혼성 합창단이란? 주제 VIII: 합창단의 종류와 종류

챕터오레

합창단 구성

합창단의 구성에 따라 가장 일반적인 것은 세 가지 주요 유형입니다: 1. 여성 또는 어린이 합창단(또는 둘 다), 2. 남성 합창단, 3. 혼성 합창단.*

소프라노와 알토로 구성된 제1종의 합창단과 테너와 베이스로 구성된 제2종의 합창단을 동종합창단이라 한다. 이 두 개의 동질적인 합창 그룹(상부 및 하위)의 조합에서 하나의 혼합 그룹이 얻어지므로 첫 번째 및 두 번째 유형의 합창단은 세 번째 유형의 합창단의 두 절반으로 간주될 수 있습니다. 이것은 결코 그들의 독립적인 의미를 부정하지는 않지만, 둘 다 함께 가장 완벽한 유형의 합창단인 혼성 합창단을 형성합니다.

첫 번째 유형의 합창단은 첫 번째 소프라노, 두 번째 소프라노(또는 메조 소프라노), 첫 번째 알토 및 두 번째 알토(또는 콘트랄토)로 구성됩니다.

이 구성을 가장 단순한 합창 코드로 설명하면 합창단의 목소리는 다음과 같이 배열됩니다.

두 번째 유형의 합창단은 첫 번째 테너, 두 번째 테너, 바리톤, 베이스 및 옥타비스트로 구성됩니다.

이 구성의 합창단에 대한 동일한 코드는 다음과 같이 배열되어야 합니다.

1번과 2번 유형의 동종 합창 그룹을 결합하여 가장 완벽한 유형의 합창단인 완전한 혼합 합창단을 얻습니다. 2nd 알토, 5) 1st 테너, 6) 2nd 테너, 7) 바리톤, 8) 베이스 및 9) 옥타비스트.

완전 혼성 합창단의 코드 편곡은 다음과 같습니다.

합창 부분의 음역과 음역을 비교할 때 완전한 혼성 합창단이 관련 성부의 4개 그룹으로 나뉜다는 것을 볼 수 있습니다(자세한 내용은 3장, 1부 참조).

1) 1번 소프라노와 1번 테너, 2) 2번 소프라노와 2번 테너, 3) 알토와 바리톤, 4) 베이스와 옥타비스트.

이를 그래픽으로 표현하면 다음과 같습니다.

동시에 합창단은 레지스터에 따라 세분됩니다(이 세분은 특별한 의미) 각각 3개의 레이어로 화음의 울림(더블링 포함): 1) 상위 성부 레이어, 2) 중간 성부 레이어 및 3) 태블릿에서 볼 수 있는 하위 성부 레이어 및 뮤지컬 예:

1. 상위 목표 계층. - 1차 콘. + 첫 번째 10.

2. 중간 목표 계층. - 2차 콘. + 두 번째 10. + 대체. + 바라이트.

3. 하위 목표 계층. - 베이스 + 옥타비스트

불충분하게 좋은 합창 음향은 무엇보다도 합창단에서 이러한 세 가지 음색이 고르지 않게 들리고 소리 강도가 불균형하다는 사실에 종종 기인합니다. 상층- 강함, 낮음 - 약함, 중간 - 심지어 약함. (앙상블 장에서 이에 대해 더 자세히 이야기하겠습니다.)

적지 않은 중요성은 각 합창 부분에서 가장 적은 수의 가수에 대한 질문입니다. 올바른 해결을 통해 추가 결론을 입증할 수 있습니다.

한 가수를 파트로 가져 가면 물론 합창 파트는 작동하지 않습니다. 한 가수는 솔리스트이기 때문입니다.

두 명의 가수가 합창 부분을 구성합니까? 아니요, 그렇지 않습니다. 한 가수가 숨을 쉬는 순간 다른 가수는 솔리스트의 위치에 있습니다.

파티에 세 명의 가수를 데려 가면 파티가 형성됩니다. 세 명 중 한 명이 숨을 쉬면 여전히 두 명이 노래합니다. 결과적으로 3명의 노련한 성악가들로 구성이 최소화된 합창 파트를 형성하는 것이 가능하다. 각 합창 파트의 최소 가수 수는 3명입니다.

가장 적은 수의 가수로 각 파트를 구성하면 다음과 같은 결과를 얻습니다.

따라서 적절하게 조직된 혼성 합창단을 구성하려면 최소 12명의 성악가가 필요하며 각 부분에 3명씩 배분됩니다. 우리는 그런 합창단을 소규모 혼성 합창단이라고 부를 것입니다. 작은 합창단은 동시에 불완전한 합창단이기도 합니다. 즉, 관례적으로 "순수한 4성부"로 제한될 수밖에 없습니다.

소규모 합창단의 각 파트를 균일하게 증가시켜 평균(하지만 ​​이미 꽉 찬) 혼성 합창단의 최소량에 접근합니다. 작은 합창단의 각 파트의 가수 수가 두 배가 되면(베이스 파트는 세 배) 가수 수가 가장 적은 평균적인 혼성 합창단이 됩니다.

베이스 부분에서는 태블릿에서 볼 수 있듯이 재편성이 이루어졌습니다. 옥타비스트를 희생시키면서 한 명의 가수가 베이스 부분에 추가되었습니다. 메인인 베이스 파트는 조금 증폭이 필요하기 때문에 추천합니다. 옥타비스트와 관련하여 기본 원칙에서 벗어날 수 있습니다. "한 부분의 가수 수는 3 명입니다"; 본질적으로 옥타 비스트 부분은 고립 된 부분이 아닙니다. 소리가 아름다운이 부분은 이미 합창단에서 어느 정도 사치품입니다 (그런데 거의 필요합니다). 이 부분은 남용을 피하면서 매우 주의해서 사용해야 합니다.

가장 작은 구성의 평균 혼성 합창단(27명)은 완전한 합창단, 즉 9개의 합창 부분으로 구성되어 있기 때문에 거의 모든 합창 문헌을 거의 예외 없이 연주할 수 있습니다.

그의 모든 파트를 균일하게 늘려서 대규모 혼성 합창단의 가장 작은 구성에 접근합니다. 평균 혼성 합창단의 가수 수가 두 배가 되면 가장 적은 수의 가수를 가진 대규모 혼성 합창단이 됩니다.

이 강력한 합창단은 모든 합창 문헌을 사용할 수 있습니다. 각 부분이 4개를 구성할 수 있기 때문입니다 올바른 그룹각각 3명의 가수.

위의 계산은 다소 추상적으로 보일 수 있습니다. 우리는 그것들을 단정적으로 주장하지는 않지만 그것들이 수년간의 관찰과 경험의 결과라는 점을 지적하는 것이 필요하다고 생각합니다. 대규모 혼성 합창단의 초기 최소 가수 수를 나타냄으로써 최대 최대 수를 결정하는 것은 아니지만 음악적 울림에 한계가 있음을 규정하는 것이 필요하다고 생각합니다. 큰 합창단이미 노이즈 소너리티로 변질되어 있습니다.

합창단 편곡에 관해서는이 질문이 다른 방식으로 해석됩니다. 해결에 대한 객관적인 정당성을 찾으려고 노력합시다.

합창단은 위에서 언급한 바와 같이 4개의 관련 음성 그룹으로 나뉩니다. 첫 번째 그룹의 파티를 무대 반대편에 놓으십시오. 편안하게 노래할 수 있을까요? 물론 아닙니다. 그들은 균일한 범위와 음역을 가지고 옥타브에서 두 배로 노래하기 때문에 항상 서로 더 가까워지기 위해 노력합니다. 옥타비스트를 베이스에서 멀리 떨어뜨리려고 하면 첫 번째 중얼거림을 들을 수 있습니다. 따라서 관련 당사자는 동일한 그룹에 있어야 합니다. 동시에 상위 성부의 레이어를 구성하고 대부분의 멜로디 소재를 차지하는 부분은 지휘자의 오른쪽에 있어야 합니다. 상층과 하층 사이의 공간을 조화로운 재료로 채우는 중간층의 일부는 성가대 전체에 배치됩니다. 마지막으로, 합창 화음의 전체 무게가 얹혀지는 기초로서 기본 당사자로서 하위 계층의 당사자는 중앙을 향해야합니다.

제안된 합창단 배치는 경험과 관찰을 통해 검증되었습니다. 그러나 이것은 무조건적으로 의무적인 것이 아닙니다. 때로는 실내 및 음향 조건에 따라 합창단***의 편곡에 약간의 변경이 필요할 수 있습니다.

고려한 다른 종류합창단과 그 배열 순서에 대해 몇 가지 조직 문제에 대해 살펴 보겠습니다.

합창단의 지휘자는 음악적, 예술적, 조직적 부분 모두에서 조수를 두어야 합니다. 음악 파트의 보조 지휘자는 합창단과 함께 준비 작업을 수행하고 어떤 이유로든 부재 시 지휘자를 교체합니다.

음악 부분의 보조 지휘자는 합창단의 일원이며 지휘자의 전체 작업에 참여하여 교체의 경우 자신에 대한 새로운 해석을 도입하지 않도록 요구 사항을 동화합니다. 합창단에 두 가지 영향을 미치고 작업 방향이 달라서는 안 됩니다. 부지휘자는 적절한 음악 교육을 받아야 함은 물론이다.

조직 부분의 보조 지휘자는 합창단의 장이 되어야 합니다.

합창단장의 주요 임무는 예술 작업에 필요한 질서와 조직을 보장하는 것입니다.

또한 4개의 합창 파트에는 조직과 음악적 측면 모두에서 책임을 지는 합창 파트의 책임자가 있어야 합니다. 합창단의 장은 음악적으로 충분히 교육받은 뛰어난 경험이 풍부한 가수 여야합니다. 합창단의 소장은 그녀의 대표자이자 지휘자와의 생생한 관계입니다. 그는 자신의 파트의 모든 가수를 포괄적으로 알아야 합니다. 그는 자기 파트의 가수들의 결점을 알아채고 그것을 지적할 수 있고 또 지적해야 하며, 그리하여 각 가수의 개별적 향상과 전체 파트 전체의 향상을 달성합니다. 경험이 부족하고 기술적으로 잘 훈련되지 않은 가수 인 헤드 맨은 경험을 쌓고 기술을 향상시킬 때까지 그를 이끄는 경험 많은 가수의 지도력하에 제공해야합니다. 이 가이드는 많은 실용적인 가치. 아무리 좋은 성악가가 합창단에 입단했다고 해도 아직 익숙하지 않은 창법, 지휘자의 방법과 만나기 때문에 당장에 완전무결한 자리에 앉히는 것은 비합리적이다. 독립 가수. 이 경우 합창단 소장은 지휘자에게 없어서는 안될 조수입니다. 합창단에 새로 입단하는 성악가의 목소리, 청력, 지식, 기량 등을 시험하는 자리에 반드시 참석해야 하는 반장은 즉시 자신의 합창 파트에서 경험이 풍부한 성악가를 뽑아 자신의 지휘 아래 신인에게 양보해야 한다.

이로부터 합창 부분에 초보자를 인도할 수 있는 경험 많은 가수가 있는 만큼 많은 가수만이 합창 부분으로 다시 받아들여질 수 있다는 것이 분명합니다. 이 명령에 따라 신입생은 자신의 파티에 제동을 걸거나 방해 할 수 없습니다. 첫 번째 실수로 그는 수석 싱어 리더에 의해 중지됩니다. 시간이 지남에 따라 그러한 초보자가 점차 경험을 쌓고 지휘자의 기술을 습득하고 개인 및 일반 합창단 앙상블, 시스템 등을 유지하는 방법을 배우면 독립 가수가됩니다. 훈련 경험을 마친 가수가 미숙 한 사람들에게 배울 시간을주는 것이 유용합니다. 학생의 실수를 관찰하면 자신이이 "코스"를 통과해야한다는 것을 분명히 이해할 것입니다.

합창단의 소장은 그 구성에서 그의 악보를 담당할 가수 한 명을 선택해야 합니다. 동시에 합창단용 4개(파트당 1개)와 지휘자용 1개 등 5개의 우수하고 내구성 있는 폴더를 보관하는 것이 좋습니다. 지휘자로부터 리허설에서 어떤 작곡과 어떤 순서로 작업할지에 대한 표시를받은 사서는 이에 따라 메모를 폴더에 정리하고 각 부분에서 선택한 가수에게 전달합니다. 지휘자는 해결해야 할 일을 알립니다. 음악 폴더 담당자가 노트를 나눠주고 이 작업이 완료되면 즉시 다시 폴더에 모아둡니다. 교장조차도 폴더를 담당하는 사람 외에 메모를 폐기해서는 안 됩니다. 이 규칙에 따라 메모가 있는 폴더는 리허설이 끝날 때 그가 발행한 순서대로 사서에게 도착합니다. . 사서는 차장의 폴더를 담당합니다.

무엇보다도 조직적 준비실용적으로 매우 중요합니다. 합창단에서는 모든 것을 연결하고 고정하고 납땜해야합니다. 명확한 구성으로 문제의 음악적 또는 사회적 측면을 위반해서는 안 됩니다. 조직 기능미세하게 분산, 각 섹션 조직 작업오른손에 넘겨졌습니다. 각 링크는 공통 원인의 이익이라는 이름으로 작업을 지능적으로 조정하고 유익한 예술 활동에 필요한 조직과 규율을 합창단에 확고하게 도입합니다.

종종 규율을 요구하는 지휘자는 너무 엄격하고 너무 많은 것을 요구한다는 비판을 받습니다. 물론 모든 부당한 요구는 비난받아야 한다.

이 문제를 더 깊이 파헤쳐 봅시다.

우리는 경험을 통해 그러한 "요구"가 때때로 어떤 실망스러운 결과를 초래하는지 알고 있습니다. 예를 들어, 개인적인 애정이나 공동 예술 작품에 대한 성실하고 따뜻한 참여를 어떻게 요구할 수 있습니까? 이것은 단지 원할 수 있으며 이것은 요구 사항이 아니라 다른 방법으로 달성됩니다. 우선, 우리는 합창단과 함께하는 지휘자의 모든 작업이 창조적인 행위여야 한다는 것, 예술적 비례감에 의해 통제되는 급증이 준비 과정에서 지휘자의 변함없는 동반자가 되어야 한다는 것을 자신에게 요구해야 합니다. 일과 공연에서.

지휘자는 항상 겉으로 보기에 단정하고 상냥해야 하며 결코 무례함을 허용하지 않아야 합니다.

우리는 합창단의 규율을 외부와 내부로 나눕니다. 외부 규율은 질서이며 모든 공동 작업을 수행하는 데 없어서는 안 될 조건입니다. 이 외적 규율은 다음을 수행하는 데 필요한 내부 규율을 교육하고 확립하는 수단으로 필요합니다. 예술 작품. 외부 규율 유지 관리는 합창단 장과 합창단 장의 직접적인 업무이며 작업에 필요한 외부 질서를 침착하고 합리적으로 설정합니다. 그러나 장로들만이 항상 외적인 권징을 유지하는 일을 돌본다면 이것은 오래가지 못할 것입니다. 지휘자는 합창단에 합리적이고 의식적인 외부 규율을 점진적이고 참을성있게 주입해야합니다. 가수는 지휘자의 부드럽고 지속적인 영향력의 영향을 받아 자신을 훈련하고 외부 훈련이 자신에게 달려 있고 필요하며 그것이 존재하는 경우에만 합창단이 창의적 예술적 능력을 발휘할 수 있음을 분명히 이해해야합니다. 일하다.

외부 규율은 합창단에 진지한 분위기, 예술에 대한 깊은 존경심, 외부 질서 및 집중을 조성하여 합창단을 내부 예술 규율의 영역으로 소개합니다. 따라서 내부 질서의 규율은 외부 규율과 밀접하게 연결되어 있습니다. 그것 없이는 지휘자가 합창단과 함께 그들의 연구를 창의적으로 의미있게 만들기 어려울 것입니다. 창작 작업, 특히 예술적 퍼포먼스는 섬세하고 복잡한 과정입니다. 특별한 집중력, 사려 깊음, 분위기, 깊이가 필요합니다. 진정한 예술적 퍼포먼스를 결정짓는 창조적 고조는 인위적이고 성급하게 불러일으킬 수 없습니다. 그러나 우리는 그 길을 준비할 수 있습니다. 이러한 방법은 외부 규율을 강화하고 작업하는 재료의 기술적 어려움을 극복하는 것입니다. 훈련된 합창단이 이러한 어려움을 극복하면 내부 예술 질서의 규율 영역으로 이어지는 경로가 지워지고, 그 존재만으로도 고양되고 영감이 나타날 수 있습니다.

외부 및 내부 규율의 모든 요구 사항을 주의 깊게 준수해야만 합창단이 영감을 얻고 예술적인 공연을 할 수 있게 되며 합창단의 작품은 진정한 예술 작품이 됩니다.

을 위한 성공적인 작업코라 큰 중요성각 가수의 음악적 재능을 가지고 있습니다. 따라서 신인 가수를 영입할 때 지휘자는 그의 음악적 재능에 충분히 주의를 기울여야 한다. 음악적으로 재능이 있는 가수는 소리의 아름다움에 대한 생각을 가지고 있으므로 그러한 소리를 찾고자 하는 욕구가 있습니다. 올바른 사운드를 찾는 데 지침과 조언이 거의 필요하지 않습니다. 호흡과 소리 형성에 대한 기본 정보를 동화함으로써 음악적으로 재능있는 가수는 극소수의 연습을 통해 빠르게 좋은 결과를 얻습니다. 합창단에 음악적으로 재능있는 가수가 많을수록 합창단이 지휘자의 요구 사항을 더 쉽게 이해하고 인식할수록 작업에서 더 많이 성공합니다.

리허설 횟수와 기간에 대한 두 단어. 수년간의 연습을 통해 우리는 아마추어 합창단의 최소 리허설 횟수가 주당 2회라는 결론에 도달했습니다. 일주일에 한 번의 리허설을 통해 수행 한 작업의 결과는 다음 작업에서 거의 완전히 소멸되고 습득 한 기술이 부드러워집니다. 이러한 조건에서 결과가 느껴지지 않고 가수는 일에 관심을 잃습니다.

전문 합창단은 매일 연습해야 합니다(주말 제외). 리허설 시간은 2시간 30분을 초과해서는 안 됩니다. 첫 번째 부분은 1¼시간, 나머지는 ¼시간, 두 번째 부분은 1시간입니다.

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* 합창단 구성 문제를 고려할 때 P. G. Chesnokov는 특정 유형의 합창단의 예술적 및 공연 능력을 특징 짓지 않습니다. (S. Popov의 메모).

* 우리는 "전체 합창단"과 "불완전 합창단"이라는 용어의 독특한 사용에 주의를 기울입니다. "불완전"으로 - P. G. Chesnokov는 작은 합창단을 의미하고 "전체"합창단은 합창 부분을 그룹으로 나눌 수있는 합창단입니다. 이것은 위의 용어에 대한 현재 허용되는 이해와 상반됩니다. "불완전"은 소프라노, 알토, 테너 파트로 구성된 합창단과 같이 합창 파트가 하나도 없는 합창단을 말합니다. "Complete"는 숫자 구성에 관계없이 모든 합창 부분(소프라노, 알토, 테너 및 베이스)이 있는 합창단으로 간주됩니다. (S. Popov의 메모).

음악 연습에는 "편곡"이라는 용어와 의미가 유사한 다른 개념이 있습니다. 녹음, 처리, 조화, 오케스트레이션 또는 오케스트라 편곡입니다.

합창 편곡은 고유 한 특징. 어떤 작품의 편곡을 시작하기 전에 편곡자는 작품이 의도한 공연 스태프에게 좋게 들릴지, 작품의 예술적 가치에 관한 중요하고 필수적인 것이 남아 있는지 확인해야 합니다. 또한 이 요구 사항은 보컬 또는 도구 작업합창 장르로. 예를 들어, 로맨스에서 시적 텍스트는 종종 1인칭으로 ​​제공되므로 집단 공연에는 허용되지 않습니다. 로맨스 장르는 미묘한 아고직(템포)과 다이내믹한 색조가 필요하며, 이는 합창 연주에서 큰 어려움을 겪으면서 달성된다는 점을 잊지 말아야 합니다.

편곡은 우선 편곡자에게 주로 재능과 직관이 요구되는 창작 과정으로 왜곡되지 않도록 선을 넘지 말아야 할 척도를 이해하는 것이다. 저자의 의도. 이와 관련하여 주요 작업은 음악적 주제 소재, 모달 구조, 조화로운 언어, 리듬, 템포, 문학 텍스트. 작품을 다른 조로 조옮김하면 전체적으로 색채가 변하는 것으로 알려져 있다. 더 높은 일더 가볍고 더 가볍고 더 낮은 황무지에서 그렇게 표현력이 없습니다.

합창 편곡의 주요 요건은 편안한 테시투라의 규칙을 따르는 것입니다. 노래하는 목소리는 작업 범위와 작업 음표 영역에 있어야 합니다. 작동 범위는 상위 및 하위 사운드를 포함하지 않는다는 점에서 전체 범위와 다릅니다.

일반적으로 고려하고 전형적인 방법준비. 경우에 따라 배열이 제한될 수 있습니다. 최소한의 변화원래의. 예를 들어 멜로디 라인이 더 생생하고 표현력 있고 과도한 부담없이 연주되도록 개별 멜로디 턴을 다른 합창단으로 이관합니다.

일부 음정 하모니 배열의 특징에 대해 말해야합니다. 합창 소리의 특수성은 편리한 음역에서 모든 인게르발이 일반적으로 훌륭하고 고귀하게 들린다는 것입니다. 이것은 피아노에서 공허하게 들리는 4도, 5도, 옥타브와 같은 음정에도 적용됩니다. 합창 음색에서 이러한 협화음은 완전히 다른 색을 가지므로 2성 악보에서 자유롭게 사용할 수 있습니다.

두 부분으로 구성된 동종 합창단 편곡

균질 합창단을 일반적인 구성으로 표현하면 여성 합창단- 소프라노와 알토, 남성 합창단 - 테너와 베이스, 그런 다음 필사본에서 원칙적으로 균질 합창단의 음조가 보존됩니다.

동종 합창단이 두 개의 높은 성부(소프라노 I 및 II 또는 테너 I 및 II)로 구성되어 있는 경우 혼성 합창단으로 편곡할 때 일반적으로 장3도를 초과하지 않는 편리한 음정으로 조옮김해야 합니다. 동질적인 합창단이 두 개의 낮은 성부로 구성되어 있으면 상향 조옮김이 필요합니다.

2성 동종 합창단에서 3성부의 요소를 포함하는 경우 3성부가 모두 이중화됩니다. 상위 성부에서 두 부분으로 나누는 분할이 수행되면 소프라노 I은 테너 I, 소프라노 II는 테너 II, 알토 베이스로 두 배가 됩니다. 낮은 성부의 디비시에서 소프라노는 테너, 알토스 I은 베이스 II로 배가됩니다. 여기서는 다른 키로의 전환이 필요하지 않습니다.

1. 혼성 합창단의 악보는 세 성부 모두를 두 배로 만들어서 구성됩니다.
2. 혼성 합창단의 악보는 동종 합창단의 3성부 중 2성을 더블링하여 구성됩니다.
3. 혼성 합창단의 악보는 동종 합창단의 목소리 중 하나를 더블링하여 구성됩니다.

II 방법:

두 번째 방법에 의한 편곡에서는 일반적으로 단일 합창단의 조성이 보존됩니다. 그러나 동질 합창단의 최고 성부(소프라노 또는 테너)에 디비시가 있으면 조옮김이 필요합니다. 그렇지 않으면 혼성 합창단의 알토가 매우 높아집니다.

III 방법:

여성 합창단에서 필사할 때

에서 번역할 때 남성 합창단

이러한 편곡의 주요 방법은 작품의 조성을 유지하면서 동질적인 합창단에서 목소리의 편곡을 변경하는 것입니다. 합창 연습에서는 동종 합창단의 음성 범위에 대한 제한이 적용되지 않기 때문에 가장 큰 분포를 받았습니다.

이 방법은 동질적인 합창단의 목소리가 밀접하게 배치된 경우에 가장 편리합니다. 이 경우 혼성 합창단을 편곡하면 코드의 성부가 고르게 분포되어 완전하고 통일된 사운드를 얻을 수 있습니다.

균일한 합창단의 음성이 광범위하거나 혼합되어 편곡되면 합창 부분 사이에 바람직하지 않은 간격이 필사본에 형성되어 악보의 음질이 저하될 수 있습니다. 이러한 끊김 현상을 방지하기 위해서는 (보이싱과 테시투라의 조건에서 가능하다면) 동종 합창단의 화음에 있었던 음정 관계를 유지하거나 화음의 중간 성부를 재배치하여 중단이 발생하지 않거나 중단점에서 다섯 번째 음성을 소개합니다.

이런 식으로 표기할 때 동질적인 합창단의 화음에서 성부가 교차하면 성부 사이에 틈이 생길 수도 있습니다. 이러한 경우 끊김을 피하기 위해 중간 성부를 바꿀 필요가 없습니다. 동질 합창단에 있었던 것과 같은 편곡을 유지하는 것이 필요합니다.

이 배열 방법은 차분하고 서두르지 않는 작품과 관련하여 더 적합하다는 점을 기억해야 합니다. 이 경우 합창 범위를 한 옥타브 확장하고 음성 배열을 변경해도 사운드 특성에 악영향을 미치지 않습니다.

작업이 빠른 속도로 수행되고 짧은 기간이 우세한 경우 정반대의 다른 결과를 얻을 수 있습니다. 공연에서는 움직이는 템포와는 다른 어색함과 무거움이 나타날 수 있습니다. 따라서 이러한 편곡의 경우 질감의 변화가 편곡의 예술적 가치에 악영향을 미치는 작품을 취할 필요는 없습니다.

다른 방법이 있지만, 동종 합창단의 두 하위 당사자의 범위를 제한해야 하기 때문에 실제로는 드뭅니다.

4부 혼합을 위한 호모포닉-하모닉 웨어하우스의 3부 동종 합창단 편곡

동종 합창단의 음색을 옥타브 단위로 두 배로 만들어 혼성 합창단을 구성했던 이전 유형의 편곡과 달리 이 유형의 처리에는 각 음색이 고유한 멜로디 라인을 갖는 4성부 악보 생성이 포함됩니다. . 이 방법은 3부 합창단이나 개별 구성이 호모포닉-하모닉 창고에 제시될 때 적용될 수 있습니다. 서브보컬이 발달한 합창단은 4개의 보이스 하모닉 질감이 서브보컬 웨어하우스 고유의 특징적인 색상을 왜곡할 수 있기 때문에 이러한 편곡에 사용해서는 안 됩니다.

여성 합창단이 녹음되면 베이스로 전달되는 낮은 목소리가 한 옥타브 낮게 들립니다. 남성 합창단을 편곡하면 소프라노 파트로 옮겨진 위쪽 합창단이 한 옥타브 더 높아집니다.

혼성 합창단(알토와 테너)의 중간 성부는 4성부 화음의 하모니를 빠진 소리로 채우는 것을 기본으로 성부 선도의 규범에 따라 형성된다. 이 경우, 동종합창단의 중간음부가 반드시 혼성합창단의 중간음부 중 하나로 변경되지 않아도 됩니다.

화음의 선율적 위치, 형식, 화음 기능은 변경할 수 없습니다. 화음의 충만함과 화음의 성부 배열만이 바뀔 수 있습니다. 종종 3성부 작품에서 토닉은 6화음으로 표현됩니다. 4성부 혼합 악보에서 이 6번째 코드는 주요 유형의 코드로 대체됩니다.

혼성 합창단을 위한 다양한 음색의 동종 합창단 편곡

이러한 배열은 조합을 기반으로 이루어집니다. 다양한 방법이전에 고려했습니다. 단일 성부 구성, 2성부 및 3성부의 요소가 있는 2성부는 동종 합창단의 음성을 한 옥타브 배가해야 합니다. 3성부 에피소드에서 편곡의 두 가지 가능성이 발생할 수 있습니다. 합창 부분의 옥타브 더블링 또는 3성부 코드를 4성부 프리젠테이션으로 교체하여 혼합 합창단의 각 음성이 독립적인 멜로디 라인을 갖게 됩니다. .

하나 또는 다른 방법의 선택은이 구성의 기능에 따라 다릅니다.

4부 혼성 합창단을 4부 동질성으로 편곡

4부 동질 합창단을 위한 4부 혼합 합창단 편곡의 특징은 음역과 음색 표현이 더 풍부한 구성에서 작업이 더 겸손한 수단과 가능성을 가진 합창 구성으로 옮겨진다는 것입니다. 따라서 혼성 합창단을 위해 작곡된 모든 작품이 예술적 내용에 대한 편견 없이 동질적인 구성으로 편곡될 수 있는 것은 아닙니다.

1. 코러스는 긴밀한 편곡으로 설정됩니다.
2. 코러스는 넓은 편곡으로 설정됩니다.
3. 코러스는 가변 배열로 설정됩니다.
4. 합창단은 위치에 관계없이 복잡하게 발전된 형식으로 작성됩니다.

합창 문학에는 혼성 합창단을 위한 작품이 있는데, 처음부터 끝까지 긴밀한 편곡이 지속되고 있다. 더 자주 이들은 마침표 형태의 작은 구조입니다. 여성 합창단을 위해 이러한 혼성 합창단을 편곡하려면 다음 구성표에 따라 키를 1초 또는 3분의 1로 올리고 음성을 전송해야 합니다.

이러한 기어 변경으로 코드의 반전이 때때로 변경됩니다. 남성 합창단을 위한 명명된 형태의 혼성 합창단을 위해 작곡된 작품을 편곡할 때, 보통 작품의 키를 5/6로 낮추어야 하며(전문 남성 합창단의 경우), 아마추어 합창단옥타브까지.

이러한 구성은 합창 문학에서 드뭅니다. 일정한 밀착 편곡이 있는 작품과 마찬가지로 성부가 일정하게 넓은 편곡을 하는 합창단은 대개 합창 미니어처의 형태로 제시됩니다. 조를 바꾸지 않고 넓은 편곡을 가까운 편곡으로 바꾸어 균일한 구성을 위한 편곡을 한다.

예외적으로 전문 남성 합창단을 위한 편곡은 작품의 조성이 약간 증가할 수 있습니다. 아마추어의 음조는 소프라노 부분의 고음에 따라 달라집니다. 첫 번째 옥타브의 "fa"보다 높아서는 안됩니다.

다양한 목소리 배열을 가진 혼성 합창단을 위한 작품은 합창 문학에서 가장 자주 발견됩니다. 이런 종류의 악보를 동질적인 구성으로 배열할 때 남성 및 여성 합창단의 키를 선택하는 문제가 발생합니다.

사실은 넓고 가까운 배열을 모두 포함하는 작품에서 더 이상 합창 미니어처가 아니라 더 많은 작품입니다. 대형, 합창단의 극한 음역 또는 개별 부분을 포함하여 합창단의 전체 범위를 사용할 수 있으며, 이는 대부분 위 또는 아래로 변경할 수 없는 것으로 판명됩니다.

따라서 원본의 톤을 유지하는 것이 바람직합니다. 그러나 보존 된 음조는 합창단의 한 구성과 다른 구성의 음역 사이에 지속적으로 불일치를 초래합니다. 따라서 후자의 동질적인 구성을 위해 성부의 가변적인 편곡으로 혼성 합창단을 편곡할 때 화음의 성부 수를 줄여서 3성부, 2성부, 때로는 1성부로 줄여야 하는 경우가 많다. , 필링 코드 소리가 상위 성부 위에 위치하지 않고 임의의 4분의 1음 코드를 형성하지 않도록 합니다.

음성 인도의 부드러움을 주의 깊게 모니터링할 필요가 있으며, 이를 준수하는 것은 원본에서 가깝고 넓은 배열의 지속적인 변화로 인해 발생하는 추가적인 어려움과 관련이 있으며, 각각은 동종 합창단 내에서 음성 배열의 재구성이 필요합니다. 우리는 끊임없이 작가의 목소리의 행위에서 벗어나고, 다시 그것으로 돌아와야 한다.

혼성 합창단을 위한 작품이 확장된 대규모 캔버스의 성격을 가지고 있는 경우, 원칙적으로 표시된 공연 그룹의 능력 차이로 인해 여성 작곡과 남성 작곡 모두 해당 작품을 편곡할 수 없습니다. .

3부 동질성을 위한 4부 혼성 합창단의 편곡

이러한 전송은 다음과 같이 수행됩니다. 혼성 합창단의 고음부의 멜로디 라인이 완벽하게 보존되어 동종 합창단의 고음부로 옮겨진다. 남성 합창단을 위한 편곡이라면 소리의 옥타브만 바뀔 수 있습니다. 동종 합창단의 다른 두 성부는 혼성 합창단의 다른 세 성부의 하모닉 사운드를 기반으로 형성되며, 코드에서의 새로운 위치를 고려합니다.

혼성 합창단의 낮은 세 성부 중 하나를 단일 합창단의 악보로 정확하게 옮기는 작업을 스스로 설정하는 것은 불가능합니다. 이러한 목소리를 온전하게 유지하려는 욕구는 균질한 합창단에서 열악한 화음 소리로 이어질 수 있습니다. 3성부 악보에서는 4성부 악보와 비교하여 화음의 형태를 보존할 필요도 없습니다. 이 경우 더 중요한 것은 화음에서 성부의 올바른 배열입니다. 3성부 버전의 종지 전환은 편곡 측면에서 보다 자유로운 접근을 허용합니다. 예를 들어, 마지막 으뜸음과 그 앞에 오는 딸림음은 그들의 반전으로 표현될 수 있습니다: 으뜸 6화음과 딸림 2화음(불완전). 4성부 화음을 3성부 화음으로 대체할 때 고조파 소리의 완성도가 어느 정도 손실될 때 이 화음에서 하모니의 채색, 특정 색상은 직접적으로 다릅니다.

명명된 유형의 전치에서 가장 중요한 작업 중 하나는 올바른 선택멜로디 라인과 새로 형성된 낮은 목소리 사이의 간격. 이 음정은 해당 4성부 화음의 화음 색상을 가능한 한 정확하게 재현해야 합니다. 예를 들어, 토닉 3화음 해상도의 도미넌트 7th 코드(3도 위치)가 2성부로 대체되면 토닉 6도 해상도의 확대 쿼트가 가장 잘 들립니다.

지배적 인 일곱 번째 코드와 그 반전을 2 음성 사운드로 대체하면이 코드의 가장 특징적인 사운드 인 일곱 번째를 보존하는 것이 바람직합니다.

2성부 합창 작곡으로 녹음할 때 필요한 음정의 선택은 혼성 합창단의 4성부 화음의 선율적 위치에 크게 좌우됩니다. 예를 들어, 오프닝 톤의 멜로디 위치에 지배적인 두 번째 코드가 있는 경우 이 코드는 증4도로 대체하는 것이 가장 좋습니다.

5도 또는 기본음 위치에서 지배적인 2도 코드를 사용하면 증가된 4도 대신 큰 6도(1) 또는 큰 두 번째(2)가 들립니다.

4부 혼합 합창단을 2부 동종 합창단에 대해 녹음할 때 3화음과 반전의 조화로운 색상은 완전한 음정으로 가장 잘 전달됩니다: 3도, 6도, 덜 자주 소수점 지배적 인 그룹의 일곱 번째 코드를 2 음성 사운드로 대체 할 때 메이저 세컨드, 마이너 세븐, 트리톤, 덜 자주 여섯 번째 및 세 번째가 널리 사용됩니다.

하모닉 창고 작품의 빈 소리 간격(4도 및 5도)은 소절의 약한 박자에 가장 잘 사용됩니다. 음악 구성 중간의 강한 비트에서 쿼트는 지연 형태로 더 자주 사용됩니다. 마지막 회전에서 네 번째와 다섯 번째는 즉각적인 소리로 사용됩니다. 쿼트는 일반적으로 케이던스 4분의 6화음과 종지 지배적인 퀸트의 하모니를 재현하며 최종 토닉으로 해결됩니다.

4분음표와 5분음표는 다른 음정과 함께 러시아 민요의 2성부 연주에서 다양한 방식으로 사용됩니다. 여기에서 사용 범위가 크게 확장됩니다. 이 음정의 특징적인 색상은 러시아 민속 음악의 하위 보컬 창고에 내재된 특별하고 흉내낼 수 없는 색상을 사운드에 제공합니다.

특정 구성 및 합창 음악의 특정 구성으로서의 합창단 유형의 개념. 합창단 유형. 그들의 보컬 기술 및 연주 능력의 특성. 예.

합창단 유형. 합창단의 종류를 결정하고 합창 악보. "합창단"이라는 용어의 정의. 해당 솔로가 포함된 전체 합창 파트 세트 노래하는 목소리. 합창단의 양적 구성 및 관련 연주 가능성. 다양한 유형의 합창 작곡의 예.

합창단 위치에 대한 다양한 옵션.

주제에 대한 용어:

동종 합창단- 동일한 유형의 음성(남성, 여성 또는 어린이)으로 구성된 합창단.

어린이 합창단-동종의. 일반적으로 6세에서 15세 사이의 주니어, 미들, 시니어 합창단이 있습니다.

불완전한 합창단- 파트가 없는 혼성 합창단.

혼성 합창단- 소프라노, 알토, 테너, 베이스의 4부분으로 구성된 합창단.

위탁품- 같은 목소리로 노래하는 합창단의 일부.

분할(분할) - 음악 용어, 합창단의 점수에서 한 파티를 둘 이상으로 나누는 것을 나타냅니다.

7. 합창단을 만드십시오.

"음악 구조"의 개념 정의. 다양한 형태의 등장과 변형의 역사적 측면 음악 시스템음계라고합니다.

합창단의 구조는 합창 음향의 주요 요소 중 하나입니다.

"존 시스템"의 개념 공개. 과학 연구에서 P.G. Chesnokov의 주요 결론 확인 및 보컬 시스템의 영역 특성에 대한 Academician N.A. Garbuzov의 작업.

멜로디(수평) 및 하모닉(수직) 튜닝. 모달 성향의 인식과 단계 및 간격의 구역 억양 법칙을 통해 합창 부분의 소리에서 조화를 이루는 멜로디 구조. 하모닉 시스템과 멜로디 시스템과의 관계. 코드 인토네이션. 가수의 청각 데이터 개발. 성대 청력의 활성 특성과 근육 감각과의 관계. 호흡과 조율, 보컬과 조율의 관계. 악보, 템포, 강약 등의 음악적 표현 수단에 따른 순서 성취의 의존 작업 조건 및 기타 외부 요인으로 인한 순서 성취의 어려움.

주제에 대한 용어:

코러스 시스템- 노래의 억양 순도를 결정하는 합창 음파의 주요 요소 중 하나.

인토네이션- 음악의 의식적인 재생산. 목소리나 악기 소리. 정확한 인토네이션은 모달 연결에 의존합니다.

포크- 튜닝시 피치의 기준이 되는 음원장치 악기그리고 노래에서. 첫 번째 옥타브의 기준 톤 주파수는 440Hz입니다.

합창단의 앙상블.

구조 및 조직을 포함하여 다양한 의미에서 앙상블의 개념. 합창 음향의 주요 요소 중 하나 인 앙상블. 앙상블의 심리적 기반. 앙상블은 비공개이며 공유됩니다. 앙상블의 기술적 유형: 음질(보컬), 강도(다이내믹), 시간(리듬, 템포). 앙상블 및 튜닝 의존성. 보컬 위치, 조음 형식 및 음색의 통일성으로서의 보컬 앙상블. 다이나믹 앙상블에는 자연 및 인공 앙상블, 다양한 질감의 앙상블, 솔리스트와 합창단의 앙상블, 합창단 앙상블 및 기악 반주가 포함됩니다. 리듬 앙상블, 메트로 리듬, 템포, 질감 등에 의존합니다. 템포 앙상블. 예술 앙상블, 기술 앙상블에 미치는 영향.

주제에 대한 용어:

합창단 앙상블(앙상블 - 함께) 합창 음파의 주요 구성 요소 중 하나입니다.

음악의 역학- 소리의 강도, 크기 및 변화.

속도- 음악에서 미터법 부분의 교대 속도. 템포는 연주자의 성격뿐만 아니라 캐릭터, 스타일, 장르와 밀접한 관련이 있습니다.

미터- 음악에서 강박과 약박의 교대 순서.

메트로놈- 악곡의 템포를 결정하는 장치.

율- 임시 조직 음악 소리그리고 그들의 조합.

당김- 미터법 스트레스와 리듬 스트레스 사이의 불일치.

반주- 하나 이상의 악기와 솔로 파트의 오케스트라(가수, 악기 연주자, 합창단)의 반주.

조직-창고, 뮤지컬 패브릭 장치, 요소 세트. 그리고 질감의 요소, 구성 요소: 멜로디, 반주, 저음, 중간 음성 및 저음. 질감은 매우 다양할 수 있습니다: 호모포닉, 하모닉, 폴리포닉 등

상태 교육 기관 RF

K.D.Ushinsky의 이름을 딴 Rostov Pedagogical College

주석

혼성 합창단 아카펠라를 위한 합창 작업

R. 슈만 "밤의 침묵"

완료: 그룹 41의 학생

사푼코바 베라

강사: Pyasetskaya T.I.

로스토프, 2008

로베르트 알렉산더 슈만(1810-1856)은 독일의 작곡가, 피아니스트, 음악 평론가였습니다. 책 출판사의 집안에서 태어났다. 1828년 라이프치히 대학교 법학부에 입학했다. 또한 Friedrich Wieck(1830)에게 피아노를 배웠다. 1829년 슈만은 하이델베르크 대학교로 편입하여 1830년에 떠났습니다. 대학에서 공부하는 동안 그는 뮌헨으로 여행하여 하이네를 만났고 이탈리아도 방문했습니다. 그는 Dorn과 함께 작곡과 편곡을 공부하기 시작했습니다. 1834년에 그는 New Musical Newspaper를 창간했습니다. 1840년에 슈만은 클라라 비크와 결혼했습니다. 1850년에 그는 합창단과 심포니 지휘자. 1856년, 정신 병원에서 2년 동안 성공적이지 못한 치료를 받은 후 슈만은 사망했습니다.

독일 낭만주의 미학의 대표자. 소프트웨어 제작자 피아노 사이클( "나비", 1831; "카니발", 1835; " 판타지 연극", 1837; "Kreisleriana", 1838), 가사 드라마틱 보컬 사이클 ( "시인의 사랑", "노래의 원", "여성의 사랑과 삶", 모두 1840); 낭만주의 발전에 기여 피아노 소나타및 변주곡("Symphonic Etudes", 2판, 1852). 오페라 "Genoveva"(1848), 오라토리오 "Paradise and Peri"(1843), 4개의 교향곡, 피아노와 오케스트라를 위한 협주곡(1845), 실내악과 합창 작곡, J. Byron의 극적인 시 "Manfred"를 위한 음악(1849) . "음악가를 위한 생활 규칙"을 썼습니다.

합창 작품 - "좋은 밤", "밤의 침묵", 괴테의 "레퀴엠", "파우스트 장면", 합창단과 오케스트라를 위한 "장미의 방랑", "남자 합창단", "흑적금" ". 또한 그는 하이네와 괴테의 시, 만프레드의 드라마틱 코미디 음악을 포함하여 130곡 이상의 노래를 작곡했습니다.

R. Schumann은 낭만주의에 속하며 미니어처에 대한 욕구가 특징이며 이러한 미니어처는 음악이 작곡가의 감정, 생각, 경험을 표현하는 "Night Silence"입니다.(음악 응용 프로그램)

밤이 되면 벨벳 하늘의 별들은 잠들지 않고,

강물에 비친 그들은 타오른다.

모든 것이 조용하고 조용하며 모든 잎사귀가 잠들었습니다.

밤의 공기는 맑고 깨끗합니다.

달은 은빛을 지구에 쏟아 붓습니다.

이른 아침 새벽이 가깝다

그리고 태양의 황금빛 광선이 빛날 것입니다.

지구 위의 태양 빛.

합창 장르: 아카펠라 합창단

작품의 장르: 합창 미니어처.

뮤지컬 형식.

음악 형식: 1부

주제별 분석

뮤지컬 테마: 첫 번째 문장(1-8톤) - 다른 것과 비교하여 대조되는 테마, 뮤지컬 형식테마, 복잡한 멜로디 언어(멜로디의 점프로 인해 복잡함), 아름답고 밝은 멜로디에는 유사성이 없습니다.

작문 스타일: 작문 스타일 - 동음이의 조화가 우세한 혼합. 바 1-11 - 쓰기의 동음이음-고조파 창고, 바 12-14 - 다성음(모방)의 요소, 그 다음 끝까지 - 동음이음-고조파.

라도토날 계획.

주요 키는 Es-dur입니다.

음조 편차 - 하위 영역의 편차가 우세합니다. 구조에 따라 3개의 문장(첫 번째 -7절, 2절 -7절, 3절 -11절)과 추가(4절)로 구성됩니다.

메트로리듬

리듬: 일반적으로 리듬 패턴은 상당히 복잡합니다. 특징적인 리듬 수치 - 점선 리듬, 세 쌍둥이. 모든 당사자의 리드미컬한 움직임의 기본은 점선 리듬(그림 1)(점이 있는 8번째 및 16번째)입니다. 22-23m에서 소프라노, 알토, 테너(트리올리)의 리듬 조각화가 절정에 이를 때 움직임을 활성화합니다. 테너, 소프라노, 알토가 셋잇단 소리를 내는 에피소드(21마디)가 있다.

크기: 3/4. 애가에서 합창 미니어처슈만은 말하자면 왈츠의 메아리, 일종의 왈츠로 들립니다. 따라서 새벽 자연의 밤에 자연의 분위기를 전달합니다. 전체 미니어처에서 크기는 변경되지 않습니다.

조화로운 언어. 다채롭고 풍부한 조화 언어는 밤 자연의 그림을 반영하며 구조가 복잡하고 밝고 동시에 가볍고 부드러운 음성 조합이 매우 풍부한 조화 언어를 형성하며 테너, 알토 및 소프라노의 조합이 특히 아름답습니다. 그리고 부자.

음성 선도. 선율 패턴의 점진적이고 부드러운 선율적 전개는 이 합창 작품의 평화 또는 명상의 비유적 영역에 해당합니다. 1-7절의 작업 시작 부분에서 멜로디가 경련적이지만 이것은 1문장의 텍스트를 다소 강조합니다. 멜로디는 표현력이 풍부하며 비 유적-감정적 균형의 처음 두 문장으로 강조됩니다.

거의 전 작품에 걸쳐 소프라노 점프와 같은 선율이 나타나는데, 18절에서 23절까지 소프라노가 1절과 2절로 나누어지는 것이 특징적이다.

Altos는 부드러운 멜로디 라인이지만 점프(4분의 1)도 있습니다.

Tenora는 모방, 소리의 노래, 하나의 소리로 노래하는 요소가있는 점프하는 멜로디 라인입니다.

베이스 - 하나의 사운드를 유지하는 부드러운 멜로디 라인 28-29톤에서 베이스와 옥타브로 나뉩니다.

템포: 조용하고 평화로운 안단테 템포. Agogic 편차 - 23 권의 fermata.

역동성: pp 및 pp 역학의 거의 완전한 우세는 실제로 밤의 정적과 완전한 평화의 느낌을 만듭니다. 조명이 켜진 텍스트 ( "이른 아침 새벽이 가까워졌습니다 ...")에서 새벽 전 감각이 발생합니다. 태양 색상클라이맥스(tt. 22-23)에서 "태양은 지구를 비추고 있다." 모든 음악적 표현 수단은 최고점을 달성하는 것을 목표로 합니다: 움직임을 활성화하기 위한 리듬의 단편화, f로의 크레센도, 음색의 수를 증가시켜 질감의 압축(A는 A1과 A2로 나뉩니다), S1에서 상향 이동, 강한 비트(페르마타 포함)에서 D 키의 4번째 코드가 있는 입문 7번째 코드, 디미누엔도에서 ppp까지 부드러운 해상도(예: 1)

합창 분석

코러스 유형: 혼합.

로트 범위

Basses(si subcontroctaves), 소프라노(la 2nd octave)는 tessitura 불편함을 가지고 있습니다. 이로 인해 합창단과 함께 작업할 때 허가가 필요한 이러한 부분에 대한 보컬 및 합창 문제가 발생합니다. 합창 악보 음성의 테시투라 비율의 불균일성은 비 앙상블 하모니의 인위적인 동적 "정렬" 작업을 수반할 수 있습니다.

앙상블: 자연스러운 앙상블(모든 부분에서 균형 잡힌).

튜닝: 수직(고조파)

보컬 어려움: 소프라노 - 1,2,4,5 마디에서 5번째, 6번째 B 및 M으로 큰 점프, 2옥타브 중 19번째 마디, 상승 및 하강 멜로디 점프 성능의 위치 불균일성, 17,18 마디에서 우세 1과 2 소프라노로 19 분할, 삼중 항의 22 소절과 페르마타의 23 소절, 26.27 소절에서 반음계 움직임이 있습니다-6 번째, 다섯 번째로 점프합니다. 이런 종류의 성악적 어려움은 작품을 '노래'하는 과정에서 극복된다. 합창 연주는 능동적이지 않으면 불가능하다. 노래하는 숨결, 보컬의 어려움뿐만 아니라 시스템의 어려움도 극복합니다. ALT - 다섯 번째, 여섯 번째로 점프가 있는 4,5,18,25 바를 제외하고 전체 작업에서 위치 균등성. 17, 20, 21, 22, 23절에서는 1번과 2번 알토로 구분되며, 페르마타의 23번 마디에서는 반음계 움직임이 발생합니다. 이런 종류의 성악적 어려움은 작품을 '노래'하는 과정에서 극복된다. 보컬의 어려움뿐만 아니라 시스템의 어려움도 극복하는 도움으로 적극적인 노래 호흡 없이는 합창 공연이 불가능합니다. TENOR - 전체 부분의 위치 균일성, 4,14, 6분의 25 소절에 점프가 있음, 4번째, 반음계 이동(예: 2), 우발적, 어려움 - 지속 시간의 16분의 1, 개별 소리의 노래. 이런 종류의 성악적 어려움은 작품을 '노래'하는 과정에서 극복된다. 보컬의 어려움뿐만 아니라 시스템의 어려움도 극복하는 도움으로 적극적인 노래 호흡 없이는 합창 공연이 불가능합니다. BASS - 24,25,28,29 소절을 제외한 부품의 위치 균일성. 28.29 소절에서 B 카운터 옥타브는 베이스에 낮습니다 점선 리듬, 반음계 움직임 없음. 이런 종류의 성악적 어려움은 작품을 '노래'하는 과정에서 극복된다. 보컬의 어려움뿐만 아니라 시스템의 어려움도 극복하는 도움으로 적극적인 노래 호흡 없이는 합창 공연이 불가능합니다.

이러한 어려움을 극복하기 위해서는 느린 템포는 특히 아카펠라 연주에서 조율에 도움이 되지 않으며, 빠른 속도국가적으로 불편한 순간의 공연을 복잡하게 만듭니다. 따라서 리허설 작업 과정에서 서로 다른 템포를 번갈아 가며 지휘자의 손을 따라 리듬을 벗어나 수직으로 개별 선율이나 코드 연결을 구축해야 합니다. 실행은 시스템 검증에 기여합니다. 닫힌 입, 공연자의 청각 통제가 가까워집니다. 조용한 소리의 우세는 호흡의 역할을 약화시키고 공연에서 강한 보컬 지원 감각을 잃을 수 있으므로 다른 역학에서 작품이나 그 단편을 번갈아 가며 다른 보컬 스트로크를 사용하는 것이 좋습니다.

호흡: 느린 템포의 긴 악절이 우세하므로 연쇄 호흡이 주로 사용됩니다. 9,10,23 마디에서 일시정지 시 숨쉬기, 18~22 마디에서 음악이 절정으로 빠르게 이동하는 것과 관련된 짧은 호흡도 있어 보컬 및 합창 기술에 어려움이 있습니다. 부분의 문구와 긴 일시 중지.

사운드리딩의 본질과 사운드의 어택: 사운드리딩은 부드럽고, 부드러우며, 레가토 사운드의 특성은 가볍고, 부드러우며, 부드러우며, 투명하고, 모아지고, 덮이고, 깔끔하며, 밤의 평화와 고요함의 느낌을 전달하지만, 끝은 더 포화되고 밝고 맑고 가벼워 절정으로 이어집니다. 건전한 과학과 건전한 공격은 노래하는 호흡과 불가분의 관계가 있습니다. 마디 1-7에서 S, A, T에 대한 그룹 전체 호흡, 8-11 및 14-18톤에 대한 그룹 전체 호흡 S, A, T, B에 대한 그룹 전체 호흡 18-22에서 S 및 ㅏ.

노래하는 호흡의 본질은 차분하고 끈기 있고 가볍습니다. 23절의 특징은 전체 합창단을 위한 페르마타입니다.

사전의 어려움: 사전은 이미지를 드러내는 데 중요한 역할을 합니다. 텍스트는 부드럽게 발음되어야 하며 노래하는 목소리로 "r"을 과장된 단어(예: 벨벳, 반사, 새벽 등)로 발음하고 "t"로 끝맺는 문구(잎, 수면, 화상, 청소, 새벽 등) .), 세 쌍둥이 "그리고 태양의 황금빛 광선이 깜박일 것입니다"가있는 22 소절에서 텍스트의 빠른 발음, 유성 자음의 명확한 노래. 베이스에서는 마지막 2 소절에서 입을 다물고 소리를 부릅니다. 작업이 느리고 구가 길기 때문에 단어 분리 및 결과적으로 문자 손실을 방지하기 위해 "e"와 "a"의 감소가 사용됩니다. 예: Night-yuzvez dynabar-hat-nomne-bene-sleep. 모음이 노래되고 단어 끝의 자음이 귀머거리로 발음됩니다.

음성의 음색과 그 뉘앙스의 무한한 다양성은 텍스트 발음의 특성, 노래의 비 유적 및 의미 론적 구체화에 따라 다릅니다. 이 앙상블 작업은 합창단을 독특한 "말하는" 악기로 특징짓는 가장 중요한 연주 수단 중 하나입니다.

어려움을 지휘

밤의 자연과 그 아름다움, 평화와 고요함의 이미지를 레가토 위에 작고 부드러운 몸짓으로 전달하기 주지휘자의 어려움: 몸짓의 작은 진폭, 붓의 움직임, 점박이 리듬, 3박자의 지속음, 도입부 8소절의 베이스 부분, 11소절 뒤편에서 소프라노와 알토 "밤의 공기"가 3번째 박자에 들어가고, 12번째 소절에서 테너의 항목이 정확하게 표시되어 항목의 정확성인 동시발음 요소가 생성됩니다. 일시 중지 후 8,9,10 소절의 손을 따라, 트리플렛의 22번째 소절에서 진폭을 증가시키는 능동적 제스처를 사용한 시연, 역학 변경, 따라서 접근할 때 진폭이 증가하는 보다 활동적인 제스처로의 제스처 climax, fermata, "p"와 "t"로 끝나는 - 제스처의 정확한 제거 및 감소, 부드러움, 끝을 p에 남깁니다. 릴리스 및 보조 장치는 지연 시 부드럽고 반동은 가볍고 부드럽습니다.

결론: 이 합창 작품에서 음악은 문학 텍스트. 말과 소리 모두 밤 자연의 아름다움, 평화와 고요함을 전달합니다. 텍스트와 동적 음영이 매우 잘 결합됩니다. p에서 f로 이동하면서 작곡가는 먼저 밤의 평화를 묘사한 다음 아침의 도래와 밤의 잠에서 깨어나는 자연을 묘사합니다. "태양은 황금빛 광선, 태양은 빛이다" 이 말은 우리 삶에서 태양의 중요성을 반영하기 때문에 전체 작업의 정점입니다. 또한 작곡가의 시설에 의해 명확하게 강조됩니다. 음악적 표현력: 역동적인 전환, 음색, 멜로디, 풍부한 하모니, 적당한 속도, 어려운 리듬. 이 작업을 배우고 수행함으로써 합창단은 정확한 수집 사운드, 부드럽고 부드러운 사운드 리드, p에서 f로 역학을 변경하는 기능, 음성 기술-고음 및 저음 노래, 복잡한 점프 노래 및 부품의 고조파 조합. 지휘자는 또한 합창단을 p로 유지하는 능력, 제스처로 역학의 변화를 보여주는 능력, 다양한 부분의 도입, 부드러움, 가벼움, 제스처의 부드러움을 얻은 다음 끝까지 활성화하는 등 중요한 특성을 얻습니다. . 이 작업은 pi로 노래하는 합창단에 대한 제어를 가르칠 수 있으며, 가장 중요한 것은 작업의 아이디어, 그 성격에 대한 올바른 표현과 표시입니다.

주요 질문.

나.1) 합창 예술의 저명한 거장에 의한 합창단의 정의.

2) 합창 연주 방향.

3) 합창단의 종류.

4) 합창단의 수.

II. 코러스 유형.

III. 합창단 편곡.

표적:합창단의 종류와 유형과 관련하여 합창곡의 가장 좋은 음향을 위한 합창단 편곡의 중요성을 판단한다.

저명한 합창 예술의 거장들이 합창단을 정의하다

A. A. Egorov (“합창단과 함께 작업하는 이론 및 실습”): “합창단은 성악 합창 작업을 수행하는 다소 많은 가수 그룹입니다. 더욱이 각 파트는 여러 개의 동질적인 목소리로 노래합니다. 이 점에서 합창단은 보컬 조직으로서 각 개별 파트가 항상 한 명의 연주자에게만 맡겨지는 실내 보컬 앙상블(듀엣, 트리오, 콰르텟 등)과 크게 다릅니다. 가장 전형적인 순수한 형태의 합창단은 아카펠라 합창단, 즉 기악반주 없이 합창하는 합창단이다. 피아노, 악기 앙상블 또는 오케스트라와 함께하는 합창단과 같은 또 다른 유형의 합창단은 더 이상 완전히 독립적이지 않습니다. 연주 작업을 악기 반주와 공유합니다.

아카펠라합창단은 성악오케스트라의 일종으로 소리와 가사의 합성을 바탕으로 풍부한 색채로 음악작품의 예술적 이미지를 전달한다.

V. G. Sokolov(“합창단과 함께 작업하기”): “합창단은 작업에 포함된 생각, 감정 및 이데올로기적 내용을 전달하는 데 필요한 합창 공연의 기술 및 예술적 표현 수단에 충분히 익숙한 팀입니다. ”

P. G. Chesnokov(“합창단과 관리”): “아카펠라 합창단은 연주된 작곡에 표현된 영적 움직임, 생각 및 감정의 미묘한 굴곡을 전달할 수 있는 상당한 수의 인간 목소리의 본격적인 결합입니다. 합창단은 엄격하게 균형 잡힌 앙상블, 정확하게 조정 된 시스템 및 예술적이고 명확하게 개발 된 뉘앙스가있는 가수 모음입니다.

Chesnokov는 합창 음향의 요소에 뉘앙스를 언급하여 이 개념을 움직이는 다이내믹 스케일보다 더 광범위하게 해석합니다. Chesnokov에 따르면 뉘앙스는 동적 변화와 관련하여 리듬, 템포, 아고직, 어법 등의 특징과 같은 음악 및 합창 표현 수단을 다룹니다.

코러스는 매우 방대한 개념입니다. 일반적으로 합창 음악 제작(또는 합창 공연)의 창작 과정을 활동으로 하는 뮤지컬 및 노래 그룹으로 간주됩니다. 이러한 맥락에서 합창단은 창의적인 목표와 목표에 따라 통합되고 조직된 보컬 및 공연 그룹입니다. 공동 시작의 원칙은 합창단의 모든 참가자에게 의무이며 합창단 작업의 모든 단계에서 유지되어야 합니다. 합창단은 합창 파트로 구성된 참가자 수 측면에서 대규모 보컬 앙상블입니다. 각 합창 부분의 기본 기반은 제창이며, 이는 공연의 모든 보컬 및 합창 구성 요소-사운드 형성, 억양, 음색, 다이나믹, 리듬, 딕셔너리, 즉 합창단은 보컬의 앙상블입니다. 조화. 합창 연주는 반주 없이 노래하는 것(아카펠라)과 반주와 함께 노래하는 두 가지 형태의 음악 제작으로 표현됩니다. 인토네이션 방법에 따라 - 자연 튜닝 또는 단조 튜닝 - 인토네이션의 역할이 증가합니다. 합창단의 정확한 인토네이션(시스템)과 균형 잡힌 사운드(앙상블)는 그의 전문성을 위한 주요 조건이다. 잘 조직된 합창단은 항상 사람의 목소리로 구성된 성악 오케스트라로 인식되기 때문에 합창단이 노래하는 순간부터 무대 위의 콘서트 공연까지 합창단장의 지속적이고 체계적인 관심이 필요하다. 합창단의 구조는 합창단 지휘자의 개인적이고 전문적인 자질, 그의 의지, 지식 및 경험뿐만 아니라 참여하는 가수의 기술과 훈련에 달려 있습니다. 합창단의 시스템은 항상 노래 및 합창 과정의 구성과 가수의 교육(훈련)에서 앙상블 및 시스템 문제의 식별과 함께 실제 합창 음향의 삽입에 이르기까지 다양한 상호 관련된 작업의 수행과 관련됩니다. . 동시에 합창단을 구성하는 과정에서 중요한 작업 (보컬 유니슨의 앙상블 생성, 연주되는 사운드의 고고도 균일 성, 음색 통일성)은 적절하게 구성된 보컬 및 합창 작업의 조건에서 해결됩니다. 가수들과 함께. 합창 공연에서는 음악과 문학(시학) 등 다양한 예술이 유기적으로 결합된다. 이 두 가지 예술 유형의 합성은 합창 창의성에 특정 기능을 도입합니다. 음악과 단어의 논리적이고 의미 있는 조합은 합창 장르의 개념을 정의합니다. 좋은 합창단은 항상 기술적이고 예술적이며 표현적인 공연으로 구별되며 앙상블 및 시스템 문제와 함께 음악 및 문학 해석 작업이 해결됩니다.

위에 나열된 속성 중 어느 것도 단독으로 존재할 수 없습니다. 모든 구성 요소는 서로 연결되어 있으며 지속적으로 일치합니다.

처음에 합창 공연은 아마추어였으며 특별한 역사적 조건으로 인해 전문 예술의 지위를 얻었습니다. 여기에서 전문 합창단과 아마추어 합창단(민속, 아마추어 합창단)이라는 두 가지 주요 형태의 합창 활동이 나옵니다. 첫 번째는 특별히 훈련된 가수들로 구성된 합창단이고, 두 번째는 노래하고 싶은 모든 사람이 참여하는 합창단입니다. 아마추어 합창단의 수업은 전문적인 합창단만큼 규제되지 않습니다.

합창 공연에는 두 가지 주요 방향이 있습니다. 학술 및 민속 공연 방식의 질적 차이가 특징입니다.

학술 합창단(또는 채플)은 전문적인 음악 문화와 오페라 및 실내악 장르의 오랜 경험의 전통에 의해 개발된 음악적 창의성과 공연의 원칙과 기준에 따라 활동합니다. 아카데믹 합창단은 보컬 작업을 위한 단일 조건, 즉 아카데믹한 노래 방식을 가지고 있습니다. 합창창창의 문제점을 고찰함에 있어서 학문적 창창방식의 개념에서부터 출발하고자 한다.

포크합창단은 민요의 고유한 특징(합창질감, 성부진행, 성악방식, 음성학)을 가지고 민요를 연주하는 성악단이다. 일반적으로 민속 합창단은 지역 또는 지역 노래 전통을 기반으로 작업을 수행합니다. 이것은 민속 합창단의 구성과 연주 방식의 다양성을 결정합니다. 구분해야 한다 민속 합창단특별히 조직된 민속 합창단, 전문가 또는 아마추어의 자연스럽고 일상적인 형태로 진정한 민요와 민속 정신으로 작가의 작곡을 연주합니다.

합창 작품은 합창 유형의 개념에 의해 결정되는 독립적인 합창 부분의 수로 특징지을 수 있습니다. 1성, 2성, 3성, 4성 등 다양한 구성의 합창단을 위한 작품이 있습니다. 합창 파트에서 디비시(분리)를 사용하는 원리는 노래하는 목소리의 음높이 비율과 화성 및 음색 조합과 관련이 있습니다. divisi는 합창 표현을 조화롭게 포화시키지만 동시에 합창 음성의 힘을 눈에 띄게 약화시키는 것으로 알려져 있습니다.

합창단의 주요 및 최소 구조 단위는 합창 부분으로, 일반 매개 변수의 목소리가 음역과 음색이 비교적 동일한 가수들의 조정된 앙상블입니다. 합창 음파의 구성이 여러 측면에서 시작되는 것은 합창 부분(가수 그룹)과 함께입니다. 합창 부분은 작품의 예술적 장식에서 앙상블과 시스템을 구축하는 지휘자의 작업의 초기 대상입니다. 이와 관련하여 합창 부분에서 가장 적은 수의 가수 (음성)-3-4 명의 가수와 음색 및 다이나믹 밸런스의 문제가 드러납니다.

이론적으로 P. G. Chesnokov의 정의에 따르면 균질 한 2 음성 어린이, 여성 또는 남성 합창단은 적어도 6 명의 가수가 될 수 있습니다 (예 : 3 소프라노 (고음) + 3 알토, 3 테너 + 3베이스). 그러나 현대 공연 실무에서는 비슷한 규모의 합창단을 합창단이라 부른다. 보컬 앙상블. 합창단의 이중 구성은 더 경쾌한 것으로 간주되며 각 부분에는 두 개의 최소 구성이 있습니다. 첫 번째 소프라노 6 개 + 두 번째 소프라노 6 개 + 첫 번째 알토 6 개 + 알토 6 개, 총 24 명의 가수가 있습니다. 여기에서 각 당사자를 두 그룹으로 나누는 것(divisi)도 가능합니다.

합창단 파트의 가수 수는 동일해야 합니다. 30명으로 구성된 여성 또는 어린이 가수 그룹이 예를 들어 11명의 1번 소프라노, 9번의 2번 소프라노, 6번의 1번 알토, 4번의 알토로 구성되는 것은 용납되지 않습니다. 여성(어린이) 4부 합창단의 첫 번째 소프라노 부분과 두 번째 알토 부분의 가수 수를 약간 늘리는 것이 좋습니다. C I), 코드 베이스의 보다 간결한 사운드(A II) , 예를 들면 다음과 같습니다.

소프라노 퍼스트 - 8명;

소프라노 초 - 7명;

첫 번째 비올라 - 7명;

비올라 초 - 8 명.

합계: 30명

10명을 넘지 않는 실내 합창단의 합창 파트의 음향 밀도는 합창 파트의 가수 수가 20-25명인 대형 합창단의 합창 파트의 사운드와 비교할 수 없습니다. .

합창학 이론에서는 합창단의 양적 구성을 소합창단, 중합창단, 대합창단의 세 가지 주요 유형으로 분류하는 것이 일반적입니다. 현대 공연 연습에서 대략적인 가수 수의 실내 합창단은 20-30 명입니다. 최대 40명으로 구성된 평균 혼성 합창단은 각 합창 부분을 둘로 나눕니다. 대규모 혼성 합창단의 수는 일반적으로 80-120명(때로는 그 이상)입니다.

유리한 조건에서 질량 및 합창단수백 또는 수천 명의 사람들. 합창 문헌에는 일반적으로 12개 반 이상의 독립적인 합창 파트로 구성된 다중 합창 작곡의 예가 있습니다.

이중 합창단의 기존 개념은 각각이 상대적으로 독립적인 두 개의 영예로 나누어진 합창단을 의미합니다. 이중 합창단의 두 부분은 혼합(전체 및 불완전) 및 동종 구성이 모두 가능합니다. 따라서 삼중 합창단은 세 부분으로 구성됩니다.

합창단의 공연 구성에 대한 특별한 합창 문헌이 있으며, 물론 합창단 구성의 음색 및 크기를 고려합니다. 따라서 실내 합창단을 위해 작곡되어 소그룹을 지향하는 작품은 약 100명의 가수로 구성된 대규모 합창단에서 두껍고 무겁게 들릴 것입니다. 반대로, divisi가 포함된 대규모 합창단의 악보는 다른 목소리작은 합창단의 소리에 비 유적 광채를 잃습니다.

코러스 형식

그룹별 공연팀 구성은 합창단이라는 용어로 특징지어진다. 노래하는 목소리는 여성, 남성 및 어린이의 세 그룹으로 나뉩니다. 한 그룹의 목소리로 구성된 합창단을 동질성(homogeneous)이라고 하고, 여성(또는 어린이)과 남성의 목소리 또는 세 그룹 모두의 노래하는 목소리로 구성된 합창단을 혼합(mixed)이라고 합니다. 현재 합창단에는 여성, 남성, 어린이 및 혼성의 네 가지 유형이 있습니다.

혼성 합창단(전곡)

혼성 합창단의 음역은 G-A 카운터 옥타브에서 4옥타브 이상 3옥타브까지입니다. 혼성 합창단은 거의 들리지 않는 pp에서 ff까지 음력의 다이내믹이 뛰어나 교향악단과 견줄 만하다.

남성 합창단

카운터 옥타브의 범위는 최대 2옥타브입니다. 남성 합창단은 소리의 역 동성과 밝은 음색을 가지고 있습니다. 테너 파트는 리드 멜로딕한 보이스로 더욱 굵어지는 가슴 사운드로 노래한다.

여성 합창단

범위는 치명적인 옥타브에서 최대 3옥타브까지입니다. 극단적인 소리는 드뭅니다. 가장 일반적인 것은 혼합되고 가까운 음성 배열입니다. 여성 합창단을 위한 민요의 많은 독창적인 작곡과 개작이 러시아와 외국 작곡가들에 의해 만들어졌습니다.

어린이 합창단

어린이 합창단의 표현력과 기술력은 작곡의 연령 특성과 밀접한 관련이 있습니다.

아이의 목소리는 투명함, 부드러움, 억양의 날카로움, 완벽한 하모니와 앙상블 능력이 특징입니다. 어린이 합창단의 소리는 즉각적이고 성실한 연주로 구별됩니다. 어린이 합창단은 훌륭한 공연 능력을 가지고 있습니다.

합창단의 편곡

합창단 편곡은 합창단의 합동 공연 활동을 위해 합창단 편곡을 위한 특정 시스템입니다. 국내 합창 문화는 합창단 편곡 문제에 대해 풍부한 경험을 축적해 왔다. 이 경험에 대한 이론적 이해는 P.G. Chesnokov, G.A. Dmitrevsky, A.A. Egorov, S.V. Popov, K.K. Pirogov, V.G.Sokolova 및 기타 따라서 V.G.Sokolov는 "합창단의 성공적인 작업을 위해 리더와 가수 모두에게 친숙한 리허설 및 콘서트 공연 중 특정 부품 배열이 그다지 중요하지 않습니다. "

이 문제에서 가장 중요한 것 중 하나는 예술적이고 공연적인 측면입니다. 편곡은 성악가들에게 앙상블에 가장 유리한 조건을 제공해야 한다고 알려져 있다. 이와 관련하여 A.A. Egorov는 다음과 같이 썼습니다. ”

올바른 배열은 다양한 합창 파리아의 가수들 사이의 청각적 접촉 가능성을 보장해야 합니다. 성가대."

일반적으로 합창단이나 무대의 배치는 기존의 전통에 따라 진행됩니다. 관련 당사자는 같은 그룹에 속해 있습니다. 각 파트의 음색은 음색, 음역 등에서 서로 일치합니다. 합창단은 다음과 같은 방식으로 배치됩니다. 왼손지휘자로부터 높은 목소리, 오른쪽 - 낮음. 혼성 합창단에서 소프라노는 지휘자의 왼쪽에 배치되고 테너가 그 뒤에 배치됩니다. 오른쪽에는 알토가 있고 그 다음에는 베이스가 있습니다.

동질적인 합창단을 배치하는 많은 옵션 중에서 각 정당이 섹터와 같은 그룹에 위치하는 것이 인기가 있습니다. 여성 또는 어린이 합창단에서(왼쪽에서 오른쪽으로): 두 번째 소프라노, 첫 번째 소프라노, 첫 번째 알토스, 두 번째 알토스. 남성 합창단에서는 두 번째 테너, 첫 번째 테너, 두 번째 베이스, 첫 번째 베이스, 옥타비스트가 중앙에 있습니다. 첫 번째 높은 성부(I 소프라노 또는 I 테너)를 합창단 중앙에 배치하면 울림이 향상되고 두 번째 높은 성부(II 소프라노 또는 II 테너)의 위치는 첫 번째부터 어느 정도.

여성(어린이) 합창단

남성 합창단

옥타비스트
테노라 II
테노라 II
테노라 II
테노라 II

이 합창단 편곡은 일반적으로 녹음에 사용됩니다. 이 경우 각 합창 부분 앞에 별도의 마이크가 배치됩니다. 소리를 녹음할 때 혼성 합창단의 배치는 별도로 노출된 마이크에 대한 각 합창 부분의 소리 방향을 고려합니다.

위의 내용 외에도 합창단 그룹을 정렬하는 다른 옵션도 사용됩니다. 예를 들면 다음과 같습니다.

여성(어린이) 합창단

소프라노 I	소프라노 II

리허설 중 합창단은 공연 중과 같은 위치에 있어야 합니다. 합창단을 같은 수평면에 배치하는 것은 권장하지 않습니다. 이렇게 하면 가수와 지휘자 사이의 적절한 시각적 접촉이 손실되기 때문입니다. 또한 성가대원들은 앞에 있는 합창단의 "뒤에서" 노래를 부르도록 강요받게 됩니다. 혼성 합창단에서 남자 파티여성보다 약간 높습니다.

합창단의 4 중주 배열은 가수의 청각 자제를위한 최상의 조건을 만들고 각 집단 구성원의 개별 노래 능력을 고려하며 실내 합창단에서 사용됩니다.

무대에서 합창단의 위치는 리버브의 음향 특성에 따라 다릅니다. 잔향은 소리의 강도와 지속 시간을 증가시키는("에코" 효과) 내부 표면의 반사 능력으로 인한 방의 음향 특성입니다. 리버브가 충분하지 않으면 사운드가 "건조"해지고 리버브가 과도하면 성능이 "읽기 어렵고 지저분해집니다". 이를 바탕으로 현재 상트 페테르부르크 주립 노래 예배당에서. M.I. Glinka (V.A. Chernushenko가 이끄는)는 여성 목소리가 3 열과 4 열을 구성하고 남성 목소리가 1 열과 2 열을 차지하는 합창단의 배열을 사용합니다. 동시에 이 그룹의 리더는 합창단의 다양한 편곡을 사용합니다.

합창단을 작은 반원(부채 모양) 형태로 배열하거나 극단적인 경우 가장자리에 작은 둥근 부분이 있는 직선으로 배열하는 것이 좋습니다. 합창단의 직선 위치는 적절하지 않습니다.

피아노 반주로 합창 작품을 연주할 때 악기는 합창단 앞 중앙 또는 오른쪽(지휘자에서)에 배치됩니다. 오케스트라나 앙상블 반주와 함께 연주할 때 오케스트라나 앙상블은 앞에 배치되고 합창단은 그 뒤에 작은 반원 안에 배치됩니다. 예를 들어 S. Rachmaninov의 "Three Russian Songs"를 연주할 때 불완전한 혼성 합창단(알토와 베이스)과 오케스트라를 위해 작곡된 경우 합창 음색은 일반적으로 지휘자의 왼쪽(알토)과 오른쪽(베이스)에 위치합니다. 특수 플랫폼(합창 벤치)의 오케스트라 뒤 . 이 경우 각 개별 부품의 음파가 더욱 콤팩트하고 모 놀리 식으로 변합니다. 예를 들어 지정된 작업에서와 같이 하나의 합창 부분을 장기간 사용하면 합창 부분을 비올라 합창단 또는베이스 합창단과 같은 매우 드문 용어로 특성화 할 수 있습니다.

음향 패턴의 영향과 가수의 위치에 대한 현대 과학 연구를 수행하여 합창단의 배열을 조정하고 가수의 청각적 자제력을 위한 적절한 조건을 보장하기 위한 여러 가지 실용적인 권장 사항을 개발할 수 있었습니다.

이웃에 강하고 약한 목소리를 두지 마십시오.

관련 성부와 이질적인 성부가 번갈아 가며 편곡된 넓은 편곡의 혼합 버전을 사용합니다.

제시된 배치는 다음과 같은 이점이 있습니다.

음색의 평준화에 기초하지 않고 각 성부의 자연스러운 음색능력을 파악하여 예술적 앙상블을 이룰 수 있는 여건을 조성하여 진보적인 성악과 합창방식의 경향을 반영하고 성공적인 개발그리고 가창력 향상.

더 많이 만듭니다 효과적인 조건합창단을 개인의 공동체(솔리스트 앙상블)로 조직합니다.

"보컬 제작"의 품질에 대한 각 가수의 형성에 더 높은 수준의 책임을 부여합니다. 그러한 편곡으로 음악을 만들려면 가수가 최대한의 독창성과 독립성을 보여야 합니다.

각 음색의 개별 음색 특성을 식별하는 데 기여하므로 합창단 사운드의 품질에 매우 중요한 영향을 미치므로 음색이 풍부해지고 풍부해지고 볼륨이 커집니다.

키워드

합창; 유형; 보다; 숫자; 합창 부분; 여성; 남성; 혼합; 어린이들; 준비; 실행; 음색.

짧은 결론

합창단 편곡의 보컬 및 방법론적 측면은 어린이 음악 교육에 관한 작업에서 다루어집니다. 그래서 M.F. Zarinskaya는 합창단의 보컬 교육 과정에서 일부 목소리가 다른 목소리에 미치는 영향을 조직하기 위해 가수 편곡의 중요성에 주목합니다. 그녀는 마지막 줄과 합창단의 가장자리를 따라 "가장 아름다운 음색으로 노래하는 사람들과 자연스럽게 경험이 풍부한 합창단, 앞에는 더 어둡게 노래하거나 노래에 특정 결점이있는 어린이"를 배치 할 것을 권장합니다.

제어 질문

1. 합창단이란?

2. 혼성 합창단에 대해 설명해 주십시오.

3. 합창단 편곡에 대해 어떤 옵션을 알고 있습니까?

4. 무대에서 합창단의 위치에 영향을 미치는 요인은 무엇입니까?

문학

Osenneva M.S., Samarin V.A. 합창 수업 및 합창단과의 실습. -M.2003

Keerig O.P. 안무 - S.-P. 2004년

소콜로프 Vl. 합창단과 함께 작업 - M., "음악", 1983