이 음악을 이해하는 방법과 그것을 통해 작곡가에 달려 있습니다. . ( 모차르트의 "봄" 연주).
- 당신의 성과를 어떻게 평가합니까? ( 우리는 매우 열심히 노력했습니다.)
-모차르트의 음악은 많은 사람들에게 매우 소중합니다. 최초의 소비에트 외무 인민위원회 인 Chicherin은 다음과 같이 말했습니다. “내 인생에는 혁명과 모차르트가있었습니다! 혁명은 현재지만 모차르트는 미래다!” 20세기 혁명적 이름 18세기 작곡가 미래.왜? 그리고 이것에 동의하십니까? ( 모차르트의 음악은 즐겁고 행복하며 사람은 항상 기쁨과 행복을 꿈꿉니다.)
- (보드 참조)상상의 포스터에 한 단어가 빠져 있습니다. 그것은 그의 음악을 통해 모차르트를 특징짓는다. 이 단어를 찾으십시오. ( 영원한, 오늘).
-왜 ? (오늘날 사람들은 모차르트의 음악이 필요하고 앞으로도 항상 필요할 것입니다. 그러한 아름다운 음악과 접촉하면 사람 자신이 더 아름다워지고 그의 삶이 더 아름다워질 것입니다.)
-이 단어를 이렇게 써도 될까요- " 영원한"? (동의하다).
칠판에는 다음과 같이 쓰여 있습니다. 마치 늙지 않는 모차르트처럼 들립니다!”
교사는 "Lacrimosa"의 초기 억양을 연주합니다.
- 이 음악에 대해 햇빛이라고 말할 수 있습니까? ( 아니, 이건 어둠, 슬픔, 꽃이 시든 듯)
-어떤 의미에서? ( 아름다운 것이 사라진 것 같습니다.)
-모차르트가 이 음악의 작가일까요? (아니요! .. 아마도 그럴 수 있습니다. 결국 음악은 매우 부드럽고 투명합니다).
- 이것은 모차르트의 음악입니다. 작품은 창작의 이야기와 마찬가지로 특이합니다. 모차르트는 중병에 걸렸습니다. 어느 날 한 남자가 모차르트에 와서 자신의 이름을 밝히지 않고 "레퀴엠"을 주문했습니다. 이 작품은 죽은 사람을 기리기 위해 교회에서 공연되었습니다. 모차르트는 이상한 손님의 이름을 알아내려고 시도조차 하지 않고 이것이 다름 아닌 그의 죽음의 전조이며 그가 자신을 위해 진혼곡을 쓰고 있다는 절대적인 확신을 가지고 큰 영감을 가지고 작업에 착수했습니다. 모차르트는 레퀴엠에서 12악장을 구상했지만 7악장인 라크리모사(Tearful)를 완성하기 전에 세상을 떠났다. 모차르트는 겨우 35세였다. 그의 이른 죽음은 여전히 ​​수수께끼입니다. 모차르트의 사망 원인에 대한 여러 버전이 있습니다. 가장 일반적인 버전에 따르면 Mozart는 그를 매우 부러워하는 궁정 작곡가 Salieri에 의해 독살되었습니다. 이 버전은 많은 사람들이 믿었습니다. A. 푸쉬킨은 "모차르트와 살리에리"라는이 이야기에 그의 작은 비극 중 하나를 바쳤습니다. 이 비극의 장면 중 하나를 들어보십시오. ( 나는 "들어라, 살리에리, 내 "레퀴엠! ..."이라는 단어로 장면을 읽었습니다. "Lacrimosa"처럼 들립니다).
- 그런 음악 후에는 말하기가 어렵고 아마도 필요하지 않을 것입니다. ( 보드에 표시).
- 그리고 여러분, 이것은 칠판에 있는 세 단어가 아닙니다. 이것은 소비에트 시인 Viktor Nabokov의 시에서 나온 한 줄입니다. "Happiness!"라는 단어로 시작합니다.

-행복!
늙지 않는 모차르트처럼 들린다!
나는 말할 수 없이 음악을 좋아합니다.
높은 감정에 맞는 마음
모든 사람은 선과 조화를 원합니다.

-회의를 마치며 사람들에게 선과 조화를 베푸는 데 마음이 지치지 않기를 여러분과 저 모두에게 기원합니다. 그리고 위대한 모차르트의 영원한 음악이 우리를 돕게 하십시오!

7학년 1쿼터 수업.
수업의 중심에는 슈베르트의 발라드 "The Forest King"이 있습니다.
-안녕하세요! 오늘 수업에 새로운 음악이 있습니다. 노래입니다. 소진되기 전에 오프닝 테마를 들어보세요. ( 나는 논다).
-이 테마는 어떤 느낌을 불러일으키나요? 어떤 이미지가 만들어지나요? ( 불안, 두려움, 끔찍하고 예상치 못한 것에 대한 기대).
교사는 D - B-플랫 - G의 세 가지 소리에 초점을 맞춰 다시 연주하며 이 소리를 부드럽고 일관되게 연주합니다.(한 번에 모든 것이 바뀌었고 경계와 기대가 사라졌습니다).
- 좋아요, 이제 인트로 전체를 연주하겠습니다. 이미지를 기대하면서 뭔가 새로운 것이 있을까요? ( 불안이 커지고 긴장이 될 것입니다. 여기에 끔찍한 것이 말하고 있으며 오른손에서 반복되는 소리는 그대로 추격의 이미지입니다.)
교사는 칠판에 적힌 작곡가 F. Schubert의 이름에 아이들의 관심을 끌고 있습니다. 노래가 독일어로 들리지만 그는 작품 제목에 대해 말하지 않습니다. ( 사운드트랙 사운드.)
- 이미 우리에게 익숙한 인트로 이미지의 전개를 바탕으로 만들어진 곡? ( 아니요, 다른 억양).
아버지에 대한 아이의 두 번째 호소가 들립니다 (요청의 억양, 불만).
어린이: - 밝은 이미지, 진정, 진정.
-이 억양을 하나로 묶는 것은 무엇입니까? ( 도입부에서 오는 맥박은 무언가에 대한 이야기 ​​같다.)
- 이야기가 어떻게 끝날 것 같나요? ( 무언가가 끊어지면서 끔찍한 일이 일어났고, 아마도 죽음에 이르기까지 했습니다.)
-출연자는 몇 명이었나요? ( 2 - 가수 및 피아니스트).
-누가 리드 이 듀엣에 누가 있습니까? (메이저와 마이너는 없으며 똑같이 중요합니다).
-가수는 몇 명? ( 음악에서는 여러 캐릭터가 들리지만 가수는 하나입니다.)
- 어느 날 친구들은 슈베르트가 괴테의 "숲의 왕"을 읽는 것을 발견했습니다 ... ( 이름이 발음되고 교사는 발라드의 텍스트를 읽습니다. 그러자 설명도 없이 교실에서 2번째로 "숲의 왕"이 울린다. 듣는 동안 몸짓, 표정을 가진 교사는 연기자의 환생을 따라 가며 아이들의 관심을 그들의 이미지 인 억양으로 끌어들입니다. 그런 다음 교사는 3 가지 풍경이있는 칠판에주의를 기울입니다. N. Burachik "Dnieper가 포효하고 신음하고 있습니다", V. Polenov "추워지고 있습니다. Tarusa 근처 Oka의 가을", F. Vasiliev "Wet Meadow").
당신에게 제공되는 풍경 중 발라드의 행동이 일어날 수 있는 배경에 대해 어떻게 생각하십니까? ( 첫 번째 사진의 배경).
-이제 묘사하는 풍경을 찾으십시오. 안녕히 주무세요, 물 위의 미백 안개와 조용하고 깨어 난 산들 바람. ( 그들은 Polenov, Vasiliev를 선택하지만 아무도 Burachik의 그림을 선택하지 않습니다. 교사는 괴테의 발라드에서 풍경에 대한 설명을 읽습니다. "밤의 고요함 속에서 모든 것이 고요하고 회색 버드 나무가 옆으로 서 있습니다.").
그 일은 우리를 완전히 사로잡았습니다. 결국, 인생에서 우리는 감정을 통해 모든 것을 인식합니다. 그것은 우리에게 좋고 주변의 모든 것이 좋으며 그 반대도 마찬가지입니다. 그리고 이미지에서 음악에 가장 가까운 그림을 선택했습니다. 이 비극은 맑은 날에 일어날 수 있었지만. 그리고 시인 Osip Mandelstam이 이 음악을 어떻게 느꼈는지 들어보세요.

-올드송월드, 브라운, 그린,
그러나 영원히 젊다
나이팅게일이 포효하는 왕관을 린든하는 곳
미친 분노로 숲의 왕을 흔든다.

- 시인은 우리가 선택한 동일한 풍경을 선택합니다.

음악 수업에서 작품에 대한 전체적인 분석이 필요합니다. 이 작업은 음악에 대한 지식 축적, 미적 음악적 취향 형성에 중요합니다. 1학년부터 8학년까지의 음악 작품 분석에 있어 체계적이고 연속성에 더 많은 관심을 기울일 필요가 있다.

학생 에세이에서 발췌:

“...오케스트라를 보지 않고 음악을 듣는다는 것은 매우 흥미롭다. 나는 듣고, 어떤 오케스트라, 어떤 악기가 연주하는지 추측하는 것을 좋아합니다. 그리고 가장 흥미로운 것은 작업에 익숙해지는 방법입니다 ... 종종 이런 일이 발생합니다. 사람이 음악을 좋아하지 않는 것 같고 듣지 않고 갑자기 듣고 사랑합니다. 그리고 어쩌면 평생 동안."

“... 동화 "피터와 늑대". 이 이야기에서 Petya는 쾌활하고 쾌활한 소년입니다. 그는 할아버지의 말을 듣지 않고 친숙한 새와 유쾌하게 이야기합니다. 할아버지는 우울하고 항상 Petya에게 불평하지만 그는 그를 사랑합니다. 오리는 쾌활하고 채팅을 좋아합니다. 그녀는 매우 뚱뚱하고 걷고 발에서 발로 뒤뚱 거리고 있습니다. 새는 7-9 세 소녀와 비교할 수 있습니다.
그녀는 점프하는 것을 좋아하고 항상 웃는다. 늑대는 끔찍한 악당입니다. 피부를 구하면 사람을 먹을 수 있습니다. 이러한 비교는 S. Prokofiev의 음악에서 분명히 들립니다. 다른 분들은 어떻게 들으실지 모르겠지만 저는 이렇게 듣습니다.”

“...최근에 집에 왔는데 TV에서 콘서트 중계가 나오는데 라디오를 틀고 달빛소나타를 들었다. 그냥 말을 못 하고 앉아서 듣기만 했지… -오, 그것을 발명 한 신이시여! 이제 나는 그녀 없이는 왠지 지루합니다!”

“... 나는 음악을 들을 때 항상 이 음악이 말하고자 하는 것을 생각한다. 어렵거나 쉬움, 쉬움 또는 어렵습니다. 제가 좋아하는 음악이 하나 있는데 왈츠 음악입니다.매우 선율적이고 부드럽습니다 .... "

“... 음악에는 고유한 아름다움이 있고 예술에는 고유한 아름다움이 있다고 쓰고 싶습니다. 작가는 그림을 쓸 것이고 말릴 것입니다. 그리고 음악은 결코 마르지 않을 것입니다!

문학:

• 음악은 아이들을 위한 것이다. 4호. 레닌그라드, "음악", 1981, 135p.
• A.P. Maslova, 예술 교육학. 노보시비르스크, 1997, 135s.
• 학교에서의 음악 교육. Kemerovo, 1996, 76s.
• Zh / l "학교에서의 음악"No. 4, 1990, 80s.

에르마코바 베라 니콜라예브나
음악 및 이론 분야의 교사
최고 자격 범주
주 예산 전문 교육
Voronezh 지역 "Voronezh Music and Pedagogical College"의 기관
보로네시, 보로네시 지역

고조파 분석을 수행하는 방법의 예
A. Grechaninov의 합창 미니어처 "불 같은 빛 속에서"

I. Surikov의 구절에 대한 A. Grechaninov의 합창 미니어처 "In the Fiery Glow"는 풍경 가사 장르에 기인 할 수 있습니다. 미니어처는 세 부분으로 구성된 단순한 세 부분으로 된 비 반복 형식으로 작성되었습니다. 하모니는 합창단에서 중요한 형성 도구입니다.

첫 번째 부분은 반복 구조의 정사각형이 아닌 마침표이며 완전히 동일한 두 문장(각각 5마디)으로 구성됩니다. 이 시기의 화성적 계획은 매우 간단합니다. 절반의 진정한 혁명이 지배하고, 선율적으로 발전된 베이스 라인과 상위 성부의 토닉 페달로 장식되어 있습니다. 복잡하고 동시에 하모니와 음악적 구조를 "장식"하는 수단은 코드가 아닌 사운드입니다. , 9).
첫 번째 기간의 두 문장은 불안정한 반정식 케이던스로 끝납니다. 이러한 불안정한 기간의 끝은 합창 음악의 특징입니다.

합창 미니어처의 두 번째 부분(두 번째 연)에는 전체적으로 다음과 같은 음조 계획이 있습니다. Es-dur - c-moll - G-dur. 두 번째 부분을 시작하는 D9 Es-dur는 매우 다채롭고 예상치 못한 소리를 냅니다. 부품 간의 기능적 연결이 명백히 없기 때문에 D7 G-dur와 DVII7의 사운드 구성이 3음 및 5음 Es-dur 증가와 일치하는 것을 기준으로 감지할 수 있습니다.

두 번째 부분의 첫 번째 문장의 조화로운 발전은 저음의 지배적인 오르간 포인트의 배경에 대해 수행되며, 여기에 진정한 중단된 회전이 중첩됩니다. 중단된 회전율(p. 13)은 c-moll(p. 15)의 키로의 편차를 예상합니다. 병렬 Es-dur와 c-moll의 가장 가까운 관계로 전환 자체는 Uv35 비조화도(VI6 고조파 Es = III35 고조파 c)를 사용하여 수행됩니다.

tt에서. 15-16은 접근 및 정점과 관련된 집중적인 음조 화성 발달이 있습니다. c-moll 조성은 Es-dur와 G-dur의 중간인 것으로 밝혀졌습니다. 절정(p. 16)은 전체 합창단에서 유일하게 변경된 코드를 사용하여 표시됩니다. DDVII6은 감소된 3도음으로 원래 G-dur(p. 17)의 D7으로 전달되며 여기에서 지배적 술어가 전환됩니다. 에. 절정의 순간에 하모니는 역학(mf에서 f로 증폭), 멜로디(높은 소리로 점프), 리듬(높은 소리에서 리듬 정지)과 같은 다른 표현 수단과 병행하여 작용합니다.

술어 구성(18-22절)은 기본 키를 준비하는 것 외에도 합창단의 세 번째 부분(스탠자)에서 논의될 플루트의 이미지를 예상하는 비유적이고 표현적인 기능을 수행합니다. 이 구성의 사운드 표현은 오히려 멜로디, 리듬 및 질감(모방)과 연관되어 있으며, 이는 플루트 소리의 "떨림"을 전달하는 것입니다. 하지만 이 소리의 "하모니".
합창 미니어처 형태의 명확한 해부는 질감 및 음조-화성 수단에 의해 달성됩니다. 합창단의 세 번째 부분은 D7 C-dur로 시작하는데, 이는 두 번째 부분의 마지막 화음이 D7이 있는 DD7에 해당합니다. 이전 두 부분의 시작 부분에서와 같이 세 번째 부분의 시작 부분은 정통 문구가 지배합니다. 세 번째 악장의 음조 계획: C-dur - a-moll - G-dur. 중간 키 a-moll에 대한 편차는 D35를 통해 매우 간단하게 발생하며 이전 토닉 C-dur와 관련하여 3 도의 주요 트라이어드로 인식됩니다. a-moll에서 기본 키 G-dur로의 전환은 D6을 통해 수행됩니다. 29절의 불완전한 케이던스는 전체 하모닉 회전(SII7 D6 D7 T35)으로 표시되는 추가(30-32절)를 필요로 했습니다.

A. Grechaninov의 "In the Fiery Glow" 합창단의 조화로운 언어는 단순함, 사용된 수단의 경제성(진정한 회전)과 동시에 변조를 사용하여 생성된 사운드의 다채로움으로 구별됩니다. Uv35 불협화음, 형태 가장자리의 타원형 회전, 페달 및 오르간 지점. 메인 트라이어드(T, D)가 코드에서 우세하며 사이드 트라이어드 VI, III, SII가 표시됩니다. 주요 일곱 번째 코드는 주로 D7에 의해 제공되며 SII7이 한 번만 사용됩니다. 지배적 기능은 D35, D7, D6, D9로 표현됩니다.
합창단 전체의 음조 계획은 개략적으로 묘사될 수 있습니다.

나부분	II부분	III부분
그두르	Es-dur, c-단조, G-dur	С-dur, a-moll, G-dur
T35 D7	9일 7일	D7 T35

합창 미니어처의 음조 계획에는 하위 그룹의 거의 모든 키가 표시됩니다. VI 낮은 단계의 키는 Es-dur입니다(음조 계획 수준에서 같은 이름의 메이저-마이너의 표현입니다. ), 네 번째 단계는 c-moll, C-dur이고 두 번째 단계는 a-moll입니다. 메인 키로 돌아가면 메인 키 G-dur가 후렴구 역할을 하고 스틸 키가 에피소드 역할을 하는 음조 계획의 론도 유사성에 대해 말할 수 있습니다. 안녕하세요. 합창단의 두 번째 부분과 세 번째 부분에서 키의 세 번째 상관 관계는 낭만적인 작곡가의 음조 계획의 특징적인 특징과의 연관성을 불러일으킵니다.
두 번째와 세 번째 부분의 시작 부분에 새로운 키가 도입되어 언뜻 보기에는 타원형이지만 항상 기능적 연결 측면에서 설명할 수 있습니다. Es-dur에서 c-moll로의 편차(파트 II)는 C-dur에서 a-moll로의 Uv35 비조화성을 통해 이루어졌습니다. a-moll에서 원래 G -dur(27-28절)로의 전환 - 점진적 변조로. 동시에 a-moll은 G-dur와 G-dur 사이의 중간 키 역할을 합니다. 합창단의 변경된 코드 중 절정의 순간에 들리는 3 사운드 l-double dominant (m. 16 - ДДVII65b3) 만 제공됩니다.