러시아 작곡가의 가장 유명한 발레. 발레(음악 작품) 발레의 이름과 작곡가

발레어떻게 뮤지컬 형식춤에 단순한 추가에서 동반 춤과 동일한 의미를 갖는 특정 구성 형식으로 발전했습니다. 17세기 프랑스에서 시작된 이 춤 형식은 연극 춤으로 시작되었습니다. 공식적으로 19세기까지 발레는 "고전적인" 지위를 받지 못했습니다. 발레에서 "클래식"과 "로맨틱"이라는 용어는 음악적 사용에서 연대순으로 발전했습니다. 따라서 19세기 발레의 고전적 시대는 음악의 낭만주의 시대와 일치했다. Jean-Baptiste Lully와 Pyotr Ilyich Tchaikovsky를 포함한 17세기와 19세기의 발레 음악 작곡가들은 주로 프랑스와 러시아에 있었습니다. 그러나 국제적인 명성이 높아짐에 따라 차이코프스키는 일생 동안 발레 음악 작곡과 발레가 일반적으로 서구 세계에 퍼지는 것을 보았습니다.

백과사전 유튜브

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✪ 완벽한 피치발레 "잠자는 숲속의 미녀"에 대해

✪ Dona nobis pacem 우리에게 평화를 주소서 I S Bach Mass h-moll Tatar Opera and Ballet Theatre 2015

✪ ♫ 고전 음악 for children (어린이를 위한 클래식 음악).

자막

이야기

• 19세기 후반까지만 해도 발레에서 음악의 역할은 부차적인 것으로 춤에 중점을 두었고 음악 자체는 단순히 댄스 멜로디에서 차용한 것이었습니다. "발레 음악"을 작곡하는 것은 대가가 아닌 음악 장인의 작업이었습니다. 예를 들어, 러시아 작곡가 표트르 일리치 차이코프스키의 비평가들은 발레 음악에 대한 그의 글을 사악한 것으로 인식했습니다.
  최초의 발레부터 Jean-Baptiste Lully(1632-1687) 시대까지 발레 음악은 사교 댄스 음악과 구별할 수 없었습니다. Lully는 음악이 이야기를 전달하는 독특한 스타일을 만들었습니다. 최초의 "액션 발레"는 1717년에 상연되었습니다. 말 없이 이야기되는 이야기였습니다. 선구자는 존 위버(John Weaver, 1673-1760)였습니다. 륄리와 장 필립 라모는 모두 "오페라-발레"를 썼는데, 여기서 액션은 일부는 춤으로, 일부는 노래로 공연했지만 발레 음악은 점차 덜 중요해졌습니다.
  다음 큰 단계는 19세기 초에 솔리스트들이 특별한 경직된 악기를 사용하기 시작했을 때 일어났습니다. 발레 슈즈- 포인트 슈즈. 이것은 보다 단편적인 음악 스타일을 허용했습니다. 1832년 유명한 발레리나 마리 탈리오니(1804-1884)가 처음으로 포앵트 춤을 선보였습니다. 실프에 있었다. 이제 음악의 표현력이 더욱 풍부해졌고 점차 무용수들이 남자들에 의해 공중으로 떠오르면서 춤은 더욱 대담해졌습니다.
  차이코프스키 시대까지 발레 작곡가는 교향곡 작곡가와 분리되지 않았습니다. 발레 음악은 솔로 및 앙상블 댄스의 반주였습니다. 차이코프스키의 발레 백조의 호수"교향곡 작곡가가 만든 최초의 뮤지컬 발레 작품이었습니다. 차이코프스키의 주도로 발레 작곡가더 이상 단순하고 쉬운 댄스 파트를 작성하지 않습니다. 이제 발레의 주요 초점은 춤에만 있는 것이 아닙니다. 춤 이후의 구성도 똑같이 중요했습니다. 19세기 말, 마리우스 페티파는 러시아 발레와 춤의 안무가로 카이사르 푸그니와 같은 작곡가들과 함께 복잡한 춤과 복잡한 음악을 모두 자랑하는 발레 걸작을 만들었습니다. Petipa는 차이코프스키와 함께 작업하여 잠자는 숲속의 미녀와 호두까기 인형을 공동 작업하거나 작곡가가 사망한 후 차이코프스키의 백조의 호수 새 버전을 통해 간접적으로 작업했습니다.
  많은 경우에 여전히 짧은 발레 장면은 오페라에서 풍경이나 의상을 바꾸기 위해 사용되었습니다. 아마도 오페라의 일부인 발레 음악의 가장 유명한 예는 Amilcare Ponchielli의 오페라 La Gioconda(1876)의 "Dance of the Hours"일 것입니다.
  Igor Stravinsky의 발레 The Rite of Spring(1913)이 만들어졌을 때 분위기의 근본적인 변화가 일어났습니다.

음악은 표현주의적이고 불협화음이었으며 움직임은 매우 양식화되었습니다. 1924년 George Antheil은 The Mechanical Ballet을 썼습니다. 움직이는 물체의 영화에는 적합했지만 무용수에게는 적합하지 않았지만 사용법은 혁신적이었습니다. 재즈 음악. 이것으로 출발점발레 음악은 모더니즘과 재즈 댄스의 두 가지 방향으로 나뉩니다. George Gershwin은 지적이고 기술적으로 재즈와 룸바를 아우르는 1시간 이상의 음악으로 구성된 Let's Dance(1937)의 야심찬 악보로 이 격차를 메우려고 시도했습니다. 장면 중 하나는 특히 발레리나 Harriet Hawthor를 위해 작성되었습니다.
많은 사람들은 재즈 댄스가 West Side Story(1957)에서 Leonard Bernstein과 함께 작업한 안무가 Jerome Robbins가 가장 잘 표현한다고 말합니다. 어떤 면에서 그것은 "오페라-발레"로의 회귀인데, 이야기는 대부분 말로 표현되기 때문입니다. 모더니즘은 발레 "로미오와 줄리엣"에서 세르게이 프로코피예프가 가장 잘 표현합니다. 이것은 순수한 발레의 예이며, 재즈나 다른 종류의 대중 음악의 영향을 받지 않습니다. 오래된 음악. Ottorino Respighi는 Gioachino Rossini(1792-1868)의 작품과 그들의 합동 시리즈를 1919년 초연된 The Magic Shop이라는 발레에서 각색했습니다. 발레 관객들은 로맨틱한 음악을 선호하기 때문에 새로운 발레는 새로운 안무를 통해 옛 작품과 결합된다. 유명한 예"Dream"은 John Lunchbury가 각색한 Felix Mendelssohn의 음악입니다.

발레 작곡가

안에 초기 XIX수세기 동안 발레 마스터는 대중적이고 잘 알려진 오페라 단편과 노래 멜로디로 구성된 수집 된 음악에 맞춰 공연을 상연했습니다. 기존 관행을 처음으로 바꾸려고 시도한 사람은 작곡가 장 마들렌 슈나이츠호퍼였다. 이를 위해 그는 첫 번째 작품인 발레 "Proserpina"(1818)부터 상당한 비판을 받았습니다.

음악이 속한 젊은 사람, 서곡과 일부 발레 모티브로 판단하면 격려가 필요합니다. 그러나 나는 상황에 따라 능숙하게 선택한 동기가 무언극을 설명하는 대신 자체적으로 설명을 기다리는 거의 완전히 새로운 음악보다 항상 안무가의 의도에 더 잘 부합하고 그의 의도를 더 명확하게 드러낸다고 굳게 믿습니다(그리고 경험이 내 의견을 뒷받침합니다).

Schneitzhoffer에 이어 비평가들의 공격에도 불구하고 다른 작곡가들은 Ferdinand Herold, Fromental Halevi 및 무엇보다도 다른 유명한 (가장 자주 오페라) 작품의 동기를 기반으로 음악 조각에서 수집 한 발레 악보를 만드는 전통에서 벗어나기 시작했습니다. - 그런 다음 Marius Petipa와 함께 작업한 결실을 맺은 그는 점수를 만들 때 안무가의 지시와 계획을 엄격히 따랐습니다. 각 번호의 마디 수까지 말입니다. Saint-Leon의 경우 안무가가 설정 한 멜로디도 사용해야했습니다. Karl Waltz의 회고록에 따르면 바이올리니스트이자 음악가 인 Saint-Leon은 한 번 이상 Minkus에게 동기를 휘파람으로 불렀습니다. 음악 기호로”.

이 관행은 독립 작가로서의 명성을 소중히 여기고 악보를 만들 때 항상 안무가와 별도로 작업했던 동일한 Schneitzhoffer의 원칙과 일치하지 않았습니다 (발레 La Sylphide를 만들 때만 예외가 발생했습니다.

차이코프스키의 음악은 시간을 초월해 존재한다

1840년 5월 7일은 가장 위대한 작곡가음악의 역사에서 - Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

그에게 할당 된 53 년 동안 작곡가는 세계 문화와 예술의 진정한 보물 인 10 개의 오페라와 3 개의 발레를 포함하여 80 개 이상의 작품을 썼습니다.

1. "슬라브 행진"(1876년)

이 행진곡은 러시아 국장의 요청으로 차이콥스키가 작곡했다. 뮤지컬 사회그리고 투쟁에 전념 슬라브 민족이벤트와 관련하여 오스만 멍에에 대한 발칸 반도 러시아-터키 전쟁. 저자 자신 오랫동안그것을 "세르보-러시아 행진"이라고 불렀습니다. 행진에 사용되었습니다 뮤지컬 테마, 특징 민속 음악 Serbs, "God Save the Tsar! "에서 발췌.

1985년 독일 헤비메탈 밴드 액셉트(Accept)는 그들의 앨범 "Metal Heart"의 타이틀곡의 인트로로 행진곡의 메인 테마를 사용했다.

2. "백조의 호수"(1877)

마야 플리세츠카야와 발레리 코프툰. P. I. Tchaikovsky의 발레 "백조의 호수"의 한 장면

플롯은 사악한 마법사 Rothbart에 의해 하얀 백조. 차이코프스키가 퓌센 시 부근의 알프스 산기슭에 위치한 호수를 방문한 후 발레 음악을 작곡했다고 널리 알려져 있습니다.

1877년 이후 공연의 악보와 대본은 많은 변화를 겪었다. 지금까지 백조의 호수의 모든 기존 판 중에서 완전히 동일한 점수를 가진 판은 적어도 두 개는 거의 없습니다.

동시대인들에게 발레는 8월 폭동과 강한 연관성을 불러일으킨다. 소비에트 텔레비전 1991년 8월 19일, 모든 예정된 전송을 취소합니다.

3. "어린이 앨범" (1878)

P. Tchaikovsky (1976)의 "Children 's Album"에서 음악으로 만화. 감독 - Inessa Kovalevskaya

차이콥스키의 작품 "Children's Album"의 저명한 전문가인 Polina Vaidman에 따르면 유명한 글 Schumann, Grieg, Debussy, Ravel 및 Bartok은 세계의 금 기금에 들어갔다. 음악 문학어린이를 위한 작품으로 성격과 주제 면에서 가까운 수많은 피아노 작품을 만드는 데 자극을 주었습니다.

1976 년 Soyuzmultfilm 스튜디오에서 앨범의 음악에 맞춰 애니메이션 사진이 촬영되었고 20 년 후 발레가 상연되어 수상자가되었습니다. 국제 페스티벌 1999년 유고슬라비아.

4. "유진 오네긴"(1877)

오페라 '유진 오네긴' 중 '오네긴의 아리오소'. 영화 "Muslim Magomayev Sings"의 단편. 아제르바이잔 영화, 1971. 대본 및 준비 - T. Ismailov, I. Bogdanov

1877년 5월, 가수 엘리자베타 라브로프스카야는 차이코프스키에게 이 줄거리를 바탕으로 오페라를 작곡할 것을 제안했습니다. 푸쉬킨의 소설구절에서. 작곡가는 이 제안에 너무 흥분한 나머지 밤새 잠도 못 자고 대본 작업에 몰두했습니다. 아침이되자 그는 작곡을 시작했습니다. 차이코프스키는 작곡가 세르게이 타네예프에게 보낸 편지에서 "내가 경험하거나 본 입장의 갈등을 바탕으로 한 친밀하지만 강력한 드라마를 찾고 있다.

7월, 작곡가는 8살 연하의 전 음악원 학생인 안토니나 밀류코바와 충동적으로 결혼했습니다. 비평가들은 이 결혼이 작품에 큰 영향을 미쳤다고 말합니다.

5. 잠자는 숲속의 미녀 (1889)

P. I. 차이코프스키의 발레 "잠자는 숲속의 미녀" 중 왈츠

차이콥스키 이전에 같은 이름의 발레를 작곡한 프랑스 작곡가 페르디난드 제롤드는 샤를 페로의 음모로 돌아섰지만 이미 초연한 해에 차이코프스키와 마리우스 프티파의 버전이 뛰어난 것으로 인정받아 명예의 장소세계 발레 예술의 걸작 중 하나.

우리 시대에 잠자는 숲속의 미녀의 신판을 수행하는 거의 모든 안무가는 새로운 버전그녀의 점수.

6. "스페이드의 여왕" (1890)

P. I. 차이코프스키의 오페라 "스페이드의 여왕" 서곡, 바르셀로나 리세우 대극장(2010)

1887년 제국 극장의 행정부는 차이코프스키에게 푸쉬킨의 이야기를 바탕으로 이반 브세볼로츠키가 만든 줄거리를 바탕으로 오페라를 쓸 것을 제안했습니다. 작곡가는 줄거리에 "적절한 연극"이 없기 때문에 거절했지만 2 년 후 그럼에도 불구하고 그는 명령을 수락하고 작업에 뛰어 들었습니다.

러시아 초연 직후, 오페라는 유럽과 미국의 많은 극장 레퍼토리로 "마이그레이션"되어 러시아어, 체코 어 및 독일어로 공연되었습니다.

7. 호두까기 인형 (1892)

P. I. 차이코프스키의 발레 '호두까기 인형' 중 '꽃의 왈츠'

Ernst Theodor Hoffmann의 동화 "The Nutcracker and the Mouse King"을 기반으로 한 혁신적인 발레는 차이코프스키의 후기 작품과 일반적으로 발레 예술 중에서 특별한 위치를 차지합니다.

제1차 세계대전이 발발하고 애국심이 고조되면서 발레의 줄거리는 러시아화되었고 주인공 Marie는 Masha라고 불리기 시작했습니다. Fritz는 동시에 이름이 변경되지 않았습니다.

발레에 대해 이야기 할 때 우리는 항상 창의성을 의미합니다. 이 무대 장르를 진지하고 대규모 뮤지컬 및 무대 공연의 범주로 가져온 사람이기 때문입니다. 그는 단 세 개의 발레를 가지고 있으며 "백조의 호수", "호두 까기 인형", "잠자는 숲속의 미녀"의 세 곡 모두 뛰어난 극작술과 멋진 음악으로 유명합니다.

거의 모든 사람이 듣는 표트르 차이코프스키의 가장 인기 있는 발레 작품은 1877년에 작곡된 ""입니다. 이 댄스 공연의 많은 단편 - "Dance of the Little Swans", "Waltz"등은 오랫동안 인기있는 것처럼 별도의 삶을 살아 왔습니다. 작곡. 하지만 러브 스토리를 다룬 전체 공연은 음악 애호가들의 관심을 끌 만하다. 생애 동안 작곡가로서의 놀라운 재능으로 알려진 차이코프스키는 수많은 매력적이고 기억에 남는 멜로디로 발레에 아낌없이 보답했습니다.

다른 하나는 최고의 발레 V 음악사- ""차이코프스키. 이것은 작곡가의 댄스 장르에 대한 두 번째 호소였으며 청중이 처음에는 백조의 호수를 감상하지 않았다면 Beauty는 즉시 걸작으로 인식되어 거의 모든 극장에서 상영되었습니다. 러시아 제국그리고 유럽.

발레는 어린 시절부터 우리에게 알려진 이야기를 기반으로 합니다. 동화잠자는 숲속의 미녀, 사악한 요정, 모든 것을 정복하는 사랑에 관한 Charles Perrault. 차이코프스키는 멋진 춤으로 이 이야기를 보완했습니다. 동화 캐릭터, 그리고 Marius Petipa-놀라운 안무로 항상 발레 예술의 백과 사전이되었습니다.

""-크리스마스와 새해 전날 유럽의 모든 극장에 갈 그의 작품의 정점 중 하나 인 표트르 차이코프스키의 세 번째이자 마지막 발레. Hoffmann의 동화 "The Nutcracker and the Mouse King"은 백조의 호수에서 차이코프스키가 시작한 악과 선의 투쟁이라는 주제를 계속 이어 나가며 환상의 요소와 물론 사랑과 자기 희생으로 보완합니다. 철학적 동화, 댄스 넘버 및 안무의 수많은 아름다운 멜로디는이 발레를 세계 음악의 가장 훌륭하고 가장 요구되는 클래식 음악 작품 중 하나로 만듭니다.

한때 그것은 가장 추악한 발레 중 하나였습니다. 이제 "로미오와 줄리엣"은 전 세계 많은 극장에서 클래식 댄스 공연 중 하나입니다. 많은 측면에서 작곡가의 새로운 혁명적 음악은 극단에 새로운 장면과 동작 방식을 요구했습니다. 초연 전에 작곡가는 말 그대로 감독과 무용수를 설득하여 제작에 참여해야했습니다. 그러나 이것은 도움이되지 않았고 국가의 주요 극장 인 볼쇼이 극장과 키로프 극장은이 공연을 거부했습니다. 예상치 못한 후에야 엄청난 성공체코 슬로바키아의 "로미오와 줄리엣", 발레는 상트 페테르부르크와 모스크바에서 상연되었고 프로코피예프 자신이 스탈린 상을 수상했습니다.

전 세계 모든 무용단의 클래식 공연은 지젤입니다. 발레는 불행한 사랑으로 죽은 신부의 영혼 인 지프의 전설을 바탕으로 열광적 인 춤을 추며 길을 걷는 모든 청년을 쫓았습니다. 1841년 초연 이후 지젤은 무용 애호가들 사이에서 인기를 잃지 않았으며 많은 작품을 제작했습니다.

발레는 일종의 공연 예술; 그것은 음악적, 안무적 이미지로 구현된 감정이다.

발레는 안무의 최고 수준으로, 댄스 아트 15~16세기에 무용보다 훨씬 늦게 궁중 귀족 예술로 등장한 뮤지컬 무대 공연 수준으로 올라갑니다.

"발레"라는 용어는 16세기 이탈리아 르네상스 시대에 등장했으며 공연이 아니라 무용 에피소드를 의미했습니다. 발레는 발레의 주요 표현 수단 인 춤이 의상 디자이너, 조명 디자이너 등의 작업과 함께 대본, 무대 조명과 같은 극적인 기반으로 음악과 밀접하게 연결되어있는 예술입니다.

발레는 다양합니다. 줄거리 - 고전적인 내러티브 멀티 액트 발레, 극적인 발레; 음모가 없는 - 발레 심포니, 발레 분위기, 미니어처.

세계 무대는 음악에 맞춰진 문학의 걸작을 기반으로 한 많은 발레 공연을 보았습니다. 뛰어난 작곡가. 그렇기 때문에 영국 인터넷 리소스 Listverse는 역사상 최고의 발레 작품에 대한 자체 평가를 결정했습니다.

"백조의 호수"
작곡: 표트르 차이코프스키

Swan Lake의 첫 번째 모스크바 생산은 성공하지 못했습니다. 그 영광스러운 역사는 거의 20 년 후 St. Petersburg에서 시작되었습니다. 하지만 이 걸작이 전 세계에 퍼진 데 기여한 것은 볼쇼이 극장이었습니다. 표트르 일리치 차이코프스키는 볼쇼이 극장의 의뢰로 첫 발레를 작곡했습니다.
유명한 "백조"장면의 무대 덕분에 역사에 남을 유명한 Marius Petipa와 그의 조수 Lev Ivanov가 백조의 호수에 행복한 무대 생활을 선사했습니다.

Petipa-Ivanov 버전은 고전이 되었습니다. 극도로 모더니스트적인 것을 제외하고는 대부분의 백조의 호수 작품의 기초가 됩니다.

백조의 호수의 원형은 차이코프스키가 발레를 쓰기 직전에 방문한 Davydov Lebedeva 경제(현재 우크라이나 체르카시 지역)의 호수였습니다. 그곳에서 쉬면서 작가는 백설 공주 새를 보며 해안에서 하루 이상을 보냈습니다.
줄거리는 사악한 마법사 Rothbart의 저주에 의해 백조로 변한 아름다운 공주 Odette에 대한 오래된 독일 전설을 포함하여 많은 민속 모티브를 기반으로합니다.

"로미오와 줄리엣"

프로코피예프의 로미오와 줄리엣은 20세기 가장 인기 있는 발레 중 하나입니다. 발레 초연은 1938년 체코슬로바키아의 브르노에서 열렸습니다. 그러나 널리 알려진 것은 1940년 레닌그라드의 키로프 극장에서 선보인 발레 판본이었습니다.

로미오와 줄리엣은 윌리엄 셰익스피어의 동명 비극을 바탕으로 프롤로그와 에필로그가 있는 3막 13장면의 발레입니다. 이 발레는 음악과 놀라운 안무로 구현된 세계 예술의 걸작입니다. 공연 자체가 너무 감동적이어서 일생에 한 번은 볼만한 가치가 있다.

"지젤"
작곡: 아돌프 아담

"지젤" - 2막의 "환상적인 발레" 프랑스 작곡가 Adolphe Adam은 Heinrich Heine이 다시 말한 전설을 기반으로 Henri de Saint-Georges, Theophile Gauthier 및 Jean Coralli가 대본을 작성했습니다. 그의 저서 "On Germany"에서 Heine은 불행한 사랑으로 죽은 소녀들, 마법의 생물로 변해 밤에 만나는 젊은이들에게 춤을 추며 망가진 삶에 대해 복수하는 vilis에 대해 씁니다.

발레 초연은 1841년 6월 28일 J. Coralli와 J. Perrault가 안무한 Grand Opera에서 열렸습니다. 연극은 대성공이었고, 좋은 피드백언론에서. 작가 Jules Janin은 이렇게 썼습니다. “이 작품에는 아무것도 없습니다. 그리고 픽션, 시, 음악, 뉴 파스의 구성, 아름다운 댄서, 하모니, 삶의 전체, 은혜, 에너지. 그것이 발레라고 불리는 것입니다."

"호두 까는 기구"
작곡: 표트르 차이코프스키

P. I. Tchaikovsky의 발레 "The Nutcracker"의 무대 제작 역사, 문학적 기초 Ernst Theodor Amadeus Hoffmann "The Nutcracker and the Mouse King"의 동화는 많은 작가의 에디션을 알고 있습니다. 이 발레는 1892년 12월 6일 마린스키 극장에서 초연되었습니다.
발레 초연은 대성공이었습니다. 발레 The Nutcracker는 백조의 호수에서 시작하여 잠자는 숲속의 미녀에서 계속되는 선과 악의 투쟁이라는 주제가 들리는 고전이 된 P.I. 차이코프스키의 발레 시리즈를 계속 완성합니다.

고귀하고 아름다운 마법에 걸린 왕자가 호두까기 인형으로 변신한 크리스마스 이야기, 친절하고 이타적인 소녀와 그들의 사악한 상대에 대한 이야기 마우스 킹, 항상 성인과 어린이에게 사랑 받아 왔습니다. 동화 같은 줄거리에도 불구하고 이것은 신비주의와 철학의 요소를 지닌 진정한 발레 숙달의 작품입니다.

"라 바야데르"
작곡: Ludwig Minkus

"라 바야데르" - 발레 네 단계 Ludwig Fedorovich Minkus의 음악에 대한 안무가 Marius Petipa의 신격화가 담긴 7개의 그림.
문학적 출처발레 "La Bayadère"는 인도 고전 Kalidasa "Shakuntala"의 드라마와 W. Goethe "God and the Bayadère"의 발라드입니다. 줄거리는 바야데르와 용감한 전사의 불행한 사랑에 대한 낭만적인 동양 전설을 기반으로 합니다. "라 바야데르" - 모범적인 일 19세기 문체 경향 중 하나인 절충주의. "La Bayadère"에는 신비주의와 상징주의가 모두 있습니다. 첫 장면부터 "하늘에서 벌을 내리는 검"이 영웅 위에 솟아 오르는 느낌입니다.

"신성한 봄"
작곡: 이고르 스트라빈스키

봄의 제전(The Rite of Spring)은 1913년 5월 29일 파리의 샹젤리제 극장에서 초연된 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키의 발레입니다.

The Rite of Spring의 개념은 Stravinsky의 꿈을 기반으로합니다. 그는 고대 의식을 보았습니다. 어린 소녀가 장로들에게 둘러싸여 지칠 때까지 춤을 추며 봄을 깨우고 죽는 것입니다. Stravinsky는 풍경과 의상에 대한 스케치를 쓴 Roerich와 동시에 음악 작업을했습니다.

발레에는 그런 음모가 없습니다. 봄의 제전의 내용은 작곡가에 의해 다음과 같이 설명됩니다.

"잠자는 숲속의 미녀"
작곡: 표트르 차이코프스키

P.I. 차이코프스키의 발레 "잠자는 숲속의 미녀" - Marius Petipa는 "백과 사전"이라고 불립니다. 고전 무용". 세심하게 구성된 발레는 다양한 안무의 화려함에 놀라움을 금치 못합니다. 그러나 언제나처럼 모든 Petipa 공연의 중심에는 발레리나가 있습니다. 1막에서 오로라는 사물을 가볍고 순진하게 지각하는 어린 소녀다. 세계, 두 번째 - 그녀는 라일락 요정에 의해 장기적인 꿈에서 소환 된 매혹적인 유령이며 마지막에는 그녀의 약혼자를 찾은 행복한 공주입니다.

Petipa의 독창적 인 천재는 다양한 춤의 기괴한 패턴으로 청중을 현혹시킵니다. 그 중 최고는 연인 인 Princess Aurora와 Prince Desire의 엄숙한 pas de deux입니다. P.I. 차이코프스키의 음악 덕분에 어린이 동화는 선(라일락 요정)과 악(카라보스 요정) 사이의 투쟁에 대한 시가 되었습니다. 잠자는 숲속의 미녀는 음악과 춤이 하나로 어우러진 진정한 뮤지컬이자 안무 교향곡이다.

"돈 키호테"
작곡: Ludwig Minkus

Don Quixote는 발레 극장에서 가장 삶을 긍정하고 밝고 축제적인 작품 중 하나입니다. 흥미롭게도 그 이름에도 불구하고 이 화려한 발레는 결코 무대가 아닙니다. 유명한 소설미구엘 데 세르반테스, 그리고 독립 안무 작업 Don Quixote를 기반으로 한 Marius Petipa.

세르반테스의 소설에서 어떤 착취에 대비한 슬픈 기사 돈키호테의 이미지와 고귀한 행위, 플롯의 기초입니다. 1869년 모스크바에서 초연된 Ludwig Minkus의 음악에 맞춰진 Petipa의 발레에서 볼쇼이 극장, 돈키호테는 마이너 캐릭터그리고 줄거리는 사랑 이야기키트리와 바질.

"신데렐라"
작곡: 세르게이 프로코피예프

"신데렐라"- 줄거리에 따라 Sergei Prokofiev의 3 막 발레 동명의 동화찰스 페로.
발레 음악은 1940년에서 1944년 사이에 작곡되었습니다. 처음으로 Prokofiev의 음악에 대한 신데렐라가 1945 년 11 월 21 일 볼쇼이 극장에서 상연되었습니다. 감독은 Rostislav Zakharov였습니다.
Prokofiev가 발레 신데렐라에 대해 쓴 내용은 다음과 같습니다. "나는 최고의 전통으로 신데렐라를 만들었습니다. 클래식 발레,"-시청자가 왕자와 신데렐라의 기쁨과 고민에 무관심하지 않고 공감하게 만듭니다.

간행물 섹션 극장

유명한 러시아 발레. 탑 5

고전 발레는 르네상스 시대에 이탈리아에서 태어나 프랑스로 "이동"한 놀라운 예술 형식으로, 무용 아카데미의 설립과 많은 운동의 성문화를 포함하여 발전의 장점은 루이 14세에게 귀속되었습니다. . 프랑스는 연극 무용의 예술을 모두에게 수출했습니다. 유럽 ​​국가, 러시아를 포함하여. 19세기 중반, 유럽 발레의 수도는 더 이상 낭만주의의 명작 라 실피드와 지젤을 전 세계에 선사한 파리가 아니라 상트페테르부르크였습니다. 위대한 안무가 Marius Petipa가 거의 60 년 동안 일한 곳은 북부 수도에서 고전 무용 시스템의 창시자이자 여전히 무대를 떠나지 않는 걸작의 저자입니다. 후에 10월 혁명그들은 근대성의 배에서 발레를 던지고 싶었지만 그것을 방어했습니다. 소비에트 시간상당한 수의 걸작이 탄생했습니다. 국내 최고의 발레 5편을 연대순으로 소개합니다.

"돈 키호테"

발레 돈키호테의 한 장면. Marius Petipa의 첫 작품 중 하나

L.F. 의 발레 초연. 볼쇼이 극장의 Minkus "Don Quixote". 1869년 건축가 Albert Kavos의 앨범에서

발레 돈키호테의 한 장면. Kitri - Lyubov Roslavleva (가운데). A.A. 고르스키. 모스크바, 볼쇼이 극장. 1900년

L. Minkus의 음악, M. Petipa의 대본. 첫 작품: 모스크바, 볼쇼이 극장, 1869, M. Petipa의 안무. 후속 작품: St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1871, M. Petipa의 안무; 모스크바, 볼쇼이 극장, 1900, 상트페테르부르크, 마린스키 오페라 하우스, 1902, 모스크바, 볼쇼이 극장, 1906, 모두 A. Gorsky의 안무.

발레 "돈키호테" - 삶과 환희로 가득 찬 연극 공연, 성인을 결코 지치게 하지 않고 부모가 기꺼이 자녀를 인도하는 영원한 춤의 축제. 유명한 소설 세르반테스의 주인공 이름으로 불리지만, 그 에피소드 중 하나인 "키테리아와 바실리오의 결혼식"을 바탕으로 반대에도 불구하고 결국 사랑이 승리하는 젊은 영웅들의 모험을 그린다. 그녀를 부자 가마슈와 결혼시키려는 고집 센 여주인공의 아버지.

그래서 돈키호테는 그것과 거의 관련이 없습니다. 공연 내내 키가 크고 마른 예술가가 Sancho Panza를 연기하는 키가 작고 배불뚝이 동료와 함께 무대 주위를 서성이며 때로는 Petipa와 Gorsky가 작곡한 아름다운 춤을 보는 것을 어렵게 만듭니다. 본질적으로 발레는 의상을 입은 콘서트이며, 고전적이고 독특한 춤을 기념하는 행사입니다. 발레단케이스가 위치하고 있습니다.

발레의 첫 번째 제작은 모스크바에서 이루어졌으며 Petipa는 때때로 마린스키 극장의 화려한 극단과 비교할 수없는 지역 극단의 수준을 높이기 위해 여행했습니다. 그러나 모스크바에서는 숨 쉬기가 더 쉬웠으므로 안무가는 본질적으로 멋진 세월맑은 나라에서 보낸 청춘.

발레는 성공적이었고 2년 후 Petipa는 그것을 재작업이 필요한 상트페테르부르크로 옮겼습니다. 그곳에서 특징적인 춤은 순수한 고전보다 훨씬 덜 흥미로웠다. Petipa는 "Don Quixote"를 5 막으로 확장하고 "백인 막", 소위 "Dream of Don Quixote"를 작곡했습니다. "꿈"에 나오는 큐피드의 수는 52개에 이르렀습니다...

Don Quixote는 Konstantin Stanislavsky의 아이디어를 좋아하고 오래된 발레를 더 논리적이고 극적으로 설득력있게 만들고 싶었던 모스크바 안무가 Alexander Gorsky의 재 작업으로 우리에게 왔습니다. Gorsky는 Petipa의 대칭 구성을 파괴하고 "Dream"장면에서 tutus를 취소하고 스페인 무용수를 위해 거무스름한 화장을 사용하도록 주장했습니다. Petipa는 그를 "돼지"라고 불렀지 만 이미 Gorsky의 첫 번째 변경에서 발레는 볼쇼이 극장 무대에서 225 번 공연되었습니다.

"백조의 호수"

첫 공연 풍경. 큰 극장. 모스크바. 1877년

P.I. 의 발레 "백조의 호수"의 한 장면. 차이코프스키(안무가 마리우스 프티파와 레프 이바노프). 1895년

P. Tchaikovsky의 음악, V. Begichev 및 V. Geltser의 대본. 첫 작품: 모스크바, 볼쇼이 극장, 1877년, V. Reisinger의 안무. 후속 작품: St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1895, 안무: M. Petipa, L. Ivanov.

누구나 좋아하는 발레 클래식 버전 1895년에 상연된 이 영화는 실제로 18년 전에 모스크바 볼쇼이 극장에서 태어났습니다. 아직 세계적 명성을 얻지 못한 차이코프스키의 악보는 일종의 "말없는 노래"집이었고 당시에는 너무 복잡해 보였습니다. 발레는 40번 정도 하고 망각에 빠졌다.

차이코프스키가 죽은 후 백조의 호수는 마린스키 극장에서 상연되었고 이후의 모든 발레 작품은 이 버전을 기반으로 하여 고전이 되었습니다. 행동에는 매우 명확성과 논리가 부여되었습니다. 발레는 사악한 천재 Rothbart의 의지에 의해 백조로 변한 아름다운 Odette 공주의 운명에 대해 Rothbart가 그녀와 사랑에 빠진 Siegfried 왕자를 속인 방법에 대해 이야기했습니다. 그의 딸 Odile의 매력과 영웅의 죽음에 의지합니다. 차이콥스키의 악보는 지휘자 ​​리카르도 드리고에 의해 약 3분의 1 정도 줄어 재편성되었다. Petipa는 1 막과 3 막의 안무를, 2 막과 4 막의 안무는 Lev Ivanov를 만들었습니다. 이 분리는 두 뛰어난 안무가의 소명과 이상적으로 일치했으며, 두 번째 안무가는 첫 번째 안무가의 그늘에서 살고 죽어야 했습니다. Petipa는 클래식 발레의 아버지이자 완벽하게 조화로운 작곡의 창시자이자 여성 요정, 여성 장난감의 가수입니다. Ivanov는 음악에 대한 유난히 민감한 감각을 가진 혁신적인 안무가입니다. Odette-Odile의 역할은 "밀라노 발레리나의 여왕"인 Pierina Legnani가 담당했으며, 그녀는 최초의 Raymonda이자 32 푸에뜨의 발명가이기도 합니다.

발레에 대해 아무것도 모르실 수도 있지만 백조의 호수는 모두에게 알려져 있습니다. 안에 지난 몇 년존재 소련, 노인 지도자들이 자주 교체되었을 때 발레 주인공의 "백인"듀엣의 진심 어린 멜로디와 TV 화면에서 터지는 날개 팔이 슬픈 사건을 예고했습니다. 일본인은 백조의 호수를 너무 좋아해서 어떤 극단이 공연하든 아침과 저녁에 볼 준비가 되어 있습니다. 러시아, 특히 모스크바에 많은 순회 공연단은 Lebedinoy 없이는 할 수 없습니다.

"호두 까는 기구"

발레 호두까기 인형의 한 장면. 첫 무대. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. 마린스키 오페라 하우스. 1892년

발레 호두까기 인형의 한 장면. 첫 무대. 마린스키 오페라 하우스. 1892년

P. Tchaikovsky의 음악, M. Petipa의 대본. 첫 작품: 상트페테르부르크, 마린스키 극장, 1892, 안무 L. Ivanov.

책과 웹사이트에서 호두까기 인형이 클래식 발레의 아버지인 마리우스 페티파에 의해 무대에 올랐다는 잘못된 정보가 여전히 떠돌고 있습니다. 실제로 Petipa는 대본 만 썼고 발레의 첫 번째 제작은 그의 부하 Lev Ivanov가 수행했습니다. 불가능한 작업이 Ivanov의 몫에 떨어졌습니다. 이탈리아 게스트 공연자의 필수 참여로 당시 유행하는 발레 광상 스타일로 만든 대본은 Petipa의 지시에 따라 작성되었지만 차이코프스키의 음악과 명백히 모순되었습니다. 훌륭한 느낌, 극적인 풍부함 및 복잡한 교향곡 개발로 구별되었습니다. 또한 발레의 여주인공은 10대 소녀였고, 발레리나 스타는 마지막 파드되(파트너와의 듀엣, 아다지오-느린 부분, 변주곡- 솔로 댄스및 코드(virtuoso finale)). 첫 번째 무언극 행위가 주로 판토마임 행위 인 The Nutcracker의 첫 번째 프로덕션은 두 번째 행위 인 전환 행위와 크게 달랐으며 그다지 성공적이지 않았으며 비평가들은 눈송이의 왈츠 (64 명의 댄서가 참여함)와 Pas de 만 언급했습니다. 오로라가 네 명의 신사와 춤을 추는 이바노프의 잠자는 숲속의 미녀의 장미와 함께하는 아다지오에서 영감을 얻은 당의정 요정과 백일해의 왕자의 듀스.

그러나 차이코프스키 음악의 깊숙이 파고들 수 있었던 20세기에 <호두까기 인형>은 진정으로 환상적인 미래를 향하고 있었다. 소련, 유럽 국가 및 미국에서 수많은 발레 공연이 있습니다. 러시아에서는 Leningrad State Academic Opera and Ballet Theatre (현재 상트 페테르부르크의 Mariinsky Theatre)의 Vasily Vainonen과 모스크바 볼쇼이 극장의 Yuri Grigorovich의 작품이 특히 인기가 있습니다.

"로미오와 줄리엣"

발레 로미오와 줄리엣. Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939년

셰익스피어의 로미오와 줄리엣에서 줄리엣으로 패트릭 캠베플 부인. 1895년

로미오와 줄리엣의 피날레. 1940년

S. Prokofiev의 음악, S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky의 대본. 첫 번째 작품: Brno, Opera and Ballet Theatre, 1938, V. Psota의 안무. 후속 작품: Leningrad, State Academic Opera and Ballet Theatre. S. Kirov, 1940, L. Lavrovsky의 안무.

잘 알려진 러시아어 번역에서 셰익스피어의 문구가 다음과 같다면 "세상에 로미오와 줄리엣의 이야기보다 더 슬픈 이야기는 없다", 그런 다음 그들은이 음모에 쓰여진 위대한 Sergei Prokofiev의 발레에 대해 말했습니다. "세상에서 프로코피예프의 발레 음악보다 더 슬픈 이야기는 없다". 아름다움, 풍부한 색상 및 표현력이 정말 놀랍습니다. 등장 당시 "로미오와 줄리엣"의 악보는 너무 복잡하고 발레에 적합하지 않은 것 같았습니다. 발레 댄서들은 단순히 그녀에게 춤을 추기를 거부했습니다.

Prokofiev는 1934년에 악보를 썼고 원래는 극장용이 아니라 유명한 Leningrad Academic Choreographic School이 200주년을 기념하기 위해 만들었습니다. 이 프로젝트는 1934년 세르게이 키로프의 레닌그라드 살인 사건으로 인해 실행되지 않았습니다. 뮤지컬 극장두 번째 수도가 바뀌었습니다. 모스크바 볼쇼이 극장에서 로미오와 줄리엣을 상연하려는 계획도 결실을 맺지 못했습니다. 1938 년 브르노의 한 극장에서 시사회가 열렸고 불과 2 년 후 마침내 작가의 고향 인 당시 키로프 극장에서 프로코피예프의 발레가 상연되었습니다.

안무가 레오니드 라브로프스키(Leonid Lavrovsky)는 "drambalet" 장르(1930-50년대 발레의 특징인 안무 드라마의 한 형태)의 틀 내에서 소련 당국의 높은 환영을 받았으며 세심하게 조각된 대중 장면과 정교하게 조각된 장면으로 인상적이고 흥미진진한 광경을 연출했습니다. 캐릭터의 심리적 특성을 정의했습니다. 그의 처분에는 Juliet의 역할에서 타의 추종을 불허하는 가장 세련된 발레리나 배우 Galina Ulanova가있었습니다.

Prokofiev의 점수는 서양 안무가들에게 빠르게 높이 평가되었습니다. 발레의 첫 번째 버전은 이미 1940년대에 등장했습니다. 그들의 창조자는 Birgit Kuhlberg (Stockholm, 1944)와 Margarita Froman (Zagreb, 1949)이었습니다. "로미오와 줄리엣"의 유명한 작품은 Frederick Ashton(1955년 코펜하겐), John Cranko(1958년 밀라노), Kenneth MacMillan(1965년 런던), John Neumeier(1971년 프랑크푸르트, 1973년 함부르크)에 속합니다.I. Moiseev, 1958, Y. Grigorovich의 안무, 1968.

"Spartacus"가 없으면 "소비에트 발레"의 개념은 생각할 수 없습니다. 이것은 시대의 상징 인 진정한 히트작입니다. 소비에트 시대는 마리우스 프티파와 모스크바와 상트페테르부르크의 제국 극장에서 물려받은 전통적인 고전 발레와는 완전히 다른 다른 주제와 이미지를 발전시켰다. 전래 동화해피 엔딩으로 보관되었고 영웅적인 이야기로 대체되었습니다.

이미 1941년에 소비에트 작곡가 Aram Khachaturian은 볼쇼이 극장에서 열릴 기념비적이고 영웅적인 공연을 위해 음악을 작곡하려는 의도에 대해 말했습니다. 주제는 의 에피소드였습니다. 고대 로마 역사, 스파르타쿠스가 이끄는 노예 봉기. Khachaturian은 아르메니아, 그루지야, 러시아 모티프를 사용하여 아름다운 멜로디와 불 같은 리듬으로 가득한 다채로운 악보를 만들었습니다. 프로덕션은 Igor Moiseev가 상연했습니다.

그의 작품이 관객들에게 나오기까지 수년이 걸렸고, 볼쇼이 극장이 아닌 극장에 등장했다. 키로프. 안무가 레오니드 야콥슨(Leonid Yakobson)은 샌들을 신은 발레리나와 자유로운 플라스티크를 사용하여 포인트 댄스를 포함한 클래식 발레의 전통적인 속성을 버리고 놀랍고 혁신적인 공연을 만들었습니다.

그러나 발레 "Spartacus"는 1968 년 안무가 Yuri Grigorovich의 손에 히트작이자 시대의 상징이되었습니다. Grigorovich는 완벽하게 구성된 드라마 투르 기, 주인공 캐릭터의 미묘한 묘사, 군중 장면의 능숙한 연출, 서정적 아다지오의 순수함과 아름다움으로 시청자에게 깊은 인상을 남겼습니다. 그는 자신의 작품을 "발레단과 함께하는 4명의 솔로이스트를 위한 공연"(발레단 - 대량 댄스 에피소드에 참여하는 아티스트)이라고 불렀습니다. Vladimir Vasiliev는 Spartacus, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova 및 Aegina - Nina Timofeeva의 역할을 수행했습니다. 카드 드 발레는 주로 남성이었고, 이는 발레 "스파르타쿠스"를 종류 중 하나로 만듭니다.

Yakobson과 Grigorovich의 잘 알려진 Spartacus 읽기 외에도 약 20 개의 발레 작품이 더 있습니다. 그중에는 프라하 발레단의 Jiri Blazek, 부다페스트 발레단의 Laszlo Serega(1968), Arena di Verona(1999)의 Jüri Vamos, 비엔나 국립 오페라 발레단의 Renato Zanella(2002), Natalia Kasatkina 및 Vladimir의 버전이 있습니다. 그들이 감독하는 State Academic Theatre의 Vassilev 모스크바 클래식 발레 (2002).