무대 조명 아티스트는 어떤 일을 하나요? 뉴딜

일루미네이터라는 직업은 셰익스피어 시대에 등장했다. 특별 하인은 공연 중에 양초가 연기가 나거나 꺼지지 않았는지 확인했습니다. 극장 조명 시스템은 르네상스 시대에 이탈리아에서 개발되기 시작했습니다. 오늘날 조명디자이너가 되기 위해서는 전기공학과 함께 '나'가 되어야 할 뿐만 아니라 조직력이 좋고 예술적인 감각과 균형잡힌 빛의 감각을 가지고 있어야 하며 물리학, 광학, 연출 및 무대 촬영. 보시다시피 요구 사항이 많기 때문에 우리나라 조명 디자이너는 드문 전문가입니다.
이 직업의 특징은 Konstantin Gerasimov, 조명 및 최고 경영자이벤트의 복잡한 기술 지원을 전문으로하는 회사 TDS.

TDS 직장에서 콘스탄틴 게라시모프.

“조명 디자이너는 가장 기술적이고 동시에 놀라운 조합 중 하나입니다. 창의적인 직업. 우리가 전달하는 빛의 도움으로 일반적인 생각보여주다, 분위기를 조성하다. 각 프로젝트에 대해 고유한 디자인을 개발하고 특정 문제를 해결할 수 있는 장비를 선택합니다. 그리고 여기에서 조명, 현대 장치 및 기술의 법칙을 아는 것뿐만 아니라 시청자를 계속해서 놀라게하기 위해 지칠 줄 모르는 상상력을 갖는 것이 중요합니다.

우리 사업과 회화에서 브러시를 들고 즉시 걸작을 만들 수는 없습니다. 이 직업은 평생 학습입니다. 기본을 마스터하는 것만으로는 충분하지 않습니다. 쇼 산업은 빠르게 발전하고 있으며 매일 새로운 기술이 등장합니다. 어떤 것이 현재 유행하고 있는지 명확하게 이해하고 전 세계 청중이 아직 보지 못한 것을 찾아야 합니다. 그리고 여기에서 모든 쇼는 풍경, 비디오 시퀀스, 특수 효과와 같은 일련의 요소로 구성되기 때문에 기술의 공생이 구출됩니다. 쇼 산업에서 수년 동안 일하면서 성공적인 쇼의 비결은 프로젝트를 만드는 데 통합된 접근 방식에 있다는 것을 깨달았습니다. 조명 디자이너와 다른 기술 전문가의 협업을 통해 매우 독창적인 제품을 제작할 수 있으며 근본적으로 새로운 수준의 품질로 쇼를 선보입니다.
이 아이디어는 이벤트 기술 지원 분야의 전문가를 모은 TDS 회사의 기반을 형성했습니다. 우리 팀은 수명의 모든 단계에서 프로젝트를 주도합니다. 무대 및 배경 디자인을 개발하고, 조명 및 비디오 설치물을 만들고, 기술 관리 및 프로젝트 지원의 전체 범위를 수행합니다.

우리는 모든 프로젝트의 품질이 철저한 준비에 달려 있다고 믿기 때문에 3D 시각화 및 사전 프로그래밍 방법을 사용하여 쇼를 디자인하고 연출합니다. 이를 통해 설치를 시작하기 전에도 프로젝트의 전체 그림을 보고 기술 구성 요소를 자세히 작업할 수 있습니다.

사진을 클릭하면 다음 슬라이드를 볼 수 있습니다.

수석 조명 디자이너의 직업 설명[회사의 이름]

이 작업 설명은 관리자, 전문가 및 직원 직위에 대한 통합 자격 디렉토리의 "문화, 예술 및 촬영 분야 근로자 직위의 자격 특성" 섹션의 조항에 따라 개발 및 승인되었습니다. 2011년 3월 30일 N 251n의 러시아 연방 보건 사회 개발부의 명령 및 노동 관계를 규제하는 기타 법적 규제 행위.

1. 일반 조항

1.1. 수석 조명 디자이너는 예술 스태프의 일부이며 [감독 직위]에게 직접 보고합니다.

1.2. 수석 조명 디자이너가 [직위 이름]의 명령에 따라 직위에 임명되고 해임됩니다.

1.3. 수석 조명 디자이너의 직책은 고등 전문 교육(연극 및 장식, 예술, 기술)과 조명 디자이너로 최소 5년의 경력을 가진 사람으로 인정됩니다.

1.4. 수석 조명 디자이너는 다음을 알아야 합니다.

법률 및 기타 규범적 법적 행위 러시아 연방단체의 활동에 관하여 공연 예술;

무대의 기술적 매개변수 및 가능성

조명 장비의 매개 변수 및 기술적 특성

scenographic 솔루션과 관련된 예술적 조명의 주요 기술;

무대 조명 분야의 최신 과학 기술 성과;

전기 공학;

전자제품;

컴퓨터 기술;

색채 과학;

정비공;

조명기구의 작동, 보관 및 운송에 관한 규칙;

무대조명분야 공연예술단체 및 전문단체 유경험자 다.

물질 문화와 연극 및 장식 예술의 역사;

공연 예술 단체의 창작 작업의 세부 사항

공연 예술, 노동법 분야의 경제 및 경영 기초;

내부 노동 규정;

노동 보호 및 화재 안전에 관한 규칙.

2. 직무 책임

수석 조명 디자이너:

2.1. 감독의 의도에 따라 새롭고 자본적으로 갱신된 프로덕션을 위한 조명 디자인을 만듭니다.

2.2. 프로덕션 디자이너와 함께 그는 공연을 위한 예술적 조명 솔루션의 원칙과 스타일을 개발하고 필요한 수준의 예술적 조명 디자인을 제공합니다.

2.3. 조명 효과, 필요한 기술적 수단 및 작동 규칙을 개발합니다.

2.4. 공연의 무대 디자인 레이아웃 수락에 참여하고 필요한 기술적 수단의 설치 및 사용에 대한 구체적인 제안을 제공합니다.

2.5. 악보에 설치된 예술적 조명을 고정하여 가벼운 공연 리허설을 진행합니다.

2.6. 현재 레퍼토리 공연의 예술적 조명의 정확한 성능을 제어합니다.

2.7. 조명 아티스트의 작업을 감독하고 필요한 지원을 제공합니다.

2.8. 조명 아티스트의 전문적인 성장에 기여합니다.

2.9. 연극 제작 장비 및 기술 분야의 최신 성과에 대한 연구 및 구현을 조직합니다.

2.10. 발전하다 장기 계획무대 조명의 현대화.

2.11. [기타 직무]

3. 권리

수석 조명 디자이너는 다음과 같은 권리가 있습니다.

3.1. 러시아 연방 법률이 제공하는 모든 사회적 보장을 위해.

3.2. 모든 부서에서 직접 또는 직속 상사를 통해 기능적 업무 수행에 필요한 조직 활동에 대한 정보를 받습니다.

3.3. 그들의 작업과 조직의 작업을 개선하기 위해 경영진에게 제안서를 제출하십시오.

3.4. 활동과 관련된 경영진의 초안 명령에 대해 알아보십시오.

3.5. 권한 내에서 문서에 서명하고 보증합니다.

3.6. 그의 작업과 관련된 문제를 논의하는 회의에 참여하십시오.

3.7. 관리가 공무 수행을 위한 정상적인 조건을 만들도록 요구합니다.

3.8. 전문 자격을 향상시키십시오.

3.9. [기타 권리 제공 노동법러시아 연방].

4. 책임

수석 조명 디자이너는 다음을 담당합니다.

4.1. 불이행의 경우, 러시아 노동법에 의해 결정된 한도 내에서 이 지침에 의해 제공된 의무의 부적절한 이행.

4.2. 활동을 수행하는 과정에서 저지른 범죄의 경우 - 현재 러시아 연방의 행정, 형사 및 민법에 의해 결정된 한도 내에서.

4.3. 고용주에게 중대한 피해를 입힌 경우 - 러시아 연방의 현행 노동 및 민법에 의해 결정된 한도 내에서.

작업 설명은 [문서의 이름, 번호 및 날짜]에 따라 개발되었습니다.

인적 자원 책임자

[이니셜, 성]

[서명]

[일 월 년]

동의함:

[직위]

[이니셜, 성]

[서명]

[일 월 년]

지침 숙지:

[이니셜, 성]

[서명]

[일 월 년]

조명기, 조명 설계자, 조정기, "거너", "태블릿", "전자 엔지니어" 및 기술자는 누구입니까?

이 직업들은 언제 생겨났나요? 그들은 무엇을 제공합니까? 차이점은 무엇입니까? 이러한 전문 분야를 스스로 마스터하는 것이 가능합니까? 경험을 분석하는 방법?

일반적으로 이러한 전문 분야는 창의적입니까? "무작위" 사람들이 직업에 어느 정도 해를 끼치는가?

이 모든 문제를 이해하고 우리 전문 분야의 기본을 정리하기 위해 함께 노력합시다.

조명 아티스트는 누구입니까?

"장르별 이웃"의 예를 들어 상황을 분석해 봅시다.

화가. 동의합니다. 화가를 "자신이 결정한 순서대로 프라이밍된 평면에 안료를 적용하는 고도의 자격을 갖춘 제도사"로 정의하는 것만으로는 충분하지 않습니다. 이 정의화가, 디자이너 및 아이콘 화가에 적합하며 이러한 전문 분야는 작업이 완전히 다릅니다. 아이콘 화가는 특정 표준에 따라 작업하며 그의 작업은 주로 신을 위한 것입니다. 디자이너의 임무는 대다수 소비자의 취향을 만족시키는 것입니다. 물론 할 말이 없는 한 예술가는 주로 자신과 청중을 위해 작업합니다.

아시다시피 태초에 말씀이 있었고 우리의 직업은 이 말씀에 사로잡혔습니다. "아티스트"는 우리 공예 존재의 전체 본질을 정의하고 더 나은 존재에 대한 출발점과 의미를 제공합니다. 그렇지 않으면 마스터 또는 조명 디자이너로 불리는 것이 좋습니다. 적어도 정직하고 나름대로 존경받을 가치가 있습니다.

이 책은 조명디자이너라는 직업을 예술적인 관점에서 정확하게 연구하려는 시도가 될 것이다. 러시아에는 기술 문헌과 달리 관련 문헌이 엄청나게 부족하기 때문이다. D. G. Ismagilava, E. P. Drivaleva, 물론 N. P. Izvekov 및 V. V. Bazanov를 제외하고 조명 및 연극 기술에 관한 교과서를 만드는 데 전념 한 저자를 기억할 수 없습니다. 이 책의 형식이 교과서의 개념과 어떻게 일치할지 모르겠습니다. 어쨌든 나는 "매우 예술적 승영"의 극단에 빠지지 않고 기술주의의 자비에 예술적 부분을 남기지 않고 황금률을 따라 당신과 함께 걸을 것입니다.

시각 예술에서 선조 세공으로 만든 수많은 영혼없는 그림 회화 기법, 그리고 페인팅 기술의 위반으로 인해 영원히 잃어버린 수많은 명작. 그러므로 우리는 계란과 닭의 우선권에 대한 공허한 이야기를 버리고 함께 배우기 시작합니다.

조명 아티스트의 범위

예술적 조명. 무대조명과 가정용 또는 실내조명과의 차이점은 특정 작업에 따라 설치된다는 점이다. 조명을 설정하는 것은 예술적인 과정입니다. 조명 설정공연, 콘서트, 팝 또는 서커스 번호, 전시 설치 또는 조명 성능.

직업의 정의 "조명 예술가"

다음은 내 소비에트 시대 워크북에 기록되어 있습니다.

« 복합공연, 콘서트 등 문화행사를 위한 무대조명을 개발하고 무대조명기구를 선정하여 위치를 결정하고 관리하는 고급 조명사».

원칙적으로 이 기록은 전문 분야인 "조명 예술가"를 정의하는 근거로 삼을 수 있습니다.

실제로 우리는 자격이라고하는 모든 지식, 경험, 개발, 예술적 가치 체계를 가지고 있습니다.

기술 및 재정적 기회공연, 콘서트 또는 기타 설치물을 만든 그는 특정 이벤트에 필요한 장비 공원을 선택하고 불필요한 하드웨어를 거부하고 필요한 장비 구매를 주장하여 각 프로덕션에 대한 기술 라이더를 만듭니다.

조명 디자이너는 조명을 설치하는 동안 기술자(마운터, 플래너, 리거)를 감독하고 조명 계획 세션, 조명 장면의 렌더링 및 기타 기술 및 예술 문서를 작성합니다.

예, 그는 조명 장비 단지를 관리하거나 운영자(레귤레이터, 비디오 엔지니어, 사수)를 관리합니다.

사무적인 정의로는 충분합니다.

창의적인 측면에서 조명 디자이너의 직업을 고려한다면 그는 먼저 작업에 대한 전체 시각적 인식의 큐레이터입니다. "어둠 속에서 극장에서 누가 더 중요한지 더 강하게 이해할 것입니다." 옛 연극 속담). 둘째, 그는 창작팀(극장, 뮤지컬 그룹, 설치 회사 등)이 만든 작품의 공동 작가이다.

팀 내에서 기능과 영향력 영역의 구분은 매우 개별적이고 구체적인 것입니다. 여기에서 모든 사람은 자신이 수행할 수 있는 기능과 책임의 양을 스스로 선택합니다. 어쨌든 아티스트는 기여할 의무가 있습니다. 일반 제품그들의 태도, 감정, 취향, 삶의 경험. 또 다른 질문은 그러한 "채우기"가 얼마나 유기적이고 적절하며 재치가 있는지입니다. 솔직히 말해서 내 연습에서 이것이 항상 가능한 것은 아닙니다. 너무 다른 그룹과 뮤지컬 그룹이 나를 만났다. 이들 그룹의 리더들은 서로 다른 카리스마를 가지고 있다. 작품 제작의 연극 및 콘서트 세부 사항의 너무 많은 차이 및 기타 많은 요인이 공동 저자에 영향을 미칩니다.

셋째, 종종 조명 디자이너는 작품의 예술적 조명의 전속 작가입니다. 최근에는 빛을 주인공으로 한 빛과 멀티미디어 퍼포먼스가 꾸준한 트렌드를 형성하고 있다.

교육

법적 관점에서 볼 때 우리 직업은 존재하지 않습니다. 본질적으로 특별한 교육이 필요하지 않은 작업 전문 분야입니다. 사실 인사 부서의 경우 공기그녀는 직업의 동의어입니다 전등.그러나 많은 친구들은 작업장에서 조명 콘솔 운영자부터 극장 조명 부서장에 이르기까지 다양한 직책을 가지고 있습니다. 역설적이게도 많은 주립 극장에서 조명 전문가는 전문 자격증을 소지해야 합니다. 러시아에는 연극 조명 전문가를 양성하는 중등 전문 교육 기관이 없다는 사실은 공무원에게 거의 관심이 없습니다.

상황에서 벗어나 적어도 어떻게 든 직원을위한 "교육 프로그램"을 수행하기 위해 중등 전문 교육을받은 기업의 직원이 원하는 인증서를받을 수있는 재교육 과정이 만들어지고 있습니다. 나는 또한이 과정을 실행합니다. 이러한 훈련의 문제는 그러한 과정이 저렴하지 않을 뿐만 아니라 다양한 수준의 훈련, 경험 및 요구를 가진 생도를 위한 주간 또는 2주 세미나 형식을 가지고 있다는 것입니다. 미래를위한 본격적인 수하물을 얻기 위해 어제의 학생들이 처음부터 모든 지식과 기술을 입력하고 습득 할 수있는 교육 기관을 만드는 것은 오늘날에도 풀리지 않는 과제로 남아 있습니다.

모순은 연극 기관에서 조명 디자이너, 메이크업 아티스트, 의상 디자이너, 풍경 디자이너, 헤드 포스트 등을 포함하는 예술가-기술자의 전문 분야에서 교육이 이루어진다는 사실로 인해 악화됩니다.

고등 교육 교직원도 질문을 제기합니다. 사실 우리 직업은 매우 구체적이고 희귀합니다. 저명한 마스터 굉장한 경험정규 교육의 부족, "콘서트" 환경에서 "극장" 영역의 기술적 지연 및 보수성, 확립된 방법의 부족, 사실상 통합 학교 등 많은 이유로 인해 항상 교사로 제시될 수는 없습니다. 무대 조명, 예술, 무대 또는 연출 러시아 학교처럼. 직업의 연속성이 국내 대학에 존재한다면 그것은 매우 일방적이고 독점적인 방식으로 제시됩니다.

가장 안타까운 점은 극장 조명과 콘서트 조명의 격차가 극심해지고 있다는 점이다. 현대 조명의 기술적 가능성을 이제 막 마스터하기 시작한 연극 예술가들은 콘서트 환경에서 수년에 걸쳐 개발된 관행을 자신의 계시로 넘기는 경우가 많습니다. 콘서트와 음악적 환경에서 수십 년 동안 축적된 경험은 사실상 연극 무대로 전이되지 않는다. 콘서트 아티스트는 종종 예술적 짐과 연극 방법론 기반이 없습니다. 결과적으로 공생이 발생할 수 있는 곳에서 속물근성과 상호 거부가 발생합니다.

조명 디자이너의 임무

연극, 콘서트, 전시회, 건축 또는 기타 제작(설치)을 위한 예술 및 무대 조명 제작.

직업 계층

조명 디자이너는 부하이자 리더입니다. 그의 아이디어의 구현은 그가 상사 및 부하 직원과의 관계를 구축하는 방법에 달려 있습니다.

극장이나 그룹 콘서트에서 공동 작업의 소유자는 무대 감독, 단독 콘서트 연습-그룹 리더 또는 프로듀서입니다 (솔직히 말하면 내 로커 연습에서 프로듀서는 빅풋보다 약간 덜 일반적입니다).

감독은 전체 작업 전체를 만드는 창시자, 이데올로기 및 리더입니다. 그는 픽업 크리에이티브 팀모든 것에 대한 책임이 있으며 거부권을 가지고 있습니다.

작업의 시각적 부분에서 감독은 프로덕션 디자이너(시노그래퍼)를 위한 예술적이고 실용적인 작업을 공식화합니다. 그리고 작품의 시각적인 부분(풍경, 의상, 분장 등)은 무대디자이너가 직접 구성한다.

조명 디자이너는 모든 크리에이티브 문제에 대해 프로덕션 디자이너에게 직접 보고합니다. 조명디자이너가 창작단위로서 받는 자유와 한계의 척도를 결정하는 것은 세트디자이너이다.

조직 및 일반 기술 문제에서 조명 디자이너는 생산 부서장(포스트 책임자)과 긴밀히 협력합니다. 안에 다른 조직게시물의 기능은 크게 다릅니다.

조명 디자이너는 다음에 종속됩니다.

• 기술자(태블릿 작업자, 갤러리 소유자, 리거 등) - 장비를 설치하고 구성하는 사람
• 운영자(레귤레이터, 비디오 엔지니어, 사수 등) - 다양한 장치를 직접 제어합니다.
• Visualizers - 작업 및 컴퓨터 조명 점수의 데모 컴퓨터 모델을 만드는 컴퓨터 전문가
• 엔지니어 - 장비의 원활한 작동을 보장하거나 이 장비를 특별 주문으로 제작합니다.

배우도 음악가도 조직적으로 무대 조명의 구조에 포함되지 않는다는 점에 유의하십시오. 조명디자이너의 상사도 부하도 아니다.

조명 디자이너는 콘서트 장비 대여 또는 엔터테인먼트 이벤트에 대한 기술 지원과 관련된 조직에도 존재하지만 그의 기능은 조직의 특성에 따라 결정되며 조직마다 크게 다릅니다.

다른 콘서트 분야에서는 어떨지 모르겠지만 국내 록에서는 오랜 세월 참여하지 않고는 새로운 위치가 나타났습니다.-그룹의 조명 디자이너(비디오). 콘서트 연습에서 세트 디자이너와 조명 디자이너의 기능은 종종 DDT와 Piknik과의 작업에서 일어난 것처럼 그룹 V. Dvornik 그룹의 아티스트 Yu. 그룹을 떠나 무대 조명에서 성공하지 못한 채 무대 조명에서 일하기 시작했습니다.

Aquarium, 특히 Alice에서 일하면서 감독, 세트 디자이너 및 조명 디자이너의 기능이 하나로 합쳐졌습니다. Aquarium에서 나는 그룹의 첫 번째 아티스트였으며 Alisa에서는 전임자 A. Stolypin에서 유사한 전통이 발전했습니다. 이제 내가 아는 한 K. Kinchev의 아내는 연출과 무대 촬영에 종사하고 있으며 젊은 예술가 A. Lukashev는 조명을 담당하고 있습니다. 제 학생 D. Raidugin이 조명 디자이너 인 Leningrad 그룹에서도 비슷한 상황이 발생했습니다.

무대조명 개발의 전전기 시대

무대 조명의 역사. 연극 전 의식.

사실 무대 조명은 호모 사피엔스의 여명기부터 있었고 종교 의식과 불가분의 관계가 있습니다. 마법사, 사제, 무당 등 인류의 무대에 최초의 배우가 등장하자마자 그들을 조명하고 그들이 행동하는 배경을 조명해야했습니다. 햇빛의 그림자, 오두막이나 동굴의 황혼, 불과 횃불의 인공 조명은 의식의 신비로운 분위기를 조성하는 데 도움이 되었습니다. 지금까지 어떤 종파의 성전 건축에서도 극장의 요소와 기능면에서 유사한 요소를 찾을 수 있습니다. 사원 건축의 대포를 고전적인 박스 장면과 비교하는 것으로 충분합니다.

고대 극장

고대 극장

무대 모습의 첫 번째 스케치는 고대 그리스 극장에서 이미 볼 수 있습니다. 원래 배우와 합창단을위한 원형 플랫폼- 오케스트라삼면이 둘러싸여 있었다 원형 극장관중을 위해. 원형 극장은 넓은 통로로 분리된 여러 층으로 구성될 수 있습니다. 디아조미.나중에 오케스트라 뒤에는 배우들의 탈의실이 있었는데- 스케네, 합창단을 위한 플랫폼 - 프로시니엄. Skene과 원형 극장은 통로를 나누었습니다. - 패러디.극장이 발전함에 따라 이것은 고대 로마에서 특히 분명했으며 오케스트라는 무대의 중요성을 잃고 당시 상원 의원이나 기타 고위 인사를위한 일종의 마구간이되었습니다. 스케네는 크기와 높이가 커져 확대된 프로스케니움에 위치한 배우들에게 본격적인 배경이 됩니다.

고대 극장. 프로시니엄.

사실 이때부터 조명 조작이 가능해진다. skene의 현관에 천 차양이 부착되어 때로는 악천후와 태양으로부터 거의 전체 극장을 덮을 수 있었고 페인트 칠한 차양은 그 당시에는 특이한 주간 조명을 만들었습니다.

행동 시간을 낮 시간으로 제한하고 싶지 않고 무대의 실용적인 인공 조명이 필요하다는 것은 분명합니다.

필요가 있는 것이 로마시대부터라는 것이 특징이다. 시노그래피는 무대 디자인의 예술입니다.

스케네의 포르티코는 기둥과 조각품으로 장식되어 있으며, 기둥의 개구부에는 평평하게 칠해진 방패가 설치되어 있습니다. 피나키.나중에 행동 장면을 빠르게 변경하기 위해 삼면 체 프리즘이 사용되기 시작했습니다. 텔루리아 (telaria, periacts). 나타납니다 커튼, 처음에는 proskenium 앞의 특수 슬롯에서 뽑혔습니다. 모든 예술의 미적 표준이 변화함에 따라 시노그래피와 화려한 조명에 대한 필요성이 생겨났다는 것은 논리적입니다. 고대 그리스 예술에서 행동 장소에 대한 설명은 종종 매우 조건부이며 표현되지 않습니다. 로마에서는 더 구체적이고 결과적으로 풍경과 무대 효과가 나타납니다.

중세 극장

시노그래피와 그 필수적인 부분인 무대 조명의 진정한 발전은 로마 제국이 무너진 후에도 수세기 동안 계속되었습니다. 대략 10세기 이후 중세 유럽의 교회에서 발전하기 시작합니다. 새로운 형태예배 - 전례드라마. 복음 이야기에 대한 행동, 교회 내에서 직접 진행됩니다. 배우들이 연기할 장소는 교회 곳곳에 있었고 필요한 순간에는 커튼으로 가렸다. 따라서 사실 하나의 장면이 등장한 것이 아니라 여러 장면이 등장했습니다. 동시. 일광의 부족으로 인해 한편으로는 많은 양초, 오일 램프 및 횃불 형태의 추가 인공 조명이 필요했고 다른 한편으로는 다양한 조명 효과를 발명할 수 있었습니다.

중세에는 이전 사례와 마찬가지로 연옥, 천국과 지옥의 장면에 대한 비범하고 신비로운 묘사에 대한 일반적인 미적 요구가 전체적으로 무대 미술의 발전을 가져 왔다는 사실에 주목하십시오. . 개별 에피소드, 소품, 비행 장치, 기계 괴물 등의 풍경이 만들어졌습니다. 효과적인 조명과 제어가 필요했습니다. 따라서 픽포드 코드를 사용하면 많은 수의 램프를 거의 동시에 켤 수 있었습니다. 특수 캡으로 소화하거나 특수 커튼으로 가리십시오. 리프팅 메커니즘과 많은 양초의 도움으로 별이 빛나는 하늘이나 천상의 빛의 환상을 만듭니다. 양초나 램프를 사용한 디자인은 당분간 숨겨졌다가 필요할 때 등장했다.

토우와 솜으로 만든 풍경의 일부를 알코올에 적셔 섬광 효과를 낼 수 있었다. 수지 조각이 아름다운 불꽃을 냈습니다. 플래시는 수지와 화약의 혼합물을 발화시켜 만들어졌습니다. 가장 간단한 장치의 도움으로 번개의 환상과 불의 반사가 만들어졌습니다.

시간이 지나면서 교회 극장교회에서 교회 앞 광장으로 이동하기 시작한 다음 완전히 광장으로 이동하여 양보 거리 극장.

거리 극장

거리에 극장이 열리면서 교회 전례는 일반적으로 지옥, 땅, 낙원의 세 가지 행동 장면을 사용하여 종교적 주제에 대한 행동 인 미스터리로 대체됩니다.

거리극장은 교회극장과 달리 고정된 건물이 없었고 어떤 행사를 위해 광장에 세워졌다. 장면 전환의 필요성

특수 장비를 갖춘 무대 플랫폼이 필요했습니다. 필요한 장비를 신속하게 설치할 수 있는 자격을 갖춘 장인이 필요했던 것은 논리적입니다.

미스터리에는 한 가지를 제외하고는 단일 단계 솔루션이 없었습니다. 모두 동시였습니다. 옵션 중 하나는 다음을 갖춘 2층 무대였습니다. 잡고 있다, 무대가 준비되고 배우들과 리프트 해치,그 덕분에 새로운 풍경이 무대에 빠르게 나타났습니다. 때때로 무대는 커튼으로 덮인 3층으로만 구성되었습니다. 아래층은 지옥, 두 번째 층은 지구 또는 연옥, 위층은 천국입니다. 종종 세 개의 장면은 수직으로 배치되지 않고 수평으로 배치되었습니다. 종종 풍경을 바꾸기 위해 특별한 2 층 마차가 사용되었습니다- 페이지.마차의 수는 행동 장소의 수에 해당합니다. 풍경을 바꾸기 위해 마차는 단순히 이리저리 움직였습니다.

당연히 미스터리의 디자인에는 화려한 장식과 다양한 효과가 필요했습니다. 기계 동물, 리프팅 메커니즘, 분명히-불꽃은 청중의 신비로운 감각을 향상시켜 마법의 감각을 만듭니다.

점차 거리 연극은 독점적으로 종교적인 주제를 잃고 거리 코미디 극장으로 대체되었습니다. 소극.

이 운동의 절정은 르네상스 시대에 탄생한 이탈리아 희극이었다. 델 아르테,그 기원은 고대 그리스의 마스크 극장과 거리 카니발로 거슬러 올라갑니다.

박스무대의 구성과 무대조명의 기본원리

현대 연극 및 콘서트 예술의 주요 구성 요소 배치가 시작된 것은 르네상스 시대부터입니다. 조심스럽게 따라 가면 고대 건축, 특히 로마 극장이 어떻게 무대 건설의 대포를 형성하기 시작하는지 알 수 있습니다. 원형 극장은 시청자의 주요 장소가되고 오케스트라는 귀족을위한 장소가되고 프로 시니 엄은 무대.

Skene이 다시 추가(후면) 무대 뒤에서.

작업은 한 단계에서 시작됩니다. 동시에 중세 극장의 경험도 고려됩니다. 홀드, 리프팅 해치, 무대 메커니즘, 풍경 및 소품이 보존됩니다. 다소 나중에 대규모 풍경 변화가 발생하지만 그 뒤에는 풍경의 변화가있는 고전적인 커튼이 나타납니다.

15-16세기부터 극장은 점차 덮이게 되었다. 처음에 이들은 임시 목조 건물이었고 그 다음에는 궁전에 부착된 석조 고정식 극장이었습니다. 당연히 배우와 풍경, 조명 효과를 위한 실용적인 인공 조명이 필요하다.

이전 세대의 경험 외에도 르네상스 극장도 새로운 요소를 도입했다는 점에 유의해야 합니다. 변화하는 풍경을 위한 무대 메커니즘과 시스템이 진화했습니다. 가장 유명하고 최고의 화가들이 디자인 공연에 초대됩니다. 경치가 나타납니다 관점 배경,뒷벽을 "파괴"하고 장면의 깊이에 대한 완전한 환상을 만듭니다.

환상적인 공간의 창조는 르네상스 회화에서 널리 발전되었습니다.

당시 회화에 널리 사용되었던 원근법의 발견은 극장의 특정 조건에서 비옥한 기반을 얻었습니다.

원근법 풍경의 발명은 이탈리아 예술가에 기인합니다. 브라만테, 연극 및 장식 회화 기술의 추가 개발-예술가 및 건축가에게 세바스티안 셀리오.그 덕분에 태블릿(무대 바닥). 그림 같은 배경의 수평선은 아티스트가 훨씬 더 높은 태블릿과의 경계에서 그림 같은 배경의 중앙으로 직접 이동하여 깊이의 착시를 크게 증가시킵니다. 또한 작가는 이전에 장면의 모델을 만들었습니다. 공들여 나열한 것내 계산을 확인한 곳.

또한 Serlio는 무대 조명을 세 가지 범주로 나누어 분류합니다. 일반 조명, 장식 및 장관.위대한 연극 예술가의 이러한 모든 업적은 현대 극장에서 자주 사용됩니다.

극장은 극장을 그렸을뿐만 아니라 화염 위에 주석 튜브를 배치하여 오일 램프를 개선하여 초안을 높이고 그에 따라 램프의 밝기를 높인 위대한 레오나르도 다빈치의 관심을 빼앗지 않았습니다.

극장에서 본격적인 회화의 등장에는 고품질 조명이 필요합니다. 나타나다 베레즈키 -보는 사람의 광원을 가리는 불투명한 보호막. 종종 berezhki가 공급됩니다. 반사경양초와 오일 램프의 광속을 증가시킵니다. 샹들리에는 유지 보수 및 점화의 편의를 위해 들어 올리거나 내립니다. 첫번째 스포트라이트-오버헤드 무대 조명 장치. 그것은 명백하다 램프 -무대 앞 가장자리를 따라 비품의 위치 - 프로시니엄, 고대부터 존재했던 것이 개선되고 있음이 분명하게 나타납니다. 스카이라인 램프 -배경을 직접 비추는 역할을 하는 무대 뒤쪽 가장자리를 따라 있는 램프의 위치.

르네상스 극장에서는 유색 조명도 개발되었습니다. 유색 액체로 채워진 플라스크 렌즈가 램프 앞에 놓였습니다. 비슷한 램프가 풍경의 세부 사항을 비췄습니다. 극장 창문은 종종 색종이나 색유리로 덮여 있었다.

귀족을 위해 독점적으로 존재하고이 귀족을 희생시킨 르네상스 궁정 극장은 한때 사치와 환상의 모델이라는 점은 주목할 가치가 있습니다.

바로크 극장

17세기 초 연극 예술에 새로운 장르가 등장했습니다. 사이드쇼- 관객을 즐겁게 하는 인서트 넘버는 독립된 작품으로 탈바꿈하고 오페라와 발레가 등장하며 더욱 매혹적이고 화려하며 고급스러운 장식이 필요합니다. 비활성 풍경과 작은 멋진 태블릿이있는 르네상스 극장은 급격히 증가한 요구를 충족시키지 못하고 오케스트라 배치가 필요합니다. 풍경을 바꾸고 무대의 메커니즘과 변화하는 풍경을 숨길 필요가 있습니다.

나타나다 전면 및 후면 도랑(오케스트라 구덩이와 풍경을 바꾸는 메커니즘을 위한 장소). 포털 아치- 앞 무대 제한, 무대 뒤에서(종종 그림 같은) 그리고 파두기 -천장을 덮고 있는 스포트라이트와 경사로 시스템이 개발되고 있습니다.

연극 기계가 새벽을 맞이하고 있습니다. 날아다니는 캐릭터, 하늘의 매혹적인 구름, 무대 위의 거리 전체, 떠다니는 배, 환상적인 동물, 변화무쌍한 풍경, 분수: 이 모든 것이 이미 극장에 있었습니다. 바로크.

바로크 극장

17세기 중반에 이르러 이 장면은 매우 실제적인 특징을 갖게 됩니다. 클래식 박스 씬, 오늘날을 지배하는 장면은 가장 일반적인 장면 형태입니다.

그러나 풍경의 변화는 미닫이 방식 또는 골동품 방식으로 발생합니다. 텔라리, 새로운 개발을 받았습니다. 많은 수의 풍경을 빠르게 변경해야 할 필요성이 점점 커지면서 창작으로 이어집니다. 백스테이지 장면.

연극 기술의 진정한 혁명과 관련된 여러 이름을 지을 필요가 있습니다. 독일 건축가 Joseph Furtenbach, 영국 연극 기술자 Inigo Jones, 이탈리아 "무대의 마술사이자 마술사" 자코모 토렐리,프랑스에서 많은 일을 했고 물론 건축가, 예술가, 기계공 조반니 세르반도니.

장면 전개와 동시에 수정 강당, 작은 귀족을 위해 설계된 르네상스의 원형 극장은 많은 잡다한 관중을 수용 할 수 없었고 극장의 홍보 및 접근성에 대한 아이디어에는 새로운 구성이 필요했습니다. 이것이 계층 또는 순위 극장이 발생한 방법입니다. 공연에 참석한 사람은 나머지 대중과 교차하지 않았으며 나머지와 분리된 가장 유리하고 중심적이며 낮고 고립된 장소인 롯지를 가졌습니다. 적당한 수입을 가진 대중은 사이드 박스의 상위 계층에 만족했습니다.

계층형 시스템은 무대 가시성 측면에서 개별 위치의 품질을 크게 구분했습니다.

강당의 구조 현대 극장다른 지점에서 가시성을 상당히 평균화하지만 추세는 유지됩니다. 따라서 풍경의 원근법 구성과 빛의 연출은 여전히 ​​강당의 중심점에서 계산됩니다.

고전 극장

18세기는 이른바 무대 위의 풍경이 떠오르는 공간의 모습이 특징이다. "더블 드레싱"무대의 보호된 격자 천장 - 화상,블록을 갖춘 컬럼 샤프트,풍경을 부착하기 위해 수평 파이프가 매달려 있습니다. 배튼.에게 XIX 세기커튼에는 풍경을 들어 올리는 데 도움이되는 균형추 인 저울이 장착되기 시작했습니다. 사실상 그 시대는 고전적인 박스씬의 형성을 완성했다.

그리고 전기가 발명되기 이전의 무대조명만이 바로크 극장 이후 질적인 변화를 겪지 않았다.

변경 사항은 양적 부분에만 관련이 있으며 특히 웅장한 공연에서 최대 8000 개의 양초가 사용되었습니다. 샹들리에를 들어 올리고 낮추고, 샹들리에를 낮추는 것은 중단의 시작을 의미하고, 특별 참석자-광택제, 탄소 침전물 제거 및 심지를 수정했습니다. 샹들리에는 긴 막대기에 촛불을 켜고 젖은 스폰지 또는 특수 캡으로 꺼졌습니다. 18세기에 샹들리에는 천장 아래의 특별한 방에서 사용하기 시작했습니다. 19세기에 양초는 버너와 반사경이 장착된 오일 램프로 대체되기 시작했습니다.

그러나 촛불과 램프 조명은 빛의 유연한 제어를 허용하지 않았습니다. 유비쿼터스 그을음뿐만 아니라 기름과 양초의 비용도 고려할 가치가 있습니다. 영국과 유럽 전역에서 19 세기 초에야 가스 조명이 퍼지기 시작했습니다.

제어는 조명 콘솔의 첫 번째 프로토 타입 인 가스 테이블, 가스 파이프에서 출발했습니다. 밸브로 가스 흐름을 조절합니다. 조명 제어는 가능했지만 버너를 완전히 끄는 것은 공연 중에 다시 불을 붙일 수 없기 때문에 비현실적이었습니다. 최소한의 빛은 남겨둘 필요가 있었다.

가스 버너의 출현으로 유색 조명 시스템이 개발되기 시작했고 투명도를 높이기 위해 바니시 또는 오일에 담근 유색 실크로 조명 필터가 만들어졌습니다. 비슷한 시기에 최초의 RGB 프로토타입이 등장했고, 색상 소스는 빨강, 파랑, 녹색의 그룹으로 나뉘었고 "순수한" 색상이 자주 사용되었습니다. 빛의 변화는 한 색상 그룹의 강도를 낮추고 다른 그룹의 강도를 높임으로써 발생했습니다. 그러나 가스등은 고비용, 부피, 화재의 위험성 때문에 널리 사용되지 않았다.

양초, 기름, 가스 등 관리의 복잡성만이 무대 조명의 발전을 방해했다는 점에 유의해야 합니다. 소스의 낮은 광 출력은 방향성 조명의 광범위한 사용을 허용하지 않았으므로 광원을 조명 대상에서 멀리 이동시키는 것이 불가능했습니다.

고전 극장

따라서 무대 조명의 진정한 혁명은 전기 사용이 시작될 때 발생하지 않았지만 방향성 스포트라이트와 조광기의 출현으로 조금 후에 발생했습니다.

전기무대조명 개발기간

XIX 중반-XX 세기 초에 고전 극장의 최종 형성

19세기 중반에 이르러 다시 태어난 고전적인 무대 위의 상자 장면의 주요 특징 이탈리아 극장 XVII 세기는 완성된 형태를 받았습니다. 고전 무대는 연극계에서 지배적이 되었다. 물론 글로벌 트렌드와 병행해 다른 형태의 씬도 계속해서 존재했다. 다양한 유형의 장면이 오늘날까지 살아남았지만 무대 조명과 무대 조명의 법칙은 특별히 박스 무대를 위해 형성되었으며 그 후에야 다른 비표준 장소에 적용되었습니다. 튜토리얼의 다음 장에서 박스 씬의 아키텍처에 대한 자세한 연구로 넘어갈 것입니다.

전기의 출현. 아크 램프.

전기의 발견 자체가 무대 조명에 즉각적인 혁명을 일으키지 않았으며, 또한 러시아 물리학 자 V.V.가 상트 페테르부르크에서 만든 세계 최초의 볼타 아크를 만들었습니다. 1802년에 러시아에서 자주 발생했던 Petrov는 수십 년 동안 잊혀졌습니다. 불과 10년 후 영국 과학자 H. Davy가 동일한 실험을 수행했습니다.

수십 년이 지난 후에도 극장은 계속해서 양초와 가스등을 사용했습니다. 1849년 파리 그랜드 오페라에서 Meyerbeer의 오페라 The Prophet 시사회에서 최초의 전기 아크 스포트라이트가 나타났습니다. 포물선 반사경과 모의 화재 및 일출이 장착되었습니다. 흥미롭게도 몇 년 후 같은 극장에서 최초의 "운전"스포트라이트가 사용되었습니다.

처음에는 부피가 큰 배터리가 전원으로 사용되었습니다. 다이나모의 출현과 함께 아크 조명이 극장에 보급되기 시작했습니다. 아크 소스가 강하게 깜박이고 번쩍였다는 사실에도 불구하고 전기를 사용하여 생성된 번개, 태양, 무지개의 효과는 촛불, 석유 및 가스 소스와 밝기 및 색상이 크게 다릅니다. 배우의 방향성 조명에 관해서는 전기 장치가 이 분야에서 경쟁자가 없었습니다.

백열 램프의 출현으로 극장에서 전기 조명으로의 본격적인 전환이 가능해졌습니다.

백열 램프

기본 발명과 마찬가지로 여러 저자가 있으며 백열등 발견 자의 이름에 대한 분쟁은 가라 앉지 않습니다. 분명히 아이디어는 여러 저자와 독립적으로 떠 올랐습니다. 1838년 벨기에 포바르. 1841년 영국인 de Moleyn은 진공 상태에서 탄소판을 가열했습니다. 1847년 그의 동포인 괴벨이 백금 실을 사용했습니다. 까맣게 탄 갈대 털을 사용했다. 우리 동포 Alexander Ladygin은 1874년에 진공 상태에서 탄소 막대가 있는 램프에 대한 특허를 받았습니다. 마침내 1879년 토머스 에디슨은 탄소 필라멘트 백열 램프 발명에 대한 특허를 받았고, 1년 후 비교적 저렴한 램프의 대량 생산을 시작했습니다. Edison and Swan United Electric Light Company(Joseph Swan과 함께)가 설립되면서 유통의 시대가 시작됩니다. 전기 조명.

극장에서 전기 조명의 필요성에 대한 미적 전제 조건

모든 기술적 혁신, 심지어 혁명적 혁신도 연극 및 콘서트 생활에서 여러 단계를 거친다는 점에 유의하는 것이 중요합니다. 이것은 전기로 일어난 일입니다. 혁신과 보수주의라는 두 극단의 역설적 교차점으로서의 연극, 오랫동안전기를 감지하지 못하거나 효과로 적용했습니다. 세계 관행은 처음에는 거리, 공원 및 다양한 엔터테인먼트 장소의 조명으로 퍼졌고 그 후에야 점차적으로 독점적으로 매력으로 극장에 전기가 침투하기 시작했습니다.
러시아에서는 늘 그렇듯이 각자의 길을 갔다. 1990년대까지 전기는 산발적으로만 사용되었습니다. 이것은 일상 생활에서 실제로 전기가 없다는 배경에 대해 발생했으며 공공 생활, 극장에서 Yablochkov, Ladygin, Edison 램프를 사용하는 것은 엘리트 기적과 비슷했습니다. 그리고 나가는 세기의 마지막 10년 동안에만 전기 사용에 대한 "유행"이 있었습니다. 19세기 말까지 전기는 러시아 극장유행하고 값 비싼 매력으로 남아 있습니다.

극장에서 전기 조명의 기술 개념

20세기가 시작되면서 일상 생활과 공공 생활에서 전기가 점점 보편화되었습니다. 극장은 점차 백열등에 "익숙해지고"있습니다. 다용도, 저비용, 사용 편의성을 통해 램프의 놀라운 가능성과 실용적인 속성을 모두 사용하여 일반적인 조명 솔루션을 만들 수 있습니다. 스위치의 출현과 가변 저항은 극장 공간을 조명하기 위한 현대적 원리의 형성 단계를 시작합니다.

전등의 특성(극장과 관련하여)

밝기 및 색온도

작은 크기의 수많은 광원이 밝은 광선으로 배우와 장면을 비추고 방출 스펙트럼은 양초에 비해 햇빛에 더 가깝습니다.

조명 대상에 대한 램프의 원격 위치

일반 램프도 조명 대상에서 훨씬 더 멀리 떨어져 있을 수 있습니다.

방향 조명. 본격적인 스포트라이트의 등장

반사경, 렌즈 및 기타 장치를 사용하면 주변 지역을 비추지 않고 배우나 장면에 좁은 지향성 빔을 향하게 할 수 있습니다.

색깔 있는 빛

값싼 유색 유리와 셀룰로이드의 등장으로 광 필터를 널리 사용할 수있었습니다. 무대에서 빛의 가능성은 몇 배나 커졌습니다.

조정 가능한 조명

이제 원격 지점에서 가장 중요한 한 곳에서 쉽고 빠르게 조명을 켜고 끌 수 있습니다. 가변 저항의 출현으로 램프의 백열등을 부드럽게 변경할 수 있습니다.

고급 조명 배치 옵션

조명기에 직접 접근할 필요가 없습니다. 이론적으로 스포트라이트는 최적의 위치에 배치할 수 있습니다. 조명 장비의 고전적인 "행잉"이 구체화되기 시작했습니다. 전통적인 프로시니엄 및 수평선 램프에 조명 상자, 스포트라이트, 갤러리 및 측면 트러스가 추가되었습니다.

20세기 전반기에는 무대조명 세트의 위치와 조명조명의 원리가 현대적으로 완성된 모습을 갖추게 되었고 오늘날까지도 무대조명의 미학에는 큰 변화가 없었다고 할 수 있다.

다음 장에서는 박스 씬, 조명 원리 등에 대해 알아봅니다. 우리는 실제로 20세기 전반기에 놓인 토대에 대해 알게 될 것입니다.

극장에서 전기 조명의 예술적 개념

특히 무대 조명과 일반적으로 연극 예술의 발전은 세계적인 예술 관행과 분리되어 일어나지 않는다는 점에 주목하고 싶습니다.

극장 초기부터 현재까지 다양한 장르의 연극 예술은 일반적으로 무대, 특히 조명에 대한 요구 사항이 다릅니다.

안에 다른 시대빛에 대한 요구 사항은 최대 현실감에서 최대 환상에 이르기까지 매우 다양합니다. 다양한 장르의 공연예술도 요구했다.

전기의 출현으로 빛을 보편적이지만 다양한 요구 사항에 쉽게 적응할 수 있는 매우 유연한 도구로 간주할 수 있게 되었습니다.

20세기 초에 예술이라는 개념 자체가 마침내 인간 활동의 별도 영역으로 등장했습니다. 점차적으로 수세기에 걸쳐 시인, 음악가, 화가, 감독 및 안무가는 실용적인 장인이 아니라 창조자임을 깨닫기 시작했습니다. 예술이 자신을 완전히 인식하게 된 것은 20세기로 접어들면서 이전에는 알려지지 않았던 강력하고 발전적인 추진력을 갖게 되었습니다. 최신 트렌드예술에서. 예술가, 감독 및 작곡가가 마침내 극장에 와서 예술적 경계를 흐리게 하거나 오히려 확장하여 시각적 공간의 인식 및 구성에 대한 근본적으로 새로운 기준을 만들었습니다. 이때 엄청난 수의 현대 기술, 아이디어 및 개념이 탄생했습니다.

첫 경험 빛과 소리 Scriabin의 악기, 작곡가 Čiurlionis의 조명 및 사운드 페인팅, Wilfrid의 "빛의 음악", A. Zaltsman, A. Appia, A. E. Blumenthal-Tamarin, E. F. Bauer의 풍경을 위한 연극 조명 실험 및 조명 기술, 프로젝션 장치 - electrotachoscope Ottomar Anschütz - 이들은 몇 가지 예에 불과합니다.

특별히 언급할 가치가 있는 모스크바 예술 극장, K. S. Stanislavsky 최고 감독과 V. I. Nemirovich-Danchenko 감독이 이끄는. 수량, 그리고 가장 중요한 것은 새로운 기술의 품질과 공연 준비에 대한 접근 방식이 실제로 현대 세계 연극 고전 학교를 형성했습니다.

20세기 전반의 공적 생활에서의 혁명적 격변은 예술에 반영되었습니다. 다른 스타일의 다른 극장은 다른 목표를 설정합니다. 전등은 다음과 같은 다양한 연극 카리스마 인물의 다양한 예술적 과제를 해결하는 것을 가능하게 했습니다. Meirhold, A. Tairov, M. Reinhard 및 물론 B. Brecht.

연극 예술가들로부터 20 세기 초 G. Craig, K. Malevich, L. Bakst, A. Golovin, N. Sapunov, F.-T. Marinetti, E. Prampolini, I. Bilibin. 시나리오 개발의 주제는 연극 문화의 특별한 층인이 교과서의 범위를 벗어납니다.

기술 진보가 먼저 새로운 장치를 만들었다는 것은 매우 중요합니다. 그런 다음 이러한 장치는 엔터테인먼트 및 일반 가정 영역에 통합되었습니다. 그리고 제공된 기회에 대한 예술적 이해의 오랜 과정을 거친 후에야 예술 분야에서 기술을 유기적으로 적용할 수 있는 전체 예술가 계층이 형성되었습니다.

20세기 중반. 조명 디자이너 직업의 출현.

20세기에는 무대 공간을 해결하기 위한 근본적으로 새로운 접근 방식이 등장했습니다. 현대적 의미이 단어. 다양한 장르와 다양한 연극 학교는 캔버스 평면이나 배경이 아닌 작업에서 공간 작업 방법을 알고있는 예술가의 출현을 요구했습니다 (공간 깊이의 환상을 키운 것은 그들이 였지만). 입체적인 풍경과 전등으로 채워진 진정한 입체 공간. 새로운 무대 디자이너는 기계, 화학, 광학 및 전기 분야의 엔지니어링 기술에 대한 지식이 필요했습니다. 필요한 지식의 양은 매년 기하급수적으로 증가했습니다. 당연히 협소 한 연극 예술가라도 모든 기술을 철저히 연구 할 수는 없습니다. 엔지니어와 기술자는 소통의 기준이 다르기 때문에 예술가를 완전히 이해할 수 없었습니다.

그 결과 예술과 기술의 접점에 있는 전문가, 예술가-기술자가 등장했다. 조명 전문가는 조명 예술가로 불리기 시작했습니다. 사실상의 조명 디자이너는 철과 예술 사이의 "번역자"입니다.

내가 아는 한, 무대 감독과 세트 디자이너가 있는 모든 장르의 공연 예술에는 오늘날에도 유사한 경향이 존재한다. 단, 세트 디자이너나 감독이 기술자의 직업이나 감독의 기능을 가지고 있거나 조명 디자이너가 세트 디자이너를 대신하는 경우는 예외입니다.

새로운 직업의 출현으로 무대 조명 학교가 필요했습니다. 20 세기 중반, 더 정확하게는 40 년대에 Nikolai Izvekov의 조명에 관한 최초의 소련 교과서 인 Light on the Stage가 등장했습니다. 60 년대에 Vadim Bazanov의 연극 기술 "무대 기술 및 기술"에 대한 "백과 사전"이 출판되었습니다. 이 책들은 Leningrad BDT 및 BKZ의 예술적 조명 서비스 창립자 인 B. Sinyachevsky 선생님의 출판물과 함께 관련성을 잃지 않았으며 여전히 많은 예술가들의 참고서입니다. 불행하게도 세상에는 비극적으로 책이 거의 없습니다. 불과 40 년 후, 이미 우리 시대에 러시아는 D. G. Ismagilov, E. P. Drewaleva "Theatrical Lighting"과 내 노트의 연극 조명에 관한 새로운 교과서를 보았습니다. M. Keller의 책 "This Fantastic Light"는 매우 인기가 있습니다.

처음부터 끝까지 읽고 싶은 유혹이 매우 크지만 무대 조명에서 다른 각도를 유지하고 싶기 때문에 당분간은 읽지 않겠습니다. 어쨌든 나는 독자들이 스스로 행복한 매체를 찾기 위해 두 교과서를 모두 읽을 것을 강력히 권한다.

나는 상트 페테르부르크 청소년 창의력 극장과 그 교사 E. Chernova와 V. Bulygin에서 오늘날까지 살아남은 무대 조명의 "학교"를 언급하지 않을 수 없습니다.

영화와 연극

첫 등장과 함께 환등기”, 동적 및 정적 프로젝션을 사용할 수 있게 되었습니다.

뤼미에르 형제의 출현 이후 연극과 영화의 두 영원한 라이벌이자 적대자는 끊임없이 서로에게 영향을 미치고 보완해 왔습니다. 나는 영화 이전 시대에 카메라 옵스큐라가 화가뿐만 아니라 극장 관객들에 의해서도 사용되었다고 거의 확신합니다. 프로젝션 장치와 필름 영사기의 등장은 즉시 극장에서 적용되었습니다. 타이틀, 프로젝션 백, 클로즈업, 영화의 전체 무기고는 비디오 영사기가 등장하기 오래 전에 극장에서 사용되었습니다. 화면에 배우의 얼굴을 클로즈업하여 "라이브"로 표시할 수 있는 epidiascope의 예를 제공하는 것으로 충분합니다. 프로젝션 기술의 진정한 번영과 이러한 기술의 예술적 이해는 20세기 중반과 I. Svoboda의 지휘 아래 프라하 극장 "Laterna Magica"와 관련이 있습니다. 현대 비디오 프로젝션에 사용되는 거의 모든 예술 및 기술 기술이 이 극장에서 반복적으로 테스트되었습니다. 분명히 I. Svoboda와 함께 독립 예술 형식으로서 실제 라이트 극장의 출현 카운트 다운이 시작됩니다.

독립적인 예술 형식으로서의 20세기 빛

20세기의 모던과 포스트모던의 기술적 붐과 미적 절충주의는 순수 예술의 새로운 장르를 탄생시켰습니다.

가벼운 음악. 컬러 음악.

일부 작곡가, 특히 Rimsky-Korsakov의 "색상 청력"에서 때때로 나타나는 아이디어는 19세기 후반과 20세기 초반의 두 뛰어난 작곡가에 의해 개발되었습니다.

작곡가이자 화가인 M. Cherlionis는 같은 이름의 음악 작품과 그림을 만들었습니다.

A.Skryabin은 음표와 색조의 일치에 대한 논문을 발표했으며 덕분에 컬러 음악 장르가 등장했습니다. 이 장르는 I. Vanechkin과 B. Galeev와 그들의 Kazan Design Bureau "Prometheus" 덕분에 60-70년대에 강력한 발전을 이루었습니다. 추가 개발아이디어는 B. Sinyachevskii(Leningrad), Yu. Pravdyuk(Kharkov) 및 S. Zorin(모스크바)에 속합니다.

이 저자들이 만든 예술적 기술과 엔지니어링 개발은 오늘날에도 여전히 사용되고 있습니다.

컴퓨터 그래픽의 "선구자"는 결합 촬영의 많은 운영자, 특히 제 또 다른 교사 인 B. Travkin (Mosfilm)이었습니다.

가벼운 음악 외에도 조명 설치, 비디오 아트, 건축 조명 퍼포먼스라는 장르가 등장한다.

콘서트 조명

특히 재즈와 다양한 팝 장르가 발달한 이후 뮤지션들이 오케스트라 피트를 무대로 '떠나는' 순간부터 그들의 취재가 필요하다. 음악가들은 점차 연락을 잃습니다. 극장의 세계. 조명 기술은 순전히 연극적이거나 실용적입니다. 로큰롤의 출현으로 콘서트 쇼가 필요합니다. 연극적 기반은 그대로 유지되지만 음악적 특이성이 추가됩니다. 사실 록쇼의 등장 이후 '조명작가'라는 직업은 상대적으로 독립적이면서 나름의 특성을 갖게 됐다.

직업의 기초는 여전히 연극이라는 점에 유의하는 것이 중요합니다. 음악 트렌드의 추가 개발 : 레이브, 랩, 얼터너티브 - 직업 개발에 새로운 충동을 가져 오지는 않지만 조명 아티스트의 많은 기능을 단순화합니다.

20세기 초부터 현재까지의 연극 및 콘서트 기술 발전 동향

20세기 초 연극 예술가의 탐색과 발견은 앞으로 수년 동안 세계 연극의 발전을 결정했습니다. 현대 기술은 수십 년 전에 제시된 방향만 개발합니다. 20세기 초에 활동했던 무대 디자이너들의 아이디어는 고갈되지 않고 오늘날의 무대 예술가들에게 거대한 실험 공간을 제공한다.

논쟁의 여지가 있을 수 있지만 제 생각에는 예술적 조명의 모든 현대적 방법이 마침내 20세기 전반기에 형성되었습니다.

근본적인 혁신은 렌즈 프로젝터와 다채널 기계식 조명 제어 시스템의 등장이었습니다.

그 이후로 독점적으로 기술 방향으로 집중적 인 개발이 진행되었습니다. 예술적 구성 요소는 광범위하게만 개발되었습니다. 조명 기술의 거대한 돌파구에도 불구하고 20세기 후반 전체 동안 예술적 과정을 크게 변화시킨 근본적으로 새로운 조명 기술은 나타나지 않았습니다.

나는 빛의 미학의 변화에 ​​영향을 미친 단 하나의 확실한 요소를 인용할 수 있다. 60년대 강력한 소형 항공 헤드라이트의 등장으로 백라이트(백라이트) 조명의 전체 시스템을 만들 수 있게 되었고, 이것이 PAR64 장치의 탄생으로 이어졌습니다. 이 기술은 글리세린의 발명에 의해 강화되었고, 가성 로진 "파빌리온 연기"또는 "무거운 연기"가 땅을 따라 기어 다니는 "오일" "가벼운 연기"를 대체했습니다.

나머지 다양한 기술은 고전적인 작업을 수행하거나 효과로 사용되거나 여전히 날개에서 기다리고 있습니다.

상술 한 바와 같이, 일반 개발기술은 예술적 구성 요소의 개발에 자극을 줍니다. 역 과정도 있습니다. 예술적 작업의 복잡성 증가는 특정 연극 및 콘서트 기술의 개발을 자극합니다.

빛의 발전 극장 기술, 조건부로 네 방향으로 이동했습니다.

ㅏ) 밝기 향상(광 출력) 광원의. 경제성장광원. 다운사이징광원. 광학 시스템의 개선광원.

개발 단계:볼타 아크, 백열 램프, 저전압 램프, 할로겐 램프, 크세논 램프, 메탈 할라이드 램프, LED.

비) 다양성 확대조명 장치. 키 보편성다기능 장치 그룹 및 수의 증가 고도로 전문화된, 단기능 조명기구.

다기능 장치 개발 단계:렌즈 후드가 있는 스포트라이트, 컷오프 및 카운터 리플렉터가 있는 렌즈리스 스포트라이트, PISI 렌즈 스포트라이트, 컬러 체인저, 무빙 헤드.

단일 기능 장치의 개발 단계:조명기구를 스포트라이트와 투광 조명등으로 분리합니다.

스포트라이트 개발 단계:투광등은 PAR64형 투광등, 프로파일, 프로젝터, 추적등으로 구분하였다.

"홍수" 장치의 개발 단계:"채우기"는 경사로와 수평선의 다중 챔버 램프, "도마"장치 및 건축 색상 교환기로 구분되었습니다.

V) 조명 제어 시스템의 개선.

유연한 제어는 간단한 스위치 모양으로 시작된 다음 가변 저항이 나타나 전압을 변경하고 그에 따라 램프의 백열을 변경할 수 있습니다. 가변 저항은 출력 전압이 가변적인 자동 변압기로 대체되었습니다. 공통 코어와 다중 외장 브러시가 있는 자동 변압기의 출현으로 조정 가능한 다중 채널 제어 시스템을 만들 수 있었습니다. 기계식 조명 조절기가 나타 났고 조절기를 전력 및 조건부 콘솔 부품으로 나누기 시작했습니다. 튜브 사이라트론과 사이리스터의 출현으로 마침내 콘솔과 전원 섹션을 분리할 수 있게 되었습니다. 사이리스터에 의한 "제어 전압"의 출현으로 먼저 "수동 프로그래밍"으로 리모콘을 만든 다음 전자 메모리를 사용한 리모콘, 마지막으로 컴퓨터 제어 콘솔을 만들 수 있었습니다.

G) 효과 및 근본적으로 새로운 조명 장치 생성.

강력한 필름 및 슬라이드 프로젝터의 출현으로 프로젝션 풍경을 만들 수 있게 되었습니다. 비디오 프로젝터, 비디오 카메라 및 컴퓨터의 출현으로 동적 콘텐츠 생성이 크게 단순화되었습니다. 비디오 프로젝터의 힘과 이동성으로 인해 화면뿐만 아니라 필요한 물체에도 광속을 지시하는 특수 스포트라이트로 사용할 수 있습니다. 의사 홀로그램 필름을 만들면 이미지를 공중에 "일시 중지"할 수 있습니다.

20세기의 30년대 중반에 "실행 중인" 램프의 패널과 화환이 등장한 것은 70년 후 LED 스크린이 만들어지기 이전이었습니다. LED의 출현으로 화면 이미지의 밝기가 크게 증가했으며 LED는 태양광 조명과 경쟁할 수 있었습니다. 또한 LED 패널은 어떤 방식으로든 배열할 수 있어 무대 위의 기존 '대형 TV' 화면에서 '탈출'할 수 있습니다.

“우리 시대에 전통적인 스포트라이트의 광원으로 LED를 사용하려는 고통스러운 시도를 봅니다. 값싼 파란색 LED의 색온도와 모양을 수정하면 상황이 크게 개선될 수 있습니다. 아마도 건물 조명에 대한 새로운 접근 방식에 자극을 줄 LED가 될 것입니다.”

위의 줄은 몇 년 전에 작성되었습니다. 현재까지 문제가 완전히 해결되었습니다. 좋은 조명 온도, 높은 발광 효율 및 편리한 작동으로 LED 기술을 선도 기술 범주에 넣습니다.

20세기 중반에는 혁신적인 광원인 레이저가 등장했습니다. 불행하게도 연극과 콘서트 연습에서 레이저의 사용은 매력으로 축소되었습니다. 비슷한 운명이 플래시 램프를 괴롭힌다. 그것을 사용하는 스트로보스코프는 극장과 콘서트장의 "디스코" 저주가 되었습니다.

자외선 램프와 발광 페인트는 60년대와 70년대의 풍경화에 큰 인기를 끌었습니다. 요즘에는 연극 제작에서 더 제한적이고 유기적으로 사용됩니다.

""스캐너" 유형의 지능형 동적 장치와 "무빙 헤드" 유형 장치의 출현은 기대와 달리 아직 중요한 결과를 가져오지 못했습니다. 전반적인 미학예술적 빛. 아마도 이것은 정확히 러시아의 특이성입니다. 사실은 원래 원격 제어가 가능한 범용 연극 장치로 만들어진 "무빙 헤드"가 극장에서 충분히 사용되지 않는다는 것입니다. 적어도 네 가지 이유가 있습니다.

1. 감독, 극장 디자이너 및 극장 직원의 낮은 준비성.
2. 2. 콘서트 환경에 의해 망가진 "무빙 헤드" 장치의 명성(상인의 습관은 "무빙 헤드"를 구입하여 스캐너로 사용하고 부당하게 후자를 거부하는 것입니다).
3. 3. 무비 헤드에서 거의 볼 수 없는 기계식 디머와 할로겐 백열 램프의 존재.
4. 4. 비싸다.

그럼에도 불구하고 다이내믹 인텔리전트 라이트의 미적 구성 요소는 이미 극장 뒤의 콘서트 연습에서 다듬어지기 시작했습니다.”

그리고 이 내용은 6년 전 교과서의 이전 판에 쓰여진 것입니다. 이 기간 동안 마침내 연극 환경에서 의식의 질적 변화가 일어 났고 보수적 연극 예술가들은 마침내 이러한 장치를 연습에 사용하기 시작했습니다.

결론적으로 위에서 말한 내용을 더 명확하게 요약하고 싶습니다.

고전 연극의 최종 형성.

19세기 중반까지 고전적인 장면의 주요 특징은 완성된 형태를 갖추었습니다. 무대의 건축 만이 형성되었습니다. 무대조명은 혁명적인 변화를 기다리고 있었다.

전기의 출현. 아크 램프. 백열 램프.

백열등, 스위치, 가변 저항의 출현으로 무대 조명의 현대 원리 형성 단계가 시작됩니다.

전등의 성질(극장에 적용) .

1. 밝기 및 색온도.
2. 조명 대상에 대한 램프의 원격 위치.
3. 방향 조명. 본격적인 스포트라이트의 출현.
4. 컬러 라이트.
5. 조정 가능한 조명.
6. 광원 배치를 위한 확장된 옵션. 조명 장비의 고전적인 "매달린" 형성의 시작.

20세기 전반기에는 무대조명 세트의 위치와 조명조명의 원리가 현대적으로 완성되었다.

전기의 출현으로 빛을 보편적이지만 다양한 요구 사항에 쉽게 적응할 수 있는 매우 유연한 도구로 간주할 수 있게 되었습니다.

기술 진보는 먼저 새로운 장치를 만들었습니다.

그런 다음 이러한 장치는 엔터테인먼트 및 일반 가정 영역에 통합되었습니다. 그리고 제공된 기회에 대한 예술적 이해의 오랜 과정을 거친 후에야 예술 분야에서 기술을 유기적으로 적용할 수 있는 전체 예술가 계층이 형성되었습니다.

20세기 중반. 조명디자이너 직업의 등장

직업의 주요 유틸리티. 조명디자이너는 감독, 세트디자이너, 장비 사이의 중개자다.

독립적인 예술 형식으로서의 20세기 빛

독립적인 크리에이티브 유닛으로서의 조명 디자이너의 등장.

영화와 연극의 상호 통합

콘서트 라이트.

콘서트와 연극 조명의 분리가 시작되고 현재 단계에서 불행히도 상황은 점점 더 악화되고 있습니다.

우리 시대의 무대 조명. 현재 상황에 대한 간략한 평가.

20세기 말까지 개념은 무대 조명. 기술적인 입장과 예술적인 입장 모두에서 현대적인 무대조명을 고려할 필요가 있다. 많은 구성 요소가 서로 불가분의 관계로 존재하고 너무 얽혀 있어서 때때로 기술이 어디에서 끝나고 예술이 시작되는지 알 수 없습니다.

20세기 초 연극 예술가의 탐색과 발견은 앞으로 수년 동안 세계 연극의 발전을 결정했습니다. 현대 기술은 수십 년 전에 제시된 방향만 개발합니다.

기술의 일반적인 발전은 예술적 요소의 발전에 자극을 줍니다. 역 과정도 있습니다. 예술적 작업의 복잡성 증가는 특정 연극 및 콘서트 기술의 개발을 자극합니다.

20세기 기술 발전의 방향은 다음과 같다.

기술적 방향

1. 광원의 밝기(광 출력) 강화. 광원의 효율성을 높입니다. 광원의 크기를 줄입니다. 광원의 광학 시스템 개선.
2. 다양한 조명 장치의 확장. 다기능 장치 그룹의 다양성 증가 및 고도로 전문화된 단일 기능 조명 장치의 수 증가.
3. 조명 제어 시스템의 개선.
4. 효과 및 근본적으로 새로운 조명 장치 생성.

예술적 방향

1. 현대적이고 빠르게 발전하는 기술에 대한 미학적 이해. 좋고 나쁜 장치 및 기술의 존재와 반대로 적절하고 부적절한 기술 및 장치의 존재에 대한 인식.
2. 무대 조명의 통합 이론 생성. 방법론. 철학과 궁극적으로 수많은 방향을 가진 무대 조명의 통합된 현대 학교의 창조.
3. 연극과 콘서트의 간극을 좁히다
4. 비디오 프로젝션을 통해 단일 무대 조명을 위한 근본적으로 새로운 체계를 만듭니다.

현대 무대 조명의 특징을 설명하려면 무대 조명의 기술적 수단과 예술적 기법 모두에서 제안된 무기고의 다양성을 탐색해야 합니다.

이 교과서의 파트 III-V는 무대 조명 개발의 현재 단계를 확장합니다.

조명 기술 및 예술적 요소의 발전 전망

비디오 헤드 및 비디오 스캐너의 출현, 비디오 프로젝터의 광속 증가, LED 생성 및 향후 비디오 녹화 및 실시간 비디오 처리 시스템을 통해 단일 시각적 시스템에 연결된 레이저 비디오 프로젝터, 이제 단일 스테이지 조명에 대한 근본적으로 새로운 체계를 만들 수 있습니다. 새로운 접근 방식의 원리는 합리적인 한계까지 확장된 비디오 프로젝션의 가능성뿐만 아니라 근본적으로 새로운 비디오 빔 제어 시스템에 있습니다. 빔의 색상의 형태는 빔의 고유한 특성이 될 뿐만 아니라 원하는 대로 변경할 수 있는 이미지를 전달합니다. 이미 고전이 된 비디오 매핑은 여전히 ​​실현되지 않은 전망을 가지고 있습니다. 지금까지는 정면에 불과하지만 비디오 프로젝션에 3 점 조명 원리가 적용되는 것을 방해하는 것은 무엇입니까? 클러스터로 자유롭게 분할되고 필요한 경우 투명한 작은 픽셀 피치의 LED 스크린을 사용하면 지금도 배경 화면뿐만 아니라 다층적이고 역동적인 배경 화면을 만들 수 있습니다. 비디오 스트림을 제어하고 조명 및 기계 장치와 동기화하면 의사 체적 이미지를 만들 수 있을 뿐만 아니라 실시간으로 이미지를 즉흥적으로 만들 수도 있습니다.

첫 번째 부분의 결론

우리 시대의 무대 조명다음이 있다 특이점:

기술: 증가된 광 출력과 유연한 제어 시스템을 갖춘 방향성 조명의 강력한 전기 소스를 주로 사용합니다.

인체공학적: 광원이 조명 대상에서 멀리 떨어져 있어 국부 광원을 거의 사용하지 않음.

예술적: 약예술적 조명의 기본은 20세기 중반 이후로 변함이 없습니다. 기본적으로 기술적 방법이 개발되고 있습니다. 예외는 움직이는 광선 형태의 동적 조명 사용과 콘서트 비디오의 광범위한 사용입니다.

향후 개발 동향: 강력한 소형 프로젝터의 등장으로 빔의 형태와 색상을 형성하는 원리를 근본적으로 바꿀 수 있습니다. 최근까지 빔의 형상은 고전적인 광학계와 각종 기계장치에 의해 형성되고, 주로 광필터에 의해 색상이 변화되었다. 그런 다음 비디오 프로젝션의 출현으로 빔의 모양과 색상이 프로젝터의 매트릭스에 생성되고 절대적으로 무제한의 한계 내에서 즉시 변경됩니다. 빔의 "클래식 서클"에서 점진적으로 벗어나면 무대 조명이 질적으로 도약합니다.

비디오 프로젝션의 모양은 무대 조명을 만드는 근본적인 접근 방식에 상당한 영향을 미칩니다. 첫째, "자체발광" 비디오 이미지의 형태로 시노그래피에 매우 강한 지배자가 나타나며, 게다가 정적이지 않다. 세트 디자이너와 감독이 비디오 프로젝션의 가능성을 이해하고 무대 비디오의 관성을 극복하자마자 무대 위의 "대형 TV"의 형태로 근본적으로 새로운 복잡한 장면 솔루션이 떠오를 것입니다.

둘째, 조명 아티스트와 미디어(비디오) 아티스트라는 두 직업의 융합을 통해 첫 번째는 직접 조명에서 비디오의 가능성을 적용할 수 있고 두 번째는 공통의 조명 공간을 만드는 데 지식과 취향을 적용할 수 있습니다.

예를 들어, 컴퓨터 그래픽을 통해 편집되고 동적으로 변경되는 자체 이미지를 개체에 투사할 수 있는 비디오 프로젝션 기술인 소위 "매핑"(매핑)을 인용하겠습니다. 실제로 매핑 프로세스는 텍스처를 "부드러운" 3차원 개체에 "스트레칭"하는 프로세스입니다.

전면뿐만 아니라 측면과 제어점에서도 매핑을 적용함으로써 근본적으로 새롭고 진정한 공간적 장면을 얻을 수 있습니다.

비디오 헤드는 또한 조명 아티스트의 가능성을 크게 다양화합니다.

이러한 시나리오의 제한 요소는 보수적인 생각, 비디오 프로젝션 구성 요소의 상대적으로 높은 비용 및 상대적으로 큰 장비 크기의 상대적으로 낮은 광속입니다.

사실, 우리는 무대 조명과 무대 장치에 대한 근본적으로 새로운 접근 방식에 직면해 있습니다.

먼 전망홀로그램 기술의 발전에서 볼 수 있습니다. 체적 장식의 제한을 받지 않고 즉시 변화하는 자체 발광을 사용하는 결과

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Arri Lighting Handbook의 저자인 조명 아티스트 Bill Holshevnikoff는 빛의 과학을 명확히 하기 위해 이 교육용 CD 시리즈를 만들었습니다. 이 시리즈는 얼굴 조명, 인터뷰 조명, 색상 보정 및 필터, 실내 조명의 4개 부분으로 구성되어 있습니다. 각 파트는 약 50분 동안 진행됩니다.

1부. 얼굴 조명.
이 부분에서는 사람들을 비추는 기술을 포괄적으로 살펴볼 것입니다. 부드럽고 단단한 빛을 사용하는 방법과 간단한 방법피부색이 다른 사람, 안경을 쓴 사람 또는 대머리인 사람을 강조 표시합니다. 어떤 유형의 조명으로 원하는 모습을 연출할 수 있는지, 대비의 양을 결정하는 방법 등을 알아보세요!

1.1 얼굴 조명의 요소. 조명 제어.

1.2 얼굴 조명. 광원의 크기입니다.

1.3 얼굴 조명. 광원으로부터의 거리.

1.4 얼굴 조명. 콘트라스트 컨트롤.

1.5 얼굴 조명. 세상의 분리.

1.6 얼굴 조명. 특별한 상황.

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12월에는 CNTI Progress in 다시 한번합격
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. 전통에 따르면 주요 강사는 세미나 참가자들이 "Alisa", "Aquarium", "DDT"그룹과 여러 번 작업한 유명한 조명 디자이너라고 부르는 "전설적인 사람"인 Andrey Melnik이었습니다. , 뿐만 아니라 상트 페테르부르크 의 극장 에서 .

12월에 CSTI "Progress"가 다시 한 번 주최되었습니다.
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우리는 Andrey와 세미나, 조명 디자이너가 배워야 할 내용과 이유, 극장과 콘서트에서 조명이 어떻게 다른지에 대해 이야기했습니다.
Andrey, 그들은 오늘날 어떻게 조명 디자이너가 되었습니까? 결국 이것은 실제로 어디에도 가르쳐지지 않습니다.

먹다 극장 기관그리고 전문 "예술가-기술자". 제 생각에는 그들은 그렇게 가르칩니다. 실습은 없고 이론만 있습니다. 따라서 극장의 조명 디자이너는 종종 우발적입니다.

록 음악은 더욱 재미있습니다. 이들은 음악가이거나 사운드 엔지니어, 기술자입니다. 동시에 좋고 나쁩니다. 나쁜 - 많은 전문가들이 기술 분야에서 왔기 때문입니다. 하지만 직업은 "조명 아티스트"라고합니다. 따라서 "전세계"인 부분이 가능하며 복잡한 장비와 잘 작동합니다. 그러나 예술적인 부분이 빠져 있습니다. 음악가는 "귀로 본다". 그리고 작가는 “눈으로 들어야” 한다.

사람이 함께 오면 좋다 예술 교육. 하지만 예를 들어 록 미술 교육을 받은 아티스트는 단 두 명뿐입니다. 저와 Alisa의 첫 번째 아티스트인 Andrey Stolypin입니다.

Anna Pingina와 Minus Trill 그룹. 조명 디자이너 - Andrey Melnik

극장과 콘서트에서 조명 디자이너의 작업은 어떻게 다른가요?

별도의 극장 조명과 콘서트 조명이 없습니다. 예술의 법칙, 창의성 - 모든 곳에서 동일합니다. 예술가의 학대적인 의미에서 "kondovy"를 취한다면 또 다른 것입니다. 콘서트에서 그는 "디스코"가 있고 계속 깜박이며 극장에서는 조명이 배우에게만 있습니다. 유능한 전문가에게는 다양한 옵션이 있습니다. 우리가 깜박이는 곳, 그렇지 않은 곳, 강한 빛이있는 곳, 반대로 부드럽고 충만한 곳.

현재 직업의 새로운 트렌드, 신기술은 무엇입니까?

그들은 항상 나타납니다. 그러나 제 생각에는 접근 방식은 동일하게 유지됩니다. 지금까지 최고의 교과서는 1946년 판인 N.P. Izvekov, 무대 위의 빛. 법은 동일하게 유지됩니다.

세미나에 대해 묻지 않을 수 없습니다. 청취자들은 지금 무엇에 관심이 있고, 어떤 질문을 하고, 어떤 문제를 안고 오는가?

개인적인 질문이 많고 모두 자신의 질문이 있습니다. 하지만 내가 아는 한 그들은 "울부짖지" 않고 걱정하지 않습니다. 세미나에서 저는 기술에 대해 많이 이야기하지 않습니다. 기술은 물론 백본입니다. 그러나 기술에 관한 많은 문헌, 인터넷 기사, 예술적 측면에 대한 정보가 거의 없기 때문에 주로 창의적인 요소에 대해 이야기합니다. 그리고 그들은 전혀 신경 쓰지 않는 것 같습니다.

Mikhailovsky Theatre의 실습 수업 비디오

실전에서는 무엇을 연습하나요? 예를 들어, 내일 귀하와 귀하의 그룹은 Cosmonaut 클럽에서 공부합니다. 그곳에서 무슨 일이 일어날까요?

가벼운 연구, 가벼운 공연. 매번 조금씩 다르게 - 사이트, 분위기 및 청중에 따라 조정됩니다.

추신 다음 세미나 "조명 디자이너"는 2월 10일부터 14일까지 St. Petersburg에서 개최됩니다. 자세한 내용을 알아보고 등록하세요.
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CNTI "Progress"는 조명 전문가를 초대하여 현대 기술세미나에서 무대 조명 제어

스테이징 무대 조명에 대한 귀중한 경험을 다음과 같이 공유합니다.

Melnik Andrey Vladimirovich, 조명 디자이너("Alisa", "Aquarium", "DDT", "Picnic", "Surganova and Orchestra", "Butusov and Yu-Piter" 등의 그룹 및 주요 극장 경험 상트페테르부르크);
Mikhailovsky Theatre의 조명 서비스 책임자 인 Kibitkin Alexander Andreevich;
Mariinsky Theatre의 수석 조명 디자이너 Lukin Sergei Vladimirovich;
Alexandrinsky Theatre의 조명 부서 책임자 인 Pesotsky Dmitry Yuryevich;
Guild of Masters 이벤트 에이전시의 기술 이사 Shamil Islamgazin, Ph.D.

세미나 참가자:
조명을 설정하는 전문 기술과 기술에 익숙해집니다.
Mikhailovsky, Mariinsky 및 Alexandrinsky 극장에서 실습 수업에 참여하십시오.
Andriy Melnyk의 지시에 따라 그들은 Minustreli 그룹의 라이브 콘서트를 다룰 것입니다.
조명 장비 시장의 참신함을 알게 될 Doka 회사의 쇼룸을 방문하십시오.

자세한 정보 및 세미나 등록 -
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창의적인 비전을 위해 조명을 작동시키는 방법은 무엇입니까?

첨부파일 보기: 3.jpg 첨부파일 보기: 17.jpg

세미나에 여러분을 초대합니다
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보려면 로그인하세요. 2012년 10월 8~12일, 상트페테르부르크

상트페테르부르크에 있는 산업 기업, 극장 및 이벤트 에이전시의 조명 서비스 책임자 및 기술 이사가 수업을 진행합니다.

교사 중에는 Aquarium, DDT, Alisa 등 그룹의 콘서트에서 조명 디자이너로 활동한 최고의 상트페테르부르크 무대 디자이너이자 멀티미디어 그래픽 아티스트인 Andrey Vladimirovich Melnik이 있습니다.
프로그램에서:
콘서트, 발레, 인형극, 드라마 극장 등에 적합한 조명 장비를 선택하는 방법은 무엇입니까?
무대 조명을 위한 최신 기술 및 장치. 수업은 조명 서비스 Alexander Andreevich Kibitkin의지도하에 Mikhailovsky Theatre를 기반으로 진행됩니다.
조명의 종류와 기술. 빛의 컴퓨터 모델링.
조명 디자이너와 세트 디자이너의 공동 작업. 수업은 Dmitry Yuryevich Pesotsky 조명 부서장의지도하에 Alexandrinsky Theatre를 기반으로 진행됩니다.
라이더를 만드는 방법? 호스트와 연락하십시오. 조명기구대여. 수업은 Guild of Masters 이벤트 에이전시의 기술 이사인 Islamgazin Shamil이 진행합니다.
콘서트의 조명 시각적 장면 (콘서트 "Butusov. 50 년"의 예). 수업은 Andrey Vladimirovich Melnik이 진행합니다.
조명 장비 시장의 참신함 검토. 이 수업은 Stage Equipment and Technology LLC의 전문가가 진행합니다.

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“세미나는 유익합니다. 내부에서 워크샵 작업을보고 실제로 사용되는 장치 및 기술에 대해 배울 수있는 좋은 기회입니다.”-Sakhalin International Theatre Center의 조명 부서장 Alexander Dmitriev. AP 체호프.

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가을에 오시기 어려우신 분들은

2012년 12월 10일 - 14일에도 "Light Designer" 세미나가 개최됩니다.
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러시아 극장의 문제 중 하나 조명 디자이너그리고 일루미네이터, Mariinsky Theatre의 수석 조명 디자이너인 Vladimir Lukasevich는 말합니다.

무엇 조명 디자이너- 이것만은 철저히 아는 사람이 아니다. 조명 기술, Vladimir Lukasevich는 극장에서 작업을 시작한 지 몇 년 후 이해했습니다. 따라서 그와 그의 친구 Mikhail Mikler는 이제 주요 조명 디자이너 Maly Opera Theatre는 1977년 Leningrad State Institute of Theatre, Music and Cinematography(LGITMiK)의 제작 부서에 와서 스스로 편찬한 프로그램에 따라 가르쳐달라고 요청했습니다. 프로덕션 디자이너의 전통적인 일반 과목에 이전에는이 ​​교수진에 전혀 존재하지 않았던 색상 이론, 전자 공학, 시각 생리학, 지각 심리학을 추가했습니다. 이제 이것과 훨씬 더 많은 것이 생산 부서의 새로운 과정에서 가르쳐질 것입니다. 연극 아카데미. 코스에서 조명 디자이너”, Lukasevich와 머리의 주도로 만들어졌습니다. V. M. Shepovalov의 생산 부서.

다른 사람들의 실수

조명 디자이너자신의 역할을 만듭니다 스베타” 이론적으로 ( "역할"의 다른 모든 구성 요소와 마찬가지로) 시청자를 울고 웃게 만들어야하는 공연에서 전체 극장이 제공하는 것입니다. 그의 눈물샘을 누르는 방법도 모르고, 지각의 심리도 모르면서 어떻게 시청자를 정말 울게 만들 수 있단 말인가? 예를 들어 암순응의 법칙과 같은 시각의 생리학이 있습니다. 시청자가 눈치 채지 못하도록 무대에서 "절단"할 때 변경하는 방법은 무엇입니까? 어쩌면 그냥 지불 빛,하지만 극장에 완전한 어둠이 없기 때문에 충분하지 않을 것입니다. 결국 오케스트라 피트가 있습니다. 램프비상구 등 아마도이 경우 어두운 순응이 발생할 때까지 시청자의 "어둠"느낌을 연장하기 위해 청중의 시야를 약간의 증가 된 밝기에 적응시키는 것이 더 정확할 것입니다. 이것들은 아주 실제 도구... 그리고 완전한 어둠을 원하지 않고 시청자가 행동에 필요한 것을 보지만 숨기고 싶은 것이 아닌 상태를 원한다면? 물론 오랜 시간 동안 경험적으로 연습하여 시청자의 시력을 어느 정도, 어떤 밝기로, 얼마나 오래 적응시켜야 하는지 또는 적응 곡선이 어떻게 작동하는지 알 수 있습니다 ... 음, 심리학 색상 인식의 역사는 티베트 철학과 불교 문화에서 찾을 수 있습니다. 예를 들어 고대 인도 극장. 인도 극장에서 특정 색상, 예를 들어 녹색의 배경이 낮아지면 시청자는 즉시 그것이 우울에 관한 것임을 이해합니다. 시청자에게 상징이자 기호였습니다. 음, 등등. 물론 그런 것들은 초기에 알고 이해해야 합니다. 기초 교육이 필요한 이유-매번 처음부터 시작하지 않기 위해 우리가 가장 좋아하는 시행 착오 방법.

안타깝게도 러시아에는 교육에 필요한 모든 지식이 한곳에 모이는 학교가 없었습니다. 현대 조명 디자이너. 기술은 항상 마스터에서 견습생으로 이전되었습니다. 그러나 50 년대와 70 년대에 일했던 Klimovsky, Kutikov, Diaghilev, Drapkin, Sinyachevsky, Barkov, Volkov, Simonov와 같은 마스터는 항상 "내가 어떻게하는지보고 배우십시오. "라고 말했습니다. 따라서 당연히 그들은 제자를 거의 남기지 않았습니다. 그리고 오늘날 대부분의 경우 현재의 모든 러시아인이라고 말하는 것이 옳을 것입니다. 조명 아티스트- 독학. 오직 자신의 경험과 직관에 기초하여 이전 세대가 시작한 것과 동일한 0에서 몇 번이고 다시 시작합니다. 이것이 "전문 학교"개념의 본질입니다. 경험을 축적합니다.

러시아어 연례 세미나에서 조명 아티스트 Lukasevich는 일부 극장에서 작업하는 관행에 대해 두 번 이상 들었습니다. 이는 작업에서 완전히 상상할 수 없습니다. 조명 아티스트: "그리고 우리 극장에서 감독은 "이 랜턴을 빨간색으로 걸러냅니다! 이것은 녹색으로! 여기를 가리키라고 말했습니다! 그리고 이것은-거기! 내가 말한대로하십시오 ...".

이것이 내가 일이라고 부르는 것입니다. 일루미네이터,-우리는 그들이 말하는 곳을 밝힐 것입니다.

현대 연극은 그렇게 작동할 수 없습니다. 이런 종류의 관행은 100년 전에 쓸모없게 되었고, 물론 이것들은 19세기 연극의 기초입니다. 그러나 놀랍게도 상당히 많은 장소에서 안전하게 존재합니다. 아마도 이것은 우리 감독들과 예술가들이 전통적으로 "시노그래피"와 관련된 교육을 충분히 받지 못했기 때문일 것입니다. 스베타교육 수준이 낮은 사람들이 "모든 것을 안다"고 확신하는 정도. 물론 문제는 양면적이다. 감독이 창의성을 믿지 않을 때 양측의 교육 부족으로 상호 불신의 상황이 발생합니다. 조명 아티스트, 조명 디자이너 - 빛난다, 그들이 말하는 곳에서 처음에는 생성되는 작업을 빈곤하게 만듭니다.

물론 아무도 논쟁하지 않습니다. 무대 감독은 공연 전체의 아이디어와 개념을 만든 사람이자 생성자입니다. 그러나 감독의 질문은 아닙니다. 플래시보낼 곳. 감독은 배우, 미장센 등을 다루는 다른 작업이 있습니다. 요점은 조명 디자이너가 무대에서 공연을 리허설하기 전에 아이디어가 아직 형성되는 초기부터 감독과 함께 작업한다는 것입니다. 아티스트가 무대에 입장할 때쯤이면 모든 것이 준비되어 있어야 합니다. 리허설을 위한 절대적으로 모든 것, "역할" 스베타”, 어떤 연기 역할과 마찬가지로. 생각하기에는 너무 늦었습니다. 즉, 그는 점수를 낳아야합니다. 스베타, 감독과 함께 진행하는 공연의 컨셉에 해당한다. 나만의 작품을 만들려면 의상과 풍경뿐만 아니라 캐릭터, 음악 및 기타 모든 것과 조화를 이루는 색 구성표를 만드십시오. 한마디로 자신만의 정확하고 심미적으로 검증된 작업을 해야 하고 조명 점수를 계산해야 한다. 그렇지 않으면 반쯤 완성 된 공연 ( "작품")을 얻습니다. Lukasevich에 따르면 러시아 극장의 문제 중 하나는 우리가 매우 자주 구별하지 않는다는 것입니다. 조명 디자이너그리고 무엇입니까 일루미네이터, 감독의 요청에 따라 비추다배우- "보이도록", 풍경- "아름답게".

교육 기준

코스의 연극 아카데미 개강 작업 시작의 원동력 " 조명 디자이너”블라디미르가 코네티컷 대학교에 러시아 주제의 역사에 대한 강의를하도록 초대했습니다. 그런데 미국인들은 직업 훈련에 종사했습니다. 조명 아티스트 1936년부터 러시아의 경험은 흥미로워 보였다. 그리고 Vladimir는 그들의 훈련이 조직되는 방식을 부러워했습니다. 결국, 대학의 드라마 교수진에는 4 개의 자체 시설이 잘 갖춰진 극장이 있으며, 모든 교수진 학생들이 1 년에 6-8 번의 본격적인 공연을 상연합니다. 따라서, 조명 아티스트, 그러나 감독이있는 배우와 마찬가지로 일할 기회가 있으며 이것은 심지어 필요합니다. 일루미네이터, 편집자, 조감독, 즉 모든면에서 극장을 마스터합니다. 코스의 경우 다음과 같이 자체적으로 릴리스할 수 있습니다. 조명 디자이너 각 5–7공연. 따라서 코스를 마치면 이미 괜찮은 포트폴리오가 있고 고용주에게 흥미로운 일이 될 수 있습니다.

과거 Vladimir Lukasevich는 연극 교육(12년) 경험이 있었습니다. 조명 공학 LGITMiK의 제작 부서에서 전문 "예술가-기술자"라는 전문 분야에서 여러 과정이 공개되었습니다. 조명 디자이너". 궁극적으로 이론적으로 적절한 기술 기반이 없으면 이것은 아마도 의미가 없다는 것이 분명해졌습니다.

알다시피, 그것은 그렇게 잘못된 것으로 판명되었습니다. 교수진과 동시에 Mariinsky Theatre에서 일반 수업을 만들려는 모든 시도는 실패했습니다. 그리고 사람들이 우리에게 공부하러 왔고, 우리는 그들을 가르쳤고, 그들은 고등학교를 졸업하고, 졸업장을 받았습니다. 조명 디자이너” 졸업장에 적힌 내용이 사실이라고 확신했습니다. 그러나 그것은 그렇지 않았거나 정확히 그렇지 않았습니다. 적어도 그들은 실제로 직업을 배울 기회가 없었기 때문입니다. 우리는 그 사람에게 얼굴이 붉다고 말했지만 실제로는 대머리였습니다. 그러나 부정 행위는 여전히 좋지 않습니다. 이 때문에 준비 조명 아티스트중지되었지만 읽기 쉽습니다. 조명 기술더 이상 그다지 흥미롭지 않았습니다.

그리고 더. 미국에서 가르친 후 부러움에 시달렸습니다. 왜 그들에게서는 배울 수 있지만 우리에게서는 배울 수 없습니까? 결국 오늘날 상황은 오랫동안 달라졌고 특정 기술 기반을 얻을 기회가 있으므로 작업하기 만하면됩니다. 그리고 우리는 연극 아카데미와 프로덕션 부서에 해당 과정을 개설하기로 합의했습니다.

전공분야에 있습니다 조명 디자이너»?

여기에 또 다른 크고 동시에 우스꽝스러운 문제가 묻혀 있습니다. 주요 아이디어는 첫 코스부터 코스여야 한다는 것이었습니다. 조명 아티스트. 전문화와 직업은 여전히 ​​다른 것이기 때문에 전문화가 없습니다. 그런데 우리는 흥미로운 것을 발견했습니다. 우리나라에서 가능한 직업 목록에서 조명 디자이너예, 하지만 교육부 목록에는 없습니다. 즉, 직업이 그런 것으로 밝혀졌지만 전문가를 교육하는 사람과 방법을 아무도 이해하지 못합니다. 말도 안되는 소리입니다.

이 직업이 위 목록에 나타나려면 승인된 교육 표준이 있어야 합니다. 우리는 이 표준을 작성했지만 아마도 그것을 다루고 승인할 사역에 아무도 없을 것입니다(연간 8-15명의 졸업생 때문에).

이 교육 표준은 무엇입니까?

전문가가 되기 위해 학생이 습득해야 하는 모든 과목과 지식의 목록입니다. 나는 한때 코네티컷 대학교(현재 미국에서 우리 직업의 선도적인 학교 중 하나)에서 비슷한 과정을 조직한 친구 짐 프랭클린을 이 작업에 초대했습니다. 동시에 그는 한 학기 동안 연극 아카데미에서 강의했습니다. 동시에 이 주제는 협회의 회의 및 원탁에서 활발히 논의되었습니다. 조명 아티스트러시아. 그들은 창을 부러뜨렸다. 말도 안되는 소리로 시작했습니다. 이름을 뭐라고 해야 할까요? 조명 디자이너또는 다른 것? 그러나 무엇입니까 조명 디자이너? 나는 누구인지 이해하지 못한다. 조명 디자이너. 일반적으로 디자인이란 무엇입니까? 결국 영어에서 "디자이너"라는 단어는 "아티스트"라는 단어와 직접적으로 일치하지 않습니다. 생성자에 가깝습니다. 이것은 또한 완전히 사실이 아니지만. 궁극적으로 우리는 창의적이고 특정 시각적 범위를 생성하는 직업, 즉 예술가를 의미합니다. 결국, 우리의 분쟁 외에는 직업 등록부에 존재합니다. 조명 디자이너- 맞습니다.

반면에 예술가가 되기 위해 가르치는 방법은 무엇입니까? 아마도 불가능할 것입니다. 엄마와 아빠에게서 온 것 같습니다. 나는 우리 아카데미에서 (다른 창의적인 대학에서와 마찬가지로) 무엇보다도 사람에게 기술을 부여하는 것이라고 생각합니다. 직업에 존재하는 공예 방법. 그리고 그가 이러한 기술로 무엇을 하는지, 어떻게 실현되는지는 그의 창의적 잠재력에 달려 있습니다. 그러나 직업은 배워야합니다. 러시아 및 외국 연극사, 물질 문화사, 순수 예술사, 철학, 배경 이론, 러시아 및 외국 문학사, 원근법, 소묘, 연극 구조 계산, 회화, 소묘, 지각 심리학 및 생리학, 역사 연극 조명그리고 연극 의상, 컴퓨터 모델링 및 성능의 공간 솔루션 이론 ... 예, 우리는 표준 교육에 다른 많은 것을 포함했습니다. 긴 목록.

무엇을 위해 조명 디자이너인문학을 많이 공부하세요?

교육을 받고 현대적입니다. 당신의 공연이 다루는 시대의 역사, 물질 문화를 알지 못한 채 어떻게 연극, 예를 들어 오페라 작업을 제안합니까? 내 생각에 좁은 전문 지식은 Karl Marx가 "전문 크레 틴주의"라고 불렀습니다. 물론 광범위한 지식을 위해서! 나중에 Jim(당시 나는 투어 중이었다)이 뮌헨에서 열린 세미나에서 우리 프로그램을 발표했다. 조명 아티스트유럽과 미국에서 온 우리 직업의 괴물들이 전통적으로 모이는 곳. 그리고 Jim에 따르면 동료들은 약간 놀랐습니다. 프로그램은 오늘날 미국에 존재하는 것보다 훨씬 더 심각해 보입니다. 예를 들어 미국과 같은 여러 가지 이유로 인해 이러한 다양한 항목을 제공할 방법이 없습니다. 그리고 St. Petersburg Theatre Academy는 이와 관련하여 막대한 자원을 보유하고 있습니다. 미국 학교에서 저는 역사에 대한 지식, 세계 경험, 유럽 ​​극장, 일반적인 전망. 그들은 아마도 Stanislavsky라는 이름을 제외하고는 러시아 극장에 대해 아무것도 모릅니다. 그곳에서 대학에서 학생들이 저에게 와서 자신이 생각해 낸 미친 아이디어에 대해 이야기했습니다. 그리고 1912년 Hellerau에서 Dalcroze를 위해 일했던 우리 동포에 대해 강의해야 했습니다. “... 이미 일어난 일입니다. 14 년차에 Nikolai Saltsman은 이미이 모든 작업을 수행했습니다 ... ". 그래서 조명 디자이너단순한 지식이 아니다 손전등. 이것은 모든 측면에서 주제에 대한 자세한 지식입니다.

입학 시험의 요구 사항은 무엇입니까?

과정이 극장 아카데미에서 특별히 열려 있기 때문에 모든 창의적인 대학과 마찬가지로 우리는 2.5 라운드에서 학생들을 선택할 수 있는 기회가 있습니다. 당신이 원하는 방법에 따라.

그래서 무엇을 위해?

나는 학생이 똑똑하고 재능이 있기를 바랍니다. 1차 예선은 이렇게 진행됐다. 각 지원자는 그림의 복제품, 즉 고전 그림을 받았습니다. 이 그림을 바탕으로 연극 무대를 만들기 위해 계획, 측면 섹션을 그려야했습니다. 빛. 연필과 종이의 손에. 레이아웃을 그리는 방법은 나에게 중요하지 않았습니다. 4 년 후에 그리는 방법을 배울 것입니다. 첫째, 사람이 공간을 보는 정도와 두 번째로 그가 보는 정도를 이해하는 것이 중요합니다. 빛이 공간에서. 이것이 내가 그들에게 설정한 예수회 임무입니다. 그리고 두 번째 라운드에서는 직접 사진을 찍거나 잡지에서 스크랩한 사진을 찾아야 했습니다. 빛일정한 역할을 했다. 그리고 그것에 대해 이야기하십시오. 예를 들어 태양이 숲 뒤에서 떠오르고 강력한 "백라이트"빛이 보이는 가장 단순한 장엄한 사진이 아니라 더 복잡하고다면적인 것입니다. 학교 물리학과 그림에서 몇 가지 문제가 더 있었습니다. 그런 다음-학과의 모든 교사가 지원자에게 연극, 문학, 음악에 대해 물었을 때 인터뷰. 연극적인 사람이 우리 팀에서 어떻게 이해합니다. 따라서 8명이 선택되었습니다(처음에는 6명으로 가정했지만). 우리는 그들이 그것에서 나오기를 정말로 바랍니다.

그리고 당신의 졸업생들은 빛세계 최고의 극장에서?

물론 하고 싶습니다. 나는 그것이 주로 그들에게 달려 있다고 생각합니다. 교수진에서 우리에게 달려있는 것은 우리가 할 것이라고 생각합니다. 그리고 나서 - 인생이 어떻게 이어질지. 극장이 아닐 수도 있습니다. 사실에 관한 것입니다. 조명 디자이너- 이것 조명 디자이너. 그리고 빛그는 카지노, 극장 등 어디에서나 공연할 수 있습니다. 카잔 대성당을 밝히다또는 박물관 전시. 이것은 직업입니다. 그리고 그녀는 무엇이든 적용할 수 있습니다. 문제는 사람이 자신이하는 일을 이해한다는 것입니다. 물론 전문 분야가 있습니다- 건축 조명, 극장 조명, 콘서트 조명. 그러나 이것들은 모두 과정의 다른 과목입니다. ㅏ 조명 디자이너방법을 알아내야 한다 가장 좋은 방법 비추다이것이 아니면 그것이. 예를 들어, 보고 싶습니다. 건축 조명상트페테르부르크는 오늘날의 모습이 아닙니다. 결국 상트 페테르부르크는 놀라운 극적인 환경입니다. 글쎄, 아마도 Dostoevsky의 Petersburg 조명을 받다 Pushkin의 Petersburg처럼 – 이들은 다른 도시입니다! 그리고 빛, 그리고 이러한 다른 도시의 환경은 다르게 수행되어야 합니다. 글쎄요, 적어도 미학적 이유 때문입니다. 그리고 우리는 모든 조명을 가지고 있습니다 - 손전등: 어두웠다가 밝아졌다 - 그게 전부입니다. 극장도 마찬가지입니다. 같은 뿌리의 문제입니다. 그러나 이 기간은 결국 지나갈 것입니다. 우리의 도움 없이는 아니길 바랍니다.

블라디미르 루카세비치는 1956년 오데사에서 태어났다. 15세에 레닌그라드 영화 기술 학교에 입학하여 극장 조명 디자이너 학위를 받았습니다. 17세에 그는 Ryazan Regional Drama Theatre에서 조명 디자이너로 첫 공연을 했습니다. 레닌그라드 연극, 음악 및 촬영 연구소를 졸업했습니다. 다수의 무대 공연 드라마 극장러시아. 극장에서 일했습니다. V. F. Komissarzhevskaya 인민 예술가소련 R. S. Agamirzyan. 그는 LGITMiK에서 "Artist in Lighting"이라는 전문 분야와 함께 "Artist-Technologist" 분야를 가르쳤습니다. 1985년부터 마린스키 극장에서 수석 조명 디자이너로 일하고 있다. 그는 코네티컷 대학에서 가르치고 있습니다. 그는 상트 페테르부르크뿐만 아니라 전 세계 오페라 및 발레 극장 무대에서도 공연에 불을 붙입니다. 그는 Boris Godunov, The Nutcracker, Lohengrin, Parsifal, Sleeping Beauty, Samson and Delilah, Corsair, Firebird, "Parsley", "La Traviata", "Copelia" 등 자신의 크레딧, 클래식 및 아방가르드 프로덕션에서 300회 이상의 공연을 가졌습니다. , "Carmen", "Theme with Variations", "Manon", "The Tale of Tsar Saltan", "Ariadne auf Naxos"등 ... 그가 디자인 한 공연은 전 세계 많은 장소를 방문했습니다-Spoletto Festival 미국, 라 스칼라, 오페라 보르도, 로열 오페라 코벤트 가든, 오페라 마르세유, 뉴 이스라엘 오페라, 도쿄 뉴 내셔널 오페라. 8년 전 그의 프로젝트에 따르면 마린스키 극장에서 스포트라이트의 조명 장비를 독특하게 재구성했으며 조명 기술완전히 자동화된 통제로. Vladimir Lukasevich는 러시아 조명 예술가 협회 이사회 회원 중 한 명이며 이 협회와 상트페테르부르크 극장 아카데미의 후원 아래 조명 예술가의 고급 교육을 위한 연례 세미나를 개최합니다. 그리고 올해 그의 이니셔티브에 따라 Theatre Academy의 무대 부서는 처음으로 "Light Designer"과정 세트를 열었습니다.

"조명 디자이너" 전문 분야의 5년 과정 과목 목록
외국어
신체 문화
국가 역사:
세계 역사적 과정러시아에서
조국의 역사
철학:
철학적 지식의 기초
예술철학(미학)
문화학
심리학 및 교육학
러시아어와 언어 문화
사회학
러시아 문학사
외국문학사
외국 드라마투르기의 역사
극장의 역사
외국 연극의 역사
러시아 극장의 역사
미술사
외국 미술의 역사
러시아 미술의 역사
물질문화와 삶의 역사
드로잉 및 페인팅
극장 건물 및 구조물
러시아 연극 사업 조직
연극적 분장과 패스티지
생활 안전
러시아 음악과 뮤지컬 극장의 역사
외국 음악과 음악의 역사. 극장
상트페테르부르크의 역사
극장 안전
무대장치(조명)
극적인 분석
시노그래피 이론
연극 조명의 역사
무대 구성
예술적 기술
극장 제작 기술
무대 장치 및 장비
관점과 레이아웃의 기초
연극 구조의 계산
무대 의상 기술
예술적 조명 기술
연극 및 장식 예술의 역사
의상 역사
건축의 기초
도면 및 설명 기하학
극장 조명 장비
빛과 색
라이트 스코어, 그래픽
지각의 심리학
극장 조명 기술
전자제품
빛의 미학
빛의 컴퓨터 시뮬레이션
전문 소프트웨어
뮤지컬 극장의 빛
드라마 극장의 빛
건축 조명 디자인
콘서트 프로그램용 조명

서적

조명공학 참고서

모스크바 하우스 스베타및 Znak 출판사는 2005년 말에 참고서 제3판의 출시를 준비하고 있습니다. 조명 공학».
처음 두 판은 1983년과 1995년에 출판되었습니다. 이 기간 동안 65,000부가 발행된 조명 공학 참고서는 대부분의 전문가를 위한 참고서이자 동시에 많은 조명 공학 분야의 교과서가 되었습니다.
새 버전은 재료의 훨씬 더 완전성, 최신 규제 데이터의 프레젠테이션, 계산 방법 및 수단, 디자인 및 조명 디자인, 풀 컬러 디자인 및 고품질 용지 인쇄로 구별됩니다. 새로운 제3판에서 " 광원”,“안정기 및 조명 제어 시스템”, 계산 및 설계 방법은 광범위한 사용을 기반으로 수정되었습니다. 컴퓨터 기술. 책의 새로운 장: 조명 디자인», « 빛및 건강”, “조명 설비의 에너지 절약”, “ 수중 조명”, “조명 공학의 역사”.
"를 위한 핸드북 조명 공학"를 위한 넓은 범위조명 전문가, 전기 기술자, 건축가, 위생사, 의사, 자연 및 인공조명, 개발 및 생산 조명 제품, 조명 설비의 설계, 설치 및 운영.
"를 위한 핸드북 조명 공학 CD로도 발매된다.
빛의 집에서 조명 공학에 대한 참고서를 주문할 수 있습니다. 그의 주소:
러시아, 129626, 모스크바, Prospect Mira, 106, of. 346
전화/팩스: (095) 682–19–04, tel. (095) 682–26–54
이메일: 빛- [이메일 보호]

빛의 발라드

“그녀는 120세가 넘었지만 나이로 보이지 않습니다. 아무리 많은 새로운 광원이 그것과 경쟁하더라도 여전히 가장 아름답습니다. 클래식한 형태에 변함이 없는 것, 더할 것도 뺄 것도 없는 완벽한 디자인의 표본. 많은 경우에 모든 전등갓보다 훨씬 더 아름답고 램프그들은 이제 그것을 장식하고 덮습니다.
그리하여 역사상 최초로 널리 사용된 전기 장치에 대한 책을 새로 출판하기 시작합니다. 이 책에는 200개 이상의 삽화가 있습니다. 텍스트는 전구 도입의 기술적 측면, 이전에 발표되지 않은 많은 문서의 광고 및 그래픽, 마지막으로 "에 대한 단어"라는 세 가지 주요 주제를 중심으로 구성됩니다. 빛» - 연구 대상에 대한 시인과 작가의 견해.
이 책은 Peter Beechrens가 AEG에서 의뢰한 1912년 포스터를 복제한 매우 미니멀한 표지가 있는 전구에 대한 144페이지 길이의 긴 목소리 찬가입니다. 이 책은 조명 기술에 관한 기술 논문이나 교과서가 아니라 읽는 즐거움을 주는 "그림이 있는 지도책"입니다. 제목만 봐도 생각나는 스베타기쁨과 행복을 가져옵니다.
글은 러시아 시인 블라디미르 마야코프스키가 전구와 불의 심장에 바치는 시로 시작됩니다. 이 책은 위대한 미국 신경 학자 Oliver Sacks의 라인으로 끝납니다. 램프의 필라멘트가 만들어지는 그가 가장 좋아하는 금속 인 오스뮴, 텅스텐 및 탄탈륨에 대한 자서전 산문입니다. 이 두 개의 빛나는 막대 사이에는 "신화와 아름다움", "에디슨과 그의 종류", "가스와의 전쟁", "빛의 작업장", "우리 시대"의 다섯 부분이 있습니다. Workshops of Light에는 가장 중요한 회사의 여섯 가지 전기와 수많은 상업 브랜드에 대한 철저한 설명이 포함되어 있습니다. 저자는 그러한 출판물에 익숙하지 않습니다. 1995년 Lupetti는 "Signs of Light"를 출판했는데 현재 거의 매진되었습니다. 삽화와 함께 약간의 기술적 세부 사항과 문화적 여담으로 전구 광고의 역사를 쉽고 즐겁게 탐색할 수 있습니다. 실제로 볼륨의 3분의 1인 마지막 부분이 매력을 높입니다. 스베타시인의 말로 만들어진 높은 받침대에.
포털에서 제공하는 자료 스베타
www.lightingacademy.org

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