기타 아트 및 기타리스트 교육에 대해. 러시아 기타 연주의 형성 기타 연주 예술의 형성
러시아 기타 연주의 형성1. 19세기~20세기 초 러시아에서 7현 기타 연주 예술의 출현
러시아에서 기타의 존재의 독창성은 7 현과 6 현의 두 가지 종류가 동시에 존재한다는 것입니다. 그러나 음악 제작에서 그들의 "몫"은 달랐습니다. XX 세기 20 대 후반부터이 책의 연구를 넘어서는 기간에 6 현 기타가 점점 더 대중화되었습니다. 한편, 19세기 거의 전 기간 동안 러시아 민속악기라고 할 수 있는 다양한 악기들이 국내 음악 제작을 지배하였다. 그리고 사회적 기준에 따르면 러시아 인구의 지배적 인 부분 인 음악적, 예술적 측면에서 비 엘리트에 초점을 맞추는 것과 관련이 있습니다. 특별한 "러시안" 튜닝이 있는 7현 기타에서 국적의 민족적 요소는 그다지 분명하지 않습니다. 2세기 이상 우리나라에서 널리 사용되어 왔으며 여전히 전통적인 장르를 표현하기 위해 존재합니다. 국악. G-dur 트라이어드의 소리에 따른 튜닝은 18세기 후반 러시아에서 한 옥타브로 두 배가 되었고 하단 현은 쿼트 간격으로 나타났으며 도시 환경에서 극도로 유기적인 것으로 밝혀졌습니다. 변하지 않는 베이스 코드 반주 공식이 있는 노래와 로맨스 G-dur 트라이어드는 러시아에서만 널리 퍼졌습니다 (유일한 예외는 다른 국가의 러시아 이민자 환경 일 수 있음).
일반적으로 귀로 집에서 음악을 만들 때 7현 기타를 반주합니다. 이러한 반주의 가장 단순한 하모닉 기능은 매우 쉽게 접근할 수 있게 되었습니다. 노래와 로맨스의 저자는 거의 알려지지 않은 아마추어 였지만 때로는 A. E. Varlamov, A. L. Gurilev, A. A. Alyabyev, A. I. Dyubuk, P. P. Bulakhov와 같은 M. I. Glinka의 전임자 인 19 세기의 저명한 작곡가였습니다. A. L. Gurilev의 "종소리가 단조롭게 흔들립니다", A. E. Varlamov의 "눈보라가 거리를 휩쓸고 있습니다", A. I. Dyubuk의 "나를 꾸짖지 마세요, 자기야"와 같은 노래의 "7 현"공연 널리 인기가 있습니다. 러시아 민요처럼 일반 대중 사이에 존재하기 시작한 것은 우연이 아닙니다.
러시아 집시의 예술은 7 현 기타의 활발한 보급에 중요한 역할을했습니다. 웅장한 7 현 기타리스트는 Ilya Osipovich와 Grigory Ivanovich Sokolov, Alexander Petrovich Vasilyev, 나중에 Nikolai Sergeevich Shishkin, Rodion Arkadevich Kalabin 등과 같은 집시 합창단의 리더였습니다. 가벼운 손 A. G. Orlov 백작. 많은 귀족, 부유한 지주, 상인들이 집시 합창단을 소유하고 있습니다.
18세기 말에는 귀족 살롱과 궁정에서도 7현 기타를 들을 수 있었지만 19세기 중반세기, 상당한 민주화가 관찰되었습니다. M. A. Stakhovich는 1854년에 처음 출판된 "7현 기타의 역사에 관한 에세이"에서 다음과 같이 썼습니다. 클래스, 일반인도 플레이합니다.”
동시에, 이미 18세기 말에 이러한 유형의 기타는 학계를 대표하는 것으로도 발전하기 시작했습니다. 음악 예술. 도시 노래와 로맨스의 기타 반주에 맞춰 노래하는 것이 비 서면 청각 전통의 특징이라면 가정 음악 제작에서 기타 솔로 연주를위한 동일한 노래가 다양한 음악 컬렉션으로 출판되었습니다. 이들은 주로 민요 멜로디의 편곡과 같은 변형이었습니다. 여기에서 저자는 테마를 다양한 옵션으로 다채로운 "채색"을 장식하면서 창의적인 상상력을 발휘했습니다.
7현 기타의 경우 주요 작곡도 등장한다. 이미 초기 XIX세기, V. Lvov의 기타 듀엣을 위한 소나타가 출시되었습니다. 점차적으로 다양한 기타 작품이 출판되기 시작했고, 교육 및 방법론 매뉴얼에 포함되거나 별도의 에디션으로 출판되었습니다. 예를 들어, 유명한 기타리스트이자 교사 인 Ignaz Geld (1766-1816)가 만든 mazurkas, waltzes, country dances, ecossaises, polonaises, serenades, divertissements와 같은 주로 댄스 장르의 수많은 미니어처입니다.
이그나즈 겔드
거의 모든 창작 활동을 러시아에서 보낸 이 Russified Czech는 아카데믹 기타 연주를 대중화하는 데 많은 노력을 기울였습니다. 1798년에 그의 "School-tutorial for the 7-string guitar"가 St. Petersburg에서 프랑스어로 "Methode facile pour apprendre a pincer la guitare a sept cordes sans maitre"라는 제목으로 출판되었습니다. 다양한 이론 정보와 함께 많은 음악 샘플이 포함되어 있습니다. 기타를 위해 편곡된 곡과 작가 자신의 작곡이 모두 포함되어 있습니다. 이들은 Prelude, Waltz, Dumka, Polonaise, March, Allegretto입니다. 에디션 마지막에는 플루트와 기타를 위한 소나타, 바이올린과 기타를 위한 작품, 성악과 기타를 위한 작품 등도 있습니다.
학교는 반복적으로 재 인쇄되고 다양한 새로운 자료로 보완되었습니다 (특히 제 3 판은 러시아 및 우크라이나 민요의 40 편곡으로 확장되었습니다). 그 높은 예술적 가치는 자연과 인공 조화를 추출하는 방법론적 기초가 되었다는 사실에서 이미 입증될 수 있습니다. 이것은 S. N. Aksenov에 의해 수행되었으며, 그는 간행물에 대한 보충 자료에 실행 방법을 게시하고 여기에서 별도의 장으로 분류했습니다.
Dmitry Fedorovich Kushenov-Dmitrievsky (c. 1772-1835)의 여러 음악 작곡의 저자 인 교사의 "School for the Seven-String Guitar"도 그 시대에 중요한 현상이되었습니다. 그의 기타 매뉴얼은 “The New and Complete Guitar School, Mr. Kushenov-Dmitrievsky가 1808년에 작곡한 기타 독학 매뉴얼입니다. 교사”는 1808년 상트페테르부르크에서 처음 출판되었으며 19세기 전반에 큰 인기를 얻었으며 반복적으로 재출판되었습니다. 자율 학습을 제공했지만, 저자는 인지의 성공은 대체로 "좋은 선생님의 도움으로" 얻어진다고 강조했다. School of 1817의 재발행에서 저자는 더욱 단호하게 다음과 같이 말합니다. “... 완벽한 지식에 대한 멘토나 가이드가 필요하지 않은 과학은 하나도 없습니다. 따라서 유능하고 지식이 풍부한 교사를 찾을 때까지 그 전에 가르치기를 시작하라고 조언하지 않습니다.
D. F. Kushenov-Dmitrievsky는 7현 기타에 대한 여러 가지 민요 환상과 각색을 만들었고, 1818년에 기타 작품 모음집 "Interdubele, 또는 7현 기타를 위한 모범 작품 모음"을 출판했습니다. 100개가 들어있어요 뮤지컬 번호, 특히 자신의 미니어처, 민속 음악 편곡, W. A. Mozart, A. O. Sichra, F. Carulli 및 기타 작곡가의 희곡 필사본.
18 세기 후반부터 19 세기 초의 유명한 러시아 작곡가-바이올리니스트는 7 현 기타를 완벽하게 소유했습니다. 그중에서도 발랄라이카 예술 분야에서와 같이 우선 Ivan Evstafyevich Khandoshkin이 언급되어야합니다. Ivan Evstafyevich Khandoshkin은 기타를 위해 음악을 썼고 러시아 민요 주제에 대한 여러 변형을 작곡했습니다 (불행히도 보존되지 않음) . 같은 맥락에서 이미 19세기 초반에 기타 작품을 출판한 Gavriil Andreevich Rachinsky(1777-1843)의 이름을 말하고 싶습니다.
국내 전문 기타 연주의 진정한 개화는 뛰어난 교사이자 기타리스트인 Andrei Osipovich Sikhra(1773-1850)의 창작 활동에서 시작됩니다. 교육을 통해 하프 연주자 였고이 악기의 연주를 완벽하게 마스터했지만 그럼에도 불구하고 그는 7 현 기타 홍보에 평생을 바쳤습니다. 젊었을 때 그는 콘서트 활동에 참여한 다음 교육과 계몽에 참여했습니다.
안드레이 오시포비치 시크라
18세기 말에 Sichra는 빌니우스에서 모스크바로 와서 기타에 관심을 갖게 되었고 1813년에 상트페테르부르크로 이사했습니다. 1801년부터 모스크바와 상트페테르부르크에서 열린 그의 기타 콘서트는 매우 성공적이었습니다. 18세기 말 “저는 6현 기타로 아르페지오 측면에서 더 완전하고 하프에 가깝고 동시에 하프보다 더 선율적인 악기를 만드는 아이디어를 생각해 냈습니다. 7번 현을 기타에 묶고 동시에 튜닝을 변경하여 톤 G-dur에서 6개의 현에 두 개의 토닉 코드 그룹을 제공했습니다 [...] 7번 현에서 그는 가장 두꺼운 베이스를 배치했습니다. 낮은 옥타브-re(D)를 구성하고 상위 지배 톤 G-dur의 주요 사운드를 포함합니다. "A. S. Famintsyn은 동일한 데이터를 반복하며 Sichra가 일곱 번째 현을 추가하여 튜닝을 변경하여 "더 가깝게 가져옴"을 강조합니다. 그의 특별한 악기인 하프에 아르페지오. , 러시아에서 이러한 유형의 기타가 널리 보급되는 데 크게 기여했습니다.).
A. O. Sikhra는 당시 "잡지"라고 불렸던 그의 음악 출판물 덕분에 특별한 성공을 거두었습니다. 그래서 1800년에 그러한 판본은 프랑스어로 "Journal pour la Guittare a sept cordes par A. Sychra"("Journal for guitar with seven strings of A. Sychra")라는 제목으로 출판되었습니다. 이 잡지는 2년 후 재출간되는 것이 증명하듯 분명한 성공을 거두었습니다. 러시아 민요의 많은 편곡, 뮤지컬 클래식 편곡, 댄스 장르의 간단한 미니어처가 여기에 배치되었습니다.
그 후 수십 년 동안 1838년까지 음악가는 다양한 작품, 오페라 음악의 필사본, 로맨스, 노래 및 춤, 클래식 작품의 주제에 대한 변형 등을 제공하는 유사한 기타 잡지를 여러 개 발행했습니다. 학위는 악기의 인기를 높이는 데 기여했습니다.
1826년부터 "Petersburg 기타용 잡지, Sychra에서 발행, 다양한 종류의 작곡, 귀에 즐겁고 연주하기 쉬운"이라는 이름으로 발행된 잡지는 특별한 명성을 얻었습니다. 그의 생애의 마지막 몇 년 동안 그는 대부분 기타 듀엣을 위해 곡을 작곡했으며 자신이 낮은 tessitura, 두 번째 부분을 연주했으며 첫 번째, 높은 수준의 tertz 기타를 그의 학생 중 한 명에게 맡겼습니다.
음악가의 체계적인 활동도 중요했습니다. 1850 년에 그의 "7 현 기타를위한 이론 및 실용 학교"는 세 부분으로 나타났습니다 (첫 번째 부분- "일반적인 음악 규칙", 두 번째-기술 연습, 음계 및 아르페지오, 세 번째-음악 자료, 주로 Sychra 학생들의 작품에서). 19세기 후반에 교파를 반복적으로 재간행한 F. T. Stellovsky는 고전 작곡가들의 작품을 편곡하여 많이 추가함으로써 레퍼토리를 크게 확장시켰다.
또 다른 중요한 교육 및 교육 매뉴얼은 기타리스트의 기술 향상을위한 일종의 고등 학교 인 A.O. Sikhra의 "4 가지 연습으로 구성된 실제 규칙", 당시 7 현 기타 연주 기술 및 방법에 대한 백과 사전입니다. 여기에는 에튜드만 포함되어 있지만 본질적으로 그들은 확장된 희곡이므로 이 장의 별도 섹션에서 논의될 것입니다.
Sichra는 다양한 아마추어 기타리스트의 미적 교육을 위해 많은 일을 하면서 7현 기타를 솔로 학술 악기로 확립한 최초의 사람이었습니다. 그는 수많은 학생들을 훈련시켰고, 가장 중요한 것은 학생의 창의적인 개성과 그의 예술적 사고의 활성화, 공연 예술과 민요 자료 처리의 유행과 함께 음악 작곡. 예를 들어 기타 분야에서 Sichra의 교육적 활동이 높은 평가를 받은 것은 우연이 아닙니다. 유명한 작곡가, A. E. Varlamov, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky.
기타 소리의 미묘함과 정교함을 얻기 위해 학생들과 많은 작업을 한 이 음악가는 그들로부터 칸틸레나 게임을 개발하려고 하지 않고 기타를 하프에 비유했습니다. 예를 들어, 뮤지션은 그의 가장 재능있는 추종자 중 한 명인 "집시"가 풍부한 비브라토로 연주하는 표현적인 합법적 인 연주를 불렀지 만 물론 M.G. Dolgushina는 "그의 최고의 학생이며 특히 그를 위해 기술적으로 복잡한 여러 작품을 만들었습니다. 이 학생은 Semyon Nikolaevich Aksenov(1784-1853)였습니다. 1810-1830년대에 그는 아마도 가장 저명한 악기 발기인이었을 것입니다. 그의 주요 직업은 주요 관리였습니다(S.N. Aksenov는 1810년에 모스크바에서 상트페테르부르크로 이사한 후 빠른 공식 경력을 쌓기 시작했습니다. 1823년 러시아 전쟁부 장관의 특별 임무를 맡은 관리였으며, 오랫동안해군부에서 같은 직위를 역임했으며, 군 계급대령).
세묜 니콜라예비치 악세노프
S.N. Aksenov의 게임은 탁월한 선율, 음색의 따뜻함, 그리고 이와 함께 뛰어난 기교로 구별되었습니다. 음악가는 연주 기술 향상에 크게 기여했습니다. 이미 언급했듯이 7 현 기타에서 인공 고조파 시스템을 처음으로 신중하게 개발 한 사람은 바로 그 사람이었습니다. 1819년에 그는 또한 I. Geld's School의 재판에 상당한 추가 작업을 수행하여 화성에 대한 장뿐만 아니라 많은 새로운 곡과 민요 편곡을 제공했습니다.
Aksenov 활동의 가장 중요한 측면 중 하나는 음악적 깨달음이었습니다. 특히 1810년대에 그는 음악 애호가 전용의 7현 기타를 위한 새 저널을 출판하기 시작했으며, 여기서 그는 러시아 민요 주제에 대한 자신의 변형인 인기 오페라 아리아의 많은 필사본을 출판했습니다. 러시아 노래 민속에 대한 기타리스트의 열정의 영향으로 그의 교사 A.O. Sikhra는 민요 편곡에 훨씬 더 많은 관심을 기울이기 시작했습니다.
A. O. Sikhra의 첫 번째 학생 중 Vasily Sergeevich Alferyev(1775-c. 1835)도 언급해야 합니다. 이미 1797년에 러시아 민요 "내가 당신을 어떻게 화나게 했나요"라는 주제에 대한 그의 환상이 출판되었고, 1808년에 그는 "7현 기타를 위한 러시아 포켓 송북"의 월간 호를 출판하기 시작했습니다. 여기에는 수많은 "변형이있는 노래", 별도의 미니어처, 당시 인기있는 오페라 아리아의 필사본, 뮤지컬 클래식 작품, 음성 및 기타를위한 로맨스가 포함되었습니다. 기타 솔로와 기타 듀엣을 위한 다양한 패셔너블한 댄스도 이곳에서 출판되었습니다. 귀족의 다양한 관심 대표". 음악가는 또한 러시아 민속의 위대한 애호가이자 수집가였습니다. 같은 책에 따르면 V. S. Alferyev와 S. N Aksenov의 로맨스는 주로 다음과 같은 말로 만들어졌습니다. 현대 시인).
A. O. Sikhra의 학생들 중에는 재능있는 기타리스트 인 Fedor Mikhailovich Zimmerman (1813-1882)도있었습니다. 동시대 사람들은 종종 그를 "기타의 파가니니"라고 불렀고 그의 손의 기술, 독립성 및 이동성에 감탄했습니다. "마치 다섯이 아니라 열 손가락이있는 것 같았습니다." 환상, 왈츠, 마주르카, 에튜드 등 다양한 연극.
Vasily Stepanovich Sarenko(1814-1881)도 기타 예술에 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다.
바실리 스테파노비치 사렌코
19세기 러시아의 저명한 작곡가이자 피아니스트이자 많은 대중가요와 로맨스를 작곡한 A. I. Dubuk은 자신의 예술을 다음과 같이 설명했습니다. 종합적으로 발전한 음악가. 우아하고, 깨끗하고, 매끄럽게 연주했습니다. 그의 현은 빠르고 느린 템포로 노래했습니다. V. S. Sarenko가 작곡한 희곡과 에튜드는 일반적으로 표현적인 멜로디와 발전된 질감으로 가득 차 있습니다. 그는 또한 많은 기타 편곡과 필사본을 만들었습니다. 우리는 또한 많은 미니어처의 저자 인 기타 수업의 훌륭한 교사가 된 Pavel Feodosievich Beloshein과 같은 A.O. Sikhra의 재능있는 학생을 언급해야합니다.
Vladimir Ivanovich Morkov(1801-1864)는 또한 A.O. Sikhra의 고등 교육을 받은 학생이었습니다.
블라디미르 이바노비치 모르코프
(인용된 초상화는 1839년에 제작되었으며 당근 대귀족 가문의 농노였던 뛰어난 러시아 예술가 Vasily Andreevich Tropinin(1776-1857)의 붓에 속하며 러시아 국립 박물관에 보관되어 있습니다. . 상트 페테르부르크. 2007 년 "러시아 박물관이 선물합니다. 19 세기 상반기 회화. 연감 "(193 호) 시리즈의 세 번째 볼륨에 "V. I. Morkov의 초상화"가 출판되었습니다. V. A. Tropinin은 기타리스트 한 번 이상 그런 이미지의 변형 중 하나는 1823년으로 거슬러 올라가 State Tretyakov Gallery에 보관되어 있으며 원본의 다채로운 색상으로 책 표지에 있습니다.) 그는 많은 클래식 뮤지컬 작품의 편곡을 소유하고 있습니다. 하나와 두 개의 기타를위한 것입니다. 그는 또한 "School for the Seven-String Guitar"를 출판했으며 1861년에 모든 메이저 및 마이너 키로 기타를 위한 24개의 전주곡을 썼습니다(기타 연주 외에도 V. I. Morkov는 음악 평론가이자 다양한 수도의 신문과 잡지에 실린 기사와 리뷰를 통해 그는 1862년 상트페테르부르크에서 출판된 "러시아 오페라의 역사 스케치부터 1862년까지"라는 책을 포함하여 음악에 대한 단행본 작품을 만들어 뮤지컬의 주목을 끌었습니다. 그 시간의 커뮤니티 그것에 관한 기사는 저명한 러시아 비평가 A. N. Serov에 의해 작성되었습니다. 한편 음악은 V. I. Morkov의 직업이 아니 었습니다. 군사 기록.).
러시아 기타 연주의 발전에서 가장 두드러진 인물 중 하나는 Mikhail Timofeevich Vysotsky(1791-1837)였습니다.
미하일 티모페예비치 비소츠키
그에게 이 악기를 처음으로 소개한 사람은 그의 멘토이기도 한 S. N. Aksenov였습니다.
M. T. Vysotsky의 공연 스타일은 다양한 민요 멜로디, 뛰어난 기술력, 음악적 발음의 탁월한 표현력에서 창의적인 상상력의 대담한 비행으로 표시되었습니다. “그의 연주는 강인함과 고전적인 톤의 균일성으로 구별되었습니다. 놀라운 속도와 용기로 그녀는 부드러운 성실함과 선율을 동시에 발산했습니다. 그는 약간의 노력 없이 완전히 자유롭게 연주했습니다. 마치 그에게 어려움이 없었던 것 같았습니다. [...] 그는 하프의 힘과 바이올린의 선율을 결합한 그의 선율적인 레가토의 독창성과 아르페지오의 사치를 쳤습니다. 특별한 오리지널 작곡 스타일이 그의 연주에 영향을 미쳤습니다. 그의 연주는 매혹되고 청중을 사로 잡았으며 영원히 지울 수없는 인상을 남겼습니다. [...] Vysotsky는 동시대 사람들을 놀라게 한 또 다른 종류의 연주를 가졌습니다. 그는 자신이 그것을 "프로브"또는 "코드"라고 불렀습니다. 사실 그것은 무료 전주곡이었습니다. 그는 무한한 양의 코드로 가장 호화로운 패시지, 모듈레이션을 전주곡으로 부를 수 있었고, 이 점에서 그는 지칠 줄 몰랐습니다.”라고 V. A. Rusanov는 그에 대해 썼습니다.
M. T. Vysotsky는 클래식 작곡가의 작품, 특히 W. A. Mozart, L. Beethoven, D. Field의 작품에 대한 많은 편곡과 필사본을 만들었으며 전주곡, 환상, 댄스 장르의 작품 등 기타를위한 많은 미니어처를 썼습니다. 그의 작곡가의 유산 중 가장 귀중한 부분은 나중에 논의될 러시아 민요 주제의 변주곡이었습니다.
음악가는 즉흥적-청각적 연주 방식의 대표자였으며, 이 점에서 그는 전통적인 러시아 민속 음악 제작에 가깝습니다. 오늘날 자주 연주되는 러시아 민요의 주제에 대한 고도로 예술적인 변주곡은 그가 직접 녹음한 것이 아니라 나중에야 그의 학생들이 악보에 녹음했습니다(V. A. Rusanov는 또한 기타리스트의 특이한 즉흥 연주 예술에 대해 다음과 같이 언급했습니다. 수업 중에 A. I. Dubuc에 와서 그의 학생이 연주하는 Kramer의 에튜드를 듣고 Vysotsky는 기뻐했고 기타를 잡고 A. I. Dubuc이 놀랐도록 이러한 에튜드를 재현하고 변경하기 시작했습니다. 그는 Vysotsky에게이 환상을 적어 보라고 조언했습니다. 그리고 자신이 이에 대한 적극적인 참여를 수락했습니다).
M. T. Vysotsky의 교육학적 방법도 일치했는데, 이는 학생들의 청각적 인상을 바탕으로 교사의 "손에서"와 "손가락에서" 독점적으로 악기 연주 기술을 전수하는 것으로 구성되었습니다. 그럼에도 불구하고 그의 교육 작업은 매우 유익했습니다. 기타리스트의 연주 스타일의 영감을 주는 방식은 수업에서 진정으로 창의적인 분위기를 조성하고 학생들에게 영감을 주며 우연히 그와 함께 공부한 사람들에게 크게 감사했습니다(Vysotsky는 "Practical and Theoretical School for the 기타", 그러나 1836 년 모스크바에서 출판되었지만 방법 론적 권장 사항의 중요성이나 제시된 레퍼토리의 양과 순서 측면에서 (학교에는 24 페이지 만 있음) 큰 역할그녀는 러시아 기타 연주 편성에서 연주하지 않았습니다.). 기타 수업은 특히 그의 선생님에게 "소리"라는시를 바친 16 세의 시인 M. Yu. Lermontov가 그에게서 가져 왔습니다.
기타리스트는 학생들에게 러시아 민요에 대한 사랑을 적극적으로 키 웠습니다. 그의 학생들 중에 미하일 알렉산드로비치 스타코비치(Mikhail Aleksandrovich Stakhovich, 1819-1858)가 있었다는 것은 우연이 아닙니다. 러시아의 저명한 민속학자이자 기타 반주가 있는 민요 모음집의 저자, 시인이자 작가였으며, 그는 또한 러시아의 기원에 관한 최초의 출판된 책을 저술했습니다. 기타 연주 - "7현 기타의 역사에 관한 에세이"(St. Petersburg, 1864). Ivan Egorovich Lyakhov(1813-1877), 다수의 희곡 및 편곡의 저자, Alexander Alekseevich Vetrov, "100 Russian Folk Songs" 컬렉션의 창시자, 7현 기타 연주 및 편곡, 민요 변주 주기, 또한 M. T. Vysotsky의 학생이었습니다. I. O. Sokolov, F. I. Gubkin 등과 같은 집시 합창단의 많은 기타리스트 리더도 M. T. Vysotsky와 함께 공부했습니다.
19세기 후반부터 러시아 기타 예술은 구젤 예술과 마찬가지로 쇠퇴하기 시작했습니다. 그러나 일상적인 음악 제작에서 psaltery가 사라지기 시작하면 도시 노래와 로맨스, 집시 노래 분야에서 똑같이 변하지 않는 반주 악기로 남아있는 기타는 전문적인 수준의 감소로 인해 국내 사회에서 점차 중요성을 잃었습니다. 기타리스트의. 이 기간 동안 Sikhra, Vysotsky 또는 Aksenov와 같은 뛰어난 연주자와 교사는 나타나지 않았고 진지한 방법론 매뉴얼은 거의 출판되지 않았으며 출판 된 자기 지침서는 대부분 일상적인 음악 제작 애호가의 소박한 요구를 위해 설계되었습니다. 종종 낮은 품질의 로맨스, 노래, 춤의 인기 샘플 만 포함했습니다 (이와 관련하여 A. S. Famintsyn의 관찰을 인용하는 것은 흥미 롭습니다. -부르주아 문명, 기타는 천박해졌고 그 소리는 진부한 "민감한" 로맨스를 동반하기 시작했습니다. 기타는 담배 가게 무역의 주제인 이 "하인" 악기에서 스스로 연주했습니다. 사회; 기타가 완전히 사라졌습니다.").
러시아에서 기타에 대한 대중의 새로운 관심은 19세기 말에서 20세기 초에 발생했습니다. 이 기간 동안 저명한 기타리스트, 연주자 및 교사의 활동이 널리 알려져 있습니다. 그중에서 먼저 Alexander Petrovich Solovyov (1856-1911)의 이름을 지정하고 싶습니다. 그가 만들고 출판한 "School for the Seven-String Guitar"(1896)는 악기 연주를 위한 교수법 개발에 중요한 공헌을 했습니다(1964년 A.P. Solovyov 학교가 다시 출판되었습니다(R.F. Meleshko의 편집하에) ) Muzyka 출판사에서.) . 설명서의 첫 번째 부분에는 광범위한 이론 자료가 포함되어 있습니다. 25개의 레슨으로 나누어 매우 전문적이고 동시에 접근 가능한 방식으로 제공됩니다. 학교의 다른 부분에는 러시아 및 서유럽 고전 작품의 필사본, 민요 편곡과 같은 귀중한 기술 연습과 레퍼토리가 포함되어 있습니다.
알렉산더 페트로비치 솔로비요프
또한 A.P. Solovyov는 기타에 대한 수많은 편곡을 수행하여 악기의 예술적 수단에 대한 청중의 이해를 크게 확장했습니다. F. Liszt의 두 번째 및 여섯 번째 헝가리 랩소디, C. Saint-Saens의 "Dance of Death", L. Beethoven, F. Chopin, F. Mendelssohn의 작품을 언급하는 것으로 충분합니다. 그는 또한 40개의 우크라이나 민요 편곡, 음성 및 기타를 위한 집시 로맨스 모음, 듀엣, 트리오 및 기타 4중주를 위한 작품이 포함된 4개의 앨범을 출판했으며 300개 이상의 작곡을 썼으며 그 중 85개가 출판되었습니다.
Solovyov, Vasily Mikhailovich Yuriev (1881-1962), Viktor Georgievich Uspensky (1879-1934), Vladimir Nilovich Berezkin (1881-1945), Mikhail Fedorovich Ivanov (1889-1953), Sergey Alexandrovich Kurlaev ( 1885- 1962).
그러나 Solovyov의 가장 뛰어난 학생은 Valerian Alekseevich Gusanov (1866-1918)였습니다. 그는 비정상적으로 다재다능한 성격이었습니다. 교사, 작곡의 저자, 그리고 가장 중요한 것은 저명한 역사가이자 기타 선전가였습니다. 그 안에서 그가 민속-기악 오케스트라를 조직했는데, 그 구성은 나중에 논의될 V. V. Andreev와 그의 동료들에 의해 재배된 것과 분명히 다릅니다. 이 기악 구성에서 발랄라이카는 만돌린, 기타 및 피아노와 공존했습니다.).
V. A. Rusanov는 1904년부터 1906년까지 존재했던 전 러시아 잡지 "Guitarist"의 간행물을 조직하여 러시아 기타리스트를 결집시켰습니다. 그들을
잡지 Music of the Guitarist, Accord에 많은 기사가 작성되었으며 기타 및 기타리스트, 기타 교리 문답 및 기타 여러 유익한 세부 에세이가 출판되었습니다. 특히 중요한 출판물은 그의 저서 "러시아의 기타"였습니다. 국내 문헌악기의 매우 상세한 역사가 제시됩니다.
발레리안 알렉세예비치 루사노프
V. A. Rusanov의 교육 활동도 유익했습니다. 예를 들어 그의 학생은 1920-1930 년대 후반에 현장에서 국내 교사 및 방법론의 리더가 된 P. S. Agafoshin이었습니다. 6현 기타.
20세기 초의 기타리스트들 중에서 나는 뛰어난 연주자이자 7현 및 6현 기타를 위한 다양한 작곡과 편곡의 저자인 바실리 페트로비치 레베데프(Vasily Petrovich Lebedev, 1867-1907)를 언급하고 싶습니다. 나는 1898 년에 V. V. Andreev가 그를 St. Petersburg Military District의 Guards Regiments에서 민속 악기 및 민속 음악 교사로 일하도록 초대했다는 점에 주목하고 싶습니다.
여기서 V.P. Lebedev는 가장 다양한 음악 및 교육 작업을 수행했습니다. 그는 Great Russian Orchestra의 콘서트에서 7 현 기타 솔리스트로 공연했으며 그 챔버와 부드러운 사운드를 좋아했습니다 (1900 년 파리 세계 전시회에서 V. V. Andreev의 Great Russian Orchestra와 함께 V.P. Lebedev의 투어는 특별한 성공을 거두었습니다. ). 1904년에 그는 "러시아 및 스페인 시스템의 7현 기타를 위한 학교"라는 방법론 매뉴얼도 출판했습니다(후자는 클래식 6현 기타에 하단 현 "P"를 추가하는 것을 의미함).
따라서 19세기, 특히 20세기 초의 기타 예술은 돔라 또는 발랄라이카 연주 예술과 마찬가지로 광범위한 대중의 음악 및 예술 교육에서 똑같이 중요한 역할을 했습니다. 따라서 러시아의 일반 대중을 대상으로 음악 엘리트를 향한 움직임에 안정적인 단계를 제공 할 수 있었고 결과적으로 사회적 지위 측면에서 민속 악기의 가장 중요한 특성을 획득했습니다.
6현(스페인어) 및 7현(러시아어) 기타
기타는 전 세계 여러 나라에서 가장 사랑받고 인기 있는 악기 중 하나입니다. 기타 아트의 역사는 풍부한 이벤트, 창의적인 검색, 악기 자체와 연주 기술의 지속적인 개선으로 가득 차 있습니다.
기타는 18세기에 와서야 현대에 가까운 모습을 갖추게 되었습니다. 류트, 거문고, 그리스식 시타라, 이탈리아식 비올라, 스페인식 비우엘라와 같은 뽑아내는 악기는 당연히 전임자로 간주됩니다.
현재 클래식 6 현 ( "스페인어"), 7 현 ( "러시아어"), "하와이안", 재즈 기타, 일렉트릭 기타 등 몇 가지 주요 종류의 기타가 있습니다.
세계에서 가장 흔한 6현 기타의 발상지는 스페인이고 7현 기타는 당연히 러시아로 간주됩니다.
기타 예술 애호가들 사이에서는 여전히 토론이 멈추지 않습니다. 이 악기 중 어떤 악기를 선호해야 할까요? 6현 기타 지지자들은 악기의 뛰어난 기교와 이를 사용하는 작곡가와 연주자들이 성취한 정말 중요한 창의적 성공을 지적합니다. 7현 기타의 팬들은 또한 19세기 러시아의 예술 문화에서 발전한 음악가들의 위대한 업적과 연주 전통을 언급하며 악기가 러시아 노래인 포크 멜로의 본질에 근접함을 강조합니다. 그들은 특유의 부드러운 서정과 성실함, 감정의 따뜻함, 도시 민속과의 근접성을 가진 늙은 러시아 로맨스 장르의 발전이 주로 7 현 기타 때문이라는 사실을 올바르게 지적합니다.
우리의 의견으로는 제기 된 질문에 대한 대답은 매우 모호하지 않습니다. 6 현 기타와 7 현 기타는 모두 고유 한 장점과 전통을 가지고 있으며 이러한 각 악기는 다양한 예술적 작업을 해결할 수 있습니다. 하나 또는 다른 유형의 기타 사용의 합법성은 작곡가가 창의적인 아이디어를 구현하는 데 필요한 표현 수단, 그가 도움을 받아 공개하려는 비 유적 콘텐츠에만 달려 있습니다.
기타 문학은 오랜 역사와 전통을 가지고 있습니다. 다른 악기와 그 바로 앞선 악기, 특히 류트를 위해 쓰여진 작품의 편곡은 기타리스트의 레퍼토리에서 두드러진 위치를 차지합니다.
뛰어난 스페인 거장 기타리스트이자 교사인 Andres Torres Segovia(1893 - 1987)는 6현 기타를 연주하는 현대 학술 학교의 창시자로 간주됩니다.
많은 바이올린 작곡이 기타리스트에 의해 성공적으로 해석됩니다. 예를 들어 Andres Segovia는 바이올린 음악의 걸작 중 하나 인 J. S. Bach의 가장 어려운 Chaconne의 탁월한 연주자입니다.
그러나 가장 중요한 것은 기타의 경우 협주곡, 소나타, 변주곡, 곡으로 구성된 독창적 인 솔로 레퍼토리가 지속적으로 증가하고 있다는 것입니다. 작곡가가 앙상블 및 반주 악기로 적극적으로 사용합니다.
기타 레퍼토리를 만드는 데 중요한 역할을 한 스페인 작곡가는 Fernando Sora(1778-1839), Francisco Tarrega Eixea(1852-1909), Miguel Llobet(1878-1938), Emilio Pujol Villarubi(b. 1886) 및 다른 사람의 수. 그들은 C. Debussy, M. Ravel의 피아노 작곡에 어떤 영향을 미쳤던 스타일의 재능있는 기타 작품을 만들었습니다. 기타에 대한 주목할만한 작품은 N. Paganini, F. Schubert, K. M. Weber, G. Berlioz가 썼습니다. 우리 세기에-M. de Falley, A. Roussel, D. Millau, A. Jolivet, E. Vila Lobos, X. Rodrigo.
기타에 대한 많은 중요한 작품이 작성되었습니다. 소비에트 작곡가. 그 중에서 B. Asafiev의 현악 사중주, 클라리넷 및 팀파니, V. Shebalin의 소나타가있는 기타 용 협주곡을 부르고 싶습니다. 기타 작업은 I. Boldyrev, Yu.Obedov, L. Birnov, N. Chaikin, Yu.Shishakov, G. Kamaldinov 및 기타 작곡가가 만들었습니다.
러시아에서 널리 퍼진 7현 기타의 역사는 흥미롭다. 그녀는 널리 음악 생활에 들어갔다. 가정 음악 제작은 기타 없이는 완전하지 않았고, 로맨스와 노래는 솔로 및 앙상블 악기로 사용되는 반주에 맞춰 불려졌습니다.
7현 기타 연주 기술의 전성기는 당대의 주요 음악가인 A. Sikhra(1773-1850)와 M. Vysotsky(c. 1791-1837)의 활동과 관련이 있습니다. 그들은 러시아 대중의 동정과 사랑, 국가 문화 인물의 존경과 감사를 즐겼습니다.
Sichra의 학생들은 기타 연주 예술에 기여했습니다. 그중에서 "음악 애호가를위한 7 현 기타를위한 새로운 잡지"를 출판 한 기타리스트이자 작곡가 S. Aksenov (1784-1853)에 주목할 필요가 있습니다. V. Svintsov(d.c. 1880), 그는 7현 기타를 연주하는 최초의 전문 연주자 중 한 명이 되었습니다. F. Zimmermann(1810-1882), 훌륭한 즉흥 연주로 유명합니다. V. Morkov(1801-1864), 7현 기타에 대한 작품 및 필사본의 저자.
6현 기타 연주 기술도 러시아에서 발전하고 있습니다. M. Sokolovsky (1818-1883)는 러시아와 많은 유럽 국가에서 콘서트 활동이 큰 성공을 거둔 뛰어난 연주자였습니다. 클래식 6 현 기타 N. Makarov (1810-1890)의 연주자이자 대중화 자도 상당한 명성을 얻었습니다.
러시아 소련의 거장 기타리스트이자 교사인 표트르 스피리도노비치 아가포신(Pyotr Spiridonovich Agafoshin, 1874 - 1950)
그러나 19세기 후반 유럽과 러시아를 막론하고 전문 음악가들의 기타에 대한 관심이 약해지면서 점차 예술적 의미가 크지 않은 악기로 여겨지게 되었고, 따라서 주목할 가치가 없으며 표현 가능성과 독창성이 과소 평가됩니다.
기타 예술의 새로운 번성은 이미 20세기에 발생했으며 작곡, 공연, 교육학 등 모든 영역에 영향을 미칩니다. 기타는 콘서트 무대에서 다른 악기들과 함께 동등한 위치를 차지한다. 기타 예술과 기타리스트 뮤지션의 활동을 홍보하기 위해 러시아에서 "Guitarist", "Guitarist 's Music"이라는 특별 잡지가 발행되고 있습니다. 그들은 우리 시대에 그 중요성을 잃지 않은 정보를 담고 있습니다.
최근 수십 년 동안 다른 나라국제 대회 및 기타리스트 축제가 열리고 많은 음악 아카데미 및 음악원에서 기타 수업이 열리고 수많은 연주자 협회 및 협회, 전문가 및 아마추어 기능, 특별 도서 및 음악 문학이 출판됩니다. 기타 음악은 라디오와 텔레비전에서 끊임없이 들리며 레코드와 소형 카세트에 녹음됩니다.
우리 세기의 기타리스트 중 선두 자리는 당연히 위대한 스페인 음악가 Andres Segovia (b. 1893)에 속합니다. 그의 다방면의 공연, 교육, 교육 활동, 필사본 제작은 기타 예술의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.
반복적으로 Segovia는 소련을 방문했습니다. 항상 성공적이었던 그의 콘서트는 우리나라 기타에 대한 관심의 부활에 기여했으며 악기의 중요한 기술 및 예술적 능력을 분명히 보여 주었고 P. Agafoshin과 같은 소련 음악가의 공연, 교육 및 작곡 활동을 자극했습니다. 1874-1950), P. Isakov (1886-1958), V. Yashnev (1879-1962), A. Ivanov-Kramskoy (1912-1973).
소련의 거장 기타리스트이자 교사인 Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy(1912-1973)
특히 RSFSR Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy 명예 아티스트의 소비에트 기타 학교 개발의 중요성에 주목하고 싶습니다. 기타와 오케스트라를 위한 2개의 협주곡과 이 악기를 위한 100개 이상의 곡의 저자인 A. Ivanov-Kramskoy는 콘서트 활동, 라디오 녹음 및 축음기 레코드를 교육학과 성공적으로 결합했습니다. P. I. 차이코프스키의 이름을 딴 모스크바 국립 음악원의 음악 학교 벽 안에서 그는 다음을 준비했습니다. 전선흥미로운 뮤지션들. A. Ivanov-Kramskoy는 젊은 기타리스트 훈련에 중요한 역할을 한 "The School of Playing the Six-String Guitar"를 발표했습니다.
현재 클래식 6 현 기타는 P. Veshchitsky, N. Komoliatov, E. Larichev, A. Frauchi, B. Khlopovsky 및 기타 많은 기타리스트가 적극적으로 홍보하고 있습니다.
V. Sazonov(1912-1969), M. Ivanov(1889-1953), V. Yuryev(1881-1962)는 7현 기타의 개발 및 홍보에 크게 기여했습니다. 오늘 - B. Okunev, S. Orekhov, L. Menro 및 기타 여러 음악가.
우리나라에서는 콘서트 연습에서 6 현과 7현 기타. 교육은 많은 고등 및 중등 전문 교육 기관, 많은 어린이 및 야간 음악 학교, 개척자 및 학생 궁전의 스튜디오 및 동아리 및 클럽 기관에서 제공됩니다.
기타 연주 기술은 해외에서 지속적으로 발전하고 있습니다. M. Zelenka, V. Mikulka(체코슬로바키아), L. Sendrei-Karper(헝가리)가 유명합니다. 3. Behrend(독일), L. Brouwer(쿠바), D. Blanke, M. Cubedo, A. Membrado(스페인), D. Brim, D. Williams(영국), M. L. Anido, E. Bitetti(아르헨티나) , A. Diaz (베네수엘라) 및 기타 많은 공연자.
20세기 재즈와 팝의 발전과 함께 기악 1930년대에 전기 악기가 된 재즈 기타도 널리 보급되었습니다. 다양한 재즈 및 팝 앙상블에서 사용되며 오케스트라, 민속 그룹 및 솔로 작업도 수행됩니다.
우리나라에서 재즈 기타의 개발은 아버지와 아들 Kuznetsov, Alexei Yakushev, Stanislav Kashirin 및 기타 여러 음악가의 이름과 관련이 있습니다.
기타는 보컬 및 기악 앙상블의 주요 악기 중 하나입니다. 그것은 제국주의의 억압에 대항하여 민족의 독립을 위해 평화를 위한 투쟁의 노래를 연주하는 솔리스트와 앙상블에 의해 사용됩니다.
사람들의 마음과 정신에 미치는 영향의 생생한 예는 고국에서 민주주의와 사회 진보를 위한 투쟁에 목숨을 바친 칠레 가수이자 기타리스트인 Victor Jara의 예술입니다.
기타 예술은 끊임없이 진화하고 있으며, 이 악기에 대한 문헌은 다양한 장르의 새로운 원본 작품으로 지속적으로 업데이트됩니다. 기타의 큰 인기, 그 중요한 기교 및 표현 가능성은 이 민주적인 악기를 연주하는 예술이 더욱 번창할 수 있는 근거를 제공합니다.
II 밀레니엄 BC와 관련이 있습니다. 그들은 거북 껍질이나 박으로 만든 작은 몸체를 가진 악기를 묘사합니다.
고대 이집트에서는 기타와 같은 악기가 사람들의 삶과 밀접하게 연관되어 선함의 상징이 되었고 그 윤곽선은 "좋음"을 나타내는 상형 문자 기호로 입력되었습니다.
기타가 중동에 등장했고 그곳에서 아시아와 유럽 전역에 퍼졌다는 가정이 있습니다.
러시아는 군주와 궁정 귀족의 궁정에서 봉사한 이탈리아인에 의해 6현 기타를 소개받았습니다. 역사는 Giuseppe Sarti와 Carlo Canobbio라는 두 이탈리아 인의 이름을 보존했습니다. 이탈리아 작곡가 V.N 백작 부인에 따르면 Giuseppe Sarti. Golovina는 기꺼이 기타를 연주했습니다. Carlo Canobbio는 Paul I의 세 딸에게 기타 연주를 가르쳤으며 이러한 수업에 대해 연간 1,000 루블이라는 매우 견고한 보상을 받았습니다.
그 당시에는 여전히 기타 팬이 거의 없었습니다. 법원 귀족의 살롱에서 공연 한 이탈리아 거장 음악가 Pasquale Gagliani는 악기 애호가의 범위를 다소 확장했습니다. Rossi에서 수년간 활동 한 후 Galliani는 기타 교과서와 같은 에튜드 및 연습 모음을 발표했습니다.
이탈리아 인들은 기타를 위해 민요를 처리하려고 시도했지만 성공하지 못했습니다. 6 현 기타는 러시아 민속 음악 구조에 완전히 적응하지 못했습니다. 그래서 거의 동시에 러시아의 7현 기타가 등장합니다.
1821년 마르쿠스 아우렐리우스 자니 데 페란티(1800-1878)가 러시아에 왔습니다. 많은 기타 거장의 연주를 들은 Niccolo Paganini는 Zani de Ferranti의 연주를 다음과 같이 평가했습니다. 6현 기타가 이곳에서 널리 알려지게 된 것은 러시아가 이 기타리스트 덕분입니다. 그 음악가는 콘서트를 많이 했고, 그는 큰 홀. 그는 또한 공 작곡가였습니다. 그는 야상곡, 환상, 댄스 음악을 작곡했습니다. Tsani de Ferranti는 원하는 사람들에게 기타 레슨을 제공했지만 학생을 전문 기타리스트로 바꾸는 임무없이 초기 레슨만 제공했습니다.
7현 악기와 달리 6현 악기는 17~19세기에 러시아에서 거의 전문적인 학술 악기로 발전했으며 도시 노래와 일상적인 로맨스를 전수하는 데 거의 지향하지 않았습니다.
19 세기 초 I. Geld와 I. Berezovsky의 6 현 기타에 대한 학교와 매뉴얼이 나타 났으며 대부분 스페인과 이탈리아 고전에 의존했습니다-Mauro Giuliani, Matteo의 기타 작품 Carcassi, Luigi Legnani, Ferdinando Carulli, Fernando Sora, 뛰어난 서유럽 작곡가의 피아노 음악 편곡. 러시아에서 6현 기타를 유통하는 데 중요한 역할을 한 것은 뛰어난 외국 기타리스트들의 투어였습니다. 1822년에는 이탈리아인 Mauro Giuliani의 공연이 상트페테르부르크에서, 1923년에는 모스크바에서 스페인인 Ferdinand Sor가 공연했습니다. .
서양 음악가들은 러시아에서 클래식 기타에 대한 관심을 일깨웠습니다. 콘서트 포스터에는 우리 동포들의 이름이 나타나기 시작했습니다. 6 현 기타의 가장 큰 러시아 연주자이자 선전가는 Nikolai Petrovich Makarov (1810-1890)와 Mark Danilovich Sokolovsky (1818-1883)였습니다.
N.P. Makarov는 지주 가족의 Kostroma 지방에서 태어났습니다. 1829년에 그는 운이 좋게도 파가니니의 연주를 들을 수 있었고 1830년에는 쇼팽 콘서트에 참석했습니다.
Niccolo Paganini는 Makarov에게 너무 충격을 주어서 후속 음악가 중 누구도 그의 연주의 인상을 가릴 수 없었습니다.
N.P. Makarov는 일류 기타 연주를 달성하기 시작했습니다. 음악가는 매일 01 - 12 시간에 종사했습니다. 1841년 툴라에서 그의 첫 콘서트가 열렸다. 기타리스트로서의 인정과 진지한 관심조차 찾지 못한 그는 유럽 여행을 떠납니다. 세계 여러 나라에서 N.P. Makarov는 가장 복잡한 기타 구성의 뛰어난 해석자이자 뛰어난 거장 기타리스트로 명성을 얻었습니다. 투어 중에 음악가는 Tzani de Ferranti, Matteo Carcassi, Napoleon Cost와 같은 저명한 외국 기타리스트를 만났습니다.
기타의 이전 영광을 되살리기 위해 Makarov는 유럽에서 국제 대회를 조직하기로 결정했습니다. 브뤼셀에서 그는 기타 작곡가와 마스터를 위한 대회를 주선합니다. 대회 전에 기타리스트는 자신의 작곡과 다른 작가의 작품을 연주하는 자신의 콘서트를 제공합니다. Makarov는 10현 기타를 연주했습니다.
이 경쟁 덕분에 음악가는 눈에 띄게 작업을 강화했습니다. 기타 음악다수의 서유럽 작곡가 및 기타 제작자가 새롭고 건설적인 악기 품종을 만드는 데 기여했습니다.
Makarov는 여러 수필과 문학 회고록의 저자입니다. 그는 자신의 책과 베니스의 카니발, 마주르카, 로맨스, 기타 협주곡, 민요 편곡과 같은 자신의 뮤지컬 연극을 출판했습니다. 그러나 그가 만든 음악은 그다지 표현력이 풍부하지 않았고 널리 사용되지 않았습니다. 1874년에 그의 "높은 기타 연주에 대한 몇 가지 규칙"이 출판되었습니다. 브로셔에는 트릴, 하모닉스, 반음계 연주, 게임에서 새끼 손가락 사용 등 기타 기술 향상에 대한 귀중한 조언이 포함되어 있습니다.
또 다른 러시아 기타리스트인 Mark Danilovich Sokolovsky(1812-1883)는 복잡한 기술 기법으로 청중에게 깊은 인상을 주려고 하지 않았습니다. 청취자들은 그의 남다른 음악성에 매료됐다.
어렸을 때 Sokolovsky는 바이올린과 첼로를 연주하고 기타를 연주하기 시작했습니다. 악기를 충분히 마스터한 그는 1841년에 활발한 콘서트 활동을 시작했습니다. 그의 콘서트는 Zhytomyr, Kyiv, Vilna, Moscow, St. Petersburg에서 열렸습니다. 1857년 기타리스트는 모스크바의 천석 규모의 고귀한 의회 홀에서 공연할 기회를 얻었습니다. 1860년에 그는 "모스크바 대중이 가장 좋아하는 인물"로 불렸습니다. 1864년부터 1868년까지 음악가는 유럽의 도시를 여행합니다. 그는 런던, 파리, 베를린 및 기타 도시에서 콘서트를 개최합니다. 어디에서나 그는 큰 성공을 거두었습니다. 음악가의 성공적인 투어는 그에게 가장 큰 기타리스트 중 한 사람의 명성을 가져다주었습니다. Sokolovsky의 많은 공연에서 그의 반주자는 뛰어난 러시아 피아니스트 N.G. 루빈스타인.
Sokolovsky의 공연 스타일을 구별하는 특성 중 우선 뉘앙스의 미묘함, 음색 팔레트의 다양성, 칸틸레나의 높은 기교 및 따뜻함을 골라내는 것이 필요합니다. 이러한 특성은 M. Giuliani의 3개의 협주곡 해석과 필사본 연주에서 특히 드러났습니다. 피아노 곡 F. 쇼팽과 자신의 미니어처, 전주곡, 폴로네즈, 변주곡 등 쇼팽의 스타일에 가까운 여러 측면 M. D. Sokolovsky의 마지막 공개 콘서트는 1877 년 상트 페테르부르크에서 열렸고 음악가는 빌니우스에 정착하여 교육 활동에 참여했습니다.
국내 기타리스트 N.P. Makarov와 M.D. Sokolovsky는 러시아에서이 악기의 수많은 팬들에게 중요한 음악 교육 수단이되었습니다.
18~19세기의 7현 기타
집에서 그들은 일반적으로 기타를 귀로 동반했습니다. 가장 단순한 고조파 기능의 반주는 기본이었고이 튜닝을 통해 매우 접근하기 쉬웠습니다. 노래와 로맨스의 저자는 거의 알려지지 않은 아마추어 음악가 였지만 때때로 A. Varlamov, A. Gurilev, A. Alyabyev, A. Dubuk, A. Bulakhov 등 19 세기의 저명한 작곡가였습니다.
7현 기타는 집시의 음악에서도 중요한 역할을 했습니다. 웅장한 기타리스트는 I. Sokolov, I. Vasiliev, M. Shishkin, R. Kalabin과 같은 집시 합창단의 리더였습니다.
러시아 기타 역사상 특별한 장소는 러시아 7 현 기타를위한 최초의 "School"의 저자 인 Ignatius Geld (1766-1816)에 속합니다. 국적에 따라 체코 인 인 그는 거의 모든 창작 생활을 러시아에서 살았으며 7 현 기타를 진지한 학업 악기로 대중화하기 위해 많은 일을했습니다.
18세기 말부터 7현 기타는 학술 악기로 발전하기 시작했습니다. 기타를 위한 주요 작곡이 등장합니다. 그래서 1799 년에 I. Kamensky의 소나타가 19 세기 초 V. Lvov의 두 기타를위한 소나타로 출판되었습니다. 19세기 전반기에는 기타 문헌이 다른 악기, 심지어 피아노포르테에 대한 문헌보다 더 많이 생산되었습니다. 교육 및 방법론 매뉴얼에 포함되거나 별도의 판으로 나온 다양한 기타 조각이 출판되었습니다. 예를 들어 유명한 기타리스트 교사이자 방법론자인 Ignatius Geld가 만든 mazurkas, waltzes, ecossaises, polonaises, serenades, divertissements와 같은 주로 댄스 장르의 수많은 미니어처가 있습니다.
18세기 후반부터 19세기 초까지 잘 알려진 일부 러시아 작곡가들은 7현 기타 연주를 좋아했습니다. 그중에는 러시아 민요를 주제로 다양한 변주곡을 작곡한 Ivan Evstafievich Khandoshkin(1747~1804)과 7현 기타를 위한 10곡을 출판한 Gavriil Andreevich Rachinsky(1777~1843)가 있습니다. 1817. 그중에는 다섯 개의 폴로네즈와 러시아 민요를 주제로 한 두 개의 변주곡이 있습니다. 동시에 지금은 잊혀진 작곡가 Gornostaev의 작품이 악기로 출판되었습니다. Konovkina, Maslova.
7현 기타 전문 연주의 진정한 개화는 뛰어난 교사이자 기타리스트인 Andrei Osipovich Sikhra(1773-1850)의 수년간의 창의적인 활동에 달려 있습니다. 훈련을 통해 하프 연주자였던 그는 기타 홍보에 평생을 바쳤습니다. 독점적으로 음악에 종사하는 Andrei Osipovich는 이미 어린 시절부터 거장 연주자와 작곡가로 유명해졌습니다. Sychra는 하프와 기타뿐만 아니라 피아노도 작곡했습니다.
18세기 말에 Sychra는 Mostka로 이사했고 그의 악기의 활기차고 활동적인 프로모터가 되었습니다. 그의 기타는 즉시 모스크바 대중들 사이에서 많은 찬사를 얻습니다. 여기 모스크바에서 그의 "초기"모스크바 학교가 형성되고 있습니다. 그는 많은 학생들을 가르치고, 스스로 공부하고, 악기를 개선하고, 다양한 방법론 자료를 만들고, 7 현 기타 레퍼토리의 토대를 마련하고, 콘서트에서 학생들. 그의 많은 학생들은 이후 뛰어난 기타리스트와 작곡가가 되어 위대한 스승이 시작한 작업을 계속했습니다. A.O. 시크리 - S.N. Aksenov, V.I. 모르코프, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman - 러시아 민요의 많은 연극과 편곡을 만들었습니다.
1800년부터 생을 마칠 때까지 A.O. Sychra는 이 악기를 위해 많은 작품을 출판했는데, 이들은 인기 있는 아리아, 댄스 음악, 콘서트 계획의 가장 복잡한 환상의 편곡입니다. Sychra의 작업은 모든 측면에서 발전했습니다. 그는 유명하고 세련된 작곡가를 주제로 한 환상, 러시아 민요를 주제로 한 환상, mazurkas, waltzes, ecossaises, quadrilles, 수업 과정. Sykhra는 M.I. 글린카, V.A. 모차르트, G. Donizetti, K. Weber, D. Rossini, D. Verdi.
A.O. Sichra는 다양한 아마추어 기타리스트의 미적 교육을 위해 많은 일을 하면서 7현 기타를 솔로 학술 악기로 확립한 최초의 사람이었습니다.
1802년 A.O. Sychry”는 러시아 민요의 편곡, 뮤지컬 클래식의 필사본을 출판했습니다. 이후 몇 년 동안 1838년까지 음악가는 유사한 잡지를 여러 개 발행하여 악기의 인기를 크게 높이는 데 기여했습니다.
7 현 기타에 대한 수많은 작품 외에도 Sychra는 학생 V.I의 주장에 따라 쓴 "학교"를 떠났습니다. 당근. 1840년에 출판되었다.
Sichra 학교의 주요 인물은 Semyon Nikolaevich Aksenov (1784-1853)입니다. 한때는 악기와 작곡의 숙달에서 그를 능가한 사람이 없었습니다. 모스크바에서 음악가는 최고의 거장 기타리스트로 간주되었습니다. Aksenov의 연주는 놀라운 선율, 음색의 따뜻함, 그리고 이와 함께 뛰어난 기교로 인해 놀랍습니다. 호기심 많은 마음을 가진 그는 악기에 대한 새로운 기술을 찾았습니다. 그래서 그는 인공 편모 시스템을 개발했습니다. 음악가는 악기에 대한 의성어의 놀라운 재능을 가졌습니다. Aksyonov는 새의 노래, 북 소리, 종소리, 다가오고 멀어지는 합창단 등을 묘사했습니다. 이러한 음향 효과로 그는 청중을 놀라움으로 이끌었습니다. 불행히도 Aksyonov의 이런 종류의 연극은 우리에게 전해지지 않았습니다.
S.N. 악세노바. 1810년부터 그는 인기 있는 오페라 아리아의 필사본과 러시아 민요 주제에 대한 변주곡이 포함된 음악 애호가 전용의 7현 기타를 위한 새 저널을 출판했습니다. Aksyonov는 또한 기타와 함께 목소리로 로맨스를 만들었습니다.
Aksyonov는 뛰어난 재능을 가진 기타리스트 Mikhail Vysotsky를 키웠고 곧 모스크바 러시아 기타리스트 학교에 명성을 얻었습니다.
Mikhail Timofeevich Vysotsky(1791 - 1837)의 창작 활동은 전문적이고 학문적인 러시아 기타 연주의 발전에 큰 역할을 했습니다.
음악가의 연주는 세속 살롱과 상인 모임에서만 들리는 것이 아닙니다. 기타리스트는 또한 그의 아파트 창가에서 일반 대중을 위해 연주했으며, 특히 최근 몇 년 동안 큰 도움이 필요했습니다. 이 콘서트는 중산층과 장인들 사이에서 7현 기타의 보급에 기여했습니다.
음악가는 즉흥 연주자로서 놀라운 재능을 가졌습니다. Vysotsky는 끝없는 풍부한 화음과 변조로 몇 시간 동안 즉흥 연주를 할 수 있었습니다.
기타리스트는 또한 mazurkas, polonaises, waltzes, ecossaises와 같이 당시 유행했던 댄스 음악을 작곡했습니다. 이 모든 작품은 매우 우아하고 음악적입니다. Vysotsky는 V.A. 모차르트, L. 베토벤, D. 필드. 음악가는 자신의 작곡을 재 인쇄하지 않고 작은 판으로 출판했기 때문에 컬렉션은 즉시 매진되었고 거의 즉시 서지 희귀 품이되었습니다. Vysostky의 손으로 쓴 작곡 중 일부만이 살아 남았고 Gutheil의 에디션으로 출판 된 84 개의 희곡이 있습니다.
러시아에서 7현 기타 연주를 위한 최초의 자가 학습 매뉴얼은 18세기 말에 등장했습니다. 1798 년 상트 페테르부르크에서 I. Geld의 "Seven-String Guitar에 대한 시맨틱 가이드"가 출판되었으며, 이는 반복적으로 재 인쇄되고 새로운 자료로 보완되었습니다. 제3판은 러시아와 우크라이나 민요의 40편곡으로 확장되었다. 1808년 D. F. Kushenov-Dmitrievsky의 "7현 기타 학교"가 상트페테르부르크에서 발표되었습니다. 이 컬렉션은 이후 여러 번 재인쇄되었습니다. 1850년 A.O. Sikhra의 "Theoretical and Practical School for the Seven-String Guitar"는 3부작으로 출판되었습니다. 첫 번째 부분은 "일반적인 음악 규칙"이라고 불렸고 두 번째 부분은 기술 연습, 음계 및 아르페지오를 포함했으며 세 번째 부분은 주로 Sykhra 학생들의 작곡으로 구성된 음악 자료를 포함했습니다. 또 다른 중요한 교육 및 교육 매뉴얼은 A.O. 시크리. 이것은 기타리스트의 기술을 향상시키는 일종의 고등 학교입니다.
1819 년 S.N. Aksenov는 I. Geld의 "School"의 다음 재판에 상당한 추가 작업을 수행했습니다. 자연 및 인공 화음에 관한 장이 추가되었고, 다음을 포함하여 많은 새로운 작품, 에튜드 및 민요 편곡이 소개되었습니다. 자신의 구성. V.I는 7현 기타를 배우기 위한 다양한 매뉴얼을 공개했습니다. 모르코프, M.T. Vysotsky 및 19 세기 전반의 기타 기타리스트.
러시아에서는 7현 기타가 학술 및 민속 악기로 동시에 존재했습니다. 19세기의 첫 10년 동안, 가정 음악 제작의 전통적인 계층을 표현한 7현 기타는 주로 노동자, 장인, 견습생 및 다양한 유형의 서비스 인력(코치맨, 부족한 사람) 사이에 배포되었습니다. 악기는 일반 대중에게 음악 문화에 대한 교육 및 친숙화의 도구가 됩니다.
1840년대 이후 구젤니의 예술과 마찬가지로 기타 예술은 쇠퇴하기 시작합니다. 그러나 일상적인 음악 제작에서 psaltery가 사라지기 시작하면 도시 노래, 로맨스 및 집시 노래 분야에서 똑같이 변하지 않은 반주 악기로 남아있는 기타는 전문적인 직업의 감소로 인해 사람들의 사회적 자질을 점차 잃어 버렸습니다. 기타리스트 수준. 세기 후반에는 A.O.만큼 밝은 연기자와 교사가 없었습니다. 시크라, S.N. Aksenov 및 M.T. Vysotsky. 실질적인 방법론적 매뉴얼은 인쇄가 거의 중단되었으며 게시된 자습서는 대부분 일상적인 음악 제작 애호가의 소박한 요구를 위해 설계되었으며 샘플만 포함되어 있습니다. 인기 로맨스, 노래, 춤, 대부분 예술적 품질이 낮습니다.
러시아 돔라에서의 공연 형성
"domra"라는 이름 자체는 16세기에야 유명해졌지만, Rus의 뽑아낸 지판(탄버 모양) 악기에 대한 최초의 정보는 10세기부터 우리에게 전해졌습니다. 러시아인들 사이의 탄부르 민속 악기 903년에서 912년 사이에 키예프를 방문한 10세기 아랍 여행가 Ibn Dasta가 묘사했습니다.
우리에게 내려온 돔라에 대한 첫 번째 언급은 1530년으로 거슬러 올라갑니다. "메트로폴리탄 다니엘의 가르침"은 교회 하인의 하프와 smyk (삐 소리) 연주와 함께 돔라 연주에 대해 이야기합니다. 17세기 초에 사람들에게 매우 사랑받는 구슬리조차도 그들의 인기에서 "돔람에게 크게 양보했습니다". 17세기 모스크바에는 돔라를 파는 '가옥 행렬'이 있었다. 결과적으로 이러한 도구의 필요성이 너무 커서 판매를 위해 여러 상점을 조직해야 했습니다. domras가 모스크바뿐만 아니라 대량으로 만들어 졌다는 정보는 러시아 국가의 현지 시장에 일일 수수료가 기록 된 세관 책에서 설득력있게 확인할 수 있습니다.
Rus의 Domra는 사람들의 삶의 두꺼운 부분에 빠졌습니다. 그것은 공공적이고 민주적인 도구가 되었습니다. 악기의 가벼움과 작은 크기, 그 소리 (항상 플렉 트럼으로 domra를 연주 함), 풍부한 예술적 기술 능력-이 모든 것이 버푼이 좋아하는 것이었고 Domra는 그 당시 모든 곳에서 들렸습니다. 즐거운 시간과 슬픔의 순간. "나는 내 domra에 대해 skomra에 기뻐합니다. "라고 늙은 러시아 속담은 말합니다.
Buffoons는 종종 대중 불안의 선동자이자 참여자였습니다. 그렇기 때문에 성직자와 국가의 통치자가 그들의 예술에 대해 그렇게 많이 무기를 들었습니다.
거의 100년 동안(1470년부터 1550년까지) 8개의 왕실 법령으로 악기 연주가 금지되었습니다. 버푼과 그들의 음악에 대한 박해는 특히 XV에서 심화되었습니다. XVII 세기 x - 짜르 정부와 집주인에 대한 농민들의 조직적 시위 기간 동안 (Ivan Bolotnikov와 Stepan Razin이 이끄는 농민 전쟁).
1648 년 차르 알렉세이 미하일로비치 (Tsar Alexei Mikhailovich)는 악기에서 사람들을 파문하기위한 조치가 합법화 된 헌장을 발행했습니다. 그릇을 압수하고 그 악마의 게임을 깨뜨린 후 불태우라고 명령했습니다.
1654년 여름과 가을에 니콘 총대주교의 지시에 따라 "흑인"으로부터 악기를 대량 압수했습니다. 그들은 도처에서 파괴되고 있었다. Gusli, 뿔, 돔라, 파이프, 탬버린은 모스크바 강을 건너 불에 탔습니다.
민속 악기 연주 금지에 관한 왕실 법령으로 인해 17 세기 중반에 전문 장인의 돔라 생산이 중단되었습니다. 제조와 도구 보관에 대해서도 가혹한 처벌이 뒤따랐습니다. 부푼 예술의 근절과 함께 돔라체 뮤지션의 프로페셔널한 연주도 사라진다.
그러나 buffoons의 예술 덕분입니다. Domra는 사람들 사이에서 큰 인기를 얻었습니다. 그녀는 가장 외딴 마을과 귀머거리 마을에 침투했습니다.
16-17 세기의 원고에는 민속 악기, 특히 domras와 연주자 인 domracheev의 이미지가 포함 된 수많은 삽화가 있습니다. 이 삽화는 그 당시 domra가 Rus에서 가장 흔한 악기 중 하나였음을 나타냅니다.
XVI의 늙은 러시아 돔라 - XVII 세기그것은 두 가지 버전으로 존재했습니다. 그것은 현대 돔라에 매우 가까운 모양을 가질 수 있었고 다른 하나는 일종의 류트였습니다. 큰 몸체, 다소 짧은 목 및 뒤로 구부러진 머리가있는 다중 현악기입니다.
그 당시의 역사적 문서는 돔라의 공동 공연과 소형, 중형 및 대형 돔라와 같은 다양한 돔라의 공존을 증언합니다. 그들은 작은 조각이나 깃털로 돔라를 연주했습니다.
16세기는 고대 러시아 스코모로시 돔라가 가장 널리 퍼진 시기입니다. 18 세기 초로 거슬러 올라가는 Lubok 사진은 종종 Foma와 Yerema라는 두 광대 광대를 묘사했습니다. 그들 중 한 사람의 손에는 현악기를 볼 수 있습니다. 그것은 작은 타원형 몸체와 좁은 목을 가지고 있습니다. 러시아 대중 판화 연구원, 저명한 미술사 학자 D.A. Rovinsky는 그림에 대한 설명으로 Thomas와 Yerema에 대한 전체 구절을 인용합니다. "Yerema에는 하프가 있고 Foma에는 domra가 있습니다."
Domra는 종종 야외에서 소리를 냈고 때로는 역학 측면에서 더 큰 악기가 있는 앙상블에서 들렸습니다.
고대 러시아 domra의 모든 이미지와 다른 민족의 유사한 도구를 비교할 때 극도로주의를 기울이는 것이 중요합니다. 흥미로운 기능: 모든 악기는 kobza입니다 (이 악기는 16-17 세기 우크라이나에서 일반적이었고 큰 타원형 또는 반원형 몸체와 5-6 개의 현이 뻗어있는 목, 뒤로 구부러진 머리, 즉 류트 유형) , 또는 작은 몸체와 3 ~ 4 개의 현이있는 악기), 오리엔탈 돔라 등은 솔로로만 제공됩니다. 다른 악기는 어디에도 함께 표시되지 않습니다. 그럼에도 불구하고 16-17 세기의 늙은 러시아 돔라의 이미지는 다른 악기와의 공동 연주에 사용되었다고 말합니다. 고대 돔라는 주로 집단 음악 제작을 위한 악기였으며 다양한 테시투라 품종에 존재했습니다. 예를 들어, 우리에게 내려온 미니어처는 다양한 크기의 돔라를 묘사합니다. 몸집이 작은 돔라는 현대 소형 돔라의 크기에 해당한다. 고대 그림에는 몸이 더 작은 돔라의 이미지가 있습니다. 이 "domrishko"는 테시투라가 매우 높은 악기일 가능성이 있습니다.
18세기 후반에 돔라는 점차 사람들의 기억에서 사라진다.
18~19세기의 발랄라이카
17 세기의 마지막 3 분의 1 인 1688 년에 "domra"라는 이름이 사라지면서 발랄라이카에 대한 첫 번째 언급이 나타납니다. 사람들은 domra와 유사하고 제조하기 쉽고 경쾌하고 리드미컬하게 맑은 소리를내는 현악기가 필요했습니다. 맞습니다, 집에서 만든 장인의 방식으로 만들어졌으며 새로운 버전의 domra-balalaika를 소란스럽게 만듭니다.
Balalaika는 17 세기 후반에 domra의 민속 버전으로 등장했습니다. 이미 18 세기에 역사가 J. Shtelin에 따르면 "러시아 전역에서 가장 일반적인 악기"가되면서 엄청난 인기를 얻었습니다. 여러 가지 상황이 이에 기여했습니다. 기존 악기 (하프, 돔라, 경고음)의 주요 의미 상실, 발랄라이카 마스터 링의 가용성 및 용이성, 제조의 단순성.
러시아 여러 지방의 민속 발랄라이카는 형태가 달랐습니다. 18세기와 19세기 초에는 호박으로 만든 둥글고(아래에서 잘린) 타원형 몸체를 가진 발랄라이카가 인기를 끌었습니다. 그들과 함께 18 세기에 삼각형 몸체를 가진 악기가 점점 더 자주 등장하기 시작했습니다. 그들의 이미지는 다양한 인기 인쇄물로 제공됩니다. 사각형 및 사다리꼴 몸체를 가진 악기가 있었고 현의 수는 2에서 5(구리 또는 장)까지였습니다. 도구 제조용 재료는 다양한 종류의 목재와 남부 지역의 호박이었습니다. 다양한 발랄라이카와 시스템이 달랐습니다. 4도, 5도, 혼합 4도 5도 및 3도 튜닝의 3현 발랄라이카가 있었습니다. 프렛보드에 4~5개의 가동 프렛이 부과되었습니다.
사람들 사이에 존재했던 원시 발랄라이카는 수공예품으로 만들어졌으며 온음계와 매우 제한된 기능을 가졌습니다.
발랄라이카의 크기는 종종 소위 너비 0 1 피트의 슬링에 보관해야 할 정도였습니다. 길이 약 30.5cm, 길이 1.5피트(46cm), 목은 "몸 길이의 최소 4배"를 초과했습니다. 1.5미터에 도달했습니다. 그들은 18세기의 전형적인 연주 방식인 플렉트럼(plectrum)의 도움을 받아 개별 현을 뜯고 덜거덕거리며 발랄라이카를 연주했습니다.
18세기 후반에 이 악기는 아마추어 영역과 전문 음악가들 사이에 퍼졌습니다. 사람들의 광범위한 존재와 함께이 기간에 이미 발랄라이카는 "저명한"집에서 만났고 심지어 참여했습니다. 뮤지컬 편곡축제 법정 의식. 당시 도시 발랄라이카 연주자의 레퍼토리에는 민요와 춤뿐만 아니라 아리아, 미뉴에트, 폴란드 춤, "안단테, 알레그로 및 프레스토 작품"과 같은 소위 세속 음악 작품도 포함되었습니다.
도시형 전문 발랄라이카 연주자의 등장은 이때로 거슬러 올라간다. 이들 중 첫 번째는 뛰어난 바이올리니스트 Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804)이라고해야합니다. 이 음악가가 발랄라이카를 작곡할 가능성도 배제하지 않는다. Khandoshkin은 바이올린과 발랄라이카 모두에서 러시아 민요의 탁월한 연주자였습니다. 오랫동안 그 뒤에 최초의 발랄라이카 거장의 명성이 보존되었습니다. Potemkin 및 Naryshkin과 같은 고위 귀족을 그의 악기로 "음악적 분노"에 빠뜨린 것은 Khandoshkin이었던 것으로 알려져 있습니다. 처음에 Khandoshkin은 박으로 만든 민속 스타일 발랄라이카를 깨진 수정으로 내부에 접착하여 악기에 특별한 음향을 부여했고 나중에는 훌륭한 바이올린 제작자 Ivan Batov가 만든 악기를 연주했습니다. Batov의 발랄라이카는 몸이 개선되었을뿐만 아니라 장붓 구멍 프렛도 있었을 가능성이 큽니다. A.S. Famintsyn "Domra 및 관련 악기"는 음악가가 7 개의 장붓 구멍 프렛으로 개선 된 발랄라이카를 연주하는 "19 세기 초 삼각형 발랄라이카를 가진 인민 연주자"라는 그림을 출판했습니다.
잘 알려진 전문 발랄라이카 연주자 중 바이올린뿐만 아니라 발랄라이카에서도 Khandoshkin의 학생 인 I.F. 의심할 여지 없이 이 악기를 위해 곡을 작곡한 뛰어난 발랄라이카 연주자는 모스크바의 바이올리니스트이자 작곡가이자 지휘자인 Vladimir Ilyich Radivilov(1805-1863)였습니다. 동시대인들은 Radivilov가 발랄라이카를 개선하여 4현으로 만들었으며 “연주하면서 그는 청중을 놀라게 할 정도로 완벽하게 연주했습니다. 모든 서곡은 자신의 작곡이었습니다.
18-19세기의 전환기는 발랄라이카 연주 예술의 전성기입니다.
이 기간의 문서에는 발랄라이카 연주자 중 대부분이 이름이 없는 전문 연주자의 존재를 확인하는 정보가 나타납니다.
뛰어난 발랄라이카 연주자 M.G에 대한 정보를 받았습니다. "특별한 디자인"발랄라이카를 연주 한 Khrunov. 이 단순한 민속 악기에 대한 무시적인 태도에도 불구하고 동시대 사람들은 음악가의 연주에 대해 탁월한 평가를 제공합니다.
인쇄된 출판물에는 이 악기를 완벽하게 소유한 발랄라이카 연주자 몇 명의 이름이 더 있습니다. 이들은 P.A. Bayer와 A.S. Paskin은 Tver 지방의 지주이자 뛰어난 연주자이자 암호화 된 성 (P.A. La-ky)을 가진 Oryol 지주로 "발랄라이카"를 흉내낼 수없는 기술로 연주했으며 특히 그의 하모닉스를 과시했습니다. 이 음악가들은 최고의 장인이 만든 악기를 연주했습니다.
도시에 존재하는 발랄라이카는 일반 사람들과 달랐습니다. 퍼포먼스 자체가 달랐다. V. V. Andreev는 도시에서 7 프렛 악기를 만났고 A.S. Paskin은 원래 기술과 발견으로 가득 찬 그의 프로 게임으로 말 그대로 그를 놀라게했습니다.
파티의 마을에서 발랄라이카 선수의 게임은 클럽 활동으로 지불되었습니다. 많은 지주의 영지에는 홈 엔터테인먼트를 위해 연주하는 발랄라이카 플레이어가 보관되었습니다.
19 세기 초, 발랄라이카에 대한 에세이가 등장했습니다. 러시아 민요 "Elnik, my spruce forest"를 주제로 한 변형입니다. 이 작품은 Mariinsky Theatre N. V.의 유명한 오페라 가수 인 발랄라이카의 위대한 연인이 썼습니다. 라브로프( 실제 이름처킨). 변형은 프랑스어로 출판되었으며 당시 유명한 작곡가 A.A. Alyabiev. 제목 페이지는 작품이 3 현 발랄라이카를 위해 작성되었음을 나타냅니다. 이는 당시 대중적 인기를 방증한다. 3현 악기.
역사적 문서는 발랄라이카가 삐, 백파이프, 아코디언, 호른이있는 듀엣에서 민속 악기와 다양한 조합으로 앙상블 악기 역할을했다는 사실을 확인합니다. 트리오에서-드럼과 숟가락으로; 바이올린, 기타 및 탬버린으로 구성된 소규모 오케스트라에서; 플루트와 바이올린이 있는 앙상블에서. 오페라 공연에서 발랄라이카를 사용하는 것도 알려져 있습니다. 그래서 MM Sokolovsky의 오페라 "The Miller, the Sorcerer, Deceiver and the Matchmaker"에서 3 막 "노인과 노파가 걷는 길"의 Melnik의 아리아가 발랄라이카 반주에 맞춰 연주되었습니다.
대중들 사이에서 발랄라이카의 인기는 민요와 소설 모두에 반영됩니다. 이 악기는 A.S. Pushkin, M.Yu. Lermontov, F.I. Dostoevsky, L.N. 톨스토이, A.P. Chekhov, I. Turgenev, N. V. 고골 등.
19세기 중반에 대중 악기로서의 발랄라이카의 인기는 시들기 시작했습니다. 원시적인 형태의 발랄라이카는 더 이상 새로운 미학적 요구를 완전히 충족시킬 수 없었습니다. 먼저 7현 기타와 하모니카가 포크 홈 뮤직 제작에서 발랄라이카를 몰아냈습니다. 발랄라이카가 점차 사라지는 과정은 민속 음악 생활에서도 시작됩니다. 악기의 유비쿼터스 배포에서 점차 음악 고고학의 주제로 바뀌었습니다.
기술 자료에서 좋은 작업을 보내는 것은 간단합니다. 아래 양식을 사용하십시오
연구와 작업에 지식 기반을 사용하는 학생, 대학원생, 젊은 과학자들은 여러분에게 매우 감사할 것입니다.
에 게시됨 http://www.allbest.ru/
에 게시됨 http://www.allbest.ru/
우크라이나 문화부
하르키우 주립 문화 아카데미
"석사" 학위를 위한 입학 허가
기타 아트 역사적 현상음악 문화
피쿨리야 타라스 올레고비치
하르키우 2015
계획
소개
1. 클래식 기타 연주의 형성과 발전을 위한 전제조건
1.1 기타 성능의 출현, 개발 및 개선의 역사
1.2 소련과 러시아의 기타 예술 형성
2. 예술에서 팝 재즈 경향의 출현과 진화의 역사
2.1 팝 재즈 아트에 사용되는 다양한 기타
2.2 60-70년대 팝 재즈 공연의 주요 방향
서지
안에지휘
XX 세기의 음악 예술. 빠르고 빠르게 발전했습니다. 이 개발의 주요 특징은 다양한 스타일과 트렌드의 동화, 새로운 음악 언어의 결정화, 새로운 구성 원칙, 조형 및 다양한 미학적 플랫폼의 형성이었습니다. 이 과정에는 작곡가, 연주자, 미술사학자뿐만 아니라 음악 작품이 만들어지는 수백만 명의 청취자도 포함됩니다.
주제의 관련성은 기타 예술의 진화적 발전, 즉 새로운 장르와 경향의 형성이라는 관점에서 클래식 및 팝 재즈 기악을 고려했기 때문입니다.
이 연구의 목적은 클래식과 팝 재즈 기악이 새로운 스타일 형성, 연주 기술 및 기타 문화 전반에 미치는 영향을 고찰하는 것입니다.
연구 목표:
1) 유럽, 러시아, 소련에서 기타 문화의 출현, 발전 및 형성의 역사를 고려하십시오.
2) 팝-재즈 아트에서 새로운 스타일의 기원, 기원 및 형성을 고찰한다.
연구의 목적은 클래식과 팝 재즈 기악의 형성이다.
작업의 방법 론적 기반은 유럽, 아프리카 및 러시아 예술적 전통의 기초로서 음악 및 언어 원칙의 통합에 초점을 맞춘 억양 분석 방법입니다.
작품의 과학적 참신함은 작품이 기타 예술의 형성과 진화 및 기타 문화 형성에 미치는 영향에 대한 연구라는 사실에 있습니다.
이 작품의 실질적인 가치는 음악의 역사적이고 이론적인 학문을 연구하는 과정에서 그 자료를 사용할 수 있다는 가능성에 있다.
1. 전제 조건형성그리고개발계략~에고전기타
1.1 기타 성능의 출현, 개발 및 개선의 역사
이 악기의 기원, 개발 및 개선의 역사는 너무 놀랍고 신비해서 스릴 넘치는 탐정 이야기에 가깝습니다. 기타에 대한 최초의 정보는 고대로 거슬러 올라갑니다. 천년 전 이집트 기념물에는 기타처럼 보이는 악기 "nabla"의 이미지가 있습니다. 기타는 아시리아, 바빌론, 페니키아의 건축 기념물 이미지로 확인되는 아시아에서도 널리 퍼졌습니다. 13세기에 아랍인들은 그것을 스페인으로 가져왔고 곧 완전한 인정을 받았습니다. 15세기 말, 스페인의 부유한 가문들은 과학과 예술을 후원하기 위해 서로 경쟁하기 시작했습니다. 기타는 류트 및 기타 뽑아내는 악기와 함께 궁정에서 가장 좋아하는 악기가 됩니다. 안에 문화 생활스페인에서는 16세기부터 정기적으로 열리는 수많은 협회, 아카데미, 동아리 및 회의인 "살롱"이 중요한 역할을 했습니다. 그때부터 악기에 대한 열정이 많은 사람들에게 퍼졌고 그들을 위한 특별한 음악 문학이 만들어졌습니다. 그녀를 대표하는 작곡가의 이름은 긴 문자열을 구성합니다: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz 등.
오랜 개발 과정을 거쳐 기타는 현대적인 모습을 갖추게 되었습니다. 18세기까지는 더 작았고, 몸체는 다소 좁고 길었다. 처음에는 악기에 5개의 현이 설정되어 류트처럼 4분의 1로 조율되었습니다. 나중에 기타는 열린 현의 사운드를 더 잘 활용하기 위해 열린 위치에서 연주하는 데 더 적합한 튜닝이 있는 6현이 되었습니다. 따라서 19세기 중반에 기타는 최종 형태를 갖추게 되었습니다. mi, si, salt, re, la, mi 시스템과 함께 6개의 문자열이 나타났습니다.
기타는 유럽에서 큰 인기를 얻었고 북미와 남미 국가로 옮겨졌습니다. 기타의 광범위한 사용을 설명하는 방법은 무엇입니까? 주로 큰 잠재력을 가지고 있기 때문에 솔로로 연주할 수 있고 음성, 바이올린, 첼로, 플루트와 함께 다양한 오케스트라와 앙상블에서 찾을 수 있습니다. 작은 크기와 공간에서의 쉬운 이동 가능성, 가장 중요한 것은 비정상적으로 선율이 깊고 동시에 투명한 사운드는 낭만적 인 관광객부터 전문 음악가에 이르기까지 다양한 팬이이 보편적 인 악기에 대한 사랑을 정당화합니다.
18세기 말, 스페인에는 작곡가와 거장이 등장했습니다.
F. Sor 및 D. Aguado, 이탈리아에서 동시에 M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi 및 기타. 그들은 기타를 위한 광범위한 콘서트 레퍼토리를 만듭니다. 작은 곡부터 오케스트라와 함께하는 소나타 및 협주곡은 물론 광범위한 교육적이고 건설적인 레퍼토리인 훌륭한 "Schools for playing the Six-String Guitar"도 있습니다. 이 교육학 문헌이 처음 출판된 지 거의 200년이 지났지만 여전히 교사와 학생 모두에게 귀중한 유산입니다.
Composer Sor는 서유럽과 러시아의 도시에서 큰 성공을 거둔 콘서트를 제공합니다. 그의 발레 신데렐라, 화가로서의 루복, 헤라클레스와 옴팔레, 오페라 텔레마코스는 상트페테르부르크, 모스크바, 서유럽의 대도시에서 여러 번 상연되었습니다. 다성적 스타일, 풍부한 상상력, 내용의 깊이가 소라의 작품을 특징짓는다. 이것은 그의 연주의 깊이와 그의 기술의 광채에 깊은 인상을 받은 거장 기타리스트이자 교육받은 음악가 작곡가입니다. 그의 작곡은 기타리스트의 레퍼토리에 확고하게 들어갔습니다. 이탈리아의 Giuliani는 이탈리아 기타 학교의 창립자 중 한 명입니다. 그는 뛰어난 기타리스트이자 완벽한 바이올리니스트였습니다. 1813년 베토벤의 교향곡 7번이 작가의 지휘 아래 빈에서 처음으로 연주되었을 때 줄리아니는 바이올리니스트로 연주에 참여했습니다. 베토벤은 작곡가이자 음악가로서 줄리아니를 높이 평가했습니다. 그의 소나타, 오케스트라 협주곡은 현대 기타리스트가 연주하며 교육학 문학은 교사와 학생 모두에게 귀중한 유산입니다.
특히 유명한 이탈리아 기타리스트이자 교사 인 작곡가 M. Carcassi가 우리나라에서 가장 유명하고 가장 자주 출판하는 "School of Playing the Six-String Guitar"에 대해 이야기하고 싶습니다. "School"의 서문에서 저자는 이렇게 말합니다. "... 나는 과학 작품을 쓸 생각이 없었습니다. 이 악기의 모든 기능에 더 친숙해질 수 있는 계획을 세워 기타를 더 쉽게 배울 수 있도록 하고 싶었을 뿐입니다. 이 말에 따르면 M. Carcassi는 기타 연주를 배우기위한 범용 매뉴얼을 만드는 작업을 스스로 설정하지 않았으며 전혀 불가능하다는 것이 분명합니다. "School"은 왼손과 오른손의 기술, 기타 연주의 다양한 특징적인 방법, 다양한 위치와 키에서 연주하는 방법에 대한 여러 가지 귀중한 지침을 제공합니다. 음악 예문과 작품은 난이도가 높은 순서대로 순차적으로 제공되며 작곡가와 교사로서 훌륭한 기술로 작성되었으며 여전히 교육 자료로 큰 가치가 있습니다.
현대적인 관점에서 볼 때 이 "학교"에는 여러 가지 심각한 단점이 있습니다. 예를 들어, 아포얀도(지원과 함께 연주)와 같이 오른손을 연주하는 중요한 기술에 거의 관심을 기울이지 않았습니다. 18세기 서유럽 전통 음악에 기초한 음악적 언어는 다소 단조롭다. 운지법 개발 문제, 멜로디-하모닉 사고는 실제로 다루지 않으며 왼손 및 오른손 손가락의 올바른 배치에 대해서만 이야기하고 있으므로 성능의 많은 기술적 어려움을 해결하고 소리를 개선하고 프레이즈를 향상시킬 수 있습니다. , 등.
19 세기 후반에 스페인 작곡가, 거장 솔리스트이자 교사 인 Francisco Tarrega의 새로운 밝은 이름이 기타 역사에 나타났습니다. 그는 자신만의 글쓰기 스타일을 창조합니다. 그의 손에서 기타는 작은 오케스트라로 변합니다.
이 뛰어난 음악가의 공연 작업은 그의 친구인 작곡가인 Albeniz, Granados, de Falla 등의 작업에 영향을 미쳤습니다. 그들의 피아노 작품에서 종종 기타를 모방하는 소리를 들을 수 있습니다. 건강이 좋지 않아 Tarrega는 콘서트를 열 기회가 없었기 때문에 가르치는 데 전념했습니다. Tarrega는 자신의 기타 연주 학교를 만들었다고 안전하게 말할 수 있습니다. 그의 최고의 학생들 중에는 Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe 및 기타 유명한 콘서트 연주자들이 있습니다. 지금까지 E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens 및 P. Rocha가 Tarrega 교수법을 기반으로 한 "Schools"가 출판되었습니다. 유명한 스페인 기타리스트, 교사 및 음악 학자 E. Pujol의 "6 현 기타 연주 학교"의 예를 사용하여이 방법을 자세히 살펴 보겠습니다. "School"의 특징은 클래식 기타 연주의 모든 주요 "비밀"을 관대하고 자세하게 표현한 것입니다. 손의 위치, 악기, 음향 제작 방법, 연주 기술 등 기타 기술의 가장 중요한 문제가 신중하게 개발되었습니다. 자료 배열의 순서는 기타리스트의 체계적인 기술 및 예술적 준비에 기여합니다. "School"은 전적으로 원본 음악 자료를 기반으로 제작되었습니다. 거의 모든 에튜드와 연습은 특히 해당 섹션을 위해 저자가 작곡했습니다 (F. Tarrega의 방법론 고려).
이 교육 출판물이 기타 연주의 어려움을 자세히 설명할 뿐만 아니라 이를 극복하는 방법도 자세히 설명하는 것은 특히 가치가 있습니다. 특히 오른손과 왼손으로 연주할 때 올바른 운지법을 사용하는 문제는 물론 다른 자세에서의 연주법, 다양한 움직임, 왼손의 이동 등이 확실히 발전에 기여하는 부분에 많은 관심을 기울이고 있다. 운지법 생각. Pujol의 "School"의 효과는 특히 우리나라, 유럽 및 미국의 여러 교육 기관에서 사용되는 관행을 통해 확인됩니다.
세계 기타 예술의 발전에 가장 중요한 것은 20세기 가장 위대한 스페인 기타리스트의 창작 활동이었습니다. 안드레스 세고비아. 악기 개발의 역사에서 그의 역할의 예외적 중요성은 그의 연주 및 교육적 재능뿐만 아니라 조직자 및 선전가로서의 그의 능력이었습니다. 연구원 M. Weisbord는 다음과 같이 썼습니다. Andres Segovia의 역사적 장점은 무엇보다도 그러한 레퍼토리의 창조에 있습니다… 그리고 추가 :“M. Ponce (멕시코), M.K. Tedesco(이탈리아), J. Ibert, A. Roussel(프랑스) K. Pedrel(아르헨티나), A. Tansman(폴란드), D. Duart(영국), R. Smith(스웨덴)… 이 작고 먼 곳에서 전체 목록작곡가, A. Segovia 덕분에 클래식 기타 전문 작곡의 지리가 빠르게 확장되었고 시간이 지남에 따라이 악기는 E. Vila Lobos, B. Britten과 같은 많은 뛰어난 아티스트의 관심을 끌었습니다. 반면에 A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin 등 전문 연주자이기도 한 재능있는 작곡가의 전체 별자리가 있습니다.
1. 2 형성기타미술V소련그리고러시아
오늘날 그는 4번의 소련 방문(1926년, 1935년, 1936년)을 포함하여 세계 여러 나라를 성공적으로 여행했으며 클래식 기타리스트인 소라, 줄리아니, 차이코프스키, 슈베르트, 하이든의 작품 필사본 및 원작을 연주했습니다. 스페인 작곡가의 작품: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco 및 기타 작곡가. Segovia는 소비에트 기타리스트와 많은 회의를 가졌으며 질문에 기꺼이 대답했습니다. 기타 연주 기술에 대한 대화에서 Segovia는 손을 잡는 것뿐만 아니라 운지법을 올바르게 사용하는 것의 특별한 중요성을 지적했습니다. 기타는 러시아 음악 예술에 밝은 흔적을 남겼습니다. 1735년부터 1785년까지 모스크바에 살았던 Academician J. Shtelin은 러시아의 기타가 천천히 퍼졌다고 썼습니다. 공감을 얻고 널리 사용됩니다.
18세기 후반부터 러시아에서 1옥타브로 배가된 G장조 3화음과 1쿼트 간격의 낮은 현이 있는 원래의 7현 변종을 입수한 기타는 베이스 코드 반주에 가장 적합하다는 것이 밝혀졌습니다. 도시의 노래와 로맨스.
이 악기에 대한 전문적인 연주의 진정한 번영은 뛰어난 교사이자 기타리스트인 Andrei Osipovich Sikhra(1773-1850)의 창의적인 활동 덕분에 시작됩니다. 교육에 의한 하프 연주자로서 그는 7 현 기타 홍보에 평생을 바쳤습니다. 젊었을 때 그는 콘서트 활동에 참여한 다음 교육과 계몽에 참여했습니다. 1802년 A. Sikhra의 Journal for the Seven-String Guitar가 러시아 민요 편곡과 고전 음악 편곡으로 상트페테르부르크에서 출판되기 시작했습니다. 이후 수십 년 동안 1838년까지 음악가는 악기 A.O의 인기를 크게 높이는 데 기여한 여러 유사한 잡지를 출판했습니다. Sychra는 기타 음악 작곡, 특히 민요 멜로디 주제의 변형에 대한 관심을 자극하여 수많은 학생들을 키 웠습니다. 그의 학생들 중 가장 유명한 것은 S.N. Aksenov, V.I. 모르코프, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman 및 기타-러시아 노래의 많은 연극과 편곡을 남겼습니다. Mikhail Timofeevich Vysotsky(1791-1837)의 활동은 전문적이고 학술적인 러시아 기타 연주 개발에 매우 중요했습니다. 그에게 기타를 처음 소개한 사람은 S.N. Aksenov, 그는 또한 그의 멘토가되었습니다.
1813년경부터 M.T. Vysotsky는 널리 알려졌습니다. 그의 연주는 독창적인 즉흥적 스타일, 다양한 민요 멜로디에서 창의적인 상상력의 대담한 비행으로 구별되었습니다. 산. Vysotsky는 즉흥적인 청각적 연주 스타일의 대표자입니다. 이 점에서 그는 전통적인 러시아 민속 음악 제작에 가깝습니다. 국립 공연 학교 발전에 기여한 러시아 기타 공연의 다른 대표자들에 대해 많은 이야기를 할 수 있지만 이것은 별도의 대화입니다. 진정한 러시아 학교는 조음의 선명도, 아름다운 음악 톤, 악기의 멜로디 기능에 대한 집중 및 특정 레퍼토리 생성, 여러면에서 독특하고 특수 운지법 "공백"을 사용하는 진보적 인 방법으로 구별되었습니다. , 시도 및 케이던스, 악기의 기능 공개.
악기를 연주하는 체계는 연주하는 음악적 기능과 억양, 호소력을 포함하는데, 각각의 건반에 따로 기억되어 예측할 수 없는 목소리의 움직임이 있었다. 종종 그러한 개별 운지법, 멜로디 하모닉 "공백"은 열심히 보호되어 최고의 학생들에게만 전달되었습니다. 즉흥 연주는 특별히 연구되지 않았고 일반적인 기술 기반의 결과였으며 좋은 기타리스트는 노래의 익숙한 억양을 조화로운 시퀀스와 결합할 수 있었습니다. 다양한 종지의 집합이 종종 악절을 둘러싸고 음악 구조에 독특한 색상을 부여했습니다. 이러한 독창적인 교육 방법은 순전히 러시아인의 발견인 것으로 보이며 당시 외국 저작물에서는 찾아볼 수 없습니다. 불행히도 XVIII-XIX 세기의 러시아 기타 연주 전통. 부당하게 잊혀졌고 애호가들의 노력 덕분에이 방향의 상황이 더 좋아지고 있습니다.
이 악기의 개발에 대한 당국의 태도는 가볍게 말하면 시원했지만 기타 예술도 소비에트 시대에 발전했습니다. 뛰어난 교사, 연주자 및 작곡가 A.M.의 역할을 과대 평가하기는 어렵습니다. Ivanov-Kramskoy. 그의 연주 학교, 기타리스트 및 교사 P.A. Agafoshina는 젊은 기타리스트에게 없어서는 안될 교구입니다. 이 활동은 E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky(재즈의 클래식 기타), S. Rudnev(러시아의 클래식 기타) 등 수많은 학생들과 추종자들에 의해 훌륭하게 계속되고 있습니다. 스타일) 및 기타 다수.
기타 클래식 팝 재즈
2. 이야기발생그리고진화팝 재즈지도V미술
2.1 팝 재즈 아트에 사용되는 다양한 기타
현대 팝 음악에서는 주로 네 가지 유형의 기타가 사용됩니다.
1. 플랫 탑(Flat Top) - 금속 현이 있는 일반적인 포크 기타.
2. Classical(클래식) - 나일론 현이 있는 클래식 기타.
3. 아치 탑(Arch Top) - 공명판 가장자리를 따라 "efs"가 있는 확대된 바이올린 모양의 재즈 기타입니다.
4. 일렉트릭 기타 - 전자기 픽업과 모놀리식 목재 데크(바)가 있는 기타.
120~130년 전만 해도 유럽과 미국에서는 한 종류의 기타만 유행했습니다. 다른 나라에서 사용 다른 시스템설정, 일부 지역에서는 문자열 수를 변경하기도했습니다 (예를 들어 러시아에서는 6 개가 아닌 7 개의 문자열이 있음). 그러나 형태면에서 모든 기타는 매우 유사했습니다. 상대적으로 대칭적인 상하부 몸체는 12 프렛에서 목과 수렴합니다.
작은 크기, 홈이 파인 손바닥, 넓은 목, 부채꼴 용수철 등 - 이 모든 것이 이 유형의 기타의 특징입니다. 사실 위의 악기는 형식과 내용이 오늘날의 클래식 기타와 비슷합니다. 그리고 오늘날의 클래식 기타의 형태는 약 120년 전에 살았던 스페인의 거장 토레스의 것이다.
지난 세기 말에 기타는 극적으로 인기를 얻기 시작했습니다. 그 전에 기타가 개인 주택과 미용실에서만 연주 되었다면 지난 세기 말에 기타가 무대에 나타나기 시작했습니다. 소리를 증폭할 필요가 있었습니다. 그때는 클래식과 현재 가장 자주 포크 기타 또는 웨스턴이라고 불리는 것 사이에 더 명확한 구분이 있었던 때입니다. 기술은 더 크게 들리는 금속 현을 만들기 시작했습니다.
또한 캐비닛 자체의 크기가 커져 소리가 더 깊고 커졌습니다. 혼자 남겨지다 심각한 문제- 금속 현의 강한 장력은 실제로 상단 데크를 죽였고 쉘 벽의 두꺼워짐은 결국 진동과 함께 소리를 죽였습니다. 그리고 유명한 X자형 스프링 마운트가 발명되었습니다. 스프링을 십자형으로 접착하여 상단 데크의 강도를 높이면서도 진동을 허용했습니다.
따라서 그 이후로 많이 변하지 않은 클래식 기타 (이전과 같이 힘줄이 아닌 합성 섬유로만 현이 만들어지기 시작했습니다)와 포크 웨스턴 기타는 몇 가지가 있습니다. 하지만 거의 항상 X자 모양의 스프링, 금속 현, 확대된 본체 등과 함께 사용되었습니다.
동시에 "아치 탑"(아치 탑)이라는 또 다른 유형의 기타가 개발되었습니다. 이게 뭐야? Martin과 같은 회사가 스프링을 부착하여 소리를 증폭하는 문제에 도전하는 동안 Gibson과 같은 회사는 다른 방향으로 나아가 바이올린 모양과 구조의 기타를 만들었습니다. 이러한 악기는 곡선 상단 공명판, 더블 베이스와 같은 너트 및 테일피스가 특징입니다. 일반적으로 이러한 악기는 중앙에 있는 전통적인 둥근 구멍 대신 공명판 가장자리를 따라 바이올린 컷아웃이 있습니다. 이 기타는 따뜻하고 깊지 않고 균형 있고 펀치감 있는 사운드가 특징입니다. 그런 기타를 사용하면 모든 음이 명확하게 들리고 재즈 맨은 시야에 "다크호스"가 나타난 것을 빠르게 깨달았습니다. "아치 탑"이 재즈 기타라는 별명을 얻은 인기를 얻은 것은 재즈 때문입니다. 1930년대와 1940년대에는 주로 고품질 마이크와 픽업의 등장으로 인해 상황이 바뀌기 시작했습니다. 또한, 새로운 대중 음악 스타일인 블루스(Blues)가 경기장에 등장하여 즉시 세계를 정복했습니다. 아시다시피 블루스는 주로 가난한 흑인 음악가들의 노력으로 인해 발전했습니다. 그들은 손가락, 곡괭이, 심지어 맥주병으로 모든 방법을 사용했습니다(맥주병 목은 현대 슬라이드의 직접적인 조상이었습니다). 이 사람들은 값 비싼 악기를 살 돈이 없었고 항상 새 현을 살 기회가 없었습니다. 어떤 종류의 재즈 기타가 있습니까? 그리고 그들은 필요한 모든 것을 주로 더 일반적인 악기인 서부 악기로 연주했습니다. 그해에 값 비싼 "archtops"외에도 Gibson 회사는 여전히 큰 라인업"소비자" 포크 기타. 시장 상황은 Gibson이 저렴하지만 고품질의 포크 기타를 생산하는 거의 유일한 회사였습니다. 더 완벽한 것을 위한 돈이 부족하여 대부분의 블루스맨이 깁슨을 손에 넣은 것은 논리적입니다. 그래서 지금까지 그들은 그들과 헤어지지 않았습니다.
재즈 기타는 어떻게 되었습니까? 픽업의 출현으로 이러한 유형의 악기의 균형 잡히고 선명한 사운드가 당시의 증폭 시스템에 가장 적합하다는 것이 밝혀졌습니다. 재즈 기타가 현대의 펜더나 아이바네즈와 전혀 다르지만 내가 재즈 기타와 픽업을 먼저 실험하지 않았다면 레오 펜더는 텔레캐스터와 스트라토캐스터를 만들지 않았을 것입니다. 그건 그렇고, 나중에 일렉트릭 블루스도 연주되었고 픽업이있는 재즈 악기에서 연주되었지만 그 안의 바디 두께 만 줄었습니다. 이것의 놀라운 예는 오늘날 많은 사람들이 블루스 일렉트릭 기타 표준을 고려하는 B.B. King과 그의 유명한 Lussil 기타입니다.
전기로 기타 소리를 증폭하는 것으로 알려진 최초의 실험은 엔지니어이자 발명가인 Lloyd Loar가 현악기의 공진기 상자의 진동을 녹음하는 정전기 픽업을 발명한 1923년으로 거슬러 올라갑니다.
1931년에 Georges Beauchamp와 Adolph Rickenbacker는 전기 펄스가 자석의 권선을 통과하여 진동하는 줄의 신호가 증폭되는 전자기장을 생성하는 전자기 픽업을 발명했습니다. 1930년대 말에 많은 실험가들이 픽업을 더 전통적인 모양의 스페인 할로우 바디 기타에 통합하기 시작했습니다. 음, 가장 급진적 인 옵션은 기타리스트이자 엔지니어 인 Les Paul (Les Paul)이 제안했습니다. 그는 단순히 기타 모 놀리 식 사운드 보드를 만들었습니다.
그것은 나무로 만들어졌으며 간단히 "Bar"(The Log)라고 불 렸습니다. 단단하거나 거의 단단한 조각으로 다른 엔지니어들이 실험을 시작했습니다. XX 세기의 40 년대부터 개인 애호가와 대기업 모두이 작업을 성공적으로 수행해 왔습니다.
기타 제조업체의 시장은 지속적으로 범위를 확장하면서 활발하게 발전하고 있습니다. 그리고 이전의 "트렌드 세터"가 독점적으로 미국인이라면 이제 Yamaha, Ibanez 및 기타 일본 회사가 선두 자리를 굳건히 차지하고 있으며 생산 리더 중 유명한 기타의 모델과 훌륭한 사본을 모두 만듭니다.
록 음악에서 특별한 장소는 기타가 차지하고 주로 전기가 통합니다. 그러나 거의 모든 최고의 록 기타리스트는 록 음악의 스타일을 넘어서 재즈에 큰 찬사를 보내고 일부 뮤지션은 록과 완전히 결별했습니다. 기타 연주의 최고의 전통이 재즈에 집중되어 있기 때문에 놀라운 것은 없습니다.
매우 중요한 점은 잘 알려진 재즈 학교에서 다음과 같이 쓴 Joe Pass의 관심에 끌립니다. 재즈 기타, 플렉트럼 기타는 우리 세기에만 등장했으며 일렉트릭 기타는 여전히 본격적인 악기로서의 기능을 이해하기 시작한 새로운 현상입니다. 그런 상황에서 축적된 경험, 기타 마스터리의 재즈 전통이 특히 중요합니다.
이미 영어 용어 "컨트리 블루스"(컨트리 블루스)라고도하는 블루스의 초기 형태 인 "고풍"또는 "농촌"에서 기타 기술의 주요 요소가 형성되어 추가 개발을 결정했습니다. 블루스 기타리스트의 별도 기술은 나중에 후속 스타일 형성의 기초가되었습니다.
가장 초기의 컨트리 블루스 녹음은 20년대 중반으로 거슬러 올라가지만, 본질적으로 남부 주(텍사스, 루이지애나, 앨라배마 등).) XIX 세기의 70-80 년대로 거슬러 올라갑니다.
이 스타일의 뛰어난 싱어 기타리스트 중에는 블루스뿐만 아니라 후기의 많은 음악가들에게 눈에 띄는 영향을 미친 Blind Lemon Jefferson(1897-1930)이 있습니다. Blake, 1895 -1931), 그의 녹음 중 다수는 뛰어난 기술과 즉흥 연주의 독창성으로 여전히 놀라움을 금치 못합니다. Blake는 기타를 솔로 악기로 사용하는 창시자 중 한 명으로 간주됩니다. 일반적으로 Leadbelly(1888-1949)로 알려진 Huddie Leadbetter는 한때 "12현 기타의 왕"이라고 불렸습니다. 그는 연기자로서 그보다 열등했지만 때때로 Jefferson과 듀엣으로 연주했습니다. Leadbelly는 나중에 재즈에서 널리 사용되는 "방황하는 저음"인 반주에 특징적인 저음 수치를 도입했습니다.
재즈에 매우 가까운 거장 뮤지션인 컨트리 블루스 기타리스트 Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970) 중에서 눈에 띕니다. 그들은 보컬 없이 훌륭한 블루스를 녹음했고, 그는 종종 중재자로 연주하여 뛰어난 기교뿐만 아니라 뛰어난 즉흥 연주 능력을 보여주었습니다.
스윙으로 전환되는 전통 재즈의 발전에서 시카고 시대의 특징 중 하나는 악기 교체였습니다. 코넷, 튜바 및 밴조 대신 트럼펫, 더블베이스 및 기타가 전면에 등장했습니다.
그 이유 중 하나는 마이크의 출현과 전기 기계 녹음 방법이었습니다. 기타는 마침내 레코드에서 완전히 들렸습니다. 시카고 재즈의 중요한 특징은 솔로 즉흥 연주의 역할 증가였습니다. 기타의 운명에 중대한 변화가 일어난 곳이 바로 여기에서 본격적인 솔로 악기가되었습니다.
이것은 다른 악기의 전형적인 많은 재즈 기법, 특히 관악기의 프레이징 특성을 기타 연주에 도입한 에디 랭(Eddie Lang, 본명 살바도르 마사로)의 이름 때문이다. Eddie Lang은 또한 중재자로서 연주하는 재즈 스타일을 만들었고 나중에 지배적이 되었습니다. 그는 라운드 로제트가 없다는 점에서 일반적인 스페인어와 다른 재즈 연주용 특수 기타 인 플렉 트럼 기타를 처음 사용했습니다. 대신 갑판에는 바이올린과 유사한 efs와 픽 스트라이크로부터 보호하는 탈착식 패널 실드가 나타났습니다. 앙상블에서 Eddie Lang을 연주하는 것은 강력한 사운드 제작으로 구별되었습니다. 그는 종종 지나가는 소리, 반음계 시퀀스를 사용했습니다. 때때로 그는 지판과 관련하여 플렉트럼의 각도를 변경하여 특정 사운드를 얻었습니다.
Lang의 방식의 특징은 음소거된 현, 거친 악센트, 병렬 비화음, 온음 음계, 특이한 글리산도, 인공 화성, 증강된 화음 진행 및 금관 프레이징이 있는 화음입니다. Eddie Lang의 영향으로 많은 기타리스트가 코드의 저음에 더 많은 관심을 기울이고 가능하면 더 나은 보이스 리드를 달성했다고 말할 수 있습니다. 일렉트릭 기타의 발명은 새로운 기타 학교와 트렌드의 출현을 위한 원동력이었습니다. 두 명의 재즈 기타리스트인 미국의 Charlie Christian과 Django Reinhardt에 의해 설립되었습니다.
(장고 라인하르트) 유럽
유명한 독일 평론가 I. Berendt는 그의 저서 "From Reg to Rock"에서 다음과 같이 썼습니다. "현대 재즈 뮤지션에게 기타의 역사는 Charlie Christian에서 시작됩니다. 재즈 현장에서 2년 동안 그는 기타 연주에 혁명을 일으켰습니다. 물론 그 이전에도 기타리스트들이 있었지만 크리스티안 이전에 연주한 기타와 그 이후에 울린 기타는 서로 다른 악기인 것 같다"고 말했다.
Charlie는 동시대 사람들이 도달할 수 없는 것처럼 보이는 기교를 가지고 연주했습니다. 그의 도착과 함께 기타는 재즈 앙상블의 동등한 멤버가 되었습니다. 그는 트럼펫과 테너 색소폰이 있는 앙상블에 세 번째 목소리로 기타 솔로를 처음으로 도입하여 오케스트라의 순수한 리듬 기능에서 악기를 해방했습니다. 다른 사람들보다 먼저 C. Christian은 일렉트릭 기타 연주 기술이 어쿠스틱 기타 연주 방법과 크게 다르다는 것을 깨달았습니다. 조화롭게 그는 증가 및 감소 코드를 실험하고 최고의 재즈 멜로디(상록수)를 위한 새로운 리듬 패턴을 발명했습니다. 악절에서 그는 종종 7화음에 추가 기능을 사용하여 선율적이고 리드미컬한 독창성으로 청취자를 놀라게 했습니다. 그는 주제의 조화에 의존하지 않고 주요 코드 사이에 배치하는 패스 코드에 의존하여 즉흥 연주를 처음으로 개발했습니다. 선율적 영역에서는 딱딱한 스타카토 대신 레가토를 사용하는 것이 특징이다.
C. Christian의 연주는 항상 강렬한 스윙과 결합된 놀라운 표현력으로 구별되었습니다. 재즈 이론가들은 그가 자신의 연주를 통해 새로운 재즈 스타일의 비밥(be-bop)의 출현을 예상했으며 그 창조자 중 한 사람이라고 주장합니다.
Christian과 동시에 똑같이 뛰어난 재즈 기타리스트 Django Reinhardt가 파리에서 빛났습니다. Charlie Christian은 여전히 오클라호마의 클럽에서 공연하는 동안 Django를 존경했으며 종종 레코드에 녹음된 그의 솔로를 반복하여 음표를 만들었습니다. 많은 저명한 음악학자와 재즈 아티스트들이 장고가 재즈 스타일의 기타 연주와 숙달 발전에 기여한 것에 대해 이야기했습니다. D. Ellington에 따르면 “Django는 슈퍼 아티스트입니다. 그가 취하는 각 음표는 보물이며 각 화음은 그의 흔들리지 않는 취향의 증거입니다.
Django는 표현력이 풍부하고 풍부한 사운드와 독특한 연주 스타일, 여러 소절 후의 긴 케이던스, 갑작스러운 빠른 패시지, 안정적이고 날카롭게 강조된 리듬에서 다른 기타리스트와 달랐습니다. 절정의 순간에 그는 종종 옥타브에서 연주했습니다.
이러한 유형의 기술은 C. Christian이 그에게서 빌렸고 12년 후 W. Montgomery가 빌렸습니다. 빠른 곡에서 그는 이전에 관악기 연주에서만 볼 수 있었던 그러한 불과 압력을 만들 수 있었습니다. 느린 것에서 그는 Negro blues에 가까운 전주곡과 랩소디를하는 경향이 있습니다. Django는 훌륭한 거장 솔리스트였을 뿐만 아니라 훌륭한 반주자이기도 했습니다. 그는 단7화음, 감소화음, 증강화음 및 기타 통과화음을 사용하는 데 있어 많은 동시대 사람들보다 앞서 있었습니다. Django는 곡의 화음 체계의 조화에 큰 관심을 기울였으며 코드 시퀀스에서 모든 것이 정확하고 논리적이면 멜로디가 저절로 흐를 것이라고 강조했습니다.
반주자로서 그는 종종 브라스 섹션의 사운드를 모방한 코드를 사용했습니다. 재즈 기타의 역사에 대한 Charlie Christian과 Django Reinhardt의 공헌은 매우 귀중합니다. 이 두 명의 뛰어난 뮤지션은 반주뿐만 아니라 즉흥 솔로에서도 악기의 무한한 가능성을 보여 주었으며 앞으로 수년 동안 일렉트릭 기타 연주 기술의 주요 개발 방향을 미리 결정했습니다.
솔로 악기로서 기타의 역할이 커지면서 소규모 앙상블(콤보)로 연주하려는 연주자들의 갈망이 생겼습니다. 여기서 기타리스트는 반주자와 솔리스트의 기능을 모두 수행하는 본격적인 앙상블 멤버처럼 느껴졌습니다. 기타의 인기는 나날이 확대되었고 재능있는 재즈 기타리스트가 점점 더 많이 등장했으며 빅 밴드의 수는 제한적이었습니다. 또한 대규모 오케스트라의 많은 리더와 편곡가가 항상 기타를 리듬 섹션에 도입하지는 않았습니다. 예를 들면 다음과 같이 말하면 충분합니다.
반주에 기타와 피아노 소리를 결합하는 것을 좋아하지 않았던 듀크 엘링턴. 그러나 때로는 빅 밴드에서 리듬을 유지하는 역할을 하는 "기계적인" 작업이 진정한 재즈 예술로 변하기도 합니다. 우리는 Freddie Green을 연주하는 기타의 코드 리듬 스타일의 주요 대표자 중 한 명에 대해 이야기하고 있습니다.
기교적인 화음 기술, 놀라운 스윙 감각, 섬세한 음악적 취향이 그의 연주를 구별합니다. 그는 거의 솔로로 연주하지 않았지만 동시에 전체 오케스트라를 수반하는 예인선과 자주 비교되었습니다.
Count Basie의 빅 밴드에게 리듬 섹션의 특이한 압축, 게임의 해방 및 간결함을 크게 빚진 것은 Freddie Green입니다. 이 거장은 긴 악절과 단성적인 즉흥 연주보다 반주와 화음 즉흥 연주를 선호하는 기타리스트들에게 큰 영향을 미쳤습니다. Charlie Christian, Django 및 Freddie Green의 작업은 말하자면 재즈 기타 가계도의 세 가지를 형성합니다. 그러나 한 가지 더 언급해야 할 방향은 다소 떨어져 있지만 우리 시대에는 점점 더 많은 인식과 보급을 얻고 있습니다.
사실 모든 기타리스트가 기타가 관악기의 소리를 얻은 Ch. Christian의 스타일을 수용할 수 있는 것은 아닙니다(많은 사람들이 Charlie Christian의 녹음을 듣고 그의 기타 목소리를 색소폰으로 착각한 것은 우연이 아닙니다). 우선 그의 스타일은 어쿠스틱 기타에서 손가락을 연주하는 사람들에게는 불가능했습니다.
C. Christian이 개발한 많은 기술(긴 레가토, 하모닉 지원이 없는 긴 즉흥 연주, 지속 음, 벤드, 열린 현의 드문 사용 등)은 특히 나일론 현으로 악기를 연주할 때 효과가 없었습니다. 또한 클래식, 기타 연주, 플라멩코, 라틴 아메리카 음악의 요소와 재즈를 창의적으로 결합한 기타리스트들이 등장했습니다. 여기에는 주로 두 명의 저명한 재즈 뮤지션인 Laurindo Almeida(Laurindo Almeida)와 Charlie Byrd(Charlie Byrd)가 포함되며, 그의 작품은 많은 기타리스트에게 영향을 미쳤습니다. 고전적인 스타일, 실제로 어쿠스틱 기타의 무한한 가능성을 보여줍니다. 합당한 이유로 그들은 "재즈의 클래식 기타" 스타일의 창시자로 간주될 수 있습니다.
Negro 기타리스트 Wes John Leslie Montgomery는 C. Christian 이후 재즈계에 등장한 가장 뛰어난 뮤지션 중 한 명입니다. 그는 1925년 인디애나폴리스에서 태어났다. 그는 Charlie Christian 레코드의 영향과 유명한 비브라폰 연주자 Lionel Hampton의 오케스트라에서 피아노와 더블베이스를 연주한 그의 형제 Buddy와 Monk의 열정으로 19세에 기타에 관심을 갖게 되었습니다. 그는 비정상적으로 따뜻하고 "부드러운" 사운드(픽 대신 오른손 엄지를 사용)를 달성했으며 옥타브에서 전체 즉흥 합창을 놀라울 정도로 쉽고 순수하게 연주할 정도로 옥타브 기술을 개발했습니다. 빠른 템포. 그의 기술은 파트너에게 깊은 인상을 주었고 Wes는 농담으로 "Mr. Octave"라는 별명을 붙였습니다. W. Montgomery의 녹음이 담긴 첫 번째 디스크는 1959년에 발매되었고 즉시 기타리스트의 성공과 폭넓은 인정을 가져왔습니다. 재즈 애호가들은 그의 연주의 기교, 세련되고 절제된 표현, 즉흥 연주의 선율, 끊임없는 블루스 인토네이션 느낌, 생생한 스윙 리듬 감각에 충격을 받았습니다. 웨스 몽고메리의 솔로 일렉트릭 기타와 현악단을 비롯한 대규모 오케스트라의 사운드가 어우러져 매우 흥미롭다.
Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell과 같은 유명한 뮤지션을 포함한 대부분의 후속 재즈 기타리스트는 Wes Montgomery가 작업에 큰 영향을 미쳤음을 인식했습니다. 이미 40년대에 스윙이 개발한 표준은 많은 음악가들을 만족시키지 못했습니다. 노래 형식의 조화, 어휘, 종종 뛰어난 재즈 마스터의 직접적인 인용으로 축소되는 확립된 진부함, 리드미컬한 단조로움 및 상업 음악에서의 스윙 사용은 도중에 브레이크가 되었습니다. 추가 개발장르. 스윙의 "황금기"가 지나면 새롭고 더 발전된 형태를 찾아야 할 때입니다. 일반적으로 공통으로 통합되는 점점 더 많은 새로운 방향이 등장하고 있습니다. 이름 - 현대재즈(모던 재즈). 여기에는 비밥("재즈-스타카토"), 하드 밥, 프로그레시브, 쿨, 서드 커런트, 보사노바 및 아프로 쿠바 재즈, 모달 재즈, 재즈 록, 프리 재즈, 퓨전 등이 포함됩니다. 이러한 다양성, 상호 영향 및 서로 다른 흐름의 상호 침투는 개별 음악가의 작업 분석을 복잡하게 만듭니다. 특히 많은 음악가가 한 번에 다양한 방식으로 연주되기 때문입니다. 예를 들어 Ch. Byrd의 녹음에서 보스 노바, 블루스, 스윙 테마, 클래식 편곡, 컨트리 록 등을 찾을 수 있습니다. B. Kessel 게임에서 - 스윙, 비밥, 보사 노바, 모달 재즈 요소 등 재즈 기타리스트 자신이 자신의 작업을 평가하는 원시적 접근 방식을 고려하여 하나 또는 다른 재즈 방향으로 분류하려는 시도에 종종 상당히 예리하게 반응하는 것이 특징입니다. 이러한 진술은 Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin 등에서 찾을 수 있습니다.
2 .2 기본지도팝 재즈성능60-70 - 엑스연령
그러나 재즈 비평가 중 한 명인 I. Berendt에 따르면 60-70 년대 직전에 현대 기타 연주에서 네 가지 주요 방향이 발전했습니다. 1) 주류 (주류); 2) 재즈 록; 3) 블루스 방향; 4) 바위. 주류의 가장 저명한 대표자는 Jim Hall, Kenny Burrell 및 Joe Pass로 간주될 수 있습니다. 흔히 "재즈의 시인"이라고 불리는 짐 홀은 50년대 후반부터 현재까지 대중에게 알려지고 사랑받고 있습니다.
"재즈 기타 거장"은 Joe Pass(Joe Pass, 전체 이름 Joseph Anthony Jacoby Passalaqua)라고 합니다. 비평가들은 그를 Oscar Peterson, Ella Fitzgerald, Barney Kessel과 같은 음악가들과 동등하게 평가했습니다. Ella Fitzgerald 및 Herb Ellis와의 듀엣 레코드, Oscar Peterson 및 베이시스트 Nils Pederson과의 트리오, 특히 그의 솔로 디스크 "Joe Pass the Virtuoso"는 큰 성공을 거두었습니다. Joe Pass는 Jacgo Reinhardt, Charlie Christian 및 Wes Montgomery의 전통에서 가장 흥미롭고 다재다능한 재즈 기타리스트 중 한 명이었습니다. 그의 작품은 현대 재즈의 새로운 경향에 거의 영향을 받지 않았습니다. 그는 비밥을 선호했습니다. 콘서트 활동과 함께 Joe Pass는 그의 학교 "Joe Pass Guitar Style"이 특별한 장소 "2E"를 차지하는 방법 론적 작업을 많이 성공적으로 가르쳤습니다.
그러나 모든 재즈 기타리스트가 "주류"에 그렇게 헌신하는 것은 아닙니다. 새로운 재즈 개발에 끌리는 뛰어난 음악가 중에는 George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola가 있습니다. 멕시코 음악가 카를로스 산타나(Carlos Santana, 1947년생)는 라틴 아메리카 리듬(삼바, 룸바, 살사 등)의 연주를 기반으로 플라멩코 요소와 록키한 방식으로 연주하는 "라틴 록" 스타일로 연주합니다. .
George Benson은 1943년 피츠버그에서 태어나 어린 시절 블루스를 부르고 기타와 밴조를 연주했습니다. George는 15세에 작은 일렉트릭 기타를 선물로 받았고 17세에 학교를 졸업한 후 작은 로큰롤 밴드를 결성하여 노래하고 연주했습니다. 1년 후 재즈 오르간 연주자 Jack McDuff가 피츠버그에 도착했습니다. 오늘날 일부 전문가들은 Jack McDuff와의 첫 번째 녹음이 Benson의 전체 음반에서 최고라고 생각합니다. Benson은 Django Reinhardt와 Wes Montgomery의 작업, 특히 후자의 기술에 큰 영향을 받았습니다.
재즈 록을 연주하고 비교적 새로운 재즈 스타일인 퓨전을 개발하는 신세대 기타리스트 중에서 Ol di Meola(AI di Meola)가 눈에 띕니다. 재즈 기타에 대한 젊은 뮤지션의 열정은 Larry Coryell(우연히 Al di Meola가 몇 년 후 같은 라인업에서 대체됨)이 출연하는 트리오 녹음을 들으면서 시작되었습니다. 이미 17세에 그는 치콤코리아. Ol di Meola는 손가락과 플렉트럼으로 기타를 훌륭하게 연주합니다. 그가 쓴 교과서 "중재자가 기타를 연주하는 특징적인 방법"은 전문가들로부터 높은 평가를 받았습니다.
우리 시대의 혁신가에는 재능 있는 기타리스트 Larry Coryell도 포함됩니다. 창의적인 방법-- 로큰롤에 대한 열정에서 현대 재즈 음악의 최신 트렌드까지.
사실, Django 이후 단 한 명의 유럽 기타리스트만이 전 세계적으로 무조건적인 인정을 받았으며 일반적으로 재즈의 발전에 영향을 미쳤습니다. 영국인 John McLaughlin입니다. 그의 재능의 전성기는 20 세기 70 년대 전반에 있습니다. 재즈가 스타일 경계를 빠르게 확장하여 록 음악, 전자 및 아방가르드 음악 실험, 다양한 민속 음악 전통과 결합한시기입니다. 재즈 팬만이 McLaughlin을 "자신의 것"이라고 생각하는 것은 우연이 아닙니다. 록 음악 백과 사전에서 그의 이름을 찾을 수 있습니다. 1970년대 초에 McLaughlin은 Mahavishnu(Great Vishnu) 오케스트라를 조직했습니다. 키보드, 기타, 드럼, 베이스 외에도 그는 작곡에 바이올린을 도입했습니다. 이 오케스트라와 함께 기타리스트는 대중이 열광적으로 받아 들인 여러 레코드를 녹음했습니다. 평론가들은 인도 음악 요소의 사용으로 인한 McLaughlin의 기교, 편곡의 혁신, 소리의 신선함에 주목합니다. 그러나 가장 중요한 것은 이러한 디스크의 등장이 재즈 록이라는 새로운 재즈 트렌드의 확립과 발전을 의미한다는 것입니다.
지금은 과거의 거장들의 전통을 계승하고 발전시키는 뛰어난 기타리스트들이 많이 등장하고 있다. 세계 팝 재즈 문화에서 가장 중요한 것은 Jimm Hall의 가장 유명한 학생인 Pat Mattini의 작품입니다. 그의 혁신적인 아이디어는 현대 팝 음악의 멜로디-하모닉 언어를 크게 풍부하게 했습니다. 또한 Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, Joe Pass의 학생 Lee Ritenour 등의 훌륭한 공연 및 교육 활동에 주목하고 싶습니다.
우리나라에서 팝 재즈 (일렉트릭 및 어쿠스틱) 기타 연주 기술의 발전에 관해서는 V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov의 성공적인 교육 및 교육 작업 없이는 수년간 불가능했을 것입니다. , A. Vinitsky 및 추종자 S. Popov, I. Boyko 및 기타. 가장 중요한 것은 A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk 등과 같은 뮤지션의 콘서트 공연 활동입니다. 블루스에서 재즈 록으로 넘어간 기타는 그 가능성을 소진하지 않았을뿐만 아니라 반대로 재즈의 많은 새로운 방향에서 리더십을 얻었습니다. 어쿠스틱 및 전기 기타 연주 기술 분야의 성과, 전자 제품 사용, 플라멩코 요소 포함, 클래식 스타일 등은 기타가 이 음악 장르의 주요 악기 중 하나로 간주되는 이유를 제공합니다. 그렇기 때문에 새로운 세대의 뮤지션이 전임자 인 재즈 기타리스트의 경험을 연구하는 것이 매우 중요합니다. 이를 바탕으로 개별 연주 스타일의 연주, 자기 개선 방법 및 팝 재즈 기타의 추가 개발을 검색할 수 있습니다.
결론
우리 시대에는 많은 학교와 훈련 시스템이 있기 때문에 6 현 기타 연주 기술 개발이라는 주제는 여전히 관련이 있습니다. 그들은 고전적인 연주 학교에서 재즈, 라틴, 블루스 학교에 이르기까지 다양한 방향을 포함합니다.
재즈 스타일의 개발에서 매우 중요한 역할은 악기의 재즈 사용과 멜로디, 억양, 리듬, 하모닉 등의 표현 능력의 특징 인 특정 악기 기술에 의해 수행됩니다. 블루스는 재즈 형성에 중요한 역할을 했습니다. 차례로 "초기 및 덜 형식화 된 유형의 흑인 민속에서 블루스를 결정화하는 결정적인 요인 중 하나는이 매체에서 기타의 '발견'이었습니다."
기타 예술 발전의 역사는 기타 연주를 배우기 위해 수많은 교습 보조 도구를 만든 기타리스트-교사, 작곡가 및 연주자의 많은 이름을 알고 있으며, 그 중 다수는 운지법 사고 개발 문제와 직간접 적으로 관련이 있습니다.
실제로 우리 시대에 기타리스트의 개념에는 기본 클래식 기술과 기능에 수반되는 스타일에 대한 능력과 이해, 디지털에서 연주하고 즉흥 연주하는 능력, 모든 미묘함 및 블루스와 재즈 사고의 특징.
불행하게도, 최근에미디어는 진지한 클래식뿐만 아니라 비상업적인 유형의 팝 재즈 음악에도 거의 영향을 미치지 않습니다.
목록사용된문학
1. 박민 A.A. 6현 기타 연주를 위한 자가 사용 설명서 / A.A. 박민. M.: ASS 센터, 1999.-80p.
2. 보이코 I.A. 일렉트릭 기타에 대한 즉흥 연주. 파트 2 "화음 기법의 기초" - M.; 취미 센터, 2000-96쪽;
3. 보이코 I.A. 일렉트릭 기타에 대한 즉흥 연주. 파트 3 "즉흥 연주의 점진적인 방법"- M.; 취미 센터, 2001-86 p.
4. 보이코 I.A. 일렉트릭 기타에 대한 즉흥 연주. 파트 4 "펜타토닉과 그 표현 가능성" - M.; 취미 센터, 2001 - 98쪽; 아픈.
5. 브란트 V.K. 팝 앙상블 기타리스트 기술의 기초 / 음악 학교를 위한 교육 및 방법론 가이드 - M. 1984 - 56 p.
6. Dmitrievsky Yu.V. / 블루스에서 재즈록까지 기타 / Yu.V. Dmitrievsky - M.: 뮤지컬 우크라이나, 1986. - 96 p.
7. Ivanov-Kramskoy A.M. 6현 기타 연주 학교 / A.M. Ivanov-Kramskoy. - M.: Sov. 작곡가, 1975. - 120p.
8. Manilov V.A. 기타 반주 배우기 / V.A. Manilov.- K .: 뮤지컬 우크라이나, 1986. - 105 p.
9. Pass, D. Joe Pass의 기타 스타일 / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College"-M .: "Guitar College", 2002-64 p.; 아픈.
10. Popov, S. Basis / Comp.; "기타 대학"-M.; "기타 대학", 2003 - 127p.;
11. 푸홀 M. 6현 기타 연주 학교 / Per. N. Polikarpov-M.의 편집실; 올빼미. 작곡가, 1987 - 184쪽.
12. Al Di Meola "중재자와 노는 기술"; 당. / 비교; GI정보
13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971 No. 10 - p. 20-31
Allbest.ru에서 호스팅
...유사한 문서
현대 팝 재즈 공연과 교수법에서 재즈 음악의 화성과 선율의 개발 및 활용. 비밥 스타일의 재즈 멜로디. 재즈 레퍼토리에서 팝 보컬리스트의 작업을 최적화하기 위한 실용적인 권장 사항.
논문, 2017년 7월 17일 추가됨
쓰기의 특징, 다양한 시간대에 멜리스마를 수행, 멜리스마의 원인. 용법 뮤지컬 리셉션보컬 팝 재즈 공연에서. 보컬리스트의 미세한 발성 기술 개발을 위한 연습.
논문, 2013년 11월 18일 추가됨
르네상스 음악 문화의 독특한 특징: 노래 형식(마드리갈, 빌랑시코, 프로톨)과 기악의 출현, 새로운 장르(솔로 노래, 칸타타, 오라토리오, 오페라)의 출현. 음악적 질감의 개념과 주요 유형.
초록, 2012년 1월 18일 추가됨
예술 형식으로서의 음악 형성. 음악 형성의 역사적 단계. 연극 공연에서 음악 형성의 역사. 개념 " 음악 장르". 음악의 극적인 기능과 음악적 특성의 주요 유형.
초록, 2015년 5월 23일 추가됨
클래식 음악의 형성 메커니즘. 음성 음악 진술 (표현) 시스템에서 클래식 음악의 성장, 음악 예술 장르 (합창, 칸타타, 오페라)에서의 형성. 새로운 예술 커뮤니케이션으로서의 음악.
초록, 2010년 3월 25일 추가됨
세계 록 문화의 탄생: "컨츄리", "리듬 앤 블루스", "로큰롤". 로큰롤 영광의 새벽과 그 쇠퇴. 록 스타일의 등장. 이야기 전설적인 밴드"비틀즈". 전설적인 록스타. 기타의 제왕, 하드 록의 형성.
초록, 2010년 6월 8일 추가됨
어린이의 음악 육성 및 교육에서 민속 문화의 전통. 미취학 아동을위한 일종의 음악 활동으로 악기 연주. 어린이의 음악 능력 개발을 위한 기악 문화 사용에 대한 권장 사항.
논문, 2010년 5월 8일 추가됨
XX 세기의 대중 음악 문화에서 록 음악의 위치, 청소년 청중에 대한 감정적, 이데올로기 적 영향. 현재 위치 V. Tsoi의 작품의 예에 대한 러시아 암석 : 성격과 창의성, 문화 현상의 신비.
기말 보고서, 2010년 12월 26일 추가됨
학생의 음악 및 미적 문화 형성 과정, 음악 수업에서의 개발 기술에 영향을 미치는 현대 사회 문화적 상황의 특성. 청소년의 음악 문화 교육에 기여하는 효과적인 방법.
논문, 2009년 7월 12일 추가됨
아프리카와 합성 유럽 문화그리고 전통. 재즈의 발전, 재즈 뮤지션과 작곡가에 의한 새로운 리듬 및 하모닉 모델의 개발. 신세계의 재즈. 재즈 음악의 장르와 주요 특징. 재즈 뮤지션러시아.
러시아의 기타 연주에는 고유한 역사가 있습니다. 그러나이 작업에서는 7 현 기타 연주 연습과 직접 관련되고 러시아 기타 스타일 형성의 기본 기능에 영향을 미치는 페이지 만 고려할 것입니다.
러시아 기타 학교는 서유럽에서 클래식 기타가 이미 독립적인 솔로 콘서트 악기로 선언되었을 때 설립되었습니다. 그녀는 특히 이탈리아에서 인기가 많았습니다. 스페인. 많은 연주자와 작곡가가 등장했습니다. 새롭고 고전적인 레퍼토리를 만들었습니다. 그 중 가장 유명한 것은 D. 아과도. M. 줄리아니. F. 카룰리, M. 카르카시. 나중에 Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber 등과 같은 뛰어난 음악가들이 PR로 전환하여 글을 썼습니다.
러시아 기타와 유럽에서 인기 있는 클래식 기타의 주요 차이점은 현의 수(6개가 아닌 7개)와 튜닝 원리였습니다. 6현 또는 7현 기타의 장점에 대한 오래된 논쟁에서 항상 초석이 되어 온 것은 튜닝의 문제입니다. 이 문제의 특별한 중요성을 이해하면서 7 현 기타의 기원과 러시아에서의 모습에 대한 주제로 돌아갈 필요가 있다고 생각합니다.
XVIII 세기 말까지. 유럽에는 현의 수가 다르고 튜닝하는 방법이 다양한 다양한 디자인, 크기의 여러 유형의 기타가있었습니다 (현의 수는 5에서 12까지 다양하다는 점을 언급하면 충분합니다)-. 현을 4분의 1로 조율하고 중간에 1개의 장 3분의 1을 조율하는 원칙에 따라 많은 기타 그룹이 통합되었습니다(편의상 이 조율을 4분의 1이라고 부름). 이 도구는 이탈리아에서 널리 사용되었습니다. 스페인. 프랑스.
영국, 독일, 포르투갈 및 중부 유럽에는 음성 문자열을 튜닝할 때 3분의 1이 선호되는 소위 3분의 1 시스템이 있는 악기 그룹이 있었습니다(예를 들어, 두 개의 큰 3분의 1이 4분의 1로 분리됨).
이 두 악기 그룹은 하나의 음계로 쓰여진 음악이 다른 음계의 악기에서 작은 편곡을 사용하여 연주될 수 있다는 사실로 통합되었습니다.
우리에게 흥미로운 것은 영국에서 유럽으로, 유럽에서 러시아(St. Petersburg)로 온 4개의 이중 현이 있는 기타입니다. 이 기타의 구조는 네 번째와 세 번째의 두 가지 유형이 있습니다. 후자는 크기면에서 7 현 러시아 기타와 다르지만 (훨씬 작음) 확장 된 메이저 트라이어드 (g, e, c, G, F, C, G)에 따른 튜닝 원리를 실질적으로 예상했습니다. 이 사실은 우리에게 매우 중요합니다.
기타 본체의 변형, 크기 및 현의 전체 스케일에 대한 역사적 증거가 없기 때문에 개발 옵션만 가정할 수 있습니다. 아마도 기타 목의 크기는 연주의 편의성에 의해 결정되었고 현의 장력, 튜닝은 노래하는 목소리의 테시 투라에 해당했습니다. 아마도 개선으로 인해 본체가 증가하고 금속 딱지가 가닥으로 교체되어 전체 시스템이 "미끄러지는"소리의 테시 투라가 감소했을 것입니다.
러시아 "7 현"의 원형 역할을 한 것이이 기타라는 믿을만한 정보는 없지만 그 관계는 분명합니다. 러시아 기타 연주의 역사는 세 번째 및 세 번째 기타를 연주 한 외국 기타리스트의 캐서린 대왕 (1780-90s) 통치 기간 동안 등장한 것과 관련이 있습니다. 그중에는 Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez가 있습니다. 5-6현 기타, 기타 잡지를 위한 작품 모음집 출판물이 있습니다.
Ignaz von Geld(Ignatius von Geld)는 "교사 없이 7현 기타 연주를 배우기 위한 쉬운 방법"이라는 매뉴얼을 처음으로 출판합니다. 불행히도이 최초의 러시아 기타 연주 학교의 단일 사본과 저자의 교육 방법에 대한 정보는 기타 유형, 설정 방법. 동시대의 증언만 있을 뿐입니다. 그 Geld는 훌륭한 영국 기타 연주자였습니다.
그러나 러시아 기타 학교의 진정한 창시자는 18세기 말 모스크바에 정착한 나였다. 교육받은 음악가, 웅장한 하프 연주자 Andrey Osipovich Sikhra. 나중에 러시아인으로 알려지게 된 d, h, g, D, H, G, D 시스템으로 7 현 기타를 만드는 실용적인 음악을 도입 한 사람은 바로 그 사람이었습니다.
우리는 A. Sichra가 현의 수와 튜닝 방법이 다른 기타를 만드는 유럽 실험에 얼마나 친숙했는지 알 수 없습니다. -현 기타. 이것은 그다지 중요하지 않습니다.
중요한 것은 A. Sihra입니다. 기타 연주의 열렬한 찬사이자 뛰어난 교사이자 그의 아이디어를 유능하게 대중화 한 그는 러시아 기악 연주 발전 역사에 밝은 흔적을 남겼습니다. 고전적인 스페인 기타 학교의 최고의 업적을 사용하여 그는 7현 기타를 가르치는 방법론을 개발했으며 나중에 1832년과 1840년에 출판된 책에서 설명했습니다. "학교". 고전적인 형식과 장르를 사용합니다. Sychra는 특히 러시아 기타를 위한 새로운 레퍼토리를 만들었고 뛰어난 학생들을 양성했습니다.
A. O. Sikhra와 그의 동료들의 활동 덕분에 7 현 기타는 다양한 계층의 대표자들 사이에서 특별한 인기를 얻었습니다. 러시아 지식인과 중산층 대표는 그것을 좋아했고 전문 음악가와 일상 음악 애호가는 그것을 좋아했습니다. 동시대 사람들은 그것을 러시아 도시 민속 음악의 본질과 연관시키기 시작했습니다. 7현 기타의 매혹적인 사운드에 대한 설명은 푸쉬킨의 진심 어린 대사에서 찾을 수 있습니다. 레르몬토프, 투르게네프. Chekhov, Tolstoy 및 기타 많은 시인과 작가. 기타는 러시아 음악 문화의 자연스러운 부분으로 인식되기 시작했습니다.
A. Sikhra의 기타는 7 현 기타가 거의 보이지 않는 상황에서 러시아에 등장했으며 상점이나 장인에게서 구입할 수 없었습니다. 이제 가장 큰 바이올리니스트를 포함하여이 마스터가 얼마나 빨리 (2-30 년 만에) 러시아 기타 생산을 확립 할 수 있었는지 궁금 할뿐입니다. Ivan Batov, Ivan Arhuzen입니다. 이반 크라스노시체코프. 비엔나 마스터 I. Scherzer의 기타는 최고 중 하나로 간주되었습니다. 동시대 사람들에 따르면 F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky의 기타는 독특한 개성으로 구별되었습니다. 그러나 지금은 별도의 논의가 필요하기 때문에 이에 대해 언급하지 않겠습니다.
7 현 기타의 국가적 풍미는 러시아 민요를 주제로 한 편곡으로도 제공되었습니다. “음악 예술에 대한 민속 음악의 영향은 물론 많은 국가의 전통의 일부로 시작될 것입니다. 그러나 러시아에서 민속 음악은 그들 자신의 음악에 대한 사람들의 가장 열광적인 열정의 주제가 되었으며 아마도 러시아 영혼의 가장 놀라운 움직임 중 하나일 것입니다.
공정하게 말하면 주목해야합니다. 러시아 주제에 대한 A. Sikhra의 작품은 고전적인 변형 스타일로 작성되었으며 다른 러시아 기타리스트의 편곡을 구별하는 독창적이고 순수한 러시아 풍미가 없었습니다. 특히 러시아 민요를 주제로 한 수많은 작곡의 창작자 미하일 티모페예비치 비소츠키(Mikhail Timofeevich Vysotsky)는 독창적인 국가적 현상으로서 러시아 기타 학교의 형성에 큰 공헌을 했다. M. Vysotsky는 러시아 민속 전통에 대한 사랑과 존경의 분위기 속에서 모스크바 대학교 총장 인 시인 M. Kheraskov의 재산에있는 Ochakovo 마을 (모스크바에서 12km)에서 자랐습니다. 그 소년은 멋진 말을 들을 수 있었다 포크 가수민속 의식에 참여합니다. 농노의 아들이 되는 것. Misha는 교육받은 손님의시, 토론 및 즉석 공연을 듣고 창의적인 지식인과 Kheraskovs의 집 회의에 참석해야만 교육을받을 수 있습니다.
그중에는 M. Vysotsky-Semyon Nikolaevich Aksenov의 주요 교사가 있습니다. 그는 그 소년의 재능을 알아차리고 그에게 러시아 기타 연주를 가르치기 시작했습니다. 이 수업이 체계적이지는 않았지만 그 소년은 상당한 진전을 보였습니다. M. Vysotsky가 1813년에 자유를 얻고 추가 교육을 위해 모스크바로 이주한 것은 S. Aksenov의 노력 덕분이었습니다. 나중에 유명한 음악가 작곡가 A. Dubuk은 Vysotsky에게 음악 및 이론 분야를 마스터하는 데 상당한 도움을주었습니다.
M. Vysotsky는 훌륭한 기타리스트가되었습니다 - 즉흥 연주자, 작곡가. 곧 탁월한 거장 기타리스트의 명성이 그에게 왔습니다. 동시대 사람들에 따르면 Vysotsky의 연주는 그의 뛰어난 기술뿐만 아니라 그의 영감과 부에도 깊은 인상을 받았습니다. 뮤지컬 판타지. 그는 기타와 합쳐지는 것 같았습니다. 그것은 그의 영적 분위기와 생각을 생생하게 표현한 것입니다.
이것이 그의 학생이자 동료 기타리스트 I. E. Lyakhov가 Vysotsky의 연주를 평가한 방법입니다. 여기에서 방적공의 노래가 당신 앞에 애처롭게, 부드럽게, 우울하게 들렸습니다. 작은 페르마토-그리고 모든 것이 응답으로 그녀에게 말하는 것 같았습니다. 그러나 피곤한 생각과 같은 소리는 심지어 삼중주로 바뀌고 마치 가수가 다른 것에 대해 생각하는 것처럼 주제가 거의 사라집니다. 그러나 아니요, 그는 다시 주제, 그의 생각으로 돌아가고 엄숙하고 고르게 들리며기도하는 아다지오로 바뀝니다. 당신은 신성한 개로 승격 된 러시아 개를 듣습니다 (Sudet. 러시아 노래에 대한 다른 작곡에서는 거의 볼 수 없기 때문에 모든 것이 너무 아름답고 자연스럽고 매우 성실하고 음악적입니다. 여기에서는 그런 것을 기억하지 못할 것입니다. 여기의 모든 것이 새롭습니다. 우리 앞에는 영감을 받은 러시아 음악가가 있고, 여러분 앞에는 Vysotsky가 있습니다.
Vysotsky 작업의 독특한 특징은 러시아 민요의 강력한 계층과 부분적으로 악기의 창의성에 대한 의존이었습니다. 이것이 모스크바 지부 인 러시아 기타 학교의 발전을 결정한 것입니다. M. Vysotsky는 아마도 많은 레슨을 제공했지만 7현 기타 연주를 배우기 위한 권장 사항을 체계화하는 데 덜 관심이 있었을 것입니다. 그러나 그의 작업에서 러시아의 7현 기타는 진정으로 국가 악기, 고유한 레퍼토리, 특수 기술 및 문체의 차이, 연주 스타일, 음악 형식 내 개발 패턴(우리는 노래의 시적 내용과 음악 구성의 변형 개발 과정 간의 연결을 의미함)을 가집니다. 이와 관련하여 M. Vysotsky는 우리를 위한 것입니다. 아마도 러시아 기타 연주에서 가장 중요한 인물일 것입니다. 그의 작품은 선율적인 소리를 얻는 원리와 그에 수반되는 기법뿐만 아니라 독창적인 연주 스타일의 토대를 마련했습니다. 그러나 이것은 나중에 논의될 것입니다.
따라서 러시아에서 원래 기타 학교의 출현은 A. Sikhra 및 M. Vysotsky의 이름과 최고의 학생과 관련이 있습니다.
결론적으로 단기간에 러시아에서 기타가 널리 사용되는 것은 우연이 아니라고 말하고 싶습니다. 오히려 그것은 도구의 생존 가능성에 대한 좋은 증거입니다. 러시아 기타 학교의 성과를 자랑스러워할 충분한 이유가 있습니다. 그러나 우리는 우리의 도구와 그것을 위해 만들어진 유산에 대한 모든 진실을 알지 못한다는 것을 씁쓸하게 말할 수 있습니다. 과거에 러시아가 자랑스러워했던 거의 모든 것이 땅에 파괴되고 그것을 대체하기 위해 만들어진 것이 없는 오늘날 이것을 알고 이해하는 것이 중요합니다. 러시아 기타의 유산으로 얼굴을 돌릴 때가 된 것일까요?! 그것은 당시 가장 교육받은 사람들의 작품, 방법 및 레퍼토리로 구성됩니다. 다음은 몇 가지 이름입니다. M. Stakhovich - 귀족, 역사가, 작가; A. Golikov - 귀족, 대학 등록 기관; V. Sarenko - 의학 박사; F. Zimmerman - 귀족, 지주; I. Makarov - 토지 소유자, 주요 서지 작가; V. Morkov-귀족, 진정한 주 의원 : V. Rusanov-귀족, 지휘자, 뛰어난 편집자.
